Evil Monkey says...

La narrazione videoludica corre (troppo) veloce

2012-01-25T22:48:00.000-08:00

Nel numero attualmente in edicola della sempre più interessante Studio trovate, tra le altre cose, un ottimo articolo sulla narrazione videoludica. L’autore, lo stesso Tim Small che aveva sviscerato la serie The Wire sulle scorse uscite, riflette su come questo medium (il videogioco) possa rappresentare la nuova soglia del raccontare storie. Dopo libri, cinema, televisione (esattamente n quest’ordine) pare sia arrivato il tempo del joypad (e fin qui ci arrivavamo tutti, in maniera insindacabile). A rafforzare questa tesi il giornalista cita lo studioso Tom Bissel, per la precisione nell’assunto secondo cui “ogni scrittore che non si interessa a quelli che oggi chiamiamo videogiochi finirà per essere solo uno spettatore di uno dei più importanti cambiamenti concettuali della narrazione nell’ultimo secolo”. L’articolo procede poi nella disamina su come mai, a oggi, non si sia ancora riusciti a raggiungere questa fusione definitiva tra la foga del gioco e la riflessione del racconto (da qui il meraviglioso titolo dell’articolo Premi cerchio per skippare il dialogo).

Premettendo che non una cultura abbastanza vasta in materia per poter dire la mia, mi domando comunque una cosa. Se la narrazione videoludica è un concetto così moderno (e lo è) il continuo fallimento della compenetrazione con il passato non deriva forse proprio dall’incongruenza tra i due elementi? Quando si è passati dal cinema ai grandi serial TV degli scorsi anni le modifiche da apportare al linguaggio sono state minime, per lo più strutturali e di gestione del tempo. Ma qui è, letteralmente, tutto un altro campo da gioco. Prendiamo gli articoli sportivi di Hunter S. Thompson. Parlavano di campionati e partite di football, eppure erano ricchi di narrazione. Tanto da diventare, spesso e volentieri, metafora della situazione politica statunitense. Senza dialoghi, plot, divisione in tre atti e tutti quegli elementi che per troppa gente sono ancora parti costitutive fondamentali di una storia.

E se, per poter parlare di narrazione videoludica, fosse proprio questo strappo a mancare ?

La costituzione di una nuova serie di elementi che permettano di raccontare non può più essere rimandata. Perché riesce a trascinarmi di più un platform (solitamente privi di storia, votati unicamente al dinamismo) con i suoi saliscendi di tensione che L.A. Noire con le sue tonnellate di dialoghi e le espressioni facciali perfette? Forse perché il primo è un videogico puro (che non deriva da nulla) e il secondo un tentativo di realizzare un lungometraggio interattivo (mantenendo così un piede nelle vecchie scarpe)? Perché ogni volta che un VG è particolarmente coinvolgente lo si deve paragonare per forza di cose a un film con le scene action giocabili?

Non sarà che il medium a oggi più venduto è troppo avanzato per il suo pubblico?

La mia definizione di perturbante

2012-01-24T13:46:00.000-08:00

Con buona pace di Freud, non ho mai visto nulla di più inquietante di questi due Beavis & Butthead in chiave ultra-realistica (roba che neanche Ron Mueck e il suo bamboccio gigante, visto dal vivo a una Biennale di un sacco di anni fa). Qui trovate il resto delle foto. Maledetto Mike Judge!

Back to School: Morning Glories di Spencer ed Eisma (Image Comics)

2012-01-23T10:18:00.000-08:00

E’ notizia recente che finalmente qualcuno si degnerà di proporre in italiano Morning Glories. E il fatto è molto più importante di quanto ci si aspetterebbe. La bella serie di Nick Spencer (prossimo prezzemolino Marvel) rappresenta al meglio l’ultima evoluzione della Image Comics, passata dalla monnezza dei primi anni ’90 (quando vendeva tonnellate di albi riempiendoli di nulla colorato in digitale) alla recente (dal 2010) renaissance fatta di autorialità applicata al fumetto popolare.

Non è un caso se tutti i principali autori di comics abbiano un progetto in corso (o di imminente varo) presso la casa editrice degli (ex) Grandi 7. Vedi i vari Mark Millar, Ed Brubaker, Jonathan Hickman,… Il merito di questa svolta va al giovane Robert Kirkman, capace di convincere anche i più scettici che due serie “impossibili” come The Walking Dead e Invincible possano vendere un bel po’ di copie mantenendo un livello qualitativo stratosferico, pur discostandosi totalmente da quanto proposto dalle major (si sta parlando di due serie quasi esistenzialiste, nonostante si tratti di zombie e supereroi). Le parti alte delle classifiche di vendita saranno anche in mano a Marvel e DC, ma basta un Fatale qualsiasi per tirare lo sciacquone di tutta Fear Itself in un colpo solo. Non ci credete? Provate a farvi un giro sul sito Image senza farvi ingolosire da un sacco di serie che in Italia non arriveranno mai.

Morning Glories si inserisce perfettamente in questo filone. Proponendosi come una sorta de Il Prigioniero in chiave adolescenziale, riesce a fare da ponte tra la Vertigo e i Runaways di Brian K. Vaughan. Contorta, ricca (forse troppo) di trovate bizzarre e personaggi al limite, punteggiata da episodi di ultraviolenza assolutamente gratuiti. Oltre che arricchita da un cast capace di svolazzare tra il perfetto e il luogo comune (dove per luogo comune si intende quel genere di personaggio tipico del teen-drama alla O.C.). Dal sognatore Hunter alla provocante Zoe fino al novello genio del male Ike. Attenzione però: nonostante si percepisca un’attenzione maniacale per i dialoghi (come deve essere in ogni opera basata sull’adolescenza) e il livello sia sempre piuttosto alto, siamo comunque lontani dalla mimesi da docufiction della serie giovanile Marvel (prima gestione, naturalmente).

Aspetto apprezzabile di tutta la serie è l’onestà con cui Nick Spencer gioca con ciò che il pubblico cerca. L’ambientazione scolastica parte da Harry Potter e sconfina in tutta una serie di manga, a cui si deve anche il look preppy dei protagonisti. Aspetto fintamente superficiale, importantissimo nell’economia dell’universo narrativo (di qualsiasi universo narrativo. Cosa sarebbe della neo-icona noir Driver/Ryan Goslin senza il bomber in raso champagne?). La trama costruita a blocchi di misteri sempre più intricati parte poi da Lost (per ammissione dell’autore) per sconfinare in un sovrannaturale dalle tinte vagamente dark. Insomma un sacco di roba che piace tanto ai ragazzini. Aggiungiamoci le fantastiche copertine di Rodin Esquejo e le apprezzabili tavole (seppur molto, molto, molto migliorabili) di Joe Eisma e non dobbiamo sforzarci di capire perché Morning Glories abbia esordito con un sold-out.

