Enrico Stinchelli - Official Site

Opera di Roma, ATTILA e i luoghi comuni.

enrico — Sat, 26 May 2012 11:14:58 +0200

Teatro dell'Opera gremito come per le grandi occasioni per l'Attila di Verdi , presentato in pompa magna con il nuovo allestimento di Pizzi e la concertazione del Maestro Riccardo Muti, entrambi -sulla carta- grandi esperti in materia. Almeno tre le grandi messe in scena realizzate da Pizzi nel corso della sua lunghissima carriera, innumerevoli le recite dirette da Muti un po' ovunque, dal Maggio Musicale Fiorentino alla Scala, persino al Met dove l'opera era pressoché sconosciuta.

Bisognerà ora fare una premessa per coloro che si avvicinano da neofiti a questo particolare repertorio. Attila è un titolo in cui il giovane Verdi profuse fiumi di buona musica, dall'intenso Preludio ai Cori,ai concertati, alcuni tra i più bei finali d'atto di tutta la storia operistica, ma anche arie e cabalette com'era in uso in pieno Ottocento, nel classico stile belcantistico derivante dal taglio delle opere rossiniane in primis e successivamente ripreso da Bellini e Donizetti. Verdi fu un amante e sostenitore assoluto del Belcanto, sarà bene ribadirlo: non mancò da studente le grandi prime scaligere, si entusiasmò per i trionfi canori di questa o di quell'altra virtuosa, visse in un'epoca in cui il successo di un autore dipendeva dalla messa in luce vocale e interpretativa dei solisti, fosse il soprano o il baritono, il tenore o persino il basso. In occasione di una ripresa di Ernani pregò l'amico Donizetti di inserire variazioni e puntature (i famosi acuti aggiunti al termine di una cabaletta o nel corso di una grande aria) per tutti i cantanti. Prassi normalissima che giustifica quindi i “da capo” scritti per ogni finale di scena,nonché i precisi segni dinamici posti da Verdi in partitura (la corona sulle pause orchestrali a significare cadenze o variazioni) e i frequentissimi accordi ribattuti che chiudono enfaticamente ogni “numero” ,quasi sempre sovrastati dall'acuto di prammatica. L'autore non aveva certo bisogno di ribadire la tonalità di do maggiore, tanto per fare un esempio, con una raffica di sol-do sol-do sol -do dell'orchestra, così...tanto per far baccano. Era evidente che tali accordi servivano di sostegno all'acuto del soprano o del tenore di turno...altrimenti l'autore avrebbe scritto una meravigliosa Coda, cosa che puntualmente avviene laddove Verdi (e gli altri) giudicavano ciò necessario.

Ora , fatte queste debite premesse di ordine belcantistico, notiamo un atteggiamento in Muti che ribalta questa situazione in favore...di sé stesso . Fatto che non dovrebbe stupire considerando la grande considerazione che il Maestro nutre per la sua immagine, ma che invece lascia basiti se si considera il luogo comune che vorrebbe Muti come “dispensatore unico e irripetibile delle sacre volontà dell'Autore”. Verdi in primis e l'Attila in particolare. Così non è. I da capo delle arie di Odabella, Foresto, Attila ed Ezio, vengono eseguiti da Muti tutti così come sono scritti, pedissequamente, senza una sola variazione e senza una sola puntatura acuta (a dire il vero, timidamente, il solo Nicola Alaimo ha aggiunto due noticine diverse nel da capo di “E' gettata la mia sorte”, così....per concessione divina). Il risultato è uno solo: quello di stancare i cantanti e di far apparire ogni cabaletta pesante e noiosa. Esattamente quello che Verdi non voleva, il contrario di ciò che una recita teatrale dovrebbe proporre. L'intera concertazione mostrava le caratteristiche ben note: un piglio paratoscaniniano , l'incalzare dei crescendi, l'esplosione dei fortissimi, con piatti, timpani, grancassa e ottavino in evidenza. L'accompagnamento delle arie generalmente ansioso e ansiogeno, la sensazione è quella di un respiro che manca o che viene mozzato in gola al povero cantante: una gabbia ritmica entro la quale doversi muovere alla “si salvi chi può”. I momenti migliori sono stati il Preludio dell'Opera e il concertato che chiude la scena di Papa Leone, sufficientemente misteriosa e cupa come Verdi esige. Lo sgabello elevato richiesto da Muti lo proponeva al pubblico in maniera sovrastante, tipo Stokowsky in “Fantasia” e l'atteggiamento era quello del “io ci sono” e l'Orchestra...pure.

Ne hanno fatto le spese soprattutto la Odabella affaticata di Tatiana Serjan, che pur con le unghie e con i denti ha cercato di restare a galla fino all'ultimo, con encomiabile sforzo. L a voce c'era fino alla sua terribile entrata “Santo di patria”, eternata da un memorabile disco di Joan Sutherland (quello sì entusiasmante) : la Serjan tende a gridare sugli acuti e soprattutto a spingere, quello è il suo guaio, ma se a ciò aggiungiamo l'accompagnamento implacabile, pesante a tratti, voluminoso oltre misura del concertatore, è facile rimetterci le penne e così di fatto è accaduto nella seconda parte dell'opera, in cui la Serjan si è presentata in difficoltà con l'intonazione e con metà della sua voce, che già non è tanta quando è tutta.

