EXT-INT. Il blog sul cinema

I Soprano

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Sun, 02 Sep 2012 08:55:00 +0000

Per gli amanti del genere "gangster", "I Soprano" rappresenta un serie imperdibile. Ideata da David Chase, la serie è composta da sei stagioni, la prima delle quali è andata in onda nel 1999 e l'ultima nel 2007 per HBO.

Contrariamente a quanto ci si possa aspettare, "I Soprano" è una serie che va oltre le "normali" vicende malavitose narrate nella serie.

Diventa più un'analisi psicologia del protagonista, Tony Soprano, interpretato da un fantastico James Gandolfini, che si barcamena nel suo nuovo ruolo di boss.

Ambientato nel New Jersey, la serie analizza l'aspetto psicologico di Tony, che colpito da attacchi di panico, si ritrova a sottoporsi a delle sedute di psicoterapia con la dottoressa Jennifer Melfi.

Si affrontano quindi tutte quelle dinamiche psicologiche della vita del protagonista in relazione all'aspetto malavitoso, alla sua famiglia, all'ambiente nel quale si trova a vivere.

Originario di una famiglia di Avellino, Tony, che è "figlio d'arte", si ritrova a dover affrontare tutte quelle difficoltà e lo stress legato alle nuove responsabilità che il suo ruolo di boss impone.

La serie descrive la vita di Tony, della sua famiglia, dei suoi amici in un modo mai scontato, per il genere. "I Soprano" descrive l'ambiente malavitoso della mafia italo-americana del New Jersey e di New York, prendendo in prestito dei personaggi e delle vicende reali.

Chase ha costruito un mondo parallelo, molto simile a quello reale, che si rifà chiaramente alle cinque famiglie di New York, ai fatti di cronaca, fino a partorire dei personaggi chiaramente ispirati a veri gangster con John Gotti. Una caratteristica della serie è quella di affrontare l'intera vicenda da un punto di vista antropologico della vita della malavita organizzata contemporanea, delineando gli aspetti relativi ai problemi familiari, ai sentimenti e alle relazioni dei personaggi nel loro ambiente lavorativo. Questa caratteristica era già stata affrontata da Martin Scorsese in "Quei bravi ragazzi", e non a caso alcuni degli attori della serie avevano già lavorato nella pellicola di Scorsese

"I Soprano" ha vinto tutti i maggiori premi televisivi, diventando una serie culto. Una serie che è stata capace di uscire dagli schemi e dai classici canoni televisivi.

Le prime cinque stagioni sono costituite da tredici episodi, mentre la sesta ed ultima da ben ventuno, in totale ottantasei episodi nei quali si intrecciano vicende, relazioni, personaggi che arrivano e se ne vanno lasciando comunque il loro segno in quella che alla fine diventa un'unica storia fatta di crimine, violenza, sentimenti, adulterio, sesso, rapporti tra genitori e figli. Il tutto che in un modo molto raffinato finisce per diventare un'analisi di una società che sta in una sorta di limbo tra l'illegalità e la giustizia, in un sistema a volte onesto e a volte parte integrante di quella corruzione capillare che diventa teatro verosimile di una parte degli Stati Uniti.

di Giuseppe Cangemi

Requiem for a Dream

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Mon, 02 Jul 2012 14:38:00 +0000

Decisamente con un forte impatto emotivo, Requiem for a dream è un film del 2000 diretto da Darren Aronofsky già regista de "Il teorema del delirio". Il film è tratto dal racconto omonimo di Hubert Selby Jr.

La pellicola affronta il tema della droga sotto diversi aspetti, raccontando le vicende di alcuni personaggi, legati tra loro, che condividono un destino triste e crudele.

Sara, interpretata dal premio Oscar Ellen Burstyn, una casalinga vedova i cui unici impegni quotidiani sono guardare il suo talk show preferito e chiacchierare con le vicine. Suo figlio Harry (Jared Leto), un tossicodipendente che insieme alla sua ragazza Marion, interpretata da un altro premio Oscar Jennifer Connelly, vive di espedienti per procurarsi continuamente una dose di eroina, e Tyron (Marlon Wayans), amico dei due.

Il film ha un atmosfera a tratti cupa, drammatica, a tratti grottesca. Alcuni fotogrammi sono caratterizzati da sfumature surreali e acide. Requiem for a dream è diviso in tre sottosezioni, identificate in tre stagioni che simboleggiano l'ascesa (l'estate), il declino (l'autunno) e alla definitiva caduta dei protagonisti (l'inverno). La scelta di non inserire la primavera, stagione simbolo della rinascita e della vittoria sottolinea l'ineluttabilità del destino dei personaggi coinvolti nella vicenda.

Mentre Sara si perde negli abusi di psicofarmaci, vivendo quello che diventerà un sogno/incubo infinito, il figlio, Harry, con la sua ragazza e l'amico Tyron, nel tentativo di fare un "salto di qualità", si mettono in affari nel giro dello spaccio. Ma le cose vanno bene solo per poco tempo, fino all'inevitabile declino che li porterà sul baratro segnando i loro destini per sempre.

Requiem for a dream non è certo un film da vedere per passare una serata tranquilla, ma una pellicola amara e forte capace di trascinare lo spettatore in un vortice asfissiante e malinconico, uno scorcio di una realtà spesso ignorata.

Il tutto viene esaltato dalle azzeccatissime musiche composte da Clint Mansell ed eseguite da Kronos Quartet che sono in grado di creare un'atmosfera a dir poco particolare.

Il film ha ricevuto diversi riconoscimenti tra cui la Espiga de oro al Semana Internacional de Cine de Valladolid, miglior attore (Jared Leto) al Stockholm International Film Festival, miglior fotografia al Independent Spirit Awards 2001. Ellen Burstyn, invece si è aggiudicata il riconoscimento come miglior attrice da Boston Society of Film Critics Awards, Chicago Film Critics Association Awards, Independent Spirit Awards 2001 e Kansas City Film Critics Circle Awards 2001.

di Giuseppe Cangemi

The Signal

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Tue, 08 May 2012 13:17:00 +0000

Un misterioso segnale si propaga attraverso telefoni, cellulari, radio e televisori, causando un'epidemia di follia omicida tra le persone.
Una sorta di virus che infetta le coscienze delle persone spingendole a compiere atti di inaudita violenza.

