Der Stummfilm „Modern Times“, in welchem Charlie Chaplin die Entmenschlichung der Arbeit durch Maschinen in drastischen Bildern zeigte, war Ausgangspunkt für diese Produktion. Die beiden Choreografinnen sowie ihr Kollege wählten gänzlich unterschiedliche Interpretationen. Dennoch wiesen alle Stücke eine Gemeinsamkeit auf: ein extrem hohes Tempo.

404 Not Found

Modern Times • Oper Graz • 404-Not-Found (Foto: Andreas Etter)

Kozielska nahm in ihrer Arbeit ‚404 – Not Found‘ stark Bezug auf die zwischenmenschlichen Beziehungen in einer rein technisierten Umwelt, wie der unsrigen. Ihr ging es weniger darum, Rückschau in jene Zeiten zu halten, als die Industrialisierung ihren ersten Höhepunkt erreicht hatte, sondern vielmehr darum, wie unsere Gesellschaft heute aufgesetzt ist und wie sich das auf uns Menschen auswirkt. Das Sounddesign von Benjamin Magnin setzte gleich zu Beginn mit einem lauten Ticktack den ersten Akzent, der verdeutlichte, dass ein unbarmherziger Takt unsere Lebensrealität bestimmt.

Kozielska ließ die Damen des Ensembles auf lange Strecken auf der Spitze tanzen, was einen schönen Kontrast zu den Männern des Ensembles bildete. Visuell starke Ideen, wie jene, die langgestreckten Beine einer Tänzerin während einer Hebefigur als Zeiger einer Uhr rhythmisch fortzubewegen, aber auch mehrere Pas de deux, die eher als Vereinnahmung, ja Gefangennahme, zu interpretieren waren, bildeten starke, visuelle Ankerpunkte. Trotz des über lange Strecken exakten 2-er-Rhythmus gelang es ihr, das Ensemble geschmeidig, fließend tanzen zu lassen, was als höchst kreativ zu bewerten ist. Der durchsichtige Paravent, der immer wieder als bestimmendes Bühnenelement zum Einsatz kam, spiegelte in der letzten Szene die Solistin in verharrender, in sich gekehrter Pose wider. Ein Verweis darauf, eine positive Veränderung der eigenen Lebensumstände in sich selbst zu suchen und zu finden.

Drift

Modern Times • Oper Graz • Drift (Foto: Andreas Etter)

Anne Jung, nicht zum ersten Mal in der Oper Graz engagiert, lieferte abermals einen starken Beweis ihres Könnens ab. Mit der Musik von Philip Glass und einem fulminanten Lichteinsatz setzte sie in ihrer Choreografie ‚Drift‘ einen weiteren Markstein in ihre künstlerische Biografie. Zentrifugale Kräfte, in ihrem Bestreben, auseinanderzudriften, wurden in einer atemberaubenden Abfolge von raschen Bewegungsabläufen sichtbar. Unerschöpflich erscheint ihr Ideenpool, aufgrund der Fülle an Figurenkombinationen ist nicht mehr nachvollziehbar, wie sich das Ensemble den rasanten und scheinbar repetitionslosen Ablauf merken kann. Es muss wohl ein extremes Übe-Pensum sein. Ein permanentes Schieben und Ziehen, ein häufiger Wechsel von Solopartien und Gruppenauftritten charakterisieren das Stück, welches sich aber vor allem durch ein Pas de deux in die Erinnerung einbrennt: Wie hier gegen die Schwerkraft getanzt wird, sodass man meint, ein Eiskunstlaufpaar auf der Bühne zu sehen, ist überwältigend.

Ästhetisch und artistisch zugleich gelingt Jung mit dieser Szene ein Meisterwerk, das, ausgekoppelt, für sich auch ganz alleine stehen kann. Der einfache und zugleich so effektvoll gestaltete Raum erhält einen starken Akzent durch ein Laufband, das entlang der Bühnenrückwand platziert ist. Die Menschen, die darauf gehen oder laufen, die stehen oder darauf einfach vorbeigezogen werden, ohne sich zu bewegen, werden so ausgeleuchtet, dass ihre Körperformen in ihren eng anliegenden Bodys muskulös nachgezeichnet werden. Der starke Kontrast zu den schwarzen Gestalten und dem blauen Licht dahinter wirkt magisch. An den Schluss setzt die Choreografin einen Kampf der Geschlechter – der kein versöhnliches Ende findet.

The Gravity of Iron

Modern Times • Oper Graz • The Gravity of Iron (Foto Andreas Etter)

Giovanni Insaudo trug die erzählerischste aller Choreografien dieses Abends bei, mit dem gefühlten Ergebnis, dass die Egomanisierung, die auch in der Arbeitswelt angekommen ist, zu einem Gesellschaftsverfall führt. Er wählte ein Megafon als Symbol der ersten Widerstandsbewegungen im 20. Jhd., und ließ die Rangelei um den Besitz desselben, letal enden. Wer die Aufmerksamkeit auf sich zieht, und das ist in Zeiten von Internet und vor allem Social Media noch verstärkter als je zuvor der Fall, ist in Besitz der Meinungsmacht. Diese Aussage wurde von ihm klar und deutlich herausgearbeitet.

Seine Geschichte entwickelt sich entlang einer gerafft dargestellten Arbeiterbewegung, was auch gut an den Kostümen (Silke Fischer und Elisabeth Perteneder), die an Blaumänner erinnern, erkennbar war. Der Titel ‚The Gravity of Iron‘ war auch im Bühnenbild spürbar: Überdimensionale, große, runde Lampen hingen bedrohlich über den Tanzenden und erzeugten einen starken Fabrikcharakter.