Un'altra vittima designata il tenore, qui era Giuseppe Gipali, costretto a giocare perennemente sulla difensiva. Voce di suo non grande, più adatta a repertorio leggero, umiliata dal confronto con il grande Antonello Ceron (magnifico Uldino), è rimasto travolto dai flutti sonori della cabaletta “Cara patria” ma anche ha sofferto nei duetti ed è sparito nei concertati, dove l'effetto “pesce” ha fatto pensare a una totale afonìa.

Le cose sono andate decisamente meglio con Ildar Abdrazakov, basso di bellissima voce e di sicura resa musicale, che però-a mio giudizio- non possiede esattamente la caratura specifica verdiana: mi pare più una perfetta vocalità rossiniana, troppo spesso la voce risulta leggera, senza le classiche arcate di fiato richieste da frasi come “e l'alma in petto ad Attila si agghiaccia pel terror” e con note basse non troppo sonore. Tuttavia la bellezza del colore e la grande interpretazione lo hanno aiutato a sostenere il ruolo e a uscirne con un egregio risultato, doppiamente bravo considerando la battaglia per superare quel muro orchestrale e la baldanza tonitruante del Coro.

Meglio ancora il baritono Nicola Alaimo, che si è presentato in gran forma, con recitativi scolpiti e nitidissimi e una cantabilità sempre molto calibrata nel legato e sicurissima nella zona acuta. Splendido, ad esempio, il difficile sol acuto di “la patria leverà” nel recitativo accompagnato che precede l'aria “Dagli immortali vertici”. A questo si aggiunga l'imponenza del personaggio e la maschera, davvero impressionante in quanto a espressione e forza interiore. Mi permetto solo di suggerire a questo giovane cantante una maggior attenzione all'omogeneità del suono su tutte le vocali, ogni tanto ha la tendenza a mollare il fiato su qualche “e” o a schiarire troppo qualche “a”, con l'effetto di interrompere la bellezza del flusso sonoro e del colore baritonale.

Magnifiche le frasi di Luca Dall'Amico come Papa Leone. La sua apparizione, in fondo alla scena, mi ha fatto pensare che si trattasse dello stesso Pizzi, tale era la somiglianza. Poi, udita la sonora voce di basso (persino più sostanziosa rispetto a quella di Attila) ho capito che non era lui.

Veniamo allo spettacolo di Pizzi. Grigio era il colore dominante. Grigia la scena, un muraglione a mò di saracinesca di garage che separava il proscenio, rialzato, da una riproduzione parziale della Basilica di Massenzio, anch'essa grigia e bianca, grigi i praticabili, appena interrotti da quattro gradoni bianchi in finto marmo, grigi e nerastri i costumi dei coristi, fossero Unni, Eruli, Ostrogoti o indifferentemente Eremiti. Un impianto imponente ma francamente non bello: già visto mille volte in tante Tosche (l'ultima di Bondy ma anche quella di Miller a Firenze nel lontano 1991) o nel Tristano alla Scala di Patrice Chéreau, con i luoghi comuni che si ripetono implacabili e taluni effetti evitabili: il su e giù della saracinesca o dello spaccato della Basilica alla lunga stancano e non regalano alcuna emozione. Un allestimento che poteva andar bene per almeno altri 10 titoli ed è questo il nostro suggerimento: che venga almeno utilizzato per qualche prossima Norma, Don Giovanni, Nabucco, Tosca. Almeno si risparmia. Circolano parecchie voci sui costi di questo allestimento , certamente assai oneroso: mi chiedo come possano essere sperperati tanti soldi quando eliminando uno zero dal budget si sarebbe potuto fare assai meglio e con maggior fantasia. In un momento, poi, di grave crisi per tutti e per il teatro d'opera in particolare. Tutto ciò non aiuta i nostri politici a evitare i famigerati tagli e il concetto della “cultura vista come spreco di danaro pubblico”, anzi....incentiva.

La regìa di per sé si limitava a far entrare e schierare il Coro davanti al concertatore, Odabella aveva dall'inizio alla fine dell'opera la spada in mano (pessima l'uccisione di Attila, palesemente fasulla....ma dico: con tutte le prove che si avevano a disposizione???), Ezio troneggiava , Attila si agitava in vestaglia rossa ed era l'unico, in fondo, che cercava di dinamizzare il suo personaggio, a metà strada tra Don Giovanni e Mefistofele.

Orchestra e Coro hanno dato il meglio di loro stessi, con una nota di particolare merito per il mitico ottavino di Lorenzo Marruchi.Un bel successo per tutti ma non al livello del concerto di Juan Diego Florez della sera prima, a Santa Cecilia.

LA NOTTE DEI MONTI VIVENTI...

enrico — Thu, 24 May 2012 00:38:02 +0200

L A N O T T E D E I

M O N T I V I V E N T I !!!

Horror Movie

(senza parole)

T H E E N D

PAGLIACCI!

enrico — Sun, 20 May 2012 10:56:14 +0200

Se costui è un pagliaccio....

LORO cosa sono????

??????????????????????

...e allora.....

!!!

CI VEDIAMO NEL 2013!

