Espacios Convergentes. Explorando las fronteras entre arte, cultura y nuevas tecnologías.

De Tolstoi a Carrefour: La creación contemporánea rusa entra en El Ranchito

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Mon, 05 Dec 2016 23:48:00 +0000

El pasado 25 de noviembre se inauguraba dentro del Programa de Residencias Matadero Madrid – AECID una nueva exposición de El Ranchito, en este caso con Rusia como país invitado. Con la colaboración del Centro Nacional de Arte Contemporáneo ruso, durante los meses de octubre y noviembre tenía lugar un intercambio entre 4 artistas españoles y 4 artistas rusos para llevar a cabo una residencia en centros de diferentes ciudades. El resultado de estas residencias, culminadas en el Matadero de Madrid ha dado como resultado la muestra colectiva Souvenirs de ninguna parte.

Souvenirs de ninguna parte

La Nave 16 del Matadero acoge el resultado de este Programa con una exposición heterogénea en la que cada artista ha construido sus obras en torno a distintos ejes temáticos. Pese a la independencia con la que han contado los distintos autores, el contenido sobre el que han trabajado durante sus respectivas residencias parece en ocasiones dialogar entre sí a partir de conceptos como la memoria, el pasado, el presente y la literatura como disciplina que permea sobre el resto de expresiones artísticas.

Así, la poesía se convierte en la protagonista del trabajo llevado a cabo por Pavel Arsen’ev para El Ranchito. Las distintas instalaciones y videoinstalaciones que forman Poésie Objectif contienen referencias explícitas a autores como Rimbaud, Mallarmé o Wittgenstein en una exposición en la que la poesía se convierte en un género tangible mientras el poema sale por la ventana. Frente a Poésie Objectif se encuentra La espera, con 2 obras de Sasha Saltanova que también toman la poesía como punto de partida para la generación de la videoinstalación en la que un abanico despliega gradualmente unos versos de Lorca.

¿Qué es arte en Anna Karenina? Kitty after the ball. Samuel Savage.

Continuando con la literatura como leitmotiv, Samuel Savage interpreta la novela Anna Karenina y la traslada a otras manifestaciones artísticas. Un conjunto de textos escritos por el artista introduce las obras que, a través de diversos elementos como libros, páginas sueltas, pizarras o esculturas muestran con subjetividad cómo el arte aparece en la novela de Tolstoi y en algunos de los personajes del libro.

A su vez, Ivan Novikov recuerda al poeta Pablo Neruda con el poema Canto sobre unas ruinas (…todo ha ido y caído brutalmente marchito (…)) e introduce así Madrid bajo asedio. Fruto de su estancia en la ciudad, el artista moscovita sitúa en el centro de su obra los vestigios que atestiguan la Guerra Civil española en la ciudad a partir de los búnkeres del Parque del Oeste o la Casa de Campo y lo recoge mediante una instalación creada a través de elementos tomados del exterior.

Madrid bajo asedio. Ivan Novikov

Mientras Novikov fija su atención sobre la memoria de la Batalla de Madrid, la artista Aljona Shapovalova analiza los símbolos masónicos que han pervivido en el tiempo y que se construyen con un lenguaje propio cargado de simbología codificada. Buscando las señales invita al espectador a encontrar y descifrar estos códigos y a poner en práctica el lenguaje gestual con el que los miembros de las logias masónicas se comunican internamente. Para ello, sitúa en el espacio expositivo la instalación Handshake, permitiendo al espectador interactuar con un brazo 3D con el que aplicar el apretón de manos propio de la masonería.

En un sala improvisada dentro de la Nave 16 se encuentra Por entre la materia gris me sale una selva de Julio Linares. Al atravesar las cortinas, el visitante accede a la recreación de un lugar selvático con acrílicos del artista sobre las paredes, luces, niebla y altares preparados para realizar ofrendas. Un ambiente tropical que se contrapone con el frío espacio expositivo.

El pasado y el presente resultan de especial relevancia en los trabajos de Marta Jarabo e Ignacio García Sánchez. Partiendo del nomadismo como modelo de supervivencia, Marta Jarabo ahonda sobre el nomadismo tradicional y lo contrapone al contemporáneo. Dividida en dos estadios, Infraestructuras de supervivencia abordar la tradición en primer lugar mediante fotografías antiguas de los nómadas siberianos, caracterizados por trasladarse pastoreando su manada de renos de un punto a otro del territorio. Con distinto contexto pero idéntico sistema, el modelo tiene su réplica en la era contemporánea con la aparición del nómada urbano moderno, que asume el cambio de vivienda, ciudad o país como modelo de subsistencia y que en la exposición se sintetiza con una maleta de la que se extraen objetos personales cotidianos listos para utilizar en los apartamentos efímeros de hoy en día.

Ruinas de Antropoceno. I. García Sánchez

En Ruinas de Antropoceno, el artista Ignacio García Sánchez indaga sobre el proceso por el cual las ruinas históricas se desprenden de su carga sociopolítica e ideológica original y son neutralizadas para dar predominio al valor estético. En el conjunto de sus obras, García Sánchez reproduce una serie de murales y bajorrelieves y les devuelve su capacidad crítica imprimiendo sobre ellos escenas cargadas de referencias contemporáneas que van de los Simpsons a Carrefour.

La muestra puede verse en la Nave 16 del Matadero de Madrid hasta el próximo 8 de enero.

¿Pintura o escultura? La obra de Rainer Splitt en la galería Pilar Serra.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Tue, 30 Apr 2013 12:14:00 +0000

Las obras del artista conceptual alemán Rainer Splitt podrían definirse como híbridos que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura contemporánea. No tienes muy claro ante qué estás exactamente, así que lo más adecuado es dejarte llevar por sus volúmenes de colores brillantes y atender a cómo sus formas invaden el espacio.

El método que sigue Splitt para realizar sus creaciones se centra en las relaciones entre pintura, volumen y color convirtiendo sus obras en objetos materiales escultóricos tridimensionales.

Pouring amarillo, de Rainer Splitt. 2010. Poliuretano y esmalte.

La pintura se convierte en víctima de la arbitrariedad gravitatoria, viéndose influida por la plasticidad y densidad del propio fluido que termina adaptándose al objeto o espacio al que se adhiere durante el secado. Tiempo y gravedad juegan por tanto un papel trascendente al determinar así la dirección y expansión de la pintura, ofreciendo al espectador una sensación de movimiento únicamente interrumpida por la solidificación natural del fluido a partir de sus propiedades.

Esta forma de pintar escultóricamente dejando que la pintura se expanda con libertad contrasta con los elementos sobre los que se asienta. Estructuras geométricas de ángulos y formas rectas parecen posicionarse como antitéticos del fluido que reciben y que se muestra con formas irregulares y orgánicas. Cualquier superficie que cumpla estas características puede ser utilizado por el artista Rainer Splitt como lienzo sobre el que realizar el vertido, desde una estantería hasta el propio suelo.

El acabado que ofrecen las obras parecen mostrar a un Splitt que cede a las leyes físicas todo el control sobre sus propias creaciones. Sin embargo, cada una de sus pinturas escultóricas surgen de un exhaustivo estudio sobre las cualidades del fluido empleado, las posibilidades para extenderse sobre el espacio, la velocidad de lanzamiento del líquido y los tiempos que requiere para secarse en función de sus propiedades. Todo ha sido estudiado para generar estéticamente una sensación de arbitrariedad que esconde tras sí la causalidad (y no casualidad) que provocan las diferentes leyes de la física que intervienen en el proceso.

Pouring box azul y negra, de Rainer Splitt. 2010. Policarbonato y esmalte.

El color es otro de los elementos que cobra gran importancia en la ejecución de sus trabajos. Del mismo modo que toma superficies frías con formas simples para intervenir con la pintura, los colores empleados en todas sus obras son monocromáticos integrándose de manera armoniosa con el espacio. Su paleta de tonalidades compuesta por pintura industrial sintética contiene colores como el naranja, el negro, el verde o el rojo carmesí recurriendo al poder emocional que aportan los colores brillantes y luminosos que bañan sus obras.

Bien sean entendidas como pinturas escultóricas o esculturas pictóricas, las obras de Rainer Splitt han llegado a la Galería Pilar Serra (Calle Santa Engracia, 6. Bajo centro) de Madrid en su primera exposición individual en España. En la muestra, que podrá ser visitada hasta el próximo 15 de mayo, pueden verse 7 obras entre las que se encuentran papeles pintados, cajas de PVC que abandonan su función para situarse sobre una pared o incluso pinturas derramadas sobre el propio suelo del espacio expositivo que conforman un charco de pigmento y poliuretano. No pierdan la ocasión de visitarla si se encuentran por la capital.

Paperpool, de Rainer Splitt. 2013. Papel plegado y desplegado. Acrílico.

10 libros que necesitas leer (aunque aún no lo sepas)

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Mon, 22 Apr 2013 17:36:00 +0000

Hoy es el Día Internacional del Libro y aunque no deja de ser una fecha conmemorativa más reconvertida en negocio, sigue pareciéndome uno de los eventos más interesantes y útiles del calendario. Si bien tiene cierto carácter comercial, la promoción y el fomento de la lectura lo justifica con creces en un país alejado de la media europea en cuanto a hábitos de lectura.

Uno de los mejores regalos que se le pueden hacer a una persona es un libro, regalar historias. Siendo un bien físico (cierto que la expansión de los eReaders lo está convirtiendo en intangible, pero ¿quién regala un ePub?) su contenido es abstracto y puede generar múltiples realidades en función de los ojos que lo leen. Ahí está la magia.

Los libros empiezan y acaban, pero las historias que contienen pueden pervivir en el imaginario del lector por tiempo indeterminado. Sus páginas son, al fin y al cabo, un pasaporte hacia otras vidas, otras experiencias, otros lugares. Un libro es un billete para viajar a cualquier otra parte jugando a ser quien no somos, abstrayéndonos de la cotidianeidad y situándonos en posiciones a las probablemente de otro modo no lograríamos llegar. Regalar, prestar o comprar historias también es viajar.

Personalmente, cuando un libro me atrapa siempre termino secuestrando a sus personajes. Con el tiempo los detalles se olvidan, pero algunos elementos o situaciones acaban grabándose en mi mente como si de experiencias propias se trataran. Por ello, de vez en cuando resucito a los vorticistas de Amat al encontrarme con personas ataviadas con jerseys de cuello de cisne de colores sobrios; me indigno ante el trujillato como si lo hubiese vivido junto a la madre de Óscar Wao o me sorprendo hablando de Shalom Auslander como si le hubiese acompañado en su viaje a Israel.

Son este tipo de historias las que convertiría en regalo, tal vez para poder compartir estas excéntricas anacronías, tal vez para que sus personajes continúen viviendo también a través de otras vidas. Aquí va por tanto, mi lista de recomendaciones para viajar esquivando peajes y aeropuertos.

Nocilla Lab, Agustín Fernández Mallo. Santillana, 2010.

Cosas que hacen BUM, Kiko Amat. Anagrama, 2007.

Lamentaciones de un prepucio, Shalom Auslander. Blackie Books, 2010.
Purga, Sofi Oksanen. Salamandra, 2011.
La maravillosa vida breve de Óscar Wao, Junot Díaz. Mondadori, 2009.
¿Por qué me comprasteis un walkie-talkie si era hijo único? Santi Balmes. Principal de los libros, 2012.
13,99 euros, Frédéric Beigbeder. Anagrama, 2001.
Suites imperiales, Bret Easton Ellis. Mondadori, 2010.
El arte: conversaciones imaginarias con mi madre, Juanjo Sáez. Reservoir Books, 2006.
Asterios Polyp, David Mazzucchelli. Ediciones Sins Entido, 2010.

Nocilla Lab, Agustín Fernández Mallo. Santillana, 2010.

Nocilla Lab cierra la trilogía del Proyecto Nocilla emprendido por Agustín Fernández Mallo en 2006. Aunque es su último volumen, no es estrictamente necesario (aunque sí recomendable) haber leído los dos anteriores para sumergirse en una historia con elipsis narrativas que te atrapa desde la primera página en un viaje a medio camino entre la reflexión, la descripción poética y la ficción. El ritmo viene marcado por la alteración de los signos de puntuación y por algunas reiteraciones que, lejos de resultar redundantes, le aportan más emoción a una historia que narra en primera persona el viaje de una pareja y en la que la dimensión temporal se ve perturbada potenciando la sensación de incertidumbre que se mantiene hasta la última página.

“la paradoja es también una forma de desequilibrio, estábamos en un puerto de una pequeña isla al sur de otra isla llamada Cerdeña, el corazón del Mediterráneo, un pueblo marinero donde habíamos llegado tras meses de continuo peregrinaje, continua búsqueda del lugar apropiado para erigir el Proyecto, nuestro Proyecto, como nos gustaba llamarlo, algo colosal que desde hacía años nos tenía más que ocupados, abducidos…”

Cosas que hacen BUM, Kiko Amat. Anagrama, 2007.

No puede entenderse esta historia sin la brillante y obsesiva personalidad de su protagonista, Pànic Orfila. Criado por su tía abuela, anarquista y perteneciente al Instituto de Vandalismo Público, Pànic vive hasta su adolescencia al margen de la escolarización formándose a través de los cientos de libros que lee y que le introducen en el surrealismo, el situacionismo, el satanismo o las pirámides de papel desde corta edad. Su peculiar mundo se tambalea cuando llega a la universidad y entra en contacto con los vorticistas, un misterioso grupo revolucionario que mantendrá tan atrapado al lector como al protagonista de la historia.

“La obsesión es una fiebre. Una rabia loca, enfocada hacia un solo punto, que empieza a acelerar sin que nadie pueda detenerla. La obsesión es un deseo multiplicado, y ese deseo me ha llevado hasta aquí.

Estoy volando a 111 km por hora en dirección a un árbol del camping La Ballena Alegre en la autovía de Castelldefels. Cuando impacte contra él mi cuello se partirá como un barquillo mojado en champán, pero de momento estoy paralizado en el aire en la postura de volar. Soy una pieza de taxidermista, suspendida del cielo por hilos de oxígeno.”

Lamentaciones de un prepucio, Shalom Auslander. Blackie Books, 2010.

Lamentaciones de un prepucio no es apto para judíos ultraortodoxos o detractores del humor negro. Negro oscuro. Shalom Auslander escribe una historia sobre un personaje llamado Shalom Auslander que, criado en una familia ultraortodoxa se rebela contra los dogmas judíos no sin cierto temor a las represalias divinas. Sus conversaciones, desafíos y súplicas ante Dios sitúan al lector ante situaciones hilarantes que, además de mantenerle enganchado al libro durante sus casi 300 páginas le permiten profundizar sobre las creencias y costumbres que los ultraortodoxos contemporáneos mantienen.

“Es lunes por la mañana, seis semanas después de que mi esposa y yo nos hayamos enterado de que está embarazada de nuestro primer hijo, y estoy parado en un semáforo. El chaval no tiene ninguna oportunidad. Es un truco. Conozco a este Dios; sé cómo actúa. Mi mujer tendrá un aborto, o el niño morirá en el parto, o mi esposa morirá en el parto, o los dos morirán en el parto, o ninguno de los dos morirá y yo pensaré que ha pasado el peligro, y cuando salgamos del hospital y los lleve a casa chocaremos de frente con un conductor borracho y los dos, mi mujer y mi hijo, morirán en urgencias al final del mismo pasillo donde estaba la habitación en la que minutos antes estábamos tan felices y vivos y llenos de esperanzas.