The Signal è un film indipendente del 2007 scritto e diretto a sei mani da David Bruckner, Dan Bush e Jacob Gentry. Il film è suddiviso in tre episodi, tutti collegati tra loro. Ognuno degli autori da il proprio contributo evidenziando il proprio stile narrativo. Si va dal classico horror ad un umorismo nero, alla storia d'amore in salsa splatter.

E' proprio lo "splatter" che fa quasi da filo conduttore del film, nonostante abbia visto di peggio. Infatti, alla sua uscita, la pellicola fu oggetto di una censura di tipo R, proprio a causa della tante scene di sangue e violenza.

Presentato al Sundance Film Festival, il film si apre con Mya, interpretata da Anessa Ramsey, che alla vigilia di Capodanno, sta tradendo il marito Lewis, uomo rozzo e violento, con Ben.

I due stanno programmando di lasciare la città, Terminus, e cominciare una nuova vita insieme, dandosi appuntamento, per il giorno seguente, al binario 13 della stazione della città. La ragazza, almeno per quella notte, deve però tornare a casa, ma una volta in strada nota che qualcosa non va. In giro ci sono persone che camminano in uno stato quasi catatonico, il cui unico impulso è uccidere. Tornata a casa, le cose peggiorano e la situazione precipita. Non le resta che andare all'appuntamento e sperare che il suo amante sia li ad aspettarla.

The Signal non è un capolavoro, ma risulta comunque piacevole (a meno che gli svariati spruzzi di sangue sparsi qua e là non infastidiscano troppo), specie per quei tratti grotteschi, ricchi di quell'umorismo nero sopra citato che possono rappresentare una gradevole variante.

di Giuseppe Cangemi

Ember - Il mistero della città di luce

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Mon, 23 Jan 2012 14:38:00 +0000

Non fermarsi alle apparenze, spingersi oltre i confini e andare oltre i propri limiti.

Sembra questa, una delle riflessioni che possono stare dietro a questo film del 2008 diretto da Gil Kenan, coprodotto da Tom Hanks e tratto dal romanzo "La città di Ember" (che fa parte di una quadrilogia) di Jeanne DuPrau.

Ember - Il mistero della città di luce è un film di genere fantastico che racconta la storia di Ember, una città costruita sotto terra dopo una non specificata catastrofe, in cui alcune centinaia di persone vengono isolate e messe al sicuro dal mondo esterno nascondendogli la verità. Verità che è custodita all'interno di una scatola che viene tramandata dal sindaco della città di generazione in generazione e che dovrebbe aprirsi dopo duecento anni.

Nessuno conosce la vera natura del luogo in cui vive. Tutti sanno che Ember è l'unico punto di luce in un mondo di oscurità e tenebra. Le cose si complicano quando il settimo sindaco di Ember muore improvvisamente senza aver avuto il tempo di consegnare la scatola al suo successore.

L'unica fonte di luce della città è un gigantesco generatore che, dopo troppi anni, comincia a subire i danni del tempo causando continui black-out. Molti iniziano a temere la fine del loro mondo, la discesa inesorabile verso un'oscurità eterna.

Tutto fino a quando una ragazzina di nome Lina Mayfleet, interpretata da Saoirse Ronan, trova la scatola. Da quel momento, aiutata dal suo amico Doon, avrà il compito di scoprire la verità e ridare speranza a tutto il popolo di Ember.

Il film risulta piacevole da vedere e leggendo tra le righe si può respirare una certa aria di speranza. Una storia che riesce a dare il giusto equilibrio tra avventura e spunti di riflessione.

Nel cast sono presenti due nomi di spicco, il premio Oscar Tim Robbins, il padre di Doon e Bill Murray, il sindaco di Ember che cercherà di mettere il bastone tra le ruote ai due protagonisti.

di Giuseppe Cangemi

The Booth

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Thu, 19 Jan 2012 11:17:00 +0000

Entri in un locale.

Ad un tavolo in fondo, è seduto un uomo (interpretato da Xander Berkeley).

Ti avvicini, ti siedi e gli chiedi di esaudire un tuo desiderio.

A quel punto ti viene proposto un accordo.

L'uomo tira fuori una misteriosa agenda e ti chiede di fare qualcosa. In cambio il tuo desiderio verrà esaudito. Potrebbe essere qualsiasi cosa, da uccidere una persona a salvarne un'altra.

E' questa la trama di The Booth, serie scritta da Christopher Kubasik e diretta da Jessica Landaw.

Tutti gli episodi sono girati all'interno di questo locale, cosa che potrebbe far pensare ad una struttura noiosa o monotona del prodotto.

E invece no.

Infatti il meccanismo narrativo rende ogni episodio davvero godibile. L'intreccio delle vite dei personaggi e il mistero della trama e dell'identità di quello che si definisce un "mediatore", rende The Booth una serie molto interessante.

Al momento gli episodi sono cinque e sono stati trasmessi sul canale 131 di Sky, su MySpace, sul sito www.fxtv.it, e vista la breve durata degli episodi, anche sui cellulari (canale FX Mobile).

di Giuseppe Cangemi

I Tenenbaum

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Tue, 10 Jan 2012 15:33:00 +0000

Una commedia strana, divertente, intelligente e a tratti grottesca.

Wes Anderson oltre a dirigere la pellicola, scrive il soggetto e la sceneggiatura con Owen Wilson, creando un film con un’atmosfera davvero particolare.
I Tenembaum è datato 2001.

Con un cast di tutto rispetto, il film racconta la storia della famiglia Tenembaum, il cui capo famiglia, Royal, interpretato da un bravissimo Gene Hackman, separato da molti anni dalla moglie Etheline (Anjelica Huston) vuole riconquistare il suo posto in una famiglia decisamente fuori dagli schemi.

Royal e Etheline hanno tre figli: Chas, interpretato da Ben Stiller, vedovo con due figli piccoli, che da giovanissimo era riuscito a diventare un grande imprenditore e che adesso, dopo la morte della moglie, è ossessionato dai pericoli. Poi c'è Margot, interpretata da Gwyneth Paltrow, scrittrice di talento che adesso, depressa e annoiata dal marito (Bill Murray), vede svanire la propria vocazione una sigaretta dietro l'altra. Infine Ritchie, ex campione di tennis, oggi una specie di sociopatico segretamente innamorato della sorellastra Margot, interpretato da Luke Wilson, fratello di Owen, che oltre ad essere co-autore del film, interpreta anche il ruolo di Eli Cash.

