En este ejemplo he usado una foto de mi barrio, donde se puede ver el suelo lleno de mierda. Colillas, una tirita y basura de toda índole hacen de esta foto ya de por si bastante vulgar una mierda de fotografía. En otras ocasiones puede ser un grafiti o un incómodo grano en medio de la nariz (las mujeres ya pueden respirar tranquilas , jejeje). Suelen ser detalles que pueden hacer desmerecer una foto o incluso una buena foto.

He aquí las zonas a corregir. Tenemos trabajo… Podéis clickar para verla más grande.

Vamos a trabajar con la herramienta Parche. También se podría usar el pincel corrector, o el pincel corrector puntual, aunque para mí el parche es mucho más flexible y se adapta a casi cualquier situación. Lo tenemos escondido por entre estas herramientas. (Ver imagen a la izquierda)

Pues bien, el proceso es muy sencillo.

Una vez tenemos el suelo limpio, ya sólo nos queda hacer los ajustes que nosotros queramos. En este caso le he ajustado los niveles, la he convertido a B&N, la he virado a sepia y le he añadido un pequeño viñeteado. La foto no es para tirar cohetes, pero desde luego no es tan chocante a la vista como la original. 

Es bueno practicar con estas cosas. Con un poco de práctica se acaba haciendo de manera automática con defectos fácilmente corregibles y ayuda a mejorar muchísimo en los pequeños detalles de nuestras fotos.

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He hecho un cambio en el theme del blog para poder ver las imagenes más grandes sin necesidad de ampliarlas. Era un engorro. De esta manera supongo que será más fácil para todos, ya que puedo meter imágenes de 700 px de ancho. Pues bien, ya diréis que tal.

Hoy voy a tratar un tema que seguro que a todos nos ha pasado. Hacemos una foto, y al verla en casa, vemos que el cielo está completamente blanco, lavado o directamente quemado. Pues bien, vamos a ver como lo podemos tratar.

Aquí tengo esta imagen que tomé en la Colonia Güell.

Y aquí, otra que tomé en un pueblo de Lleida de donde vamos a coger prestado el cielo.

Manos a la obra. Lo primero que vamos a hacer es trabajar con la imagen que tiene el cielo blanco. Buscaremos a ver como podemos hacer una selección rápida para eliminar ese cielo chungo.

Nos vamos a los canales y vemos cual de los tres (si estamos en RGB) ofrece un buen contraste.

En la mayoría de casos suele ser el Azul (para este tipo de imágenes). Y éste no es una excepción. Así que cogemos el canal Azul y creamos una copia para poder trabajar con él sin modificar el original.

Ahora seleccionamos los Niveles (Control + L) y buscamos acrecentar el contraste entre lo que vamos a conservar y lo que va a ser eliminado. Usamos el cuentagotas blanco para clickar en el cielo y el negro para clickar en parte del edificio. El resto lo hacemos a mano y a ojo desplazando los deslizadores. Es muy probable que queden restos blancos en medio del edificio, así como también es posible (aunque en menor medida) que queden residuos negros (o grises) en el cielo. Luego lo resolveremos.

Para solucionar el tema de las impurezas blancas y negras seleccionamos un pincel y ale, a pintar. Evidentemente pintamos de negro el edificio y de blanco el cielo, no me seáis brutos. 

Bien, una vez conseguido crearemos la selección. Manteniendo pulsada la tecla Control le damos al canal con el que hemos estado trabajando "Azul copia". Se creará una selección. Ahora clickamos en el canal RGB para ver la imagen con todos los canales y la selección.

Ahora, perfeccionaremos un poco el borde para que no se note mucho la transición del cielo al edificio. Para ello usaremos la herramienta Calar. En Photoshop CS y CS2 está en Selección/Calar. En Photoshop CS3 se ha incorporado la función "Perfeccionar Borde" con un montón de nuevas y prácticas funciones para definir a la perfección los bordes de las selecciones.

En mi caso, con el CS3, aplico Calar desde la herramienta "Perfeccionar Borde". Aplico 2 píxeles.