Wie schon in Jungs Choreografie zuvor bildete ein Pas de deux den Höhepunkt, jedoch gänzlich konträr als bei dieser angelegt. Als passiv-aktives Duett könnte man diese Choreografie bezeichnen, die zu Herzen ging. Sosehr der junge Mann sich auch bemühte, seine leblose Partnerin wieder auf die Beine zu bringen, so aussichtslos war sein Bemühen. Diese künstlerische Auflösung der Sichtbarmachung einer menschlichen Tragödie stellte zugleich auch einen extrem gelungenen Gegenpol zur beschriebenen Passage von Anne Jung dar und zeugte gleichzeitig von einer gekonnten, dramaturgischen Gesamtleistung dieses Abends.

Standing Ovations für das Ballettensemble – völlig zu Recht waren am Ende der 3. Vorstellung zu erleben.

Die Uraufführung von »183 Abgeordnete. Die letzten Tage von Österreich, wie wir es kennen«, lässt nicht zufällig Karl Kraus „Die letzten Tage der Menschheit“ durchklingen, stand dieses Werk von seiner Grundidee her doch Pate. Wie es einst Kraus für sein Drama tat, verwendete auch das Team um die Regisseurin Monika Klengel Originalzitate, die aus Aufzeichnungen, Protokollen und Besuchen im Parlament stammen.

183 Abgeordnete (Foto: Lex Karelly)

Das Ensemble auf der Bühne, bestehend aus Juliette Eröd, Gabriela Hiti, Eva Hofer, Annette Holzmann, Lorenz Kabas, Mario Lopatta, Anna Rausch und Martina Zinner schlüpfte – in multiplen Geschlechterrollen, witzig und klug von Helene Thümmel kreiert, in sämtliche Charaktere. Ob kurze Zwischenrufe oder auch längere Wortmeldungen, ob substanzielle Aussagen oder allzu menschliche Versprecher – all das, was der parlamentarische Alltag so hergibt, fand seine theatralische Aufarbeitung.

Thümmel und Richard Dank waren auch für jene Projektionen zuständig, die zu Beginn, aber immer wieder auch zwischendurch, Auskunft über statistische Erhebungen wie der Zusammensetzung des Parlamentes, der Redezeit, der eingebrachten Anträge, Gesetzesänderungen und vieles mehr, Auskunft gaben. Das Ergebnis war ein subkutan verwobenes Edutainment, ohne den Eindruck einer Belehrungsattitüde zu hinterlassen.

Höchst gelungen setzte Moke Rudolf Klengel sein Sounddesign in Szene. Er untermalte auf geniale Art und Weise die Tirade von Ausfällig- und Abfälligkeitsäußerungen des Oppositionschefs mit einem subtilen Percussionsound. Dieser wurde von einem jägerlich-verkitschten Trompetenostinato sowie einer süßlich darüber gelegten Violine begleitet. Wer Ohren hat zu hören, Assoziationsketten bauen kann und offen für musikalisches Empfinden ist, dem- oder derjenigen konnten dabei kalte Schauer über den Rücken laufen.

Der Bürosesselbau, in Anklang zum Turmbau zu Babel – nicht zu verwechseln mit Babler – evozierte eine tolle Metapher. Die Anstrengung, trotz unterschiedlicher, politischer Standpunkte, zu einem gemeinsamen Gesetz zu kommen, wurde auf diese Weise körperlich spürbar. Und die – leider muss man sagen – bereits arrivierte Ablehnung der Opposition – ebenso.

Mit der Produktion »183 Abgeordnete. Die letzten Tage von Österreich, wie wir es kennen«, die wie mit einem Brennglas auf den Arbeitsstil, der ins Parlament Abgeordneten blickt, gelang dem Team nicht nur ein interessant-unterhaltsamer Theaterabend. So manch einen oder manch einer aus dem Publikum mag damit durchaus ein Virus gestreift haben. Die Auswirkungen: Eine weitere und längere Beschäftigung mit dem, was man aktives oder auch passives politisches Interesse nennt, wären mehr als wünschenswert.

Nelly Sachs gelang es, wie Paul Celan, mit dem sie befreundet war, das Grauen der Shoa literarisch zu erfassen. In einer Art und Weise, die ihr den Literaturnobelpreis einbrachte. Nun wurde ihr Leben von Ingrid Lang, Regisseurin und Leiterin des Hauses, mit einem jungen Ensemble auf die Bühne gebracht. Dagna Litzenberger-Vinet verkörpert die Autorin, die wegen ihrer jüdischen Wurzeln 1940 Berlin verlassen musste. Aufgrund von hilfreichen Interventionen von Selma Lagerlöf, mit der sie bereits viele Jahre im brieflichen Austausch stand, gelang es ihr, mit ihrer Mutter nach Stockholm zu flüchten. Litzenberger-Vinet agiert mehr als bewundernswert, denn sie bestreitet den Abend textlich alleine, erzählt einzelne Lebenssituationen aus Sicht der Autorin, rezitiert Passagen ihrer Gedichte und Dramen und interagiert mit Adi Hanan, die als Tänzerin grandios ihr Alter-Ego bestreitet. Almut Schäfer-Kubelka bedient schweigsam das „Kostüm“ der Mutter von Nelly Sachs, sowie eine kleine Marionette während einer imaginierten Theaterszene.

Foto: Marcel Köhler

In Stockholm lebte Nelly Sachs, schwer traumatisiert von den Ereignissen in Nazi-Deutschland, viele Jahre in Armut in einer Einzimmerwohnung. Sie pflegte ihre Mutter bis zu deren Tod und verdiente ihren Lebensunterhalt mit Übersetzungen von schwedischer Literatur ins Deutsche.