Una scrittura sagace, (molto) intelligente e divertita al servizio di un bel guazzabuglio di spunti e riferimenti. Rivisti con un’ottica fresca e anticonvenzionale. Il tutto servito senza eccessi retorici, manicheismo di genere o scivoloni nei due antipodi del fumetto (populismo vs artsy-fartsy). Una goduria.

P.s. per chi sapesse l'inglese... i due trade paperback costano veramente una miseria e sono di ottima qualità. Ci siamo capiti?

L'amore ai tempi del tech-metal: Why you do this

2012-01-19T23:08:00.000-08:00

Premessa: non l'ho ancora visto. Però non potevo non segnalare questo documentario sul tech-metal. Dal titolo e dalla tagline non è difficile capire il tema: che cosa spinge ragazzi comuni a buttare ore e ore e sangue e sudore e soldi in una passione che non li porterà a nulla (economicamente parlando)? Che la vera felicità non passi dal denaro ma dalla realizzazione artistica? E devono essere rozzi cappelloni con la fissa per i blastbeat supersonici e il cantato in growl a venircelo a dire? Qui trovate il documentario (gratis). Penso di vederlo nel weekend, poi vi dico.

[Nice try, Johnnie!] Punished - prodotto da Johnnie To (HK/2011)

2012-01-19T10:39:00.000-08:00

Bel tentativo Johnnie, ma forse era meglio se lo dirigevi tu. Partendo da uno spunto già sentito mille volte (a un padre viene rapita, con conseguente e logica incazzatura, la figlia) l’idea era quella di andare a sviluppare un’analisi della figura paterna a tutto tondo, a discapito della componente investigativa/d’azione solitamente privilegiata in questo filone cinematografico.

Le intenzioni sono chiare. Qualsiasi personaggio gravitante attorno al protagonista in realtà viene trattato (e si comporta) quasi come un figlio di quest'ultimo. Dai veri eredi ai dipendenti. Questo è il pretesto per sviluppare un sacco di sottotrame (il sottoposto che non vuole deludere il capo, l’assistente praticamente adottato incapace di rapportarsi con la sua vera famiglia, il figlio del secondo matrimonio avviato a una carriera che detesta,…) tutte lasciate inevitabilmente a metà. Per essere onesti anche la trama principale è risolta in maniera piuttosto rapida. L’unico punto su cui il regista riesce a soffermarsi è la soffocante figura interpreta da Anthony Wong. Un uomo autoritario, fermo, iroso e risoluto. Un maniaco del controllo incapace di lasciar correre anche la minima sciocchezza (si veda la scena a tavola – e sappiamo quanto Johnnie ci tenga alle scene a tavola - in cui richiama il figlio per il modo scorretto in cui mangia i crostacei).

Eppure anche un uomo così si può trovare di fronte a momenti insostenibili. Il rapimento della primogenita è la causa scatenante di una catena di violenze (portate avanti dall’assistente-delfino) che però si esauriranno davanti al pianto disperato di un innocente. La scena in questione (che verrà sicuramente vista dai più – sbagliando grossolanamente - come uno scivolone buonista del buon Giovannino) rappresenta il punto più alto di tutto Punished, andando a miscelare come si deve tensione, secco melodramma e il tema del karma. Colonna portante di tutta l’opera di To.

Come si è capito l’idea era stuzzicante. Lasciare da parte un attimo il testosterone per lavorare sui rapporti e sulle debolezze di una figura tradizionalmente forte come il padre. Tutto genuinamente inserito in un contesto di genere (se invece volete un capolavoro d’autore recuperate After This Our Exile di sua Maestà Patrick Tam). Peccato che il tutto scorra fin troppo bene, lasciando veramente poco. Certo, la qualità è senza dubbio alta. La solita squadretta di sceneggiatori capitanata da Wai Ka Fai garantisce una scrittura talmente solida e brillante che la scansione temporale a blocchi sfasati quasi non si percepisce neanche, svolgendosi con una fluidità che molta gente non riesce a garantire neppure nei testi più lineari. Anthony Wong è quasi noioso nel suo essere sempre e comunque enorme, anche se tutti lo preferiamo nei panni del killer scolpito nella roccia. Ci sono un paio di scene fantastiche e una giusta dose di cattiveria. Tutti risultati garantiti senza problemi dal livello professionale fuori scala raggiunto dalla Milkyway Image (che produce capolavori come Exiled con poco più di 5.000.000 di dollari US, basandosi sempre sulle stesse troupe e cast). Quindi nulla di eclatante.

Così ci ritroviamo con solo un buon film. Senza quei geniali colpi di pancia che hanno reso gran parte della produzione di questo Maestro qualcosa di indimenticabile. Se la precedente produzione (Accident di Soi Cheang) era perfetta ma gelida (perché richiedeva di essere così per esigenze di sceneggiatura), qui almeno ritroviamo quell’amore per i personaggi che spingeva il cantonese a riempire le sue pellicole di piccole manie e frasi smangiate. Peccato che al timone non ci sia lui, ma uno dei suoi galoppini (e non parliamo del discepolo-fantasma Patrick Yau). Materiale per l’ennesimo capolavoro ce n’era, ma bisogna essere anche capaci di manipolarlo.

Fanculo l'Ikea. Io sto con Dodds

2012-01-16T13:10:00.000-08:00

Crash o Giorni di Tuono? La nuova serie di Banks Violette

2012-01-12T22:04:00.000-08:00

Di Banks Violette ci ricordiamo tutti benissimo l'arcinota serie basata sul black metal. L'ossessione adolescenziale per l'oscurità diventava strumento per analizzare la morte e il suicidio in un contesto spettacolarizzato e cannibalizzato dalla massa populista. Più avanti sarebbero arrivate le esibizioni con performance live dei Sunn O))) (e Attila Csihar), destinate a rimanere negli annali come la più moderna rappresentazione possibile delle litanie funebri di memoria ancestrale.

Presso la sua nuova personale in quel di L.A. l'artista americano cambia soggetto ma non il tema. Le corse Nascar come spettacolo necrofilo per bifolchi. L'attesa e la glorificazione dell'incidente mortale come unica attrattiva di uno sport altrimenti privo di senso. Anche in questo caso il culto della morte è al centro di uncirco mediatico privo di remore. Banks riesce a prendere tutta la volgarità della nostra epoca e a trasformarla in neri monumenti ai caduti di una pornografia del dolore (che poi sarebbe la pornografia in toto, visto che un corpo umano per acquistare tangibilità aldilà dello schermo deve soffrire. Devo ricordarmi di chi fosse questa teoria, mi pare Bauman). Immagino che Cronenberg e Ballard siano andati in sollucchero.