Eso sería tan típico de Dios.”

Purga, Sofi Oksanen. Salamandra, 2011.

¿Cuánto sabemos sobre la historia contemporánea de Estonia? En Purga Sofi Oksanen muestra como telón de fondo la ocupación alemana y posterior implantación del régimen soviético a través de tres generaciones de mujeres que entretejen sus historias con el contexto sociopolítico del momento. Los personajes principales representan diferentes roles y épocas del país que van siendo expuestas al lector a través de los saltos generacionales que se suceden en cada capítulo y que conducen a un camino común que va haciéndose visible a medida que la historia avanza.

“El bulto se encontraba todavía en el patio, en la misma posición que antes. Parecía una persona – se podían ver los reflejos del cabello contra la hierba. ¿Estaba aún viva? El corazón de Aliide comenzó a latir con fuerza en su pecho. ¿Debería salir al patio? ¿O sería un impulso imprudente? ¿Era el bulto el truco de un ladrón? No, no, no podía serlo. Ella no había sido atraída hacia la ventana y nadie había llamado a la puerta principal. ”

La maravillosa vida breve de Óscar Wao, Junot Díaz. Mondadori, 2009.

Si Purga tiene como escenario la Estonia del XIX, la primera novela de Junot Díaz nos transporta a la República Dominicana de la dictadura de Trujillo. Bajo una técnica narrativa similar a la de la novela de Sofi Oksanen, La maravillosa vida breve de Óscar Wao nos muestra a través de tres generaciones el contexto político acontecido durante varias décadas en Santo Domingo. El régimen dictatorial, el racismo y la inmigración hacia Estados Unidos son tratados con enorme crudeza en esta novela premiada con un Pulitzer en 2008, cuyas notas al pie cobran tanta relevancia como el propio contenido principal.

“Nuestro héroe no era uno de esos dominicanos de quienes todo el mundo anda hablando, no era ningún jonronero ni fly fachatero, ni un playboy con un millón de conquistas.

Y salvo en una época temprana de su vida, nunca tuvo mucha suerte con las jevas (qué poco dominicano de su parte).

Entonces tenía siete años.”

¿Por qué me comprasteis un walkie-talkie si era hijo único? Santi Balmes. Principal de los libros, 2012.

Santi Balmes, líder del grupo Love of lesbian regresa al mundo editorial de la mano del ilustrador Ricardo Cavolo. No se dejen engañar por el título, no encontrarán en él confesiones autobiográficas ni historias dirigidas al público infantil. Es un libro para adultos dispuestos a aceptar toda concesión narrativa en pos de las exigencias del guión. Acercarse a este libro es dejarse embaucar por las situaciones cargadas de surrealismo, humor y absurdidad a las que es sometido Fernando Obs, el carismático protagonista de la historia. Con una de las ediciones más cuidadas que recuerdo en mucho tiempo, por sus páginas transitan personajes como Jim Morrison o James Dean con la misma naturalidad que la abuela del protagonista o un par de actores porno reconvertidos en estrellas del electropop.

“Ahora os diré lo que vamos a hacer. Es muy fácil. Se trata de poner voluntad e intentar creeros que todo lo que estoy a punto de contaros es cierto (porque podría ser cierto), como cuando vuestra pareja os dice que ha llegado al clímax. Vosotros estáis en la Cara A de vuestra mente, mundo objetivo o REALIDAD. Ahora os ruego que os dejéis succionar por una especie de agujero negro literato hacia el reverso posterior, donde habéis caído y que a partir de ahora será NUESTRO MUNDO. ¿Cómo empiezo? Ah, si, con algo impactante.”

13,99 euros, Frédéric Beigbeder. Anagrama, 2001.

Frédéric Beigbeder trabajó como creativo publicitario en una importante empresa del sector en París hasta que decidió pasarse a la literatura y convertirse en mi escritor predilecto. En 13,99 euros, el autor narra con cierto poso autobiográfico y con gran artificio las vivencias de Octave Parango, un respetado publicista que asume las reglas del mercado para dinamitarlas con sus ácidas acciones y declaraciones. El estilo narrativo de Beigbeder, directo e incisivo, lo consagró como uno de los escritores franceses con mayor proyección internacional a la vez que dividió al público entre quienes no comulgan con su ironía e irreverencia y quienes lo comparan con el también polémico Michel Houellebecq.

“Todo se compra: el amor, el arte, el planeta Tierra, vosotros, yo. Escribo este libro para que me echen del trabajo. Si me fuese, me quedaría sin indemnización. Necesito serrar la rama sobre la que se asienta mi comodidad. Mi libertad se llama subsidio de desempleo. Prefiero ser despedido por una empresa que por la vida. PORQUE TENGO MIEDO. ”

Suites imperiales, Bret Easton Ellis. Mondadori, 2010.

Menos que cero, la primera novela del escritor californiano, retrataba la vida de unos adolescentes consentidos y salvajes que en ausencia de metas por cumplir transgredían todo límite físico y moral adoptando el sexo, las drogas y el egocentrismo como máximas vitales. Aquellos jóvenes crecieron, sobrevivieron y regresaron a la literatura a través de Suites Imperiales, la novela en la que Ellis vuelve al lugar de los hechos convirtiendo a Clay, su protagonista, en un guionista de éxito. Con el retorno de Clay a Los Ángeles comienzan los reencuentros y se reanudan de algún modo los patrones de comportamiento de cada uno de los personajes, que se ven involucrados en conflictos escabrosos que mantienen la incertidumbre en el lector. Una historia de límites imprecisos que revela la superficialidad, el egoísmo y la vacuidad de esta generación de jóvenes acomodados.

“Habían hecho una película sobre nosotros. La película estaba basada en un libro escrito por alguien que conocíamos. El libro tenía un argumento muy sencillo que narraba cuatro semanas en la ciudad donde crecimos y era en su mayor parte una descripción fiel. Lo había catalogado de ficción pero solo habían modificado unos pocos detalles, no había cambiado nuestros nombres y no había nada en él que no hubiera sucedido. Por ejemplo, era cierto que una tarde de enero habían proyectado una película snuff, una de esas grabaciones sádicas de violencia en directo, en una habitación de Malibú, y que yo salí a la terraza con vistas al Pacífico donde el autor trató de consolarme asegurándome que los gritos de los niños torturados eran fingidos, pero sonrió mientras lo decía y tuve que volverle la espalda”.

El arte: conversaciones imaginarias con mi madre, Juanjo Sáez. Reservoir Books, 2006.

La novela gráfica, relegada hasta hace unos años a una discreta sección de las librerías, está empezando a tener una mayor relevancia en los últimos tiempos. Prueba de ello es el aumento de publicaciones gráficas nuevas que salen cada mes a un mercado económicamente malherido. Juanjo Saéz es uno de esos autores que, además de aparecer en algunos medios con sus viñetas e ilustraciones, ahora ocupan nuevos espacios en las librerías.

El destinatario de El arte: conversaciones imaginarias con mi madre bien podría ser cualquiera, sin ir más lejos y como el propio título indica, una madre. El libro recoge en diferentes capítulos explicaciones (gráficas y escritas manualmente) de carácter divulgativo en tono irónico y humorístico sobre el arte contemporáneo. Con Juanjo Sáez cualquier persona puede empezar a comprender las representaciones de Magritte, los conceptos de materia y antimateria de Eduardo Chillida o la verdadera función social de los museos. Eso sí, sin teorías dogmáticas, tecnicismos ni perspectivas elitistas.

“Mamá, el arte es un tesoro que nos han robado. Solo los “intelectuales” pueden disfrutar del TESORO, LA ÉLITE de la CULTURA. Han encerrado el arte en un cofre de conocimientos, para abrir la cerradura es necesario haber leído mucho. Pero cualquier persona mínimamente sensible puede romper la cerradura y encontrar el tesoro, e incluso desarrollando tu creatividad puedes hacer tu propio tesoro. A los intelectuales esto les molesta mucho y no quieren permitir que suceda, a ellos les ha costado mucho. Han tenido que cultivarse mucho para llegar a ser “los guardianes” y no toleran a los “listos” que se saltan sus reglas, entonces no paran de intentar hacernos sentir mal, recordándonos nuestra incultura y nuestra incapacidad para almacenar datos.”

Asterios Polyp, David Mazzucchelli. Ediciones Sins Entido, 2010.

Asterios Polyp es uno de esos libros que no puedes llevarte bajo el brazo todo el día sin acabar con dolor de espalda. Cerca de 350 páginas de papel de buena calidad, con sus tapitas duras y su edición bien cuidada a todo color. Un tesoro en forma de novela gráfica para tener en casa y retomar de vez en cuando, por partes o desde el principio.

El dibujante de cómics David Mazzucchelli cambia su registro y se aleja de trabajos como los realizados para Batman o Daredevil para convertir en protagonista a un antihéroe anónimo. Asterios Polyp es un neoyorkino de cincuenta años, sin un atractivo especial e insatisfecho con su vida como profesor universitario y arquitecto. El abandono por parte de su mujer y un incendio en su casa transforman su vida y le conducen hacia un recóndito pueblo en un intento de huir de sí mismo. De carácter insolente y egocéntrico, el protagonista verá como su vida da un giro de 360 grados que le llevará a recordar otros capítulos de su vida mientras intenta encajarlos dentro de su nueva situación. Los excepcionales diálogos cargados de referencias intelectuales, artísticas y filosóficas se ven arropados por unas viñetas estéticamente intachables.

Fotografía de portada: Horia Varlan via photopin cc

Reinvindicando la identidad del individuo desde la Europa del Este. Un repaso a la obra de Egle Rakauskaite.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Wed, 10 Apr 2013 18:26:00 +0000

Egle Rakauskaite fue una de las primeras creadoras lituanas que se situó al margen de los cánones artísticos soviéticos establecidos desde el ámbito institucional. Nacida en 1967 y pese a contar con una formación artística clásica, desde el principio sus creaciones han cuestionado las técnicas y el discurso predominante manteniéndose en los márgenes de un sistema sociopolítico al que muestra su oposición desde el medio en que mejor sabe hacerlo: el arte.

Aunque no es demasiado popular en España, en Lituania es una de las artistas más reconocidas del panorama artístico, llegando a ser elegida para representar al país en la 48º Bienal de Venecia. Asimismo, sus trabajos han protagonizado exposiciones en museos como el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Moscú o el Frankfurter Kunsverein, y ha recibido importantes becas internacionales que la han llevado a trabajar en Filadelfia, Alaska o Stuttgart.

Imagen de la obra In honey de Egle Rakauskaite. 1996.

El trabajo de Egle Rakauskaite es el resultado de una apuesta constante por un nuevo lenguaje artístico que explore los roles sociales alejándose del conformismo y del artificio. Sus obras albergan un mensaje latente que se rebela contra los conceptos culturales identitarios, religiosos y patriarcales con los que la artista convivió durante la ocupación soviética en Lituania que se extendió hasta los 90. Asimismo, Rakauskaite cuestiona en sus creaciones la binariedad del género introduciéndose en el discurso feminista que reclama nuevas perspectivas para la mujer y que resultó durante varias décadas de gran transgresión para la Europa del Este. De igual modo, la artista denuncia la colectividad homogeneizadora frente a un individualismo necesario que protege la intimidad del ser humano y de su cuerpo.

De este discurso surgen de manera natural las conexiones que vinculan la intimidad humana con la pureza, las emociones y la visibilidad/invisibilidad del cuerpo en sus creaciones. La concepción del ser humano se relativiza en sus obras huyendo de abstracciones y optando por la representación física en mayor o menor medida metafórica que roza en algunas ocasiones el estudio antropológico.

Aunque su formación académica está centrada en las artes plásticas tradicionales que la Lituania de la época impartía en sus academias, Egle Rakauskaite apuesta por el vídeo, la fotografía, el arte de acción y los materiales no convencionales caracterizados por ser orgánicos y perecederos. Los diferentes elementos son conectados entre sí poniéndose al servicio de sus mensajes y dirigiéndose desde la performance hacia la videoinstalación otorgándole una importancia expresiva vital a las sustancias empleadas.

Chocolate crucifixies, de Egle Rakauskaite. 1996.

El chocolate, las flores, el cabello, la grasa o la miel sirven de materia prima para generar nuevas sensaciones en el espectador, aumentando su implicación al incorporar como parte inherente a la obra sustancias cotidianas que le conectan con su realidad. En muchas de las creaciones que Rakauskaite produce, la piel – su piel – entra en contacto con estos elementos externos que establecen un diálogo entre cuerpo y sustancia fundiéndose en un proceso natural. El espectador se convierte entonces en testigo de la transformación que genera el paso del tiempo en el individuo.

Este es el discurso que se encuentra tras En grasa (In fat, 1998) y En miel (In honey, 1996), obras que guardan cierta analogía entre sí tanto en su ejecución como en su mensaje rompiendo las formas tradicionales de representación. Ambas obras cuestionan el modo en que el cuerpo humano se somete a la mirada externa visibilizando así la identidad humana y el conflicto interno entre el individuo y su entorno social cuando el cuerpo ejerce como mediador.

Egle Rakauskaite sumergida en grasa derretida. Imagen de la intervención artística In fat, 1998.

Con un tubo respiratorio que la conecta con el exterior como única licencia, Rakauskaite se introduce en In fat en una caja acristalada llena de grasa derretida que con el transcurso de las horas se va espesando y tornando a un color amarillento opaco que lo asemeja a un ataúd. Al sumergirse en la sustancia, y a medida que ésta se va solidificando, el espectador deja de ver el cuerpo de la artista a través de las 3 cámaras que se encargan de plasmar en imágenes el proceso al que se somete el cuerpo.

Compartiendo planteamientos, In honey recrea el regreso al útero materno con todas las implicaciones que ello conlleva. Unas sábanas de algodón suspendidas del techo acogen a Egle Rakauskaite, quien adoptando una posición fetal se sumerge en 80 kilos de miel mientras un tubo que evoca el cordón umbilical le aporta el aire necesario. La intervención es mostrada al público a través de una pantalla de televisión que proyecta la “ecografía” de su cuerpo durante los 8 minutos que dura la acción. De este modo el cuerpo de la artista lejos de ser vulnerable, se convierte en inaccesible protegido por esa gran placenta artificial que fuerza al espectador a tomar distancia respecto de ella.

La libertad del individuo se ve también alterada frente al alienante contexto externo en Para superar la vergüenza (To overcome shame, 2002). La obra cuestiona el concepto de racionalidad asumido actualmente como estado deseable y ahonda en la realidad reprimida que se esconde tras las patologías a través del grito como símbolo de la externalización del instinto y la esencia humana.

Trap, expulsion from paradise, Egle Rakauskaite.1997.

Trampa, expulsión del paraíso (Trap, expulsion from paradise, 1997) alude a la inocencia y a la pureza que terminan corrompiéndose con el transcurso del tiempo por causas externas. En esta performance convertida en vídeo, 12 jóvenes vestidas con trajes blancos de confirmación se sitúan de espaldas formando un círculo. Sus largos cabellos están trenzados entre sí formando una red que las une y las obliga a permanecer prácticamente inmóviles. Una metáfora con la que la artista intenta denunciar la sumisión y obediencia a la que las mujeres se veían sometidas tanto por la influencia del catolicismo como por el régimen soviético patriarcal.

