Estirniq

El GUERNICA y La PAZ

2025-10-01T10:00:00.001+02:00

Guernica bombardeada por la alemana Legión Cóndor

Todos los años en el Colexio Andersen, conmemoramos el 30 de enero el Día de la Paz, la muerte de Mohandas Karamchand Gandhi en 1948.
Gandhi era abogado, pensador, líder del nacionalismo indio y político. Instauró métodos de lucha social novedosos, la huelga de hambre, programas de rechazo de lucha armada e instauro la "no violencia".

"No hay camino para la Paz, la Paz es el camino" Gandhi

Nosotros elegimos para trabajar en la clase de Plástica, el cuadro Guernica, como algo que ocurrió hace ochenta y seis años, el 26 de abril de 1937 en nuestro país.
El problema es que sigue pasando en todo el mundo, pero que no podemos olvidar para poder combatir, pacíficamente para que no se repita.

El Gobierno de la II República Española encarga a diversos artistas, entre ellos Calder, Gargallo, Joan Miró, Picasso, obras para el pabellón de la Exposición Internacional de París de 1937, construido por el arquitecto Josep Lluis Sert.

Exposición Internacional de París

A Pablo Ruíz Picasso le encargan un gran cuadro, un mural, para este pabellón, tenía que estar realizado en el verano de ese mismo año, es decir más o menos seis meses, ya que el encargo fue en enero de 1937.

Mientras estaba pendiente de la realización del gran mural el tiempo iba transcurriendo y se le ocurrió realizar unos grabados, "Sueño y mentira de Franco" donde el Caudillo es caricaturizado. La idea era posteriormente poder hacer tarjetas postales y poder venderlas en favor de los soldados del Ejercito Republicano en el pabellón de la Exposición Internacional.

Mientras la realización del gran mural que le había sido encargado estaba pendiente y el tiempo iba transcurriendo, el día 26 de Abril, lunes, poco después de las cuatro y media de la tarde la "Legión Condor" de la aviación nazi.

Bombardea con un intervalo de 20 minutos durante tres largas horas a la pequeña población de Gernika santuario de los habitantes de Euskadi, con el beneplácito y el consentimiento del gobierno del general Franco.

Aviones nazis sobrevolando Gernika

"Guernica,Villa de 5000 habitantes, ha sido literalmente asolada".

"Un completo éxito de nuestras bombas, las 250 kilos y las incendiarias".

"El bombardeo de Guernica consiguió sus objetivos finales".

"Entre la población civil la moral se ha resquebrajado."

"Escasa resistencia ofrecida desde Bilbao"

Pablo Picasso al enterarse de lo sucedido, se siente herido y a la vez inspirado.

Esta inspiración, según la teoría del director de fotografía José Luis Alcaine, Picasso se inspiró en una secuencia del melodrama antibelicista, Adiós a las armas (1932) de Frank Borzage.

http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-jose-luis-alcaine-cree-picasso-se-inspiro-adios-armas-para-guernica/1268475/

Otra posible inspiración que pudo influenciar a Picasso fue relacionada con el cuadro de Rubens "Los desastres de la guerra" (alegoría de las guerras que habían asolado a Europa), que pudo ver en un viaje que realizó a Florencia en la que permaneció tres días. El último, casi por casualidad, visitó el palacio Pitti, donde se encontró con esta obra.
Los investigadores dicen que hay muchos elementos de la obra de Rubens, que se recrean en el Guernica: la madre doliente con el niño en brazos, un arquitecto con sus instrumentos, para significar que todo aquello que se había construido durante la paz, resulta destruido por la violencia de las armas.
Y una mujer vestida de negro con las manos el alto, despojada de todas las joyas, es la infeliz Europa, que durante tanto tiempo viene siendo victima de rapiñas y miserias.

Los desastres de la guerra de Rubens

http://entornoalarteytodoloquelorodea.blogspot.com/2017/05/el-guernica-segun-santiago-sebastian.html

Pablo Picasso comienza el 1 de mayo, una serie de bocetos, hasta concluir el gran mural el 4 de junio de 1937.

En este primer boceto del primer día el 1 de mayo de 1937, ya están definidas muchas de las formas esenciales que compondrán la obra final.

Se distinguen cuatro elementos básicos: el toro, la mujer con luz y la figura en horizontal del guerrero y por otra el caballo caído en el centro.

Este boceto, del 2 de mayo, aparecen ya definidos los elementos del cuadro definitivo.

Ya el 8 de mayo Picasso se centra en el caballo y la madre con hijo muerto, para el tenía tanta importancia que lo hizo por separado.

Picasso quiere tantear el posible cromatismo del cuadro

El boceto de la madre con el niño muerto aparece huyendo por las escalera. Es un estudio de color totalmente expresionista.

La cabeza de mujer, consigue su mayor expresión en la boca, está muy relacionada con las figuras femeninas deformes realizadas por Picasso a principios de los 30.

El estudio para caballo, quiere resaltar el caballo utilizando un amarillo intenso en el fondo.

El último boceto Toro con rostro humano. Frente a la agresividad de los últimos rostros del caballo, esta figura contrasta por su aire de tristeza a parte de humana.

Estos son unos de los cuarenta y cinco bocetos que hizo antes de empezar con el gran mural.

El Guernica vivió una evolución

"La pintura no ha sido hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo"

Pablo Ruiz Picasso

Descripción del cuadro

Podemos imaginarnos el tamaño del cuadro (7,8x3,5 m) viendo a Picasso trabajando con la ayuda de una escalera

A pesar de su título y las circunstancias en las que fue realizado, no se observa nada en el lienzo que refleje el bombardeo en concreto. Entonces no podemos decir que es un cuadro narrativo, sino simbólico.

Además Picasso no utilizó el color excepto unos tonos azules muy tenues, alrededor de la paloma herida, en el resto del cuadro se puede apreciar, gran cantidad de tonos grises y el negro y el blanco.

El mural está pintado como un tríptico, donde el panel central lo ocupa el caballo agonizante y la mujer del quinqué.

A la derecha se aprecia la casa en llamas y la mujer gritando. y al otro lado tenemos el toro y la mujer con su hijo muerto.

Las figuras están organizadas en triángulos, el central tiene como base el cuerpo del guerrero muerto y como vértice la lámpara.

¿Cuáles son los personajes del cuadro?

Tenemos el toro, a la izquierda del cuadro, debajo de él tenemos a la mujer con el niño muerto, en la parte inferior encontramos al guerrero, el brazo con una espada rota y una flor en la mano, a la derecha del toro y en una zona oscura tenemos a la paloma herida, En el centro de este lienzo está situado el caballo descuartizado y atravesado por una lanza, en la parte superior encontramos la lámpara, a su derecha la mujer con quinqué y por último en la parte superior derecha encontramos una persona ardiendo tirándose por una ventana y por último en la esquina inferior derecha el pie de una mujer huyendo de este desastre.

En el siguiente enlace, podéis ver los distintos personajes detalladamente.

http://es.slideshare.net/JosePe1/guernica-48580762

Conversación que se dice que tuvieron Pablo Picasso y un oficial nazi

El 14 de junio de 1940, la 87ª división del 18 Ejercito Alemán, al mando del general von Küchler, entró con sus tanques a París para ocupar la ciudad.

Por esa época numerosos artistas y políticos españoles vivían en París tras exiliarse de España. Jorge Semprún, Pau Casals, Pablo Picasso..., se quedaron en Francia en vez de buscar refugio en otro país.

Cuentan que la Gestapo hizo una redada en el apartamento de Pablo Picasso, posiblemente porque se rumoreaba que ayudaba a la resistencia. Y el oficial nazi, vio la imagen del Guernica en la pared, y este le preguntó al artista si lo había hecho él. "No, ustedes lo hicieron", respondió Picasso.

Puesta en práctica

Después de contarles a los niños todo lo que ocurrió aquel día fatídico y que ellos entiendan como podían encontrarse ese pequeño pueblo, aplastado por toneladas de bombas, sin haber hecho nada, más que estar en el mercado de todas las semanas.

A continuación los niños preguntaban las dudas que les surgían:

¿Por qué hacían eso? ¿Por qué tiraban bombas, sino había soldados? ¿Qué mal habían hecho las personas de aquel pueblo?...

Después de estar dialogando sobre todas sus preguntas, les entrego una hoja A3 con las siluetas de los distintos personajes, ellos tienen que diseñar un cuadro utilizándolas como ellos quieran.

Siluetas que les entrego

No tienen que parecerse en nada al Guernica. Pueden utilizar color, introducir personajes, sacar los personajes del cuadro...

A continuación les enseño trabajos realizados por el Equipo Crónica, para que puedan echar a volar su imaginación y pierdan el miedo a jugar con el cuadro, si juegan lo conocen.

Cuando los niños ven este último cuadro, te preguntan,

¿Entonces puedo sacar del cuadro algún personaje y hacerlo con barro?

¿Y solo la mano?

¿Nada más que la paloma? ...

¿Y la paloma puedo hacerla con telas?

¿Puedo usar madera?

¿Puedo...

¿...

En este momento es cuando empiezan a jugar con el cuadro, a conocerlo y hacerlo suyo.

Cuadro en el que utilizó lápices de colores y tempera, para crear una historia

Collage realizado con tela, cartulina negra, periódico y coloreado con temperas y ceras

Caballo realizado en barro

Mano con el trozo de espada, realizada en arcilla

Para saber más.

Vídeo

Minotauromaquia: Pablo en el laberinto https://vimeo.com/81434921

Esta obra está escrita y dirigida por Juan Pablo Etcheverry.

Está inspirada en la obra de Pablo Picasso y el Mito del Laberinto del Minotauro.

Ha cosechado más de cien premios internacionales, incluyendo el Premio del Público en el Festival de Bradford (Inglaterra). Una de las cinco nominaciones al Goya, también fue, por primera vez, una película de animación española, nominada para los European Flim Awards de la Academia Europea de Cine.

El Guernica en 3D

La estadounidense Elena Gieseke a elaborado este vídeo que se adentra el cuadro de Picasso.

Radioteatro

Para conmemorar el 80 aniversario del bombardeo de Guernika, la cadena SER, apuesta por una ficción sonora, de ese día horrible.

http://cadenaser.com/especiales/seccion/cultura/2017/gernika-es-ahora/

Libros

Pequeña historia de Picasso Duran i Riu, Fina / Bayès, Pilarín

Editorial Mediterrània

Un cuadro de Picasso D´Harcourt, Claire Kalandraka

Incluye cartel desplegable y biografía del pintor. Explicación basada en 12 detalles del lienzo, a partir del color de la forma y el simbolismo de las figuras

Guernica. Guía didáctica Alonso Marajudo, Pedro

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Libro descatalogado, se puede encontrar en la página Iberlibro.com
libros de segunda mano.

El arte en la escuela Boix, Esther / Creus, Ricard Edicones Polígrofa

Libro descatalogado, se puede encontrar en la página Iberlibro.com
libros de segunda mano.

Es un libro publicado en el año hace treinta años. Es una guía práctica, ampliamente ilustrada en color y blanco y negro para escuelas, en gran formato y tapa dura.
En la segunda parte del libro recoge como ejemplo práctico una experiencia llevada a cabo sobre el Guernica, en el taller de plástica L´Arc que los autores fundaron y era profesores.

Guernica. La historia de un icono del siglo XX.

Van Hensbergen, Gijs Editorial Debate

Esta historia de pasión y política muestra la transformación de esta obra de arte en un icono, desde su origen hasta que consiguió regresar a España en 1981, tras una larga prohibición.

El Guernica de Picasso Josep Palau i Fabre Editorial Blume

Libro descatalogado, se puede encontrar en la página Iberlibro.com

De cómo Virginia Woolf ayudó a salvar el "Guernica"

http://smoda.elpais.com/placeres/de-como-virginia-woolf-ayudo-a-salvar-el-guernica/

La versión del Guernica de Agustín Ibarrola

Un nuevo GUERNICA GRITA a EUROPA

El artista búlgaro Jovcho Sarov representa el ahogamiento de los refugiados"La Guernica del Egeo"

Museos

¿Donde ver el Guernika de Picasso?, lo podéis ver en el museo Reina Sofía de Madrid, donde está expuesto.
http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica

La siguiente página web es del museo dedicado al bombardeo y que está en la población de Guernika
http://www.museodelapaz.org

La EDUCACIÓN LENTA

2025-01-02T13:00:00.010+01:00

Ha llegado el momento de decir: "BASTA" de apresurar o apremiar a los niños. Nuestra escuela está reflejando las tendencias de gran parte de la sociedad humana, está centrada en el mito de la velocidad, del «hacer deprisa».

Todo ello incide permanentemente en la educación, la formación de las personas y la organización de la escuela. Y aquí nace la alternativa: un nuevo modelo pedagógico que, de forma metafórica, llamamos pedagogía del caracol o educación lenta.

Gianfranco Zavalloni nos cuenta, en su libro, La pedagogía del caracol:

"La primera vez que oí hablar de la lógica de la lentitud fue cuando en mi gramófono (ahora ya objeto de anticuario) puse el disco de Bruno Lauzi y escuché la canción La tartaruga. A medida que han ido pasando los años, cada vez que la escucho de nuevo me voy convenciendo más y más de que esta canción es un verdadero himno a la lentitud.

¿Pero qué es la educación lenta?

Es un movimiento pedagógico surgido en 2002, que propone desacelerar los ritmos educativos para adaptarlos a los ritmos de de aprendizaje del alumnado.

La educación lenta tiene en cuenta los resultados, pero también el proceso y se enmarca dentro de una forma de entender la vida.

Los partidarios de esta educación lenta reclaman perder el miedo a los resultados de los informes y valorar nuevos aspectos de la calidad educativa, como el desarrollo personal del alumnado.

La educación lenta supone una reivindicación necesaria en la que el niño es el centro, la escuela surge para formar al niño.

Todo ello incide permanentemente en la educación, la formación de las personas y la organización de la escuela.
Y aquí nace la alternativa: un nuevo modelo pedagógico que, de forma metafórica, llamamos La Pedagogía del caracol (Gianfranco Zavalloni) o Elogio de la educación lenta (Joan Domènech).

Se trata, por consiguiente, de "perder el tiempo" dentro de la escuela, o bien descubrir las distintas estrategias didácticas que pueden servir para desacelerar.

El trabajo concreto es hacer desaparecer algunas prácticas educativas y didácticas que actualmente han entrado por inercia en las costumbres de las escuelas.

Estas son algunas estrategias didácticas de realización

- Analizar el ritmo de aprendizaje del alumnado, cada niño tiene su ritmo.

¿Todo el mundo tiene tiempo para permitirle hacer las tareas?

¿Por qué no se terminan las actividades?

¿Se pueden plantear de otra forma?
Hay que recordar que "Todos los niños son diferentes".

- Fomentar el Aprendizaje Cooperativo.

- Trabajar la creatividad (1) y el descubrimiento.

El proceso debería ser tan importante como el resultado.

- Perder el tiempo para hablar. Reflexionar, escuchar, argumentar, debatir.
Es un error pensar que los alumnos puedan estar cinco o seis horas aprendiendo.
Aprender necesita tiempo de hacer, tiempo de dialogar y conversar, tiempo para reflexionar y tiempo para transferir.

- No penalizar el error

Es positivo organizar actividades que permitan al alumnado, asumir el error como proceso del aprendizaje.

- Trabajar la concentración, con técnicas de relajación.

- Pasear, caminar, moverse a pie.
Es la primera e indispensable manera para vivir en un territorio y conocerlo bien y a fondo.

- Cultivar un huerto en la escuela.
Un huerto requiere que se respeten los tiempos.Es una auténtica experiencia de lentitud, hace referencia al "tener cuidado", cultivar la tierra siguiendo sus ritmos.

- Mirar las nubes en el cielo, mirar por la ventana.
Aprovechar cualquier momento para mirar. Saliendo del aula, desde el aula o dentro de la misma, pero mirar.

- Aprender a silbar en la escuela.
Todavía recuerdo que, hace años, estaba absolutamente prohibido. Era un auténtico tabú.
Luego aprendí a escondidas con un compañero en un rincón del patio. Todavía hoy en día cuando silbo, me miran con admiración. Yo les enseño.
¿Habéis probado alguna vez de enseñar a los pequeños a silbar?

Por último

¿Qué le aporta a los niños la educación lenta?

Aportar el construir sus propios conocimientos y relaciones. Consigue que que los niños sean los protagonistas de su propio aprendizaje y no se conviertan en actores pasivos de lo que los demás quieren que aprendan, lo memoricen y lo olviden rapidamente.

"Podemos dar una parte de la culpa del fracaso escolar a nuestra obsesión con la educación precoz, con el énfasis en la presión por saturar de aprendizajes académicos cada vez más temprano y más rápido".
" Los principios de la educación lenta deben empezar por aplicarlo en casa".
Carl Honoré

Bibliografía

Elogio de la educación lenta. Domènech Fracesch , Joan Editorial Graó

Más, antes y más rápido no es sinónimo de mejor. Aplicar esta afirmación en la escuela y en la educación es una de las cuestiones a las que el autor intenta dar respuesta en este libro en el que se replantea el tiempo, en cuantos a los ritmos de aprendizaje.
La educación lenta es un paradigma que no pretende hacer las cosas poco a poco, sino saber encontrar el tiempo justo para cada uno y aplicarlo en cada actividad pedagógica.