Bien, ya tenemos nuestra selección. Ahora nos vamos a la imagen a la que le vamos a pillar el cielo. (Control + A) para seleccionarla entera, o bien Selección/Todo para hacer exactamente lo mismo. Nunca me cansaré de recomendar los accesos rápidos mediante el teclado.

Volvemos a la imagen inicial y la pegamos desde el menú emergente Edición/Pegar dentro (o Mayúsculas + Control + V). De esta manera pegaremos la imagen dentro de la selección que hemos hecho.

Ahora ya tenemos el cielo pegado en la imagen, pero no obstante, es una chapuza. Se ven halos por todo el borde del edificio y hay restos de montaña por los laterales de la imagen del cielo.

Para arreglarlo seleccionamos la capa del cielo y le damos a la miniatura de la imagen, no a la máscara (sí, me equivoqué y no lo voy a repetir) y le damos a transformación libre (Control + T).

Ahora movemos los deslizadores de los extremos hasta que las montañas desaparezcan.

Ahora vamos a por los halos. Seleccionamos la máscara de capa y le aplicamos unos niveles (a la máscara, ojo), está vez sí.

Ya sólo quedaría acoplar la imagen, ajustar los niveles generales de la imagen, un poco de saturación y un breve enfoque.

Y ya está, aquí la tenéis finalizada.

El principal problema de estas imágenes es que aunque se ve "salvada" no hace falta mucha atención para darse cuenta de que el cielo está pegado. Principalmente la iluminación general la delata. Quizá si hubiese buscado otra imagen con una iluminación más parecida habría dado mejor resultado, pero bueno, lo importante es pillar el concepto e ir practicando.

Ya me diréis que os parece y si os gustaría saber hacer algo en concreto. Si lo sé hacer os preparo un tutorial, y si no lo sé, buscaré información y lo haré igualmente.

Me pareció un buen motivo para fotografiar coches y practicar la técnica del barrido, pero los resultados fueron un desastre. Un barrido es el efecto de congelar un objeto en movimiento a una velocidad no muy rápida a la vez que se barre con la cámara en la dirección de movimiento del objeto, consiguiendo así el desenfoque de movimiento en el fondo y el objeto congelado.

Primero de todo la situación era muy mala. Tenía el sol de cara y sólo se podía cambiar al otro lado del circuito a cada hora. Me costó mucho conseguir una buena exposición. No hay que olvidar que soy un novato.

Segundo, había 250000 personas. El espacio físico era mínimo, por lo que no estaba en disposición de hacer barridos ni experimentar demasiado.

Al final, me vine con muchas fotos, pero casi todas, a excepción de algunas en las que conseguí muy sutilmente el efecto del barrido, todas eran fotos completamente congeladas.

Aquí un ejemplo. El coche es el Ferrari de Schumacher del año que se retiró. Conducido por Marc Gené.

Se puede observar que el fondo, así como el asfalto, se ven muy estáticos. Podría parecer que el coche está parado, ya que no hay sensación de movimiento.

Pero bueno, vamos a simularlo con Photoshop. Prometo cuando tenga tiempo ponerme en medio de la A-2 para practicar la técnica.

Primero de todo, tenemos que hacer una selección al vehículo. Para ello, seleccionamos el lazo (L) (yo uso siempre el lazo poligonal) y recorro todo el borde del vehículo intentando no salirme de él. Es mejor quedarse corto a pasarse, luego ajustaremos un poco la selección.

Una vez finalizada la selección, pasaremos al modo de máscara rápida (Q) para ajustar un poco el borde de la selección.

Esta máscara indica que el fondo está protegido y los cambios que hagamos se aplicarán en el coche. Como eso no es lo que queremos, sino justamente lo contrario, saldremos del modo de máscara rápida (Q) e invertiremos la selección (Mayúsculas+Control+I).

Volvemos a entrar para ver como se ha invertido la máscara (Q) y aplicamos un desenfoque gaussiano para suavizar la transición de la máscara.

A continuación salimos de la máscara rápida (Q) y nos quedamos con la selección. Si la queremos ocultar (el caminito de hormiguitas) pulsamos las teclas (Control+H) para ocultarla (no la eliminamos). Volviendo a pulsar (Control+H) la volvemos a hacer aparecer. Para hacer algunos cambios los límites pueden molestar un poco.