Il motivo che porta Royal a tentare di riconquistare la sua famiglia è la notizia della proposta di matrimonio fatta alla moglie dal commercialista (Danny Glover).

Da quel momento in avanti, Royal fingerà di essere in procinto di morire facendo nascere delle situazioni e dei meccanismi, tra i componenti della famiglia, che daranno vita ad una serie di gag dal sapore comico e amaro, aspetto che rende il film davvero divertente e degno di nota.

Anche la colonna sonora della pellicola è decisamente degna di citazione, con nomi che vanno da Van Morrison a Paul Simon, Bob Dylan, John Lennon e ancora The Clash, Nick Drake, The Velvet Underground, aspetto che certamente contribuisce non poco a creare un'ambientazione perfettamente riuscita.

di Giuseppe Cangemi

The Wrestler

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Tue, 27 Dec 2011 09:50:00 +0000

Leone d'Oro come miglior film al Festival di Venezia nel 2008, questa pellicola di Darren Aronofsky, è stata candidata anche a due Oscar e ha vinto due Golden Globe.

Il film racconta la storia di Randy "The Ram" Robinson, un wrestler professionista dal passato più fortunato di quanto non sia il suo presente.

Non più giovanissimo, si ritrova ad affrontare una serie di difficoltà, come la solitudine e forti problemi economici. Attaccato ancora al suo passato, in cui la fama e la gloria gli aveva procurato molti fan, si ritrova a disputare incontri di second'ordine fino al giorno in cui un infarto lo mette fuori gioco.

I medici vietano a Randy di riprendere gli incontri e l'uomo cerca di rifarsi una vita. I suoi sforzi si concentrano sul cercare di riallacciare il rapporto con la figlia e i tentativi di iniziare una relazione sentimentale con Cassidy, ballerina di Lap Dance interpretata da Masisa Tomei. Si trova un lavoro e cerca di barcamenarsi tra una quotidianità nuova e nella quale può intravvedere uno scorcio di quello che potrebbe essere la sua vita. Ma le cose non vanno esattamente così e ancora una volta, Randy, si ritrova a dover far fronte ad una serie di disastri che lo porteranno alla fine forse più consona al suo personaggio, il suo ultimo scorcio di gloria.

Una delle cose che forse colpisce di più in questo film è l'interpretazione di Mickey Rourke. L'ex sex symbol di Orchidea Selvaggia e 9 settimane e ½ torna al cinema fisicamnte cambiato, perfetto per la parte che doveva essere, inizialmente di Nicolas Cage. Ad essere più precisi, tre anni prima, con Sin City di Robert Rodriguez e Frank Miller, Rourke era tornato sulle scene, ma è certamente con The Wrestler che torna con una intensità e capacità che ne segna il ritorno al successo.
Molti aspetti personali, alcune vicende della vita dell'attore sembrano incontrare, in qualche modo, le vicende di Randy. La canzone The Wrestler, di Bruce Springsteen, inclusa nella colonna sonora del film, è stata espressamente dedicata all'attore e alle sovrapposizioni delle vite di Rourke e Robinson.

di Giuseppe Cangemi

L'onda

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Thu, 27 Jan 2011 10:44:00 +0000

In una scuola tedesca, durante la settimana a tema, un giovane professore, Reiner Wenger, interpretato da Jürgen Vogel, parla alla classe dell'autocrazia. In un primo momento i ragazzi non sembrano particolarmente coinvolti credendo fermamente che nella Germania attuale e democratica sarebbe impossibile la nascita di una dittatura.

Tutto questo finché Wenger propone loro un esperimento: simulare, all'interno della classe, l'autocrazia, cercando così di dimostrare come le masse possano invece essere manipolate. In un primo momento la cosa sembra interessante e innocua ma i ragazzi finiranno per prendere troppo sul serio l'esperimento fino a che le cose non sfuggiranno di mano all'insegnate.

L'onda è un film di Dennis Gansel del 2008 che offre degli ottimi spunti per varie riflessioni. Dapprima la società degli adolescenti di oggi, che difficilmente riesce a sognare e punta invece ad uno sfrenato materialismo. La dilagante difficoltà dei ragazzi di aggregarsi davvero, se non mossi da priorità individualistiche, da interessi personali che forse emulano dal mondo degli adulti che offre loro esempi non sempre adeguati. La disillusione che non dovrebbe appartenere a questa età e invece ne diventa spesso una bandiera generazionale.

Solo attraverso l'esperimento del professor Wenger, in qualche modo, riusciranno ad aggregarsi e diventare gli uni "protettori" degli altri. Divenire un insieme, un gruppo. Si sottolinea proprio la necessità di essere un gruppo, di appartenere a qualcosa per sentirsi importanti e fuggire ad una condizione di semi trasparenza nei confronti del mondo adulto.

La pellicola segue una linea narrativa pulita che segue un crescendo di eventi che porteranno all'epilogo molto forte.

Il film è tratto dal romanzo di Todd Strasser, che a sua volta fu ispirato da un esperimento realmente avvenuto nel 1969 alla Cubberley High School, a Palo Alto in California, ad opera del professor Ron Jones e denominato "The Third Wave", La terza Onda, appunto.

Per concludere, questa è una mia nota personale, una provocazione, se si vuole. O forse solamente un invito alla riflessione. Nel film l'autocrazia viene definita come la condizione in cui una persona o un ristretto numero di persone detiene un potere tale da essere ingrado di cambiare la legge a proprio piacimento. Vi ricorda qualcosa?

di Giuseppe Cangemi

Alien autopsy

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Tue, 25 Jan 2011 10:19:00 +0000

Avete presente il famoso filmato in cui viene mostrata un'autopsia di un alieno precipitato nel New Mexico nel '47? Quel filmato si è poi rivelato un falso clamoroso. Ray Santilli, musicista e produttore cinematografico britannico, classe 1960, diventa protagonista nel 2006 di questo film che porta la regia di Jonny Campbell.

