‘La montaña rusa’ es la típica comedia española: sexo, personajes exagerados y voz en off para explicar lo que Veronica Sánchez no alcanza con su expresión. Creo que el problema es que sería mejor si se hubiese estrenado hace diez años, y no siendo un intento fallido de repetir la fórmula trillada. Por supuesto, también tiene cosas buenas, de lo contrario no hablaría sobre ella: Alterio interpreta a un clown maravillosamente con una actuación muy física, y haciendo dúo con San Juan, consiguen una complicidad muy divertida que acaba en un sketch muy plástico y desternillante – de hecho, parece que muchas de las frases de la película intentan abocarnos a esto-, y también están bien una serie de personajes secundarios que son los que aportan un toquecillo de aire fresco, propio de comedia de situación.

‘Tan fuerte tan cerca’ es un drama lacrimógeno. Y con esto no desvelo el final; la ecuación es sencilla: niño problemático+ padrazo muerto en las Torres Gemelas + desconocidos amables = lagrimones. Si embargo, no resulta buena, entre otras cosas, porque tratar el tema de las victimas del 11-S es construir un relato sobre terrenos pantanosos y el resultado es que todo suena un poco falso y premeditadamente melodramático. Tópicos finales como con el descubrimiento turbador (de llorar) y la secuencia de montaje explicativa (de llorar más) incluidos. Así, el resultado es muy desigual pese a contar con personajes interesantes y muy bien interpretados: Max Von Sydow consiguió varias nominaciones a mejor actor secundario, sin pronunciar una sola palabra; Viola Davis está muy correcta y Sandra Bullock parece que ha aprendido a hacer drama al cumplir los 45 -estáis deseando saberlo, perversos, es de 1964-. Además el niño hace palidecer de envidia al protagonista de Hugo.

El cine es espectáculo y hay veces que uno se sienta en la butaca solo con ese objetivo: evadirse y entretenerse. Con ‘La montaña rusa’ al menos un par de risas caen -y puedes disfrutar de la actuación de María Lapiedra haciendo lo que mejor sabe hacer- y con ‘Tan fuerte, tan cerca’ te puedes emocionar y descargar tensiones. Todo en dos horas. Si en cambio este fin de semana estás más intenso, vete a ver ‘Tenemos que hablar de Kevin’ con Tilda Swinton como protagonista absoluta y quinta en discordia en todas las nominaciones a mejor actriz protagonista de este año. En cualquier caso, ve al cine y, al menos, disfruta tus palomitas.

Para que no nos asustemos, la Muestra SyFy es mucho más que un ciclo de cine de frikies, es para todos (TODOS) los públicos. Para muestra un botón:la muestra arranca con el prestreno de John Carter en 3D -superproducción de Disney, basada en los cómics del mismo nombre y, sobre todo, en la espectacularidad de los efectos y en los cuerpos sudados y semidesnudos de los protagonistas-. Pero también se proyecta ese mismo día el clásico expresionista “El gabinete del Doctor Caligari” con música en directo de Pegasus. El sábado por la mañana, sesión matinal infantil con la película de animación “Lórax. En busca de la Trúfula perdida” y con varias actividades para niños antes de la proyección. E incluso hay sitio para cine más íntimo, con la nueva creación de Abel Ferrara “4:44 Last day on Earth” protagonizada por Willem Dafoe viviendo el apocalípsis, sabiendo que es el último día de la humanidad.

Este año la Muestra -presentada de nuevo por Leticia Dolera- se vincula al cine apocalíptico y así nos encontramos también con varios platos fuertes que no son aptos para cardíacos: Stake Land, en la que hombre convertidos en vampiros intentan acabar con los restos de la civilización tal y como la conocemos. Protagonizada por Nick Damici y Connor Paolo (en un sorprendente cambio de registro ya que fue el hermano de Serena en Gossip Girl y Declan en el éxito de la TV americana, Revenge). “Hobo with a shotgun” surgida del los trailers falsos del programa doble de Grindhouse de Tarantino y Robert Rodriguez. Y también “The Woman” la película que por su historia con extrema violencia ha llamado mucho la atención, ha sido premiada en Sitges y ha formado parte de la sección oficial de festivales como Toronto o Sundance.