Revenge: A Love Story di Ching-Po Wong (HK/2011)

2012-01-09T15:04:00.000-08:00

Quando, fra 50 anni, si studierà il cinema dell’ultimo paio di decenni si dovrà per forza di cose stilare una lista dei mali che lo hanno afflitto. E, tra remake, reboot e adattamenti vari, non si potrà neppure far finta di scordare il famigerato fenomeno del twist ending. Mirabolante artificio di sceneggiatura capace di rendere inutile qualsiasi film dopo la prima visione (se non addirittura dal trailer). Pratica ben diversa dalla nobile arte del contro-finale (che non significa finale aperto), noto invece per il potere di amplificare (se utilizzato come si deve) la potenza dell’opera di base. Valgano come esempio su tutti le conclusioni di Taxi Driver e C’era Una Volta in America, di cui si sta ancora discutendo circa il reale significato.

Alla stessa maniera Revenge: A Love Story cambia tutto il suo essere in base a quale delle sue conclusioni si prenda come valida e a quale invece gli si attribuisca valore allucinatorio o di pura immaginazione. In entrambi i casi l’opera avrà una sua dignità e una costruzione interna coerente, andando così a prendere le dovute distanze dallo sterile giochino del ribaltone finale. Anzi, considerando il dubbio instillato in ogni spettatore si può dire che la conclusione del film non corrisponda allo scorrere dei titoli di coda, quanto alla volontà del singolo fruitore di porre un fine a tutte le speculazioni del caso.

Una ragazza rinchiusa in una casa di cura viene stuprata. L’unico disposto a lottare per fare giustizia sarà un povero venditore di panini al vapore, da sempre innamorato di lei. Da questo presupposto si sviluppa una trama nera come la pece, memore di quanto fatto in precedenza da Soi Cheang nel suo straordinario Love Battlefield. Ammettiamolo: quando vogliono i registi di Hong Kong si ricordano ancora di essere tutti figlioli spirituali del Johnny Mak di Long Arm of the Law (1984), lasciando però da parte la carica politica per concentrarsi su storie d’amore tormentare e protratte verso il baratro della tragedia. Aspettatevi quindi continui giochi al ribasso e, se le cose potrebbero andare peggio, sappiate che lo faranno. Eccome se lo faranno.

La regia dimostra tutta la sua intelligenza riuscendo a far convivere una fotografia minimalista e povera con diverse impunture barocche e di un eleganza tanto pregna di melodramma da sfiorare in più di un caso il grottesco. Quasi una parodia sghemba e fuori sincrono di Lars Von Trier. Le trovate a effetto vengono distribuite con parsimonia, riuscendo ad arrivare sempre al punto grazie proprio al contesto grigio e statico in cui vengono inserite. Il senso di malessere è poi amplificato da una colonna sonora rumorista e insinuante, priva di un vero e proprio tema. Il tappeto sonoro non crea rassicuranti punti di riferimento, andando piuttosto a instillare un’atmosfera soffocante e da cui pare impossibile sfuggire. Chi si aspetterà una sorta di Taken tra fuori-casta rimarrà deluso. Il ritmo sincopato, la totale assenza di dialoghi tra i protagonisti, il numero limitatissimo di personaggi (comparse comprese) e location giocano tutte a favore di un cinema crudo e sgradevole. Tanto per ricollegarsi ancora una volta ai bei tempi andati del noir alla cantonese, siamo più vicini a un Dangerous Encounters of the First Kind (con le sue facce storte, le anatomie rachitiche e la città come minaccia e cimitero a cielo aperto) che alla svolta ultrapop dell’arcinoto Infernal Affairs (Andy Lau strafigo in completi leccati, cellulari al posto delle pistole e un cielo perennemente azzurrissimo).

Ching-Po Wong avvolge questo microcosmo di dolore e sofferenza in una cappa vagamente fatalista, spolverando il tutto di metafore religiose. Il senso di minaccia e oppressione se ne esce ulteriormente rafforzato e spesso si avverte l’atmosfera del grande nero statunitense degli anni ’50. Quando la sventura si accaniva in maniera tanto gratuita e compiaciuta sui protagonisti di questi film a basso budget da farli derivare in più di un’occasione nell’horror (Detour di Edger G. Ulmer).

Genere in cui, guarda caso (?), sfocia in maniera indiscutibile uno dei due finali di Revenge: A Love Story. Strano, eh?

I Barn Burner e i vantaggi di essere la feccia della Terra

2012-01-07T00:41:00.000-08:00

Meriterebbero un premio solo per aver scelto una canzone intitolata Scum of the Earth come loro primo singolo internazionale. Puro loserismo alla Motorhead. Se poi ci aggiungiamo una totale mancanza di pretese, una vagonata di facciaculismo e un'attitudine che più rozza non si può, abbiamo una nuova band da tenere d'occhio. Altro che i mesi passati a spingere Heritage degli Opeth tra gli amici (gran disco, comunque).

[Killroy vs ®: 1 - 0] Wish You Where Here di Eric Elms

2012-01-05T14:53:00.000-08:00

1970. Sui vagoni della metropolitana di New York compaiono le prime tag. Siamo agli albori di una rivoluzione che porterà alla sovversione della piramide culturale. Partendo da quei segni nervosi e istintivi la strada arriverà alla vetta, andando a influenzare tutto quello che ci sta sotto (e che una volta invece stava sopra). E, naturalmente, lo fa nella maniera più aggressiva possibile. Gli adolescenti dei quartieri poveri vogliono conquistare la città. La vogliono marchiare con il loro nome. Non potendo essere ovunque contemporaneamente si affidano al mezzo di trasporto per eccellenza. I treni diventano un libro aperto in costante movimento, il più grosso e pesante mezzo di comunicazione di sempre. Basta una tag fatta di getto nel Bronx per vederla qualche ora dopo circolare a Manhattan. E così via per mesi, fino alla pulitura delle carrozze. Con un colpo di genio, destinato a cambiare la storia (si studi la teoria del bubble up di Ted Polhemus), dei 15enni relegati ai margini si riprendono quello che gli era stato tolto a forza. Sono ovunque, la Grande Città ora è loro.

Siamo nel 2011. Con la mostra e l’omonimo volume Wish You Where Here pare che l’illustratore Eric Elms voglia applicare la stessa tecnica di appropriazione. Elevandola però a uno status puramente concettuale. L’artista riprende un classico del grafittismo come il nasuto Killroy Was Here (introdotto in questa pratica addirittura dai soldati statunitensi durante la Seconda Guerra Mondiale) e applicandolo a più di 200 loghi (commerciali e no) di ampia diffusione. Ridisegnati a pennarello e sparpagliati ai quattro angoli del globo grazie alla diligente opera della microcasa editrice dell’autore stesso (pratica che gli ha permesso di arrivare perfino ad allestire una personale in Giappone). La volontà di sabotaggio è palese. Molti dei marchi presenti nel volume sono coperti da leggi austere e apparentemente invalicabili. Sono in pochi ad avere il coraggio di sfidare la terribile R cerchiata sul suo stesso campo di battaglia. Paure e convinzioni nate dopo anni di lavaggi del cervello, con l’intento di convincerci che un simbolo su un monitor possa avere chissà quale potere (lavoriamo 8/9/10 ore al giorno per dei numeri su di un display). Con che esercito dovremo presentarci per poterla fronteggiare ad armi pari?