Si tratta di un film molto divertente che ricostruisce i fatti.

Santilli scova, negli USA, una pellicola che mostra la presunta autopsia e la acquista per la cifra di $30.000. Denaro datogli da uno spietato malvivente di nome Laszlo Voros, appassionato di UFO. Fatto ritorno in patria, il giovane si rende conto che la pellicola in questione si è deteriorata al punto di non essere più visionabile. Ecco che si ritrova nei guai fino al collo e con un debito nei confronti dello spietato malavitoso che vuol vedere la pellicola per cui ha sborsato il denaro.

A questo punto, l'unico modo per cercare di risolvere la situazione è "replicare" il filmato. Aiutato dai suoi amici, il giovane realizza un "remake" da presentare a Voros. Ma la cosa poi sfugge di mano diventando un fenomeno globale.

Il film è ben fatto e ricco di gag divertenti che rendono il risultato davvero godibile e simpatico. Nel cast figura anche Bill Pullman che interpreta un documentarista a cui viene raccontata la vicenda.

Un consiglio per passare una serata tranquilla e divertente: guardatelo!

di Giuseppe Cangemi

L'alba della libertà

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Wed, 19 Jan 2011 09:12:00 +0000

Chi è Dieter Dengler? Non molti lo sapranno. Dieter Dengler era un militare americano di origine tedesca la cui passione per il volo lo portò ad intraprendere la carriera militare. Nel 1965, poco prima della guerra in Vietnam, il giovane aviatore venne mandato in missione segreta nel Laos. Era la sua prima missione e proprio in quell'occasione il suo aereo fu colpito.

Precipitato ma rimasto miracolosamente illeso, Dengler si avventurò nella giungla e fu catturato ed imprigionato in un campo di prigionia nell'entroterra. Lì conobbe altri militari prigionieri già da anni. Immediatamente Dengler progetta la fuga che dopo molto tempo e terribili sofferenze lo porterà alla libertà.

A mio avviso, questa si può considerare una delle migliori prove di Christian Bale, già protagonista di performance in cui ha mutato il proprio aspetto in funzione del ruolo da interpretare. E ricordo, per esempio, L'uomo senza sonno, in cui perse ben 30 chili.

L'interpretazione di Bale è intensa e rende bene il personaggio. Come sempre, del resto.

Jeremy Davies

Il film del 2006, scritto e diretto da Werner Herzog, che aveva in precedenza girato un documentario su Dengler, non è mai stato distribuito nella sale italiane ma è uscito direttamente per il mercato home video. Dopo l'uscita della pellicola scoppiarono delle polemiche dovute ad una presunta, ingiusta resa di uno personaggi, un prigioniero di nome Gene DeBruin, interpretato da Jeremy Davies (anche lui dimagrito in modo impressionante) e al fatto che nel film, Dengler viene descritto come l'unica mente del piano di fuga, quando c'è chi sostiene che anche gli altri uomini ebbero un ruolo fondamentale nell'evasione.

Si tratta comunque di un film interessante e da vedere, a prescindere di quale sia la verità.

di Giuseppe Cangemi

The Walking Dead

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Mon, 17 Jan 2011 15:48:00 +0000

Splatter è splatter. Ma non c'è da meravigliarsi, visto il tema affrontato in questa serie horror creata fa Frank Darabont e basata sulla serie a fumetti di Robert Kirkman e illustrata da Tony Moore e Charlie Adlard.

Infatti gli eventi narrati in The Walking Dead sono ambientati subito dopo una catastrofe mondiale in cui, dopo una infezione globale, il mondo viene popolato da zombie che se ne vanno in giro a divorare gli ultimi malcapitati superstiti.

In questa prima serie la storia ruota attorno ad su uno sparuto gruppo di persone, guidate dall'agente di polizia Rick Grimes, che deve confrontarsi con una vera e propria catastrofe apocalittica. Devono lottare per sopravvivere sia agli attacchi dei "morti che camminano", che al dolore causato dall'aver visto i propri cari morire o diventare zombie e ancora resistendo al terrore che una situazione del genere comporterebbe.

George Romero

Le città sono ormai popolate quasi esclusivamente dai morti che a centinaia vagano in cerca di cibo. Muoversi tra le strade un tempo vive e popolate di gente, adesso è un vero e proprio incubo. Un incubo però spesso inevitabile.

Certo il tema non è dei più originali. Quando George Romero, nel 1968, creò questo filone cinematografico fu uno dei più fortunati del cinema. Sto parlando de "La notte dei morti viventi", film cult al quale sono ispirati decine di lavori sul genere. Infatti di film sugli zombie se ne trovano davvero tanti, tantissimi. Alcuni belli, altri davvero brutti, anzi osceni e ridicoli e altri ancora che rappresentano una via di mezzo.

Il risultato di The Walking Dead è decisamente buono. Le atmosfere e la fotografia si prestano perfettamente a creare la giusta ambientazione. Molte scene, come già accennato, sono decisamente forti, specie per una serie TV. Il filo narrativo non è eccessivamente articolato ma è lineare ed essenziale e riesce a portare avanti la storia in modo pulito fino alla fine. I personaggi sono azzeccati ed equilibrati nel contesto.

Questa prima serie è costituita da appena sei episodi ma è già stata confermata una seconda stagione di altri tredici.

Consiglio vivamente questa serie agli amanti del genere e la sconsiglio altrettanto vivamente che ai deboli di stomaco...

di Giuseppe Cangemi

Persone Sconosciute

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Thu, 13 Jan 2011 09:26:00 +0000

Persone Sconosciute è stato trasmesso dalla RAI dal 10 Settembre al 3 Dicembre 2010. A chi non l'avesse visto lo consiglio. L'idea c'è. Gli ingredienti ci sono tutti. Il mistero, la sensazione del complotto, un'ambientazione che non lascia dubbi alla situazione ed evoca qualche traccia di inquietante angoscia.

Un gruppo di persone si sveglia, ognuno di loro in una camera d'albergo. Si rendono conto di essere in una cittadina deserta, isolata, persa nel nulla. Nessuno sa come sia arrivato e il perché ci sia finito. Tutti perfetti sconosciuti che si ritrovano ad essere osservati da telecamere di sorveglianza che seguono ogni loro movimento come se fossero della cavie.