Aplicamos un desenfoque de movimiento, con el ángulo aproximado del barrido, y ajusamos a ojo los píxeles del movimiento en el desenfoque.

Cuando estemos contentos con el resultado aplicamos un pequeño enfoque en el coche (la zona no movida). Para ello, invertimos la selección (Control+Mayúsculas+I) y enfocamos con una máscara de enfoque. La máscara de enfoque depende siempre del formato de salida, y del tamaño de la imagen. En este caso, como la foto está recortada para hacer el tutorial, no aplico un radio muy grande.

Y ya tenemos la foto terminada.

Probablemente habrán mejores maneras de pulirla. Pero de momento no conozco otra.

Pero lo importante es aprender a hacer barridos. Prometo ponerme en ello…

En esta ocasión me voy a centrar en el mezclador de canales y la manera de conseguir el efecto de Blanco y Negro de diferentes tipos de película antigua.

El mezclador de canales es una potentísima herramienta que también está disponible como capa de ajuste. Las capas de ajustes se pueden modificar siempre y cuando no se Acople la imagen y tienen la virtud de ser una herramienta no destructiva, ya que los cambios no afectan a la capa original, sino únicamente a la capa de ajuste.

Como consejo personal recomiendo usar siempre las capas de ajuste para todos los ajustes que estén disponibles (Niveles, Curvas, Saturación, etc…)

Utilizaremos esta imagen de prueba:

Ahora crearemos una capa de ajuste de Mezclador de canales. Para ello, podemos irnos a la paleta de capas, y darle al icono de “crear capa de ajuste”, que es un circulo mitad negro y mitad blanco, y darle a “Mezclador de canales”. La otra opción, es desde el menú Capa/Nueva capa de ajuste/Mezclador de canales.

Una vez abierta la herramienta, tenemos que darle a la casilla monocromo, y después jugar con los valores de los canales hasta conseguir un valor del 100%.

Modificando los valores de los canales, podemos encontrar sutiles diferencias.

Ahora, os dejo unos valores para conseguir unos resultados similares a los clásicos “Blanco y Negro” de película. Estos datos los he conseguido de Caborian. Directamente un copy/paste, sin añadir nada.

Agfa 200X: 18,41,41
Agfapan 25: 25,39,36
Agfapan 100: 21,40,39
Agfapan 400: 20,41,39

Ilford Delta 100: 21,42,37
Ilford Delta 400: 22,42,36
Ilford Delta 400 Pro & 3200: 31,36,33
Ilford FP4: 28,41,31
Ilford HP5: 23,37,40
Ilford Pan F: 33,36,31
Ilford SFX: 36,31,33
Ilford XP2 Super: 21,42,37

Kodak Tmax 100: 24,37,39
Kodak Tmax 400: 27,36,37
Kodak Tri-X: 25,35,40

Ajustes generales:
Contraste normal: 43,33,30
Alto contraste: 40,34,60
Blanco y negro genérico: 24,68,8

Y se pueden probar estas otras conversiones:
50,50,0
25,75,0

Después de hacer la conversión, es interesante crear una capa de ajuste para modificar los niveles o las curvas.

El resultado es mucho más favorable:

Ya está todo arreglado y espero poder volver de nuevo al tajo. Empezemos:

El otro día descubrí una manera genial para corregir de manera rápida y segura las dominantes de color. Es tan sencillo que casi da asco y todo. Para más datos os pongo hasta la acción que he creado para dicha corrección.

Os cuento:

Primero de todo buscamos una foto para corregir. En mi caso he cogido una a la que un mal ajuste del balance de blancos la ha dejado que da pena.

Amarilla piolín, que se podría llamar.

Bueno, pues para corregir la dominante que tenemos hacemos lo siguiente:

Primero de todo duplicamos la capa (Control+J) y la seleccionamos.

Acto seguido hacemos uso de uno de los filtros menos usados de Photoshop. Nos vamos a Filtro/Desenfocar/Promediar.

Este filtro nos va a buscar el color “promedio” de la imagen.

Si hay una dominante de color, claramente se verá influenciado el color promedio. Para corregir esa dominante necesitamos mover la rueda de color hacia su complementario (su opuesto en la rueda de color), así que… ¿Porqué no buscar su color complementario para ajustar el color general de la imagen?