In der höchst affirmativ angelegten Inszenierung wird Sachs Biografie unglaublich passend für die Bühne adaptiert. Auch die beengte Lebenssituation, die besonders nach einer Jugend ohne Armut als bedrückend empfunden werden musste, wird ergreifend umgesetzt. Ingrid Lang schuf ein sensibles, künstlerisch verarbeitetes Lebenskondensat, in dem kein Wort darin zu viel und keines zu wenig ist. Angesichts der formvollendeten literarischen Sprache von Sachs muss dies eine Herkulesaufgabe gewesen sein.

Es ist diese Kombination, welche die Inszenierung so faszinierend macht, welche bewirkt, dass schon im Theater ein eigenes Kopfkino in Gang gesetzt wird. Auch die Einstellung von Nelly Sachs, die in einem der letzten Sätze auf der Bühne rezitiert wird, veranlasst mehr als nur zum Nachdenken. „Ich will, dass niemand dafür leiden soll für das, was sie mir getan haben. Dafür ist es zu schade um die Menschen.“

Eine Empfehlung für alle, die Nelly Sachs kennenlernen, aber auch erleben möchten, wie kluges und einfühlsames Theater heute gemacht werden kann.

Ausgerechnet das schon in die Jahre gekommene ‚Castor et Pollux‘-Opernspektakel von Jean-Philippe Rameau liefert diesen virilen Beweis. Oper, möge sie auch schon Jahrhunderte auf dem Buckel haben, kann beglücken, wenn die Kreativität eines herausragenden Teams gebündelt wird und am Werk sein darf.

Foto: Wermer Kmetitsch • Oper Graz

Nanine Linnings Inszenierung, die insbesondere auf eine intensive Verschränkung von Gesang, Tanz und Bühnenbild setzt, erweist sich als Gesamtkunstwerk im besten Sinn des Wortes. Das Publikum wird einerseits durch Rameaus Musik getragen und darf sich dabei von einem ‚Ohrwurm‘ auf den nächsten freuen. Zugleich entrückt die Bühneninszenierung die Emotionen in die tiefsten und dunkelsten Abgründe des Todes, aber auch die lichtesten sphärischen Höhen, die man sich vorstellen kann. Das Künstlerduo Van Veen & Mus schuf mit seinen Video-Installationen Räume jenseits des irdisch-Erfahrbaren. Dennoch bleiben diese nachvollziehbar. Wenn sich, wie zu Beginn, der Wasserhorizont von der Bühnendecke langsam absenkt und verschwindet, bis das ästhetisch so ansprechende Perlen der Sauerstoffeinschlüsse nicht mehr zu sehen ist, trauert man kurz diesem wunderbaren Spektakel nach. Zu diesem Zeitpunkt kann man noch nicht wissen, dass es am Ende der Oper abermals, jedoch in einer potenzierten Schönheit, zu sehen sein wird.

Womit eine der erinnerungswürdigsten Begriffe dieses Abends ausgesprochen wurde. „Einfach nur schön!“, resümierte eine Besucherin während des Saalverlassens den Abend. Sie sprach dabei gelassen aus, was im künstlerischen Diskurs lange Zeit einen ‚haut-gout‘ bekommen hatte. Dabei ist ein antiquierter Schönheitsbegriff gemeint, der vor allem auf der Opernbühne in der Kitschecke feststeckte und aktuelle Strömungen völlig außen vorließ. Der Einsatz eines Multi-Media-Instrumentariums, wie es bei dieser Opernaufführung verwendet wird, zeigt, dass sich auch sogenannte ‚alte Zöpfe‘ in belebende, ansprechende Erzählungen verwandeln lassen. Vorausgesetzt, sie sind mit Verstand und künstlerischem Fingerspitzengefühl ausgeführt.

Foto: Wermer Kmetitsch • Oper Graz

Beides darf man in dieser Inszenierung erleben. Es ist die Mischung aus barocker Aufführungspraxis, in welcher Blitz und Donner von Pauken und Windmaschinen erzeugt werden und den schon erwähnten High-tech-Möglichkeiten, die bestechen. Mit ihnen dürfen Götter mit in der Luft schwebenden Plasmen-Gebilden auftreten oder große, vermeintliche Steinmonolithe, je nach Beleuchtung als geschundene Torsi, bedrohliche Geister oder Naturwunder ihre Wandelbarkeit – und damit Interpretationsbreite zeigen.

Raffinierte Kostüme, die die Seelenlandschaft der Trägerinnen und Träger widerspiegeln, bis hin zu Beinahe-naked-Suits, die einige Tänzerinnen und Tänzer tragen, sind farbig fein aufeinander abgestimmt und bei jedem neuen Auftritt ein Augenschmaus. (Kostüme Irina Shaposhnikova) Gedämpftes Blau und Grau, aber auch Weiß und Lila herrschen vor. Lederverschnürungen über der Brust erweisen sich als kriegerische Kampfausrüstung, die mit einem Handstreich abgenommen werden kann. Von dunklen Gewitterwolken bis zum aufziehenden Morgenrot lässt das projizierte Wolkenspiel Rückschlüsse auf Gefahr oder Erlösung zu.

Die wunderbaren Chorpassagen – in ihrer breiten Farbigkeit von Rameau schon ohrschmeichelnd komponiert – zählen zu den Höhepunkten des Abends. Begleitet werden sie von einer raffinierten Choreografie, bei der sich nicht nur das Ballettensemble unter die Sängerinnen und Sänger mischt, um sich von ihnen zu lösen und wieder zu vereinen. Auch die Mitglieder des Chores, sowie die Solistinnen und Solisten werden choreografisch eingebunden. So entsteht ein beständiger Bewegungsfluss, welcher den emotionalen Gehalt des Textes auch auf einer körperlichen Ebene erfahrbar macht.