A Eric Elms bastano una scatola di pennarelli e una fotocopiatrice. Prende un marchio intoccabile, ci piazza la sua personale versione di Killroy e se ne impossessa per sempre. Il gigante di leggi e burocrazia ha gambe d’argilla pronte a franare alla prima scossa. Nel volumetto (stampato in 1000 copie su carta da quotidiano) troviamo KFC, Mercedes, Paramount, Guess, Ferrari,… ma anche i Dead Kennedys e i Crass, Obama e Che Guevara, indicazioni stradali e simboli generici.

Eric Elms fa tutto suo, con una semplicità che ha dello spiazzante. Wish You Where Here potrebbe apparire stupido come solo le uova di Colombo riescono a sembrare. Eppure, proprio come il celebre precedente, ci fa capire come spesso il nostro problema più grosso sia la mancanza di uno sguardo lucido. Libero dalle mille sovrastrutture che ne indirizzano in maniera viziata la traiettoria. Ci voleva Killroy per ricordarcelo.

The Amazing World of Gumball!

2012-01-03T15:48:00.000-08:00

Umorismo surreale, tonnellate di stile, ritmo indiavolato e le solite svisate non proprio per bambini a cui ci ha abituato Cartoon Network. The Amazing World of Gumball strappa al comunque strepitoso (e lisergico e totalmente folle) Adventure Time il titolo di miglior serie animata del canale dai tempi di Le Tenebrose Avventure di Billy e Mandy (che rimarrà nella memoria di tutti noi per i vertici di sublime idiozia toccati lungo le varie stagioni). Il consiglio è di non farvi influenzare dal target di riferimento e di recuperare a ogni costo tutte le puntate di questo gioiello. Ne vale la pena anche solo per il livello tecnico e artistico fuori scala, capace di far apparire un sacco di megaproduzioni in CGI come relitti di un passato a velocità dimezzata.

Fritto misto alla cantonese: The Butcher, The Chef and The Swordsman di Wuershan (HK/2011)

2012-01-02T14:52:00.000-08:00

The Butcher, The Chef and The Swordsman è forse il miglior esempio di cinema hongkonghese dell’accumulo da almeno un lustro a questa parte. E si noti bene l’etichetta hongkonghese, mai come in questo caso indispensabile per differenziarsi dalla calma piatta delle megaproduzioni cinesi.

Quello con cui abbiamo a che fare è un prodotto completamente di superficie, ipercinetico e capace di modulare il suo umorismo da Fichi d’India a Peter Sellers (e viceversa) nel giro di due righe di dialogo. La pellicola del mongolo Wuershan rappresenta alla perfezione quel cinema umorale e puerile che ci aveva fatto innamorare di una poetica fatta di maschere popolari, montaggi vorticosi e fusione estrema di generi. Quando la mancanza di pretese era ancora in grado di generare linguaggi virtuosi e stimolanti, piuttosto che vuoto populismo auto rigenerante.

In The Butcher, The Chef and The Swordsman non esistono segmenti più lunghi di una manciata di secondi dove il regista non ci infili di forza (quasi sempre in maniera gratuita) la trovata a effetto. Allo stesso modo la trama è tanto idiota quanto arzigogolata, tra continui salti temporali e cambi di registro. Una leggendaria mannaia passa di mano in mano, acquistando ogni volta nuovo significato e missione. A questo si aggiungono vendette generazionali, Maestri d’alta cucina alla ricerca di un degno discepolo, bordelli tenuti in scacco da guerrieri spietati (e barbuti), macellai innamorati, prostituite manipolatrici e spadaccini privi di morale. Tutto abbondantemente condito da azione frastornante, sangue, urla e un montaggio tanto epilettico da ricordare una fusione tra Crank e Bangkok Loco. Non dimentichiamoci i tradizionali scippi (si legge “citazioni”) ad altre opere cinematografiche, come tradizione cantonese insegna (una volta incappai in un wuxia con Andy Lau totalmente musicato con la colonna sonora di Akira, penso in maniera non proprio legale). E se alcuni richiami al cinema occidentale sono palesi (Ratatouille) altri danno quasi l’idea di un doveroso pareggiamento di conti (Future Cops è del 1993, Scott Pilgrim del 2010. Capirete quando vedrete).

Difficile annoiarsi in una tale centrifuga di trovate e idee. Anzi, molto più facile scendere dalla giostra vagamente nauseati e rimbambiti dallo strepitio di un cast incapace di stare nelle righe. Per quanto ci si trovi alle prese con un cinema ultrapopolare è dura consigliare un film simile a chi non è pronto a una pietanza ricchissima di sapori spesso in dissonanza tra loro. Ed è un peccato per loro, perché The Butcher, The Chef and The Swordsman è (fin dal titolo) il perfetto antidoto a un certo minimalismo mumblecore/arthouse sempre più insidioso nei confronti dei generi puri. Se da una parte si cerca di valorizzare l’intrattenimento con l’utilizzo di ingredienti alti (e spesso ci si riesce, vedi il sorprendente Monsters di Gareth Edwards) qui il valore aggiunto viene dato dalla solidità con cui ci si innesta a una tradizione che rischiava di andare persa fra gli effluvi plastici di Zang Yimou. Wuershan riesce a ripartire dal dittico capolavoro A Chinese Odyssey di Jeffrey Lau. Classe, idiozia, paraculaggine e creatività. Tutto miscelato e servito bollente, fregandosene di oziose divisioni tra buono e cattivo gusto.

Nel culto della leggerezza possiamo trovare la storia di un cinema (e quindi di un popolo) che ha sempre eletto lo svolazzo estetizzante e trasversale a caposaldo irrinunciabile. Alla faccia di chi pensa che camera fissa e fotografia sgranata siano l’unica via per comunicare qualcosa di importante.

Chiusura Natalizia

2011-12-23T15:33:00.000-08:00

Ci leggiamo tra una decina di giorni. Intanto vedete di godervi abbuffate e pomeriggi svaccati in casa con amici e/o famiglia. O perlomeno questo è il mio programma fino a gennaio. Buone feste!