Così inizia Persone Sconosciute, la serie statunitense prodotta da Fox Television Studios e ideata da Christopher McQuarrie.

Il gruppo proverà a fuggire dalla città fantasma rendendosi immediatamente conto che è praticamente impossibile. Si svilupperanno delle dinamiche psicologiche molto interessanti che, col procedere degli eventi, conducono a rivelazioni inquietanti che sorreggono l'attenzione dello spettatore.

Persone sconosciute è un'interessante serie sviluppata senza l'impiego di enormi capitali, come accade per altre serie. L'idea di fondo è il punto di forza capace di dimostrare che per realizzare una bella serie TV non sia sempre necessario l'impiego di stratosferici investimenti di denaro.

Tra i co-finanziatori c'è anche la RAI. E proprio questo mi porta a riflettere su un punto che mi ha spesso lasciato perplesso. In Italia si producono per lo più fiction e telefilm come Carabinieri e simili, senza mai pensare a produrre qualcosa di diverso (fatta qualche piccola eccezione) che invece si preferisce acquistare dall'estero. Lo trovo un vero peccato, anche perché se è possibile finanziare una serie estera, credo possa essere possibile investire del denaro per realizzare qualcosa di davvero meritevole e originale in Italia, e sono certo che le idee non mancherebbero. Ma questo è solo il mio punto di vista.

Tornando a Persone Sconosciute, il finale della prima serie, che si può intuire già dagli ultimi episodi, riesce a catturare inevitabilmente l'attenzione dello spettatore, ad incuriosirlo e proiettarlo al prossimo...scopritelo da soli!

di Giuseppe Cangemi

9

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Tue, 11 Jan 2011 16:06:00 +0000

9 è un film d'animazione del 2009 di Shane Acker, ambientato in un’epoca post bellica in cui l’essere umano non esiste più.

A popolare le rovine del mondo sono delle bambole di pezza. Bambole vive grazie a quella stessa tecnologia, sfuggita al controllo, che ha portato allo sterminio dell’uomo.

Fin dai primi fotogrammi del film, si ha l’impressione che ci sia un qualcosa di familiare, qualcosa che ricorda i protagonisti dei capolavori di Tim Burton come "Nightmare before Christmas" e "La sposa cadavere". E infatti lo zampino di Burton c’è, essendo il coproduttore del film.

L’atmosfera di questo lungometraggio è permeata da una oscura poetica, a tratti malinconica e silenziosa, fatta da scenari post apocalittici e dinamiche narrative che finiscono per incastrare molto bene gli eventi che nascondono una grande metafora esistenziale.

Il protagonista del film è per l’appunto “9”, che si risveglia in una casa ormai disabitata e semi distrutta. La piccola creatura riesce ad uscire ritrovandosi in un mondo morente, pieno di minacce e di pericoli.

In un primo momento si percepisce il senso di solitudine, la paura della piccola creatura di essere l’unico essere simile rimasto in quel mondo devastato. Ma ben presto “9” scoprirà che non è così. Troverà altri come lui, e come lui ognuno è identificato con un numero. Da lì in avanti gli eventi lo porteranno a scoprire una verità inaspettata.

L’idea del film in realtà nasce da un cortometraggio del 2005, all'epoca nominato al premio Oscar 2006 nella categoria miglior cortometraggio d'animazione e successivamente sviluppato come lungometraggio.

Sicuramente un film d’animazione molto diverso dai soliti che siamo abituati a vedere come Shrek e simile, ma molto, molto bello.

di Giuseppe Cangemi

La città incantata

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Thu, 30 Dec 2010 15:41:00 +0000

Con questo capolavoro Hayao Miyazaki ci porta in un "mondo incantato", un mondo fatto di semplicità, altruismo, di amore e di tutti quei sentimenti e sensazioni che il maestro dell'animazione giapponese è capace di trasmettere con alti esempi di poesia.

Il film, uscito nel 2001 e basato sul romanzo "Il meraviglioso paese oltre la nebbia" di Kashiwaba Sachiko, ci racconta la storia di Chihiro, una bambina di 10 anni che si imbatte con i genitori in un luogo magico in cui verrà da loro separata e dove dovrà affrontare una serie di peripezie.

Il luogo in questione non è altro che un complesso termale degli spiriti della natura. La padrona del complesso, la maga Yubaba, trasforma i due malcapitati genitori in maiali. Starà alla piccola Chihiro salvarli. Al calare della notte, quando gli spiriti ospiti delle terme cominciano ad affollare le vie, la bambina si rende conto che sta lentamente diventando invisibile. Da qui partono una serie di avventure che la condurranno attraverso l'incantato mondo degli spiriti.

Il film, che dal punto di vista tecnico è curato nei minimi dettagli tanto da aver vinto numerosi premi tra cui l'Oscar come miglior film, mostra dei disegni strabilianti. Il livello di perfezzione delle espressioni facciali dei personaggi è altissimo e nel complesso non è assolutamente facile trovare difetti. Per la cronaca, il lungometraggio in quesione è costato la bellezza di 16 milioni di euro ed è stato prodotto dallo Studio Ghibli fondato nel 1985 allo stesso Miyazaki.

Alla fine del film, quello che ti resta è una sensazione di "buono", di "pacifico", qualcosa che ti fa sorridere e apprezzare l'aver trascorso un paio d'ore immerso in un universo fatato e fatto di buoni sentimenti senza mai scendere nel banale o nello sdolcinato.

di Giuseppe Cangemi

Che - L'agentino e Che - Guerrilla

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Fri, 24 Dec 2010 14:36:00 +0000

Dopo I diari della motocicletta ecco due film che sembrano essere l'ideale seguito della storia che ci ha raccontato Walter Salles. Ieri il post parlava proprio del film del regista brasiliano e oggi mi sembrava quasi un obbligo continuare sull'argomento andando avanti con la storia.
Purtroppo oggi la figura di Ernesto Guevara de la Serna è troppo spesso associata a una idea a volte lontana dalla realtà. Le giovani generazioni conoscono quel volto come una stampa su una maglietta o un poster da appendere in camera.