Foto: Wermer Kmetitsch • Oper Graz

Die Besetzung ist nicht nur stimmlich gelungen. Jeder und jede von ihnen wurde typgerecht aufgestellt. Ob Sieglinde Feldhofer als still leidende Télaire in weißem, königlichem Outfit oder ihre vor Neid gebeugte Schwester Phébé, stimmlich großartig Sofia Vinnik. Ob Jupiter – gesungen von Daeho Kim, der körperlich alle Kolleginnen und Kollegen überragt und seinen Bass geschmeidig einsetzt. Sie entsprachen ihren Rollen auf allen Ebenen. Auch das Brüderpaar Castor und Pollux, Sébastien Monti und Nikita Ivasechko, kann seine unterschiedlichen, charakterlichen Stärken durch die jeweilige, persönliche Bühnenpräsenz ausspielen und nachvollziehbar machen. Wobei Ivasechko sich vor der besuchten Vorstellung sicherheitshalber ob einer Verkühlung für eine mögliche Indisposition entschuldigen ließ. Zum Glück hielt seine Stimme, ganz im Gegenteil, es war keinerlei Schwäche in ihr zu erkennen.

Dass in der Barockzeit Gendergerechtigkeit kein Thema war, wird im Libretto überdeutlich. Pierre-Joseph Bernard formte den antiken Stoff so, dass unzweifelhaft Schwesternneid einer nicht enden wollenden Brüderliebe gegenübergestellt wird. Dies wird von Linnings Regie auch im letzten Bild des Abends durch den Abgang ins Elysium nicht entschärft. In diesem schreitet nicht das Liebespaar Castor und Télaire gemeinsam einer berauschend schönen Zukunft entgegen, sondern die beiden Brüder Schulter an Schulter, mit Abstand von Télaire begleitet.

Bernhard Forck leitete die Grazer Philharmoniker in einer barockgerechten, kleinen, jedoch ausreichenden Besetzung, die vom Publikum völlig zu Recht heftig akklamiert wurde.

Foto: Victoria Nazarova

Verbrannte Erde bedeckt den Bühnenboden, verkohlte Holzbretter zeigen eine Devastierung des Landes, in das Penthesilea, Königin der Amazonen, mit ihrem Frauenheer gezogen ist. (Bühne Andreas Lungenschmid) Schon zu Beginn wird aber klar, dass die verbrannte Erde nicht nur symbolisch für das Land steht, in welchem das Drama spielt. Tatsächlich ist auch so manches in den Seelen der Menschen verbrannt, schon lange, bevor es zum dramatischen Geschehen vor Troja kommt. Wie von höheren Mächten gebeutelt treten sie allesamt auf, ganz so, als wären sie ihrer selbst nicht wirklich gewahr.

Die Charaktere hat Junod auf drei Personen verteilt, die jeweils mehrere Rollen verkörpern. Die Differenzierung wird durch die Kostüme von Antoaneta Stereva Di Brolio, gut erkennbar. Sie changieren zwischen historisch-martialischem Ausdruck mit einer Menge an Lederverschnürungen und Haute-Couture-Details mit atemberaubenden Schnitten. Petra Staduan, Nina C. Gabriel und Nico Dorigatti – dieses Dreiergespann agierte bei der Premiere, als ob die Vorstellung ihre letzte wäre. Ohne Schonung von körperlichem Einsatz, ohne Rücksichtnahme auf anhaltende, emotionale Höhenflüge, die ebenfalls enorme Kraft kosten, gestalteten sie ihre Rollen derart empathisch, dass das Atemanhalten des Publikums gegen Ende hin für alle spürbar wurde.

Nina C. Gabriel als Prothoe, agiert, wie eine enge Vertraute und Freundin einer Königin nur agieren kann: mit großem Feingefühl und ebensolcher Besonnenheit, mit Empathie und dem gleichzeitigen Bemühen, die emotionalen Spitzen ihrer Königin abzufedern. Sie spielt diese starke Frau in jedem einzelnen Augenblick so glaubwürdig und zugleich mimisch derart beredt, dass man meint, sie könne sogar ohne Kleists Textvorgabe dem Publikum alles vermitteln, was dieser für diesen Charakter intendierte.

Jérôme Junod legt in seiner gekürzten Fassung das Hauptaugenmerk zum einen auf die Unberechenbarkeit einer in wenigen Augenblicken bis zur Raserei entflammten Liebe. Das Ungestüme, das aus Penthesilea und Achilles gleichermaßen wild herausbricht, wird in einer Szene deutlich, in der sich ihre ausgelebten Gefühle füreinander durchaus mit einem wilden Kampf vergleichen lassen. Die Vehemenz, mit der sich die beiden aufeinander stürzen, macht deutlich: Mit der Liebe ist eine Macht am Werken, gegen die man sich nicht auflehnen kann, auch wenn man es noch so möchte. Zum anderen wird in Junods Inszenierung überdeutlich, dass Penthesilea Opfer einer Ideologie geworden ist, die für sie, aber auch für alle anderen Frauen ihres Reiches, nicht lebbar ist. Ihr Hinweis, kurz bevor sie ihr Leben beendet, die Asche von Thanais, der Kultbegründerin der Amazonen, möge in alle Winde zerstreut werden, steht für die Auslöschung der Amazonen-Idee schlechthin. Das, was sie und das Leben ihres Geliebten zerstört hat, eine blinde Wut auf das andere Geschlecht, soll nach ihr nicht mehr tradiert werden. Petra Staduans Stärken – ihr körperlich extrem präsenter Ausdruck, gepaart mit einer Sprechleichtigkeit, die jeglicher Anstrengung trotzt, kommen in ihrer Penthesilea vielfach zur Geltung. Das beweist allein schon die Glaubwürdigkeit, dass sie im Kampf als zierliche Frau gegen jeden Mann bestehen kann, die sie mit ihren tänzelnden Box-Einlagen verdeutlicht. Für die Darstellung von Widersprüchen in einer Person war und ist sie die absolut richtige Besetzung.