Aunque en su etapa más reciente Egle Rakauskaite toma distancia respecto de la performance y los elementos orgánicos y se vuelca sobre la producción videográfica más documental, no abandona en ningún momento su investigación sobre los conceptos de identidad y colectividad. Another breathing (2002) recoge las declaraciones de varios ancianos de Lituania y Alaska que narran sus experiencias vitales vinculadas de modo inseparable a la identidad nacional de cada estado.

My address is not a house, not a street;
my address is a shopping centre, de Egle Rakauskaite. 2004.

Con el mismo carácter documental y bajo el objetivo de estudiar las repercusiones que tienen las técnicas de persuasión publicitaria sobre los consumidores surge Mi dirección no es una casa, no es una calle; mi dirección es un centro comercial (My address is not a house, not a street; my address is a shopping centre, 2004). En esta obra Rakauskaite toma como escenario varios centros comerciales a los que accede junto a algunos voluntarios y una cámara oculta que registra las intervenciones de unos compradores que aceptan inconscientemente el consumismo como nuevo sistema colectivo.

Algunos vídeos de sus intervenciones pueden verse en esta lista de reproducción de obras de Egle Rakauskaite.

Réquiem por P183. El espacio público como lienzo ilimitado.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Sun, 07 Apr 2013 18:39:00 +0000

El artista urbano P183

Hace unos días llegaba a la sección de cultura de los medios de comunicación de diversos países un comunicado sobre la muerte del artista urbano P183. Pável Pukhov desaparecía de un mundo que le sirvió como lienzo, bajo causas desconocidas y con la ausencia de toda investigación policial. La noticia venía, por tanto, envuelta en cierto halo de misterio que ha llevado a los medios a centrarse más en las hipótesis post mortem que en el legado que el artista ruso ha dejado.

Un legado físicamente inexistente (o casi) debido a la eliminación de las obras por parte de las autoridades municipales atendiendo a la prohibición de arte urbano – más aún siendo crítico -. La subversión que implica la adopción del espacio público como museo ilimitado y medio de expresión, ha conllevado la supresión de la mayoría de los trabajos realizados por P183, que afortunadamente están recogidos en la red gracias a las fotografías que él mismo tomaba para dejar constancia de sus acciones.

Pável Pukhov ha muerto sin llegar a cumplir los 30, pero sus obras de arte callejero pueden contarse por docenas debido a una temprana iniciación en el street art que le otorgaba ya una experiencia de 17 años. Las normas comenzaban a tambalearse para el artista allá por 1996, cuando para lograr continuar con sus intervenciones decide mantenerse en el anonimato y firmar con el pseudónimo P183 (Pasha 183).

Las calles son las salas expositivas más accesibles para cualquier persona. La calle es al mismo tiempo mi taller y mi galería.

Cuento del tiempo perdido

Los habitantes de Moscú y San Petersburgo son sin duda, quienes más oportunidades han tenido de contemplar sus creaciones in situ, aunque otras ciudades rusas como Yekaterimburgo también fueron objeto de intervención para el artista. Las zonas en decadencia, las fábricas abandonadas, los muros, los puentes, las carreteras o las zonas de recreo sirvieron de soporte para la ejecución de estarcidos, adhesivos, objetos y pintura en aerosol. En las pocas entrevistas que P183 concedía a los medios solía justificar sus primeros trabajos realizados en blanco y negro atendiendo a razones puramente económicas que le impedían utilizar pintura de color (más cara), un elemento algo baladí para un artista al que por encima del estilo, le preocupaba el significado de lo que hacía.

Como artista, para dibujar algo, hay que entrar en lo que estás haciendo.

Tal vez las dificultades económicas del artista hayan influido en los mensajes que proyectaba en sus obras. Cercano ideológicamente al anarquismo que rechaza toda autoridad, sus obras están plagadas de denuncia social. El trasfondo político y la crítica al consumismo capitalista son una constante en sus intervenciones pese a negarse a aceptar la etiqueta de “artista político”.

Muestra de ello es la conferencia que ofreció en el II Festival de Publicidad Honesta de Ekaterimburgo (único acto público al que aceptó acudir en su vida). Allí, con el rostro cubierto por un pasamontañas como acostumbraba a aparecer, Pável Pukhov reflexionaba sobre la manipulación que la publicidad ejerce sobre los ciudadanos que se ven impulsados a comprar y a venderse y las relaciones de mercado que extienden sus tentáculos hacia cualquier ámbito de la vida.

Asimismo, existe otro componente indispensable para entender la obra de P183: la pérdida de la inocencia. Sus trabajos aluden frecuentemente a la etapa de la infancia como elemento vital para el autoconocimiento y el afrontamiento del futuro. Gran parte de sus creaciones destilan perplejidad ante el mundo adulto, revelando cierta nostalgia por un pasado que no va a volver.

Tal vez fuera esta contraposición entre la vida adulta y el imaginario infantil la que le impulsó a diseñar y ejecutar una de sus obras más internacionales y con la que suscitó el interés mediático de periódicos como The Guardian o el Telegraph. El patio de un colegio moscovita fue el lugar escogido para plasmar unas enormes gafas que tomaban una farolas como patilla y que sirviéndose de la perspectiva se erigían en 3D a través de las ventanas del edificio.

Muy diferente era el objetivo que se escondía tras la gran tableta de chocolate de la marca Alenka que se apoyaba sobre una pared en ruinas. Creada sobre una gran losa de hormigón, la obra fue concebida como un final alternativo a la película The tale of Alenka 2005, enfrentando al espectador a la imposibilidad de consumir o comprar aquel popular producto soviético.

El metro de Moscú también fue objeto de una de sus obras más subversivas al situar a unos ficticios antidisturbios tras sus puertas de acceso, pretendiendo de este modo que los usuarios empujaran e ignoraran estas figuras policiales. Otras intervenciones de fuerte contenido crítico de P183 han ocupado puentes (Burn the bridges), cabinas telefónicas o solares abandonados, aunque también tuvo tiempo para brindar a los transeúntes mensajes de esperanza.

Os dejo unas cuantas obras realizadas por el ya lamentablemente desaparecido artista a lo largo de su trayectoria. P183 hacía preguntas y ofrecía respuestas, solo tenéis que encontrarlas.

Burn the brigdes de P183. Puente de Moscú.

Ahora nadie necesita permiso para dejar el mono, P183. Calle en obras.

Who was all becomes anybody. Calle de Moscú.

Víspera de año nuevo. Moscú.

Podéis ver el making of de estas u otras obras de P183 en la lista de reproducción de Espacios Convergentes.

Y por supuesto, quien se atreva con el ruso, no debería dejar de visitar la web y el propio blog de P183.

El sandwich art de David Laferriere. Una ilustración para cada día.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Tue, 02 Apr 2013 17:20:00 +0000

Las profesiones creativas no saben de horarios. No entienden de jornadas de 8 horas ni desconectan al salir del trabajo para no volver a retomarlo hasta el día siguiente. Un escritor se lleva de vacaciones la historia que se trae entre manos, en la cabeza del músico resuenan una y otra vez acordes desordenados, un artista no deja de serlo al abandonar su estudio.

Ilustraciones sobre sandwich, David Laferriere.

Muestra de ello es la impresionante colección de ilustraciones que David Laferriere alberga en su cuenta de Flickr. David Laferriere es diseñador gráfico e ilustrador. Y también es padre e ilustrador. Todo junto. Durante los años 2008 y 2009, este creativo estuvo dibujando con rotuladores permanentes sobre las bolsas de sándwich que sus hijos se llevaban al colegio diferentes imágenes que poco a poco fue subiendo a Internet. En total, más de 1.000 ilustraciones tan efímeras como debieron serlo los propios sándwich, pero que, gracias a las fotografías revelan una iniciativa extremadamente original que aún de vez en cuando el ilustrador continúa ampliando.

Os dejo algunas de las ilustraciones de este “sandwich art”, aunque no deberíais dejar de visitar la galería completa de David Laferriere en Flickr.

Groucho Glasses

International Pi Day

Gold fish

Mail it

Monster breakfast cereal

What?

Web del ilustrador: http://drlaferriere.com/

La vida del artista en un manifiesto, por Marina Abramovic

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Wed, 27 Mar 2013 17:28:00 +0000

Hace unos días llegaba a mis manos por fin el documental Marina Abramovic: la artista está presente, que muestra la preparación y el desarrollo de la retrospectiva que el MOMA de Nueva York hizo sobre su obra en 2010. La pieza documental profundiza sobre la personalidad y los procesos de creación de la artista con motivo de la gran retrospectiva, así como aprovecha para recuperar algunas de las piezas performáticas de realizadas a lo largo de su trayectoria artística.

El documental cuenta con numerosas imágenes de archivo que junto a las intervenciones de la artista y de otras figuras relevantes en su carrera, dibujan de manera precisa las inquietudes y motivaciones que mueven a Abramovic a la hora de realizar sus creaciones artísticas.

En un momento del film, se recuperan imágenes en las que la artista serbia recoge el premio Lorenzo Il Magnífico de la Bienal de Florencia de 2009. Marina Abramovic sube al escenario para recoger el galardón y lee un manifiesto sobre las relaciones entre la figura del artista y otros aspectos de la vida como son la creación, la soledad o la muerte. El manifiesto cuenta con 18 epígrafes que se desglosan a su vez en varios puntos. Aunque conocía la obra de Abramovic desde hace varios años, hasta el visionado del documental no había escuchado el manifiesto sobre el arte y el artista que ahora os transcribo y que me parece simplemente extraordinario.

1. La conducta en la vida del artista:

Un artista no debe mentirse a sí mismo o a otros
Un artista no debe robar ideas a otros artistas
Un artista no debe corromperse a sí mismo o por el mercado del arte
Un artista no debe matar a otros seres humanos
Un artista no debe convertirse a sí mismo en un ídolo
Un artista no debe convertirse a sí mismo en un ídolo
Un artista no debe convertirse a sí mismo en un ídolo

2. La relación del artista con su vida amorosa:

Un artista no debe enamorarse de otro artista
Un artista no debe enamorarse de otro artista
Un artista no debe enamorarse de otro artista

3. La relación del artista con el erotismo:

Un artista debe desarrollar un punto de vista erótico sobre el mundo
Un artista debe ser erótico
Un artista debe ser erótico
Un artista debe ser erótico

4. La relación del artista con el sufrimiento

Un artista debe sufrir
El mejor trabajo surge del sufrimiento
El sufrimiento conduce a la transformación
A través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu
A través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu
A través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu

5. La relación del artista con la depresión:

Un artista no debe deprimirse
La depresión es una enfermedad y debe ser curada
La depresión no es productiva para un artista
La depresión no es productiva para un artista
La depresión no es productiva para un artista

6. La relación del artista con el suicidio:

El suicidio es un crimen contra la vida
Un artista no debe suicidarse
Un artista no debe suicidarse
Un artista no debe suicidarse

7. La relación del artista con la inspiración:

Un artista debe mirar dentro de sí mismo para buscar la inspiración
Cuanto más profundice en sí mismo, más universal se convertirá
El artista es el universo
El artista es el universo
El artista es el universo

8. La relación del artista con el autocontrol

El artista no debe tener autocontrol sobre su vida
El artista no debe tener autocontrol absoluto sobre su obra
El artista no debe tener autocontrol sobre su vida
El artista no debe tener autocontrol absoluto sobre su obra

9. La relación del artista con la transparencia:

El artista no debe dar y recibir al mismo tiempo
La transparencia significa receptividad
La transparencia significa dar
La transparencia significa recibir
La transparencia significa receptividad
La transparencia significa dar
La transparencia significa recibir
La transparencia significa dar
La transparencia significa recibir

10. La relación del artista con los símbolos

Un artista crea sus propios símbolos
Los símbolos son el lenguaje del artista
El lenguaje debe ser traducido después
A veces es difícil encontrar la interpretación
A veces es difícil encontrar la interpretación
A veces es difícil encontrar la interpretación

11. La relación del artista con el silencio

Un artista tiene que entender el silencio
Un artista tiene que crear un espacio de silencio para entrar en su obra
El silencio es como una isla en mitad de un turbulento océano
El silencio es como una isla en mitad de un turbulento océano
El silencio es como una isla en mitad de un turbulento océano

12. La relación del artista con la soledad:

Un artista debe pasar por largos períodos de soledad
La soledad es extremadamente importante
Lejos de casa
Lejos del estudio
Lejos de la familia
Lejos de los amigos
Un artista debe pasar largos períodos de tiempo en las cascadas
Un artista debe pasar largos períodos de tiempo explotando volcanes
Un artista debe pasar largos períodos de tiempo buscando en los ríos rápidos
Un artista debe pasar largos períodos de tiempo mirando hacia el horizonte donde océano y cielo se encuentran
Un artista debe pasar largos períodos de tiempo mirando las estrellas en el cielo nocturno

13. La conducta del artista en relación con su obra:

Un artista debe evitar ir todos los días al estudio
Un artista no debe tomar su trabajo como lo hace un empleado de la banca
Un artista debe explorar la vida y trabajar solo cuando una idea viene a él en un sueño o como una visión que aparece por sorpresa durante el día
Un artista no debe repetirse a sí mismo
Un artista no debe producir demasiado
Un artista debe evitar contaminar su arte
Un artista debe evitar contaminar su arte
Un artista debe evitar contaminar su arte

14. Las posesiones del artista:

Los monjes budistas aconsejan tener 9 posesiones en la vida:

Una túnica para el verano
Una túnica para el invierno
Un par de zapatos
Un tazón para mendigar comida
Una mosquitera
Un libro de oraciones
Un paraguas
Una esterilla para dormir
Un par de gafas (si son necesarias)

Un artista debe decidir por sí mismo cuáles son las posesiones mínimas que necesita tener
Un artista debe tener más y más de menos y menos
Un artista debe tener más y más de menos y menos
Un artista debe tener más y más de menos y menos

15. La lista de amigos del artista:

Un artista debe tener amigos que eleven su espíritu
Un artista debe tener amigos que eleven su espíritu
Un artista debe tener amigos que eleven su espíritu

16. La lista de enemigos del artista:

Los enemigos son muy importantes. El Dalai Lama dice que es sencillo tener compasión con los amigos, lo difícil es tenerla con los enemigos

Un artista tiene que aprender a perdonar
Un artista tiene que aprender a perdonar
Un artista tiene que aprender a perdonar

17. Diferentes escenarios de muerte:

Un artista tiene que ser consciente de su propia mortalidad
Para un artista, no es importante sólo cómo se vive, sino también cómo se muere
Un artista debe observar los símbolos de su obra para las identificar las señales de los diferentes escenarios de muerte
Un artista debe morir conscientemente y sin miedo
Un artista debe morir conscientemente y sin miedo
Un artista debe morir conscientemente y sin miedo

18. Diferentes escenarios funerarios:

Antes de su funeral, un artista debe dejar instrucciones para que todo se cumpla como el quiere
El funeral es la última obra de arte del artista antes de irse
El funeral es la última obra de arte del artista antes de irse
El funeral es la última obra de arte del artista antes de irse

Manifiesto de la vida de un artista. Marina Abramovic,

LIBROS LIBRES. Gran liberación mundial de libros a través del bookcrossing.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Wed, 20 Mar 2013 16:08:00 +0000

Seguro que todos tenéis algún libro en la estantería del que os podéis desprender. Venga, pensad. Ese que os regalaron y tenéis repetido, aquel que os decepcionó tanto que no pudisteis llegar a acabar o uno que consideráis que todo el mundo debería leer. Y se va a quedar ahí, aparcado en un anaquel acumulando polvo para el resto de los días.

