Es una trampa!

Albumes favoritos de 2024 según rickiwarrior

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Fri, 21 Feb 2025 15:00:00 +0000

Siento que en términos de ábumes 2024 fue un año muy femenino. Para mitad de año la lista de discos hechos (o liderados) por mujeres era bastante amplia y fascinante, iniciando con Orquídeas de Kali Uchis que abrió el 2024, siguiendo con The Collective de Kim Gordon; Little Rope de Sleater-Kinney; Cowboy Carter de Beyoncé; Hit Me Hard And Soft de Billie Eilish; All Born Screaming de St. Vincent; Lives Outgrown de Beth Gibbons; Empathogen de WILLOW; Vida de Ana Tijoux, MEGAN de Megan Thee Stalion, entre otros. En el segundo semestre le hice espacio al My Method Actor de Nilüfer Yanya y al Nobody Loves You More de Kim Deal. Así, mi 2024 estuvo corto de rap y de música hecha en Colombia pero, estuvo cargada de música hecha o liderada mujeres, lo cual es un balance positivo por donde se lo tome. Hecha esta anotación, estos son mis favoritos de 2024 en el siguiente y aproximado orden:

1. 'GRASA' - Nathy Peluso

Siguiéndole la pista tras conocerle un par de canciones muy efectivas en fiestas, encontré que recién había estrenado su segundo álbum de estudio: GRASA, que pisaba fuerte incluso antes de empezar a sonar, gracias a la confianza desplegada por esta argentina en la ambiciosa promoción de Sony Music, que se nota tiene bastante invertido en este proyecto -con toda razón-. De hecho, como lo informamos en su momento, GRASA se estrenó como proyecto audiovisual, es decir, con clips que acompañan todos los cortes del álbum y que juntos hacen un cortometraje, bastante competente, dicho sea de paso.

El encanto fue rápido y tras las primeras escuchas esta mujer me puso a cantar (y a rapear) en la ducha, pop, trap, salsa, entre otros géneros y estilos. Luego, revisando videos y entrevistas Nathy me pareció talentosa y encantadora. Finalmente, concluí que GRASA fue la respuesta (o secuela) latinoamericana al Motomami: un álbum de artista pop femenina de treinta minutos de duración, atrevido, ecléctico y poderoso, que fue uno de mis favoritos del año, tal como sucedió con Rosalía en 2022. GRASA fue mi álbum más escuchado de 2024 por lo cual con certeza lo ubico al principio de esta lista. Tremenda Nathy Peluso. Nos vemos en el Estéreo Picnic 2025 a ver ése show en vivo. Mi corte preferido fue MAMÁ.

2. 'Rampen (apm: alien pop music)' - einstürzende neubauten

Por más novedades que uno descubra, con los años parece haberse escuchado todo. Un hastío lo empieza a aquejar a uno, la sensación de que, aunque cambien las caras y las voces, las canciones de música popular se repiten incesantemente. Desde 2023 venía buscando aliviar esto y descubrí que el industrial es el subgénero donde menos siento esta frustración, por su naturaleza experimental, por su mezcla de lo acústico con lo electrónico, por la ideología de quienes se dedican a esta musica, entre otras razones. Así, volví a frecuentar a los clásicos y descubrí que la leyenda alemana einstürzende neubauten había estrenado álbum: Rampen (apm: alien pop music).

Desde la primera pasada noté que su espíritu seguía intacto y que, efectivamente, aquí podía encontrar un respiro al agotamiento de todo lo demás. Aunque la estridencia metálica es una de las características de Neubauten, Rampen es un álbum delicado que por momentos te hace creer que es uno común y corriente, especialmente hacia la mitad durante la tripleta Everything Will Be Fine - The Pit Of Language - Planet Umbra, donde escuchas coros en inglés. Pero claro, en realidad son las histriónicas narraciones entre crudas atmósferas percutivas lo que fundamenta estos 74 minutos de viaje. Entonces, de nuevo, esto continúa destacándose de todo lo demás que está pasando e incluso, se destaca también dentro de la discografía de Nuebauten por su musicalidad, entre otras razones, por la sabiduría que les ha traído este proyecto por tantos años. Salud.

3. 'To All Trains' - Shellac

Shellac es tan underground que no extraña que esta novedad haya pasado desapercibida para muchos, pero afortunadamente no fue mi caso. Si bien estuve enterado de la carrera de este trío desde hace años, como uno de los proyectos musicales del respetado Steve Albini (q.e.p.d.), nunca tuve una relación cercana con sus discos sino hasta To All Trains, que realmente me marcó. Como acontece en las creaciones de Albini, To all Trains es un álbum crudo, con una producción que exalta de maravilla el simple encanto de un ensamble de bajo, guitarra y batería, sin capa, adorno o arreglo alguno, tan solo la sincera intención de cada golpe y la maestría para capturarla y registrarla, lo que caracterizó a este productor a través de los años. Me encantan sus pausas, cómo la guitarra y el bajo intercambian roles, y la voz: una voz que es de Albini pero también de Shellac y de este disco.

Como se estrenó pocos días después de la sopresiva y lamentada muerte de Albini en mayo de 2024, algunos lo han comparado con el Black Star de Bowie, algo atrevido pero justo, pues ambas son obras de despedida de grandes artistas musicales y concebidas con todo el cariño posible. Por cierto, no dejen de revisar Up On Gravity Hill, el fino álbum que los canadienses METZ estrenaron en 2024 por esta misma onda.

4. 'BRAT' - Charlie XCX

Tal como fue confirmado por diferentes medios e influenciadores, BRAT es uno de los álbumes que definió 2024 y posiblemente, el más importante. Si tuviera que explicar esta relevancia, empezaría con el destacado lugar entre el pop y la electrónica en que se encuentra, un lugar que por supuesto ha sido ocupado por otros en el pasado, como el Ray Of Light de Madonna o el Summer Renaissance de Beyoncé -los ejemplos que se me ocurren ahora-, pero que esta vez estuvo a cargo de una creadora mucho más joven, lo que le da el espíritu del momento que lo hace ganador. Ahora, encariñarme con BRAT fue un proceso largo pero viable gracias al sencillo 360, que es una golosina irresistible y mi canción más escuchada del año, que me hizo regresar al disco hasta hacerme fan y confirmar la unánime valoración que la crítica internacional le otorgó.

Nunca pensé que iba a decir esto pero me encanta como abusa del auto-tune. Por cierto, el disco Hit Me Hard and Soft de (la-aun-más-joven) Billie Eilish también estuvo brillante, por lo cual me pareció genial que unieran fuerzas en la canción Guess, sensual hit de 2024.