PRONTUARIO PER IL PERFETTO REGISTA ALLA MODA

enrico — Fri, 18 May 2012 22:49:09 +0200

Dal "Corriere della Grisi" , 17\5\2012:

un articolo estremamente lucido, divertente, amaro e condivisibile, tant'è che....

LO CONDIVIDO IN TOTO!!!

← Precede

Come diventare un grande regista “à la page” in 25 mosse

by Marianne Brandt, Scritto il 17 maggio 2012

Un regista per essere considerato “à la page” deve:

1) Ambientare l’opera nel presente con tanto di riferimenti a guerre, nazismo, attentati, condizione terzomondista, inquinamento, malattie incurabili o meglio ancora in uno spazio vuoto o astratto, oppure in una casetta lignea/ferrosa/vetrosa o stile Bauhaus, meglio ancora in un bunker o ospedale, oppure nel consolidato “teatro nel teatro”, oppure proporre la vicenda all’epoca del compositore con riferimenti alla sua biografia o all’ambiente a lui più congeniale: Rossini in gastronomia, Donizetti in un casino, Prokofev nella Mosca del compagno Berja, etc.., smentendo la componente storica del libretto, per essere più vicina al pubblico, ai giovani e “svecchiare le incrostazioni”.
La scena è consigliabile fissa, al massimo dotata di mobilio stile “Secessione” e piano ruotante.
2) Fare indossare cappotti di varie fogge, ma di colori neutri o spenti o abiti candidi.
3) Mostrare pettorali, seni, pudenda maschili e femminili, deretani.
Questo è un obbligo morale!
4) Inscenare almeno una sequenza di stupro, un’orgia, una di maltrattamento verso animali e verso donne, trattate ovviamente come buchi da riempire o poco più.
Climax obbligatorio la scena in cui ci si droga o ubriaca.
5) Far capire, lentamente, che tutto ciò che avviene in scena è il sogno, oppure una pura follia, oppure la proiezione psico-freudiana-junghiana del protagonista fragile e complessato.
6) Riconoscere che la borghesia e la chiesa sono le vere piaghe sociali: tutti siamo puttane, spacciatori, ipocriti, sessuomani dai gusti estremi, drogati, infidi, omosessuali, transessuali, maniaci sessuali, serial killer, rissaioli, violenti, mostri schizofrenici, ossessionati dal denaro e dagli oggetti, MA in fondo falsi perbenisti baciapile con un cuore d’oro e crocifisso in tasca vittime della ruota del sistema dipinto come un tirannico regime fascistoide “che schiaccia l’individuo sotto la pesante ruota del totalitarismo armato e guerrafondaio”.
Tutto questo va denunciato e sbeffeggiato.
7) Trasformare, ad un certo punto dell’azione il/la protagonista in una puttana o in un alcolista/drogato; meglio se tutti e tre contemporaneamente.
Ergersi a essere pensante superiore e ben più intelligente del librettista e del compositore; QUINDI occorre sovrapporre una propria versione dell’opera a quello che banalmente già si conosce; il finale va ovviamente stravolto.
9) Utilizzare SOLO gelide luci di taglio, oppure al neon in puro stile “asettica corsia d’ospedale” o meglio “sala settoria di anatomia patologica”, oppure di un accesissimo color pastello o stile “corto circuito” da integrare ad un abbondante uso di proiezioni che non c’entrano praticamente nulla con ciò che avviene in scena, e il cui unico scopo è scatenare una guduriosa sega mentale nei fans del regista.
Ancora meglio se la scena piomberà in un buio abissale in cui ognuno possa immaginare ciò che vuole.
L’accensione delle luci in sala durante la recita fa parte degli imperscrutabili obblighi morali di cui sopra.
10) Costringere i cantanti per 2/3 dell’opera a cantare sdraiati a terra, o in posizioni ginecologiche, o da contorsionista, per improvvisa depressione o perdita del controllo delle gambe o schiaffo/pugno/calcio o innamoramento.
11) Rappresentare il coro come un unica massa perversa, omogenea e giudicante il cui scopo è sghignazzare e far rumore durante la musica.
12) Prima dell’opera o di un atto integrare 20 minuti circa in cui denunciare un male della società o ridicolizzare il pubblico attraverso azioni insensate con l’utilizzo di ballerini, mimi travestiti da animali (meglio se esotici o scimmieschi), attori che reciteranno testi astrusi.
13) Risolvere il balletto, se previsto, come un sogno nel sogno, un incubo, una scena di tarantolati oppure con uno spargimento di sangue.
14) Sdoppiare o centuplicare uno o più personaggi attraverso un uso insistito di mimi e ballerini per confondere meglio le idee e l’azione: tutto ciò è molto intellettuale.
15) Inserire almeno una scena con uno specchio gigantesco, dritto o inclinato, che raddoppi e deformi le azioni e “permettere al pubblico di entrare nella scena facendone parte, rispecchiandosi nelle azioni narrate”.
16) Inserire OBBLIGATORIAMENTE un letto in scena che dovrà essere onnipresente e fulcro dell’azione, concentrando su di esso tutte le svolte sconvolgenti dell’allestimento; esso andrà ovviamente tolto allorché il libretto ne preveda un espresso utilizzo.
17) Sostituire le parti recitate nell’Opéra Comique con un testo scritto di proprio pugno il cui linguaggio deve essere crudo, brutale, volgarissimo a abbondare di parole come “Bitch, Putaine, Whore, Motherfucker, Bullshit, Fuck, Cock, Pussy, Asshole, Faggot” e delizie simili, perchè fa gggiovane, iconosclasta e tanto “scandaloso”.
18) Affermare che il testo del libretto sia una zozzeria indecente, che non si comprende il perchè un raffinato compositore sia stato attratto da una robaccia del genere, anacronistica all’epoca e lontana dalla nostra “sensibilità moderna” e giustificare il tutto inventandosi complessi, sindromi e traumi infantili che il poveraccio di turno ha subito da bambino. Il risultato per dare nuova linfa a queste “datate insensatezze”? Il compositore dovrà apparire in scena in maniera goffa, infantile e spaesata e interagire timidamente con i personaggi che ha creato.
19) Sostituire le scene che prevedono ambientazioni naturalistiche vicino a fiumi o foreste con discariche, fogne o strada malfamate e popolate da topi giganti, puttane, trans, gay, pervertiti, spacciatori, boss mafiosi e ladruncoli.
20) Trasformare in feticcio imprescindibile i lampadari, i capelli sporchi, le pistole, i vestiti laceri, le ferite in volto, ma soprattutto gli anfibi per i personaggi “giovani”.
21) Invadere la scena con acqua, che tra uno schizzo e l’altro si trasformerà in una fanghiglia ripugnante, oppure con della sabbia così da impedire ai cantanti ogni più naturale movimento; il che si tramuterà nella mente del critico illuminato come “la materializzazione attraverso elementi naturali della fragilità, delle difficoltà e dell’ inutilità delle umane miserie e delle contraddizioni dell’anima”.
22) Far diventare protagonista assoluto della scena, al pari del letto, un gabinetto (una moltitudine sarebbe ben più auspicabile) il cui significato saranno i critici colti, che vanno in sollucchero per i sanitari, a svelarlo.
23) Permettere ad uno o più personaggi di accedere al palcoscenico entrando dalla platea a opera iniziata; se il