Y por último, nos encontramos con dos ocasiones especiales, que han unido fuerzas con la 9ª Muestra de cine fantástico: por un lado, se celebrará una sesión la madrugada del sábado de “Trash entre amigos”, que ha tenido mucho éxito en anteriores ocasiones y que consiste en el visionado de una película de Serie B con comentarios sarcásticos de Nacho Vigalondo y sus secuaces -esa es la teoría, en la práctica no todo es tan predecible-. Y por otro lado habrá un especial de “Phenómena” (sesión doble de clásicos de la ciencia ficción) que nos permitirá en pantalla grande “El planeta de los simios” protagonizada por Charlton Heston y “Ultimatum a la tierra” de 1951

Coge entradas individuales, o el abono completo, y elige entre la programación y pásate. Eso sí, según lo que decidas ver, llevate contigo a alguien que grite más para no pasar vergüenza si lo que vas es a pasar miedo; o una camiseta de recambio si vas a meterte en un baño de sangre.

Luces Rojas, protagonizada por Cillian Murphy, Robert de Niro y Sigourney Weaver, se puede incluir dentro de ese subgénero, tan de moda algunos años atrás, del límite entre la prestidigitación y lo paranormal. Margaret Matheson (Weaver) y su ayudante (Murphy) estudian casos de fenómenos paranormales desenmascarando a timadores y supuestos psíquicos. El único caso que se les resiste es el del psíquico más famoso, Simon Silver (De Niro). A partir de esta premisa, Cortés usa en su guión -dicho por el mismo- la misma estructura que en un truco de magia: primero coloca al espectador en una situación donde tiene el control, donde elige la carta. Para luego ponerlo en tensión preocupándose por la habilidad y rapidez de las manos del mago y acaba con la estupefacción ante el resultado inexplicable. En este caso, el guión funciona guiando al espectador y sorprendiéndole a ratos pero sin engañarle -algo muy de agradecer- y asustándole y poniéndolo en tensión por momentos.

Los actores acompañan además, cada uno en su papel. Tanto los tres protagonistas -gracias De Niro, por volver a hacer grandes cosas- como los secundarios: Joely Richardson (Los Tudor, Los hombres que no amaban a las mujeres) da mal rollo desde su primera aparición hasta la última.
Un guión muy bien articulado y unos actores que te llevan a involucrarte en la historia. En realidad, se puede definir la película como se define la atmósfera: neutra a primera vista, cruda por momentos, pero con espacio para la superstición.

¿Y ahora adonde vamos? Aborda la vida cotidiana en un pequeño pueblo libanés donde conviven cristianos y musulmanes en armonía; de hecho, las mujeres son amigas sin importar su condición religiosa. Ellas serán las que intentarán calmar las aguas cuando los hombres empiezan a entrar en una espiral de odio y violencia separatista. Lo maravilloso de esta película es que -cómo los relatos fantásticos- dota a la historia de un halo de irrealidad para así poder llegar al núcleo del tema: conviven, tienen sus diferencias, pero no son insalvables. Con esta premisa se pueden plantear varias preguntas: ¿Es realista? No, es un cuento dulce, con momentos cómicos, absurdos y muy tiernos. Y, al igual que en Caramel, la música ocupa un lugar importante y destacado. ¿es, entonces, moralista? Tampoco. Labaki, construye una historia tierna en un contexto real que a ella le es cercano, como un modo de expresión, siendo consciente de lo complicado de la situación pero dejando margen al Realismo mágico. Puede que no sea una película redonda, pero es de esas películas de las que sales con una sonrisa.

Dos películas para este fin de semana. Vibra en el asiento y usa las zonas inexploradas de tu cerebro. También puedes darle unas vacaciones y primar lo que esta un par de palmos más abajo. En cualquier caso disfruta del cine. Acuérdate de todas las veces que en verano te apetece meterte en una sala fresquita y no hay nada que merezca la pena ver. Aprovecha estos meses que estamos en temporada alta cinematográfica.

La película está envuelta en un halo irreal y mágico. Nos introduce en un París emotivo hecho a la medida de la historia, donde el cine -como ilusión y también como entretenimiento, cobra un papel destacado- y en él comienza a desarrollar una trama que apela directamente al corazón pero que, desgraciadamente pierde fuelle en varios momentos y en otros se pierde un poco intentando abordar las subtramas que plantea.