5. 'I Want Blood' · Jerry Cantrell

En una carrera tan amplia y relevante como la de mi adorado Jerry Cantrell no queda mucho por añadir, pero no pensé que su último álbum me iba a gustar tanto ni tan rápidamente. Lanzado el 18 de octubre, cuando ya el tiempo parecía insuficiente para conocerlo -dada la avalancha de música por revisar en cada vigencia-, sólo me tomó dos escuchas hacerle espacio en esta lista. Metalero pero groovy, como lo mejor que nos ha dado a través de sus años como solista y como líder de Alice In Chains, en I Want Blood se enfoca en lo que mejor sabe hacer, en compañía de viejos amigos como Robert Trujillo y Mike Bordin (con quienes trabajó en el estupendo Degradation Trip de 2002), así como de Duff McKagan, Gil Sharone, y el experimentado productor Joe Barresi, que aquí acertó con toda. No hay sorpresas ni novedades pero en todo caso recuerda cómo era el rock. (Me mataron con Let It Lie... puro Danzig).

6. 'Rationale' · Glitterer

Me entero de todo esto ahora pero, Glitterer inició en 2017 como un proyecto solista del músico estadounidense Ned Russin, quien fuera el bajista de la banda de posthardcore Title Fight. Desde su habitación en Washington D.C., creó un par de álbumes y otros lanzamientos que dieron muy buenos resultados, por lo que el proyecto se terminó configurando como banda y en 2024 estrenaron Rationale, del que tuve noticia por algún correo electrónico con nuevos lanzamientos. Como dura poco más de 21 minutos podría pensarse que es un Ep, pero sus cohesionadas doce canciones confirman que es un álbum. Sin serlo, Rationale me entró por la vena del neo-punk (o hardcore melódico), conmoviendo con sus melancólicas melodías de voz (casi gritadas); con sus ritmos rápidos (justo antes de que se vuelva hardcore); y con sus distorsiones fuertes (justo antes de que se vuelvan pesadas), completando un interesante exponente de este tipo de estilos. Vean el videoclip de Recollection / No One There para que se hagan una idea. Bacano.

7. 'Under Sound' · Prize Horse

Otra banda descubierta en 2024 fue Prize Horse, un trío de Minneapolis del que poca información se encuentra, salvo que este debut discográfico se lanzó bajo New Morality Zine, un sello independiente de Chicago que parece promocionar varias cosas interesantes. En todo caso, Under Sound tiene un sonido profundo y oscuro, como por los lados del post-rock, dinámico, con muchos arpegios y una voz calmada que combina muy bien. Escúchenlos en vivo aquí. Buena banda, buen álbum.

8. 'She Reaches Out to She Reaches Out to She' · Chelsea Wolfe

Los videos de Chelsea Wolfe han pasado varias veces por este blog, prueba de que hemos estado al tanto de la perseverancia con la que por casi dos décadas esta mujer se viene consolidando como una oscura y hermosa empresa de la música popular. Pero no me había tocado encariñarme con un álbum suyo hasta 2024, cuando estrenó su séptimo She Reaches Out To She Reaches Out To She, estupendo trabajo que ya le da el estatus de celebridad musical (sino no lo tenía ya). Clasificaría este disco como rock electrónico, lleno de capas y secuencias entre las que se encuentra su hipnótica y etérea voz cantando con todo el sentimiento (como en los momentos más oscuros y experimentales de Björk), donde se encuentran beats que se vuelven baterías y una que otra sorpresa como la guitarra eléctrica en Whispers In The Echo Chamber, una apertura genial que facilita relacionar el disco con las mejores épocas de Nine Inch Nails. No lo dejen de escuchar, se pone buenísimo en la mitad con The Liminal - Eyes Like Nightshade y Salt. En serio que se fajó Chelsea Wolfe y anótenle un punto extra porque vinieron a grabar el videoclip de Tunnel Lights a Colombia.

9. 'Strut Of Kings' - Guided By Voices

Como vine a seguirle la pista a Guided By Voices ya de viejo, en los últimos años he estado tratando de estar al día con la abrumadora racha de álbumes que lanzan, lo cual no ha sido fácil pero sí satisfactorio porque es un rock alternativo todo sabio con el que conecto rápidamente. Tanto en 2022 como en 2023 estrenaron 3 discos y, no estoy seguro de la cuenta pero creo que ya se acercan a los 50 álbumes -sino los completaron ya-, lo cual es todo un reto de estudio pero, el caso es que en 2024 sólo estrenaron Strut Of Kings, por lo que me le pude dedicar y terminar encariñándome con él, especialmente por el noveno y décimo corte: Bit Of A Crunch y Serene King, respectivamente, que están cantados con el alma. No me explico cómo hacen tantas canciones buenas pero ahí siguen inspirando al mundo. De hecho, ya estrenaron nuevo álbum en 2025, así que a por él.

10. 'Rack' · The Jesus Lizard

Lo primero que hay que decir es que éste es el regreso discográfico de The Jesus Lizard, quienes no estrenaban álbum desde 1998 y, que con Rack se unen al podio de los más grandes comeback album del rock alternativo junto a: Faith No More (y su Sol Invictus), Soundgarden (con King Animal), Refused (con Freedom), Pixies (con Indie Cindy), Alice In Chains (con Black Gives Way To Blue), Blur (con The Magic Whip), entre otros. Esto sería suficiente para quienes les conozcan pero, para quienes no, The Jesus Lizard es una banda de esas tan finas y con una racha de álbumes tan buenos (en los 90), que la gente cree que son ingleses cuando son gringos (de Austin, Texas). Es un rock alternativo crudísimo (similar a Shellac), que yo identifico por la marcada distancia entre el bajo y la guitarra que nunca se unen en el mismo riff, creando estridencia de una manera muy particular, aprovechando la destreza jazzera del guitarrista Duane Denison, las intensas baterías y, por último, la voz y las letras de David Yow, recargadas de personalidad. En fin, Rack es una exquisitez para quienes gustan de estos estilos ruidosos y sagaces. Pillen cómo inicia todo de poderoso con Hide and Seek...

11. 'TANGK' · IDLES

Después de CRAWLER (2021) pensé que el encanto de IDLES se había agotado, así que no tenía muchas expectativas acerca de esta entrega. Esto, hasta que vi su presentación en Glastonbury 2024 (vía YouTube) que me pareció tan emocionante como cuando se hicieron famosos por allá en 2017, lo que me llenó de energía para entrarle al TANGK con las ganas que merece. Efectivamente, aunque su fórmula ya no es novedosa sigue siendo contundente y musical, lo cual vale mucho. De este disco destaco el inicio a-lo-Radiohead en IDEA 01, la musicalidad desde Roy y hasta Dancer, con cortes en 3/4, así como el enfoque hacia el dance-punk, así como Death From Above o Turbowolf hace unos años, o como Amyl and the Sniffers más recientemente. El caso es que lo escuché hasta que se convirtió en favorito. Muy bueno.

12. 'Blue Electric Light' · Lenny Kravitz

No se había acabado 2023 cuando Lenny Kravitz lanzó el sencillo TK421, un hit bailable e irresistible que, además, lo mostraba semidesnudo en el videoclip para felicidad de muchas personas, entre ellos, admiradores recientes como yo que celebramos tanto su música como su notable salud a los 60 años de edad. En todo caso, se trató de un inicio fuerte para su último álbum Blue Electric Light que llegó en mayo de 2024 con el anuncio de su gira mundial, lo que me tuvo entretenido hasta último momento pues sabía que esta vez no podía dejar de verlo -a diferencia de 2019-.