cantante lo fa correndo, o sghignazzando, o in stato di delirio è meglio.
24) Tagliare o modificare arie o recitativi adattandoli al proprio allestimento o al proprio gusto personale giustificando lo scempio come “una operazione necessaria e culturale volta a rendere più fruibile, immediata e non distante dal gusto odierno del pubblico una vicenda francamente ridicola, poco credibile, invecchiata e fuori moda”.
25) Beccarsi sorridendo fischi e contestazioni: ciò rappresenta il personale trionfo e la conferma che il pubblico è ignorante, stolto, ipocrita, incivile, ha una sessualità repressa e vissuta in maniera malata, e, peccato mortale, non vive di “seghe mentali”, mentre Egli è secondo per onnipotenza e onniscienza solo dopo al Creatore!

E' MORTO IL RE: VIVA IL RE!

enrico — Fri, 18 May 2012 15:17:06 +0200

Bisognava semplicemente assistere a un suo concerto,a una sua opera o

a una sua lezione di canto: Fischer Dieskau aveva la calma e la

serenità di chi conosce la strada per arrivare al Paradiso. Un sorriso

appena abbozzato, che era più luce interiore, mostrava la conoscenza

raggiunta, la saggezza di chi ha unito -come per incanto- la tecnica

all'interpretazione, di chi sa attaccare un suono non per virtù di un

meccanismo arido ma d'una volontà e di una esigenza interiori.

La trasmissione che ho l'onore di condurre su Radio3 è stata l'unica e

l'ultima a proporre una lunga intervista con il grande baritono, uomo

schivo e restìo a perdersi in chiacchiere. Fu anche quella un'occasione

sublime per cogliere la fine e acuta visione che aveva del Canto, il

rispetto totale per la Musica intesa come modus vivendi e non come

mero sollazzo.

Dietrich Fischer-Dieskau , direbbe Carmelo Bene, è "nato sapendo" , non

ha dovuto apprendere nulla perchè tutto in lui era appreso: il suo

percorso è stato tutto un perfezionamento di ciò che già c'era, una

continua limatura operata sul capolavoro che "era" non sul capolavoro

che creava. Ed ecco perchè smisurato, infinito, fu il suo repertorio e la

varietà delle lingue e degli stili affrontati nell'arco di una carriera a sua

volta infinita, iniziata giovanissimo e terminata quando egli stesso decise

di chiuderla, con un impressionante concerto in Germania siglato dalla

Fuga finale del "Falstaff" ...."Tutto nel mondo è burla": quel suo terribile

"Tutti gabbati" , fu sibilato quasi con ferocia al pubblico attonito. Il più duro

commiato che mai interprete volle riservare a un pubblico.

La voce non lo abbandonò mai, più che ottantenne stupivano i suoi la

bemolli acuti emessi con facilità durante le masterclasses. Gli davano

fastidio i tanti allievi che lo imitavano, senza capire che bisogna

"ESSERE" Fischer-Dieskau per cantare e interpretare come lui. La sua

mezzavoce , che in sala correva da tutte le parti anche nei pianissimi

più impalpabili, i suoi legati così carichi di espressione, le messe di voce, i

trilli perfetti, le agilità sul fiato, le arcate e la varietà degli accenti, la

perfetta pronuncia, l'estensione smisurata espressa in almeno tre ottave.