Nico Dorigattis Achilles beeindruckt durch sein Spiel eines in Liebesangelegenheiten völlig unerfahrenen jungen Mannes. Penthesilea von seinem Charme zu beeindrucken, verdankt er den Einflüsterungskünsten von Prothoe – höchst humorig in einer Szene umgesetzt. Dass man bei Kleist auch lachen darf – auch das zeugt von einer rundum gelungenen Figurenführung und schauspielerischen Umsetzung.

Christian Mair schuf die Musik zum Drama, unterlegt so manche Szene aber auch mit einer Art dräuendem Grollen, das darauf hinweist, dass sich hier eine Tragödie aufbaut, die nur tragisch enden kann. Man wünscht ein derart musikalisches Feingefühl so mancher Inszenierung, die der Überzeugung ist, Sprache allein reichte für einen herrlichen Theatergenuss. In der Verschränkung mit der cineastisch angelegten Lichtführung von Lukas Kaltenbäck und Ludwig Drahosch ergibt die Penthesilea in den Kasematten in Wiener Neustadt ein theatrales Kunstwerk der Sonderklasse.

Man sollte nicht nur das Festival der Wortwiege in den Kasematten als alljährlich wiederkehrendes Theaterhighlight im eigenen Kalender vermerken. Auch Jérôme Junod darf man, da er dies schon vielfach auch in Salzburg unter Beweis gestellt hat, zu jenem Ranking hinzufügen, das die Besten des Regie-Faches im deutschsprachigen Raum kürt. Klug, sensibel, niemals kitschig und den Finger ganz genau auf die literarisch wiedergegebenen Wunden zeigend, könnte man den Satz prägen: Wo Junod draufsteht, ist Exzellenz drin!

So absurd der Inhalt auf den ersten Blick erscheinen mag, in unserer heutigen Zeit ist er gar nicht mehr abwegig. Die Medienlandschaft hat sich in den vergangenen 20 Jahren weg vom Bildungs- und Unterhaltungsmedium hin zu Streamingplattformen und Formaten entwickelt, in welchen der Cast gerne samt und sonders blamiert wird. Prekariats-Reality-Shows sind genauso beliebt wie Competitions, in welchen die Teilnehmenden Ungustiöses zu sich nehmen oder kompromittierende Handlungen vollziehen müssen.

Foto: Victoria Nazarova

Qualtinger und Merz griffen dieser Entwicklung voraus und konstruierten eine Geschichte, in welcher ein junger Familienvater namens Reindl, der ‚keiner besonderen‘ Arbeit nachgeht, ein ungewöhnliches Angebot erhält. Ein Großveranstalter bietet ihm 10 Millionen, wenn er sich an einem bestimmten Tag vor zahlendem Publikum im voll besetzten Ernst-Happel-Stadion köpfen lässt. Nach anfänglicher Ablehnung stimmt er aus verschiedenen Gründen zu und erlebt in den darauffolgenden Wochen, was es heißt, berühmt zu werden. Die Zeitungen sind voll von Vorberichterstattungen, der staatlich geprüfte Henker, der letzte seines Standes, ist ausgewählt. Die schwerfällige Bürokratie verhält sich nach einer kleinen Bestechungsaktion kooperativ und die Vorauszahlung, die dem Ehepaar und den Kindern schon einen kleinen Einblick in ein finanziell wohlbestalltes Leben bietet, tut ein Übriges, dass das schreckenerregende Ende recht schnell von allen Beteiligten billigend in Kauf genommen wird.

Die Charaktere, aus dem bewährten Wortwiege-Ensemble rekrutiert, sind treffsicher besetzt. Lukas Haas, der auserwählte Todeskandidat, ist anfangs nur unmerklich lethargischer als seine kettenrauchende und trinkende Frau. Zumindest schafft er es, die Kinder in die Schule zu bringen und sie mittags mit Dosengerichten zu ernähren. Je näher der Zeitpunkt seiner Hinrichtung naht, umso lebenslustiger wird er, bis hin zu einer unerwarteten Volte, die hier nicht verraten werden soll. An seiner Seite gibt Saskia Klar die verkommene Ehefrau, sowie in einer weiteren Rolle eine Zahnarzthelferin, die gerne ein Stück vom Ruhm des Todgeweihten abbekommen möchte. Hauptsache am letzten Tag ‚in der ersten Reihe‘ sitzen und von allen bewundert werden, ist ihr Ziel – heutige It-Girls agieren gerne auch nach diesem Muster.

Foto: Victoria Nazarova

Isabella Wolf tritt mit gekonnt zwielichtigem Gehabe als skrupelloser Geschäftemacher auf, der mit diesem Coup nicht nur seine Taschen füllen möchte, sondern – wie in einem Nebensatz deutlich wird – auch seine Familie beeindrucken will. Ihr zur Seite agiert Ida Golda als Sekretär Horak, der sich wie ein Fähnchen im Wind je nach Gemütslage seines Chefs biegt und windet, dass es eine wahre Freude beim Zuschauen ist. Herrlich ausstaffiert, mit Bart, heller Perücke, Brille, Strickpullunder und Aktentasche, spielt Golda einen Gehilfen des Bösen mit Subalternitätsqualitäten der Sonderklasse. So böse er auch ist – jeder seiner / ihrer Auftritte reizt die Lachmuskeln und bietet reichlich Gelegenheit zu humorigen Publikums-Übersprungshandlungen. Wie sollte dies sonst auch das grauenhafte Geschehen ohne seelische Blessuren meistern? Der beißende Witz, zusätzlich garniert mit einer Menge an kreativen Regie-Einfällen, ergibt einen höchst vergnüglichen Theatergenuss, wenngleich einem das Lachen ab und zu auch im Halse stecken bleibt.