Tan fácil como apretar (Control+I) para invertir la capa y encontrar lo que necesitamos.

Ahora sólo tenemos que ajustar la opción de fusión de la capa a “Color” y deslizar la Opacidad de la capa hasta un nivel aceptable. Esto dependerá de las dominantes que tenga la imagen, pero en mi caso casi siempre va de un 20% a un 40%.

Pero vamos, que eso va a gustos.

La diferencia es abrumadora.

Y si sois muy vagos os dejo con esta acción para realizar la corrección. Las acciones las deberíais meter en la carpeta destinada a tal menester… Es decir, en la ruta donde tengáis Photoshop/Ajustes Preestablecidos/Acciones.

Descargar: Acción de Corrección de Color.

Una manera rápida de guardar allí la acción es una vez la hayas cargado en Photohop, ya sea arrastrando el archivo hasta dentro de la paleta de acciones o bien haciendo doble clic sobre el archivo de la acción (con extensión .atn) guardarla desde el menú desplegable de la paleta Acciones. Mirar porque por defecto puede ser que la guarde en Mis documentos/Adobe/Photoshop/Ajustes Preestablecidos/Acciones. En mi caso, que tengo Photoshop en otra partición, prefiero que la guarde en la carpeta de la instalación, que está a salvo de posibles recuperaciones del disco duro. 

En este caso, he seleccionado la acción “corrección de color” y la opción de Guardar acciones está desactivada… ¿Por qué? Pues bien, inexplicablemente Photoshop sólo permite grabar grupos de acciones y no acciones sueltas. La carpeta "Buenas" contiene un grupo de acciones, y sí es posible guardarlas. De esta manera guardamos las acciones según su tipo y al guardar lo que hacemos es guardar todo el grupo. Cosas de Photoshop…

Espero que os haya sido útil. Yo, desde que lo he descubierto, soy otro…

Hoy vamos a tocar la perpectiva.

Hay veces que, por el motivo que sea, o por las prisas o porque es físicamente imposible, no podemos tomar la fotografía desde el mejor ángulo.

Veamos esta foto:

Vamos a convertirla en esto:

Como vemos en la foto original, en la parte superior las líneas no están rectas. Lo primero que tenemos que hacer para corregir esta imagen es retocar la perspectiva. Para ello, nos vamos a la Herramienta Recorte (C).

Antes de usarla borramos las dimensiones de la imagen dándole a la casilla “Borrar” ¿A que no lo hubierais adivinado nunca?

Bien, ahora extendemos un cuadrado cualquiera en medio de la imagen y activamos la casilla perspectiva para poder mover las esquinas de manera individual y ajustar así la perspectiva de la imagen.

Ahora, moviendo las esquinas independientemente alineamos con las referencias del edificio.

Una vez estén alineadas las líneas horizontales y verticales con las referencias es hora de extender el cuadro de recorte para coger la mayor parte de la fotografía (Eso va a gustos, por supuesto)

En este caso, estiramos de los puntos centrales, para no variar la perspectiva de nuevo. Recordar, con las esquinas ajustamos la perspectiva y con los centrales estiramos los costados.

En mi caso, queda algo así:

Cuando ya lo tenemos listo, le damos a ENTER o al simbolo de OK arriba a la derecha.

Bien. Ahora oscureceremos un poco la imagen y a la vez que le añadiremos algo de contraste. La imagen está algo plana. No olvidemos que está tomada con una Canon IXUS 40, de 4 Megapíxeles. Un auténtica joya en su tiempo.

Lo haremos mediante una doble capa y aplicando una fusión de capa en modo “multiplicar”.

Creamos la doble capa presionando Control+J y en modo de fusión ponemos “multiplicar”.

Luego variamos un poco la opacidad hasta que nos guste. Yo la he dejado a un 88%.

Ahora un poco de saturación…

Un pequeño ajuste de niveles. Hacemos otra capa de ajuste con el modo de fusión “Luminosidad” para no variar los colores. El modo “normal” estropea los colores, y sólo lo recomiendo para fotos en Blanco y Negro.