Un fenomeno. Un capolavoro.

Seguire Fischer-Dieskau nel suo canto, in qualsiasi brano egli esegua,

vuol dire seguire un tracciato fedele al millesimo rispetto quello voluto

dall'autore, quasi un percorso obbligato, che fa di lui l'Interprete ideale ma

anche il co-autore. Un uomo profondo , un fine intellettuale, una forza

della Natura mossa dalla voglia di sapere e di conoscere, partendo dal

canto antico e arrivando agli autori contemporanei, senza mai indulgere

agli eventi clowneschi di tanti suoi colleghi. Mitico eppure riservato,

serissimo. Divino ma mai Divo.

Grazie Sommo Cantore e che Dio ti abbia in gloria!

Le perle bianche di Desirée Rancatore e Celso Albelo al Verdi di Salerno

enrico — Fri, 18 May 2012 01:12:38 +0200

Una serie di scroscianti applausi e di autentiche ovazioni ha salutato l'ennesima produzione vincente realizzata dal Teatro Verdi di Salerno, stavolta “Les pécheurs des perles” di Bizet, trascinata al trionfo dalla direzione raffinata e partecipe di Daniel Oren , dalla regìa attenta e scrupolosa di Riccardo Canessa, e dal “Duo Merveille” costituito dal tenore Celso Albelo e dal soprano Desirée Rancatore, due autentici fuoriclasse che si sono riuniti in coppia per la delizia e il godimento estremo degli amanti del Belcanto.

E' raro trovare un binomio vocale tanto affiatato e preciso, tanto attento a rispettare una linea elegante e virtuosistica al tempo stesso, culminante nelle rispettive arie e nei duetti, che sono il cardine di un piccolo grande tesoro operistico, poco conosciuto oggi in Italia ma un tempo frequentemente in repertorio. Tutti i grandi tenori, tanto per dire, hanno avuto in repertorio l'aria “Je crois entendre encore” , da Caruso a Gigli, da Gredda a Vanzo, da Kraus a Celso Albelo, ognuno con le sue proprie caratteristiche timbriche, con le proprie nuances. Albelo ha cesellato l'aria con magnifica morbidezza, scegliendo la strada della mezzavoce ma senza mai perdere il necessario appoggio sul fiato, che è la chiave per superare l'ardua tessitura. Come ulteriore prodezza, ha cantato l'aria sdraiato, in posizione affatto comoda.

Ma ugualmente perfetto è stato il grande duetto con il baritono, il duetto con Leyla, il terzetto: una prova superata da grandissimo interprete e con la serenità che è propria dei grandi interpreti.

Dal canto suo Desirée Rancatore ha offerto una prova esemplare. Ormai non è più l'usignolo sopracuto utilizzato per bambole o Regine della Notte, o meglio: ha conservato la facilità nel registro alto e l'agilità, ma ha aggiunto una nuova rotondità nei centri e un velluto più spesso, che la destina certamente a ruoli via via più lirici. Leyla nei Pécheurs è del resto una sorta di via di mezzo tra Micaela (Carmen) e Lakmé: non sfoggia agilità vorticose ma delicati melismi esoticheggianti, non è estesissima ma la tessitura è acuta, perciò più difficile. La Rancatore si è ovviamente divertita a inserire un paio di sopracuti fuori ordinanza, uno al termine del duetto con il baritono e questo per ricordare a tutti la sua straordinaria estensione. Meravigliosa ed evocativa l'aria “Comme autrefois” , dipinta nota per nota con grande intensità e adamantina perfezione musicale.

Da aggiungere a questi dati vocali la perfetta interpretazione dei ruoli, grazie anche alle indicazioni precise e coerenti del regista , Canessa, che ha rappresentato l'opera attraverso indovinate simbologìe indiane, prima con grandi parasole ornati, poi con un gigantesco rudere a forma di braccio con una grande perla tenuta nella mano, poi con un tempietto, il tutto impreziosito da luci indovinate e da proiezioni delicate e per nulla invasive.

Daniel Oren , pur famoso per l'etichetta di direttore verista e legato ai titoli verdiani di repertorio, si è dimostrato il grande maestro che è nel sottolineare le infinite finezze di Bizet, ma anche ricreando in orchestra la forza trascinante delle tante danze, dei Cori, l'impeto delle chiuse d'atto. Orchestra e Coro in stato di grazia, un lavoro perfetto da parte del maestro del Coro, Petroziello.

Il baritono, Luca Grassi, subentrato sul filo di lana per improvvisa indisposizione del collega originariamente previsto, si è impegnato molto ed è arrivato onorevolmente al termine della sua recita: la voce non è bellissima, un colore troppo chiaro e metallico, ma musicalmente a posto. Il basso Alastair Miles non aveva arie ma solo interventi qua e là, frasi eseguite con autorevolezza ed efficacia negli accenti imperiosi.

Eleganti e virtuosistiche le danze coreografate da Pina Testa.

