Ce tableau qu’Expertissim met en vente actuellement est un détail d’une toile peinte en 1815 par Pierre-Narcisse Guérin. Héritier de David, Guérin est l’un des chefs de file de la seconde période néo-classique et assure la transition avec la génération suivante puisqu’il est le maître de Géricault, Delacroix, Paul Delaroche et Ary Scheffer. Enée et Didon marque d’ailleurs une évolution dans l’œuvre de Guérin qui passe ainsi d’un classicisme sévère mais expressif à un style plus alangui et aimable.

 L’artiste s’est ici inspiré de L’Enéide où le poète latin Virgile relate le mythe d’Enée et de Didon.  
Enée s’est enfui de Troie, en ruines, avec son père Anchise et son fils Ascagne. Les dieux de l’Olympe lui ayant prédit qu’il fonderait un royaume en Italie, en l’occurrence Rome, il fait escale au cours de son périple à Carthage, cité récemment fondée en Afrique du Nord par la reine Didon.
Alors qu’Enée raconte la chute de Troie, la souveraine, touchée par Cupidon déguisé en Ascagne, tombe amoureuse du troyen. Le détail du tableau d’Expertissim montre ainsi Ascagne/Cupidon enlevant du doigt de Didon un anneau donné par son défunt époux. Une grande passion s’ensuit alors entre le héros troyen et la reine carthaginoise.



Cependant, les dieux de l’Olympe rappellent à Enée qu’il a un devoir à accomplir et celui-ci est donc contraint de quitter Carthage. Furieuse et désespérée, Didon fait brûler tous les souvenirs qu’il lui reste de son aimé et se tue avec une épée laissée par Enée.
Plus tard, lorsqu’il descendra aux Enfers avec la Sybille de Cumes, Didon refusera de lui parler et de lui pardonner son départ.  

Hérodote donne un récit mémorable de la mort de Cyrus le Grand, vaincu par Thomyris, reine des Massagètes. Après avoir soumis les peuples d’Asie Mineure et de Babylone, Cyrus est encore avide de conquêtes. Il jette son dévolu sur les terres gouvernées par Thomyris qu’il essaie d’abord d’amadouer en lui proposant un mariage. S’étant heurté à un refus, Cyrus franchit la frontière à la tête de son armée. Il réussit à faire prisonnier le fils de Thomyris. Cependant, le jeune homme se suicide pour éviter de servir de monnaie d’échange. La reine lance un ultimatum à Cyrus : soit il retire son armée soit il paiera les conséquences de son arrogance. La bataille qui s’ensuit sera selon Hérodote « le combat le plus violent de tous ceux qui se sont livrés entre barbares ». Elle s’achève par la mort de Cyrus. Thomyris ordonne alors que son corps soit retrouvé pour être décapité. Sa tête sera plongée dans un récipient rempli de sang humain dont il avait une soif inextinguible.

 Cette histoire de vengeance cruelle a donné lieu à des interprétations diverses, aussi bien chez les philosophes que chez les artistes. Hérodote et les Grecs anciens assimilaient Cyrus au héros malheureux d’une tragédie d’Eschyle dont la morale évoquait le caractère impénétrable du destin. Plusieurs siècles après, les philosophes stoïciens estimaient que Cyrus était le fautif. Se croyant invincible, il s’est laissé entrainer par son appétit insatiable de conquêtes jusqu’à enfreindre l’ordre naturel des choses. Sénèque, dramaturge stoïcien par excellence, a consacré pas moins de neuf tragédies à l’énumération des châtiments que les dieux infligent à ceux qui transgressent les lois naturelles comme Cyrus.
Le Moyen Age chrétien se rangea derrière les stoïciens pour jeter le blâme sur Cyrus, jugé coupable de la même sorte d’orgueil répréhensible qu’Holopherne, le persécuteur assyrien des Hébreux. C’est ainsi que Thomyris, par analogie avec Judith, est introduite dans le culte médiéval des « preuses » ; ces femmes fortes dont l’héroïsme se base sur une exemplarité morale.