Le damos al icono de debajo de la palete capas que es un circulo blanco y negro y seleccionamos una nueva capa de ajuste de niveles. Cuando salga el cuadro de diálogo le damos a la opcion de fusión “Luminosidad” (Siempre se puede variar después)

Una vez creada le damos doble click al icono de los niveles de la nueva capa de ajuste que acabamos de crear y ajustamos los niveles al gusto. Recordar que hay que llevar los extremos hasta los primeros indicios de información. Apretar la tecla Alt para ver el Umbral y vigilar que no perdéis detalles.

Por último, una máscara de enfoque (SIEMPRE ES LO ÚLTIMO EN EDICIÓN) y se acabó.

Para que luego digan que no se pueden hacer buenas fotos con una compacta de 4 Megapíxeles…

Volviendo un poco a los fundamentos de la fotografía voy a intentar explicar en qué consiste la exposición.

Yo definiría exposición como el conjunto de acciones que permiten que la luz entre en contacto con la película o el sensor para crear la fotografía. Estas acciones en principio son dos, la apertura del diafragma y la velocidad del obturador, aunque hay otros factores que también inciden en la huella que la luz deja en la película o el sensor, como son los valores ISO, por ejemplo.

Una analogía que me gustó mucho y que leí en un libro era la del grifo de agua. Imaginemos que la luz es agua, y que tenemos que llenar un vaso (crear una fotografía). Cuanto más abramos el grifo, más agua entrará y más rápidamente se llenará el vaso. Pues con la fotografía pasa algo parecido. Cuanto más abras el diafragma (el diafragma es el orificio por el que entra la luz) más luz entrará, y la foto se hará antes, porque se llenará antes de luz. El obturador se encarga de permitir que la luz pase por el diafragma hasta la película o el sensor, abriéndose y cerrándose en intervalos que pueden ser desde 1/2000 segundos a muchos segundos o incluso minutos, dando opciones a exponer de muchísimas maneras posibles.

Se puede exponer con un diafragma muy cerrado, como un f/22 y unos minutos, o por el contrario con un diafragma muy abierto, como un f/2.8 y apenas fracciones de segundo.

Si dejamos caer mucha agua y el vaso rebosa, se dice que la fotografía esta sobreexpuesta. Si por el contrario, nos quedamos cortos y el vaso no se llena, la fotografía esta subexpuesta.

Conseguir una buena exposición no es sencillo. Hay veces en las qué, sencillamente, no es posible técnicamente. Las cámaras digitales tienen su punto flaco en su rango dinámico, y no en los megapíxeles como muchos creen. El rango dinámico es la distancia que hay entre las sombras y las luces, de manera que una cámara digital no es capaz de abarcar un espectro muy amplio de tonos en una fotografía en la que hay un alto grado de contraste.

¿Habéis probado a echar una foto en una habitación oscura con una ventana abierta en un día iluminado? Veréis que es prácticamente imposible hacer una exposición completa de los dos niveles tan diferenciados, el interior de la habitación con poca luz y el exterior con unas luces muy altas.

Las cámaras exponen de manera automática siguiendo unos patrones de conducta preestablecidos a partir de los valores que consigue del fotómetro interno, por lo que a veces, seguir las indicaciones del modo automático de la cámara, no es la mejor opción.

Aprender a exponer tiene su dificultad, pero es altamente gratificante saber que has conseguido lo que tú querías y no lo que la cámara ha decidido por ti. Hoy en día casi todas las compactas del mercado permiten ajustar la exposición de manera manual. Se puede empezar usando el modo Av (Prioridad de Apertura del diafragma) o el modo Tv (Prioridad del Obturador).

Con el modo Av (Prioridad de Apertura del diafragma) lo que hacemos es establecer la apertura que queremos. f/2.8, f/5.6, f/8, etc. Y según la apertura del diafragma que escojamos, la cámara se encargara de ajustar la velocidad de obturación. Este modo es recomendado para jugar con la profundidad de campo. Con aperturas grandes (número f pequeño, f/2.8 por ejemplo) se consigue una profundidad de campo muy reducida, dejando muchas zonas fuera del foco y quedándose desenfocadas.