Entrevista sobre la Educación Lenta

Tema del mes de Cuadernos de Pedagogía sobre la Educación Lenta (PDF)
http://elpuig.xeill.net/activitats/jornades-didactiques/educacio-emocional/la-educacion-lenta

La pedagogía del caracol Zavalloni, Gianfranco Editorial Graó

Este libro trata de emprender un nuevo itinerario educativo. Padres, maestros y todos aquellos que se encuentran a su alrededor en el mundo de la escuela son estimulados por las sugerencias de la pedagogía del caracol y pueden empezar de nuevo a reflexionar sobre el sentido del tiempo educativo y sobre la necesidad de adoptar estrategias didácticas de relentización, por una escuela lenta y no violenta.

Diritti dei bambini e delle bambine Gianfranco Zavalloni

Artículo en la Revista Aula de Innovación Educativa. Por una pedagogía del caracol Zavalloni, Gianfranco

http://caps.educacion.navarra.es/infantil/attachments/article/65/Por_una_pedagog%C3%ADa_del_caracol.pdf

Elogio de la lentitud. Honoré, Carl RBA

La lógica es aplastante: una vida rápida es una vida superficial. La prisa nos hace pasar por la piel de las cosas, sin posible profundización, sin entender de verdad. Ya no importa un buen resultado sino un resultado a tiempo.
Es lo que nos hace leer un periódico mientras vemos la televisión, para matar dos pájaros de un tiro, pero erramos los dos.
La lentitud no tiene nada que ver con la ineficacia, sino con el equilibrio...

Bajo Presión. Honoré Carl RBA

No es un manual para padres sino una llamada a la acción; podemos hacerlo mejor. Para ello hay que desacelerar el ritmo, rebajar la tensión y la angustia, prescindir de la competitividad y crear espacios relacionales donde sea posible la vida inteligente, emotiva y propia.

Con anécdotas fascinantes sobre padres obsesivos, estudios científicos, entrevistas personales y un punto de vista personal, Honoré explica de forma clara el fenómeno de la hiperpaternidad, disipa mitos y apuesta por el cambio.

Interesante entrevista a Carl Honoré

Entrevista a Carl Honoré, embajador del Movimiento Slow
http://sloyu.com/blog/blog/2014/02/11/entrevista-carl-honore/

Para saber más

Universidad Internacional de la Rioja. Trabajo fin de grado presentado por: Irene Navarro Redondo.

Slow Educatión: El poder de la "pedagogía del caracol" en la primera infancia.

https://reunir.unir.net/bitstream/handle/123456789/4658/NAVARRO%20REDONDO%2C%20IRENE.pdf?sequence=1&isAllowed=y

Ken Robinson. (2006): Las escuelas matan la creatividad.
http://www.ted.com/talks/ken_robinson_says_schools_kill_creativity?language=es#t-12591

Ken Robinson. (2015): La creatividad se aprende igual que se aprende a leer.

http://www.lavanguardia.com/lacontra/20101103/54063818455/la-creatividad-se-aprende-igual-que-se-aprende-a-leer.html

CREANDO ESCULTURAS

2024-09-25T13:45:00.006+02:00

Esteban Vicente y sus juguetes

En la búsqueda de actividades para realizar con los niños del Colexio Andersen en el área de Educación Plástica me encontré en una publicación una serie de imágenes de esculturas de un pintor que no conocía, Esteban Vicente, a las que él llamaba Divertimentos o Juguetes, coincidió que iba a pasar por Segovia y que su museo en aquellos momentos las estaba exponiendo y decidí visitarlo.

Cual fue mi sorpresa encontrarme con unas esculturas de pequeño formato y muy comprensibles para los niños por su "aparente" simplicidad en su construcción, y la seguridad de que los niños iban a divertirse realizándolas.

"Pintar cuesta mucho trabajo", afirmaba Esteban Vicente, necesitaba una válvula de escape, que él materializaba con estas pequeñas estructuras que él llamaba "divertimentos". Los divertimentos representaban una forma de jugar con el lenguaje del arte.

"Cuando Picasso creaba pequeñas "esculturas" que se convertían en juguetes, Esteban Vicente hacía "juguetes" que se convertían en pequeñas esculturas".

La elaboración de las esculturas por su parte fue muy lenta, treinta años separa elaboración de los primeros a los últimos "Toys" como él los llamaba y su realización no estaban pensadas para exponer, por lo que no se conocieron hasta después de su fallecimiento.

Puesta en práctica

Les repartí a los niños listones, tacos, pequeños trozos de palos de escoba, trocitos de madera... de distintos tamaños, pero estos podían cambiarlos por otros que había en clase o intercambiarlos con los compañeros.

Cuando tenían elegidos las piezas, había dos posibilidades para realizar la escultura:

1ª Unir las piezas con pegamento, da resultado la cola de carpintero rápida y pintar después.

2ª Primero pintar los tacos que iban a utilizar y después pegarlos.

Para ampliar

En la página del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, podéis encontrar un Taller creativo sobre Juegos en el Espacio , desarrollado en pdf y vídeo en él van describiendo paso a paso la elaboración de las esculturas por los niños. Os recomiendo que hagáis la prueba, merece la pena.

A continuación os presento el vídeo JUEGOS EN EL ESPACIO Taller de creatividad y el pdf, realizados por el Museo Esteban Vicente.

https://www.museoestebanvicente.es/wp-content/uploads/2020/11/Juegos-en-el-espacio.pdf

Bibliografía

JUEGOS EN EL ESPACIO

Es el catálogo de la exposición realizada en el año 2002 con todas las esculturas., juguetes o divertimentos.

Para saber más sobre el pintor

https://www.museoestebanvicente.es/es/biografia/

En la página del museo podemos encontrar todo lo que nos interese respecto al artista además de exposiciones y recursos didácticos como el que vemos en la siguiente imagen

La palabra imaginada

DOBLAR, ARRUGAR, PINTAR,

2024-06-24T13:13:00.005+02:00

Trabajo realizado por Simon Hantaï

Esta vez quería trabajar con los niños de primaria del Colexio Andersen, superficies que no fuesen planas y que ellos las creasen, se me ocurrió que podrían arrugar o doblar, de una forma aleatoria un papel.

Y como siempre busco algún artista que pueda mostrarle a los niños y encontré a Simon Hantaï, un pintor nacido en Hungría, en 1922.

Hantäi en 1960 desarrollo su técnica del plegado, la tela era plegada y luego esparcía pintura por la superficie visible, a continuación la desplegaba dejando partes con pintura y otras en blanco.

Exposición de cuadros utilizando el plegado

Evolución del trabajo de Simon Hantäi hasta llegar al plegado

Trabajo práctico

Yo lo que hice fue adaptar el trabajo de Hantaï a los niños, utilicé papel de varios tamaños de A4, A3 o de mayor tamaño si lo hacía en grupo y en vez de esparcir la pintura por la superficie visible, pintábamos las zonas sin doblar.

Lo que más le impacta a los niños es que pueda doblar y arrugar un papel y después trabajar en él, cosa que generalmente en los colegios les solemos decir que entregar un papel arrugado "no está bien".
Es decir les decimos más veces que doblar o arrugar no, por eso es muy importante este trabajo porque les rompemos esquemas y tiene que enfrentarse a algo que generalmente nunca ha hecho.

Cuando les explicas, realizándolo tu, lo que tienen que hacer con un papel limpio y nuevo, te miran y se miran, como diciendo, este profe no está bien, al principio están indecisos, pero cuando ven que pueden hacerlo y va en serio, se les ve ilusionados por hacer algo que "esta fuera de la norma".

A continuación podéis ver los pasos que sigue el niño.

Doblamos un A4, A3,...aleatoriamente

desdoblamos el A4, A3,...no lo aplanamos y aprovechamos los dobleces para...

Marcarlos como los de la izquierda o sin marcar como los de la derecha

Pata pintar el cuadro pueden utilizar cualquier técnica que quieran, lápiz de colores, rotuladores, tempera, tiza, collage...

En el trabajo de Antía, se puede ver que algunos dobleces no los utilizó

Todos a arrugar

Les entrego un A4 y les digo que lo arruguen.

¿Arrugar un papel? sí, y hacer una bola.

Les pasa algo parecido que con el plegado, que un papel limpio y nuevo me digan que tengo que hacer una bola con él, eso no es posible.

Después de hacer la bola, la despliegan y entonces queda un folio arrugado, y esa superficie arrugada, tendrán que pintarla.

La técnica que más les gusta es la tempera, pero pueden usar cualquier otra.

A continuación podéis ver los pasos a seguir

Hacen una bola de papel

Bola de papel

Bola deshecha y sin estirar totalmente el papel

Una forma de pintar

Otra forma de decorar

Simon Hantäi

Rodeado de una de sus obras

TODOS somos MIGRANTES

2024-02-02T13:00:00.007+01:00

Un día realizando un coloquio en la tutoría de 2º de Educación Secundaria del Colegio Andersen surgió un tema sobre las personas que estaban llegando a España de otros países; a unos alumnos les parecía bien, pero había otro grupo que creía que no deberían venir.

Entonces se me ocurrió plantearles una serie de cuestiones para que ellos mismos llegaran a sus propias conclusiones sobre la migración humana.

Primero empezamos por definir, ¿qué es la migración? y vieron que es el desplazamiento de la población, desde un lugar de origen a otro de destino.

Pero teníamos que diferenciar a las personas que llegan a un lugar o un país, son los inmigrantes, de aquellas personas que se van del pueblo o país donde viven a otro lugar, estos son los emigrantes.

Cuando hablamos de Migrantes que huyen de la guerra, son refugiados.

El Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), define a los refugiados como aquellas personas que huyen "para salvar sus vidas o preservar su libertad".

Los Refugiados, a diferencia de los Migrantes, tienen derecho a pedir asilo, según afirma el Estatuto de Refugiado de la ONU de 1951, modificado en el año 1967.

A continuación los niños empezaron a contar, que sus abuelos, sus tíos, sus padres... habían tenido que irse de..."emigrar"a...

uno de los alumnos comentó que su padre vino a España "inmigró" y aquí formó familia.

Después de aclarar estas cuestiones les hice esta pregunta: ¿Todos somos migrantes?. Esta cuestión tenían que desarrollarla en grupo.

Como en una sesión no les dio tiempo suficiente, iban a plantear la pregunta en casa, y el próximo día, otra vez en grupo, la hablarían entre ellos para después plantear sus conclusiones al grupo.

La conclusión final de tres de los cinco grupos fue que no somos, ni fuimos migrantes.

Les plantee otra nueva pregunta ¿Cuáles son todos vuestros apellidos?, fueron diciéndolos, algunos dos, otros tres y un par de niños llegaron a los cuatro apellidos.

A continuación les hice otra pregunta ¿de donde sois?, unos decían, de aquí, otros de otra ciudad y un tercer grupo de otro país.

Quedamos que para la próxima tutoría trajeran información de todos los apellidos de sus padres y si tenían abuelos que también les preguntasen, además pedir que os cuenten historias de cuando eran pequeños, que les gusta mucho.

El siguiente día cada grupo estuvo hablando de sus apellidos y cuando empezaron a exponerlos a la clase, ya no eran dos, sino cuatro o seis apellidos.

Mi idea era que hiciesen su árbol genealógico, en la parte superior el alumno o alumna, a continuación los padres, después abuelos y por último los bisabuelos y poner de donde eran, lo interesante del árbol es que tienen que hablar con sus padres pero sobre todo con sus abuelos para saber cosas de sus bisabuelos, aquí se van a enterar, si eran de aquí si vinieron de fuera...

Les repartí este árbol genealógico vacío, para que lo rellenasen.

Al final la mayoría descubren que sí, somos migrantes, porque sus familias han ido o venido de un pueblo, de una ciudad o de un país a otro en busca de otra vida mejor.

Lo más importante; todos lo alumnos y alumnas, ahora entienden y aceptan que personas de otros lugares vengan de otros lugares a poder mejorar su vida.

Como muchos hablaron de sus abuelos y abuelas, que vivían en Andalucía, Extremadura y tuvieron que irse "emigrar" por problemas económicos, les proyecté el documental, "El tren de la memoria" este trata de la emigración de una serie de personas de la edad de sus abuelos y todas las vicisitudes que les ocurrieron.

Documental: "El tren de la Memoria"

https://www.rtve.es/play/videos/el-documental/documental-tren-memoria/1797667/

"Los árboles tienen raíces; los hombres y las mujeres, piernas. Y con ellas cruzan la barrera de la necesidad delimitadas con alambradas, que son las fronteras; con ellas visitan y en ellas habitan entre el resto de la humanidad en calidad de invitados. (George Steiner)

Migrantes - hijos, nietos, bisnietos de inmigrantes o emigrantes - somos todos. Todas las regiones del mundo se ven afectadas por movimientos migratorios en expansión, bien sea por la entrada, por el tránsito o por la salida.

Si mira uno a su alrededor y piensa un poco, se encuentra con un gran número de personas que han migrado, que se han desplazado en algún momento de su vida:
Para estudiar, encontrar trabajo, conocer nuevas culturas, por catástrofes naturales o por causas culturales.

Ser migrante no es ninguna condición para ser objeto de discriminación , ni de marginación, ni menos aún de legalización (ningún ser humano es ilegal)

Migrar es un derecho básico, es un derecho humano. (Observa detenidamente el mapa del encabezamiento)

Para finalizar el tema utilicé la película 14 kilómetros para que pudieran ponerse en la piel de las personas que llegan al estrecho, como es el viaje, como atraviesan el desierto...

Película:

"14 kilómetros" (Espiga de Oro, Semana Internacional de Cine de Valladolid 2007)

https://www.filmin.es/pelicula/14-kilometros (Web de descargas autorizada de películas)

Políticos y sociólogos coinciden en que la inmigración es el mayor problema al que occidente deberá enfrentarse en el siglo XXI. En África hay millones de personas cuyo único objetivo es entrar en Europa, porque el hambre no entiende de fronteras ni barreras.

14 kilómetros es la distancia que separa África de Europa, pero también la barrera que separa los sueños de millones de africanos y africanas que ven en Occidente su única salida para escapar del hambre y la miseria.

Documental:

"El Tren de la Memoria" (Premio del Jurado, en el Festival de Cine Español de Málaga, 2005

https://www.rtve.es/play/videos/el-documental/documental-tren-memoria/1797667/

El tren de la memoria, destapa la "mentira" de la emigración de los años 60.
La película reconstruye el éxodo de los españoles a Alemania "más allá de la historia oficial y los tópicos.

Unidades Didácticas :

https://julianwhiting.files.wordpress.com/2014/04/14-km-spanish-film-notes.pdf (14 kilómetros)

http://www.valencia.es/ayuntamiento/bienestarsocial.nsf/0/C8F9EC6DA53C9BFEC125750B0030587C/$FILE/AYUN_DIVERCINEMA_2010_AF_CAS.pdf?OpenElement&lang=1 (14 kilómetros)

http://marcoele.com/descargas/2/valbuena-tren.pdf (El tren de la memoria)

Libros de lectura.

El niño del Chaâba. Begag, Azouz Ediciones del Bronce

La inmigración explicada a mi hija. Naïr, Sami Editorial Debolsillo

En sus páginas podemos refrescar nuestra memoria histórica y recordar que no hace mucho España era un país de emigrantes. Ahora familiarizados con las imágenes de pateras que llegan a nuestras costas con personas que buscan una vida digna, parece que hemos olvidado aquel periodo de nuestra Historia.

Sami Naïr es un politólogo, filósofo, sociólogo y catedrático francés especialista en movimientos migratorios. Es una de las voces destacadas del progresismo en Europa y autor de innumerables publicaciones.

Con COLORES puedes contar historias

2023-09-25T13:00:00.004+02:00

El primer día de clase, en un aula de primaria del Colexio Andersen, después de las vacaciones de verano, es un día especial de reencuentro, de nuevos compañeros, de nuevos profes y de nuevas experiencias.

Todos quieren hablar, contar, explicar que hicieron, como lo pasaron, donde estuvieron, fuera de este lugar, el Cole, que será en el que convivirán durante unos meses, hasta el próximo verano.

Y que mejor manera que la Educación Plástica, para explicarlo con una Narración Plástica.

¿Una qué? ¿Y qué es eso? me preguntan los niños.

Pues transformar las palabras y las emociones, en colores, o mejor, Contar Con Colores. Cada uno de vosotros tendréis unos colores para expresar la alegría, otros para la tristeza, el enfado, el aburrimiento, o el pasárselo bomba, pues con todo esto tenéis que contarnos a todos vuestras vacaciones de verano.

Una vez acabado el cuadro, tendríamos que saber "leer" lo que habéis expresado en colores.

Lo único importante que tenéis que señalar en el cuadro, sería el principio y el final de esa narración plástica.

Para ello utilizareis el Manchismo, un estilo de pintura abstracta que se caracteriza por la ejecución de manchas de color.

Por ejemplo en el siguiente cuadro, si el niño lo empieza a "leer" en la parte izquierda y termina en la derecha, vemos que al principio tenemos el color azul claro, rojos en la parte inferior, después una línea negra, partes blancas en el centro, amarillo arriba y al final un espacio muy grande de azul manchado y en la parte superior unas pinceladas de naranja y negro.

Con esto nos puede explicar como lo pasó en cada momento y si nos dice qué representa para él cada color, lo podríamos "leer" nosotros e interpretar cómo se pasó las vacaciones.

En este otro cuadro si el niño nos dice que se empieza a "leer" en la esquina inferior derecha y termina en la superior izquierda, es decir que se lee en diagonal y además nos dice qué representa para él cada color, podríamos también interpretar como fue su verano.