Ovviamente non è mia intenzione generalizzare, perché molti giovani non si fermano certo a questo primo approccio con la figura del rivoluzionario argentino. Ad aiutare chi volesse approfondire e conoscere meglio la vita di Guevara, o meglio le vicende che lo hanno portato a diventare un mito per tante generazioni in tutto il mondo, nel 2008 sono arrivati due film a firma di Steven Soderbergh: Che - L'argentino e Che - Guerrilla.

Si tratta più di un'opera unica e divisa in due capitoli. Nel primo, Che - L'argentino, appunto, Soderbergh racconta la vita di Guevara partendo dal punto in cui egli incontra Fidel e Raul Castro. Grazie a quell'incontro si unirà al Movimento del 26 di luglio mosso da forti ideali che lo spingono a diventare uno dei principali protagonisti della rivoluzione cubana e del rovesciamento del regime di Fulgencio Batista.

Il ruolo di Guevara è affidato al bravissimo Benicio del Toro che, oltre per la consueta bravura, colpisce per l'incredibile somiglianza con il rivoluzionario sudamericano. Quella di Benicio del Toro è forse una delle migliori interpretazioni di sempre. L'attore sembra così calato nel personaggio da far quasi vedere allo spettatore il vero Guevara attraversare la fitta vegetazione cubana sotto le raffiche di pallottole del regime.

Il film segue le vicende di quelle poche decine di uomini che partirono da Tuxpan, nella provincia messicana di Veracruz, e arrivati a Cuba dove danno vita alla rivoluzione che porterà alla caduta di Batista.

Nel secondo film, Che - Guerrilla, che molto ha attinto al "Diario in Bolivia" di Ernesto Guevara, la storia va avanti fino alla decisione, da parte del Che di lasciare Cuba per portare il suo contributo anche in altri luoghi come la Bolivia. Questo secondo film parte proprio da questo punto, dall'arrivo di Guevara, in incognito, in Bolivia, luogo in cui, dopo mesi di guerriglia verrà catturato e giustiziato.

I due film sono stilisticamente identici, cosa che li rende davvero un'unica pellicola. Sono presenti vari intermezzi in cui vediamo Guevara impegnato in discorsi alle Nazioni Unite e in missioni diplomatiche all'estero, cosa che fece durante il periodo in cui fu ministro e capo delle forze armate del nuovo governo cubano.

Alla fine della visione resta qualcosa che ti fa ammirare il coraggio di chi è in grado di sacrificare la propria vita per un ideale e per le proprie, profonde convinzioni. Un coraggio che oggi è qualcosa di più che raro. Il consiglio della visione di quest'opera è rivolto a tutti coloro che vogliono andare oltre il "prodotto mediatico" che la figura del Che è diventata oggi.

di Giuseppe Cangemi

I diari della motocicletta

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Thu, 23 Dec 2010 15:59:00 +0000

I diari della motocicletta è un bellissimo film di Walter Salles del 2004 in cui si raccontano le vicende di un inedito e poco più che ventenne Ernesto Guevara de la Serna, interpretato da Gael García Bernal. Non c'è nulla del rivoluzionario e del combattente, se non la straordinaria forza e l'altruismo che lo porteranno a diventare ciò che è in seguito diventato.

Il film è ispirato dai "Diari di viaggio Latinoamericana" dello stesso Ernesto Guevara e "Un gitano sedentario", del compagno di viaggio del "Che", Alberto Granado.

Il film, un vero e proprio "road movie", racconta delle vicende che vedono protagonisti i giovani Ernesto, prossimo alla laurea in medicina, e l'amico Alberto che, in sella alla Poderosa II, una Norton 500 M18 del '39, decidono di attraversare l'America Latina. Il viaggio li porterà a vedere con i propri occhi le condizioni di miseria e la povertà del popolo latino-americano.

Nel film vediamo il momento in cui il giovane Guevara inizia a diventare il Che rivoluzionario, spinto dalla necessità e dal bisogno intellettuale di aiutare il popolo in difficoltà.

Bellissima la scena in cui Guevara, al lebbrosario di San Pablo, tende la mano ad un uomo malato di lebbra lasciandolo stupito per il grande regalo appena ricevuto: il contatto umano.

Dopo queste vicende, Guevara inizia ad esaminare i pessimi effetti dei sistemi economici e scopre la necessità di operare un profondo e radicale cambiamento per creare un mondo più equo e giusto.

Il film termina proprio nel momento in cui i due amici, Ernesto e Alberto, si separano. Alberto andrà per la sua strada ed Ernesto continuerà un viaggio che lo porterà, qualche anno più tardi, in Messico, dove incontrerà Fidel e Raul Castro.

di Giuseppe Cangemi

Crash - Contatto fisico

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Wed, 22 Dec 2010 11:32:00 +0000

"In una città vera si cammina...sai, no? Sfiori gli altri passanti, sbatti contro la gente...qui a Los Angeles non c'é contatto fisico con nessuno...Stiamo tutti dietro vetro e metallo...Il contatto ci manca talmente, che ci schiantiamo contro gli altri solo per sentirne la presenza" Graham Waters (Don Cheadle), all'inizio del film.

La vita di ognuno di noi è in qualche modo collegata a quella degli altri. Le nostre decisioni, le nostre scelte, a volte inconsapevolmente, influenzano i destini di persone che neanche conosciamo. Le nostre vite si intrecciano inevitabilmente e senza alcun apparente controllo da parte nostra con quelle degli altri. Nonostante questo, la società moderna spesso ci porta ad allontanarci gli uni dagli altri fino ad un distacco che tuttavia suscita in noi la sensazione che ci manchi qualcosa: il contatto con i nostri simili.

Qualche anno fa, per l'esattezza era il 2004, Paul Haggis ci ha regalato una perla cinematografica che non a caso ha vinto l'oscar come miglior sceneggiatura originale, miglior film e miglior montaggio. Un film che intreccia le storie di diverse persone, soffermandosi in particolar modo sul tema del razzismo in modo intelligente e raffinato.

Ambientato a Los Angeles, si raccontano le storie dei diversi personaggi meravigliosamente interpretati da Sandra Bullock, Brendan Fraser, Don Cheadle, Thandie Newton, Terrence Howard e Matt Dillon. Si raccontano i dolori, le difficoltà in una dimensione in cui il contatto umano finisce per diventare un vero e proprio scontro. La bella colonna sonora è affidata al bravissimo Mark Isham che riesce a creare il giusto tappeto di sottofondo alle vicende che Haggis racconta con un tocco di poesia e delicata crudezza.