Rondando los 60 minutos de duración -como todos sus álbumes-, me tomó varios intentos digerirlo, pero la gestión siempre prometió buenos resultados. Su inclusión en esta lista se terminó de definir tras el concierto en Bogotá el pasado 11 de diciembre, donde confirmó que sigue intacto -especialmente su voz-, la fortaleza de otros sencillos como Paralyzed o Human, así como con la poderosa banda que lo acompaña, incluyendo la baterista Cindy Blackman Santana que es un fenómeno. Tras el show confirmé que ése soul-funk-rock que hace Lenny desde hace años se sigue valorizando y que este Blue Electric Light es otro buen registro de esa propuesta.

Ahora, otros buenos momentos de 2024, empezando por este videoclip de A$AP Rocky que es una demencia:

https://www.youtube.com/watch?v=5URefVYaJrA

Buena banda Mannequin Pussy. Sonaron con frecuencia en el primer semestre con este temazo que abre y le da nombre a su álbum. Si siguen así de sólidas les esperan grandes cosas:

https://www.youtube.com/watch?v=EvgYIXc4JDA

Como les anuncié anteriormente, tras una década rockeando durísimo los canadienses METZ le bajaron un poco la intensidad y se mandaron el excelente Up On Gravity Hill, uno de los álbumes destacados del 2024:

https://www.youtube.com/watch?v=VBymiLJtyGs

Cowboy Carter: el segundo de la tremenda trilogía que está completando Beyoncé sobre la música e historia estadounidense. Muy buen disco y entre la numerosa lista de canciones esta me mueve mucho, me pone a tocar batería:

https://www.youtube.com/watch?v=Ma8X2iMdv8U

Me iba cogiendo la noche con el recuento pero aquí está a la orden. Los mejores deseos musicales para 2025.

Nos Trasladamos a WWW.ESUNATRAMPA.COM!

noreply@blogger.com (Iraty) — Wed, 19 Aug 2015 20:37:00 +0000

Ahora todos los contenidos de Es Una Trampa los podrás encontrar en ESUNATRAMPA.COM, además de una nueva sección de videojuegos, recomendaciones y una mejor experiencia en general.

¡Te esperamos!

Public Enemy - "No Sympathy From The Devil"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Tue, 18 Aug 2015 16:09:00 +0000

No Sympathy From the Devil, el segundo video de Public Enemy para su reciente álbum Man Plans God Laughs.

Freaky Styley - Trigésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Tue, 18 Aug 2015 01:27:00 +0000

Era 1985 y los Red Hot Chilli Peppers estaban descubriendo y puliendo aquel infinito potencial que les permitió conquistar el mundo unos años después. Prueba de este nivel está magistralmente registrado en su segundo álbum Freaky Styley. Ahora, aquí no solo se estaba avanzando en la historia personal del grupo sino en la del genial estilo funk metal, originado en lo profundo del underground ochentero que sirvió de inspiración para tantas alternativas años después cuando todo se popularizó. Recordemos que entre otros, los Red Hot dieron inicio a esta magia junto a bandas como Faith No More y poco después se unieron otros brillantes exponentes como Primus, 311 o Incubus, cuyas propuestas continúan alimentándose de esta fórmula que a su vez continúa consumiéndose por audiencias de música popular alrededor del mundo.

Además de sugerir enfáticamente que los interesados en la materia deben escuchar este álbum a como de lugar, hay algunos detalles sobre los cuales se puede llamar la atención desde lo escrito para alimentar esta respetable idea que ahora tengo del Freaky Styley. El primero es que está producido por el cerebro de Parliament-Funkadelic, George Clinton, institución definitiva del funk en el siglo 20, quien en todo el sentido del concepto influenció con su genialidad y visión musical, además del post-punk y el disco, otros estadios como el que ahora nos ocupa.

Pues la mano mágica del maestro George Clinton se siente en cada segundo del álbum. El logró canalizar la entonces abundante energía de aquellos jóvenes blancos hacia la idea pura del funk. Por ejemplo, si bien los Red Hot siempre han sido una banda de cuatro integrantes, en Freaky Styley se añadieron múltiples instrumentos de viento (entre ésos el saxofón de Maceo Parker), percusión y coros que unidos al equipo completan el exquisito sabor de una orquesta, como aquellas de donde salió el funk verdadero. Qué tal Yertle the Turtle ah? Hypermegafunk. Ése es el color de este álbum.

(Flea, Clinton y Kiedis trabajando juntos en 1985)

Llamando la atención sobre la mina funk que este disco, cómo pasar inadvertidos Hollywood (Africa), que es un cover de Africa, original de las leyendas del soul-funk de New Orleans, The Meters, o If You Want Me To Stay, original de Sly Stone (frontman de Sly and the Family Stone, profesores de la misma escuela soul-funk pero en San Francisco)?. Hermosos homenajes.

Pero los Peppers siempre han tenido su propio veneno y en este disco la mayoría es sello personal. Iniciando con Jungle Man queda clarito cómo es la jugada aquí. Sobre el inquebrantable y demoledor ensamble de bajo y batería aparece la guitarra entre líder y rítmica que con sus paradas permanentes describe la idea perfecta de funk que la mayoría tenemos en la cabeza. Al respecto hay que señalar que en su medida, el adorado guitarrista judío Hilel Slovak, (idolatrado por el entonces fan adolescente John Frusciante) hizo un aporte importante pues el tipo tiene un gran feeling y además no conozco otro guitarrista que con anterioridad se haya desempeñado en este estilo musical. Por cierto, generalmente se menciona a Slovak tanto por su talento como por el cariño que le tenían dentro y fuera de la banda, y quien desafortunadamente murió de sobre dosis en 1988.

Sobre Flea y Kiedis no me pronunciaré mucho pues como Peppers fundadores y permanentes, su aporte aquí es tan valioso y tan familiar como nos resulta hoy en día, así que estamos simplemente revisando esta etapa en su evolución musical, o más bien en la consagración de su "estilito freaky".

En todo caso, aunque blanco y ochentero, esto es un ejemplo de funk como dios manda, favorito entre los cuatro álbumes ochenteros de los Red Hot Chili Peppers y por éso recomendadísimo. Entre mis preferidas están American Ghost Dance, Freaky Styley, Blackeyed Blonde y la hardcorera Battle Ship.

Feliz aniversario!

Soup - Vigésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Sun, 16 Aug 2015 03:13:00 +0000

Por Santiago Rivas.