“ La forza del nostro teatro è il fatto che riusciamo a lavorare benissimo in tre: io, il maestro Marzullo e Rosalba Lo Iudice, senza ostacoli o pressioni da parte di chiunque” , ci ha detto il maestro Oren al termine della recita, “ In altri teatri in cui ho lavorato non si potevano scritturare artisti fantastici, come per esempio il basso Giaiotti, per favorire questo o quell'altro raccomandato dai dirigenti del teatro e dai politici, all'epoca molto più interessati di oggi. Qui a Salerno è una sorta di isola felice: scegliamo gli artisti migliori, a nostro giudizio, e li mettiamo nelle condizioni di lavorare in assoluta tranquillità e con la collaborazione di tutti. Non servono oltre due settimane di prove: ho assistito a prove di un mese da parte di registi che arrivavano senza capire nulla e così restavano fino alla fine, senza capire nulla loro e senza far capire nulla al pubblico. Così noi qui procediamo badando all'essenziale e con un cartellone vario: quest'anno due gioielli come Pescatori di perle e Robert le Diable, oltre a opere di repertorio, per appagare tutti i gusti del pubblico e creare sempre più interesse attorno al nostro teatro.Vedo che la formula funziona, ogni sera abbiamo il tutto esaurito, andiamo avanti così, in controtendenza mentre fuori impazza la crisi.”

CENERENTOLA Andermann-Verdone: FAMOLA STRANA!

enrico — Tue, 08 May 2012 23:38:04 +0200

Siamo abituati ormai alle trovate di Andrea Andermann, senza le quali,

diciamolo in modo chiaro....il mondo operistico sarebbe decisamente più

vuoto e noioso.

Arriva dunque la tanto vagheggiata "Cenerentola" di Rossini , che

sbarca su RaiUno nei primi giorni di giugno, tra circa un mese. Location

la meravigliosa reggia di Stupinigi a Torino.

Andermann mantiene il più stretto riserbo sul cast, lasciandosi solo sfuggire

il nome di Ruggiero Raimondi come Don Magnifico e presentando alla

conferenza stampa il maestro Gianluigi Gelmetti, che per la prima volta

sale sul podio che fu fino ad ora di assoluto appannaggio di Zubin Mehta.

Tuttavia, siamo riusciti a sapere qualcosa di più:

Cenerentola, Angelina, è Ketevan Kemoklidze , un'altra beltade proveniente

dalla Georgia , attualmente il paese produttore principe delle più importanti

vocalità liriche nel mondo. Sarà stato Domingo a raccomandarla all'amico

Andermann? Facile sospettarlo, considerando che tra i prestigiosi concorsi

vinti dalla bellissima Ketevan c'è proprio il dominghiano Operalia.In appena

10 anni di carriera la Kemolidze ha già praticamente cantato in tutti i più

importanti del mondo,partecipando anche a un film di Carlos Saura, o

Don Giovanni.

Uruguayano è Don Ramiro, il tenore Edgardo Rocha , che ha studiato con

Salvatore Fisichella, Rockwell Blake e Alessandro Corbelli. Lo si è visto e

ascoltato a Martinafranca nel 2010 , quando fu protagonista dell'impervio

GIanni di Parigi.

Due validi rossiniani come Lorenzo Regazzo e Simone Alberghini sono

rispettivamente Alidoro e Dandini.

Dalle prime indiscrezioni apprendiamo che sono molti i tagli , tra

cui purtroppo il duetto Dandini- Magnifico e l'aria "Sia qualunque delle

figlie" , due momenti musicali molto importanti e che -risparmiando la voce

all'ormai ritiratosi Ba Bau- lasciano spazio all'inserimento delle danze tratte

dall' Armida per una grande scena di ballo, certamente più televisiva (Milly

Carlucci docet).

Verdone avrà il suo bel da fare, soprattutto per risolvere il terribile

problema dei recitativi (quelli sì anti- televisivi), che rischiano di

far cambiare canale a un bel pò di utenti. Pare che saranno utilizzati

anche i cartoni animati...insomma....FAMOLA STRANA.

Vi terremo aggiornati....

Nuove e più terrificanti (?) notizie dal "fronte" torinese in

cui sta per consumarsi l'immolazione di "Cenerentola"

già ribattezzata "CenerAntola" .

TAGLIATI VIA TUTTI I RECITATIVI. Ebbene sì....la bomba era nell'aria ,

diciamo pure "inevitabile" considerando il target e le esigenze di una simile

folle impresa.

Scandalo? Vituperio? Non so. Certo è che i recitativi avrebbero letteralmente

ucciso la già periclitante audience , in un paese assuefatto ormai ai Grandi

Fratelli & C.

Ora la vicenda non ha più ne capo né coda, e Verdone avrà campo libero per

scatenare la sua fantasia e venire incontro alle esigenze del cosiddetto

"grande pubblico".

E Gossett in tutto ciò? E Gelmetti?? Secondo me saranno giustamente

massacrati. Da noi, da quelli come noi. Per loro fortuna siamo pochi, ma

rumorosi. E' il prezzo da pagare per la loro scrittura, che suppongo

mediamente cospicua.

In questo momento vi sono due Cenerentole in ballo: la Kemolidze e una

giovane ucraina (ormai impazzano) più brava di lei...dicono. Chi sarà l'eletta?

Non si sa....ma tanto...."Questa o quella...."