En el modo Tv (Prioridad de la velocidad de Obturación) pasa justo lo contrario. Seleccionamos la velocidad a la que queremos que trabaje el obturador y la cámara se encarga de ajustar la apertura del diafragma. Es muy útil cuando queremos hacer fotos rápidas, por ejemplo, y evitar así que nos queden movidas. Si ajustamos este modo a un número muy pequeño 1/125 o menor, es muy difícil encontrar una foto movida, aunque según las condiciones de luz y la sensibilidad ISO es posible que la foto salga algo oscura si jugamos mucho con este modo y nos excedemos con la velocidad, sobre todo en interiores.

La ISO es la sensibilidad de la película, pero que se ha adaptado a los sensores digitales, para lo bueno y para lo malo. Me explico…

A una película con una sensibilidad ISO de 50 o 100 se le considera una película lenta. Se necesita más tiempo de exposición para que la foto se llene de luz. Pero por otra parte, la foto es mucho más nítida y carece de grano.

A una película con una sensibilidad alta, un ISO 1000, por ejemplo, se le considera una película rápida. Se necesita menos tiempo de exposición, pero en contra tiene el grano.

En el formato digital, el sensor hace una función similar para aumentar la sensibilidad del sensor, lo que provoca que a ISOS muy altas aparezca RUIDO, un efecto muy similar al grano de la película.

Una foto puede estar bien expuesta a f/5.6 y 1/60s de exposición a ISO 100 pero si la tomamos a ISO 400 tendremos que o bien cerrar el diafragma o reducir el tiempo de exposición o de lo contrario la foto se nos quemaría.

En ocasiones, la luz ambiental es escasa y no nos permite tomar la fotografía con una velocidad determinada. En esas ocasiones nos vemos obligados a subir la ISO, siendo conscientes de que eso implicará un aumento del ruido, pero una ganancia de tiempo en la exposición.

Mi recomendación es evidente. Usar siempre la ISO más baja que las condiciones os permitan. Si hay que usar trípode o algo que lo simule (no siempre se lleva un trípode encima, pero hay que echarle imaginación a la cosa) se usa, pero evitar siempre que sea posible las ISOS altas.

Como habéis visto, hay muchos valores a tener en cuenta a la hora de exponer. Una vez se hayan dominado los modos Av y Tv hay que pasar al M (Modo Manual). Yo todavía voy jugando entre los tres modos, y es que no es nada sencillo aprender a medir la luz y exponer una escena.

Y no, no todo se resuelve en Photoshop.

Otro día tomaremos los modos de medir la luz y hacía donde hay que exponer y porqué.

Hoy voy a tocar uno de los temas más peliagudos de la fotografía: El color.

La fotografía es luz, y la luz es color. Y la percepción del color es algo completamente subjetivo, ya que no todo el mundo asimila el color de la misma manera a través de sus ojos y cerebro. Es por eso que el ajuste del color puede ser una de las cosas más complicadas hoy día en fotografía.

Sólo hay que probar los ajustes automáticos de color para darnos cuenta de que es un control que no podemos permitirnos ajustar de manera automática. Yo normalmente usaba dos métodos, y casualmente, en la revista de este mes de Súper Foto Práctica aparece un artículo para corregir el color a través de las curvas. Muy útil, sin duda, aunque lo dejaré para más adelante cuando toque las curvas.

Los dos métodos se basan en el Equilibrio de color. Es segundo es una variación un poco más avanzada.  

Aquí os dejo una imagen de prueba. Evidentemente, como siempre, he pronunciado el defecto para ver mejor el efecto. La imagen tiene una clara dominante magenta.

Pues ahora abrimos la herramienta Equilibrio de Color (Control+B) o Imagen/Ajustes/Equilibrio de Color.

Lo que yo hago es desplazar los niveles de los tres pares de colores primero hacia la izquierda del todo, luego a la derecha para poco a poco ir moviendo de un lado a otro hasta encontrar el tono que más se ajusta a mi visión del color correcto. Primero empiezo con Iluminaciones dónde ajusto lo grosso, para después ir pasando a Medios Tonos y acabar en las Sombras para los detalles. Como digo, todo esto es subjetivo, ya que yo puedo ver el color de una manera diferente a otra persona. Pero a base de entrenar el ojo, como el músico que entrena el oído, se puede conseguir una vista muy equilibrada (Yo estoy en ello todavía)

Después de ajustar un poco a mí me da un resultado similar a esto.