Jens Ole Schmieder brillierte schon in der vergangenen Saison in einer Qualtinger-Frauenrolle im Stück „Alles gerettet“. Das Erfolgskonzept geht auch in der aktuellen Inszenierung voll auf. Gleich bei seinem ersten Auftritt als gestrenge Beamtin, stolze Inhaberin von drei Doktortiteln, biegt sich das Publikum vor Lachen. Ihre beiden Amtskollegen, zuständig für die Überprüfung der Hinrichtungsmaschine, werden von Schmieder im Zigarren-Puppenformat vorgeführt und durch eine filmische Projektion großformatig visualisiert. Sein Auftritt als vermeintlich Blinder, der Reindl ein Gegenangebot machen möchte, gerät ganz im Gegenteil martialisch bis zu jenem Augenblick, in welchem diese Fassade gnadenlos wegbröckelt.

Martin Schwanda darf als Herr Engel den todbringenden Henker verkörpern, der sich freut, nach langer Zeit endlich wieder seines Amtes walten zu dürfen. Dabei pendelt er im emotionalen Ausdruck zwischen Pflichterfüllung bis zur letzten Sekunde, und Freundschaftsanbiederei mit alkoholseeliger Gesangseinlage. Erlebnisse, die er über seine Profession berichtet, könnten einem das Blut in den Adern gefrieren lassen – allein sein komödiantisches Talent, unübertroffen in Wiener Volkscharakteren, hieven das Tragische mühelos ins absurd-Komische.

Andreas Lungenschmid schuf eine Bühne, welche die gesellschaftliche Schieflage adäquat wiedergibt und stattet diese zusätzlich so aus, dass das Ensemble sich bei vielen Schritten vorsichtig bewegen muss – ganz so, als wäre ein Absturz jederzeit möglich. Antoaneta Stereva Di Brolio, verlässliche Kostümbildnerin bei vielen Wortwiege-Produktionen, staffierte das Ensemble charakterlich auf den ersten Blick gut erkennbar aus.

Das Publikum darf am Ende darüber nachdenken, welche Konsequenzen das zuvor Erlebte für alle haben wird. Angefangen vom Herrn Reindl samt Familie bis hin zum Großveranstalter und seinem Sekretär. Dass es selbst nicht wirklich ungeschoren davonkommt, dafür sorgten die Autoren ganz bewusst in ihrem allerletzten Satz.

Eine große Empfehlung für all jene, die Unterhaltung und Tiefgang gleichermaßen schätzen.

Foto: Karlheinz Fessl

Als äußerst hilfreich erweist sich das Bühnenbild von Devin McDonough sowie die Kostüme von Laura Magdé Hörmann. Ein dunkler Säulengang im Bühnenhintergrund, ein hölzernes Boot, in und mit welchem Euridice ins Jenseits hinabgelassen wird, aber auch ein sonnendurchfluteter Hain oder eine grauenerregende Treppe, bestehend aus einem Berg toter, leichengrauer Leiber, visualisieren die unterschiedlichen Orte, ohne je kitschig zu wirken.

Orfeo darf nach Amors Willen seine verstorbene Geliebte aus dem Hades wieder ins Leben holen, wenn es ihm gelingt, sie bei dieser Befreiung nicht anzusehen. Wohl wissend, dass diese Prüfung übermenschlich ist, macht er sich auf den Weg, seine Liebe zurückzugewinnen, um zu scheitern. Abermals ist es Amor, der, zutiefst von der Hingabe und Liebe der beiden gerührt, Euridice dennoch zum Leben erweckt und die beiden am Schluss der Oper glückselig vereint.

Die Kostüme harmonieren nicht nur in ihren Farben – zum größten Teil ein gebrochenes Weiß und ein dunkles Rot. Sie unterscheiden und ergänzen sich auch in kleinen Details, wie den Schulter- und Ausschnitt-Partien. So finden die seitenverkehrt angeordneten, asymmetrischen Schnitte von Orfeo und Euridice ihre gegengleiche Entsprechung beim jeweils anderen und ihre Verschmelzung letztlich – konsequent durchgedacht – im Kostüm von Amor. Jenem liebevoll-grausamen Gesellen, der das Paar vor eine schier unüberwindbare Aufgabe stellt. Auch seine überdimensionierten, großen, dunkelroten Flügel bieten einerseits Schutz, wirken andererseits aber auch beängstigend. Ein Fest fürs Auge ist die bunte und ideenreiche Kostümausstattung im letzten Bild – in welchem sich liebliche Feen- und Zaubergestalten um das Liebespaar tummeln, um ihm zu huldigen.

Foto: Karlheinz Fessl

Für die drei Hauptrollen wurden Tobias Hechler (Orfeo), Keri Fuge (Euridice) und Luisa Mordel verpflichtet. Keri Fuges Euridice glänzt mit einem kräftigen und zugleich glasklaren, jedoch auch zart-lyrischem Timbre, dass man sich keine bessere stimmliche Besetzung vorstellen kann. Ebenso Luisa Mordel, die als Amor wie ein „deus ex machina“ aus lichten Höhen auf die Bühne herabgelassen wird. Tobias Hechler überzeugt an all jenen Stellen, die im Register eines Countertenors gut aufgehoben sind. Das Kärntner Sinfonieorchester unter der Leitung des Gluck-Spezialisten Michael Hofstetter bietet ihm die Möglichkeit, auch noch in den tieferen Passagen wahrnehmbar zu bleiben. Dies vor allem durch die beinahe kammermusikalische Besetzung, die auch im Barock üblich war.