"Soup, 20 años después"

Cuando salí de Discos La Rumbita, aún no sabía pensar de ese disco que había comprado. Soy un comprador compulsivo. Siempre lo he sido, incluso en esos días en que tenía la poca plata que puede tener un niño de clase media a sus 13 años. Simplemente tenía ganas de gastarme esos veinte mil, que no recuerdo de dónde llegaron, en algo de música. Había en la Bogotá de los 90 tiendas de música especializadas en todo, en donde los vendedores podían sentarse a contarte de qué iba cada uno de los discos, cada uno más exquisito que el otro. Pero mi afán no me daba para esperar un día más, o dos. Yo simplemente caminé las tres cuadras que separaban la tienda de discos más cercana de la casa de mi abuela, buscando un nuevo CD para poner esa noche en el equipo de la casa.

Afortunadamente, esa compulsión casi siempre ha estado amparada por una buena dosis de intuición. Cuando vi la portada (un hombre con barba tomando sopa de letras, foto en picado con paleta de colores clásica del rock alternativo) entre tantas cosas que no me gustaban y tantas otras que no me convencían, fue el único disco que no solté. Ya había visto por MTV los videos de sus dos singles, “Galaxie” y “Toes Across The Floor”; di un repaso por cada una de las canciones, sin detenerme demasiado. Volví a hacerlo y tomé la decisión, sin pensarlo más. Esa noche oí el Soup, segundo álbum de Blind Melon, dos o tres veces. Había dado en el blanco —menos mal, porque no tenía plata casi nunca—. Con el tiempo se perdió el disco, no sé si lo regalé o lo vendí para poder comprar uno de industrial. Pero recuerdo todavía esa primera noche, cada vez que lo oigo completo.

Es un disco bastante más oscuro que el primer álbum de la banda. Habían pasado de ser unos hippies que tocaban en un campo de flores amarillas, a tener una imagen más acorde con el espíritu oscuro del alternativo noventero, empezando por Shanon Hoon, su vocalista, que del pelo largo liso y los jeans bota campana pasó a maquillarse los ojos y hacerse el pelo a lo rockabilly. Ni siquiera tendría que estar mencionando este cambio: dos meses y seis días después de la publicación de su segundo álbum de estudio Hoon fue encontrado muerto por una sobredosis de cocaína. Pero eso no importaba cuando grababa sus videos en mi VHS, mucho menos cuando daba la cuarta o quinta vuelta al Soup, que me acompañó por algunos años.

El sonido, en términos generales, no es muy distinto del que lograron en el primero, autotitulado. Sincronía y juego entre las dos guitarras, una batería bastante sencilla, casi tirada hacia la elocuencia, y juegos con el bajo que cada tanto sorprenden. A veces más rockeros, a veces más alternativos, a veces más hippies; Shanon Hoon cantando a veces habla y pregona, a veces alcanza notas bastante altas. Van de un compás al otro, sin pelear. Entre “Galaxie” la primera canción y “Car Seat (God’s Presents)”, hay una distancia de varias bandas. Y sin embargo se mueven. Van del bluegrass al funk, al postpunk, al sonido indefinible de su década (nuestra década). Se les reconoce porque son versátiles y talentosos, lo que hace aun más triste que hayan desaparecido con la muerte de su cantante. O bueno, regresaron en 2008, pero esto casi cuenta como un dato curioso. Vamos a las canciones.

(Blind Melon en la época)

Galaxie empieza con una declaración, que en resumidas cuentas es una despedida. Al menos así lo parece, por la muerte de Hoon. Pero tiene sentido esto que les digo. Luego viene una canción que de ninguna manera recuerda al Blind Melon que todos conocíamos. Más fuerte, más oscuro, más sensible, incluso. Más honesto, pero eso es común en un segundo álbum (recordemos: Siamese Dream, Surferosa, Nevermind, etc. ).

El riff que abre “2x4” es precioso. La canción, de hecho, es preciosa. Tiene picos y valles, y solos de guitarra con sus armónicos completos. Dialogan la voz y las guitarras, el bajo acompaña. Pasa de la calma a cierto tipo de euforia, usan el trémolo, puntean y rasgan. Es una canción muy completa, de verdad. Mi favorita del álbum, si eso les importa. Para oírla varias veces hasta que es completamente distinta de esa canción que oyeron la primera vez.

“Vernie” es una canción más tranquila (con ritmo en 3/4). Robusta, en la medida en que todo suena al tiempo, como en el rock de los setenta. Es una colaboración. No sé cómo habrá sido hecha, pero parece compuesta en conjunto. El ritmo es lento, pero todos los instrumentos funcionando al tiempo la hacen una canción poderosa. “Skinned” tiene el espíritu folk de Blind Melon completamente vivo. Suena un banjo, las guitarras acústicas y el espíritu de carretera de la música del sur y el medio oeste de los Estados Unidos. La letra, por supuesto, habla de alguien que hace objetos de pedazos de humanos (Ed Gein). Ay, los noventa…

“Toes Across The Floor” es perfecta. La canción arranca con un arreglo, se suelta luego, en una descarga. La letra habla sobre se mismo proceso, de cómo alguien va perdiendo la calma. El video, incluso a pesar de la actuación desastrosa del baterista, es excelente. Luego viene “Walk”, que recuerda el primer álbum, sin mucho optimismo pero con mucha armónica. “Dumptruck” pasa de sonar como una canción de bar de motociclistas, a tomar el ritmo alternativo. Se nota que lo disfrutan; tiene momentos como de Red Hot Chilli Peppers, tiene momentos como de Jane’s Addiction, pero es Blind Melon siempre. No podría explicarlo mejor. “Car Seat (God’s Presents)” es una canción con una cadencia inusual. Parece un tango a ratos, pero usa grabaciones de voz distorsionadas, y un violín que va con el ritmo sureño. Hermosa canción.

“Wilt” tiene esas notas del campo americano que luego serían perfeccionadas por Jack White. Es una canción folk, con todas las variaciones y arreglos correspondientes a una banda como Blind Melon, pero teñida por un pesimismo tan de su época, que es irrefutable. “The Duke” es otro gran tema alternativo, un poco sicodélico, un poco folk, un poco rock. En seguida llega “St. Andrews Fall”, que es una canción simple al comienzo, que va volviendo cada vez más esquizoide. Ciclotímica, podemos decir. Muy bonita, claro está, pero de un altísimo nivel de tribulación.

“New Life” va progresando hacia un sonido más denso, más rápido, más desesperado. Y así, progresa hacia dos canciones en las que la voz de Shanon Hoon va derivando hacia la de Janis Joplin, cada vez más agudo y más carrasposo. “Mouthful Of Cavities” y “Lemonade” cierran este álbum. Llegan las trompetas, como al comienzo, y el aplauso. Es un trabajo redondo, lleno de sonidos. Es un disco como todos los de su generación, inquieto y disperso y caótico y sufrido. Lastimosamente tan sufrido, que después de eso solo vinieron álbumes póstumos y un trabajo sin mayor bombo. Puede que Def Con Dos tenga razón y haya que odiar a los mártires del rock, pero debemos reconocer que siempre dejan algo maravilloso a su paso.

Feliz aniversario!