Si tratta di un intreccio di storie, di vite che si sfiorano appena diventando un vero e proprio scontro tra le anime che affollano il mondo intero.

Dal film è stata tratta una serie TV omonima che vede protagonista Dennis Hopper, poi cancellata proprio a causa della scomparsa dell'attore.

Senza ombra di dubbio si tratta di un film da vedere lasciandosi andare alla malinconia esistenziale delle "straordinarie" vicende della vita di tutti i giorni che il regista narra.

di Giuseppe Cangemi

True Blood

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Fri, 17 Dec 2010 16:33:00 +0000

La letteratura ha conferito un'aura di romanticismo alla figura del vampiro. Figura schiva, affascinante e intrigante. Sfuggente e costretto a vivere nascosto nell'oscurità, occupando un posto nell'immaginario della gente tra la legenda e una verità che si cerca di allontanare.

Il più famoso dei vampiri letterari, Dracula di Bram Stoker, incarna tutto questo. L'amore e la tragedia che hanno portato il principe a scivolare verso una dannazione abbracciata nella disperazione dell'anima.

Poi si fa un passo avanti e si arriva a True Blood.

Basato sui libri di Charlaine Harris, True Blood è una serie statunitense che racconta di un mondo in cui i vampiri sono usciti allo scoperto e si stanno inserendo nella società umana. Ambientato nella fittizia cittadina di Bon Temps, in Louisiana, si intrecciano le vicende e gli amori dei protagonisti in un misto di sesso e violenza in una chiave decisamente originale.

La storia gira attorno a Sookie Stackhouse, una cameriera che ha il dono di leggere i pensieri della gente e Bill Campton, un vampiro di 173 anni. Tra i nasce un legame molto forte che li porta a doversi scontrare con i pregiudizi di entrambe le specie. Nella serie, ovviamente, è molto presente il tema della convivenza tra società diverse, le problematiche e le difficoltà nell'accettare ciò che è diverso e che si ha la paura di conoscere.

Vincitrice di diversi premi, tra cui il Golden Globe 2009, due Satellite Awards e due Broadcast Music Incorporated, True Blood è stta candidata a nove Scream Awards 2009, vincendone quattro. In questa serie, che mescola horror e dramma, sono comuni molte scene splatter e di sesso esplicito, cosa che se da un punto di vista ha causato diverse polemiche, dall'altro è stata una sorta di caratterizzazione della serie che è andata oltre i comuni standard diventando di fatto uno dei punti di forza della HBO.

Per gli amanti del genere, True Blood è senza dubbio una serie da vedere.

di Giuseppe Cangemi

Caprica

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Wed, 15 Dec 2010 16:11:00 +0000

Battlestar Galactica, a mio avviso, è una delle serie TV più riuscite e meglio realizzate della storia delle serie televisive. Tale successo è dovuto a diversi fattori. La storia intrigante, ricca e ben raccontata, la regia, le atmosfere, i dialoghi, la caratterizzazione dei personaggi, tutti aspetti che ne hanno fatto un cult.

Coloro che hanno amato questa serie, remake di quella del '78, hanno però un vero e proprio obbligo: rivivere i momenti e le vicende che hanno portato alla nascita dei cyloni. L'antefatto della caduta delle dodici colonie di Kobol lo si trova nella serie Caprica.

Caprica, sempre con lo zampino di Ronald D. Moore, narrà le vicende di alcune famiglie di Caprica e Tauron. Le vicende, ambientte 58 anni prima della caduta, vedono come principali protagonisti il padre dell'ammiraglio Bill Adama, in questa serie ancora bambino, Daniel Graystone e sua figlia Zoe.

In un momento in cui la società delle colonie vive il suo apice tecnologico, avvengono gli eventi che mescolano politica, religione, malavita, razzismo e drammi familiari che in qualche modo condurranno alla nascita dei cyloni.

Come in Battlestar Galactica, anche in Caprica la religione gioca un ruolo fondamentale. E' infatti attorno al nascente culto monoteista che si sviluppano gli eventi che portano avanti la storia.

La serie, a scanso di equivoci, non ha praticamente nulla a che vedere con Battlestar Galactica. Atmosfere diverse, situazioni e intreccio narrativo molto distanti da quelli visti nella serie madre, ma tuttavia appassionante e ben realizzata.

Assolutamente da non perdere.

di Giuseppe Cangemi

Bastardi senza gloria

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Sat, 12 Jun 2010 15:29:00 +0000

Ambientato nella Parigi occupata dai nazisti, Quentin Tarantino ci offre uno spettacolo di 153 minuti, come è suo solito fare, infarciti di dialoghi strepitosi e scene costruite nei minimi dettagli. Dettagli capaci di tenere alta l'attenzione e la tensione nello spettatore.

I personaggi e gli interpreti sono azzeccatissimi. Dalla grande interpretazione di Christoph Waltz, al solito intenso e versatile Brad Pitt e ancora Eli Roth nel ruolo del sergente Donnie Donowitz, "L'Orso Ebreo".

Ovviamente non mancano i dettagli cruenti tipici di Tarantino, anche se questa volta se ne fa un uso più moderato ma pur sempre d'impatto, e quelle situazioni al limite del grottesco che fanno capire chi ci sia dietro la macchina da presa.

Fondamentalmente, a parte l'ambientazione, nuova per il regista, si tratta di un bel film "alla Tarantino". Non mancano, come al solito, le citazioni all'interno del film. Un esempio è Antonio Margheriti, regista italiano che ha diretto film horror e splatter che Tarantino ama tanto.

La colonna sonora riprende sapientemente diversi generi musicali. Si va da temi da film anni settanta a sfumature di un certo pop rock dei primi anni ottanta per non parlare di pennellate musicali che ricordano le colonne sonore degli spaghetti western.

Per concludere, si tratta di un'ottima pellicola, riuscitissima e mai noiosa nonostante la durante non certo breve.

di Giuseppe Cangemi

District 9

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Mon, 07 Jun 2010 15:02:00 +0000

Un film di fantascienza piuttosto diverso da molte cose che abbiamo visto. District 9 gode di un originale approccio al tema "alieni", questa volta non visti come conquistatori malvagi o silenziosi ospiti che prendono possesso del genere umano, ma come profughi galattici.