Der Chor und Extrachor, bestens stimmlich präsent und bewundernswert in seiner fein abgestimmten Dynamik, hinterlässt großen Eindruck. Das Tanzensemble, klug choreografiert von Riccardo de Nigris, agiert als Trauergemeinde, Jenseits-Bewohner aber auch ausgelassene Truppe am Schluss, in welcher sie als personifizierte Lebensfreude agieren.

Die Inszenierung von ‚Orfeo ed Euridice‘ darf zu Recht als Gesamtkunstwerk betitelt werden, in welchem jeder einzelne kreative Baustein seinen passenden Platz gefunden hat. Standing Ovations des Publikums bei der Aufführung am Faschingdienstag gaben deutlich dessen Zufriedenheit wieder.

Jonathan Sayer, Henry Lewis & Henry Shields sind die Autoren der englischen Komödie, die das hält, was sie verspricht. Getreu dem bewährten Muster einer Mischung von Sprachwitz und Slapstick, unerwarteten Handlungswendungen und nicht zuletzt köstlichen Regie-Einfällen, bringt das Ensemble einen Theaterabend zustande, der an Humor nichts zu wünschen übriglässt.

Neben der Regie (Christian Brey), die auf Tempo und permanente szenische Verwandlung setzt, trägt auch das Bühnenbild einen großen Anteil zum Gelingen bei (Annette Hachmann, Madeilene Mebs). Kerker-Gitterstäbe erweisen sich als baumelnde Seile, mehrere Ebenen einer Räumlichkeit sind gleichzeitig einsehbar und das Kippen eines Raumes um 90 Grad fordert die Lachmuskelstärkung, so akrobatisch müssen sich die Schauspieler dabei bewegen.

Thomas Esser ist nicht nur als Live-Musiker auf der Bühne, sondern auch verantwortlich für seine Kolleginnen und Kollegen, die mit erstaunlicher Musikalität ihre Aufgaben meistern. Paula Nocker glänzt nicht nur in ihrer Rolle als verwöhnte Bankdirektorstocher mit halbkriminellen Ansätzen, sondern vor allem auch als Sängerin mit einem Timbre, das sich in den jeweiligen Nummern als extrem am Original orientierend erweist.

Tjark Bernau in der Rolle des völlig überforderten Bankdirektors und Bernardo Aria Porras agieren als liebenswürdig-tragisches Chef-Angestellten-Duo, das zu spät erkennt, was sie im Leben aneinander hatten.

Komödie mit Banküberfall (Foto: Marcella Ruiz Cruz)

Andrej Agranovski, Nicolas Frederick Djuren, Maximilian Pulst, Claudia Sabitzer, Stefan Suske und Günther Wiederschwinger sind ein wunderbar eingespieltes Team, bei dem jeder Satz und jede Geste stimmt und zugleich auch Bewunderung hervorruft. Jene Szene, angelehnt an das bekannte Acitivity-Spiel, bei welchem Begriffe erraten werden müssen, die nur pantomimisch dargestellt werden, gehört zu den absoluten Highlights des Abends. Zum Glück bleibt die Regie lange auf diesem Einfall, von dem man gar nicht genug bekommen kann. Wiebaden, Aschaffenburg und Wels zu erraten – das muss einmal so vorexerziert werden, wie man es im Volkstheater erleben kann.

Die minutiös zeitlich aufeinander abgestimmten Auf- und Abgänge sind mindestens gleich atemberaubend wie die verrückte Handlung. Rasch festigt sich der Eindruck, dass sie sich in jedem Augenblick auch in ihr Gegenteil verkehren könnte, was der Aufführung zusätzlich Spannung verleiht.

Wer sich von einem Alltag ausklinken möchte, der einem nicht wirklich rosig erscheint, dem sei „Komödie mit Banküberfall“ wärmstens empfohlen.

Einzig die Bühne, die erst eine halbe Stunde nach dem eigentlichen Beginn richtig bespielt wurde, war jenem Zustand vorbehalten, der bei Dante mit dem Fegefeuer beginnt und letztlich im Paradies endet. Was zu Beginn hautnah mitzuerleben war, rückte nun ab vom Publikum, das sich auf seinen Plätzen bequem gemacht hatte.

Es ging der Choreografin nicht darum, Dantes Kosmos nachzuerzählen, sondern sie konzentrierte sich auf das Wesentliche: Die Läuterung und die innere Verwandlung Dantes, weg vom Erdensünder hin zu einem Glückseligen, inmitten einer erlösten Heerschar.

Foto: Werner Kmetitsch, Oper Graz

Das großartige Ballett der Grazer Oper leistete dabei ganze Arbeit. Angefangen von den Solistinnen und Solisten wie Nimrod Poles (Dante), Savanna Haberland (Beatrice) und Yuka Eda als Dantes Seele hin zu jedem und jeder Einzelnen aus dem Ensemble agierten sie als wichtige Bausteine in einer opulenten Choreografie. Zahlenmäßig starke Szenen wechselten mit solchen ab, die zu zweit oder in kleinen Gruppen getanzt wurden.
Ein besonderer Augenschmaus bot sich, als Dante vom Ensemble nach und nach in seitwärts ausgerichteten Trippelschritten umrahmt wurde. Ebenso eindringlich und nachhaltig im Gedächtnis blieb Beatrices Auftritt, der so leicht und schwerelos durch viele Hebe-ja man möchte sagen, Schwebefiguren gestaltet wurde, dass das Zusehen eine reine Freude war.

Auch das finale Pas-de-deux mit Dante und seiner Seele, beeindruckte durch eine choreografische Ästhetik, die aus zwei Personen zeitweise eine Einzige hervorbrachte, so verschmolzen ihre Bewegungen ineinander.