Lo que más me impresiona de este trabajo, es cuando se les preguntas y ellos te explican la historia de ese cuadro, te cuentan y te cuentan, te describen todas las manchas, todos los tamaños: "en ese momento ves el violeta en el centro, me enfadé con mi madre o que donde está el negro fue cuando su abuela se puso muy enferma, y ves el rojo, lo pasé bomba estuve en un campamento, por eso puse tanto" y así color a color, mancha a mancha, te describen todo lo que han querido expresar en su cuadro.

A nosotros nos puede gustar o no las manchas, los colores, el cuadro en general pero nunca podremos describirlo como ellos, es SU CUADRO.

Lo más IMPORTANTE, es respetar siempre la expresividad del niño, no hay nada, que sea "Bonito" o "Feo", "Me gusta" o "No me gusta", hay que ir más lejos.

No hay que intentar "Descifrar" el trabajo realizado por el niño, sino "desenredarlo", es decir, ¿que quiso expresar o expresó, el niño en esa obra?, sin caer en gustos del maestro después de años de influencias exteriores que nos van formando una estética generalizada.

Si respetas la expresividad del niño, este afianza, su autoestima y su seguridad en sí mismo. Que es el fin de la educación, formar PERSONAS.

"Siempre tuve claro que para que un niño o una niña se desarrolle de una forma equilibrada, la escuela tendría que impartir como áreas privilegiadas: música, expresión corporal y educación plástica."

Así empieza un anterior post de este blog "Música, expresión corporal y plástica en la escuela"

A partir de estos trabajos, los niños empezaran a comprender, a respetar, la abstracción, ya que ellos pintaron un cuadro, de estilo Manchista, cuyo inventor parece ser que fue Jackson Pollock.

Jackson Pollock,

Pollock es uno de los artistas que pertenece a la pintura gestual o action painting dentro de un movimiento o como otros lo denominan fenómeno puramente estadounidense.

El expresionismo abstracto, este se desarrolló a mediados del siglo XX en Estados Unidos y se caracteriza por la expresión de emociones y sentimientos que cada artista quería plasmar individualmente sin ser influenciado por los demás componentes del grupo.

A este movimiento pertenecían una serie de pintores:

Arshile Gorky, considerado iniciador e inspirador del mismo.

Arshile Gorky

Willem de Kooning, pintor estadounidense de origen holandés, que tuvo enorme influencia en otros autores posteriores.

Hans Hofmann, pintor de origen alemán, nacionalizado estadounidense, conocido como el decano del expresionismo abstracto.

Hans Hofmann

Después de pintar los niños sus cuadros les enseño, una serie de cuadros de artistas pertenecientes a este movimiento, lo primero que dicen es que esos cuadros se parecen a los nuestros, tienen manchas.

Para ampliar

Algo muy interesante, que no te imaginarías.

"El expresionismo abstracto, yo diría que somos justamente nosotros, en la CIA, los que lo inventamos -declara Donald Jameson, citado por el cotidiano británico The Independent - . El expresionismo abstracto era el tipo de arte ideal para mostrar lo rígido, esteriotipado que era el realismo socialista de rigor en Rusia. Fue así como nos decidimos a actuar en ese sentido".

"Pero, ¿lo sabían Pollock, de Kooning, Rothko y Motherwell?. Claro que no - declara inmediatamente Jameson - los artistas no estaban al corriente de nuestro juego."

Cuando leáis esto os parecerá mentira, como me pareció a mi, enterarte que al arte puede ser manipulado desde el exterior del círculo de artistas para un fin muy diferente del que pensaban ellos.

La historiadora Francesa Stonor Saunders, autora de un magistral estudio sobre La CIA y la guerra fría cultural, en la editorial Debate, nos desvela detalles del mecenazgo secreto de la CIA a favor del expresionismo abstracto

La CIA, mecenazgo del expresionismo abstracto, extracto del capítulo 16 del libro:
http://www.voltairenet.org/article168136.html

Para saber más de la relación de la CIA y el Expresionismo Abstracto
https://sancho70art.wordpress.com/2016/05/07/el-expresionismo-abstracto-americano-y-la-cia/

LA LIBERTAD según Hannah Arendt

2023-07-24T12:05:00.001+02:00

Pensando en la educación y buscando formas nuevas de filosofar con los niños, me encontré, una colección de libros "Filosofía para profanos" escritos por la filósofa Maite Larrauri, que nos puede servir, para filosofar nosotros, importante, en este mundo en el que vamos siempre con prisa.

Empecé por el libro "La Libertad según Hannah Arendt", a raíz de haber visto la película "Hannah Arendt", que me hizo pensar, sobre temas que pasaban por delante de mi, sin más, y también me pareció importante para poder utilizar, lo aprendido, con los niños.

Además por la palabra LIBERTAD, que creo que la usamos sin saber realmente su significado en el amplio sentido de la palabra.

"Tanto es así que Arendt analiza los prejuicios de los que partimos cuando pensamos en la Libertad.

Lamenta que sobre la libertad solo hayan reflexionado filósofos, trasladándola de la esfera pública, un espacio exterior a un espacio interior. Ese espacio ha sido llamado "conciencia", "alma" o "espíritu". Arendt toma como ejemplo de este desvío del exterior al interior, al tratado (Sobre la libertad) de Epicteto, un filósofo estoico del siglo II d.C.

Pero Arendt dice que lo que definitivamente ha fijado nuestra idea de libertad ha sido la experiencia del siglo XX, la aparición de los totalitarismos. Espontaneamente nos inclinamos a pensar que cuanta menos política existe, más libertad pueda haber.

Cuando hoy en día hablamos de libertad religiosa, o libertad de enseñanza, o libertad sexual, estamos suponiendo que la finalidad de la política debe ser asegurar esas libertades a los ciudadanos.

Si la libertad es la finalidad de la política, entonces es un resultado es exterior; mientras que si la libertad es el sentido de la política, entonces se trata de algo intrínseco a la propia actividad política, esta última es la posición de Hannah Arendt, ser libre y actuar en un espacio público son la misma cosa."

Extraído del libro "La Libertad según Hannah Arendt" de Maite Larrauri

Además encontré que Maite Larrauri tiene cuatro programas de radio de diez minutos dedicados al libro y a Hannah Arendt, que eran de una gran ayuda, para entender y profundizar en el pensamiento de Hannah.

A continuación te facilito las páginas para escuchar estos programas en Gente despierta de rtve, Filosofía para profanos - Maite Larrauri - La libertad según Hannah Arendt.

https://www.rtve.es/play/audios/gente-despierta/filosofia-para-profanos-maite-larrauri-libertad/3744327/

https://www.rtve.es/play/audios/gente-despierta/filosofia-para-profanos-maite-larrauri-libertad-ii/3753665/

https://www.rtve.es/play/audios/gente-despierta/filosofia-para-profanos-maite-larrauri-libertad-iii/3761730/

https://www.rtve.es/play/audios/gente-despierta/filosofia-para-profanos-maite-larrauri-libertad-iv/3771515/

Para ampliar

La Libertad según Hannah Arendt Maite Larrauri Frontera Digital S.L.

Al igual que la pintura no está dirigida a los pintores, ni la música a los expertos en música, la filosofía tampoco es para los entendidos. La filosofía es para los profanos.
La colección "filosofía para profanos" quiere facilitar el acceso a la filosofía de algunos autores, no explicando sus vidas o resumiendo sus teorías, sino ofreciendo, para cada uno de ellos, una clave en la que pueden ser leídos.

La libertad se muestra en la acción, en la intervención en el mundo para hacer algo que previamente no existía. Si pensar es un ejercicio en solitario, por el contrario, ser libre requiere la participación de otros seres humanos.

Presentación de la película

"La valentía es Hannah Arendt", Maite Larrauri nos presenta la película.

https://www.fronterad.com/la-valentia-es-hannah-arendt/

En el siguiente vídeo de Ciclo El Cine Social, Maite Larrauri interviene en un coloquio de la película Hannah Arentd.

Guía didáctica de la película "Hannah Arendt", en Cine y Educación.

http://cineyeducacion.com/hannah-arendt/

Visionado de la película

Visionado de "Hannah Arendt" podéis ir a la página: https://www.filmin.es/pelicula/hannah-arendt

Entrevista, muy interesante, "Vita activa, el espíritu de Hannah Arent", podéis ir a la página: https://www.filmin.es/pelicula/vita-activa-el-espiritu-de-hannah-arendt

Para terminar

Dentro de este blog podéis ver otra publicación dedicada a la filosofía en la escuela "Vamos a filosofar".

Experiencia educativa con la película "Matar a un Ruiseñor"

2023-06-23T13:50:00.009+02:00

Esta vez os presento una experiencia que realicé con niñas y niños de 2º de ESO sobre esta gran película Matar a un ruiseñor.

Les conté que era una obra maestra del cine de todos los tiempos, con tres personajes principales, Atticus Finch, un abogado honesto, mejor padre y pendiente de su comunidad. Sus hijos, una niña de seis años Scout inquieta, de carácter fuerte, aventurera y afectiva, Jem un chico de doce años defensor de su hermana, rebelde, responsable, que desea imitar a su padre y además un amigo, con el que inventan mil formas de entretenerse, una de ellas es intentar descubrir un misterio que se esconde en la casa de sus vecinos...

Además de todo esto su padre como abogado defiende en un juicio a un hombre negro, Tom Robinson, acusado de haber violado a una mujer blanca, aunque la inocencia del hombre resulta evidente el veredicto del jurado es tan previsible que ningún abogado aceptaría el caso, excepto Atticus que lo aceptó...

Trailer de la película

Aun siendo una película en blanco y negro y de los años 60, enseguida se interesaron ya que era una historia llena de injusticias con la que conectaron inmediatamente, además está narrada por Scout, la hermana pequeña, lo que la hacía más cercana.

La película se puede alquilar o ver en las siguientes plataformas: Rakuten TV, Apple TV, Google Play Movies, Amazon Video, Movistar Plus+ y en YouTube en el siguiente enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=1MIuNslcqdY

Comentario

El tratamiento a las diferencias ocupa el tema central de la película, pero desde dos puntos de vista: el racismo y la persona diferente.

El respeto a las personas como base de convivencia.

La tolerancia y la empatía están reflejadas en la frase "para comprender a las demás personas debemos ponernos en su lugar"

La justicia, expresada a través del ejercicio de la profesión de abogado de Atticus Finch.

Ambiente social cerrado y conservador, basado en unas normas rígidas y represivas, racistas y discriminatorias.

Padre e hija son los grandes protagonistas.

La novela

La película está basada en un libro escrito por Harper Lee en 1960 con él ganó el Premio Pulitzer. Fue lo único que escribió hasta 2015, que publicó la secuela de Matar a un Ruiseñor, titulada "Ve y pon un centinela" que parece ser que tenía escrita desde mediados de los años 50.

Esta obra narra su propia vida en una pequeña localidad sureña, el protagonista, Atticus, está basado en la persona de su padre, que defendió a dos hombres negros acusados de asesinar a un tendero blanco, que fueron condenados y ahorcados.

Harper Lee expone con maestría, la vida de un pueblo en plena Gran Depresión y de una dura segregación racial, además esos años coincidieron con la lucha de los Derechos Civiles en Estados Unidos.

Diálogo después de la película

- Atticus les dice a sus hijos: "Uno es valiente cuando, sabiendo que la batalla está perdida, lo intenta a pesar de todo y lucha hasta el final uno vence raras veces, pero alguna vez vence"

¿Vosotros qué haríais? ¿Defenderíais lo que creéis que es justo aunque perdierais la amistad de personas que ahora son amigas?

- ¿Creéis que los temas que se tratan están de actualidad?

- El propio título de la película hace referencia a que arrinconamos o eliminamos a una persona por sus características físicas o mentales.

- ¿Pero a quién hace referencia el título?

Para ampliar

Podéis ver el Programa coloquio, Que grande es el cine, donde se hace un análisis sobre la película.

Página Cine de Literatura

https://www.cine-de-literatura.com/2020/04/matar-un-ruisenor-to-kill-mockingbird.html

Realiza un recorrido muy amplio sobre la autora, su novela, los personajes principales, la película, el espacio y el tiempo, guion, dirección y para terminar encontramos unas sugerencia didácticas muy interesantes de la obra literaria y de la película.

MÚSICA, Educación PLÁSTICA y Expresión CORPORAL en la Escuela

2023-06-07T20:00:00.000+02:00

Siempre tuve claro que para que un niño o una niña se desarrolle de una forma equilibrada, la escuela tendría que impartir como áreas privilegiadas: música, educación plástica y expresión corporal - Educación Física.

El biólogo y genetista David Bueno, nos habla de la importancia en la educación de la Educación Plástica, de la Música y de la Educación Física - Expresión Corporal.

Cuando uno se siente bien con su cuerpo, y consigo mismo, tanto corporal como cerebralmente, todo resultará más fácil de superar, desde el punto de vista personal y académico.

Educación Musical (Niña feliz y niños felices)

En defensa de la asignatura de música https://www.youtube.com/watch?v=YxfNxQQe2xA

Expresión Corporal - Educación Física (Niños jugando con su cuerpo)

Educación Plástica (Niña concentrada en el trabajo)

Ahora en estos momentos a la música se le dedica una sesión semanal, a plástica dos sesiones semanales y a la expresión corporal, danza o psicomotricidad, áreas que no se imparten de una forma institucional aunque en algunos centros dediquen alguna sesión de una forma totalmente personal.
Existe la Educación Física que dedica tres sesiones semanales, pero este área generalmente se dirige hacia temas deportivos.

Tengo muchos recuerdos de niños que han mejorado en todas las áreas a partir de "sentirse bien" con la educación plástica.

Voy a contaros uno de ellas, hace unos años llego al Colegio Andersen de Vigo en el mes de noviembre un niño de diez años, se le había fallecido su madre, todos nos esforzamos en facilitarle su adaptación, pero no eramos capaces de conseguirlo, tampoco conseguíamos que se centrara en ninguna de las áreas.

El primer día que fue a Educación Plástica, ese día coincidía que empezábamos a trabajar con arcilla, les di a todos un trazo de barro, pero podían coger más si les hacía falta. El niño no era capaz de hacer nada, tenia miedo, estaba muy inseguro, no fue capaz de pasar de hacer una bola,

le dije que no se preocupara y el próximo día podía empezar sin ningún problema. Quedó tranquilo, aparentemente.

La semana siguiente le volví a entregar un trazo de arcilla y le dije podía hacer el trabajo que les plantee al grupo, que podía ver lo que hacían los otros compañeros o podía jugar con el barro y hacer algo libremente sin pensar en el resultado, estuve hablando con él, tranquilizándole ya que como él me dijo "yo nunca he trabajado con arcilla".

Yo le comente, "no pienses en la nota y piensa en hacer lo que te salga, sin miedo al resultado", terminó la clase y me entregó una bola, "no soy capaz". Le dije que no se preocupara que eso le había pasado a todos. Pero hubo algo muy positivo, fue capaz de decir, "no soy capaz".

En la tercera clase le dije, "no te rindas, juega con este trozo de arcilla" me miró y empezó a amasar el barro, al cabo de un rato me llamó, "puedo coger más arcilla" claro toda la que quieras, vi que estaba haciendo algo pero no quise inmiscuirme, estaba muy seguro y centrado en su trabajo, al poco tiempo me volvió a llamar, "ya terminé, ¿donde puedo colocarla" .
Había hecho un ánfora, pero perfecta, me contó que en clase de historia habían hablado de recipientes para llevar diferentes mercancías y esto le interesó mucho.

Aprendiendo a fabricar una vasija con ayuda de un mayor

Los compañeros quedaron impresionados, como aquel nuevo compañero que durante dos clase no fue capaz de hacer nada más que una bola, ahora era capaz de hacer algo tan perfecto.

Esto a él le dio seguridad y al ver que sus compañeros estaban admirados, se encontró admitido por el grupo.

A partir de ese momento no era el mismo, mejoró en todo, tanto personal como académicamente.

La importancia de sentirse feliz al terminar su trabajo

Desde el punto de vista científico

En recientes estudios científicos se ha demostrado la importancia de la música, las artes visuales y el movimiento en el desarrollo del cerebro y de la función cognitiva.

Nunca se ha descubierto en el planeta una cultura, pasada o presente, que no haya desarrollado las artes. Sin embargo han existido, y todavía hoy en día, varias culturas sin escritura o lectura.

¿Cuál podría ser la razón de esto?

Una explicación posible es que las actividades representadas por las artes (danza, música y artes visuales) son fundamentales para la experiencia humana y necesaria para la supervivencia.

Ya en los primeros años y de forma natural, el niño juega, canta, baila, dibuja y todas estas actividades son imprescindibles para su correcto desarrollo sensorial, motor, cognitivo, emocional y en definitiva cerebral, que le van a permitir aprender a aprender.

Arte, cerebro y creatividad por el neurólogo Facundo Manes

¿Por qué enseñar las artes en la escuela?

Las artes juegan un papel importante en el desarrollo humano, intensificando y mejorando el crecimiento de las vías cognitivas, emocionales y psicomotoras.

Las escuelas tienen la obligación de exponer a los niños a las distintas disciplinas artísticas lo más temprano posible y de considerar estas como fundamentales, no opcionales en el curriculum escolar.