Y la diferencia es la siguiente:

La diferencia es evidente.

Ahora voy a explicar el otro método que se basa en el mismo principio que éste, a través del Equilibrio de color, pero un poco más avanzado, que explica Mellado en su libro.

Consiste en crear dos capas de ajuste, una de Tono/Saturación, que elevaremos al 100% y aceptaremos, y otra de Equilibrio de Color.

A la capa de ajuste de Tono/Saturación, un 100%.

Y ahora, en la nueva capa de ajuste de Equilibrio de color, hacemos lo mismo que hemos hecho antes, pero ahora nos fijamos en la saturación de la foto. Tenemos que buscar que haya un nivel equilibrado de color, y evitar que un color predomine en la imagen. Puede que cueste un poco al principio, pero cuando lo dominas es mucho más preciso que hacerlo sin la capa saturación. Además, tenemos la ventaja de la capa de ajuste, y poder retocar luego cualquier mínimo detalle que se nos haya escapado (repito que la capa de saturación al principio, más que ayudar, despista). Se desactiva la capa de saturación, y si todavía no nos convence, la volvemos a activar, le damos doble click a la capa de ajuste de Equilibrio de Color, y seguimos…

Al final, el esfuerzo merece la pena.

Con el aumento de la popularidad de la fotografía digital, y los medios sociales que nos ofrece internet para compartir nuestras fotografías con el mundo, cada vez tenemos que escuchar o leer con mayor frecuencia que tal medio, o tal página o blog, le ha robado ésta o aquella fotografía a fulanito o menganito.

Y es que lo ponemos demasiado fácil, que dirán algunos. El problema, creo, viene cuando el tema se convierte en una obsesión y acabamos poniendo marcas de agua en medio de la fotografía para evitar el hurto. He visto cosas del estilo…

Así, por la vena y sin anestesia.

Realmente es algo muy respetable. La fotografía es propiedad de quien la realiza, y si considera apropiado protegerla de esa manera está en su derecho. Pero me da mucha rabia que esto se convierta en una moda, ya que esto no creo que frene, y el nivel de fotografías crece a pasos agigantados, por lo que creo que es mejor aceptar el riesgo de que siempre habrá gente (como por otra parte siempre la ha habido) que considera más sencillo coger una fotografía sin permiso y obtener beneficio de ella que pagar por ella. Pero si todos seguimos la misma solución, vamos a ver millones de fotos marcadas con tan mal gusto, que se hace difícil la visualización de la fotografía misma.

Una marca de agua tiene que ser algo más sutil. Una transparencia, a ser posible. Que dificulte un poco el hurto pero que no moleste para valorar la fotografía en sí.

Por otro lado, también viene bien actualizar los datos IPTC de la imagen con información del creador. Evidentemente es muy sencillo eliminar tal información, pero siempre va bien recordar que una foto tiene un autor y unos derechos, así como una dirección de correo electrónico para contactar con el autor en caso de necesidad. También se puede incorporar información acerca del copyright. Todo esto lo trataremos otro día.

Vamos a hacer una acción para crear nuestra marca de agua. Una acción es una herramienta de Photoshop para automatizar tareas, de tal manera que conseguimos con un click auténticas maravillas. Empezaremos con una marca de agua porque además es algo muy sencillo que ayuda a explicar el concepto de acción. Más adelante tocaré acciones más avanzadas así como las que yo uso y he creado para mi quehacer diario.

Para hacer una acción, primero abrimos la ventana desde Ventana/Acciones. Nos encontraremos con esto:

Las opciones se explican por sí solas. Las acciones se recopilan en grupos, que por cierto es lo único que se puede grabar, eso sí, con todas las acciones que queramos dentro. Yo, por ejemplo, tengo un grupo que en un alarde de originalidad he llamado “Propias”, así como otro para “Blanco & Negro”, otro para “Virados”, otro para “Marcos”, etc. Y dentro de cada grupo, tengo acciones que encuentro por diversas páginas. Entre ellas, las que recomiendo:

- Atncentral (Acciones a patadas. El problema es que hay algunas que no valen para nada)

- The light’s right studio. (Todas son fantásticas. Muy aprovechable)

Si alguien conoce algunas más de calidad que no dude en decírmelo para aumentar la lista. Si son gratuitas, mejor.