El concierto en el Metro de Chicago es magnífico y se puede observar todo aquí

Fight For Your Mind - Vigésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Thu, 13 Aug 2015 21:29:00 +0000

(No estoy seguro si me gusta la portada.... creo que la odio, pero amo este álbum)

Ben Harper es un compositor y multi-instrumentalista californiano hijo de padre con ancestros negros y Cherokee, y madre judía. Con estas tradiciones no sorprende ni su original propuesta musical ni sus compromisos con la causa, porque es un consagrado activista cuya música no se encuentra en los circuitos usuales, aún cuando tiene una amplia base de seguidores en el mundo.

El caso es que 1995 estrenó su segundo álbum Fight For Your Mind y además de ser uno de sus mejores, es una obra interesante sobre la cual compartir. No recuerdo bien como llegó a mi, pero fue después del año 2000 y en cuestión de poco tiempo estaba muy encariñado con él. Lo curioso de Harper y este trabajo es la mezcla de soul, funk, reggae y gospel en el disco, el cual está producido de una manera sumamente pop y comprensible, y con esto me refiero a un nivel superior al que uno imaginaría inicialmente con esa descripción de géneros fusionados. En realidad se trata de algo particular. Y bueno, la música es tan tranquila que el mensaje es protagonista principal, que si bien es muy crítico y reflexivo, es pacífico. Digamos que lo político ocupa tres cuartas partes del álbum, iniciando con Opression, hasta People Lead y la esperanzadora "a punta de ritmo" Fight For Your Mind. La última parte tiene una connotación religiosa-espiritual (en algunas partes dramática) con Power Of The Gospel y God Fearing Man. El cierre es con la elevada One Road To Freedom.

Entiendo que con temas como Ground On Down (video) el tipo tuvo su rotación en medios entre tantas otras bandas alternativas del momento. Allí pueden apreciarse muchos detalles como el sonido clásico de banda noventera. Allí me resulta particularmente funkero con sus poderosas líneas de bajo y el contagioso ritmo en batería. Ahora, de Harper individualmente se puede percibir su tono vocal como de "la voz de tu conciencia", su genética interracial, su mirada y cantos al cielo de devoción, y sobre todo, su Weissenborn Lap Steel Guitar, la cual maneja muy bien y que le da un toque único a muchos de sus temas. Gold To Me va por esta misma onda. (Si les gusta el slide guitar en este disco es generoso en ese sentido.

Pero bueno, cada tema tiene su fuerza escondida por más suave o espiritual que pretenda ser. Como Please Me Like You Want To cuyo sencillo riff acústico puede alcanzar fibras muy profundas a medida que va sonando. Ejemplos claro de este "poder pacífico" son mis favoritas Burn One Down, una oda a cannabis con percusión adicional a la batería (otro elemento recurrente del álbum), y Excuse Me Mr. una demoledora y hermosa crítica corporativa cuyas estrofas están cantadas sobre el bajo y la batería, dejándole a la guitarra pequeños espacios que se aprovechan muy bien.

Con más de una hora de este peculiar estilo todos los interesados en los noventa o en los géneros que relacioné anteriormente están invitados a revisar el Fight For Your Mind de Ben Harper, una obra fresca y relevante de un artista que continúa activo desde entonces.

Feliz aniversario!

Strange Wilds - "Pronoia"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Thu, 13 Aug 2015 12:52:00 +0000

Recientemente Sub Pop lanzó Subjective Concepts, el álbum debut de los Strange Wilds, una nueva banda de Seattle con el sonido grunge clásico.

Aguanta.

Lamb of God - "512"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Wed, 12 Aug 2015 13:01:00 +0000

512, la otra novedad de Lamb of God que se nos había pasado compartir. Aunque no me gusta el video, este tema tiene una historia interesante pues fue inspirado por el mes en que el cantante Randy Blythe estuvo privado de la libertad en República Checa tras la muerte de un asistente en uno de sus conciertos.

512 fue el número de su celda. (Más información aquí)

The Darkness - "Last Of Our Kind"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Tue, 11 Aug 2015 12:57:00 +0000

Divirtiéndose con algunos invitados de los elementos característicos del heavy metal y el hard rock del que son exponentes, aquí están los ingleses The Darkness con el reciente video de Last Of Our Kind.

Destroy Erase Improve - Vigésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Mon, 10 Aug 2015 20:16:00 +0000

En un 1995 lleno de opciones de música pesada se coló entre los círculos de metaleros el Destroy Erase Improve de Meshuggah, un álbum rarísimo con vastas virtudes que le valió a Suecia uno de los espacios que ocupan desde entonces en materia de música popular occidental. Además de extremo, este disco está construido de forma tan compleja como cualquier exponente progresivo que se hubiera escuchado hasta entonces (y hasta hoy en día), y producido impecablemente para favorecer el virtuoso ensamble que ataca tus oídos con su poder sónico y luego tu entendimiento con su compleja composición y ejecución.

La apertura con Future Breed Machine es grandiosa. Unos segundos de industrial que sumergen al oyente en el concepto del álbum abren paso a la exquisita base rítmica de Meshuggah y a la demoledora voz de Jens Kidman con la que creas un vínculo instantáneo. Minutos después caes en cuenta que pegan con el extremo pesado y rematan con el experimental o "jazzero", anunciado en este caso por un arpegio realmente inesperado. Por cierto, los compositores principales del álbum son el baterista Tomas Haake (un buen video de Haake tocando aquí...) y el guitarrista principal Fredrik Thordendal quienes sorprenden con su destreza.

Soul Burn (una de mis favoritas), se destaca por mantener un groove contagioso que no puede detenerse por más punteos extraños o cambios de ritmo que aparecen de repente y amenazan con desviarla a territorios desconocidos. En el minuto final pueden escucharse coros hardcoreros en el que se intercambian gritos en stacatto entre todos los integrantes, otro posible sello de esta banda (este detalle se escucha también al final de Vanished).

Transfixion (video), una de las más concisas del álbum es otro buen ejemplo de esta música. En tres minutos y medio (por debajo del promedio de duración) una base rápida y uniforme permanece descrestante hasta un único cambio drástico que lleva a un espacio elevado donde termina la canción. Ahora, los episodios que escapan a lo extremo son escasos. Aunque en muchas partes hay lugar para que los guitarristas experimenten con otros trucos y efectos, solo en la instrumental Acrid Placidity (un aporte del entonces recién llegado guitarrista Mårten Hagström) se puede tener poco más de tres minutos de esta magia y tranquilidad.

Otros ejemplos interesantes del Destroy son Terminal Illusions (video), o el Inside What´s Beneath Behind, temas donde también se pueden apreciar todos los detalles ganadores que hicieron de esta banda un referente obligatorio del metal actual, que así como en ése entonces relevó a tantas otras que salieron a engrosar la oferta comercial de música pesada, hoy continúan siendo tema de discusión con su propuesta agresiva y retadora con la que todavía te rascas la cabeza y preguntas "¿Qué carajos es ésto?".

Feliz aniversario!

No tengo idea de la fecha de estos shows...