Vecchia scuola avanti tutta!: Neid - Il Cuore della Bestia

2011-12-23T15:23:00.000-08:00

La sbornia di trigger e suoni iper processati degli scorsi anni è stata grandiosa, ma doveva avere fine. Dopo aver portato alla ribalta una miriade di band talentuose e super preparate (anche se, onestamente, tutte identiche) lo scoppio della bolla non ha risparmiato nessuno, tranne forse Entity degli Origin. Che comunque non porta chissà quali innovazioni a un copione già rimesso in scena migliaia di volte. Per fortuna esiste la vecchia scuola, che puntualmente se ne esce dal suo letargo solo quando se ne ha veramente bisogno. Provate ad ascoltare lo strepitoso death slow-tempo dei Disma o il folle thrash-black alla velocità della luce dei Vektor (e se vi piace il genere anche l’ultimo Skeletonwitch è una discreta mazzata sui denti, seppur maggiormente improntato su ritmiche umane) per avere due splendidi esempi di come la musica pesante possa tornare a essere basata sulla potenza del riff e non sui ricamini. Non parliamo poi, finiremmo fuori tema, del totale culto settantiano di eccellenti combo come Graveyard o In Solitude. Dopo una manciata di anni tutti dissonanze e destrutturazione ci toccherà, ancora una volta, lasciare il passo a quelli del “non ci sono più le band di una volta”. Poco male, perché in un modo o nell’altro abbiamo la possibilità di accedere a un sacco di musica interessante. In cui inscriverei, senza alcun dubbio, gli italiani Neid.

Pensate al crustHC di matrice italica, dai Wretched ai primi Cripple Bastards, poi imbastarditelo con robuste dosi di grind e death melmosi e mai troppo decifrabili. Otterrete l’esatto contrario di quanto ricercato da band di ragazzini come The Faceless o Whitechapel. Un’insieme estremamente aggressivo e dinamico, eppure sfuggente e ruvido nel suo evitare ogni forma di barocchismo modernista. L’insieme sarebbe già abbondantemente originale e geograficamente localizzabile, eppure i nostri hanno voluto fare ancora di più. Intraprendendo la via del cantato in italiano, scelta che in territori estremi rischia sempre di giocare brutti scherzi. Ancora di più quando i testi non sono farciti delle solite cazzate metallare.

A tratti pare di trovarsi in un turbine dove convivono i torinesi Woptime e i Brutal Truth di Need to Control. Una cosa che personalmente non sentivo dai tempi dei mai dimenticati Corey. E, per quanto mi riguarda, ne sentivo la mancanza. Se da un parte sono felice che band italiane estremamente ricercate come i Fleshgod Apocalypse siano idolatrate dai mercati esteri, dall’altra la presenza di una scena “ignorante” e indirizzata a sbarazzarsi da ogni forma di orpello mi soddisfa a un livello più profondo. Ed è il motivo per cui un album come Il Cuore della Bestia riesce a essere apprezzato in pieno . O magari sarà per la sincera volontà di non nascondere le proprie origini (culturali e geografiche), per la pancia o per la semplice percezione che a questi ragazzi piaccia prima di tutto andare veloce e suonare a volumi esorbitanti. Se cercate un disco perfett(in)o siete fuori strada. In caso vogliate qualcosa di autentico, scritto con foga, lacrime e sudore allora la strada è quella giusta.

Ultima nota per l’artwork, a opera del combo Giorgio Santucci + Carlo Bocchio. Dritto ed eficace come tante photoshoppate non potranno neppure mai provare a essere.

Risposte bizzarre per domande frizzanti

2011-12-21T15:17:00.000-08:00

A dimostrazione che il metal porta tanto amore (sempre in riferimento al famigerato post Darker Than Black) da oggi su FrizziFrizzi una simpatica intervista al sottoscritto circa concezione e gestazione di Bizzarro Magazine.

[Amo la mia vita di merda] Fuck This Life 16 di Weirdo Dave (And Press)

2011-12-21T15:11:00.000-08:00

Cosa è Fuck This Life? Riducendolo ai minimi termini non abbiamo tra le mani che 28 pagine fotocopiate in b/n, riempite con ritagli di giornale incollati con diligenza da scolaretto. Articoletti di cronaca nera, frammenti di pornografia, pubblicità, cartoni animati e un sacco di altra roba. Tutti ritagliati con cura e disposti in ordine, come in un album fotografico di famiglia. Apparentemente non esiste una vera logica, se non qualche richiamo tematico piuttosto labile. Ci fosse stato in mezzo un Harmony Korine qualsiasi probabilmente avrebbe arricchito il tutto con qualche innocua uscita inscrivibile nel tremendo calderone dell’artsy fartsy. Sapete di cosa si tratta, no? Disegnini tremolanti, macchie finto casuali, scritte prive di senso. Magari avrebbe reso il tutto un po’ più commestibile, ma il senso finale ne sarebbe uscito stravolto. Un bel manifesto anti-consumista a misura di radical chic, disturbante il giusto. Quindi perfetto per i salotti buoni della cultura. Esattamente agli antipodi di dove mi vogliono portare queste pagine stampate e distribuite con ammirevole coraggio dalla And Press.

Tanto per essere chiari: nella testa di Weirdo Dave l’idea di criticare la produzione di bassa macelleria culturale composta da pornografia, rotocalchi e pubblicità non esiste proprio. Anzi, Dave adora tutto questo. Fuck This Life è il suo album di nozze. Lo scrigno dei tesori di un bambino che ha passato troppo tempo solo davanti alla TV. Non parliamo del nobile rapporto d’amore tra Warhol e Brillo, qui si tratta proprio di un amplesso lercio e puzzolente consumato nei bagni della stazione.

Logico che al fruitore medio questi collage sospesi tra autismo e serial killer in potenza appaiano come gratuiti e dozzinali. Il punto sta tutto nel fatto che lo sono, senza tante ipocrisie. Fuck This Life è brutale e trasparente (con un titolo così cosa ti aspetti?). Non c’è malizia, ironia o, tanto meno, sovrastrutture. Tra le sua pagine troverete solo accumulo di sesso e mercanzia a basso costo, disposti bene ordinati come la casalinga di Voghera ripone la spesa del sabato mattina. E, per quanto l’orgoglio ci impedisca di riconoscerlo, in questa metodica religione da hard discount bene o male ci siamo caduti tutti almeno una volta. Non fa nulla se leggiamo tanti libri difficili e ci riempiamo la bocca con parole altisonanti. Arriverà il giorno in cui ci sorprenderanno a razzolare (metaforicamente) nella spazzatura.

Weirdo Dave invece lo fa con un bel sorriso stampato sul volto. Prende i suoi tesori e li riproduce nel modo più dozzinale possibile (la fotocopia). L’assenza di freni nell’amare questa massa informe di rumore (nel senso di fastidio, distrazione) lo ha spinto poi a creare un modo per diffondere queste sue composizioni a più ampio raggio possibile (riuscendoci, visto che siamo arrivati al numero 16. Senza contare che i primi numeri sono raccolti in volumi sponsorizzati da gallerie d'arte e da brand come Supreme). Marshall McLuhan ci sarebbe andato a nozze, Walter Benjamin forse un po’ meno (eufemisticamente).

Fuck This Life è una di quelle idee che potrebbero esistere anche solo come astrazione. Perché, nel suo ipermaterialismo, è il concetto che ci sta dietro ad avere (un immenso) valore. La possiamo acquistare o meno, ma il fatto che qualcuno abbia pensato di realizzare e pubblicare una fanzina di questo tipo rimarrà comunque. E non esiste modo migliore per farci capire che nella spazzatura ci stiamo affogando.