La literatura en sí misma es un acto de compartir

El escritor hace partícipe al público de una historia, un mensaje o un código. El lector se hace cómplice y dedica parte de su tiempo a lo que el autor ha querido transmitir. Si ambos conectan a través de la narración, lo más probable es que el libro crezca. Alguien lo recomendará o lo regalará involucrando a una tercera persona con la que merece la pena compartir ese relato. El propio ciclo es ya en sí mismo extraordinario.

Pero se vuelve mágico cuando además el libro viaja y guarda tras sí otras historias más allá de las que aparecen impresas sobre el papel. Los asiduos a las librerías de segunda mano ya participan de esta filosofía rescatando ejemplares que en otro tiempo pertenecieron a quién sabe quién. Algunas ciudades como Heidelberg tienen estanterías situadas en la vía pública (concretamente en la ajetreatada Hauptstraße) en las que se produce un tráfico constante de libros entre quienes se llevan a casa ejemplares y quienes los dejan para el disfrute de otros lectores. Siguiendo la misma línea, se encuentran también las liberaciones de libros que desde hace más de 10 años se llevan a cabo en diferentes puntos del planeta con el objetivo de expandir las historias hacia límites indefinidos.

Tercera Gran Liberación Mundial de Libros

Mañana 21 de marzo tendrá lugar una nueva liberación. El Club de los Libros Perdidos ha lanzado a través de Internet una nueva convocatoria a nivel internacional que pretende fomentar la circulación de libros a través de una cadena invisible de lectores.

El planteamiento es sencillo. Cualquier persona podrá ceder voluntariamente el libro que desee liberar depositándolo en un espacio público (parques, museos, paradas de autobús, cafeterías o cualquier otro lugar de acceso general) junto a una nota en la que deben aparecer los siguientes datos:

El libro forma parte de El Club de los Libros Perdidos
Quien lo encuentre será su propietario hasta que una vez leído, vuelva a ser puesto en libertad.
Día y lugar donde fue depositado el ejemplar.

De este modo se incentiva que el nuevo propietario del libro entre en contacto con el movimiento y empiece a participar en él volviéndolo a liberar tras su lectura. Especialmente interesante es la posibilidad de realizar un seguimiento sobre los lugares por los que ha viajado cada ejemplar, por lo que es recomendable enlazar esta iniciativa con la de BookCrossing.

BookCrossing. El mundo como biblioteca

El propio acto de abandonar libros en lugares públicos con el objetivo de que nuevos lectores los rescaten y los mantengan vivos se conoce como bookcrossing. El término fue acuñado por la plataforma homónima que comenzó con este movimiento en 2001 en Estados Unidos, y que permite realizar un seguimiento de los libros que se han prestado a través de la iniciativa.

La manera más adecuada de liberar un libro pasa por registrarlo en la plataforma (http://www.bookcrossing-spain.com) y obtener el BCID (número de identificación) que pasará a formar parte de la base de datos que alberga todos los ejemplares liberados. A continuación el propietario del ejemplar identificará con el BCID el libro del que se va a desprender, bien escribiéndolo en el propio libro, bien adhiriéndole una etiqueta en la que se hace referencia al código y a la plataforma en la que está registrado.

Cuando alguien encuentre el ejemplar deberá notificarlo en la web. Así podrá además puntuar o compartir su opinión sobre él y realizar un seguimiento de las veces que ese libro ha sido liberado y de los lugares que ha recorrido. Asimismo, la plataforma facilita alguna información que revela datos sorprendentes: en los últimos 3 días se han liberado en España 1.367 libros que aún están por capturar.

La trayectoria que haya tenido cada ejemplar solo dependerá de cuántas veces ha sido leído y vuelto a liberar, por lo que queda en manos de los lectores que el libro acumule más historias de las que caben en sus propias páginas. Mañana Pedro Páramo saldrá de mi estantería destino a algún lugar de la ciudad, donde le espera un futuro propietario que aún no sabe que lo es. Ánimo para quién aún no se haya atrevido a dejar que algunos de sus libros sean libres, y enhorabuena a todos los que volváis mañana a casa con una nueva historia bajo el brazo.

Realidad elástica | Más allá de la exposición: nuevas interfaces para el arte contemporáneo en Europa. (I)

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Mon, 18 Mar 2013 18:27:00 +0000

Dos exposiciones a falta de una, un seminario sobre prototipos en el ámbito artístico y una residencia desde la que ha investigado la artista brasileña Maya Da-Rin. Así se presenta Más allá de la exposición: nuevas interfaces para el arte contemporáneo en Europa, un proyecto que mantiene la marca LABoral al apostar una vez más por las sinergias entre arte contemporáneo, experimentación, público y tecnología.

Imagen extraída de Mol, la instalación creada por Ryoichi Kurokawa

El 15 de marzo se inauguraba el proyecto con la presentación de dos exposiciones independientes pero con raíces comunes. Universo vídeo_Prácticas experimentales profundiza sobre la trascendencia e influencia de las imágenes videográficas; Realidad elástica rinde homenaje a la aparición e implantación de las nuevas tecnologías como medio de investigación infinito. La tecnología muestra sus múltiples posibilidades artísticas y expresivas entre las paredes de un museo. El futuro ya es presente.

Un mundo en constante transformación

La democratización de Internet ha provocado una auténtica revolución en los modos de percepción y relación social. Desde la aparición del ordenador de sobremesa y de Internet muchos han sido los cambios que han acontecido en el plano tecnológico transformando la vida contemporánea de manera irreversible. La imparable evolución del mundo digital ofrece múltiples posibilidades a un público cada vez más activo que demanda novedades que aumenten su nivel de interacción. Lo que hace un tiempo parecía imposible hoy se convierte en una realidad tangible que rápidamente será superada por una nueva innovación. Ante tal contexto, la concepción del mundo cambia y se adapta de manera constante sometida así a una permanente construcción que nos retrotrae a la definición de modernidad líquida que ya enunciaba Zygmunt Bauman.

Entre otros factores, la nueva realidad se construye en tiempo real a partir de la acción constante de unos usuarios que han abandonado su condición pasiva. Si la obra de arte surge del conjunto de realidades que la rodean, no es de extrañar que el arte contemporáneo se haga eco de este nuevo escenario, tomando elementos que le son propios y adoptando nuevas formas de producción y expresión.

Asimismo, la creación artística ha estado históricamente unida a la investigación de nuevos materiales y técnicas, por lo que no resulta extraño que en los últimos tiempos la tecnología se haya hecho con un lugar importante dentro de los procesos creativos. Unos procesos que además cobran relevancia respecto al conjunto de la obra, posicionándose como parte indispensable de la creación y llegando en algunas ocasiones a mostrarse el desarrollo investigativo como objeto de exhibición en sí mismo. Del mismo modo y conectando con el contexto actual, cada vez son más los autores que demandan la participación activa del público a lo largo de las diferentes fases del proceso creativo, implicando al usuario en el desarrollo o activación de la obra final para dotarla de sentido.

REALIDAD ELÁSTICA

Esta adaptación constante y carente de hojas de ruta convierte la realidad en un elemento elástico que va tomando forma en tiempo real y en el que las nuevas tecnologías tienen una gran influencia. El límite entre lo real y lo ficticio, entre lo tangible y lo abstracto se diluye hasta formar parte de un mismo plano, una nueva forma de percibir e interpretar el mundo que la LABoral ha plasmado en su nueva exposición.

Realidad elástica reinterpreta el mundo que conocemos a través de la visión de 10 artistas contemporáneos que centran su creación en las nuevas formas de percibir y trabajar con la realidad. Creadas en el centro de formación, investigación y producción francés Le Fresnoy, las obras muestran algunas de las nuevas áreas de estudio del arte contemporáneo que aúnan la dimensión real con la virtual a través de las diversas posibilidades que ofrece la tecnología.

David Rokeby abre la exposición con su extraordinaria obra Hand-held. Tras el aparente espacio vacío ocupado únicamente por una alfombra cuadrada negra se encuentra una instalación compuesta por 80 capas de imágenes sólo visibles mediante la intervención del público. A lo largo de la historia las manos han sido una herramienta vital para el ser humano, un utensilio que hoy se relaciona de manera continua con las nuevas tecnologías. Por ello Rokeby sitúa al visitante sobre la alfombra mágica invitándole a suspender sus manos sobre el espacio para que en función de sus propios movimientos las imágenes se proyecten sobre su piel (y sobre parte del suelo) poniéndole en contacto con una realidad intangible.

Un poco más adelante, destaca por su forma y tamaño Dead end, la creación de la artista francesa Théodora Barat. La obra escultórica de formas enrevesadas transmite a la vez modernidad y decadencia debido a la austeridad con la que se presenta y la frialdad que transmite su estructura metálica. Junto a ella se encuentra la instalación Sans Titre en la que las reglas parecen haberse invertido transformando la realidad. Pierre Yves Boisramé sitúa al visitante ante 3 pantallas que simulan un desplazamiento espacial sobre un paisaje nevado. Los elementos naturales que deberían mantenerse inalterables se convierten en móviles trasladándose lentamente frente a un teleférico situado en el centro que permanece estático.

Retomando el caso Tarnac por el que 9 jóvenes fueron acusados sin pruebas de terrorismo por dañar una línea del tren de alta velocidad francés, Joachim Olender presenta su obra Tarnac. Le chaos et le grâce. El artista ahonda sobre el acontecimiento lanzando una ácida crítica respecto a las conexiones entre el sensacionalismo mediático, el poder político y la realidad. A partir de varias entrevistas, imágenes de archivo extraídas de los medios de comunicación e imágenes generadas virtualmente, Olender presenta una video-instalación que se sitúa entre la ficción cinematográfica y el documento testimonial.

Documentación de la obra Event Horizon #Camuflajes de Maya Da-Rin

Como resultado de la residencia de producción artística incluida en el proyecto Más allá de la exposición: nuevas interfaces para el arte contemporáneo en Europa, surge la obra Event Horizon de Maya Da-Rin. Tras investigar sobre las relaciones entre la presencia corporal y el territorio, la artista presenta una obra a medio camino entre la instalación y la performance que combina sus paseos entre la naturaleza con la filmación a través de cámaras provistas de un sistema de GPS. Event Horizon #Camuflaje cuenta con algunas de las grabaciones que se realizaron durante su producción así como con la documentación que requirió la ejecución de la obra.

Junto a la instalación de Maya Da-Rin se sitúan un conjunto de altavoces de diferentes tipos que conectados a varios detectores de movimiento conforman Tutti, la instalación de Zahra Poonawala. El espectador se vuelve indispensable para el desarrollo de la obra al tener que introducirse en la escena e interactuar con los elementos para otorgarles un sentido global. Los altavoces reaccionan ante la proximidad corporal emitiendo diferentes planos sonoros de una pieza de orquesta compuesta por Gaëtan Gromer. El visitante se convierte por tanto en un director de orquesta que conecta espacio y sonido a partir de su propia presencia.

Véronique Béland centra su atención en los datos que los radiotelescopios del Observatorio de París captan sobre las ondas de radio procedentes del cosmos, y los transforma para This is Major Tom to Ground Control en algoritmos que generan textos aleatorios y constantes. Una voz artificial recita las frases que van surgiendo del proceso de conversión al tiempo que una impresora muestra en tiempo real los mensajes por escrito. El conjunto de pliegos que produce el sistema son encuadernados y ordenados cronológicamente pudiéndose realizar un seguimiento de los datos extraídos desde su comienzo en 2012 hasta un periodo de tiempo infinito.

Unas cortinas dan acceso a una sala que aloja una escultura digital casi hipnótica firmada por Ryoichi Kurokawa. Acostumbrado a trabajar con dispositivos electrónicos para la proyección de imágenes sobre el espacio, su obra Mol representa imágenes en movimiento acompañadas por sonidos que producen una experiencia sensorial absoluta. Recurriendo a dos pantallas de vídeo que se reflejan en un par de espejos generando un sistema holográfico, Kurokawa conduce al visitante hacia un ambiente ilusionista en el que las imágenes toman un volumen inexistente.

Fotograma de Tempo scaduto, instalación creada por Vincent Ciciliato

La recreación de la realidad está presente también en la obra Tempo scaduto a través de una especie de videojuego que convierte al espectador en protagonista de la acción. La instalación cuenta con 6 escenas basadas en homicidios reales llevados a cabo en la ciudad de Palermo que se proyectan sobre una pantalla. Frente a ella, Vincent Ciciliato otorga al visitante la posibilidad de convertirse en un asesino virtual mediante un sensor de movimiento que detecta si se producen señales de disparo por su parte sobre alguno de los personajes que aparecen sobre el escenario.

En Cellulairement, Dorothée Smith reflexiona sobre el concepto de identidad y se plantea si es posible una supervivencia en la que el individuo se desprenda de su cuerpo. Partiendo de esta premisa y recurriendo a la telepresencia y a la biotecnología, Smith ha contado con varios voluntarios a los que ha implantado un microchip con datos biométricos de la artista que invadirán el propio cuerpo. La exposición cuenta con la documentación recabada hasta el momento para el proyecto y que será completada y actualizada durante el mes de julio con los datos obtenidos, convirtiendo el proceso en parte de la propia obra. Por el momento, la documentación recogida por la artista puede ser consultada en el espacio expositivo y seguida a través de la web: http://cellulairement.net/

Realidad elástica estará en el espacio de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón hasta el 8 de septiembre. Más información: http://www.laboralcentrodearte.org/es/exposiciones/re/view

Experimentación sonora y audiovisual desde Hamburgo. El universo paralelo de incite/.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Sun, 17 Mar 2013 16:14:00 +0000

Una batería a punto de agotarse quiso que anoche no saturara Twitter con mensajes ensalzando el espectáculo de incite/. Del mismo modo que un mal directo puede alejar al público del artista que lo ejecuta, una buena actuación aumenta el interés de manera exponencial. Es en la ejecución en vivo donde se demuestra la validez y el verdadero potencial de un artista. Sin filtros. Sin arreglos a posteriori. E incite/ ofreció ayer noche dentro del Festival Trendelenburg un directo impecable que hubiese hecho al mismo Marinetti salirse de su tumba y ponerse a bailar.

Y esta es la razón por la que el post de hoy va dedicado a ellos.

El dúo alemán llegaba a Gijón hace una semana para preparar un espectáculo creado ad hoc en el que los rincones más industriales de la ciudad entrasen a formar parte del directo que se llevaría a cabo en el Festival Trendelenburg. El dossier del festival ya certificaba su éxito a nivel europeo, avalado por diversas actuaciones y reconocimientos a nivel internacional. Sin embargo, la información que circula por la red es relativamente reducida.

incite/ surge en Hamburgo en el año 2002 como un proyecto de electrónica audiovisual. Formado por André Aspelmeier y Kera Nagel, su trabajo fusiona la música electrónica con el videoarte y la tecnología sometiendo cada pieza a una profunda experimentación. Si algo ofrece este dúo con su trabajo es experiencia sensorial, por lo que su directo se convierte en la base principal desde la que presentar sus creaciones.