En un reparto, para ser francos, bastante desigual cabe destacar a Ben Kingsley, que alcanza las entrañas del espectador casi sin que este se dé cuenta y a Sacha Baron Cohen (conocido por Brüno o Borat) con un personaje histriónico pero que en nada desentona en esta estación. Falla sin embargo el niño protagonista, Asa Butterfield, que a ratos parece que ni siente ni padece.
Hay, además, tres aspectos que se deben destacar: en primer lugar, la música, que va guiando y dando coherencia a la película en todo momento con buenos resultados. Por otro lado, la dirección de arte, vistiendo este mundo -ilusionante, barroco y navideño- con sus propios códigos estéticos pero que asume y renueva con acierto los preceptos del cine más clásico. Y, por último, un aspecto más técnico, el 3D. Esta es una de esas películas en que el 3D vale lo que cuesta. Esas que se cuentan con los dedos de una mano.

Llegados a este punto, puede que te preguntes en qué momento un huérfano, un juguetero y una estación de tren tienen que ver con el cine. Si no lo sabes y eres cinéfilo hazte un favor y no leas nada más, no lo averigües y entra en la sala. A mi me pasó eso, porque -gracias a Wilder- a veces soy un poco despistado, y la sorpresa es deliciosa. Si lo sabes, no pasa nada, porque Scorsese -y este es uno de sus grandes aciertos como director en la cinta- te introduce perfectamente en el “alma” de ese cine del que habla.

Difícil elección esta semana a la hora de escoger película. Este canto de amor al cine merece una entrada, pero también se estrena ‘Mi semana con Marilyn’, el retrato de la estrella que encarna Michelle Williams, llenando la pantalla y que le ha valido ya varios premios e infinitas nominaciones. Si no te decides y se te escapó en su momento, aprovecha que triunfó en los Goya y ve a ver ‘No habrá paz para los malvados’ el western urbano de Urbizu que vuelve a algunos cines y que no tiene desperdicio. Definitivamente, si este fin de semana pasas frío en la calle es porque quieres.

Una película es diferente de la vida, por mucho que la retrate. Tiene un principio, un desarrollo y un fin en un periodo muy corto -bueno, relativamente, “War Horse” dura más de dos horas y media- y sobre todo debe tener una estructura narrativa. Todo lo contrario a la vida. “War Horse” tiene esta estructura cerrada y marcada, y juega según esas reglas, pero también juega a ser una galería de historias distintas que tienen poco o nada que ver con la trama principal. La visión es más completa y, sobre todo, más humana, pero a cambio pierde ritmo y se vuelve un tanto pesada. “Declaración de Guerra” no hace lo mismo, tiene un principio y un fin, pero mucho más diluidos. Podría empezar antes y podría terminar después. Es un fragmento de las vidas de los protagonistas, y como tal, por más que sea un drama, los protagonistas también se ríen y disfrutan. Esto, el narrar la vida un poco al margen de los convencionalismos de género, es un respiro de aire fresco, pero también puede distanciar un poco al espectador.

Otra característica básica del cine es el artificio, el ‘No debe ser la realidad, sino que debe parecerse a la realidad’. “War horse” juega con todo el artificio para ponerlo al servicio de las emociones: John Williams crea una banda sonora emotiva -que le ha valido la enésima nominación al Oscar-, efectos especiales y medios técnicos de todo tipo para que el espectador se sienta en una trinchera en Normandia, y también una luz muy cinematográfica, que en este caso creo que por demasiado aparatosa no consigue plenamente el efecto deseado. Y el director es Steven Spielberg, puede gustarte más o menos, pero como director es un fuera de serie y hay secuencias en War Horse que quitan el hipo. “Declaración de guerra” juega con el artificio exactamente al revés, aproximándose a la realidad lo más posible para que el espectador también la sienta cerca: sonido directo, poca iluminación y escenarios y personajes reales -lo que tiene un valor extra al pasar la mayor parte del tiempo en hospitales rodeados de enfermeras-. Con esto, algunas de las “trampas del cine” llaman más la atención y pueden no funcionar tan bien, pero el espectador también se siente un integrante más de esta familia en periodo de crisis.

En definitiva, cuando esta semana vayas al cine, piensa si prefieres algo íntimo, una historia pequeñita que te susurran al oído y se te mete dentro, siéntate entonces ante “Declaración de guerra”. Si quieres en cambio ver como funciona la magia del cine, y ver cosas que no habías visto, entonces “War Horse”. Ninguna de las dos es perfecta. Cualquiera de las dos merece la pena.