Pierre Paulin est la figure incontournable du design français de la seconde moitié du XXe siècle. C’est à lui que Georges Pompidou et François Mitterrand font appel pour meubler l’Elysée sous leurs mandats.

 Né le 9 juillet 1927 à Paris d’un père français et d’une mère suisse allemande, Pierre Paulin a grandi à Laon où il se rêve sculpteur avant de débuter comme tailleur de pierre puis céramiste.Après avoir fait l’école Camondo à Paris, il entre comme dessinateur de formes chez le décorateur Marcel Gascoin. Influencé par le mobilier scandinave, l’épure japonaise et les productions américaines de Charles et Ray Eames, Pierre Paulin choisit de créer un mobilier simple et fonctionnel, caractéristique de l’après-guerre. Si ses créations s’inscrivent dans la recherche industrielle de l’époque, ses idées audacieuses ont été souvent reprises par les générations suivantes.

 Plus connu à l’étranger qu’en France tout au long de sa carrière, il a pourtant exposé au salon des Arts ménagers dès 1953. Dans les années 60, Paulin recouvre ses sièges de jersey ou de stretch, cachant leurs structures. Il crée notamment le fauteuil Ribbon doté d’un pied sculptural mais aussi le Mushroom, qui deviennent des modèles iconiques.

Le Musée Magritte sera dans son domaine le centre de référence mondial pour la connaissance de l’artiste.

Pour la première fois, l’aventure Majorelle fait l’objet d’une rétrospective à Nancy, sa ville d’origine. Au-delà de la célébration du 150ème anniversaire de la naissance de Louis Majorelle, l’exposition Majorelle, un art de vivre moderne, fait revivre l’œuvre de l’artiste et de sa manufacture des prémices de l’Art nouveau au vocabulaire moderniste des années 30/40, en une succession de styles qui façonnèrent une réputation d’élégance et de qualité jamais démentie.  

Homme discret et modeste, Louis Majorelle aimait à se définir comme un «industriel d’art» : sa production associe et revendique des meubles d’art et de série, diffusés à travers le monde grâce à une organisation commerciale performante. Homme de son temps, Louis Majorelle était à l’écoute de la modernité. Son style sut s’adapter tant aux évolutions formelles et décoratives qu’aux pratiques et modes de vie d’une société nouvelle. 

La présente exposition, avec 170 pièces choisies pour leur exemplarité, leur diversité et leur réussite conceptuelle, rend aujourd’hui un premier hommage appuyé aux talents incomparables de la Maison Majorelle, initiés par Louis et poursuivis pendant presque trente ans par ses frères et anciens collaborateurs.  

Du 2 Mai au 30 Août 2009 aux galeries Poirel à Nancy (exposition organisée par le musée de l’Ecole de Nancy). 

Retrouvez sur Expertissim un exemple du savoir-faire de Louis Majorelle en collaboration avec Antonin Daum.

Bien que l’intérêt de Picasso pour la céramique remonte à son enfance, ce n’est qu’en Juillet 1946, à Vallauris, village dans le sud de la France, qu’il conçoit ses premiers essais en argile dans l’atelier Madoura dirigé par Georges et Suzanne Ramié. Impressionné par les possibilités et résultats que lui offrent cette technique, et séduit par « la ville aux 100 potiers », Picasso s’installe à Vallauris en 1948 et y séjourne jusqu’en 1955. 
C’est alors le début d’une longue aventure riche en créativité. Au cours de ces années, Picasso apprend les techniques traditionnelles de la céramique auprès des artisans de l’atelier, et s’appuie sur les conseils avisés de Suzanne Ramié. A ses débuts, il réalise des décors sur des objets usuels tels que des pichets ou des assiettes. Mais très rapidement, il acquiert un grand savoir-faire et ne tarde pas à explorer de nouvelles techniques, tant au niveau de la forme que du sujet peint. Il donne libre cours à son imagination et conçoit des sujets inspirés par le support même de la céramique. Il crée des formes innovantes, telles que le vase Gros oiseau visage noir (1951) ou encore les pichets Chouette dont la forme et le décor représentent l’oiseau même : le bec, le centre arrondi transformé en corps, les incisions suggérant le plumage.