A través de la fragmentación y el tratamiento de las imágenes, las elipsis espacio-temporales y la distorsión sonora que conduce a graves imposibles, incite/ crea una atmósfera perturbadora que deja al público en trance desde el primer hasta el último minuto. Se valen para ello de escenarios tanto urbanos como naturales y de elementos narrativos y abstractos que cobran sentido en este universo paralelo que logran recrear a través de un cuidado montaje y una música meticulosamente sincronizada.

La solemnidad de su directo les ha llevado ya a presentar sus creaciones en festivales de videoarte y música electrónica de diversas ciudades europeas y americanas como Montreal, Amsterdam, Sao Paulo o Malmö y gozan ya de un reconocido prestigio entre el público y la crítica especializada. Este reconocimiento internacional les ha valido ya varios galardones como el Paris Qwartz Award, una mención especial en el Videofestival Internacional de Bochum en Alemania o el premio por su espectáculo en directo en los Visual Music Awards de Frankfurt. Y lo que les queda por conseguir.

Aunque el modo más adecuado de acceder al universo incite/ es presenciar el espectáculo en directo, os dejo algunos vídeos que bien podrían servir como carta de presentación para aquellos que aún no los conozcáis. Subid los altavoces y no pestañeéis. Enjoy it.

Edge of attention. Hamburgo, Alemania.

City secret. Aix en Provence, Francia.

Glass. Montreal, Canadá.

Web oficial: http://www.incite.fragmentedmedia.org

Trendelenburg 3.4. Arte postdigital en directo

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Wed, 13 Mar 2013 17:57:00 +0000

Además de ser un apellido alemán y una posición quirúrgica, Trendelenburg es un festival de arte postdigital. En tan solo 4 años, este vocablo teutón ha terminado por convertirse en sinónimo de experimentación visual y sonora. Las vueltas que dan las palabras.

Trendelenburg (el festival)

Trendenlenburg nace en Gijón en 2010 con el objetivo de promover un encuentro internacional anual que reúna alrededor de la creación audiovisual y la innovación técnica a artistas y público afín. Por puro amor al arte, la Asociación lxlxl (http://www.lxlxl.cc) formada por el colectivo de arte visual Thr3hold y varios artistas locales, pretende con Trendelenburg establecer un espacio de difusión para proyectos creativos interdisciplinares que integren la tecnología digital como parte indispensable de su creación.

Con la intención de atraer a la sociedad y facilitar su acceso a este tipo de producción cultural, el festival carece de ánimo de lucro. Las diferentes intervenciones artísticas son ofertadas al público de manera gratuita, del mismo modo que los artistas participantes no perciben ninguna remuneración económica por su aportación. Se crea así un contexto de intercambio de conocimiento y retroalimentación mutuo que toma como núcleo el arte postdigital y la experimentación artística mediante nuevos medios y herramientas digitales. Y nada más.

Y nada menos. Trendelenburg define el festival a partir de 3 principios básicos que están presentes en cada una de sus acciones: la experimentación, la experiencia en el espacio público y la gratuidad. Y lo cumple con creces.

El tiempo y el espacio son cruciales para el desarrollo del festival. El directo cobra gran relevancia como medio para potenciar y maximizar el valor de las diferentes creaciones. Por ello en su programación tienen cabida manifestaciones audiovisuales que integren las nuevas tecnologías como medio expresivo, propuestas escénicas que asuman la experimentación sonora ejecutada en vivo y diversas intervenciones artísticas sobre el espacio. Un espacio que, pretendiendo derruir el halo de elitismo que mantiene el arte contemporáneo respecto a la sociedad, se aproxima a ella mediante el uso y la reinterpretación de lugares públicos de la ciudad cuya función se ve transformada durante unos días.

Trendelenburg 3.4. (15-17 de marzo)

La cuarta edición del festival dará comienzo el próximo 15 de marzo. La música, las artes escénicas, la performance y los espectáculos multimedia más innovadores y experimentales del panorama nacional e internacional ocuparán la ciudad durante 3 intensos días con diversas propuestas inéditas.

Viernes

Arturo Moya Villén y Álvaro Muñoz Ledo inaugurarán Trendelenburg 3.4. en el Museo Barjola con umbra-L, una instalación interactiva audiovisual que invita a reflexionar sobre la construcción de la identidad a partir del anonimato, el reconocimiento del cuerpo, el movimiento y las sombras. La jornada continúa en el Museo del Ferrocarril, donde Mind Revolution (proyecto de Eugenia Tejón y Ángel González) explorará el espacio sonoro tratando de interactuar con otras disciplinas artísticas y Axial (de Jaime Rodríguez y César Naves) recurrirá a la hibridación de los géneros para la obtención de obras transdisciplinares.

De la colaboración entre David INEXACTE y los asturianos Proyector Flüjendorf surgirá una propuesta que ahondará sobre la experiencia sinestésica, mientras que la Plataforma CAMP (Creative Arts and Music Project) estará presente en esta edición a través de BRAINS: Hammerhaus, una performance audiovisual que contará con la presencia de dos de sus promotores en colaboración con los artistas Kurt Laurenz Theinert y Hanfreich.

Sábado

El sábado comenzará pronto para Trendelenburg. El bar-librería Toma 3 acogerá una jornada matinal en la que el vermú estará acompañado por una sesión de electrónica a cargo del Dj Logical Disorder. El Centro de Cultura Antiguo Instituto será testigo por la tarde del nacimiento de un nuevo proyecto del colectivo: N-E-X-O, una red colaborativa dedicada al networking y la creación de nuevas vías de participación entre los asistentes.

Posteriormente tendrá lugar Pirouette en Re menor de Bàcum Produccions, un espectáculo multidisciplinar que aunando música, danza y multimedia tratará de potenciar la expresividad de estas disciplinas sin supeditar ninguna de ellas al propio espectáculo. Del movimiento, la iluminación, el sonido, la imagen y la tecnología surge una obra en la que el espacio escénico se retroalimenta de cada una de los elementos para obtener una nueva fórmula de escenificación.

Con la noche llegará la presentación de Mooi, el nuevo disco de LOD (Luis Ortiz). El músico ha contado con la colaboración de la fotógrafa y artista visual Xarlene Visuals que dará lugar a un espectáculo en el que el plano sonoro y visual se fundan en un mismo elemento. A este espectáculo le seguirá el directo exclusivo de incite/, una agrupación reconocida a nivel europeo por conjugar en sus creaciones la música electrónica con el mundo del arte. El Museo del Ferrocarril será testigo esa noche de cómo la experiencia se amplifica y alcanza un mayor grado de interacción cuando las disciplinas se asoman a espacios fronterizos abandonando sus límites.

Domingo

Si el Trendelenburg 2.3 inauguraba una sección exclusivamente dirigida al público infantil y adolescente, la edición 3.4 no iba a dejar de dedicarles una parte de su programación. El Espacio Astragal acogerá el programa de creación MiniLOOP, que contará con la intervención de Violeta Nureyev y las hermanas Carmen y Patricia Vázquez. Bajo la declaración Venimos en son de paz se presentará ante los más pequeños un espectáculo participativo en el que la imaginación y la actividad creativa tomarán el protagonismo.

Y además

Complementando la programación y estirando al máximo la agenda de los visitantes, se desarrollarán algunos eventos en consonancia con el propio festival. El bar La Plaza (Calle Julio Fernández, 1) abrirá a partir de las 00:30 un Playtime las noches del viernes y el sábado. Por su parte Red Bull, patrocinador de Trendelenburg, ofrecerá cocktails exclusivos realizados por el chef Pedro Martino a las 50 primeras personas que se presenten en el Museo del Ferrocarril tras el espectáculo Pirouette en Re Menor.

Hasta que el festival de comienzo podéis ir abriendo boca con el maravilloso espectáculo que el Proyecto Kevlar ofreció en la edición de 2011 de Trendelenburg.

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Si queréis saber más podéis visitar la web del festival: http://trendelenburg.org/

O descargar este dossier:
http://www.gijon.info/multimedia_objects/download?object_id=129729&object_type=document

Si queréis más información podéis hacer clic en la página del festival: http://trendelenburg.org/

O descargaros este dossier:

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Ensayo sobre la burla. Terapia para afrontar la realidad.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Thu, 07 Mar 2013 15:48:00 +0000

El humor y la burla se han convertido en una de las vías de escape para habitar un mundo sociopolíticamente inestable sin morir en el intento. El desahogo de los ciudadanos pasa, entre otras vías, por tomarse con filosofía y sarcasmo todo cuanto acontece a su alrededor al tiempo que tratan de desentrañar los mecanismos por los que se rige actualmente la toma de decisiones.

Toño Velasco, diseñador gráfico y artista socialmente comprometido, reflexiona sobre esta actitud en su exposición Ensayo sobre la burla. El artista propone enmascarar la crudeza que destila hoy en día la realidad a través de gestos espontáneos y sarcásticos realizados tanto por quienes mueven los hilos en la actualidad como por quienes se resignan a ellos. Mantener una actitud burlesca respecto al contexto actual es para Velasco un tratamiento terapéutico a través del que forzar una visión positiva y desenfadada del mundo.

La exposición

La colección cuenta con 30 obras realizadas a lo largo de 3 años bajo la técnica del óleo en las que aparecen retratados en un absoluto primer plano tanto ciudadanos anónimos como reconocidos líderes políticos. Entre otros personajes populares, la muestra cuenta con una Angela Merkel que saca la lengua a sus espectadores y que contribuye a desmitificar el poder que concentra como figura política (podéis ver el making of de Ask for Angela más abajo). Con el mismo gesto aparecen también otros personajes famosos como Nicolas Sarkozy en la obra Little Napoleón o el tan de actualidad Luis Bárcenas, con un retrato que se incorporó a la exposición a posteriori y al que se llega tras un camino de sobres dispuestos por el suelo. El duque y el marco dorado retrata a Iñaki Urdangarín tratando de escapar de su propio cuadro, mientras desde otros lienzos sonríen Rodrigo Rato o Emilio Botín.

Asimismo, la exposición refleja a través del retrato los gestos burlescos que personas anónimas han aportado para la ocasión. Dispuestas en la planta superior del museo y separadas de las de los personajes populares, no dejan de provocar cierta disyuntiva generando una reflexión sobre si nos encontramos ante dos grupos sociales diferentes cuyas burlas se dirigen a agentes distintos o si, al fin y al cabo, una actitud tan desinhibida los acerca e iguala como individuos.

La muestra cierra a modo de happy end con la obra Smile, un retrato más positivo y mucho menos inquietante que logra dejar al visitante con buen sabor de boca. Sin cuestionar la calidad individual de las pinturas, es recomendable una vez terminado el recorrido realizar un segundo repaso observando el conjunto de las obras con cierta distancia para experimentar la perturbación que proyectan globalmente estas actitudes sobre el espectador.

Más allá de los lienzos

Pero no solo de óleos se compone la exposición. Ensayo sobre la burla se presenta como un proyecto más amplio y participativo que pretende involucrar a un gran número de personas a través de las nuevas tecnologías y las redes sociales. Durante el acto inaugural de la muestra se llevó a cabo un happening en el que se pidió la participación de los asistentes para que se prestaran a ser captados con gesto burlón y en el espacio expositivo se sitúa de manera permanente un fotomatón para capturar a los visitantes que se presten voluntarios. Por otra parte, durante el desarrollo del proyecto, Toño Velasco invitó a los internautas a realizarse y enviar fotografías en actitud burlesca con el objetivo de completar la colección y de promover así una acción colectiva. De todas las fotografías recopiladas por el artista, muchas han sido proyectadas en la sala expositiva junto al resto de retratos, llegando algunas a formar parte de la colección de gran formato. El resto de instantáneas enviadas – cerca de 300 - pueden verse en la web del proyecto, convirtiendo así Ensayo sobre la burla en una muestra abierta y participativa donde la burloterapia se presenta como eje principal.

La exposición puede visitarse en el Museo Barjola de Gijón hasta el 10 de marzo (Calle Trinidad, 17) y el proyecto puede seguirse desde la página gestionada por el artista http://ensayosobrelaburla.jimdo.com

Más información: www.museobarjola.es

El futuro está en los márgenes. II Edición del Festival de Cine Español al Margen.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Wed, 06 Mar 2013 09:00:00 +0000

A veces los márgenes resultan más interesantes que los espacios centrales. Mientras que los enunciados teóricos señalan que los contenidos relevantes han de situarse dentro del espacio delimitado y nuclear del territorio, los márgenes se adscriben a un área periférica que toma distancia respecto de las reglas, corsés y convencionalismos destilando cierta irreverencia y libertad.

Son precisamente estas particularidades las que han conducido a muchos artistas a asentarse en estos territorios para poder producir sus creaciones. El espacio periférico posibilita la concepción y realización de obras más arriesgadas, experimentales y alejadas de los dictámenes mercantiles habituales. Desviarse del discurso predominante y situarse en un plano alternativo aporta cierta independencia al autor respecto a la toma de decisiones técnicas y temáticas, dando lugar a obras que se desmarcan de las tendencias imperantes y que muchas veces no tendrían cabida dentro de los circuitos convencionales.

Márgenes, un festival sin convencionalismos

Todo esto ya lo sabe Márgenes, el festival online de cine español al margen. Surgido el pasado año como vía alternativa para la proyección de obras audiovisuales diferentes que no suelen tener cabida en los espacios de exhibición tradicionales, el festival tiene lugar en la red para intentar llegar al máximo número de público interesado posible. Márgenes pretende convertirse en un referente para aquellos cinéfilos que no encuentren en las salas de cine comerciales el lugar de reflexión y deleite que buscan cuando se acercan al universo cinematográfico.

El festival se inauguró en 2012 con 10 películas participantes. Los usuarios podían disfrutar de manera gratuita de obras como Buenas Noches España de Raya Martin, Rayito de Lois Patiño o True Love de Ion de Sosa, la cual se alzó como película ganadora de la primera edición.

II Edición de Márgenes (Del 7 al 16 de marzo)

Llende. Documental realizado por
Luis Argeo y Ramón Lluís Bande

Mañana, 7 de marzo, se estrena la segunda edición del festival, que tras un año de andadura se presenta con un proyecto más ambicioso y amplio. En esta ocasión serán 11 las obras españolas que participen en el certamen. Otto Roca, Pela del Álamo, Chiqui Carabante o Miguel Ángel Delgado han sido algunos de los realizadores seleccionados para estar virtualmente presentes a través de sus obras. La exhibición de las películas dejará de ser gratuita, pero se puede adquirir un abono para ver todas los films a través de streaming por tan solo 5€ (lo que en la práctica significa que cada largometraje tiene un coste para el usuario de menos de 50 céntimos). Otra novedad este año, es la proyección de las películas finalistas en la Cineteca del Matadero de Madrid (Plaza de Legazpi, 8), la cual exhibirá entre el 7 y el 10 de marzo todas las obras seleccionadas contando además con la presencia de los directores de las mismas.