Comunque vada sarà un successo?

TRAVIATA a Loggione, Canale5 , 3\5\2012

enrico — Sun, 06 May 2012 18:18:28 +0200

Loggione, Canale 5, condotto da Vittorio Testa, dedica due

puntate alla Traviata di Verdi andata in scena a Salerno il 22 \4\2012

Ecco il link della prima puntata (5\\5\2012):

http://www.video.mediaset.it/video/loggione/full/300429/puntata-del-5-maggio.html

e su youtube:

Il soprano Maria Agresta (Violetta)

OPERA BURLESQUE: cronache dal Metropolitan di New York

enrico — Tue, 01 May 2012 22:04:31 +0200

Se da noi si piange...a New York si ride!

Dalla nostra inviata speciale a New York, Lilian Bernheimer.

La prima cosa che noti passeggiando per le vie affollate della Grande Mela è

l'inconfondibile effluvio di patatine fritte. E' un olezzo che senti ovunque, nei

bar, nei ristoranti certo, ma anche lungo Central Park, nel foyer del

Metropolitan: persino allo Zoo, dove sarebbero gli animali ad avere la meglio

sulla frittura. Niente: le chips imperano. E con il fritto il sovrappeso degli

abitanti che ne abusano quotidianamente. Al Metropolitan si assiste a una

strana passerella: la fila dei ciccioni che si avvia in teatro scortata dal

personale, in sedia a rotelle. Poi, giunti sulla soglia dell'ingresso in platea, il

miracolo: i colossi si alzano, novelli Lazzaro, e raggiungono barcollando i loro

posti.

Le signore, rigorosamente impellicciate e senza calze, si presentano

abbastanza eleganti e con borsette e scarpe firmate. Non tardano però a

restare scalze e più di qualcuna, accavallando le gambe sulle ginocchia

dell'accompagnatore, si fa massaggiare i pieducci durante “Recondita

armonia” o “Di provenza”..., come fossero tranquille nel salotto di casa.

Singolare che nei bagni del Met la coda non la facciano le donne ma

soprattutto gli uomini: di solito avviene il contrario in Germania ma anche nei

nostri teatri. Chissà perché.

La principale caratteristica del maggior teatro americano è il fatto che tutti

ridano, in continuazione e nei punti più impensabili. Complici i sovratitoli, che

gli americani leggono avidamente, le esplosioni di ilarità colpiscono il Don

Giovanni di Mozart (le entrate di Donna Elvira, immancabili) quanto Verdi,

Bellini, Donizetti , Puccini (“Ma falle gli occhi neri”...giù risate) e persino

Wagner. Nella Walchiria che sta andando in scena in questi giorni un boato di

risa inconsulte accompagna la celebre Cavalcata, meglio che per le comiche

di Stanlio e Ollio.

Una gigantesca Fricka, Stephanie Blythe, viene collocata su un trono e da

quello non può, non deve spostarsi, essendo una signora che supera i 200

chili: non appena la poveretta si erge faticosamente per emettere un acuto

impegnativo ecco esplodere implacabile la risata di tutto il Met, prima che la

ingombrante artista torni seduta.

In Traviata entra il padre nella festa di Flora e redarguisce Alfredo :”Disprezzo

degno, sé stesso rende, chi pur nell'ira la donna offende”. Non basta

nemmeno l'adorato divo Hvorostovsky a placare

l'ilarità nervosa degli astanti: alla frase “dov'è mio figlio, più non lo vedo”

ripartono le risatazze. Povero Verdi, poveri noi.

Mario Del Monaco abbandonò sdegnato il Met nel 1959, quand'era in auge,

dicendo che l'America avrebbe rovinato l'Europa. Fu buon profeta.

Al Metropolitan si assiste oggi al singolare fenomeno che potremmo definire

“dell'immolazione delle voci”, soprattutto quelle molto sostenute dal battage

pubblicitario.

Natalie Dessay, un tempo stella luminosa e svettante, non

riesce oggi a chiudere il primo atto di Traviata in modo decoroso: la voce ,

stremata, inizia a scomparire già dopo una ventina di minuti dall'apertura di

sipario (effetto del cortisone a corto raggio?) e la recita prosegue tra afonìe e

improvvisi abbandoni. Nel II atto subentra la Hong, un soprano che da circa

vent'anni sostituisce al volo le colleghe defezionarie. Lei, in compenso, sta

sempre bene e riesce persino a mostrare un bel paio di gambe col vestitino

rosso di Violetta Valéry.

Ma i malati, veri o immaginari, abbondano, si è detto: quando c'è Walchiria si

ammala puntualmente Kaufmann, il tenore del momento, sostituito all'ultimo

istante dal marito del soprano Westbroeck. “Siate clementi e sostenetelo

qualunque cosa faccia!” implora Peter Gelb, il general manager del Met al

pubblico, “ Era qui come turista ....”. Il pubblico applaude ma...ricordate: se

siete a New York in gita turistica, non dimenticate di ripassarvi la Walchiria!

Applausi trionfali per il tenore Piotr Beczala in Manon, al baritono Bryn Terfel

come Wotan,a Dimitri Hvorostovsky, forse il più amato di tutti, persino più

della Netrebko.