El aprendizaje de las artes realza la calidad de la experiencia, realizando todas estas actividades el niño se divierte, muestra orgulloso sus resultados a los demás, intenta mejorar y esta es una forma efectiva de entrenar una de las grandes cualidades del ser humano: el AUTOCONTROL.

La educación artística es una necesidad no porque nos haga más inteligentes sino porque nos permite adquirir toda una serie de competencias y rutinas mentales que son imprescindibles para el aprendizaje de cualquier contenido curricular.

El cerebro artístico

"Las neuroimágenes cerebrales revelan algunos indicios de por qué las actividades artísticas son tan importantes.
Así, por ejemplo, se sabe que ciertas estructuras de la corteza auditiva solo responde a tonos musicales, que una parte importante del cerebro y del cerebelo intervienen en la coordinación de todo tipo de movimientos, como el baile, que en las recreaciones teatrales regiones del cerebro especializadas en el lenguaje oral que están conectadas con el sistema límbico nos proporcionan el componente emocional o, referido a las artes visuales, que nuestro sistema de procesamiento visual genera imágenes reales o ficticias con la misma facilidad". (Sousa 2011)

"Como podemos ver en la figura 1, cada actividad artística activa diferentes regiones cerebrales.

La música se procesa en la corteza auditiva que está en el lóbulo temporal, las artes que conllevan movimiento como el baile o el teatro activan la corteza motora, las artes visuales como la pintura se procesan principalmente en los lóbulos occipital y temporal, mientras que la poesía o la prosa implican las áreas de Broca Wernicke relacionadas con el procesamiento lingüístico".(Posner 2008)

Por qué impartir :

Música

"La música nos produce bienestar porque estimula nuestro sistema de recompensa cerebral que libera dopamina y eso nos hace sentir bien.
Es beneficioso desde la perspectiva emocional escuchar música, pero desde la perspectiva cognitiva es mejor practicarla.
Así por ejemplo, la activación simultanea de áreas sensoriales y motoras al tocar un instrumento musical conlleva la mejora de capacidades generales como la memoria de trabajo o la atención". (Mora, 2013)

Para ampliar.

Música:

Música: una necesidad cerebral
https://escuelaconcerebro.wordpress.com/2015/07/06/la-musica-una-necesidad-cerebral/

Cerebro: Música, lenguaje y emociones: Neurólogo Robert Zatorre
http://www.dailymotion.com/video/xmpm0u

"Todo el cerebro está dedicado a la música" Entrevista a Robert Zatorre, neurólogoT
http://www.agenciasinc.es/Entrevistas/Todo-el-cerebro-esta-dedicado-a-la-musica

Plástica:

El cerebro humano ha desarrollado una extraordinaria capacidad para crear imágenes mentales internas, e incluso se han demostrado en estudios con neuroimágenes que se activan las mismas regiones cerebrales al ver una escena real que al imaginarla.
Esto es muy importante, porque la visualización es una herramienta potente en los procesos de memorización.

Además los alumnos aprenden a visualizar e imaginar situaciones que se alejan de la mera observación.
Así mismo al transmitir una visión personal de sus trabajos desarrollan la expresión. Y a explorar, cuando toman nuevos riesgos y aprender de sus errores.

También tienen que reflexionar para explicar, justificar y evaluar lo que realizan con un espíritu crítico.

Expresión corporal:

Las investigaciones en neurociencia están demostrando su importancia a todos los niveles, incluido el cognitivo.
"La danza es una estupenda forma de desarrollar tres aspectos del pensamiento creativo: la fluidez, la originalidad y la capacidad de abstracción" (Bradley, K.)

En el teatro al tener que hablar en público se genera noradrenalina, una sustancia que se sabe que interviene en los procesos relacionados con la atención, la memoria de trabajo y el autocontrol.

Por otra parte, hoy sabemos que los mismos circuitos neuronales que se activan al realizar una acción también lo hacen al observar a otra persona haciéndola. Estas neuronas espejo posibilitan la imitación, una poderosa forma de aprendizaje.

A continuación os pongo este vídeo de una bailarina profesional. Empezó el ballet en el colegio a los 13 años de orígenes humildes, nunca había ido al teatro o al ballet, pero ella quería expresarse con su cuerpo y podéis ver su extraordinaria expresión corporal.

Para poder hacerlo la ley de educación tendría que incluirla en el curriculum, merece la pena. A esta mujer le cambió la vida, lo que pudo ser y lo que es, por quererse, por querer su cuerpo, por poder expresarse, es una persona de un equilibrio mental extremo.

Conclusiones.

La práctica de cualquiera de las manifestaciones artísticas lleva asociada un componente emocional que nos motiva y nos permite contemplar el mundo que nos rodea desde una perspectiva diferente, más estética y más profunda.
La Educación Artística resulta imprescindible porque permite a los alumnos adquirir toda una serie de competencias socioemocionales básicas para su desarrollo personal y que, además, les hacen más felices.

Como comento al principio, la Educación Artística tendría que impartirse como área privilegiada, no como ocurre frecuentemente, quedar como actividad marginal.

Para terminar, como ejemplo clásico de programa enfocado hacia la Educación Artística y que asume la multiplicidad de la inteligencia está el Arts Propel. Este programa especializado en la música, el arte visual y la escritura creativa su aplicación ha sido muy satisfactoria.

Para saber más

En este vídeo el biólogo y genetista David Bueno, nos explica como cambia nuestro cerebro al aprender.

En el siguiente enlace trata un tema de la importancia de la Educación Física y por tanto el Movimiento. "El cerebro en Movimiento aprende más rápido"

https://www.educaciontrespuntocero.com/noticias/neurociencia-movimiento-cerebro/92733.html

Bibliografía.

-Neuroeducación. Sólo se puede aprender aquello que se ama.
Mora, Francisco. Alianza Editorial

La Neurociencia Cognitiva ya nos indica, a través del estudio de la actividad de las diferentes áreas del cerebro, que solo puede ser verdaderamente aprendido aquello que llama la atención y genera emoción. Aquello que es diferente y sobresale de la monotonía.
En este libro se habla de la importancia de la emoción y la empatía, de la curiosidad, de los mecanismos de atención, del propio proceso cerebral del aprendizaje y consolidación de la memoria,...

Cómo aprende El Cerebro. Las claves para la educación
Sarah-Jayne Blakemore / Uta Frith Editorial Ariel

¿Qué y cuando debe enseñarsele a un niño o a un adolescente para obtener un aprendizaje óptimo? Este libro responde a esta pregunta.
Las autoras investigan el aprendizaje del lenguaje, las matemáticas, la música, la Educación Artística, las emociones y la sociabilidad...

El misterioso funcionamiento del cerebro adolescente

RELACIONATE con EDUCACIÓN PLÁSTICA

2022-09-16T12:46:00.015+02:00

Como siempre las clases de Educación Plástica las empezamos con música y relajación, pero al comienzo del curso para que todos conozcan mejor a sus nuevos compañeros realizamos unas sesiones de juegos, que pueden ser estos u otros, siempre que exista una relación corporal entre los participantes.

Generalmente empezamos por el juego del Lazarillo, para lo que hacemos parejas aleatorias en las que uno es el guía y el otro va con los ojos tapados, a los cinco minutos más o menos cambian de personaje.

Muy importante es que el que el guía tenga mucho cuidado para que su compañero/a que lleva los ojos tapados no tenga el más mínimo percance y pierda su confianza, lo que trastocaría el objetivo del juego.

Este juego puede tener variaciones, podemos llevarlo de la mano, por el brazo, por el hombro y cuando hay mucha confianza en la guía se puede llegar a no tener contacto con ella y fiarse de sus mínimas indicaciones.

Este juego podemos variarlo para que sea más motivador y divertido, dar un paseo fuera del aula, subir o bajar escaleras o ir al patio...

O variarlo más, ahora sin lazarillos, todos con los ojos tapados, tienen que moverse por la sala, hay dos normas básicas para que se desarrolle bien, silencio para poder oír cualquier pequeño sonido y andar muy despacio para poder controlar nuestro movimiento.

Cuando una persona se encuentra con otra la toca la esquiva y sigue andando

Otro de los juegos que utilizamos es el Tren con guía, este juego puede tener dos posibilidades, que la persona guía vaya al comienzo o al final del grupo, y el número ideal debe estar entre cinco o seis personas.

Para empezar mejor que la guía se ponga al comienzo del grupo y este siga los movimientos que la guía vaya haciendo.

Cuando la persona guía se pone al final tiene que dirigir al grupo con toques en los hombros de la persona que tiene delante, por ejemplo según que hombro le toque será hacia marcará el lado que tendrá que ir y si toca los dos, de frente... o bien inventarse otro lenguaje táctil.

Un tercer juego, sería el de las Esculturas corporales, un niño es el escultor y el otra será la esculpida, el escultor será el que tiene que manipular a la "estatua" imponiéndolo posiciones que debe mantener.

Este juego puede complicarse si aumentamos el número de participantes de cuatro o cinco personas, en el que seguirá habiendo un escultor/a y las demás personas las tendrá que colocar de la forma que ella vea mejor, más estética o le guste más.

Es interesante que los grupos sean lo más heterogéneo posible para que los niños se conozcan más y mejor.

AUTOAPRENDIZAJE utilizando INTERNET

2022-07-22T14:00:00.000+02:00

Sugata Mitra desarrolló en colaboración con educadores de distintos países unos Espacios Auto-organizados de aprendizaje cooperativo, mediante el uso de Internet, a los que se les conoce con el nombre de SOLE (Entornos de Aprendizaje Auto-organizado).

¿Qué es SOLE? (Self Organized Learning Enviroments)

Sugata Mitra nos lo explica:

Este modelo transforma la clase y convierte la curiosidad en la mejor fuente de conocimiento. Generalmente los modelos de educación convencionales establecen una metodología de aprendizaje donde los estudiantes adquieren conocimientos que un maestro expone, un contenido académico previamente establecido sin darles la posibilidad de qué y cómo aprender.

Para romper este paradigma educativo se transforman las aulas en un espacio Cooperativo y de Autoaprendizaje utilizando internet como una herramienta principal.

En SOLE los maestros son guías y observadores de lo que ocurre en la clase, el currículo académico está basado en preguntas e interrogantes que despiertan la curiosidad del alumno, de donde se desprende un trabajo de investigación, autónomo y cooperativo, para dar paso a la interiorización del nuevo conocimiento, que puede ser reforzado en una charla del maestro.

(Hace años realicé una experiencia similar en el Colexio Andersen con tres niños que no eran capaces de seguir el desarrollo normal de las clases.

Y les planteé un problema; yo tenía que ir a Ushuaia, pero no sabía nada de ese lugar. Ellos tenían que ayudarme e investigar para que yo supiera todo lo posible sobre él.

El grupo dedicó una semana a unas dos horas diarias trabajando solos y el profe de guía, al finalizar la semana sabían más que yo de geografía, climatología, historia, como ir,...
Fue una experiencia muy positiva.)

¿Quién es Saguta Mitra?

Es profesor de Tecnología Educativa en la Escuela de Educación, Comunicación y Ciencias del Lenguaje de la Universidad de Newcastle, Reino Unido, Mitra ha llevado a cabo distintos experimentos educativos.

"Hole in the Wall" (Un agujero en la pared) es el nombre del primer experimento del modelo SOLE.

Este se llevó a cabo en la India y consistió en la instalación de un ordenador con acceso a Internet dentro de un muro ubicado en el barrio de Kalkaji, en Nueva Delhi. Transcurrido un tiempo, los niños comenzaron a acercarse al ordenador y a jugar con él, hasta conseguir por sí solos, navegar por páginas web e incluso aprender inglés y ciencias entre otras asignaturas.

Puesta en práctica de SOLE

Principios del Aprendizaje Auto-organizado

- Se establecen grupos de cuatro a seis personas
- La investigación se realiza con un ordenador por grupo
- El aprendizaje transcurre por medio de la colaboración y discusión entre el grupo.
- El maestro transfiere la dirección a los estudiantes, él es mero guía.
- Los niños pueden observar lo que están realizando otros equipos.
- Los alumnos pueden presentar la investigación al final de la sesión.

Estructura de una sesión auto-organizada (niños de 8 a 12 años)

Se divide en tres fases:

1. Pregunta de inicio (5 minutos aprox.)

Se realiza la pregunta que puede ser expuesta de palabra, con un vídeo o una imagen...
Una de las claves de esta fase es presentar un buen interrogante, ya que de éste tiene que nacer la curiosidad de los niños para buscar la respuesta.
Sugata Mitra afirma que con la pregunta se "siembra la semilla de la curiosidad y posteriormente se deja que el aprendizaje nazca por sí solo".

Algunos ejemplos de preguntas pueden ser:
¿Cómo saben mis ojos que deben llorar cuando estoy triste?, ¿Hay vida en otros planetas?, ¿Los niños piensan distinto que las niñas?...
Estos planteamientos pueden dar paso a nuevos interrogantes, que se pueden poner en murales, destinados a publicar los descubrimientos, nuevos hallazgos o preguntas que surjan.

2. Investigación (40 minutos aprox.)

En este momento, los alumnos tienen que investigar por sí solos. Aquí se da la posibilidad de la colaboración entre grupos, al intercambio de información y a la interacción de conceptos nuevos.

3. Revisión (10 a 15 minutos)

Al final de la sesión se da un tiempo para la exposición de las investigaciones realizadas. En este punto, el maestro puede "negociar" con sus estudiantes y determinar la manera de ser evaluados.

En ocasiones, es recomendable que la aplicación del conocimiento tenga como resultado un producto final con una maqueta, un boceto, obra de teatro, mural...

Para ampliar sobre SOLE

En la siguiente página web SOLE Argentina podéis acceder al banco de preguntas, descargar guía, lecturas, experiencias, proyectos especiales...

http://www.soleargentina.org/#portada

Para saber más

"La Educación Obsoleta"

"Las grandes respuestas de la educación viven en las preguntas"

En la siguiente página podéis leer la adaptación realizada por el profesor Sergio Juárez del método de Sugata Mitra y el éxito de una de sus alumnas, Paloma Noyala.

https://es.slideshare.net/eunimrdz94/mtodo-de-enseanza-sugata-mitra

Pintar un CUADRO fuera del CUADRO

2022-07-04T12:18:00.005+02:00

Hoy voy a presentaros una actividad que se me ocurrió, buscando y rebuscando distintas formas de trabajar con los niños y me encontré con la imagen que encabeza este post, me hizo pensar.

Me imaginé posibilidades que me divirtiesen a mí, y lo por tanto, divirtieran a los niños y a continuación me hice una pregunta, ¿qué me gustaría hacer? pues Pintar pero fuera del cuadro, como hacen ellos.

Cuando expliqué a los niños que podían seguir pintando el cuadro, pero haciéndolo fuera de ese pequeño espacio del que nunca podíamos salir.

No lo podían creer, cuando empezaron a experimentar no podían parar, se les ocurrían más y más cosas para hacer, pintar, pegar, atar...

Eso quería decir, que del cuadro podían salir algun, trazos, formas y terminar en la pared o seguir conquistando más y más superficie hasta llegar al suelo o al techo y hasta volar.

Todo esto le va ha crear múltiples problemas que tendrán que resolver, ya que es algo que nunca se les había planteado.

Para solucionar los problemas que se les presenten pueden utilizar cualquier material, cartón, papel, cinta aislante, cuerdas, lana... y si quiere que vuelen el niño tiene que ver a dónde quiere llegar, cómo llegar.

Lo importante es dejar hacer y estimular para que el niño o la niña busquen la solución, a su problema.

Tenemos que tener muy presente, que nada está MAL, nos puede gustar o no a nosotros pero si ellos están convencidos de lo que están creando está BIEN, de esta forma se encontrarán cada vez más seguros, con lo que crearán más y mejor.

Cuando ya se encuentran seguros suelen hacerte una pregunta, si alguna parte del cuadro se cae al suelo, ¿se puede pintar en el suelo?.

Ya que el suelo es una zona donde no suele pintarse, como tampoco pegar cosas y ahora como pueden realizarlo se encuentran libres y lo que hacen lo hacen concentrados, con mucha más seguridad, ellos pueden expresarse como quieran.

Como quieren, les gusta, en definitiva se divierten y eso es lo que tenemos que conseguir que sea como un juego.

Ya que el juego es un medio de exploración que desarrolla la iniciativa e independencia en el niño.

TODOS deberíamos Ser FEMINISTAS

2022-05-17T19:00:00.002+02:00

En diciembre de 2015, "The Guardian" desveló que todos los chicos y chicas suecos de 16 años recibirían una copia gratuita del ensayo "Todos deberíamos ser feministas" de la autora nigeriara Chimamanda Ngozi Adichie.

El objetivo de este ensayo es de que los más jóvenes tomen conciencia sobre los problemas de género, tanto en países en vías de desarrollo, África, como en Occidente, ya que la charla de Ngozi Adichie se refiere a ambos.

Clara Berglund presidenta de la organización sueca que impulsó la publicación de este libro, dice: "Es importante contribuir a este proyecto. Es un regalo para todos los estudiantes de secundaria, pero también para nosotros y las próximas generaciones"

(Ahora hay una versión ilustrada para los más pequeños)

Ngozi Adichie nació en Nigeria en 1977, creció en la ciudad universitaria de Nsukka, y a los 19 años se fue a Estados Unidos donde estudió Comunicación y Ciencias Políticas en la Universidad de Drexel.

¿Qué tiene el discurso de Chimamanda Ngozi Adiche para que se haya convertido en una referencia feminista global?