Ampliando sus horizontes, Márgenes contará también con retrospectivas, encuentros, talleres y muestras que ahondarán sobre la producción cinematográfica alternativa. León Siminiani, nominado al Goya por su documental Mapa, será uno de los protagonistas del festival gracias a una muestra que recogerá 16 de sus cortometrajes. La muestra podrá verse en streaming gratuitamente a través de la web y comprende piezas como El tránsito, Límites 1º persona o Ludoterapia, premiada como Mejor Cortometraje en Europa Cinema 2007.

Daniel Cuberta también forma parte de esta nueva edición con La vida de los objetos, una muestra que recoge 30 pequeñas creaciones de poesía audiovisual realizadas por el artista. Entre las piezas que podrán verse a través de la plataforma del festival se encuentran De jamones y monjas; Beso, rata, paloma o ¿Qué hago yo aquí?, obras que comprenden la experimentación conceptual, visual, técnica y sensorial con la que Cuberta lleva más de 10 años produciendo sus vídeos.

La fotografía aparece representada a través de la muestra The invisible man in the outskirts de Laia Escartín. La fotógrafa inaugura un nuevo espacio creado ad hoc para esta disciplina llamado Disparando a los márgenes, en el que podrán verse 9 imágenes en las que la artista reflexiona sobre la representación de los márgenes.

En colaboración con La Central del Museo Reina Sofía, el festival tiene preparado un ciclo sobre el Nuevo cine de autor español que trascenderá el medio virtual para establecer un espacio físico de diálogo. Los encuentros que tendrán lugar en este escenario, servirán de punto de encuentro para unir en 6 charlas a jóvenes realizadores con especialistas ya consolidados dentro del ámbito audiovisual como Alicia Albaladejo (crítica en Caimán, Cuadernos de cine) o Luis E. Parés, investigador en la Filmoteca Española.

Andrés Duque impartirá el taller El cine soy

otro sobre creación audiovisual digital.

Asimismo, con el objetivo de apostar por la formación y el aprendizaje audiovisual, Márgenes ha organizado Aula de Cine, un programa de actividades formativas que ofrece workshops, talleres y masterclass en diversos emplazamientos que van desde Madrid hasta Tánger. En los cursos participarán figuras como Oliver Laxe, realizador que desarrollará un taller de estética cinematográfica; o la guionista Mona León Siminiani cuyo taller asesorará sobre la escritura de historias.

En tan solo un año, y en comparación con la primera edición, Márgenes ha crecido notablemente y ha elaborado una extensa programación que abarca diferentes vertientes dentro del ámbito audiovisual más arriesgado y experimental. Aunque la esencia de este tipo de obras se encuentre en una posición diametralmente opuesta a la que mantienen las grandes producciones que arrasan en taquilla, el cine alternativo cuenta con un público fiel que a través de este tipo de iniciativas puede ir ganando adeptos. Como los propios organizadores del festival señalan, el futuro está en los márgenes. Y mañana se abrirá una nueva puerta para dar la bienvenida a todo lo que está por venir.

Podéis obtener más información, consultar la programación o adquirir los abonos del festival debéis hacer clic aquí: http://www.margenes.org/

El escritor ya tiene plan B. La autoedición como alternativa. Los casos de Alfredo de Hoces y Lucas Sánchez.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Mon, 04 Mar 2013 11:00:00 +0000

Las nuevas tecnologías e Internet han potenciado la democratización de la cultura y de sus procesos de producción hasta límites insospechados. Hoy cualquier autor medianamente habilidoso puede crear su obra de manera independiente y distribuirla por canales de distribución alternativos llegando a su público de manera directa y prescindiendo de intermediarios.

Un artista puede crear su obra, promocionarla, ponerla a disposición del público e incluso venderla a través de Internet. Un realizador puede contactar con su equipo de rodaje a través de la red, obtener financiación por canales no convencionales, darla a conocer mediante estrategias online e incluso estrenarla de manera virtual. Como no podía ser de otro modo, la literatura tampoco se está quedando atrás en esta revolución de los procesos productivos culturales.

El escritor ya tiene un plan B

La crisis del papel y la aparición de eReaders y eBooks no han hecho más que acentuar la tendencia de muchas editoriales a publicar únicamente a autores ya conocidos. La inversión que requiere la publicación de un libro y la reducción de beneficios conducen a las empresas a apostar sobre seguro tratando de correr los mínimos riesgos posibles. Esta línea de actuación bloquea el acceso al mercado literario a aquellos escritores que pretenden hacerse un hueco entre los anaqueles de una librería por primera vez. Ante este contexto, para muchos autores ha llegado el momento de recurrir al plan B.

Cada vez son más los escritores que por convicción o necesidad se desmarcan de las grandes editoriales y deciden escribir su libro, autoeditarlo y lanzarlo a través de la red obteniendo la financiación bien mediante la venta directa de los ejemplares, bien a través de las plataformas de crowdfunding. Probablemente no se trate del fin de la industria editorial – en la cual, todo hay que decirlo, se integran un buen puñado de editoriales excelentes -, sino más bien de una alternativa cuando el autor precisa una mayor libertad o cuando se le cierran las puertas por incompatibilidades con los agentes literarios o simplemente por ser novel.

Aunque el poder de distribución que tienen las editoriales es innegable, lo cierto es que con el triunfo de las nuevas tecnologías la visibilización y promoción de las obras ha dejado de ser un coto privado de las grandes compañías con medios suficientes para acceder a los canales tradicionales. Gran parte de los lectores se encuentran ya en la red, lo que los convierte en un público fácilmente accesible tanto para hacerles llegar nuevos proyectos como para que los difundan entre sus contactos. No obstante, no debe resultar fácil para el autor tener que encargarse de cada una de las fases de la cadena, pero lo que debería ser imposible es rendirse.

Alfredo de Hoces, del blog a la imprenta.

Ese el caso de Alfredo de Hoces, ingeniero informático que comenzó a escribir en su blog una serie de entradas que acabaron convirtiéndose en su primera novela Fuckowski, memorias de un ingeniero, ya por la 4º edición en papel y con miles de descargas en su versión digital. La novela se puede adquirir únicamente a través de Internet y puede ser leída en papel, de manera gratuita en la propia página web del autor (http://www.alfredodehoces.com) o descargada por el simbólico precio de 1€.

Lo que podría parecer en principio un suicidio económico, ha resultado ser una inteligente estrategia de promoción, difusión y proximidad que le ha permitido conectar de manera directa con su público lector de una manera insólita para muchos otros escritores. Tras el éxito de su primera publicación, Alfredo de Hoces publicó De culo y contra el viento, compuesto por una serie de artículos suyos publicados en diversos medios y que a día de hoy se encuentra ya por la 2º edición siguiendo los mismos procedimientos comerciales que su predecesora.

Su último proyecto responde al nombre de Tren a la estación perdida, una novela con la que el autor pretendía comenzar a dedicarse de manera exclusiva a la literatura a partir de los resultados de una campaña de crowdfunding. La campaña de financiación, alojada en Lanzanos.com, pretendía cubrir los costes externos derivados de procesos como la maquetación o la ilustración de la novela. Y lo consiguió con creces. Alfredo de Hoces recaudó más de 10.000€ para editar su última obra a cambio de ofrecer ejemplares, referencias o patrocinios a sus padrinos. La novela verá la luz el próximo mes de julio, y no cabe duda de que habrá una cuarta novela que lleve su firma.

Si queréis haceros con alguno de sus libros, debéis hacer clic aquí: http://www.alfredodehoces.com/tienda

***Impostores, de Lucas Sánchez. Una novela sin más derechos que el de ser leída.***

Investigador, blogger, tuitero, excolaborador del diario Público y ahora novelista. Lucas Sánchez es el autor de Impostores, una novela independiente que carece de editorial y de más derechos que el de ser leída, como su propia página web afirma. La financiación de este libro recae únicamente sobre sus propios lectores, quienes a cambio de una aportación variable pueden recibir el libro tanto en formado eBook (sin la famosa protección DRM) como en papel.

Por si a algún interesado le pareciese arriesgado apostar por una novela desconocida, el libro se encuentra disponible para leer online a través de www.impostores.es, aunque por tan solo 3€ puede disfrutar del relato en su eReader.

El proyecto parte del rechazo de una famosa editorial a publicar la novela. Punto de partida para que Impostores se instalara en la red con su propio canal de promoción y distribución demostrando que hay otras maneras de comercializar la cultura. Una vez más, el crowdfunding ha hecho el resto.

Mediante una plataforma de microdonaciones, cualquier usuario puede apadrinar la novela y hacerse con ella físicamente o en digital. El proyecto se propuso una tirada inicial de 500 ejemplares en papel que podrían llegar a ser impresos siempre y cuando existiera un número suficiente de usuarios dispuestos a apoyar su publicación. No sin pocos problemas y con algunos reajustes económicos, el pasado diciembre los libros vieron la luz.

Aunque la campaña de crowdfunding surgió como un reclamo temporal, finalmente se mantendrá por tiempo indefinido con el objetivo de intentar traducirla al inglés y llegar a un público más amplio. Ya no hay cuenta atrás para apoyar al proyecto, por lo que cualquier momento es bueno para dejar Impostores sobre la mesilla de noche.

Asimismo, Lucas Sánchez está tratando de comercializar los libros que aún quedan disponibles a través de pequeñas librerías independientes. Por el momento, la novela puede conseguirse en Traficantes de Sueños (Embajadores, 35. Madrid) y en Arrebato Libros (Palma, 21. Madrid), aunque estoy segura de que poco a poco empezarán a aparecer nuevos puntos de venta.

Podéis apoyar el proyecto Impostores en el siguiente enlace: http://www.impostores.es/#/Crowdfunding

Guía rápida para explicar tu obra en cinco pequeños pasos

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Fri, 01 Mar 2013 12:30:00 +0000

A veces el arte se toma demasiado en serio a sí mismo y se encuentra envuelto en un aura de ampulosidad que lo hace distanciarse aún más del público general no experto en la materia. Asimismo, basta con consultar las definiciones que muchos artistas realizan sobre sus obras para localizar una serie de términos coincidentes que parecen encontrarse inherentemente unidos a las creaciones de arte contemporáneo.

Hace un par de días me llegaba a través de una red social la siguiente ilustración. Se trata de un juego dirigido a que el artista contemporáneo pueda explicar con vehemencia su obra de arte a partir de las diferentes combinaciones terminológicas que puedan resultar del lanzamiento de dados. Palabras como "fronterizo", "ultraperiférico", "hipersensorial" o "posmoderno" resultan ya más que familiares para aquellas personas iniciadas en el ámbito artístico. Javier González Vega, el autor de esta ilustración, expone esta realidad en su página de Facebook (https://www.facebook.com/eluniversotartamudo) a través de la ironía y el humor. Y resulta francamente difícil contradecir su mensaje.

Podéis hacer clic sobre la imagen para ampliarla.

‘SPAIN arts & culture’. La 'marca españa' del arte y la cultura aterrizan en Norteamérica

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Thu, 28 Feb 2013 16:00:00 +0000

SPAIN arts & culture es el resultado de un ambicioso proyecto que pretende fomentar la difusión y promoción del patrimonio cultural español fuera de sus fronteras desde la tradición hasta la modernidad. Tanto el patrimonio histórico-artístico como las nuevas manifestaciones culturales tienen cabida en este programa que abarca disciplinas como la literatura, el diseño, las artes escénicas, la arquitectura, la música, el cine, la cultura urbana o las artes visuales a través de diversos eventos organizados en el exterior.

Surgido hace unos años como proyecto estratégico que permitiese representar y promocionar a través de una marca sólida las diferentes producciones culturales y artísticas españolas, SPAIN arts & culture cuenta con la intervención del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación, del Instituto Cervantes y de Acción Cultural Española que a su vez reciben la colaboración de la Spain-USA Foundation, de la Embajada Española en el país de origen y de los diferentes consulados. Precisamente la confección de esta red institucional es la que ha permitido al proyecto desplegarse, crecer y desarrollar proyectos cada vez más amplios y sólidos al otro lado del Atlántico.

Organizado mediante proyectos bianuales que comprenden la temporada de Otoño/Invierno y Primavera/Verano, la iniciativa recurre en cada nueva edición a un leit motiv que sirva de excusa para desarrollar eventos más específicos. Asimismo, cada disciplina cuenta con programas propios que permiten establecer líneas concretas de actuación y promoción facilitando así que cada nueva temporada aporte algo diferente a la anterior.

Lo que viene. SPAIN arts & culture. Primavera/verano 2013.

Portada del catálogo. Diseño de Paco Roca.

El pasado 26 de febrero, se presentaba en Washington la edición Primavera/Verano 2013 de SPAIN arts & culture, la cual prestará una atención especial a la conmemoración del 500 aniversario del descubrimiento de Florida. Esta vez serán 23 ciudades de Estados Unidos y 6 ciudades de Canadá las que acojan las diferentes actuaciones, muestras y exposiciones sobre el panorama cultural y artístico español a través de más de un centenar de eventos que tendrán lugar durante los próximos meses en Norteamérica.

Para celebrar el 500 aniversario del descubrimiento de Florida, se ha contado con la colaboración de la Spain-Florida Foundation y el programa estatal estadounidense Viva Florida 500. El programa conmemorativo comprende entre otras propuestas, la intervención del artista multimedia Javier Velasco, la exhibición de más de 100 pinturas de artistas del siglo XX aportadas por la Fundación Mapfre, varias obras de Picasso inéditas hasta ahora en Estados Unidos, una muestra antológica sobre destacados fotógrafos españoles de las últimas 6 décadas o el Festival Ponce de León.

Con la nueva edición nace además el programa Crafts & Talent from Spain con el objetivo de potenciar el diseño de diversas marcas vanguardistas españolas. Una línea de productos exclusivos creados por diseñadores emergentes y marcas de renombre nacional como Camper, Majorica o Custo lanzarán sus artículos en Norteamérica durante esta primavera. El festival The next wave mostrará las creaciones más innovadoras del diseño industrial contemporáneo centrándose específicamente en el diseño minimalista, vanguardista, funcional y ecológico. Asimismo, la antigua residencia del Embajador de España en Washington albergará la exposición Spanish Office Showroom sobre diseño y decoración que incluirá entre sus objetos creaciones de marcas como Santa&Cole o Uno-Design.

Otra de las nuevas iniciativas de SPAIN arts & culture se centra en la cotidianeidad de los 50 millones de americanos de origen latino que habitan en Estados Unidos. A través de la exposición y del foto-libro LATINO/US Cotidiano en el que han intervenido 12 fotógrafos iberoamericanos residentes en Estados Unidos como Dulce Pinzón o Susana Raab, se pretenderán erradicar algunos prejuicios acercando la cultura latina a la anglosajona y mostrando la influencia de esta comunidad en el país.

WeMadeThis. Obra del artista: Mr.Oso

Las artes visuales contarán con proyectos como Without Reality there is no Utopia que abarcará la concepción de la realidad a través la mentira deteniéndose para ello en los fenómenos del comunismo, del capitalismo, de la geopolítica y de la democracia. La obra del pintor Martín Rico se acercará al público en Impressions of Europe y los grabados, esculturas y libros de Antoni Tàpies podrán verse en el Bechtler Museum of Modern Art. Nueva York acogerá la primera exposición en el país de Ignacio Uriarte y el documental de Greta Alfaro, Rafael Macarrón llegará a Toronto, las fotografías de Jordi Socías se exhibirán en Alburquerque y las obras de algunos destacados artistas post-digitales como Eduardo del Fraile recorrerán varias ciudades a través del libro WeMadeThis.

