La pieza, que cuenta con una altura de 82.6 cms. y fue diseñada en 1957, pertenece al catálogo Cassina I Contemporanei de esta exclusiva firma italiana de muebles. Está fabricada en marco de fresno y asiento de caña de la India y es considerada una de las tres obras maestras de su creador. Ponti (1891-1979), además arquitecto e ilustrador, es reconocido por el lanzamiento en 1928 del magazine Domus y se consolidó como un abanderado de la oleada de virtuosos diseñadores italianos de mediados del siglo XX.

«Superleggera» de Conti, perfecta conjugación entre robustez y ligereza (su peso no rebasa los 2 kilogramos), fue relanzada por Cassina a principios del 2011 en refrescantes versiones que conservan la esencia que volcó su creador hace 55 años con la actualización que el siglo XXI puede otorgarle. Por lo mencionado, imposible no considerarle entre los iconos de nuestra época.

Fotografías: Cortesía Cassina

Más información:

• Sitio oficial de Cassina www.cassina.com

Entre los más recientes de sus proyectos llevados a productos se encuentran un par de objetos que si bien enfocados al hogar, se les puede aplicar un variadísimo uso, resultando para espacio blanco un gusto colaborar en la difusión de su obra, ejemplo del ahínco y creatividad que permea entre los creativos mexicanos.

«Mateo el oso» evoca el oso de peluche de permanece entre nuestros más dichosos recuerdos infantiles. En forma de funcional portalápices, está elaborado a mano por artesanos que utilizan piel de borrego como materia prima, y cuenta con brazos y piernas articuladas que le permiten diversas posturas.

«Mateo el oso»

«Nº14» es un acercamiento elemental al arquetipo cultural del florero, compuesto por 14 piezas de contrachapado con idéntica silueta y ensambladas a un núcleo mediante plantillas y contra moldes. Fabricado en contrachapado de pino también en talleres mexicanos, resulta una perfecta sincronía entre artesanía y tecnología.

«Florero Nº14»

Fotografías: Cortesía Christian Vivanco

Más información:

•     Christian Vivanco www.christianvivanco.com

¿Por qué elegir una bandeja para tal propósito? Por ser un utencilio tan cotidiano pero a la vez tan dotado de posibilidades para diseñar y ofrecer una nueva perspectiva del producto, como lo demuestran las más de 60 variantes de bandejas que componen la Colección Alessi y a las que se suman estas ocho nuevas creaciones, en materiales como acero inoxidable, aluminio, madera y melamina. Auténtico reto de diseño industrial para los involucrados, que teniendo la arquitectura como profesión asumieron con valentía la tarea.

El resultado fue presentado durante el pasado mes de septiembre en la Beijing Design Week 2011 y se tiene prevista la incorporación de estas piezas a la colección primavera-verano 2012 del Catálogo Alessi.

«(UN)Forbidden City» Beijing Industrial Design Center

TRICK AND TREAT, GARY CHANG – EDGE DESIGN INSTITUTE LTD., 2012 y A LOTUS LEAF CHANG YUNG HO – ATELIER FCJZ, 2012.

JANE, LIU JIAKUN – JIAKUN ARCHITECTS, 2012.

FLOATING EARTH, MA YAN SONG – MAD, 2012.

TRAYSCAPE,LIU XIAO DU, MENG YAN, WANG HUI URBANUS, 2012

CLOUDS ROOT, WANG SHU – AMATEUR ARCHITECTURE STUDIO, 2012

MING, ZHANG KE – STANDARDARCHITECTURE, 2012

Fotografías: Cortesía Officina Alessi

El estilo minimalista del diseño técnico entendía la estética como una liberación de todo ornamento y color. Los arquitectos minimalistas diseñaron edificios que eran blancos por fuera y por dentro: para ellos el único objeto de interés eran las líneas arquitectónicas, y a menudo manifestaban poco interés por las necesidades de los habitantes y los visitantes de estos edificios.

Con el diseño posmoderno se devolvió el ornamento y color a los objeto, cualidades que volvieron como expresión de viveza e ingenio. Pero el blanco continuó siento el color principal también en el diseño posmoderno, ahora convertido en el color de fondo, aunque es también cierto que los diseñadores prefieren presentar sus diseños sobre fondo negro. Pero el negro es inadecuado para las grandes superficies y como color de los espacios habitables, pues en estos casos su fuerza no permite que los demás colores resalten, sino que los neutraliza.

Todo estilo que halle aceptación en amplios círculos nace de alguna necesidad auténtica. Sólo entonces puede percibirse un estilo como algo adecuado a los tiempos, y no como una imposición. El blanco no es un color de moda, es simplemente un color moderno.