Il maestro Luisi fa il suo ingresso in buca per Walchiria e ha una convinta

ovazione. Entra per il II atto e gli applausi si sono notevolmente ridotti, al III

atto sono pochi applausi di cortesia: troppe imprecisioni nei vari reparti, troppi

attacchi sporchi, troppa confusione all'inizio del II atto,

a un certo punto l'orchestra sembrava entrare a canone, evidentemente

poche letture e prove raffazzonate. Peccato per il maestro italiano.

Mentre durante i lunghi intervalli si consumano tramezzini e si improvvisano

picnic in sala, nel foyer si possono ammirare le foto degli interpreti in ordine

rigorosamente alfabetico. Grande cavolata, l'ennesima: col risultato di vedere

in basso ad altezza d'uomo i comprimari che iniziano con la A e magari

Pavarotti confinato in alto, quasi invisibile.

Per Domingo invece una intera cappella, interamente consacrata alle sue

diecimila battaglie.

Veriano Luchetti, ricordo di un grande tenore.

enrico — Mon, 23 Apr 2012 19:22:59 +0200

Vorrei, con infinita tristezza, ricordare la figura del tenore Veriano Luchetti , scomparso stanotte all'età di 73 anni, e che è stato uno dei miei tenori preferiti. Direi anzi il primo che mi abbia davvero entusiasmato a teatro, quando ho iniziato a fare la fila per i posti in loggione. Aveva una voce molto voluminosa e schietta nella dizione, con una generosità nel cantare che corrispondeva perfettamente alla generosità della persona.

Veriano iniziò ad affermarsi dopo una strepitosa e rara “Africana” di Meyerbeer, eseguita sotto la bacchetta di Muti nel 1971 a Firenze: da quel momento divenne il tenore prediletto del famoso direttore d'orchestra, per almeno un ventennio. Cadde in disgrazia quando “osò” accettare di cantare a Bologna i Vespri siciliani sotto la bacchetta di Chailly, una scrittura che Muti vide come un affronto personale dopo che la parte era stata accuratamente preparata con lui , sempre al Maggio, qualche anno prima. Ma la carriera di Veriano Luchetti, nonostante la concomitante presenza di nomi eccezionali (Pavarotti, Domingo, Carreras, Aragall, in primis, ma ancora Bergonzi, Kraus,Bonisolli, Giacomini, Merighi, Cecchele....e chi più ne ha più ne metta) svettò verso mete eccezionali, tra cui il Macbeth e il Simon Boccanegra alla Scala con l'abbinata Abbado-Strehler , che restano le sue migliori affermazioni insieme a una vera e propria specializzazione come tenore del Requiem di Verdi.

Grazie alla qualità superiore della sua natura vocale, Luchetti poté spaziare da Cherubini ,Donizetti a Verdi e Puccini, includendo tra i suoi personaggi un eccellente Don José, cantato spesso con la Horne come Carmen.

Signori miei, che voce in teatro! Squillante, morbida, perfetta nella scansione degli accenti,dai fiati lunghissimi, con una caratteristica “e” schiacciata e con un falsettone prodigioso, dolcissimo, che ricordava Gigli.

Come persona era il classico bonaccione , con la battuta pronta e quel tipo di ironìa tipicamente laziale (era nato a Tuscania, in provincia di Viterbo). Una volta a Verona, cantando Calaf con Grace Bumbry nella parte di Turandot, gli chiesi: “Veriano, ma come hanno truccato la Bumbry (nera come il carbone) da principessa cinese?”. E lui subito: “ Aoh, è entrata in camerino pareva un tartufo de Norcia....è uscita truccata...pareva na' trota 'nfarinata!”.

Coppia fissa e inossidabile con il soprano Mietta Sighele (alla quale va il mio abbraccio e la mia partecipazione a questo indicibile lutto). Insieme hanno cantato centinaia e centinaia di recite (Mietta le chiamava “le mille battaglie”) e seguire i loro ricordi a tavola o nel salotto della bellissima villa a Riano poteva farti rischiare l'infarto per le risate. Ce n'era per tutti, ma sempre con bonomìa e senza acredine alcuna. Indimenticabile lo scambio di battute tra Mietta e Veriano dopo un Requiem di Verdi che il tenore cantò a Montecarlo con la Ricciarelli. “Veria', com'ha cantato la Katia?” , e lui “Mie'...na' favola!”. “E il Libera me domine?” , e lui “Na' meraviglia, un trionfo” , “ E il si bemolle?” fa lei satanica e lui, dopo una brevissima pausa...”Un urlo belluino!”.

Negli ultimi anni, dopo il ritiro dalle scene, si erano dedicati all'insegnamento e ai Corsi di Riva del Garda, con la stessa dedizione e l'entusiasmo di quando erano in carriera. Qualche anno fa Veriano fu colto da un brutto ictus, che stava per spedirlo anzitempo all'altro mondo. Un giorno mi telefonò e disse: “A Eri', non so' ancora rincojonito...e prima che ciò avvenga vorrei che tu mi trovassi la Lucia con la Sutherland, fu una bella recita, tu ce l'hai completa?”. Io non la possedevo, solo il duetto e la scena finale. “Vabbe'...portame quella, è una buona occasione per vedersi...”. Come spesso capita quell'occasione non venne più.