En esta nueva edición estarán también presentes grandes figuras de la arquitectura española. Rafael Guastavino exhibirá algunas de sus creaciones en el National Building Museum de Washington con Palaces for the people: Guastavino and America’s great Public Spaces y Josep Lluís Sert entrará en Estados Unidos con el documental Un sueño nómada (A nomadic dream). La gira Young Architects of Spain mostrará las creaciones de los nuevos arquitectos españoles y Antón García-Abril Ruiz, Carme Pinós y Alberto Morell Sixto expondrán sus trabajos a través de varios seminarios.

Patria Común. Delibes ilustrado. Obra de Pablo Auladell

Desde la vertiente literaria, la nueva edición tratará de visibilizar a algunos de los escritores españoles más importantes cuya obra no haya sido traducida hasta el momento. Así, con Spain’s Great Untranslated llegarán a Norteamérica 12 autores entre los que se encuentran figuras como Fernando Aramburu o Antonio Gamoneda. El festival The Pen World Voices mostrará el trabajo de algunos escritores internacionales y Patria común. Delibes ilustrado diseccionará la literatura del escritor vallisoletano a través de imágenes creadas por 15 artistas contemporáneos.

El festival South by Southwest de Austin contará con un apartado específico llamado Sounds from Spain para mostrar la escena del rock independiente español a través de bandas como Tulsa, Corizonas, Pájaro o Cuchillo. La diversidad de influencias melódicas existentes en el país quedará plasmada con las actuaciones de Cristina Pato bajo tintes afro latin jazz, la compañía flamenca de María Pagés o la exposición A tres bandas que se aproxima a la música latinoamericana.

Tampoco faltarán las artes escénicas con espectáculos de ópera y zarzuela en Nueva York y Dallas gracias al festival Ópera Hispánica y a la producción Cupid’s New Weapons. El flamenco destacará como uno de los estilos de música más autóctonos del país a través de la exposición multidisciplinar 100 years of flamenco in NYC 1913-2013 que permanecerá abierta hasta agosto. De igual modo, los neoyorkinos serán testigos también de un festival de danza al aire libre en el que actuará la compañía La intrusa y de la revolución cultural acontecida en Madrid décadas atrás gracias al espectáculo A vueltas con los 80 de la compañía Ballet Hispánico. El programa de artes escénicas se cierra con Spain-Us Playwrights Project, dirigido a fomentar la colaboración y el networking entre dramaturgos españoles y americanos.

El cineasta Luis García Berlanga

El séptimo arte vendrá de la mano de la quinta edición del Festival of New Spanish Cinema que recorrerá varias ciudades norteamericanas presentando las películas de Paco León, David Trueba, Gabriel Velázquez o Jaume Balagueró; el Spanish Film Club exhibirá una selección de cine iberoamericano dentro de las universidades y el proyecto Spain for export tratará de visibilizar la búsqueda de un futuro profesional por parte de los jóvenes cineastas españoles. Por su parte, el Pacific Film Archive de Berkeley dedicará al desaparecido Luis García Berlanga una retrospectiva de toda su carrera, mientras que la National Gallery de Washington lo hará con el documentalista Isaki Lacuesta.

Biciclown. Álvaro Neil.

Con el objetivo de promocionar la cultura urbana, el proyecto Ménage à Trois establecerá conversaciones sobre el espacio y el entorno valiéndose para ello de la intervención de varios arquitectos e intelectuales de diversas disciplinas. A su vez Performing Architecture conjugará el arte de acción con la implicación social y el espacio arquitectónico como agentes de cambio mostrando algunos ejemplos de transformación y recuperación de emplazamientos abandonados. Años recorriendo el mundo con su bicicleta han hecho que la figura de Álvaro Neil esté presente en Los Ángeles durante los próximos meses para compartir su filosofía de vida y sus experiencias.

Ante tal programación, cabe decir que SPAIN arts & culture presenta una vez más una oferta cultural y artística de lo más diversa e interesante. Una estrategia inteligente y eficaz para mostrar que la manida Marca España es mucho más que un conjunto de clichés ya en muchos casos obsoletos. Apostar por la cultura como motor económico y social puede ser, al fin y al cabo, una alternativa sólida sobre la que apoyarse para salir a flote. Confiemos en que este tipo de iniciativas continúen creciendo y expandiéndose hacia otros continentes dando voz a aquellos artistas nacionales a los que 504.645 km² se les quedan pequeños.

Más información: http://www.spainculture.us/

Arte Implicado, cuando el arte se pone al servicio de los derechos humanos

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Sun, 24 Feb 2013 19:04:00 +0000

Antoni Tápies. Grabado cuatro planchas. PVP: 2.000€

Organizado y promovido por Amnistía Internacional, Arte Implicado cuenta con obras donadas por 18 consolidados artistas españoles que han cedido su trabajo para apoyar acciones a favor de los derechos humanos a través de los beneficios íntegros que generen sus creaciones. El proyecto ha cristalizado en una interesante colección de obra gráfica que recoge trabajos realizados mediante diferentes técnicas como la serigrafía, la fotografía, la litografía, el aguafuerte o el fotograbado y que han sido presentadas en edición limitada con una tirada media de 75 ejemplares, algunos ya completamente agotados.

Pedro Simón. Ciudad. Litografía. PVP: 370€

Presentada en el año 2007, la iniciativa de Arte Implicado ha permanecido activa hasta la actualidad a través de la oficina de Amnistía Internacional y de su plataforma online (http://www.es.amnesty.org/arte/sec_estatal/0home.htm), desde la cual pueden consultarse las obras que aún están disponibles y los precios de cada una de ellas. Figuras como Chema Madoz, Ceesepe o Antoni Tápies entre otros grandes artistas, forman parte de este proyecto que pretende recaudar entre 260€ y 2.000€ por cada una de las obras que sean adquiridas. Un buen modo de contribuir al cambio a través del arte.

Premios Goya 2013. El palmarés en directo.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Sun, 17 Feb 2013 21:28:00 +0000

Blancanieves   10 Goyas (de 18 nominaciones)
Lo imposible   5 Goyas (de 14 nominaciones)
Grupo 7 2 Goyas (de 16 nominaciones)
El artista y la modelo 0 Goyas (de 13 nominaciones)
Las aventuras de Tadeo Jones   3 Goyas (de 5 nominaciones)

PELÍCULA
Blancanieves

DIRECCIÓN
Juan Antonio Bayona (Lo imposible)

GUIÓN ORIGINAL
Pablo Berger (Blancanieves)

GUIÓN ADAPTADO
Javier Barreira, Gorka Magallón, Ignacio del Moral, Jordi Gasull y Neil Landau (Las aventuras de Tadeo Jones)

ACTOR PROTAGONISTA
José Sacristán (El muerto y ser feliz)

ACTRIZ PROTAGONISTA
Maribel Verdú (Blancanieves)

DIRECTOR NOVEL
Enrique Gato (Las aventuras de Tadeo Jones)

ACTOR REVELACIÓN
Joaquín Núñez (Grupo 7)

ACTRIZ REVELACIÓN
Macarena García (Blancanieves)

ACTOR DE REPARTO
Julián Villagrán (Grupo 7)

ACTRIZ DE REPARTO
Candela Peña (Una pistola en cada mano)

DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Alain Bainée (Blancanieves)

DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Kiko de la Rica (Blancanieves)

DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Sandra Hermida (Lo imposible)

EFECTOS ESPECIALES
Pau Costa y Félix Bergés (Lo imposible)

DISEÑO DE VESTUARIO
Paco Delgado (Blancanieves)

MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Sylvie Imbert y Fermín Galán (Blancanieves)

MONTAJE
Elena Ruiz y Bernat Vilaplana (Lo imposible)

CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
El vendedor de humo - Jaime Maestro Sellés

CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
A story for the Modlins - Sergio Oksman

CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Aquel no era yo - Esteban Crespo

PELÍCULA EUROPEA
Intocable - Olivier Nakache y Éric Toledano (Francia)

PELÍCULA HISPANOAMERICANA
Juan de los Muertos - Alejandro Brugués (Cuba)

PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Las aventuras de Tadeo Jones - Enrique Gato

PELÍCULA DOCUMENTAL
Hijos de las nubes: la última colonia - Álvaro Longoria

CANCIÓN ORIGINAL
No te puedo encontrar (Blancanieves)

MÚSICA ORIGINAL
Alfonso de Vilallonga (Blancanieves)

SONIDO
P. Glossop, M. Orts y O. Tarragó (Lo imposible)

GOYA DE HONOR
Concha Velasco

Coco Riot. Arte queer contra el discurso predominante.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Tue, 12 Feb 2013 20:12:00 +0000

Hace unas semanas caía en mis manos un ejemplar de Llueven queers, un libro autoeditado que según reflejaba su contraportada, pertenecía al primer artista queer español. En mi caso, la curiosidad siempre gana a la paciencia, así que sin haber llegado a terminar el libro ya había empezado a investigar sobre quién estaba detrás de esta publicación.Y tras ella se encontraba Coco Riot, artista de nacionalidad española residente en Canadá, cuya producción artística resulta de lo más interesante tanto para queers como para no queers.

[Aunque lo correcto ante este tema sería utilizar un vocabulario neutro con ausencia de indicadores de género, lo cierto es que me resulta imposible escribir en español sin emplear artículos o sustantivos asignados gramaticalmente a un género, por lo que utilizaré el femenino a sabiendas de la incorrección.]

Además de ser la primera artista queer española, Coco Riot es miembro fundador del estudio de grafismo social Pink Caribou en Montreal e integrante de Articule, centro autogestionado de artistas dedicado a la investigación, la experimentación, el compromiso social y la práctica artística contemporánea. Asimismo, imparte workshops y ofrece conferencias sobre arte, política y comunidad cuestionando las representaciones sociales universalmente establecidas y tratando de recrear con sus acciones espacios de pertenencia para aquellas personas que se sitúan a los márgenes del discurso predominante. Militante del movimiento feminista, queer y okupa a ambos lados del Atlántico, sus ilustraciones, vídeos y textos cargados de humor fomentan el compromiso con las políticas queer aludiendo a las historias personales que en muchas ocasiones la incluyen a ella misma.

Portada de Llueven Queers

Esas historias surgen de su afán por denunciar la binariedad de la identidad sexual y destruir las jerarquías convencionales. A vueltas con el transgénero y la categorización de los individuos a través de rígidas etiquetas, Coco Riot comienza a hacer cómics. El impulso le llega allá por 2003, una vez ha leído todas las publicaciones disponibles sobre el tema procedentes de América y detecta la carencia de cómics de temática queer en el continente europeo. Así aparecen Ouvre les yeux, Queer drops o It’s raining dykes, fanzine que mantiene desde 2004 hasta 2009 y que servirá de base para la realización de la obra más conocida y distribuida de la artista y única en español hasta el momento: Llueven queers. Este libro con estética fanzine, alberga ilustraciones y cómics extraídos de sus anteriores publicaciones y relata su experiencia como persona queer ante la problemática del establecimiento de una identidad sexual binaria. A diferencia de otras publicaciones sobre la TQ, el libro se dirige a un público tanto especializado como general a través de un lenguaje y unas historias accesibles al gran público, así como trata de aproximarse a las comunidades hispanas, más alejadas hasta el momento de este movimiento surgido durante las últimas décadas del siglo XX. Tras él, llegarán otros fanzines como This is about having an accent afrontando la falsa condescendencia y las relaciones de desigualdad entre personas con diferentes acentos. La homogeneidad como elemento constante de denuncia, la pluralidad como fin último.

Extracto de This is about having an accent

Aunque la elaboración de ilustraciones y fanzines ha supuesto el punto de partida y una constante en su trayectoria creativa, Riot también es autora de varias instalaciones artísticas, murales, serigrafías y producciones audiovisuales de distinta índole. La técnica no parece ser un impedimento para una artista que más que difundir mensajes trata de generar – según ella misma afirma - preguntas para que la gente busque su verdad mediante procesos introspectivos que generen respuestas en torno a la identidad y a la realidad subjetiva.

Presente en diversos museos de arte contemporáneo, festivales queer y reconocidas galerías de arte, Coco Riot concibe el arte como cambio social en sí mismo más que como herramienta generadora de cambios. La totalidad de su producción artística asume esta afirmación al albergar una fuerte oposición hacia aquellas teorías globales que intentan definir la identidad individual a partir de cánones generales y apuesta en cambio, por la deconstrucción del género y la identidad liberando al individuo de la opresión y fomentando la reflexión en torno al arte, la identidad y el sentimiento de pertenencia.

Instalación de la obra Genderpoo

Sucede así en Genderpoo, el proyecto artístico presentado en diversos centros europeos y norteamericanos que tomando la señalética de los baños públicos cuestiona la clasificación social estandarizada frente a la diversidad de identidades. El proyecto parte de una problemática personal a la hora de acceder a unos baños públicos y elegir entre femenino y masculino. La metáfora sobre el sistema dual que divide a las personas en dos géneros absolutos es resuelta a través de más de 80 signos diferentes que podrían figurar como señales indicativas en estos espacios públicos.

Conmemorando a España, su país natal, se presenta Los fantasmas. Un mural de 16 metros sostiene la narración visual de esta obra que alberga miles de historias silenciadas. La obra revela la historia de España durante la dictadura franquista a través de los cerca de 200.000 cuerpos que fueron depositados en fosas comunes durante este período. Fantasmas compartidos por decenas de países que dan la espalda a su memoria y con ella a las personas que un día pertenecieron a ese lugar.

El concepto de territorio no solo está presente en Los fantasmas, sino que aparece como uno de los elementos más habituales sobre los que Coco Riot profundiza en sus obras a través de los sentimientos de pertenencia y desarraigo. A través de una acción performática en soporte audiovisual, Cut insiste sobre la pertenencia y la liberación haciendo uso de unas tijeras que la redimen y dejan aflorar su identidad. En el corto de animación stop motion Uprooted la artista ahonda en el desarraigo partiendo de su propia situación como inmigrante afincada en Montreal, mientras que Buttercup reflexiona sobre el sentimiento de pertenencia y el uso del espacio a partir de un poema de Allison Luna. Otras producciones de esta prolífica artista son Los sentidos, basada en un poema escrito por ella misma o Call me they, en colaboración con Elisha Lim. A veces se echan en falta artistas que tengan un discurso propio y diferente con el que hacer tambalear a la sociedad e invitar a la reflexión profunda, y de esto Coco Riot tiene mucho que aportar.

CUT from Coco Riot on Vimeo.

Podéis seguir las producciones de Coco Riot a través de los siguientes enlaces:

http://www.cocoriot.com

http://ilpleutdesgouines.blogspot.com.es/

http://lluevenqueers.blogspot.com

Google Art Project, el Patrimonio de la Humanidad a tan solo unos clics

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Fri, 08 Feb 2013 16:12:00 +0000

Bajo mi punto de vista, mientras Google Art Project ha logrado desde su inauguración una notable repercusión entre los usuarios más afines a la historia del arte, Google Wonders Project ha tenido una acogida inexplicablemente más discreta. Presentada el pasado año en España por el Google Cultural Institute, y de nuevo apostando por la democratización de la cultura, la plataforma pretende mostrar aquellos lugares reconocidos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO a través de las pantallas.