Rien n’est inutile pour ses conceptions, s’appropriant tout ce qui lui tombe sous la main et allant même jusqu’à réutiliser les morceaux cassés de poterie tombés sur le plancher de l’atelier. Il réalise ses œuvres avec les techniques les plus diverses: décor incisé, engobé, émaillé… 

Durant cette période, Picasso traite aussi le thème de la corrida. Il décrit sur des assiettes ou des plats l’ambiance agitée de la course de taureaux en peignant les matadors, les chevaux, les spectateurs, le soleil et l’ombre… Il démontre ainsi son intérêt envers la tauromachie et son habileté à exploiter le volume que lui offrent ces objets domestiques. 

En effet, à la différence de ses dessins, peintures et gravures, la céramique était pour Picasso une opportunité de peindre sur un espace volumétrique. C’est par le moyen de ce support que Picasso expérimenta de nouvelles conceptions dans son œuvre. 

Jusqu’à la fin de sa vie, Picasso continua à produire plus de 3500 vases, assiettes, plats et cruches avec l’atelier Madoura. En témoignage de reconnaissance à Suzanne et Georges Ramié, il donna l’autorisation à l’atelier Madoura d’éditer certaines de ses céramiques avec la volonté que celles-ci retrouvent une fonction utilitaire: “J’ai fait des assiettes, on vous a dit? Elles sont très bien. On peut manger dedans (…)” dit-il à André Malraux. 

Expertissim vend en ce moment une charmante assiette issue de cette production de Picasso trop méconnue du grand public.

Après une enfance aisée en Bulgarie, Julius Mordecai Pincas connaît quelques tourments au sein de sa famille, qui désapprouve son attrait pour l’art (auquel il commence à se former dans les écoles de Vienne et Budapest) ainsi que la relation qu’il noue avec une courtisane, par ailleurs tenancière d’une maison close. Il change alors son nom en Pascin et part pour Munich, où il poursuit sa formation et collabore avec un journal satirique, Simplicissimus, dans lequel il publie des dessins à la fois grinçants et érotiques.
Au début du XXe siècle, la Bavière est alors le point de ralliement des artistes : c’est là-bas que se fonde “Le cavalier bleu”, collectif d’expressionnistes sous la houlette de Klee ou Kandinsky. Pascin absorbe de l’expressionnisme cette vision subjective de la réalité qui restera une constante dans toute son œuvre.  
Puis il s’installe à Paris, en 1905, où il fréquente le milieu artistique. Il s’intéresse tour à tour au fauvisme et au cubisme, mais se distingue rapidement par sa représentation de la vie parisienne, et notamment de la nuit. L’image de la femme, souvent dénudée, est également au cœur de son œuvre.
Durant la première guerre mondiale, Jules Pascin se voit contraint de quitter la France pour les Etats-Unis. Dès lors, il parcourt ce pays et le monde, entre l’Italie, le Portugal, Cuba ou encore la Palestine, rapportant de ses voyages nombre d’inspirations.

Jamais, malgré le succès de ses peintures, Pascin ne s’éloigne du dessin, qui reste à la base de toute sa production. Au fil des années, sa vision se fait de plus en plus intérieure, ses dessins perdent en construction et en détails pour gagner en mouvement. Le trait s’accélère et devient presque tremblant.
De 1900 à 1930, les courants se multiplient et s’opposent. Pascin, lui, reste inclassable. Il détruisit notamment presque toutes ses toiles cubistes, par crainte de s’affilier à une étiquette précise. Perméable aux nouveautés, attentif à ses contemporains, il sut utiliser son époque pour alimenter son propre art.
Toujours fidèle à ses envies, Pascin a toutefois fini par “faire du Pascin”, prisonnier de son succès. Ce n’est pas un hasard s’il met fin à ses jours à la veille d’une exposition qui lui était consacrée. “J’en ai marre d’être un proxénète de la peinture. Je n’ai plus aucune ambition, aucun orgueil d’artiste”, explique-t-il dans la lettre qu’il laisse à sa mort.