La trama gira en torno a un complejo triángulo amoroso entre tres perdedores que conviven en este pequeño hotel: Albert Nobbs -Glenn Close, nominada al Oscar a mejor actriz protagonista por este trabajo-, diligente camarero con sueños de una vida normal; Helen,una joven y alocada doncella, interpretada por Mia Wasikowska (Alicia en el país de las maravillas, Jane Eyre) y Joe, un buscavidas bastante amoral al que da vida Aaron Johnson, (Nowhere boy, Kick-Ass). Ademas, al modo de Arriba y abajo o Gostford Park, en Albert Nobbs también se ven las relaciones entre sirvientes y señores y el continuo juego de apariencias que lo inunda todo a través de un gran número de personajes secundarios -bien dirigidos por Rodrigo García (In treatment, Nine lives)- que convierte definitivamente este film en una película de personajes. Mención especial entre estos secundarios merece Janet McTeer, que ha visto su gran trabajo también compensado con una nominación a mejor actriz de reparto en los próximos Oscar.

Albert Nobbs es Glenn Close. Básicamente porque ella es el alma del proyecto -protagonista, productora, coguionista y hasta colaboradora en la banda sonora- desde que interpretó el papel hace más de 20 años en el teatro. Y en la piel del camarero está estupenda, haciendo de mujer que ya es casi un hombre pero que quiere ser mujer, y que es, además, introvertida y tímida y tenaz y callada. De hecho, este año ella es la eterna nominada y casi eterna perdedora ante The Iron Lady. No creo, de hecho, que a nadie le extrañase que Glenn Close disfrute clavando agujas en un muñeco budú de Meryl Streep. Sin embargo, y parece una paradoja, ambas películas comparten muchas cosas: Para empezar, ambas se basan en un personaje principal, caramelo para una buena actriz. Y ambas fallan a la hora de ser grandes películas -aunque quizás más La dama de hierro-, en el caso de Albert Nobbs, parece que falta ritmo y da la impresión de que intenta abarcar con sus historias más de lo que puede quedando a veces demasiado naive o superficial.

No es una mala película, de eso no hay duda, pero le falta algo. Aún así, merece la pena aunque sea sólo por disfrutar de esa escena maravillosa en que Close consigue que su personaje, mujer convertida en hombre, aparezca vestida de mujer y no parezca más que un disfraz grotesco. Pero si aún así no te apetece, esta semana se estrena también Arrugas, la película que española de animación nominada a dos Goyas, presente en el festival de San Sebastian.

“Camerinos” no es sólo una colección de retratos de actores preparándose para salir a escena. No son solo instantáneas documentales de gran formato, en blanco y negro y sin retoques. Lo son. Pero ademas quieren ser testigos de la transmutación de los actores en el sentido más amplio de la palabra: en el físico a través del maquillaje y del vestuario -espectacular a este respecto la serie de fotografías de Vicky Peña para la representación de Sweneey Todd-. Y también en el psicológico, hasta abandonar sus identidades y sustituirlas por los personajes -El caso de Belén Rueda o Maribel Verdú completamente absortas-.

En la exposición podemos disfrutar de una selección de algo más de 50 fotografías de gran formato y una proyección del resto. Y además de la transformación descubrimos el compañerismo -José Coronado-, el cansancio -Javier Cámara-, la concentración -Eduard Fernández- y también la diversión que está detrás del telón y que no se percibe desde el patio de butacas. La colección completa, eso sí son más de 60.000 fotografías, y de ellas hay una selección mayor en formato libro, por si queremos disfrutar de las instantáneas en nuestro salón.

Puede que, ahora que lo lees, te suene esta exposición. Se exhibió en el pasado Festival de Teatro clásico de Mérida y generó mucha controversia. Fue debido a una de las fotografías que aquí se exhiben: la que retrata a Asier Etxeandía preparándose para la representación de “La pasión”, cubierto únicamente por un crucifijo en el pubis y caracterizado como Jesucristo. En su momento, debido a los católicos más intransigentes e inmobilistas, la imagen fue retirada. Esta vez se exhibe, eso sí, en el interior y con un aviso de que puede resultar desagradable. Siento disentir. Yo solo vi lo que vi en el resto: un actor preparándose para las tablas.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 26 de febrero. Deberías ir a verla si te gusta la ficción, para ver como se construye entre luces, pinceles y miradas. Deberías ir a verla si te gusta la realidad, para descubrir que es mucho más que tramoya lo que crea la magia del teatro.