Valiéndose de la tecnología de Street View, los internautas pueden explorar de manera virtual enclaves históricos, yacimientos y construcciones arquitectónicas reconocidas ya como maravillas del mundo. La experiencia se ve potenciada además con las imágenes 3D, los vídeos enlazados a través de Youtube, información oficial y diversas fotografías que permiten observar con gran detalle algunas de las grandes obras de la humanidad gracias a la colaboración de Google con la UNESCO, Getty Images y el World Monuments Fund.

Con tan solo unos clics, y de manera muy intuitiva, cualquier usuario puede visitar 132 puntos emblemáticos del mundo sin sufrir jet lag. El Cabo Evans en la Antártida, los diferentes templos y santuarios de la Antigua Kioto, la gran barrera de coral en Australia o el barrio de Bryggen en Bergen (Noruega) son algunos de los lugares incluidos en este proyecto que en principio pretendía aumentar su número de emplazamientos de manera paulatina. No obstante, desde su presentación en mayo de 2012, no ha habido nuevas incorporaciones, por lo que se echa en falta la presencia de países como Grecia, México, India, Egipto o China dentro de la colección. Con apenas el 13% del total del patrimonio catalogado por la UNESCO, habrá que esperar a que el Google Cultural Institute dote a esta plataforma de nuevos contenidos.

Aunque nunca un viaje virtual podrá sustituir la experiencia multisensorial del viaje físico, Google Wonders Project puede acercar el patrimonio histórico a usuarios de todo el mundo y promover el respeto y la conservación de este legado cultural. Es precisamente desde esta perspectiva, desde la que parece resultar más interesante el proyecto. La página de la plataforma cuenta con diferentes paquetes educativos descargables en función del nivel académico que pueden ser empleados en las aulas como recurso para el aprendizaje dinámico. Siempre será más gratificante entender la revolución industrial o el renacimiento italiano a través de la interactividad y la diversidad de materiales didácticos.

¿Queréis un amo? ¡Lo tendréis! - Juan Pérez Agirregoikoa sacude el MNCARS.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Thu, 07 Feb 2013 14:50:00 +0000

Ya es habitual que los enunciados que dan nombre a sus exposiciones no dejen indiferente a nadie. Si ahora Juan Pérez Agirregoikoa apela al deseo de dominación, ya en 2004 provocaba al visitante con Tonto el que lo lea en La Casa Encendida, y sacaba una sonrisa con títulos como ¿Puede un heavy ser calvo? o ¡Camaradas! A partir de ahora soy de derechas a aquellos que se acercaban a sus libros de dibujos.

Tras estos lemas se encuentra el estilo directo, irónico y cargado de humor negro del artista donostiarra. Para él, el arte es un mecanismo mediante el cual negociar la angustia que provoca la realidad y canalizar su percepción de la vida. Y lo hace tomando distancia respecto a aspectos de la vida cotidiana que suelen pasar desapercibidos cuestionándolos con cierto tono sarcástico.

Con ¿Queréis un amo? ¡Lo tendréis! Agirregoikoa se presenta dentro del programa Fisuras organizado por el Museo Reina Sofía. El programa, parte de una apuesta por artistas jóvenes ofreciéndoles la oportunidad de crear algo ad hoc para la ocasión. Fisuras, que cuenta también con la participación de otros artistas como Paloma Polo, Alejandra Riera, Gabriel Acevedo o Azucena Vieites; pretende realizar una reflexión sobre la institución museística y sus funciones sin renunciar por ello al propio mensaje que mueve al artista al crear su obra. Algo que con la exposición de Agirregoikoa entra en una valiente contradicción al denunciar con fuerza los propios dictámenes culturales desde las paredes de un museo.

Aludiendo al psiquiatra Jacques Lacan y su concepto de la realidad y su “discurso del amo”, ¿Queréis un amo? ¡Lo tendréis! ahonda sobre aquellos conceptos que sin poder ser simbolizados permanecen de manera latente en la mente humana. Con esta exposición, el autor trata de demoler el discurso cultural predominante y castrador que asegura la pervivencia de una serie de valores y comportamientos válidos para los poderes superiores.

La exposición consta de 3 partes para las cuales el autor emplea diferentes técnicas. 38 carboncillos se centran en comparar el comportamiento del perro y del hombre a partir de escenas cotidianas que destilan dolor, degradación, instinto, sumisión y violencia. El paralelismo entre el mundo salvaje y libre y el adiestramiento tienen su máxima representación en los híbridos que aparecen en algunas de las imágenes y en la visibilización de escenas habituales que señalan la vinculación de perros y humanos con un amo o entidad superior.

Las acuarelas, empleadas por Agirregoikoa como medio para dotar de cierta sensibilidad amarga a las obras, proyectan en Mutar a 3 famosos representantes del poder político, carnal y social como son Manuel Fraga, Elisabeth Taylor y la Duquesa de Alba. En cada una de las obras, los personajes aparecen retratados ya durante la vejez y postrados en una silla de ruedas que muestran las consecuencias del paso del tiempo en las personas. Es imposible no retrotraerse con esta serie de acuarelas a Happy Birthday Guys, exposición que presentó el artista para ARCO 2010 de la mano de la Galería Carreras Múgica y que constaba de una serie de retratos de personajes mayores como Chuck Norris, Henry Kissinger, Benedicto XVI o Darth Vader para estudiar la mutación de los humanos a lo largo del tiempo.

La tercera parte de la exposición se enmarca dentro del cortometraje de animación. Realizados durante 2011 y 2012, de breve duración y con una composición sencilla, The Culture Lovers y Erased lanzan una crítica hacia la cultura global como mecanismo de adiestramiento transmitido de generación en generación. Mediante la herencia y el aprendizaje se garantizan para Agirregoikoa, la pervivencia de unos patrones de comportamiento deseables que entran en contraposición con formas contraculturales alternativas que ofrecen resistencia ante el solemne amo. Una alternativa que parece proponer frente a la amarga y sumisa cotidianeidad.

La exposición de Juan Pérez Agirregoikoa podrá verse hasta el próximo 25 de febrero en la primera planta del edificio Sabatini del Museo Reina Sofía, en Madrid.

Viernes en verso. Eternamente. Javier Corcobado

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Fri, 25 Jan 2013 10:30:00 +0000

Soy un microbio insignificante
que nada en el lago
de un caballito de tequila.
Soy muy débil,
muy quebradizo,
muy inseguro;
soy inocuo,
pero viviré eternamente
en ningún punto cardinal
de los recuerdos.

Eternamente. Javier Corcobado. Cartas a una revista pornográfica viuda. Arrebato.

'(Asturias) Patria querida' ya no es un himno. Apuntes sobre la exposición de Alberto García-Alix

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Tue, 22 Jan 2013 00:42:00 +0000

El proyecto de mecenazgo Miradas de Asturias, organizado por la Fundación María Cristina Masaveu Peterson en colaboración con el Ayuntamiento de Gijón, se ha convertido en una de las iniciativas más prometedoras del momento en el área astur. Con la intención de crear un Fondo de obra inédita sobre Asturias, la Fundación ha optado por contar con prestigiosos fotógrafos que aporten una visión libre y personal sobre la región.

Estrena el proyecto Alberto García-Alix con la exposición Patria querida, comisariada por Nicolás Combarro. Sobre el fotógrafo leonés sobran las presentaciones. Treinta años deteniendo el tiempo a través de su cámara le han convertido en uno de los fotógrafos más relevantes y respetados del país. Para él la fotografía refleja un mundo condenado a desaparecer que certifica su presencia y su ausencia a través de las imágenes.

Y esto es lo que ha hecho en Patria querida durante más de año y medio, capturar el estado y la esencia de este territorio bajo una visión alejada de convencionalismos y clichés compuesta por diversos retazos de Asturias que unidos conforman una visión global. El prolífico trabajo de Alberto García-Alix no solo ha dado lugar a una extensa exposición con 50 fotografías de gran formato, sino que también ha derivado en un diaporama de 80 imágenes acompañadas por la música de David García Díaz y un libro que recoge 120 instantáneas extraídas de los cinco viajes que el artista realizó por la región para llevar a cabo el proyecto.

El trabajo final conjuga el entorno urbano, rural y salvaje bajo un aparente desorden que cae más en lo sugerente que en la descripción explícita. Aunque no faltan sus inconfundibles autoretratos y retratos – el artista Cuco Suárez o el poeta David González aparecen inmortalizados en la muestra –, la exposición se vuelca sobre la naturaleza muerta, el paisaje industrial y los elementos naturales pasados por el filtro García-Alix. En riguroso blanco y negro, trabajando en analógico y mediante sus habituales juegos de luces y sombras, las fotografías plasman de un modo poético, oscuro y casi onírico la textura de la espuma de las olas, la densidad de la niebla que cae sobre las montañas o la inestabilidad a través de encuadres y angulaciones que parecen amenazar a la arquitectura.

La exposición podrá verse hasta el 10 de febrero en la sala 2 del Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón, aunque posteriormente se trasladará a otras ciudades como Madrid. Tras esta radiografía tan personal sobre la región, solo queda saber quiénes serán los siguientes en disparar con su objetivo para Miradas de Asturias.

Del libro al escenario. Cuando la literatura se transforma en espectáculo.

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Sun, 20 Jan 2013 20:43:00 +0000

El poeta es un ser que busca, y puede hacerlo de tantas formas como herramientas posea a su alcance. Para “alivio indispensable del ánimo” cantaban los juglares las gestas de los héroes en el siglo XI, y lo hacían acompañándose de cítaras, vihuelas y fídulas. Diez siglos después seguimos cantando parecidos versos, pero el espacio visual y sonoro se ha plagado de ipods, wiis y portátiles. Literalia TV

El canal online Literalia TV presentaba con esta cita el programa Todo es poesía menos la poesía (http://www.literalia.tv/programacion/todo-es-poesia-menos-la-poesia.asp), un formato presentado por Gonzalo Escarpa que pretendía demostrar cómo la poesía se encuentra inserta en cualquier situación de la vida cotidiana más allá del texto poético. Lo cierto es que la literatura siempre ha estado intrínsecamente ligada a otras disciplinas como las artes escénicas, la música o el cine. Su capacidad para evocar imágenes y para narrar historias es innegable y por ello ha dado lugar a constantes trasvases desde la palabra escrita hacia otros medios de expresión. Sin embargo, la traslación en sentido opuesto no ha sido tan evidente hasta hace relativamente poco.

Cada vez son más los autores procedentes de la literatura que deciden investigar nuevas posibilidades expresivas situando su obra en espacios fronterizos. Liberar a las palabras del papel, devolverles su oralidad y conducirlas hacia terrenos híbridos ha sido una iniciativa que ha tomado fuerza durante los últimos años. La voz, el cuerpo, el espacio, la música, los objetos, las imágenes o los vídeos se convierten ahora en herramientas dispuestas a devolver a la literatura al espacio social en el que siempre debió estar. Las acciones performativas que pueden generarse a través de las palabras parecen no tener más límite que el que propio autor decida establecer, aportándole un nuevo contexto y generando nuevas relaciones con el público. Surgen así nuevos géneros que apuestan por la interrelación o hibridación de diferentes disciplinas para crear algo distinto. Dentro de esta reformulación y según su naturaleza, pueden encontrarse ya el happening poético, el recital multimedia, la perfopoesía o el spoken word. A continuación aparecen algunas propuestas escénicas que tomando como punto de partida la literatura se han fusionado con la música, el espacio o los objetos para salir a escena.

Afterpop Fernández & Fernández surge de la puesta en común de las ideas de dos de los mayores representantes de la literatura pop en España. Formado por los escritores Agustín Fernández Mallo y Eloy Fernández Porta, el proyecto ha dado lugar a la creación de Personificación, un espectáculo en el que ambos analizan la creación de la identidad del individuo en la sociedad de consumo. Mezclando la poesía, la prosa y el ensayo; el dúo sitúa sobre el escenario un proyecto en el que texto, imagen y música se fusionan intuitivamente dando lugar a un hipnótico espectáculo de spoken word muy alejado de los recitales convencionales.

También de la mano de Agustín Fernández Mallo y en colaboración con Juan Feliu se presentaba el pasado año el grupo musical Frida Laponia. Aunque el proyecto no se enmarca dentro de la misma práctica, sí mantiene sin embargo la intención de experimentar con los instrumentos musicales, la tecnología y el texto. De esta unión creativa ha surgido el álbum Pacas go downtown, compuesto a partir de frases de poemas y libros, diccionarios e incluso manuales de instrucciones. La combinación de estos elementos mediante métodos compositivos un tanto aleatorios convierten las actuaciones de Frida Laponia en un espectáculo intertextual y libre de corsés. Una propuesta ecléctica que traza uno de los múltiples caminos hacia los que multidisciplinariedad puede conducir.

Rindiendo homenaje al poeta Leopoldo María Panero y con la intervención de los músicos Carlos Ann y Enrique Bunbury, el cineasta porno José Mª Ponce y el ya experimentado en poesía escénica Bruno Galindo, tuvo lugar en 2005 Una noche con Panero. La barcelonesa sala La Paloma fue testigo de este experimento que se desarrolló a medio camino entre un concierto de rock, una sesión de música electrónica y el spoken word.

Director del colectivo Red Fosforo y del laboratorio de creación la Piscifactoria, Gonzalo Escarpa es uno de los máximos representantes en España de la perfopoesía. A través de la poética escénica, Escarpa deja fluir sus versos sobre el escenario valiéndose para ello de la modulación de su voz, el uso del espacio, los recursos visuales y electrónicos y el empleo de objetos de diversa índole. En Palabras Habladas, ciclo organizado por Hablar en Arte para mostrar la vertiente escénica de la literatura, el autor empleó diversos recursos durante su espectáculo.

Entre el spoken word y la perfoposeía se encuentran también varios de los proyectos que desarrolla la micropoetisa Ajo. En Streptease Cardiovascular, Ajo y el multiinstrumentista Nacho Mastretta ofrecen un peculiar espectáculo que ya ha recorrido diversos puntos de la geografía española y americana. El escenario se viste para la ocasión con luces y objetos varios que ambientan el espacio y le otorgan una estética fuera de lo común. Mientras tanto, Nacho Mastretta hace de la improvisación musical el telón de fondo sobre el que transitan las palabras de Ajo, y ésta a su vez teatraliza sus versos aderezándolos con grandes dosis de dramatismo, ironía y humor. Marina Sorín, Diego Galáz, Judit Farrés, Julieta Venegas, Telefunken o Javier Corcobado son algunos de los artistas que también ha puesto música a estos peculiares recitales.

Viernes en verso. Y comprender que. Nacho Tajahuerce

noreply@blogger.com (Elisabet Luengo) — Fri, 18 Jan 2013 16:17:00 +0000

Y comprender que

las palabras van perdiendo todo su significado,
como los amigos inservibles,
como los rayos de sol al atardecer.
Las palabras no escritas
están heridas de muerte.

Y comprender que. Nacho Tajahuerce. Poesía para bacterias.