Il film diretto da Neill Blomkamp si ispira molto alle vicende legate all'apartheid, da qui la presenza di temi come la xenofobia e la segregazione razziale. La pellicola è basata sul cortometraggio "Alive in Joburg".

Un altro elemento originale del film è rappresentato dalla scelta registica di Blomkamp di raccontare gli avvenimenti sotto forma documentaristica, come fossero spezzoni di telegiornali e riprese amatoriali. Tutto questo conferisce al film un sapore realistico che non dispiace affatto.

di Giuseppe Cangemi

Moon

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Sun, 06 Jun 2010 14:19:00 +0000

Moon è il primo lungometraggio di Duncan Jones, figlio di David Bowie. Pellicola che vede protagonista un bravissimo Sam Rockwell nei panni di Sam Bell, un uomo che lavora presso una base lunare bloccato da tre lunghi anni in attesa di riabbracciare moglie e figlia. Un giorno rimane vittima di un incidente e si risveglia in infermeria con una sorpresa che da li in avanti cambierà il corso del film.

Moon è l'esempio di come si possa realizzare un buon film con un basso budget (circa 5 milioni di dollari ) e praticamente un solo attore.

E qui sta la bravura di Rockwell che tiene benissimo l'intero film con un'interpretazione intensa e convincente dal primo all'ultimo minuto.

L'atmosfera di Moon la si potrebbe definire "fantascienza psicologica". Davvero un'ottima prova di Jones, un film da vedere sicuramente.

di Giuseppe Cangemi

Battlestar Galactica

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Sat, 29 May 2010 17:31:00 +0000

Era il 1978 quando Glen Larson produsse Galactica, una serie televisiva di fantascienza.

Ne fu prodotta una sola stagione che non ebbe, all'epoca, troppa fortuna.

Passarono gli anni, fino a quando, nel 2004, il genio di Ronald D. Moore non realizzò il remake: "Battlestar Galactica".

Il signor Moore, prende spunto dalla serie originale, rimescola, cambia il tutto con una sapienza e una maestria che ha prodotto una delle serie di fantascienza più belle, se non la più bella in assoluto.

I personaggi sono stati rimodulati, cambiati nei tratti psicologici ma addirittura nella loro essenza. Il tenente Starbuck, interpretato dal Dirk Benedict, l'indimenticabile "Sberla" di A-Team, ad esempio, diventa il capitano Kara Thrace, interpretato da Katee Sackhoff. C'è la figura del Conte Baltar, le cui fattezze erano quelle di John Colicos, trasformato in uno scienziato geniale e molto più giovane del suo predecessore, interpretato da James Callis.

C'è anche il caso di un attore, Richard Hatch, che interpreta due personaggi in entrambe le serie, quella del '78, in cui interpreta il capitano Apollo, e quella del 2004, in cui è Tom Zarek.

Insomma Ronald D. Moore ha rimescolato il tutto riuscendo a creare ben quattro stagioni di una serie ormai amatissima dagli amanti del genere ma capacissima di attrarre anche chi non segue la fantascineza.

E' d'obbligo anche segnalare la splendida e azzeccata colonna sonora originale che riesce a creare le atmosfere giuste per un totale coinvolgimento dello spettatore.

La trama racconta le vicende dell'ultima colonia di un popolo spazzato via dai Cylon, una razza di macchine intelligenti e senzienti che si ribellano ai loro creatori. Quelle poche decine di migliaia di superstiti, gli ultimi della loro specie, iniziano,braccati dai loro carnefici, un lungo esodo in cerca di una nuova casa.

Bright Falls

noreply@blogger.com (Giuseppe Cangemi) — Fri, 28 May 2010 14:11:00 +0000

La nebbia, il bosco con i suoi inquietanti misteri. A tratti le atmosfere ricordano quelle di Twin Peaks di Lynch. Un intreccio narrativo aperto e smagliato come quello di Lost. Tutti questi sono gli ingredienti del progetto cinematografico prodotto dalla Microsoft per il lancio del videogame Alan Wake. Bright Falls è una miniserie web, ideata come prequel del gioco e diretta dal regista Philip Van
Fin dalle prime immagini, i sei cortometraggi, mostrano un'indipendenza inaspettata rispetto alla piattaforma ludica. Un esperimento simile venne proposto per il lancio di Assassin creed 2 : Linage, ma rimanendo fortemente ancorato al gioco non riuscì ad assumere un'autonomia artistica che Bright Falls invece mantiene.
Seppur curato nella fotografia (dir. Fotografia Lyle Vincent), e con interessanti proposte registiche, Bright Falls assume i connotati cinematografici grazie alla presenza di dialoghi essenziali, contrapposti ad immaggini surreali, in cui tutto diventa misteriosamente terrificante.

Così la famiglia di obesi al punto di ristoro (secondo episodio) assume fattezze inaspettate, in cui la risata invece di allegerire la scena diventa diabolica sottolineando l'estranea alieneazione del protagonista: il cronista Jake Fisher (interpretato dal bravo Christopher Forsyth).
Inviato in un piccolo paese montano per intervistare uno scrittore, Jake si scontrerà con forze ignote.

Una recitazione essenziale, fatta di sguardi e silenzi colti con mestiere dal regista, in cui gli occhi dell'eroe diventano veri protagonisti della serie.

La musica (Black Iris), che si concede a ruolo di didascalia, permette in quei pochi minuti di durata (ogni episodio è 5 minuti circa) di amalgamare bene il cortometraggio.
Un' inapsettata sorpresa che immerge fin da subito lo spettatore in una storia affascinante e intrigante che crea immediatamente il bisogno di vedere l'episodio successivo.

Da segnalare anche il romanzo, reperibile su Amazon.com, a questo indirizzo.

I siti della serie:
http://www.brightfalls.com/
http://brightfalls.blogspot.com/

Gli episodi su Youtube.

Episode 1: Oh Deer
Episode 2: Time Flies
Episode 3: Lights Out
Episode 4: Local Flavor
Episode 5: Off the Record
Episode 6: Clearcut

di
Floriano Franzetti e Giuseppe Cangemi