En primer lugar, su capacidad para partir de lo personal y lo local, y construir un retrato general en el que todo el mundo tiene su parte de responsabilidad.

Lo que atrapa de este libro es la claridad con la que se muestran los hechos y situaciones suficientemente conocidos, pero poco expuestos a la luz.

Lo que cautiva es la capacidad de la escritora para desmontar los lugares comunes, para derribar ese discurso oficial sostenido generación tras generación.

Mientras en la sociedad española se habla de cuotas femeninas en las instancias políticas y empresariales y se acatan muchas veces por cuestión de imagen y más por imposición que por convencimiento, siguen sin aplicarse medidas contundentes contra la violencia de género y se continúa ninguneando a la mujer a la hora de decidir salarios y responsabilidades.

Al comienzo, la autora explica cómo de joven se acostumbró a ser llamada "feminista" de manera despectiva.

La palabra "feminista", recuerda, ha sido ridiculizada como alguien que "odia a los hombres, odia a los sujetadores, odia a la cultura africana". Pero Ngozi Adiche reivindica la palabra como una manera de poner de manifiesto las injusticias que aún existen en las relaciones entre ambos géneros.

"Mi bisabuela, por las historias que he oído, era una feminista", explica. "Escapó de la casa de un hombre con el que no quería casarse y terminó haciéndolo con el hombre que ella quiso". Fue una persona que se negó, protestó, se manifestó; buscaba su libertad, ¿era feminista o quería ser persona?.

Feminismo para hombres

Otra de las particulares del discurso de Ngozi Adiche es que se refiere explícitamente a los hombres, no como el enemigo sino como un género que debe empezar a preocuparse por cambiar las cosas... También por su propio bien.

"La persona que va a destacar no es la más fuerte físicamente, sino la más creativa, la más inteligente, la más innovadora, y no hay hormonas para estos atributos".

Charla que la autora dio en TED en diciembre de 2012

Ngozi Adiche nos recuerda "existen grandes problemas con la educación de los niños": "Reprimimos la humanidad de los niños".

"Definimos su masculinidad de una manera muy estricta. La convertimos en una pequeña jaula y ponemos a los niños dentro de ella".

Les enseñamos a que tengan miedo de la debilidad y la vulnerabilidad", "Mientras que las mujeres han de sacrificar sus sueños en favor de los de los hombres y estos deben ponerse una máscara para ocultar todas sus inseguridades.

Chimamanda nos habla de cómo hay que educar a nuestros hijos para que sean conscientes de estos desajustes y se vayan eliminando poco a poco, de cómo crear una generación de personas felices y honestas, que derriben las barreras de género.

Cómo dice la autora "somos las personas quienes hacemos la cultura, de modo, que construyamos una cultura mejor".

Para conocer mejor a Chimamanda Ngozi Adichie y a su continente África, puedes ver este vídeo, de una charla en TED: "El peligro de la historia única"

Entrevista con Chimamanda Ngozi Adichie

Entrevista con el País Semanal

https://elpais.com/elpais/2017/10/01/eps/1506809126_150680.html

Sus otros libros

Todos deberíamos ser feministas Literatura Random House

http://cultura.elpais.com/cultura/2015/09/10/babelia/1441900113_014976.html

Videocrítica en diario El Pais del Libro de la Semana por Carlos Pardo

Todos deberíamos ser feministas Literatura Random House

Tras el éxito del libro ahora ha salido una versión ilustrada para los más pequeños.

Esta nueva edición, ilustrada por Leire Salaberria, ayudará a difundir su revelador mensaje feminista y de igualdad.

https://www.megustaleer.com/libros/todos-deberamos-ser-feministas/MES-109293

En este enlace puedes echar un vistazo a parte del libro

Querida Ijeawele. Cómo educar en el feminismo Literatura Random House

http://www.librosyliteratura.es/querida-ijeawele-como-educar-en-el-feminismo-de-chimamanda-ngozi-adichie.html

El peligro de la historia única Literatura Random House

Este libro es una adaptación de una charla en TED.

"Aprender a pensar es aprender a relacionarse con lo que no sabemos"

Algo alrededor de tu cuello Literatura Random House

Es una fantástica colección de relatos que se publicó en 2010. ganadora del prestigioso premio Orange.

Estos relatos cuentan historias humanamente cercanas y geográficamente remotas: historias de mujeres que sufren lejos de su país de origen, historia de emigrantes que se encuentran a sí mismos, en la tierra prometida, América.

La flor púrpura Literatura Random House

En el libro Kambili, es la voz de una juventud que rechaza las prohibiciones que se ciernen sobre su vida y que ahogan a su pueblo. Un relato tierno, sereno y conmovedor, sobre los lazos familiares, la pasión de la adolescencia y la represión que transciende al paisaje de una Nigeria convulsa.

Medio sol amarillo Editorial Mondadori

Recrea el período de la historia contemporánea de África: la lucha de Biafra por conseguir una república independiente de Nigeria, y la consecuente guerra civil que segó la vida de miles de personas.

Americanah Literatura Random Hause

Americanah, recoge el término burlón con el que los nigerianos se refieren a los que regresan de Estados Unidos.

Es una historia de amor a lo largo de tres décadas y tres continentes. Ifemelu y Obinze, dos adolescentes atípicos, se enamoran apasionadamente. Como gran parte de su generación, saben que antes o después tendrán que dejar el país....

DISEÑO mi nombre

2021-09-27T12:55:00.007+02:00

En clase de Plástica de 6º de Educación Primaria siempre había un grupo que me preguntaba ¿podemos crear nuestra firma en el trabajo?.

A partir de esta pregunta tuve una idea para que todos pudieran diseñar el pictograma de su nombre y firmar sus trabajos de una forma personal.

Se me ocurrió explicarles qué era un pictograma a partir del antiguo Egipto y que allí existían unas personas los escribas, que redactaban sucesos, copiaban, contabilizaban y lo hacían usando un sistema de imágenes o pictogramas a estas imágenes se les llamó jeroglíficos.

Al principio los símbolos representaban seres humanos, plantas, objetos y cuerpos celestes pero, poco a poco, los jeroglíficos fueron evolucionando hasta representar sonidos y letras de modo similar a las de nuestro alfabeto.

La letra, signo que sirve para representar sonidos de nuestras lenguas, es el vehículo de la comunicación. El punto de partida es la imagen. Desde los orígenes se realizaron signos para transmitir mensajes, la imagen fue el lenguaje común de la humanidad y así lo indican multitud de representaciones desde la prehistoria.

Para desarrollar la idea utilizamos la representación egipcia

Aquí podéis ver que símbolos utilizaban:

Imagen de "La historia es divertida"

Puesta en práctica

Cuando los niños entiendan qué es un pictograma y que cada letra puede transformarla en un dibujo ahí empieza el diseño de su nombre.

A continuación podéis ver tres pictogramas realizados por niños del último curso de primaria

Lucía

Lucía me comentó que para la tilde dibujó una semilla en un lateral de la i y que la L tenía un pequeño parecido.

Yaiza

En este nombre podéis ver que hay dos pictogramas iguales ya que se repite la letra a

Samuel

En este tercer pictograma Samuel varió mucho el tamaño de las letras, ya que es otra de las muchas posibilidades.

Importante

Estos pictogramas de sus nombres no son un lenguaje transmitido por imágenes, ya que cada niño inventó un dibujo para cada letra y por lo tanto no hay unificación entre todos.

Podríamos llamarlo "firma personal" que nos diferencia de los demás y puede ser el primer paso para la firma graffiti.

MUJERES Artistas OLVIDAS

2021-09-08T13:56:00.034+02:00

María Laurencin

Deborah Gaston, directora de educación en el Museo Nacional de Mujeres Artistas, afirma: "Cuando se analiza la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte, si se menciona a las mujeres, se las menciona de pasada"

En el siguiente vídeo la Historiadora del Arte, Sara Rubayo Martínez nos explica ¿Por qué NO HAY Mujeres Artistas en la Historia del Arte?

El citado Museo es el único dedicado exclusivamente a defender a las mujeres a través de las artes, fue creado por un matrimonio estadounidense sorprendidos por el "olvido" de las mujeres en la historia del arte.

A continuación expongo un pequeño grupo de tres mujeres-artistas olvidadas que han tenido un gran impacto en el arte moderno.

Marie Laurencin

Nació en París en1883, fue educada por su madre y con 18 años se inicio en el arte estudiando la pintura de la porcelana en Sévres.

A su regreso a París, continuó sus estudios de arte en la Academie Humbert, donde conoció a Georges Braque, uno de los fundadores del Cubismo.

Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Sonia Delaunay, aunque ella no se consideraba cubista, su obra se identifica por la estética, sus tonos pastel y las figuras esbeltas.

En los primeros años del siglo XX fue una figura importante en "avant-garde" parisino, siendo miembro del círculo al que pertenecían Pablo Picasso y los cubistas de la "Sectión d´Or", entre sus componentes encontramos a Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Francis Picabia... pero a Maria Laurencin no fue tomada en serio como artista por sus compañeros pintores, aunque realizaron exposiciones conjuntas.

En 1983, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, gracias a un coleccionista y mecenas japonés se inauguró el Musée Marie Laurencin, en la ciudad de Nagano, Japón, convirtiéndose en el único museo del mundo dedicado a una mujer artista, en él podemos encontrar cientos de pinturas, acuarelas, dibujos, grabados y libros ilustrados.

Aleksandra Exter

También conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Polonia en 1882.

En el transcurso de su educación, estudió idiomas, música y arte, en la Escuela de bellas Artes de Kiev, allí conoció a artistas de la vanguardia rusa.

En 1908 se casó y se fue a vivir a París, donde Exter estudió un tiempo en la Academia Grande Chaumière, de ahí que sus primeras obras estuvieran marcadas por la influencia impresionistas de Paul Cézanne y el cubismo.

Más adelante expresó a la Academia su total desacuerdo con la visión artística de la institución por lo que fue expulsada.

El estilo de Aleksandra Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista, siguió con el futurismo, el cubofuturismo, el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, bodegones, el constructivismo, el trabajo escénico y la ilustración de libros, una incansable creadora.

A continuación os presento un vídeo con una exposición de las obras más representativas

Natalia Goncharova

La gran Natalia, nació en 1881 en Rusia, cerca de Moscú, una más de las pintoras que ha permanecido inexplicablemente en el olvido, una más de la lista de las desconocidas, válidas e importantes artistas ignoradas.

Su producción pictórica es ingente y muy variada y cruza sin complejos el diseño, el arte, la moda, la ilustración y el grabado.

En la casa familiar coleccionaban iconos y Natalia realizaba cuadros inspirados en esos iconos, personalizándolos a su manera.

Evidentemente tuvo problemas por recrearlos, ya que "los iconos solo los pintaban los hombres".

Cuando expuso su obra religiosa en Moscú fue ubicada en una habitación aparte de las demás obras, pero en San Petersburgo ni eso, la exposición fue censurada.

Una mujer como ella no encajaba en la Rusia imperial, considerada siempre una artista radical y no integrada en los circuitos artísticos.

No se le atribuye ningún estilo, y de encuadrarla habría que inventarlo, una especie de "todología" . Se interesa por todo y lo mezcla todo, tanto estilos como temas como fuentes, de ahí la invención del Rayonismo, que según decía la Natalia era la mezcla del cubismo abstracto y colorista con el futurismo.

A continuación podemos ver unos ejemplos de su "interés por todo" y un vídeo con un pequeño recorrido por su variada obra.

Exposición en el Tate Modern (Museo Nacional Británico de Arte Moderno) en Londres

Para saber más

La mujer que inventó la abstracción, HILMA AF KLINT

2021-08-04T12:30:00.003+02:00

Hace unas semanas me puse a revisar actividades para realizar este próximo curso, en las clases de plástica, del Colexio Andersen de Vigo y estuve investigando sobre como podría volver a trabajar con Piet Mondrian, pero de una forma distinta a otros años, para en primer lugar poder divertirme yo, si yo me divierto, me ilusiono y creo en lo que hago, los niños se divierten y aprenden.

En una de esas incursiones en internet, buscando información sobre Mondrian, me encontré con esta artista Hilma af Klint que no conocía, pero que me impresionó por como y que pintaba, además, según los investigadores fue la primera persona que invento la abstracción.
Además era mujer, hay que pensar que en la Suecia de finales del siglo XIX a las mujeres se "permitía" que asistieran a la educación artística pero en otros países llegaba a estar prohibido su asistencia.

Me puse manos a la obra y empece a leer todo lo que pude sobre Hilma af Klint "mi fantástico descubrimiento".

Hilma af Klint era una absoluta desconocida hasta la primavera del año 2013 cuando el Moderna Museet de Estocolmo, le dedicó su primera retrospectiva, doscientas cincuenta de sus más de mil obras para dar a conocer a esta pintora.
Hilma exigió como última voluntad, que su obra abstracta no fuese mostrada al público hasta veinte años después de su muerte,"porque estoy segura de que no iba a ser comprendida". Pintó para el futuro y según Iris Müller-Westermann "el futuro es ahora".

La desconocida Hilma rompió con la figuración antes que Kandinsky, Mondrian y Malévich.

El propio Kandinsky se autoproclamaba sin rubor como el primer autor de un cuadro no figurativo, que habría firmado allá por el 1911.

Primer cuadro abstracto de Kandinsky 1911

Lo que Kandinsky no sabía es que una desconocida pintora sueca Hilma af Klint

se le había adelantado, rompiendo con el lenguaje figurativo por lo menos cinco años antes que él.

Primer cuadro abstracto Hilma af Klint 1907

"La obsesión por decir quién vino primero, no me parece interesante. Pero que ella pintara así, años antes que lo hiciera Kandinsky invalida los estereotipos sobre las mujeres artistas. Se decía que eran capaces de copiar, pero no de abrir nuevos caminos. Hilda demuestra que es totalmente falso"
Iris Müller-Westermann, comisaria de la exposición.

Hilma af Klint nació el 26 de octubre de 1862 en Solna municipio de Estocolmo (Suecia), comienza sus estudios primero en la Escuela Técnica de Estocolmo y después entre los años 1882 y 1889 asistió a la Real Academia Sueca de las Artes.

Allí Klint realizó tanto retratos como paisajes de estilo naturalista.

Autorretrato

Hay un hecho fundamental en la vida y en el arte de Hilma af Klint, la muerte su hermana pequeña, marca el inicio en el espiritismo y la visión de lo oculto, de la que ya era aficionada, comienza a leer textos teosóficos, y se hace miembro de la Sociedad Teosófica, este tipo de intereses serán fundamentales en su obra.

Cuando estudiaba en la Real Academia Sueca de las Artes conoció a Anna Cassel y junto a tres amigas formaron el grupo De Fem ("Las Cinco"). Este grupo empieza a reunirse y a realizar sesiones de espiritismo, en las que utilizaban el arte y los dibujos como medios de expresión.
Hilma registró los resultados de sus sesiones en en una serie de cuadernos.

Hay que destacar de Hilma su especie de doble vida artística, es decir, crea sus obras oficiales, retratos, paisajes de moda en la época con los que llegó a ser una pintora reconocida, y después estaban las que creaba en su intimidad, sus cuadros abstractos.

Creó estas obras sin bocetos sin ideas previas, de forma muy rápida, siguiendo los procedimientos del dibujo automático. Hilma afirmaba que en una de estas sesiones de espiritismo, un ser espiritual le indicó que debía pintarlas como si fuera un medium. Poco a poco, fue introduciendo en sus obras elementos simbólicos relacionados con el ocultismo, de difícil interpretación, que las colocaba en un plano de misterio.

A nivel pictórico, desarrollo un lenguaje abstracto geométrico, muy afín al que estaban practicando en ese mismo momento pintores como Mondrian, Malévich o Kandinsky, con el que según se dice no tubo ningún tipo de contactos.

A continuación podéis ver los videos de la presentación de la exposición de "Hilma af Klint, la Pionera de la Abstración" en los Museos:

Museum Hamburger Bahnhof de Berlín

Lousiana Museum

Para terminar.

Es interesante saber que igual que Hilma af Klint, Mondrían y Kandinski se interesaban profundamente por la teosofía, (movimiento filosófico-religioso-esotérico) es decir que la teosofía era algo que estaba de moda en aquellos años e Hilma era una más, que había incluido en su vida y en sus obras ese movimiento.

Para saber más.

En este vídeo podéis hacer un recorrido, muy bien explicado, de la vida y obra de Hilma por Sara Rubayo, Licenciada en Hª del Arte y en la página: https://sararubayo.es/

Biografía de Hilma af Klint

Exposición de Hilma af Klint en el MODERNA MUSEET de Estocolmo
https://www.modernamuseet.se/stockholm/en/exhibitions/hilma-af-klint-2/about-the-artist/

Exposición de Hilma af Klint en el Museo Guggenheim de Nueva Yorkhttps://www.guggenheim.org/exhibition/hilma-af-klint

Catálogo.

Hilma af Klint, pionera de la abstracción.
Museo Picasso de Málaga

El ARTE en la ESCUELA, su IMPORTANCIA

2021-07-16T12:33:00.002+02:00

Andria Zafirakou

La Fundación Varkey entregó su premio al mejor profesor del mundo "Global Teacher Prize", conocido como el "Nobel de Educación", que recayó en la profesora Andria Zafirakou.

Esta profesora imparte clases de Arte y Textiles en la escuela de secundaria Alperton Community School en el barrio de Brent, en el área metropolitana de Londres, uno de los más étnicamente diversos y pobres del Reino Unido.