Public Enemy - "Man Plans God Laughs"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Mon, 10 Aug 2015 12:49:00 +0000

Este es el video de Man Plans God Laughs, el tema que le da nombre al recientemente estrenado décimo tercer álbum de los Public Enemy.

Clutch - "X-Ray Visions"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Thu, 06 Aug 2015 15:12:00 +0000

Después del poderoso Earth Rocker de 2013, llega de nuevo Clutch con X-Ray Visions, parte de su próximo álbum Psychic Warfare, esperado el próximo mes.

Una vez más, rock!

PRAYERS - "West End Girls"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Wed, 05 Aug 2015 12:45:00 +0000

West End Girls (original de los Pet Shop Boys) en esta genial versión a lo cholo goth por el dúo Prayers (capturados por Noisey).

Kadavar - "Last Living Dinosaur"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Tue, 04 Aug 2015 13:19:00 +0000

Con este elegante video en blanco y negro para el tema Last Living Dinosaur, aparecen de nuevo los alemanes Kadavar que anuncian la llegada de su álbum Berlin que saldrá al mercado el próximo 21 de agosto.

Puro stoner!

Noel Gallagher’s High Flying Birds - "Lock All The Doors"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Mon, 03 Aug 2015 13:47:00 +0000

Aparece de nuevo el emblema del rock inglés Noel Gallagher y su banda High Flying Birds con el video de Lock All the Doors, el cuarto para su último álbum Chasing Yesterday.

Buen riffcito...

Bomba Estéreo - "Somos Dos"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Fri, 31 Jul 2015 17:45:00 +0000

Self Defense Family - "Talia"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Fri, 31 Jul 2015 15:15:00 +0000

Esto es lo último del colectivo Self Defense Family, donde siguen su camino de exploración sónica y con este videoclip para el tema Talia, de su reciente álbum Heaven Is Earth, rinden tributo al video del hit ochentero It´s My Life, de los maestros del synth pop Talk Talk.

EVENTO: #LatinoaméricaSuena presenta: FRIKSTAILERS desde Argentina

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Thu, 30 Jul 2015 17:27:00 +0000

Con un sonido demencialmente bailable, este proyecto que esta más ligado al espacio que a la tierra, llegan por segunda vez a Bogotá y a la tarima de La Ventana los FRIKSTAILERS. Una propuesta que además de mantener ciertas bases en la cumbia digital, contiene una fuerte dosis en el rave noventero por su potencia en los beats. Aunque y gracias a Dios, su sonido hoy en día dialoga de una manera trasversal con Latinoamérica. Siendo capaces de llevar los sonidos del folclor, la tropicalidad a mundos completamente futuristas, perfectos para desatar un caos en la pista de baile.

Desde #LATINOAMÉRICASUENA estamos enfocados en resaltar el buen momento por el que pasa la región, mostrar el porqué hoy en día Latinoamérica es protagonista dentro de la industria musical por su diversidad y amplitud musical. #LATINOAMÉRICASUENA es una plataforma en desarrollo enfocada en resaltar los nuevos sonidos de la región, enfocados en fortalecer un circuito y sobre todo en construir un público interesado en nuevas propuestas.

Este viernes 31 de julio de 2015, en una nueva versión de #LATINOAMÉRICASUENA gozaremos con la cumbia espacial de los Frikstailers.

Dj invitado: Bleepolar

Preventa: 15Mil

Lugar: La Ventana

Dirección: Carrera 12A #83-61

Invita: Cromatic Live & Charco

Evento: https://www.facebook.com/events/832980330133965/

Las primeras cinco (5) personas que dejen un comentario a esta entrada de blog, indicando: Título y Fecha de otra entrada de este blog (esunatrampa.blogspot.com) en donde se mencione a los Frikstailers, ganan entrada doble para el evento. No se vale indicar entrada repetida. Además, para efectos de poder ser incluidos en la lista de ganadores del concurso es preciso señalar en el texto del comentario los nombres y apellidos del interesado así como su número de cédula. Se reciben comentarios hasta las 4 p.m. de viernes 31 de julio. Nos vemos mañana!

Bellringer - "Von Fledermaus"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Thu, 30 Jul 2015 13:04:00 +0000

Esto es Bellringer, el actual proyecto de Mark Deutrom. Les había hablado de este señor en los vigésimos aniversarios del Houdini y Stoner Witch de los Melvins.

Matchess "The Law of Pure Will (The Lamentation of the Greatest Wealth)"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Wed, 29 Jul 2015 13:13:00 +0000

Matchess es el proyecto experimental de americana Whitney Johnson. The Law Of Pure Will es de su nuevo álbum Somnaphoria.

Sabotage - Cuadragésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Tue, 28 Jul 2015 18:33:00 +0000

Por Diego Chalela.

La primera mitad de la década de los setenta fue un camino ascendente y libre de obstáculos para Black Sabbath. Con el homónimo Black Sabbath de 1970, el grandioso Paranoid del mismo año que los catapultó a la fama, el Master of Reality de 1971 (pieza fundacional del stoner), el Vol. 4 en 1972, y el polifacético Sabbath Bloody Sabbath de 1973 en el catálogo, para ese entonces ya eran la mítica banda que sentó las bases del heavy metal como estilo de vida, posición ante el mundo occidental y una manera de sentir.

Posicionados cómodamente en el mercado con su propuesta oscura, envolvente, fiel a sus raíces blueseras pero abierta a toques experimentales, el 28 de julio de 1975, ante un público comprometido con la inquebrantable marca sónica y lírica de Osbourne, Iommi, Butler y Ward, vio la luz el Sabotage. Ahora, más allá de la música las cosas no eran del todo tranquilas para Sabbath y su sexto álbum fue una respuesta honesta y visceral a la serie de incomodidades que enfrentaban en el momento, pues además de ser un grupo de artistas talentosos en constante evolución, eran también una lucrativa empresa rodeada de parásitos.

Todo el proceso de composición y grabación se llevó a cabo en medio de litigios y problemas legales con el antiguo manager de la banda, quien los demandó una vez fuera despedido por desviar dinero a destinatarios ilegítimos. De los trámites legales, las frecuentes citaciones y visitas a los tribunales, entre otras realidades de la fama y el exceso surgió el nombre del álbum, que revela el clima de tensiones, dudas y resentimientos que entorpeció el proceso de creación como hasta entonces lo conocía Sabbath. Pero ante ése sabotaje la banda reaccionó con firmeza: Sabotage es una obra poderosa, llena de matices y sorpresas que profundizan la expansión artística sin dejar de lado su esencia. Claro que esto dejó ver las primeras rupturas en su evolución, señales de lo que serían los discos por venir, aquellos que coincidieron con la separación de la formación original y el fin de los años setenta.

Indudablemente, el arranque del álbum es una declaración de principios. Hole in the Sky es una furiosa bienvenida al oyente que anuncia 44 minutos de poder. El clásico riff estridente que se repite una y otra vez a lo largo de casi toda la canción al compás de la galopante secuencia rítmica de la batería, se complementa acertadamente con el sentido desesperado de la letra “I’m looking through a hole in the sky, I’m seeing nowhere through the eyes of a lie”. Todo funciona. Es Sabbath en su más pura esencia, rabioso y contundente.