Como dato anecdótico, el perfume más comprado en el mundo -el Chanel n°5- se vende desde 1920 encerrado en una caja blanca con tipografía negra. La única decoración de la caja son unos cantos negros. Esta sencillez produce la impresión de que el Chanel n°5 es el perfume de los perfumes, un perfume atemporal. Y ciertamente parece serlo.

Fotografías: Archivo espacio blanco

El museo se encuentra en un basamento contextual continuo del conjunto de Plaza Juárez en el Centro Histórico de la ciudad de México. El diseño fue realizado por la firma Arditti + RDT arquitectos, con la creencia arraigada de que la única esperanza para la humanidad radica en la educación de las generaciones futura.

El volumen principal de triple altura está diseñado como dos manos abiertas que contienen y sostienen flotando al motivo principal del espacio interior: el memorial de los niños asesinados en los genocidios. Está construido con una estructura mixta de concreto armado y acero en una solución de 6 niveles (3 museográficos y 3 complementarios) y un sótano. Cuenta además con restaurante, auditorio y una tienda.

El segundo nivel alberga el área de la memoria. Uso de materiales pesados y una luz tenue y obscura, acentúan el recorrido de la historia del Holocausto. El empleo de las columnas inclinadas en todo el edificio representa una marcada libertad e independencia de pensamiento en diversos sentidos.

El tercer piso pertenece a la Tolerancia; la iluminación es más clara para dar la sensación de liberación y el comienzo de una nueva vida. La transición de la Tolerancia se creó en colaboración con el artista holandés Jan Hendrix dentro de un espacio con luz natural, donde una cascada de 20,000 «lágrimas» simbolizan a las víctimas.

Al salir de la Memoria, el visitante pasa por una escalera sobre el espacio abierto y una pasarela de cristal. La sección permanente de la Tolerancia se compone de 19 salas de exposiciones que reflejan didacticamente temas como el estereotipo, los prejuicios, la discriminación, el odio y la violencia. La atmósfera está diseñada para crear conciencia de la importancia del diálogo, la implicación de la actitud de los seres humanos, palabras y acciones.

Museo de la Memoria y Tolerancia, destinado a convertirse en el espacio por excelencia para fomentar el valor de la tolerancia, el respeto y la diversidad.

Fotografías: Sara Sánchez © espacio blanco

Más información:

• Museo Memoria y Tolerancia ww.memoriaytolerancia.org
• Arditti + RDT arquitectos www.ardittiarquitectos.com

Lo anterior durante la reciente IMM Cologne 2012, destacadísima feria del mueble germana con un exigente grado de excelencia de todo lo que en ella se presenta. El producto que les alanzó la distinción recibida es el diseño de la «Bed 42» (Cama 42), curiosa mezcla de una cama con un escritorio que apuesta por la nada conservadora conjunción de objetos del uso cotidiano cargados con una fuerte dosis de conciencia constructiva que lo vuelva atractivo, recordable pero sobre todo útil.

El objeto está fabricado con madera de nogal de 2 pulgadas con certificación ecológica, material que envejece apropiadamente y sano para el medio ambiente, y tallada completamente a mano, trabajo que tomo alrededor de 4 semanas. Además de su exhibición durante el IMM Cologne ya está garantizada su presencia en otras reconocidas exposiciones del sector en Europa.

Reiteramos nuestra felicitación a Alejandro Tapia y Katarina Alatzia -socios de Manadaº- y esperamos se mantengan firmes en el escenario del diseño mexicano con la busqueda constante de una creación sustentable y atemporal.

Fotografía: Cortesía Manadaº

Más información:

• Manadaº www.manada.com.mx

Este mundo alternativo es alcanzado por el imperio de Tony Cragg (Liverpool, 1949) y un grupo de escultores cuyo nexo de unión es la fascinación que comparten ante la invención del objeto que creado exnovo -aún a partir de otros objetos o materiales preexistentes- parece tomar vida y tener la capacidad de comunicarse con sus homólogos.

Tony Cragg

La exposición Objetos y Escultura (1981) en el Instituto de Artes Contemporáneas  de Londres reunió por primera vez, entre otros, a Tony Cragg, Bill Woodrow (Oxfordshire, 1948), Richard Deacon, Antony Gormley (Londres, 1950) y Anish Kapoor (Londres, 1954), considerados uno de los grupos con mayor influencia en la renovación de la escultura en la última parte del siglo XX.