Vacanze romane con Passenger Press e 55DSL

2011-12-20T13:27:00.000-08:00

Fuori giusto in tempo per Natale la nuova tshirt Passenger Press x 55DSL, questa volta realizzata solo a quattro mani (mie e di Christian). Per godervela vi invito a farvi un giro su FrizziFrizzi, dove Simone si è perfino sbattuto a confrontare materiale originale con prodotto finito. Direi che gli dei del metallo (parlo proprio di te, Ronnie James) ora possono perdonarlo.

Topi, metallari e orfani: Hesher di Spencer Susser (US/2011)

2011-12-19T10:07:00.000-08:00

L’elaborazione del lutto rimarrà sempre uno dei temi più affascinanti e complessi da trattare attraverso la narrazione. Tra i numerosi esempi di opere tangenti a questo spunto Hesher rischia di rimanere nella memoria come uno dei casi più originali e sentiti. Mi spiace dover anticipare ampie porzioni della pellicola, ma è inevitabile per poterne analizzare i tratti principali.

Fulcro di tutta la vicenda è T.J., un ragazzino rimasto orfano di madre da un paio di mesi. La sua vita si consuma tra la scuola (dove viene vessato da un bullo), la casa della nonna malata (dove vive assieme al padre depresso) e lo sfasciacarrozze (dove giace la carcassa della macchina in cui è morta la madre). In poche parole, un disastro totale.

Con l’incontro di Hesher, un metallaro vagabondo dedito a bong e pornografia, le cose non fanno che peggiorare. Trasferitosi senza motivo a casa del ragazzino, spingerà il suo malessere al limite. Mettendolo nei guai con la legge, facendolo pestare da altri ragazzini, minacciandolo di morte. E qui le cose incominciano a farsi complicate.

Si prenda il rapporto che hanno i componenti della famiglia del protagonista con l’intruso: T.J. lo odia e non sono rare le esplosioni di rabbia inconsulta nei suoi confronti, il padre si comporta come se ci fosse sempre stato e come se fosse destinato a rimanere per sempre, la nonna ci va d’accordo. Anche Hesher pare trovarsi piuttosto bene con l’anziana signora, trattandola con rispetto e stringendo un’amicizia sincera.

E proprio alla sua nuova confidente lo scapestrato ospite racconta di come sia morto il suo serpente domestico. Messo alla berlina da un piccolo topo destinato a diventare il suo pranzo e reso nudo nella sua imbattibilità solo apparente. Una volta svelato l’inganno il predatore è destinato a morire di fame.

A questo punto la metafora si fa un po’ più chiara. Hesher non è la spalla che riuscirà a far superare a T.J. le sue paure. Hesher è la morte, il lutto, il serpente.

Siamo agli antipodi dello spiegone alla Il Sesto Senso, sia ben chiaro. Anzi, probabilmente questa è solo una delle diverse interpretazioni possibili. Anche se il personaggio di Natalie Portman sembra avvalorare questa tesi (una ragazza disperata e senza futuro, finisce per flirtare con Hesher dopo aver urlato ai quattro venti quanto la sua morte non sarebbe notata da nessuno).

Ben presto il giovane protagonista si rende conto che la sua vita non può essere condizionata per sempre da un fattone ributtante. L’unico modo per scacciare il molesto visitatore da casa propria è imparare a conviverci. Trovarci lati positivi. E ce lo spiega lui stesso al funerale della nonna (l’avevo detto che si trovava fin troppo bene in compagnia del suo nuovo amico…) in un epico monologo a base di testicoli persi, poco prima del catartico finale.

Il tutto incorniciato una messa in scena sommessa, sotto un cielo perennemente grigio da suburbia votata al non luogo. Rainn Wilson si conferma un attore di primissimo livello, straziante nel ruolo del padre depresso. Ed è merito suo se la scena chiave di tutta l’opera, quella che la chiude prima dell’inevitabile epilogo, risulta di una potenza devastante (un po’ come era stato per Super, che qualcuno ha avuto il coraggio di definire come conciliante e buonista).

Hesher è un film minuscolo, scritto benissimo e girato anche meglio. Ogni scelta facile è bandita senza mezze misure, facendolo risultare in più casi ostico e quasi sgradevole. Ma si sta pur sempre parlando di un dodicenne rimasto senza mamma, cosa vi aspettavate?

AdWeek e gli spot più bizzarri del 2011

2011-12-15T16:15:00.001-08:00

Con l'avvicinarsi di gennaio scatta inevitabilmente la corsa alla classifica di fine anno. AdWeek ci mette del suo e consegna ai posteri le peggio stranezze della comunicazione 2011. Dentro ci trovate di tutto, compresi lavori di David Lynch, Harmony Korine e Darren Aronofsky. Trovate tutto qui. E ora il mio personale podio (caricati belli grossi così non vi perdete neppure una briciola di nonsenso gratuito):

Altro che 3D, con Murakami il cinema è superflat!

2011-12-14T16:06:00.000-08:00

A parte la triste battuta nel titolo, che avremo capito in tre, la segnalazione è davvero, davvero succosa.

Apprendo infatti solo ora, grazie ai ragazzi di Asian Feast, che il grande Takashi Murakami è al lavoro sul suo primo film lungo da regista (al suo attivo per ora ha solo un corto per Louis Vuitton, tra l'altro bellissimo). Genere? Commedia. Coinvolte praticamente tutte le menti dietro alla Sushi Thypoon (sì, proprio quelli che a colpi di splatter demenziali hanno rovinato la percezione del cinema nipponico all'estero). La cosa mi inquieta parecchio. Tra gli artisti convertiti al cinema mi sovvengono il premio Turner Steve McQueen e il grande Robert Longo. Il primo ha diretto un paio di capolavori, il secondo Johnny Mnemonic. Da che parte starà l'asessuato (parole sue) Murakami?

Gabriele Arruzzo, mash-up culture e l'appropriazionismo di Richard Prince

2011-12-12T12:30:00.000-08:00

Avevo già parlato di Gabriele Arruzzo qui. Dopo aver dato una lettura al suo catalogo e aver osservato attentamente le suo opere mi pare doveroso dedicargli un articolo un pò più approfondito.

La mash-up culture non ha mai avuto vita facile. Percepita dai più come un mero furto ai danni di artisti “veri” da parte di furbi DJ incapaci di produrre musica loro, ci ha regalato invece diversi lavori di livello eccellente. Parliamo per esempio delle uscite dell’americano Girl Talk (i cui dischi sono in download gratuito), Danger Mouse (quello del Grey Album, geniale fusione tra il Black Album di Jay-Z e il White Album Beatlesiano) o dei The Kleptones.