Después de un corte abrupto que a modo de contraste amenaza con romper la intensidad del viaje (marca registrada de la casa), viene Don’t Start (Too Late), 49 segundos instrumentales al compás de un arpegio y un sutil punteo acústico de guitarra clásica. Un primer asomo progresivo del disco que va dando color a un todo lleno de variedades. También de repente, como un cuchillazo en la oscuridad sin previo aviso, arranca la joya del álbum: la legendaria Symptom of the Univese, una semilla que años después dio un fruto llamado trash, aquel subgénero glorioso de los ochenta que encuentra sus orígenes en este himno de Sabbath basado en el sencillo pero demoledor riff que solo la genialidad y el talento de Iommi podrían haber fundado.

Symptom recoge lo que hasta el momento era la banda pero también, como el álbum mismo, marca una tendencia de lo que vendría. El ritmo asfixiante, como una turbina encendida que no da tregua, define el recorrido que lidera la guitarra a base de cambios de tiempo, un magnífico solo y la eventual llegada a un jam acústico donde amables guitarras intercalan punteos y ritmos sobre la batería y el bajo mientras la letra llega a su cierre. Se trata de un viaje que va de la impotencia y el deseo de escapar a la ilusión de una realidad amable cuya esencia bien puede estar contenida en la primera estrofa de la canción: "Take me through the centuries to supersonic years, electrifying enemy is drowning in his tears, all I have to give you is a love that never dies, the symptom of the universe is written in your eyes." Una propuesta tan metalera como rockera por su fuerte base y el aire experimental y progresivo del jam final.

En este punto el listón ya está muy alto para el cuarto corte. Sin embargo, la épica Megalomania no defrauda y mantiene el nivel a su manera durante sus casi 10 minutos de duración. Inicia lenta, oscura y de algún modo depresiva "I hide myself inside the shadows of shame, the silent symphonies were playing their game, my body echoed to the dreams of my soul, this god is something that I could not control", y poco a poco va creciendo en ése tono, haciéndose densa pero envolvente, hasta antes de completarse el cuarto minuto donde un riff al mejor estilo del heavy ochentero o incluso del hard rock más comercial de aquella década, revela la otra faceta de la misma canción. Un paso de lo oscuro a lo luminoso, dos caras de una misma moneda en un gran tema que cierra la primera mitad del álbum.

(Ozzy, Bill, Geezer y Tony en la época)

Thrill Of It All deambula entre los sonidos crudos de la guitarra y la elevada voz principal cuya presencia protagónica cede el paso a los teclados cuando la canción acelera. Todo fluye amablemente, pero el tono oscuro y siniestro característico de la banda parece diluirse un poco mientras la letra expresa una cierta disconformidad frente al afán mercantil que ya para esa época era pan de cada día “For you have been taught that if your mind has been bought life’s entire answer was sold”, reflejo del contexto y el momento que vivía la banda en medio de sus conflictos legales.

Luego viene la instrumental Supertzar, una secuencia de tres minutos a base de un riff oscuro ambientado con las voces del London Philarmonic Choir, un recurso hasta entonces inexplorado por la banda, que da un aire terrorífico y religioso a la canción. Este paso a sonidos acústicos, pero también de sintetizadores y teclados que marcan, con la presencia constante de la guitarra metalera de Iommi, podría entenderse como otra parte de la transición, un viaje claroscuro que deja atrás las bases ortodoxas del metal que sembraron, para llegar a un sonido más amplio y rutilante, con influencias del rock progresivo de la época. Am I Going Insane (Radio), el penúltimo corte, también es prueba de esto pues suena a un nuevo (o al fin de) Black Sabbath. Ahora, repite su misma base una y otra vez sin mucha versatilidad con un teclado marcando el tono y el ritmo, y su letra no expresa mucho más que la angustia por estar enloqueciendo. De cualquier forma, es interesante como evidencia de la transformación de la banda.

Y así llega The Writ última canción del álbum y única letra escrita por el propio Ozzy. Se trata de un desahogo crudo y frontal, una voz desesperada, una diatriba contra el negocio de la música, que denuncia algo de lo que vivían por esa época. Un tema que conjuga los sonidos clásicos y pesados con pasajes acústicos, de aire melancólico, en los cuales Ozzy parece decir que ya no son los mismos; que atrás quedaron los años de euforia ingenua y ascenso cuestionable de la banda en los que cualquiera podía lucrarse a costa de ellos.

Habían madurado no solo como artistas sino también como profesionales, y querían emprender nuevos recorridos, conscientes de sus propios pasos, libres de distracciones en su deseo por expresarse haciendo música. La canción cierra con una secuencia estridente en la que el Sabbath más clásico parece despedirse reafirmando sus bases. Las de una banda de heavy metal fresca y contundente, que aunque no pretendía dejar de serlo, emprendía nuevos rumbos. Y al final, a un volumen muy bajo, suena un track escondido de unos pocos segundos llamado Blow on a Jug, un registro de Ozzy y Bill jugando desprevenidamente en el estudio.

Hoy hace 40 años salió Sabotage, sexto álbum de Black Sabbath y parte fundamental de su discografía y de la historia del metal.

¡Feliz aniversario!

(Mis favoritas: Hole In the Sky, Symptom of the Universe, Megalomanía y Superztar.)

Tough Age - "Nicolas Bragg"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Tue, 28 Jul 2015 13:00:00 +0000

Nicolas Bragg es un reciente video que compartieron las canadienses Tough Age, el cual debería estar en su nuevo álbum I Get the Feeling Central, pero no. No se a qué álbum pertenece. En todo caso llama la atención su estilo "The Breeders revival", rock alternativo que siempre te hará bien escuchar.

311 - Vigésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Mon, 27 Jul 2015 13:05:00 +0000

Por: Mateo Bonells.

En 1999 viajé al estado de Dakota del Sur. Como buen colombiano de 17 años fumaba cigarro y era bueno pa´ tomar trago. Inevitablemente entré a formar parte de los misfits de Brookings Highschool. Aunque yo era un hombre.. well… "girls just want to have fun!!!" Y eso fue lo que hice. Tomar clase de español parecía ser el método de acción a seguir (por obvias razones). Ahí conocí a mis primeros amigos: Phil, con camisa hawaiana, ojos azules y pelo pintado, Tony, con camiseta de Rage Against The Machine, pelo pintado y ojos azules, Matt, igualito al cantante de Limp Bizkit y Jannet, vestida como la hippy del Exit Planet Dust. Después de clase me preguntaron si yo fumaba. Les mostré mi paquete de Marlboro rojos. Salí con ellos en un Honda Civic de dos puertas verde oyendo Legend de Bob Marley y "carburando" una pipa. Después de 20 minutos de mirar por la ventana callados, cambiaron el CD… And my whole american exchange year experience went DOWN!! DOWN!!