Anish Kapoor

Cragg y Woodrow usaban por entonces objetos desechados y fragmentados de cosas que todavía mostraban las señas de su anterior identidad. Sus composiciones rendían homenaje a esos materiales y se exhibían con cierto valor arqueológico. Los materiales estaban fundidos  o dispersos pero eran tan importantes como el efecto final que perseguían.

Deacon ha utilizado siempre materias primas que tenemos por populares, como linóleum, moqueta, chapa galvanizada. Sus obras persiguen una expresión lirica que se eleva sobre la humilde materia de la que proceden.

Antony Gormley

Kapoor y Gormley, por su parte, fijan la atención en el contraste de las culturas occidental y oriental, y por la expresión espiritual que de él se puede desprender. El indio Anish Kapoor incorpora en su obra pigmentos de colores brillantes, habitualmente utilizados como tinte básico en su país natal. Sigue trabajando en Londres y su arte trata de crear simbolismos a partir de formas occidentales travestidas de significados orientales.

Tony Cragg es un trabajador infatigable que ha llegado a  presentar una exposición cada dos meses. No ha sentido timidez alguna antes la evolución, y por el contrario ha transitado durante los últimos años por todo tipo de formas, asumiendo siempre el riesgo de lo desconocido. Sus obras, en materialmes tan variados como la piedra, bronce, cristal, fibra de vidrio y poliestireno, reflejan la capacidad ubicua para llegar a las últimas consecuencias de cada material utilizado.

Por sus creaciones de seres nuevos que parecen estar a punto de iniciar un movimiento; seres capaces de intercomunicarse, aparearse y acabar poblando otro universo, Cragg es gloriosamente disperso y poliformo.

Fotografías: Especiales

Nacido en Guadalajara en 1967, Patrick en su juventud tuvo la oportunidad de empaparse del talento artístico de Ramiro Torreblanca y Juan Soriano en sus mismísimos talleres, para posteriormente licenciarse en Filosofía (estudios en los que también cuenta con Maestría) por la Universidad de Guadalajara. Su incursión profesional en el mundo del arte se da en 1993 con la fundación junto a Carlos Ashida de la Galería ARENA MÉXICO en su ciudad de origen, realizando un pujante intercambio de exposiciones de artistas -tanto mexicanos como extranjeros- dentro y fuera del país.

Fotografía: © Fernando Velasco

Desde entonces no se ha detenido en su incansable tarea de curaduría de un variado repertorio de exposiciones presentadas en distinguidos recintos culturales como el Museo de Arte Moderno y Museo Tamayo en la ciudad de México, el Exconvento del Carmen e Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara y Museo de Arte Contemporáneo y Centro de las Artes en Monterrey. A lo anterior se le suma su faceta de coleccionista aprovechando «el buen ojo» que con los años ha desarrollado pero que no es más que la punta de un iceberg de sensaciones y experiencias que se deben entablar entre el objeto y su espectador.

«El arte entra por los ojos, pero no sólo participan los ojos, la curiosidad a veces te lleva más lejos». Patrick Charpenel.

La trayectoria de Charpenel como promotor del arte contemporáneo Mexicano ha sido merecedora de una multitud de reconocimientos y logros, el último entre ellos haber sido nombrado Director de la Fundación / Colección Jumex el pasado mes de octubre, lo cual es una insignia más es su notable carrera en beneficio de la cultura nacional y que desde espacio blanco aplaudimos.

Arquitectos y diseñadores de Gensler y 1508 London comparten su opinión sobre las funciones y la interfaz entre ambas disciplinas y hacen una atenta invitación para compartir comentarios en la página oficial de discusión de  LinkedIn.

Video: Cortesía Surface Design Show 

Más información:

• Oficial Link 
• Surface Design Show www.surfacedesignshow.com

Mientras El Reino Unido entero se prepara para celebrar los Juegos Olímpicos de Londres 2012, la exposición «Sport and Fashion» del Fashion Museum, ejemplifica cómo la ropa deportiva ha influido en las creaciones de los diseñadores contemporáneos. Con más de 50 piezas en exhibición, la muestra ofrece algo para todos los amantes del deporte, los seguidores de la moda o aquellos que tienen un interés por la cultura popular.

«Sport and Fashion» incluye una serie de elementos como son los trajes históricos, las pasarelas  y ropa de calle. El museo presenta algunas prendas icónicas de alto perfil en la moda y el deporte, entre ellas piezas de la tenista rusa Maria Kirilenko y la diseñadora británica Stella McCartney.

La colección permanecerá en la galería del museo hasta mayo y espacio blanco te acercará la reseña está singular exposición.

Fotografía: Cortesía Fashion Museum

Más información:

• Fashion Museum www.museumofcostume.co.uk