El 85% de los alumnos de Alperton no habla inglés en casa, y en total en el centro se escuchan 35 idiomas.

"A través de la Educación Artística, los jóvenes expresan sus preocupaciones, sueños y miedos. La clase funciona como una especie de terapia con la que la niños se enfrentan a su día a día y afrontan las situaciones complicadas que viven fuera del las aulas".

Según Andria Zafirakou, el arte trasciende el lenguaje y por esta razón, no solo les permite desarrollar habilidades, sino que también les ayuda a mejorar la confianza y autoestima que necesitan para cumplir diversos objetivos.

Adria considera que su curso de arte "es poderoso", "Ayuda a los estudiantes a desbloquear todas sus barreras idiomáticas".

Ella nos dice "he conseguido que la clase de Arte sea un espacio de empoderamiento de los estudiantes, que no tienen que demostrar su dominio del inglés, matemáticas u otra asignatura para ser excelentes".

Una de las cosas más importantes en la educación es la imaginación, dedicación y esfuerzo.

Además cuando Zafirakou se percató que sus alumnos vivían en casas abarrotadas de personas y que tenían poco tiempo para hacer sus deberes, decidió cambiar el sistema del colegio. Amplió su jornada y logró que varios profesores dieran clases de apoyo los fines de semana.

Creó un equipo de críquet femenino y otro de boxeo. también organizó un coro musical somalí. E involucró a sus estudiantes en grupos de matemáticas.

Dice Adria, me imaginé que era uno de mis alumnos y se me ocurrió que si aprendiese unos conocimientos rudimentarios de los 35 idiomas que se hablaban en clase, cada mañana podía recibirlos con un saludo en su lengua materna y eso hizo que pudiese acercarme a ellos y a sus particularidades.

Pero quizá uno de los mayores éxitos está en la seguridad escolar.

Andria Zafirakou en compañía de agentes policiales, se sitúan a la salida del instituto, para protegerlos, de grupos del exterior, que se aprovechan de ellos al ser personas muy vulnerables ya que la mayoría eran recién llegados o que no se defendían bien en el idioma o en la nueva organización social.

Para saber más

https://www.youtube.com/watch?v=_GSuoZvdhgo Conferencia de Andria Zafirakou

https://www.artistsinresidence.org.uk/

Historias con Puntos y líneas

2021-06-29T12:59:00.021+02:00

Imagen de Leticia Zarza. Estudio de Arte

Hoy voy a presentaros una actividad diferente para la clase de Educación Plástica, el "Cuenta Historias".

En el Cuenta Historias no se pueden utilizar ni letras, ni palabras, pero sí puntos, líneas, círculos, triángulos...

¿Pero qué es el Cuenta historias, sin utilizar ni letras ni palabras?

Si utilizan puntos por ejemplo, lo que tienen que conseguir es que cuando terminen el cuadro nos cuente algo o nos digan ellos que han querido contar, los puntos pueden ser grandes o pequeños, vacíos, llenos o de distintos colores, según sea el tamaño, la forma o el color de estos, la historia puede ser muy distinta.

Esto mismo pueden realizarlo con las líneas, con triángulos...

Vamos a practicar

Se les reparte a los niños el tamaño de papel que ellos se sientan más seguros y en él realizan su cuadro sobre el Punto, además podemos inventarnos un nombre "el Puntismo".

Ahora van a realizar el Cuentarte con líneas.

¿Y cómo pueden ser esas líneas? como en el cuadro del Punto, de todas las formas que quieran, finas, gruesas, largas, curvas, rectas, onduladas... y además puedes inventar líneas.

E igual que con el punto al finalizar el cuadro podremos interpretarlo nosotros o que nos cuenten lo que han querido decir.

Vamos a soñar formas nuevas

Según los niños vayan encontrándose más seguros podemos "jugar soñando" nuevas formas, como el triángulo o el círculo (Pequeño, grande, uno dentro de otro, uno cortando al otro...) e introducirlas con los puntos y líneas y así seguir soñando.

Tener en cuenta que podemos trabajar en superficies rugosas, lisas, pequeñas o grandes.

No os olvidéis de jugar con el collage (de telas, madera, cuerdas, cartón...), temperas, tizas, colorantes...

Y para que sea más divertido podemos pintar-jugar-soñar en grupo cooperativo, tres o cuatro niños tienen que llegar a un acuerdo de que forma realizar el cuadro, materiales a utilizar... y lo firmarán todos como autores.

NIÑAS y NIÑOS inventando CRONOPIOS

2021-06-11T13:42:00.020+02:00

Imagen de la Revista Tarántula

Un día al llegar a clase de Plástica en el Colexio Andersen, sin avisarles, comencé a leerles el siguiente texto de Julio Cortázar de su obra "Historias de cronopios y famas".

Un cronopio pequeñito buscaba la llave de la puerta de

calle en la mesa de la luz, la mesa de la luz en el dormitorio, el

dormitorio en la casa, la casa en la calle. Aquí se detenía el

cronopio, pues para salir a la calle precisaba la llave de la

puerta.

Lo escucharon, pero al terminar, no daban crédito de lo que habían oído.

Me miraron, se miraban.

Un momento.

Como ahora ya habéis oído el texto voy a leéroslo otra vez, para esto vais a cerrar los ojos y solo escucháis, imagináis y soñáis.

Al terminar la lectura, vuelven a mirarme, no entienden nada, de que va aquella historia y por qué se la leo.

Carmen y Daniel me preguntan

¡Cronopio!, pero ¿qué es un cronopio?

¿Qué es para vosotros?

Y a partir de esa pregunta abrimos un coloquio en la clase, al final del mismo cada niño podía imaginar su Cronopio. Ya podían ver qué forma podría tener ese "ser" pequeñito que buscaba la llave de la puerta...

A tener en cuenta

Algo muy importante que hay que transmitir a los niños es que ellos van a ser los dibujantes, artistas, escritores y que el resultado nunca estará mal, será su dibujo, su escultura y su historia.

Sé que este es un objetivo difícil debido a las comparaciones que harán entre ellos.

NOTA: No he puesto ningún dibujo, figura, imagen... para que cada uno deje volar su imaginación sin ninguna influencia externa.

Puesta en práctica

1ª fase

Después de escuchar la lectura y participar en el coloquio, cada uno realiza un dibujo lo más detallado posible de su cronopio.

2ª fase

Cuando ya tenemos el dibujo terminado, vamos al aula de plástica y, a partir del diseño, realizamos un Cronopio en volumen, el tamaño, forma y color que queramos.

3ª fase

Cuando ya tengamos nuestro Cronopio terminado, (digo nuestro porque todos posiblemente serán distintos), vamos a crear, una historia imposible, surrealista, que no tenga pies ni cabeza, pero que sea la historia de nuestro cronopio.

Para saber más

Este libro "Historias de cronopios y famas" es distinto, diferente, particular, puede abrirnos a un mundo de ideas inesperadas, es una obra que nos invita a jugar con el lenguaje, con las palabras a perderles el respeto o mejor el miedo para hacerlo tuyo y así empezar a crear, por el placer de crear.

Así contestó Julio Cortázar cuando le preguntaron ¿qué es un cronopio?

Imagen del Instituto Cronopios

Los NIÑOS pintan como MIGUEL ÁNGEL

2021-06-01T12:00:00.002+02:00

Pintando como Miguel Ángel Buonarroti

A partir de un viaje a Roma de Sara, una alumna de 3º de primaria, del Colexio Andersen de Vigo y después de contarnos su experiencia, como de una película se tratase, los niños le hicieron muchísimas preguntas, que ella contestaba con mucho interés, pero, Sara tenía una pregunta que no encontraba respuesta:

¿Cómo pudieron pintar los techos tan altos de la Capilla Sixtina?.

Esta pregunta me dio pie para contarles; quien había sido el artista que pintó el techo de la capilla, quien le encargó pintarlo, que era la Capilla Sixtina y además realizar una actividad práctica.

Primero comencé con la vida historiada de Miguel Ángel Buonarroti (Michelangelo Buonarroti) que nació en un pueblo de Italia, Caprese en 1475, que cuando era un niño, su padre le hizo estudiar gramática en Florencia, pero él quería ser artista y al final de muchas discusiones con su padre, a los doce años, consiguió que su familia formalizara un contrato de tres años en el taller de pintura de los Ghirlandaio.

Después estuvo como aprendiz en el taller del escultor Bertoldo di Giovanni y así siguió formándose como escultor, pintor y arquitecto, toda su vida la empleó en su formación.

A continuación les pongo este pequeño vídeo de la vida de Miguel Ángel

Pero cómo pintó la Capilla Sixtina

El papa Julio II creía que Miguel Ángel era capaz de hacer cualquier trabajo y le mandó pintar el techo, la bóveda de la capilla.

"Pero yo no soy pintor", Michelangelo protestó, "soy escultor. Con pincel he hecho muy poco y !quiere Vd. que pinte mil metros cuadrados sobre un techo curvo¡"

Miguel Ángel y el papa Julio II

"Harás un magnífico trabajo", le dijo Julio II, que era un hombre muy duro, más parecido a un comandante militar que a un papa, y no quería oír protestas.

Miguel Ángel se fue a casa con gran preocupación y después de mucho pensar, se dijo "Aunque nunca he pintado al fresco, tendré que aprender la técnica".

Vídeo de la técnica de la pintura al fresco

La pintura al fresco requiere un gran esfuerzo físico. Todos los días, el artista tiene que preparar su mezcla de yeso y arena y aplicarla en la pared con la llana y paleta, y luego darse prisa para pintar.

Debe acabar la pintura antes de que se seque la mezcla. Y pintar un techo es doblemente difícil, porque todo se hace encima de la cabeza, además a veinte metros de altura, sobre las tablas de los andamios y mirando siempre hacia arriba.

En una carta a un amigo, dibujó una pequeña caricatura de sí mismo mientras pintaba. Tiene la cabeza echada hacia atrás y eso le producía fuertes dolores.

Por eso tuvo que elegir otra posición, más cómoda y más sana, el estar acostado en el andamio y pintar sin doblar el cuello, aunque tenía otros problemas, le podían caer gotas de pintura en la cara o en los ojos.

Cuando Michelangelo llevaba trabajando dos años, desde 1508 a 1510, el papa Julio II le ordenó que quitase los andamios para abrir al público la capilla y así admirar su obra.

"No puedo", dijo Miguel Ángel. "Todavía no he terminado".

El papa le dijo "o quitas los andamios o te arrojamos de aquí". No era broma. Y Miguel Ángel tuvo que obedecer.

La capilla se llenó de gente y corrió la voz que las pinturas eran la cosa más asombrosa jamás vista.

Miguel Ángel volvió a montar el andamiaje en enero de 1511. Y en un esfuerzo titánico logró terminar la otra mitad de la bóveda el 14 de agosto para que el papa Julio II celebrara la primera misa en la capilla que mandó construir su tío Sixto IV.

(El papa Julio II era sobrino de Sixto IV, que anteriormente había sido papa, y además fue el que ordenó la destrucción de la Capilla Magna del siglo XIII, para construir en su lugar la Capilla, que se le llama Sixtina en recuerdo a Sixto IV.)

Todavía quedaban por pintar, las pechinas y los lunetos , Miguel Ángel no los terminó hasta octubre de 1512. En total la bóveda fue obra de cuatro años y medio.

El trabajo práctico

Después de contarles la historia y que viesen el pequeño vídeo de Miguel Ángel, les entregué una hoja A4 o A3 según como ellos quieran y una cuartilla de papel reutilizado.

Lo primero que tenían que hacer es sujetar una de las dos hojas, debajo de la mesa.
Después diseñar un boceto en la cuartilla, se ponen a pintar en la hoja que colocaron debajo de la mesa.
Y aquí empezaron una serie de quejas, algunos niños decían: "esto es difícil", "me duele e cuello", " me duele el brazo",... después de buscar la mejor posición para pintar y no cansarse,

descubrieron que echados debajo de la mesa, era la forma más cómoda, no dolía el cuello y era más fácil de pintar.

Ahora tenían conseguir que la pintura no gotease y así no manchase la cara y los ojos, algo que les preocupaba muchísimo, enseguida vieron que si tenían cuidado al coger pintura con el pincel, no goteaba.

Y por último tenían que quitar su cuadro de debajo de la mesa y colocarlo en un lugar de la clase o del pasillo donde todos lo pudiesen ver.

Fue una experiencia que les interesó y en la que se divirtieron muchísimo ya que estaban utilizando una posición inusual en su vida y eso rompe esquemas.

Esta experiencia les sirvió para imaginarse lo que le pudo costar a Miguel Ángel pintar esa enorme superficie en el techo de la capilla.

Para ampliar

Miguel Ángel, una Super Estrella, documental del canal Historia

El tormento y el éxtasis

Sinopsis

Cuando el papa Julio II le encarga que pinte el techo de la Capilla Sixtina y comienzas una serie de discusiones uno no quería y el papa le obligó a pintar. muy interesante.

Drama histórico basado en un libro de Irving Stone.

La agonía y el éxtasis. Irving Stone Editorial Salamandra

Biografía novelada de Miguel Ángel Buonarotti. La narración nos conduce hasta la Italia del Renacimiento, época en el que arte florecía bajo el mecenazgo de poderosas familias de príncipes y papas.

La Capilla Sixtina Vittorio Giudici Edicioni Musei Vaticani

Libro para niños, cuenta la historia de su construcción y de su decoración. Muy ilustrado

Una forma diferente, dibujando la vida de Miguel Ángel

La genialidad lingüística de los bebes

2020-10-06T11:30:00.005+02:00

Patricia Kuhl es profesora de Lenguaje y Ciencias de la Audición y co-directora del Institute for Brain and Learning Sciences en la universidad de Washington. Está especializada en la adquisición del lenguaje y las bases neuronales, además ha realizado investigaciones sobre el desarrollo del lenguaje, el autismo y sistemas del reconocimiento de la voz.

Según Kuhl "El cerebro de los bebés ensaya la mecánica del habla meses antes de su primera palabra"

Los resultados revelan que los niños pueden distinguir los sonidos de todas las lenguas hasta aproximadamente los ocho meses.

El estudio ha sido realizado en niños de 7 a 11 meses de edad y muestra cómo el cerebro estimula las áreas que coordinan y planifican los movimientos motores para el habla.

"La mayoría de bebés balbucean a los 7 meses, pero no pronuncian sus primeras palabras hasta pasado su primer año. Aun así, sus cerebros comienzan a establecer las bases sobre cómo formar palabras mucho antes de hablar", subraya Patricia Kuhl.

Además, el nuevo estudio sugiere que esta planificación motora contribuye a hacer que los niños se vuelvan más sensibles a su lengua materna. El experimento consistió en someter a cincuenta y siete bebés a un escáner que mide la actividad del cerebro, a través de una técnica no invasiva llamada magnetoencefalografía (MEG).

Además todos fueron expuestos a una serie de sonidos que consistían en sílabas propias de su lengua nativa (el inglés) y una lengua extranjera (el español) tales como "da" y "ta", mientras los científicos registraban sus respuestas cerebrales.

Los investigadores observaron que la actividad cerebral se centraba en un área auditiva del cerebro llamada giro temporal superior, así como el área de Broca y el cerebelo, donde se encuentran las regiones corticales responsables de la planificación de los movimientos motores necesarios para el habla.

Los resultados del escáner mostraron que el patrón de actividad producido por los sonidos de la lengua materna era similar al originado por la lengua extranjera en los niños de siete meses de edad, lo que demuestra que están respondiendo a todos los sonidos del habla.

En cambio, en los niños de 11 a 12 meses aumentaba la actividad de escuchar el lenguaje foráneo respecto al habla nativa. Este hecho sugiere que los lactantes de más edad realizan un esfuerzo mayor para predecir que movimientos están relacionados con los sonidos del lenguaje materno.

Entrevista a Patricia Kuhl

Conferencia de Patricia Kuhl: La genialidad lingüística de los bebes

http://www.codespanish.com/patricia-kuhl-the-linguistic-genius-of-babies/langswitch_lang/es/ (Texto transcrito del vídeo)

¿Cual es el mejor momento para aprender un idioma?

Cuando antes mejor. Los investigadores Patricia Kuhl y Andrew Meltzoff lo tienen claro. El cerebro de un niño de cero a siete años, "se adapta fácilmente a cualquier innovación". "A esa edad puede notar sin problema, si su abuela habla un tercer idioma o adquirirlo de forma natural", explica Melfzoff:

"Si vas de viaje con tus hijos a otro país, es fácil que ellos vuelvan sabiendo varias palabras relacionadas con el fútbol después de haber jugado un partido con otros niños, mientras que tu no pillaste nada" añade.

Entre los ocho y dieciocho años de edad, según estos expertos, el aprendizaje se vuelve "más académico y lento".A partir de entonces, el reto se complica.

"Si está leyendo esto, y es adulto ya es demasiado tarde para usted", ironiza Andrew Meltzoff.

"Nunca es tarde para aprender otra lengua" , considera, por contra, la profesora Viorica Marian, de la Universidad de Northwestern. Creció hablando rumano y ruso, su tercera lengua es el inglés y tiene nociones básicas de español, francés y holandés. Esta investigadora admite las ventajas de adquirir una segunda lengua de niño, como "la posibilidad de sonar como un hablante nativo sin acento extranjero", pero defiende que el dominio de otro idioma "puede llegar a cualquier edad".

"El cerebro de una persona que habla dos lenguas es mucho más flexible, enfrenta situaciones más complejas por lo que busca mejor las soluciones y acaba resultando mucho más ágil" explica Patricia Kuhl.