Yuka Eda und Nimrod Poles, Ballett Graz (Foto: Werner Kmetitsch, Oper Graz)

Musikalisch überzeugte die Inszenierung gleichermaßen. Johannes Braun hatte die musikalische Leitung inne. Es gelang ihm dabei, die Melange von Arvo Pärt und Philip Glass überzeugend hörbar zu machen. Till Kuhnert (Bühne), Estefania Miranda (Kostüme) sowie Martin Schwarz (Licht) trugen ebenfalls wesentlich zum Gelingen der Produktion bei.

Der Idee der Choreografin konnte jedoch nur mithilfe des Programmblattes, bzw. Programmheftes, gefolgt werden. So blieb der ganzheitliche Genuss nur jenen vorbehalten, die sich vor oder während der Vorstellung im Programmheft schlau gemacht hatten. Alle anderen verfolgten einen ungewöhnlichen Ballettabend mit unterschiedlichen Stationen sowie einer opulenten Bühnenfassung, der man sich ohne Vorwissen nur emotional ausliefern konnte.

Der Jahreswechsel im Wiener Konzerthaus (Fotos: Stephan Mussil / Wiener Konzerthaus)

Das siebenköpfige Ensemble, bestehend aus sechs Blechbläsern und einem Klarinettisten, ist ein immer wiederkehrender Gast im Konzerthaus und füllt dort den großen Saal. Verständlich, denn die musikalische Qualität in ihrer großen Bandbreite stimmt genauso wie das mitverpackte Entertainment. Dazu kam beim Silvesterkonzert eine herzliche Moderation mit vielen humorigen Momenten, die zum Mitschmunzeln bis zu lautem Mitlachen animierten. Für diese wunderbare Gefühlsstimmung war Philip Haas verantwortlich, der so manches Schmankerl aus der Federspiel-Vergangenheit erzählte.

Von einem vielstimmigen, alpenländischen Andachtslied, gleich zu Beginn präsentiert, ging die Reise weiter in elegisch angelegte, filmmusikreife Kompositionen. Die Belehrung jener, die bei einem Csardas zu früh ihrer Begeisterung klatschend Ausdruck verliehen, kam elegant-aufklärernd, mit einem Augenzwinkern über den Bühnenrand. Der schwere Einstieg, wie beim Csardas üblich, erwies sich im Kopfkino als Tanz mit genagelten Schuhen auf einem rohen Holzboden, die Ablösung der irrwitzigen, darauffolgenden Polka, hin zu einem wilden „Drahdiumi“, war schlicht mitreißend.

Federspiel und Die Strottern (Fotos: Stephan Mussil / Wiener Konzerthaus)

Die ersten Gäste, Klemens Lendl und David Müller – alias ‚Die Strottern‘ holten das musikalische Geschehen wieder zurück auf Wiener Boden. Sowohl in einem Liebeslied, mit einem Text der Autorin Teresa Präauer, als auch mit der musikalischen Erzählung eines Mannes, der tagtäglich in der U1 eine schöne Unbekannte zwischen Nestroyplatz und Taubstummengasse bewundert, tauchte man ad hoc tief in die Wiener Seele ein. Dass sich diese doch erheblich von jener unterscheidet, die noch dem weinseligen Wienerlied frönte, ist dem Duo zu verdanken, das diese Tradition sowohl inhaltlich als auch musikalisch sinnhaft neu belebt. Beim darauffolgenden Gstanzl, mit gegenseitigen augenzwinkernden Sticheleien, blieben sich Federspiel und Die Strottern verbal nichts schuldig, ganz zur Erheiterung aller im Saal.

Vivi Vassileva (Fotos: Stephan Mussil / Wiener Konzerthaus)

Vivi Vassileva, Multipercussionistin, zeigte schon bei ihrem allerersten Auftritt, mit welch energiegeladener Verve sie ausgestattet ist. An der großen Trommel werkend, schritt sie durch den Publikumsgang im Parkett und verbreitete ad hoc Begeisterung. Ihre Federspiel-Ergänzung geriet perfekt bis hin zu solistischen Einschüben, bei welchen man ihre Freude am Musizieren in jedem Augenblick nachvollziehen konnte. Die Pause war dem individuellen Rutsch ins Neue Jahr vorbehalten und wurde von vielen in den Gängen des Konzerthauses auch mit dem traditionellen Donauwalzer begangen, der, wie das Geläute der Pummerin zuvor, über die Lautsprecher eingespielt wurde.

Yasmo (Fotos: Stephan Mussil / Wiener Konzerthaus)

Mit Yasmo, dem letzten Gast bei diesem Konzert, holte sich das Ensemble Federspiel erneut Frauenpower auf die Bühne. Die mit vielen Preisen ausgezeichnete Musikerin bestärkte vornehmlich junges Publikum und augenscheinlich auch ihren mitgebrachten Fanclub mit Poetry-Slam-Darbietungen. Hauptthema dabei: „Es-ist-gut-so-wie-du-bist“. Gemeinsam mit Ralph Mothwurf (Gitarre), Tobias Vedovelli (Kontrabass) und Reinhard Hörschläger (Schlagzeug) bildete sie mit Federspiel und Vassileva ein klangmächtiges Ensemble, sodass das Publikum teilweise nicht mehr auf den Sitzen zu halten war. „Du bist tok-tok-toxisch“ und „wir machen eine Party – alles ist erlaubt außer Nazis“ lieferten dazu jene eingängigen Texte, die sich schon nach dem ersten Refrain gut zum Mitsingen eignen.

Zwei reine Federspiel-Zugaben beendeten das Konzert. Hätten die Bläser mit ihrer zweiten Zugabe, einem zarten Lullaby, nicht melancholisch-leise Töne verbreitet, wäre das Publikum nach rund eineinhalb Stunden im neuen Jahr auch noch nicht zum Heimgehen animiert gewesen.