Per quanto un Simon Reynolds (autore di Retromania per Isbn) possa odiare questa recente branca della cultura pop è innegabile come in realtà si stia assistendo a un’appropriazione della produzione di massa da parte della massa stessa. Se i tre esempi citati sopra sono da considerarsi a un livello assolutamente non raggiungibile dal principiante, da parte sua l’esplosione di trailer fan-made, parodie, ri doppiaggi su Youtube ci ha dimostrato come tutti possano fagocitare l’immenso mare di dati che ogni giorno ci arriva addosso. Per poi risputarlo sminuzzato e ridotto a una poltiglia che ne rivela il valore effettivo.

Se è vero che l’eccesso di utilizzo di Google e Wikipedia ci sta rendendo tutti un po’ più stupidi (parole del giornalista americano Nicholas Carr), incapaci di ricordare più di due nomi e tre date, è altresì corretto il fatto secondo cui siamo più coscienti di quanto l’industria dell’intrattenimento (tanto per dirne una) ci stia offrendo. Aprendoci gli occhi a 360 gradi e dandoci la possibilità di migliorarlo noi stessi.

Non è sempre frutto della fortuna del neofita se spesso le produzioni amatoriali caricate su YouTube siano mille volte meglio di quelle prodotte dalle major (dal caso Italian Spiderman alla nostrana Freaks!). Rimanendo nell’ ambito mash-up i vari rimontaggi di materiale edito creano spesso trailer capaci di evocare emozioni ben più forti di quelli ufficiali (ormai realizzati con lo stampino).

Per esperienza personale posso dire che ho consumato l’ultimo disco di Girl Talk, pur detestando la gran parte delle canzoni utilizzate al suo interno. Dura sostenere che l’accoppiata Missy Ellitot + Ramones non sia una bomba.

E non è un neppure un caso che YouTube venga indicato da Gabriele Arruzzo, abile nel traslare i fondamenti del mash-up nella pittura su tela, come una delle sua principali fonti di ispirazione.

Una foto del computer dell’artista con accanto la dicitura “G.A.’s images archive, work in progress, 2011 to present” (dal catalogo Essere un’isola) ci fa capire come l’atto performativo del raccogliere in maniera compulsiva materiale iconografico sia in realtà parte integrante dell’iter che lo porterà alla tela conclusa. Prendere frammenti di stampe di 50 anni fa, fonderli e riprodurli in dimensioni esagerate (si arriva al 2,50 x 2 m di Something about me and you) significa caricare di significato nuovo e importante segni altrimenti destinati a essere dimenticati. Si prende il passato e lo si rende futuro. Migliorandolo, limandolo, immergendolo in un nuovo contesto.

Nel suo catalogo Arruzzo definisce le figurine della gioventù Hitleriana meravigliose. Una volta osservato come queste finiscano inglobate nella sua poetica è impossibile non dargli ragione. Così mille schegge di cultura bassa passano per le lenti decontestualizzanti della bottega d’artista e diventano completamente nuove. Nonostante siano state riprodotte in maniera identica (non esiste compenetrazione tra i vari livelli del quadro, che vanno a lavorare esattamente come quelli di Photoshop). Proprio come nei dischi di Girl Talk e nei quadri di Richard Prince (con le dovute proporzioni, eh. Che il Maestro non si tocca) l’appropriazione non è nascosta o mascherata. Il dj americano pubblica la lista di dischi da cui ha estrapolato i sample mentre il pittore espone il romanzetto pulp da cui ha “copiato” (migliorandola) la copertina. Allo stesso modo il Nostro pubblica un volume dove lo si vede catalogare immagini scannerizzate e rielaborarle con gli strumenti Adobe prima di passare alla fisicità di acrilico e pennelli. Nulla è nascosto. Proprio come Jake e Dinos Chapman quando esponevano stampe di Goya arricchite con particola ancora più raccapriccianti.

Così il risultato rende inoffensive immagini terribili o, viceversa, perturbanti frammenti innocenti. Saranno copiati, ma nulla è più come prima.

Astron-6 finalmente in DVD!

2011-12-09T09:24:00.000-08:00

I ragazzi di Astron-6 hanno sempre saputo come farsi voler bene: scorretti, talentuosi, pieni di idee grandiose nonostante i budget inesistenti. Dopo aver vinto praticamente ogni premio per il cinema indipendente sulla faccia della Terra (compresi 6 awards al Toronto After Dark 2011, per un lungo costato 10000 dollari e finanziato da Lloyd Kaufman) era ora che qualcuno si decidesse a raccogliere la loro opera omnia su supporto fisico. Siccome siamo ragazzi fortunati esiste la Troma. Dove hanno pensato bene di prendere oltre 4 ore di corti, medi, finti trailer e un sacco di altra robaccia e di spalmarla su 2 dvd. Come un saggio ha disse su Twitchfilm "se non ci trovate nulla che vi diverte probabilmente siete un pò morti dentro". Amen.

Pagine serie: Il Memoriale della Repubblica di Miguel Gotor (Einaudi/2011)

2011-12-07T14:45:00.000-08:00

Poche righe per consigliare un titolo che poco c’entra con gli argomenti solitamente trattati su queste pagine, incapaci di essere tanto neri e terribili quanto le pagine di cui vado a parlare. Il Memoriale della Repubblica di Miguel Gotor cerca di ricostruire, attraverso una ricerca che tira in ballo una mole immensa di riferimenti, l'iter delle pagine scritte a mano (e successivamente fotocopiate e battute a macchina) da Aldo Moro nel corso della sua prigionia. Un documento su cui si sono fatte tutte le supposizioni possibili, cercando in ogni modo di capire quante possano essere le pagine mancanti e (soprattutto) cosa ci potesse essere scritto di così sconvolgente. Uno dei grandi misteri d’Italia.

La triste vicenda è così incredibile da sembrare in più frangenti la trasposizione in prosa di un film spionistico, con tanto di organizzazioni sempre più sotterranee, cattivi amorali e macchinazioni internazionali. Peccato che sia tutto vero e riguardi la storia della nostra nazione. Dal 1978 a oggi sono passati più di 30 anni, eppure in quel dedalo di insabbiamenti e decisioni Machiavelliche ci si può leggere un ritratto del nostro paese perfetto anche per i nostri giorni. Tanto per dire quanto lo sviluppo della nostra società si sia bloccato in un frangente che pare dilatarsi all'infinito.

Miguel Gotor fa l’impossibile rendendo appassionante e scorrevole un tomo di oltre 600 pagine composto per lo più da nomi, date, stralci di documenti giuridici e riferimenti alla politica del periodo. Il ritmo di lettura è appesantito solo dalla sua maniacale precisione nel voler far quadrare ogni osservazione e nel contestualizzarla nella maniera più oggettiva possibile. In questo senso il lavoro dell’autore è straordinario, raccogliendo in una forma fluida e godibile anni e anni di ricerche su argomenti non proprio appetibili per il grande pubblico (me compreso).