Honestamente no hubo nada profundo en particular que me atrajera a 311 inicialmente. No tenía el oído, no percibí en primera instancia la influencia punk rock, tal vez GreenDayciana o de los Offsprings, ni la influencia skaera de Sublime y tampoco la obvia influencia de los Chili Peppers (manifestada entre otras cosas claramente en sus "DI-BI-RI-DA-BA-RAS" líricos Anthony Kideisianos). Lo que si oí en la música y sentí en mis amigos fue un tipo de manifiesto subconsciente que decía we are white boys!! we are all american!! we are in highschool!!! and this LIGHT-HARDCORE blown-amp guitar riff me hace gritar… I'm a teenager and I'm cool GODDAMN!!....

O.K. Tengo 33 años y puedo darme el lujo de decir estas cosas hoy en día sobre lo que pensaba a los 17 sin sentirme ridículo. Si me hubieran pedido una opinión objetiva sobre aquel sonido en aquella edad, tal vez me hubiese enfocado en el scratchyrischratch de disco que suena en todas las canciones y en el rapeado (del que a propósito no entendia un comino)… BUT IT JUST SOUNDED SOOOO FUCKING COOL!!! YOU GUYS!! JEJE!! Nunca me imaginé que 7 meses mas tarde estaría disfrutando un sabroso mosh pittin y mi primer crowd surfing en uno de sus conciertos en la ciudad de Sioux Falls.

Ahora si hagámosle justicia al álbum.

Una cosa para la que que no se necesitaba ningún especialista era para reconocer que la marca clásica del sonido de 311 estaba destinada al éxito. Más allá de todos los géneros a los que se dice pertenece, a mi en particular me suena al género GARAGE MADE IT MAINSTREAM, lo cual fue la constante de las bandas exitosas de los 90. La sincronía melódica de las dos guitarras con el bajo creaba un sonido fuerte, sólido, lleno, pulsante. El humm-hummeo del cantante cuasi-gregoriano, dulce, reverved, dubed, high as a kite californian. El rapeo sin rima de la segunda voz con su icónico sonido cruce entre los Beasty Boys y Kriss Kross junto con el muy necesario y contemporáneo rayado de disco formaban un poderoso popurrí el cual mis jóvenes amigos americanos memorizaban y cantaban como lo hacíamos nosotros con Escalona y Diomédes.

This was music for the masses not like Depeche Mode intended. Y finalmente el elemento más distinguido del sonido de 311, la batería!!!! Totally Trenchtowned!! El elemento más reggae de la banda, y el delivery de los golpes, glorioso highpitch snare.

El primer detallazo del álbum sin lugar a duda es la canción de apertura, el single Down (video), la cual cuenta con todas todas las características destacables del grupo. Además de invocar aquel espíritu de fin de siglo y de todos los siglos we are 16, got a driver liscence, let´s go score some cigarettes, Brian´s got some weed, lets drive after school and GET FUCKED UP. La canción Purpose bonito beat reaggae, suena mucho como los últimos trabajos de ellos. Jackolantern´s Weather es a mi gusto solo contenido bulto para aquellas mentes adolescentes ansiosas por rap para memorizar y hay mucho de eso a lo largo del álbum. No se cual haya sido su negocio con disquera o su necesidad por crear tanto bulto. El tema All Mixed Up (video) y su riff de guitarra gritan. Chilli Peppers If You Have To Ask from Blood Sugar Sex Magic perpetuando las influencias funkadélicas de John Frusciante.

El otro hit fue el Don´t Stay Home (video)... Again, I never understood a fucking thing they were saying… the sound just worked for me, es una vibración quinceañera suave pero efectiva para cargar una hincha pequeñita o pretender una f en el baño frente al espejo.

Aún disfruto éste y otros álbumes de 311 que tengo en mi gaveta de los recuerdos, especialmente el Live y Soundsystem, los que eran más contemporáneos en el tiempo que estuve allá y claramente con más trabajo de estudio. Es bonita la nostalgia que produce ver a una de las bandas con las que creciste lanzarse de nuevo al ruedo y ver que han madurado y tu también.

Feliz aniversario!

Palma Violets - "Girl, You Couldn't Do Much Better on the Beach"

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Mon, 27 Jul 2015 12:47:00 +0000

Este es el último video de los ingleses Palma Violets para su álbum Danger In The Club.

The Presidents Of The United States Of America - Vigésimo Aniversario

noreply@blogger.com (rickiwarrior) — Sat, 25 Jul 2015 22:14:00 +0000

Por años creí que nunca escucharía este álbum. No me simpatizaban sus caras y no me gustaba que no se tomaran en serio. A medida que el sueño de los noventa terminaba ridiculizado, The Presidents of the United States of America sonaban evidentemente culpables. ¿Por dios, cómo no? Pero, ¿cómo podría este seguidor de la música anglo criticar a estos tres músicos por el nombre de su banda, su básico humor, o por el curso de la música popular en la mitad de los años noventa? No way. El caso es que Miguel Andrés, un amigo mío desde la primaria quien no tenía prejuicios ni sofisticaciones para escuchar sus sencillas opciones musicales, tenía este CD, aquel que se abrió paso en muchos hogares a través de la pegajosa e insoportable Lump (video dirigido por Roman Coppola).

Como siempre tuve admiración por los discos, en una de las visitas a su casa a jugar Super Nintendo no pude evitar ponerlo (en un discman conectado a dos parlantes de computador) y de inmediato descubrí que bueno o malo, ridículo o no, el álbum tenía un sonido propio, sólido y original en su particular manera. Y bueno, desde el inicio con Kitty (video) y sus tranquilos versos, el disco tiene su encanto. Varios riffs y ritmos me hicieron regresar más pronto que tarde y resulté concluyendo que se trataba de buena música amigable, así que escribo esto para hacerle justicia al álbum y reconocer que detrás de esas básicas canciones tocadas con una guitarra de tres cuerdas, un bajo de dos y una batería sin toms de aire, se encontraba un curioso ejemplo de composición musical y de interpretación rock.

El disco es una pequeña roquita, fácil de entender y contagiosa. A partir de Stranger se revelan sensibilidad musical y legítimas ganas de cantar y jamear. Sigue Boll Weevil, tal vez mi favorita entre todas. Uff! Allí empieza un gran momento del álbum pues sigue el hit Peaches y el alcance de tan pocas cuerdas disponibles. Dune Buggy, la divertida versión de We´re Not Gonna Make It y la de la legendaria Kick Out The Jams (original de MC5), la contagiosa y más larga de todas Body, la folk-rockera Back Porch, la cómica Candy con su sollado intermedio, y el remate con la sincera Naked and Famous, en la que aparece como invitado Kim Thayil de Soundgarden haciendo sus leads (acreditados como "guitar noodles") quien es cercano a la banda, en parte por que los Presidents son de Seattle. En cualquier caso...

Feliz aniversario!

(Ojo a Letterman cuando presenta el disco en vinilo...)