Andrew Meltzoff y Patricia Kuhl han presentado sus conclusiones en un Congreso celebrado en Estados Unidos: " tranquilizar a la sociedad frente al temor, bastante extendido que un alumno que crece entre dos idiomas, perjudica la lengua materna y el aprendizaje de otras materias"

La mejor gimnasia para el cerebro es el bilingüismo

Las personas que hablan más idiomas ejercitan más la mente y aprenden de forma natural a desechar distracciones.

El cerebro de una persona bilingüe funciona como un semáforo. Cuando tiene que elegir una palabra, da luz verde al idioma que está usando y frena con una luz roja el término del que no necesita. Este proceso natural de selección, que hace centenares veces al día, es como una gimnasia involuntaria que mejora tu capacidad cerebral.

Aquí se muestran los resultados de los investigadores del Departamento de Ciencia Cognitiva de la Universidad de California centrado el estudio en personas cuyo idioma dominante es el español pero que utilizan el inglés para otras actividades.

Se puede preciar la diferencia cuando solamente utilizaban el español y cuando hablaban en la segunda lengua, aquí el inglés.

Anímate, aunque seas "mayor", a estudiar una segunda lengua.

Vídeo de Patricia Kuhl sobre el desarrollo del cerebro en los bebés (en español)

Para ampliar

Entrevista (extraída del blog de educación tichig) a Patricia Kuhl

http://blog.tiching.com/patricia-kuhl/?utm_content=CMPPatriciaKuhl&utm_medium=referral&utm_campaign=cm&utm_source=facebook.com&fbclid=IwAR2xUqFDPJfE6rk5mqUrVd8o0WwcKlGQrLZGgtI1nx7TyQoesMrcP48tB6o

Recuerdos, CREANDO MÁQUINAS

2020-09-14T13:50:00.005+02:00

Si miramos hacia atrás en el tiempo y nos vamos a los años 80 del siglo pasado en la segunda Etapa de EGB, nos encontrábamos con el "Área de Expresión Artística y Pretecnología", que abarcaba, música, dramatización, expresión plástica y pretecnología, es decir un cajón de sastre donde había que hacer malabares para poder llegar a impartir esa macro de área.

Lo que se me ocurrió hacer con la parte que correspondía con "pretecnología", fue introducirla en el área de Ciencias Naturales de 7º y 8º de EGB y experimentar en temas que solo se trataban teóricamente, como las energías.

Lo más interesante de pretegnología era que se podía trabajar manualmente y en grupo, de esta forma intercambiaban ideas, materiales, herramientas..., discutían la mejor solución de cada problema...

Otra cuestión muy interesante de esta área era que el maestro no decía (o no debía decir) lo que tenían que construir, sino eran los niños quienes tenían que idear lo que querían realizar y demostrar, a partir de un objetivo.

El grupo tenía que realizar una máquina, que podía variar según el objetivo que se les planteaba, esta vez tenían que utilizar alguna energía, el grupo podía elegir la que le pareciera mejor o más interesante para demostrarla en su construcción.

Para conseguir todo esto, el grupo tenía que investigar sobre las energías, y como podían utilizarlas en su máquina, para conseguir demostrar lo que habían estudiado, razonado y discutido.

Era un juego constante por aprender, por entender y por exponérselo a los demás.

Máquina Pisacebollas

Aprender jugando

El objetivo es conseguir que el niño sea protagonista, partícipe de su aprendizaje.
El juego es imprescindible a la hora de adquirir conocimientos de una forma más intuitiva, pero interiorizando lo aprendido y eso hace que recuerde lo experimentado habiéndolo entendido.

Además con él desarrollan la creatividad, dan rienda suelta a su curiosidad, aprenden a relacionarse, a respetar las normas del grupo, a organizarse, a tomar decisiones y además algo muy importante, aprenden a confiar en sí mismos.

Importante

El único "problema" que suele surgir es que el aprendizaje es más lento, y sí, es una Educación Lenta pero los niños interiorizan mejor cualquier cuestión que traten a su ritmo.

El aprendizaje tiene que ser tranquilo, relajado para que sea efectivo.

SÍ, sabes DIBUJAR

2020-07-31T14:00:00.006+02:00

Este artículo está realizado a partir del libro-curso "Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro" de Betty Edwards, que llegó a mis manos, lo leí y realicé las actividades que iba sugiriendo y sí, me demostró que sabía dibujar, pero no me lo creía.

A partir de ahí le vi posibilidades a la hora de utilizarlo en las clases de educación plástica del Colexio Andersen y así ser capaz de romper el mito de no se dibujar, de muchos personas.

¿Sabes dibujar?

La mayoría de las personas, te contestaran que no, te dicen que es un don que se nace con el o bien que a su familia a nadie se le da bien,...

A mí lo que más me preocupa, es que si esta misma pregunta se la hacemos a un grupo de adolescentes entre doce a catorce años, la mayoría te contestará, lo mismo, no se dibujar.

Tarde o temprano alguien les habrá comentado algo acerca de lo mal que dibujan o les habrán comparado con familiares, vecinos o se han comparado con sus compañeros,...

Aquí empieza esa negación "no se dibujar".

Yo entonces me pregunté como podría explicarles y convencerlos, de que SÍ, todos podemos dibujar también como el mejor.

Llegué a la conclusión de que, lo primero es que yo, tenía que estar totalmente convencido, de que sí, ellos podían dibujar también como el mejor, pero para eso tenía que ser capaz de motivarlos.

¿Como motivarlos?

Les di una pequeña información del funcionamiento del cerebro.

El cerebro ejerce el papel de director del organismo y está dividido en dos hemisferios cerebrales, el derecho y el izquierdo.

Cada uno de los hemisferios controla y ejecuta funciones diferentes o aspectos diferentes de una misma función.
En términos generales, parece que en la mayor parte de las personas el hemisferio izquierdo controla la habilidad lingüística, numérica y de pensamiento analítico, mientras que el hemisferio derecho controla las habilidades espaciales complejas, como la percepción y aspectos de ejecución artística y musical.

A continuación les hago una pregunta, ¿queréis aprender a dibujar?, siempre contestan, que sí queremos dibujar.

Entonces tenéis que poner todo vuestro esfuerzo y concentración en conseguirlo.

Puesta en práctica

Empezamos por el más simple, pero más importante para que se convenzan que sí pueden dibujar.
Les pongo música ambiente, para que se concentren.

Fragmento de un cuadro

Les entrego una fotocopia con dos rectángulos, uno de ellos tiene un fragmento de un cuadro, pintado a lápiz o a tinta y en el se puede intuir lo que es.
Pero lo importante es que no se esfuercen en querer saber lo que es y dibujen las líneas, y nada más que las líneas, donde empiezan, donde terminan, si son gruesas, finas,...

En este momento, cuando estamos concentrados en esas líneas, sin importarte el significado. Estamos dibujando con la parte derecha del cerebro.

Si empezamos a querer identificar partes de ese dibujo, ya estamos empezando a trabajar con el lado izquierdo del cerebro y nuestro dibujo no nos saldrá como queremos, porque nos están influyendo todo lo que hemos oído de como dibujamos,...

Tenemos que conseguir concentrarnos en dibujar las líneas, solamente las líneas, no estar pendiente de lo que ocurre a tu alrededor y de esta forma podrás llegar a perder la noción del tiempo.

Cuando terminaron y vieron sus dibujos expuestos al lado del fragmento del cuadro original, les parecía mentira que ellos hubieran realizado aquel dibujo..

A continuación de este trabajo, se realizan otros:

Dibujo de simetría
Les entrego un dibujo como este, es decir que solo tiene una parte y tienen que realizar el que falta simétricamente.

Dibujar tu mano sin mirar al papel
El papel tienen que sujetarlo a la mesa para que no se les mueva y en ningún momento pueden ver lo que están dibujando.
Lo principal para este ejercicio es la concentración por eso les cuesta mucho, pero si lo repiten dos o tres veces pueden ver como mejoran.

Dibujo invertido
Les entrego un dibujo, como el que aparece a continuación o parecido, es decir sin color y que se vean bien las líneas y tienen que reproducirlo fijándose solo en las líneas, sin querer identificar nada. Como el primer dibujo.

Los niños se quedan admirados de ver que pueden realizar aquel dibujo que ellos pensaban que no podrían.

Dibujo invertido

Experiencia que ocurrió en 1º E.S.O.

Al empezar el curso llegó un niño nuevo, muy buen dibujante, toda la clase estaba alucinada de lo bien que lo hacía, traía cuadernos con dibujos y los enseñaba a la clase.

Uno de esos días les planteé a la clase una pregunta, ¿queréis dibujar como Juan?, me contestaron que sí.
Si queréis yo os enseño a dibujar en seis sesiones, pero tenéis que trabajar en serio.

A finalizar de las seis semanas, todos los alumnos dibujaban casi como Juan. Solo les faltaba entrenamiento diario, para llegar a su nivel.

Estos dibujos han sido obtenidos de internet:

Bibliografía.

Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro. Betty Edwards Editorial URANO

NOTA: Con los niños solo utilizar la primera parte del libro, que ellos vean que pueden dibujar, después si ellos quieren cada vez dibujar mejor, tienen que entrenar, igual que se entrena a un deporte.

Para ampliar

Vídeo, Cinco ejercicios para ver de una forma práctica el método de Betty Edwards

Página web de la autora Betty Edwards

http://www.drawright.com/

Vamos a JUGAR con las MENINAS de Velázquez

2020-07-16T13:30:00.020+02:00

"Las meninas renacen de noche" Yasumasa Morimura

En 1666 este cuadro, uno de los más enigmáticos de la historia del arte, se titulaba "Su alteza la Emperatriz con sus damas y un enano", más adelante en 1734 pasa a llamarse "La familia de Felipe IV" y en 1843 recibió el nombre de "Las meninas" cuando Pedro Madrazo, pintor y crítico de arte la incluyó en el catálogo del Museo del Prado.

El nombre del cuadro que recibió de Pedro Madrazo, viene por las dos damas que acompañan a la infanta "las meninas" utilizando el término portugués con el que se refería a las hijas de nobles que estaban al servicio de las infantas, como doncellas de honor que se criaban y educaban con ellas y recibían ese nombre hasta que alcanzaban la mayoría de edad, momento en el que pasaban a ser damas de honor.

Esta es una obra inquietante y misteriosa donde los personajes nos están observando como si nos quisieran invitar a entrar en el interior del cuadro.

Cuando a los niños les enseñas este cuadro, casi todos conocen su nombre, a partir de ese momento para meterlos dentro de él, les pregunto:
¿Quiénes son las meninas?, la mayoría niños señalan a la infanta y al enano.

Entonces se me ocurrió contarles,"leyendas que pudieran ser reales y sucesos verdaderos que parecen inventados", para esto consulté este libro:

Siete historias para la infanta Margarita de Miguel Fernández-Pacheco.
"En el taller de Velázquez, donde está a punto de recibir a la familia real para ultimar el retrato, en busca de entretener a la pequeña infanta y para que don Diego pueda terminar el cuadro, se le cuentan siete historias, relatadas por los distintos personajes..."

No le leo las historias a los niños, sino que antes las hago mías y a continuación se las cuento lo más motivadoras posibles, y de esa forma conseguir lo que persigo, que les interese conocer más.

Pero cada uno puede elegir cualquier otro libro o inventarse alguna historia para que los niños puedan entrar en el cuadro.

Y de esta forma conozcan los personajes, a la infanta, al pintor, a las meninas, que moda seguían, como era la vida fuera de la corte, que música oían en la corte, que escritores había mientras Velázquez pintaba.

Vamos a empezar, ¿qué música oían en la corte?

Música en tiempos de Velázquez

¿Y la moda, cómo era?
Una pregunta que siempre me hacían los niños, ¿como eran las faldas tan anchas? ¿las llevaba todo el mundo?, era algo que no entendían.

Estos vestidos que llevaba la princesa Margarita y las meninas y que también podían llevar las clases nobles estaban formados por un cuerpo o jubón y una falda la basquiña.

La particularidad de este vestido viene determinada por dos elementos ocultos pero imprescindible para formar la silueta femenina en este momento histórico.

Por un lado la cotilla o corsé prenda armada con ballenas

Cotilla o corsé

Barroco Guardainfantes

Y por otro el barroco guardainfante, se denominaba así porque permitía ocultar los posibles embarazos, era un armazón interior, hecho con tablillas de madera y cintas para ahuecar las faldas.

Los campesinos que era el grupo social más numeroso y más pobre usaba trajes sin armadura y sin adornos, como los que vemos en estos dos bodegones de Velázquez, que pintó en su juventud en Sevilla cuando estaba en el taller de Pacheco.

Vieja friendo huevos

El aguador de Sevilla

Pero cómo era la vida pública en esa época

A la muerte de Felipe II, el gobierno queda en manos de su hijo Felipe III, pero este dejó el gobierno en manos de su valido el Duque de Lerma y este por una serie de circunstancias en manos de uno de sus hijos.

Tras veintidós años de reinado Felipe III murió a la edad de 43 años, le sucedió su hijo Felipe IV más refinado que su padre, además de casarse dos veces, acumuló infinidad de infidelidades, por lo que este también delegó el poder en manos de un valido don Gaspar de Guzmán "Conde Duque de Olivares" el personaje más poderoso de España al comienzo del reinado.

En este tiempo hubo una serie de epidemias que tuvieron efectos catastróficos en la población española. Además empezaron a existir unas diferencias sociales extremas por la crisis económica, llegando a plantearse la creación de casa de pobres y nacionalizándose la asistencia social.

Esto dio una inestabilidad y una progresiva violencia en las ciudades. los campesinos fueron las grandes víctimas de esta crisis.

La situación era dramática, España estaba tocando fondo a mediados del siglo XVII, un imperio tan extenso era imposible de mantener. El imperio español se tambaleaba

Felipe III de España y Felipe IV. El Rey Planeta: Esplendor del Siglo de Oro Español

Y qué Escritores estaban creando Literatura

Es un tiempo de extraordinaria creación literaria, podemos empezar por el dramaturgo Luis de Góngora, Tirso de Molina, Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca, la narrativa de Miguel de Cervantes, seguido por la prosa de Francisco de Quevedo, Mateo Alemán, Alonso de Ercilla, Baltasar Gracian.

¿Pero quienes son los personajes del cuadro?

Infanta Margarita

Hija de Felipe IV y de su segunda esposa Mariana de Austria, nació en Madrid 12 de julio de 1651 y cuando Velázquez la pintó tenía unos cinco años, una niña un poco solitaria ya que su hermanastra María Teresa era trece años mayor y no podía hacerle compañía en los juegos.
A los nueve años fue prometida a su tío, el emperador Leopoldo I de Habsburgo, hermano de su madre, a los quince años contrae matrimonio (Como pieza política y madre de un heredero). Falleció a los 21 años a consecuencia de las secuelas del difícil parto de la cuarta hija.

María Agustina Sarmiento de Sotomayor

Menina o dama de honor de la infanta, hija de Diego de Sarmiento, III Conde de Salvatierra y heredera del Ducado de Abrantes, por vía materna, Catalina de Alencastre.

La infanta a pedido un poco de agua para beber y María Agustina le ofrece sobre una salvilla de plata (bandeja con pie) un búcaro rojo (pequeña vasija de arcilla, porosa y perfumada) que servía para refrescar el agua y a continuación dándole pequeños mordiscos se iría comiendo el recipiente.

"Niña de Color quebrado,
o tienes amor o comes barro".
Luis de Góngora: Letrillas

Isabel de Velasco

A otra menina, Isabel esta al otro lado de la princesa, también en actitud de reverencia.

Esta era hija de Don Bernardino de Velasco Ayala y Rojas, VIII conde de Fuensalida y gentilhombre de cámara de su Majestad. Su madre había sido dama de honor de la primera mujer de Felipe IV, Isabel de Borbón.

Mari Bárbola y Nicolás Pertusato

La bufona Mari Bárbola (María Bárbara Asquín), "padecía la enfermedad de la condroplasia", de origen alemán, a la muerte de su señora la condesa Villerval Walther, pasó a formar parte del servicio del palacio con paga, raciones y cuatro libras de nieve durante el verano.

Nicolás bufón de familia noble del Ducado de Milán, pasa a formar parte como ayuda de Cámara y bufón. En 1660 finaliza su trabajo de bufón y es llamado Don Nicolás o Nicolasito, por esas fechas el rey le agrega la merced de enfermería y una ración como criado de la Cámara.

La labor de los bufones era dar prestigio a la corte y entretener a los cortesanos, figurar, ser vistos, acompañar a los poderosos, en definitiva dar un toque exótico a la vida de palacio.
Eran los "raros" personas que físicamente se diferenciaban de los demás, los "normales" que precisamente se burlaban de ellos por su aspecto y eso "parecía entretenerlos".

Marcela de Ulloa y Diego Ruiz de Azcona

Marcela era guardadamas de la reina encargada de cuidar y vigilar a todas las doncellas que rodeaban a la infanta Margarita. Además de ser camarera mayor y responsable de la infanta.

Va adornada con tocas de viuda, ya que su marido, Don Diego de Portocarrero había fallecido.

Diego era simplemente guardadamas, su función era conducir hasta la reina a aquellos que tenían audiencia con ella.
Posiblemente además también era uno de los albacea del testamento de Velázquez.