Il Memoriale della Repubblica può essere letto in vari modi. Indignandosi per la gesta infami e vigliacche della nostra classe politica oppure lasciandosi affascinare da quanto ci sia ancora da scoprire sulla nostra storia recente. In qualsiasi caso una lettura importante e un bel saggio su come liberare un tomo impossibile su di un pubblico più vasto di quello a cui sarebbe solitamente indirizzato. Senza scadere nel Lucarellismo spicciolo (cosa più importante).

Non tutto lo straight-to-video viene per nuocere: Slave Girls From Beyond Infinity di Ken Dixon (US/1987)

2011-12-02T23:27:00.000-08:00

Slave Girls From Beyond Infinity è una di quelle sorprese che ti migliorano tutto d’un colpo la giornata. Scoperto per puro caso cercando informazioni su vari filmetti intravisti in Machete Maidens Unleashed, l’ho affrontato con tutta la diffidenza del caso. Leggendo la sinossi e guardando il trailer si ha l’impressione di avere a che fare con qualcosa di fin troppo sgangherato , pericolosamente vicino al truffaldino concetto di “tanto brutto da essere bello”. Si consideri poi che il film precedente del regista Ken Dixon è una compilation di trailer a tema zombesco. Per usare un eufemismo la voglia di affrontare questo oggetto non identificato era veramente al minimo. E mi sarei sbagliato, perché Slave Girls From Beyond Infinity è uno dei titoli più intelligentemente divertenti che mi sia trovato a visionare negli ultimi mesi.

A fronte di un’effettistica zero- budget e una trama delirante abbiamo continui contrappunti di classe cristallina, sia a livello registico che di scrittura. L’ironia profusa è brillante, fin troppo consapevole di sé per essere frutto della goffaggine di un regista trovatosi alle prese con uno straight to video da portare a casa in 3 settimane.

Slave Girls From Beyond Infinity parla delle rocambolesche avventure di Daria e Tisa, due procaci schiave in fuga da misteriosi carcerieri intergalattici. Una volta conquistata la libertà saranno costrette a un atterraggio di emergenza su di un pianeta coperto da una folta giungla. Lì conosceranno il loro nuovo aguzzino, il folle Zed. Ricco annoiato con la passione per la caccia.

A partire dalla costruzione delle protagoniste tutto è giocato sulla conoscenza della materia b-movie da parte dello spettatore. In un modo o nell’altro le due ragazze sono in biancheria intima per tutta la durata del lungometraggio, eppure la loro presenza non è quella del tipico specchietto per allodole da exploitation. Intelligenti, consce della loro femminilità, coraggiose e più che disponibili a sporcarsi le mani sovvertono il solito ordine di valori tipico del filone. E non è finita qui, perché Dixon si dimostra tanto intelligente da evitare perfino l’errore inverso. Non c’è spazio per bad-girl traboccanti testosterone. Daria e Tisa rimangono donne per tutto il tempo, non perdendo mai la classe che gli conviene (sempre ben pettinate, sagaci e mai sboccate). Così può succedere che la loro bellezza gli permetta perfino di sedurre dei robot di guardia (giuro! E dalla scena, già abbastanza surreale di sé, derivano un paio di siparietti da applauso a scena aperta), senza dimenticare di menare le mani nel caso qualche moina non basti.

Il mondo dove le Nostre sgambettano da un’avventura all’altra è un guazzabuglio di generi e suggestioni tanto colorato da rivaleggiare ad armi pari con quello di Yor, del mai dimenticato Antonio Margheriti. Dalla fantascienza più camp al gotico stile Hammer, senza dimenticare puntatine nel cappa e spada e sfumature prese in prestito ai monster movie di matrice tropicalista. Il resto lo fanno i fondali di cartapesta, la nebbiolina, i costumi di gomma e i modellini. Tutto in 75 minuti di puro divertimento, mai banale o ammiccante. Quando Daria e Tisa riescono a fuggire dal loro aguzzino rubandogli l’astronave ho quasi ululato dalla felicità nel notare i copri sedili zebrati e la classe con cui tale particolare viene quasi celato. Alla stessa maniera, verso la metà del film, due dei prigionieri del folle Zed si aggirano per la sua stanza dei trofei. Il commento musicale subisce una variazione ogni volta che una forma vagamente umanoide entra nell’inquadratura, come a volerci sottilmente suggerire a cosa si andava in contro. Trovate non certo tipiche delle produzioni video anni '80.

Slave Girls From Beyond Infinity non è un kolossal, e neppure un capolavoro d’autore. Ma rimane un gioiellino irrinunciabile. Proprio come le sue protagoniste ci attira con le sue promesse sguaiate per poi conquistarci con classe e intelligenza. Mantenendo sempre un ritmo frizzante, consegnandoci un cattivo più che credibile (merce rara, lo sapete bene) e ficcando in sceneggiatura robot erotomani e un rip-off di Predator da non crederci. Grandioso.

Volevi fare il simpatico ma hai fatto una figura del cazzo

2011-12-01T05:18:00.000-08:00

Radio è un progetto portato avanti da Marco Klefisch, funambolico illustratore, e Xister Project, quelli di PicNic Comics. L'idea sarebbe quella di fornire a curatori sempre diversi uno spazio espositivo sui generis, dove sperimentare nella maniera più pura. Il discorso è un pochetto più complesso e vi rimando direttamente al loro sito per chiarirvi le idee.

La prossima mostra si intitolerà Darker Than Black e si baserà su tutto l'immaginario portato avanti dal metal più oscuro, dai Black Sabbath fino al black norvegese. L'esposizione si comporrà di una serie di rifacimenti fotografici a opera di Federica Chiesa delle più importanti copertine della storia della musica del demonio. Tutto coordinato da Scarful. O almeno questo ho capito dal sito, anche se non è questo il punto della questione.

Inutile dire che l'idea è meravigliosa, sul pezzo e sopratutto di rottura. Una forma di espressione per troppo tempo considerata bassa e "ignorante" riceve finalmente la sua benedizione da un gruppo di creativi in vista e affermati. Senza contare che tutti i nomi coinvolti meriterebbero una mostra a sé stante, tanto hanno da dire.

Peccato che siamo in Italia, dove chi si fa il culo per una cosa del genere rischia di essere preso per deficiente. Leggete questa intervista, pubblicata su uno dei portali di coolhunting più noti d'Italia (e quindi, si dovrebbe pensare, più allineati a una certa mentalità globale e aperta a ogni forma di espressione). L'ironia totalmente fuori posto, la voglia di essere leggeri quando non ce n'è nessun bisogno, la mancanza di rispetto per l'interlocutore. Ma sopratutto i luoghi comuni, la chiusura mentale e i piedi ben piantati nella sana provincia italica. Se tu ti strappi i capelli per gli Arcade Fire sappi che al'estero i biglietti per un festival non proprio friendly come il Roadburn finiscono in meno di 10 minuti (quest'anno 7, per la precisione) e gente come i Wolfes in the Throne Room vengono incensati da chiunque. Tanto per fare due esempi a caso. Quindi vedi un pò cosa fa più ridere, se Darker Than Black o la tua superficialità.