José Nieto Velázquez

Ocupó diferentes cargos, jefe de tapicería de la reina y guardadamas,
llegando a ser Jefe de la fábrica de tapices y aposentador de la reina, es decir la persona responsable de la separación y selección de los aposentos para los miembros de la realeza, así como Diego Velázquez fue del rey.

Vemos a José Nieto con la rodilla doblada, detrás una puerta abierta, como sujetando un cortinón, tras el cual entra luz del exterior.
Por su postura no se puede determinar si entra o sale de la sala, aunque puede suponerse que acaba de abrir la puerta que permitirá a los reyes atravesar la sala en la que acaban de entrar.

Por su nombre se ha pensado que tuviera alguna relación de parentesco con el pintor, pero no hay nada que pueda demostrarlo.

La reina Mariana de Austria y Felipe IV

Mariana era sobrina de Felipe, su marido y estos, padres de la infanta Margarita.
Además Felipe IV, que era adicto al sexo, por lo que tuvo alrededor de 40 hijos y toda clase de mujeres; casadas, viudas, doncellas, actrices , monjas, pobres, ricas...y un solo heredero, Carlos II.

Los reyes aparecen reflejados en el espejo que está situado detrás del pintor.

Hay dos teorías, la primera que los estaba pintando Velázquez y se les veía reflejados en el espejo.
La segunda es que los reyes llegaban a la sala a ver como iba todo y se les veía reflejados en el espejo.

Salomón

Es un mastín leonés, que está reposando al sol y no se altera ni cuando
Nicolás Pertusato le toca con el pie.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

Era un pintor del barroco nacido en Sevilla, es la Ciudad de la Cultura, con sus 150.000 habitantes y con innumerables artistas, arquitectos, escultores, pintores y con grandes mecenas, es allí donde se desarrolla como artista, Francisco Pacheco será su maestro además de su suegro ya que casó con su hija Juana.
En 1622 a los 23 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV.

Y gracias a la maestría de su pintura paso de unos orígenes modestos hidalgos a ocupar puestos importantes de la institución palaciega.
Hasta conseguir por mediación del rey, entrar en la Orden de Santiago, por eso tiene la cruz de Santiago pintada en el pecho. Hay una bonita leyenda que dice que el propio Felipe IV pintó la cruz, después de terminado el cuadro.

Velázquez, pintor de los pintores

Teología de la pintura, llamo Luca Giordano,(pintor de Carlos II), a las meninas

"por reunir de un solo golpe todas las virtudes posibles del arte"

¿Cómo se desarrolla la acción en el cuadro? (Esto es una hipótesis ya que Velázquez no dejó nada escrito)

La infanta ha venido a ver trabajar al artista y, en algún momento, ha pedido agua que le ofrece la dama arrodillada de la izquierda. En el momento que ésta se acerca a la princesa una pequeña jarra, el rey y la reina entran en la habitación, reflejándose en el espejo de la pared del fondo.

Una a una, aunque no simultáneamente, las personas reunidas comienzan a reaccionar ante la presencia real. La dama de honor de la derecha, que ha sido la primera en verlos, comienza a hacer la reverencia.

Velázquez ha notado también su aparición y detiene su trabajo como un gesto como si fuera a dejar la paleta y el pincel. Mari Bárbola también acaba de percatarse de la presencia de los reyes pero todavía no ha tenido tiempo de reaccionar.
La princesa, que ha estado viendo como Nicolasito jugaba con el perro, mira de repente hacia la izquierda, en dirección a sus padres, aunque su cabeza aún está vuelta en dirección al enano. esta es la razón del extraño efecto entre la posición de la cabeza y la dirección de la mirada.

Finalmente, Isabel de Velasco, ocupada en servir agua a la princesa, no se ha dado cuenta de la presencia de los monarcas. Lo mismo le ocurre con la guardadamas Marcela en conversación con y Diego, el cual, por su parte, sí acaba de darse cuenta.

También podemos ver que la actitud del aposentador de la reina nos confirma la presencia real, pues, según la etiqueta de la corte, José Nieto está con el sombrero en la mano izquierda, de pie frente a la puerta que acaba de abrir y por la que, enseguida, van a pasar el rey y la reina.

Otra teoría de como "ver" el cuadro

De las innumerables teorías, otra de ellas es en la que Velázquez se pinta a él es decir se retrata a él, soy un pintor que me voy a poner como referente en mi propia pintura, algo muy osado en un artesano, compartiendo espacio con los reyes, es como decir "yo he llegado a donde tenía que llegar".

Las meninas

Otros ojos para entender "Las meninas"

Aquí podemos ver el cuadro en 360 º

Velázquez pintó dos meninas

A simple vista, los cuadros parecen iguales, pero observados con detenimiento sí pueden establecerse algunas diferencias.

1.- El tamaño. Las meninas de Dorset, fueron realizadas a menor escala que las expuestas en el Prado. El cuadro erróneamente atribuido a Juan Bautista Martínez del Mazo, yerno de Velázquez presenta unas medidas de 1,42 m por 1,22m, mientras que el expuesto en Madrid son de 3,18 m de largo por 2,76 m de ancho.

Las meninas de Dorset Las meninas del Prado

2.- El espejo. En el cuadro de Dorset no se ve la imagen del rey Felipe IV y su esposa por su menor tamaño.

3.- El espíritu. Según afirma el consejero técnico del Museo del Prado Matias Díaz Padrón, el cuadro que se aloja en el Museo del Prado resulta más monumental e imponente, pero la reducción de de Las Meninas de Dorset, se enriquece de un planteamiento mucho más fresco y espontáneo, precisamente porque se trata de una cuestión personal y porque no fue concebido con el ánimo de entregárselo a la Corona Española, fue realizado como "modeletto" para la realización del gran cuadro.

Variaciones de las meninas, según distintos artistas

Las meninas de Velázquez ha sido un cuadro emblemático en la historia del arte internacional, ha inspirado a pintores de su época en forma del retrato real y ha inspirado a pintores contemporáneos y modernos. Entre los más representativos tenemos a Goya, Picasso y Dalí.

En el siguiente enlace INTERESANTÍSIMO, en él podemos ver las distintas variaciones de Las meninas, realizadas por distintos artistas

"Variaciones sobre las Meninas de Velázquez"

http://es.slideshare.net/pimares/variaciones-meninas-de-velzquez

Nosotros en la clase de plástica, elegimos para trabajar la versión que el Equipo Crónica, realizó del cuadro, que ellos titularon La Salita, pop art de los años 70, en la que los personajes principales respetan su posición, pero desaparece el espejo con los monarcas, José Nieto el aposentador y los guardadamas, estos, son sustituidos por los artistas, Rafael Solbes y Manolo Valdés.

La Salita Equipo Crónica 1970

¿Cómo pueden jugar los niños con el cuadro?

Los niños, después de conocer el auténtico cuadro de Velázquez, ven este cuadro del Equipo Crónica y se les abre una cantidad infinitas de posibilidades para jugar con él.
Lo que yo busco es que, jugando, conozcan más el cuadro, los personajes y todo lo que esta a su alrededor.

Los niños inventan un escenario, un fondo en un papel tamaño A3 o A4 según el gusto del "artista".

Cada uno de ellos tiene una fotocopia con el cuadro, pueden bien recortar los personajes que les interese y decorarlos o bien reproducirlos respetando la forma del original.

Cuando tienen los personajes que han elegido, recortados o dibujados, los introducen en su cuadro colocando a los personajes como quieran, eso dará como resultado, un nuevo cuadro, totalmente diferente al original, pero con algún personajes de las Meninas.

Si quieren pueden introducir además algún personaje nuevo, del mundo del cómic, del cine, o inventado.

Otra idea del Equipo Crónica

De esta forma sin darse cuenta, trabajan con el cuadro, los personajes y todo lo que le rodea y se identifican con él.

En el futuro cuando vean un cuadro querrán desmenuzarlo, entrar en él, entenderlo.

Para saber más

Teatro

Las meninas de Antonio Buero Vallejo (1974)
http://www.rtve.es/alacarta/videos/teatro-en-el-archivo-de-rtve/noche-teatro-meninas-1974/2990691/

Audioguía infantil del Museo del Prado

Las meninas en pictogramas del Museo del Prado
https://www.museodelprado.es/recurso/las-meninas-en-pictogramas/c561e5aa-e78b-965f-2230-ae880052456c

Museo del Prado en instagram https://www.instagram.com/p/C2juCBJA6n-/

Vídeo con Paloma Málaga, del Centro de Estudios del #MuseodelPrado, acercándonos al cuadro de las meninas.

Libros infantil-juvenil

Verdadera historia del perro Salomón (Premio Nacional de literatura Infantil y Juvenil 2001)
Ferández-Pacheco, Miguel Angel y Serrano, Javier Ediciones Sm

Es una obra infantil. La historia es la siguiente, varios cortesanos le explican a la infanta Margarita para entretenerla la verdadera historia de Salomón y así lograr que pose tranquila para que Velázquez pueda concluir su cuadro.

Las meninas ¡Mira qué arte! Geis, Patricia Combel editorial

Este libro nos ofrece mil herramientas para entender y experimentar la obra de Velázquez. A través de desplegables, pequeños libros temáticos que describen los personajes y el entorno con sencillez y cercanía, ofreciendo al lector inmensos recursos para situarse en el momento de la creación.

La luz, la perspectiva, el hecho de incluirse el propio pintor en el cuadro, son explicados de forma experimental y práctica.

La princesa y el pintor Johnson, Jane Ediciones Serres

El cuento comienza cuando la princesa y es ayudada a vestirse por sus damas de compañía...

Lo interesante del libro es que genera aprendizaje en los niños, sin que los niños se den cuenta que están aprendiendo.

Libros de historias o novelas historiadas alrededor del Cuadro

Siete Historias para la Infanta Margarita Fernández-Pacheco, Miguel Ediciones Siruela

En esta obra desfilarán ante el lector leyendas, narraciones, sucesos verdaderos o que parecen inventados. intrigas cortesanas hasta tiernas aventuras.

El misterio de Velázquez (Premio Lazarillo 1997) Cansino, Eliacer Editorial Bruño

Esta obra trata de Nicolasito que se traslada a España desde Italia a la corte y nos cuenta todo lo que le fue aconteciendo.
El libro me ha parecido interesante, primero porque nos enseña las costumbren de la época y segundo porque explica la la genial obra de Velázquez.

Las meninas

(Premio Nacional de Cómic 2015) (Premio a la mejor obra española en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2015)
García, Santiago y Olivares, Jaime Astiberri Editorial

Éste cómic es un nuevo intento de contestar a la pregunta que se han hecho generaciones de artistas, historiadores, estudiosos y aficionados: ¿cuál es el secreto de Las meninas?.

"Después de esta inteligente deconstrucción de la figura de Diego Velázquez, ya nunca volveremos a mirar del mismo modo su obra maestra, Las meninas"
(Paco Roca)

El secreto de Maribárbola Álvarez, María Teresa Libros de Bolsillo

¿Qué ocultaba la enana de las Meninas?

Es una novela histórica, que narra la vida de un acaudalada familia de la nobleza en la que se entremezclan el poder, las intrincadas relaciones sociales de la corte de Felipe IV y la pasión incestuosa bajo un manto de misterio en el que aparece Maribárbola, para arrojar luz sobre un hecho inconfesable.

Los espejos paralelos Luján, Néstor Editorial Planeta
(Finalista al Premio Planeta en 1991)

La historia se desarrolla en el interior del Alcázar, en la habitación donde se encontraba el cuadro de Las Meninas, y donde el pintor Benito Manuel de Agüero, queda encerrado accidentalmente hasta el día siguiente.
Durante la noche, los personajes del cuadro, parecen cobrar vida y surge una singular puesta en escena y nos explican los entresijos de la Corte de Madrid en esa época de una manera amena.
A medida que avanza la lectura, nosotros también nos introducimos en el cuadro.

Bartolomé no quiere vivir como un perro Van Kooij, Rachel Editorial Takatuka

Es la primera obra traducida al castellano, Premio al Fomento de la Literatura Infantil y Juvenil de Austria, por toda su obra en 2006.
Bartolomé es un joven de cuerpo pequeño y deforme. Nacido en un pueblecito de Castilla, se traslada con su familia a Madrid, donde su padre trabaja como cochero en la corte de Felipe IV.

Con un lenguaje claro y conciso, Rachel narra de manera fascinante, la historia de un joven discapacitado que busca atención y reconocimiento en la España del siglo XVII.

Música

Música en tiempos de Velázquez CD Moreno, José Miguel

En esta página se pueden escuchar fragmentos
http://www.laquintademahler.com/shop/detalle.aspx?id=120022

Documental

https://selectedfilms.com/el-cuadro/

Trailer: "El Cuadro" es un documental de misterio de las meninas de Velázquez. una película que juega a convertir al espectador en detective y guiarle por el laberinto de pistas que conducen a descifrar sus secretos.

Los TRIÁNGULOS de Okuda San Miguel y Auguste Herbin

2020-06-10T11:30:00.002+02:00

Okuda San Miguel pintando el Colegio público Vital Alsar en Santander

En una de las clase de Plástica de Educación Primaria del Colexio Andersen de Vigo, quise que los niños jugasen con el triángulo, para que experimentando, pudiesen percibir las infinitas posibilidades que tiene esa figura geométrica.

Por ejemplo, en esta figura, todos son triángulos y ninguno es igual

Otro de los objetivos más importantes para mi, era que los niños conociesen a artistas que utilizasen los triángulos en sus obras.

Okuda San Miguel (1980) utiliza los triángulos en sus trabajos además de otras figuras geométricas, todo eso acompañado de a una fuerte policromía.

Okuda San Miguel

Auguste Herbin (1882/1960) también utilizaba los triángulos y además introducía, rectángulos y círculos

Auguste Herbin

¿Y por qué el triángulo?

El triángulo es una figura geométrica que tenemos total libertad para crearla, por lo tanto es muy creativa.
La única premisa, es que la figura tiene que tener tres lados rectos pero puedes construirlos como quieras, largos, cortos, dos largos y uno corto, uno corto y dos largos..., siempre y cuando al final consigan una figura de tres lados unidos entre si.

Trabajo práctico

Tienen dos posibilidades:

a.- Dibujando las figuras geométricas, sobre todo triángulos, directamente en el cuadro, que puede ser tamaño A3 o A4 según lo que elijan y pintándolos o decorándolos a continuación.

b.- Utilizando la técnica del collage.
Para eso lo primero que tendrán que hacer es dibujar triángulos y otras figuras geométricas en menor número, sobre revistas, cartulinas, papeles decorados u otra superficie y a continuación recortarlos. Después buscar la colocación de las figuras en el cuadro como más les guste.

c.- Realizar un mural, en papel continuo o directamente sobre un muro.
Este actividad se realiza en grupo de niños, el número, según el tamaño del mural.

Cuadro realizado con collage

Cuadro dibujado y pintado

Otra idea, de trabajo con triángulos de una escuela italiana, que puedes adaptar, según la edad.

http://arteascuola.com/it/2015/03/la-stella-cromatica/

Mural, niños del colegio Vital Alsar, donde Okuda realizará su diseño

¿Pero quién era Auguste Herbin?

Era un pintor francés, nacido en Quievy en 1882 y muere en París en 1960.

Al principio sus obras están influidas por las corrientes impresionistas y postimpresionistas.

En 1909 se instaló en el Bateau-Lavoir en Montmartre donde conoció a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris,

quienes le mostraron el camino al lenguaje cubista que pronto adoptaría.

A partir de 1927 descubrió una abstracción geométrica rigurosa, su verdadera vía, que será la que explotará hasta su muerte.

Esta última etapa es la que trabajaré con los niños, siempre explicándoles la evolución del pintor hasta llegar a ella.

Para ampliar

En este vídeo se hace un recorrido por la evolución de la obra de Herbin

Este es un libro publicado por el Centre Georges Pompidou, para niños, en francés.

¿Y quién es Okuda San Miguel?

Okuda San Miguel, es un pintor, escultor y diseñador, nacido en Santander en 1980.

Presentación del artista Okuda San Miguel por la La Vanguardia

¿Y cómo supe de su existencia?

Por casualidad, un buen día me encontré en un periódico, que el colegio Vital Alsar de Santander, habían contactado con el artista Okuda San Miguel, para darle vida, color al edificio.

A partir de ahí empecé a investigar y me encontré un artista polivalente y muy creativo que además podía motivar mucho a los niños por su forma de pintar, por sus fuertes colores y sus trabajos murales.

Este fue el diseño que les hizo Okuda para el colegio

A partir de ese momento el colegio hizo esta web para poder recaudar fondos y que Okuda pudiese realizar la obra: https://es.ulule.com/okuda-vital/

Okuda San Miguel pintando el colegio Vital Alsar y los niños alucinados de lo que pintaba y como lo pintaba, un a experiencia preciosa.

A continuación os presento tres trabajos en los que Okuda San Miguel utilizó Triángulos

Antigua iglesia de Santa Bárbara, Llanera Asturias

Tras de ser desacralizada, la iglesia se convirtió en una pista de skate. En 2015, Okuda San Miguel intervino en ella pintando paredes y techos.

Trabajo mural en proceso

Okuda San Miguel con una de sus esculturas "El oso " en Reinosa

Para ampliar

http://okudart.es/showcase/ (Su Página Web)

Entrevista de Okuda por Canal Sur

"Más que arte" Mural en Puertollano

Okuda pinta un un impresionante mural, con la ayuda de un centenar de personas del Centro Ocupacional Laborvalía.

Estrella caótica