Pues sigamos. Vamos a crear una acción con el nombre “Marca de agua”. Para eso le damos a Acción nueva…

El Conjunto es lo que en la paleta Acciones, Photoshop llama Grupo. Sí, dislexia, pero que le vamos a hacer. La tecla de función sirve para vincular una tecla de función a dicha acción. Si por ejemplo añadimos F4, cada vez que pulsemos F4 se creará la marca de agua. ¿Chulo, verdad? Por último, color sirve para cuando utilicemos la opción de acciones en modo botón, por lo que de momento lo dejamos tal cual.

Ahora veremos que el icono correspondiente a Grabación está en rojo. ¡Estamos en el aire!

Vamos allá. Lo primero que haremos será escribir el texto. Seleccionamos el color que queremos y le damos a la herramienta texto (T). También explicaré por si queréis hacer una transparencia. En ese caso, el color es indiferente.

Con el color elegido para la marca de agua (recordemos que lo mejor es que quede algo sutil) escribimos en medio de la imagen. Dónde más rabia nos dé. El tamaño también es algo a gusto del consumidor. Depende de cómo de grande queramos la marca de agua y del tamaño que usemos en nuestras fotografías. Evidentemente, el tipo de letra también va a vuestro gusto.

Yo, que soy clásico, utilizaré la letra Arial , estilo Bold (Negrita) y un tamaño de 100px. Mis fotos suelen ser grandes. Si hacemos reducciones podemos crear otra acción con un tipo de letra más pequeña a la que llamar “Marca de agua pequeña”, por ejemplo, o aplicar la marca de agua antes de hacer la reducción.

El símbolo del copyright © se consigue usando los caracteres ANSI, manteniendo pulsada la tecla ALT y 184 del teclado numérico.

Vemos en la carpeta Acciones, que el proceso se va grabando.

Ahora, encima de la capa de texto, seleccionamos todo el documento, con Control+A. Ahora, nos vamos a Capa/Alinear capas con la selección y la ponemos dónde queremos. Yo, aunque no use de momento marcas de agua, creo que un buen sitio sería el extremo inferior derecho. Así que primero alineo hacia abajo y luego repito la operación para alinear a la derecha.

Y ya lo tenemos alineado.

Lo bueno de hacerlo así es que alinea independientemente del documento. Si desplazas el texto por la pantalla lo que estás haciendo es aplicarle unas coordenadas que luego, al cambiar de documento, pueden no ser correctas. Por eso, de esta forma, se puede alinear siempre con independencia del formato (vertical, horizontal, panorámico…)

Ahora, si queremos aplicarle una transparencia, nos vamos a la capa texto y le damos a estilos de capa.

Y allí nos vamos a opciones de fusión y moviendo el deslizador de Opacidad de relleno conseguimos una transparencia. Yo lo he dejado a medio camino.

Y en Bisel y relieve configuramos… ¡Sí! ¡El bisel y el relieve!

Esto va un poco a gusto de cada uno. Yo lo he dejado así que ya me gusta. Ahora deseleccionamos (Control+D)

¿Estáis satisfechos? Bien, pues ya es hora de darle a STOP.

Ahora ya tenemos la acción llamada Marca de agua. Podemos crear un grupo llamado “Propias” (yo ya lo tengo) y arrastrar esta acción dentro de la carpeta. Así no se pierden.

Ahora, al buscarlas en acciones, sólo tendremos que darle a Ejecutar para que Photoshop añada nuestra marca de agua con sólo un click. Facil, ¿No?

El potencial de las acciones es inmenso. Esto es una tontería pero que puede hacer ver a aquellos que no las conocían lo útiles que pueden ser. Se puede agilizar muchísimo la faena.

Si os queréis ahorrar incluso el darle al Play (ejecutar), podéis poner las acciones en modo de botón desde el menú desplegable de la paleta acciones.

Con lo que conseguiréis que la paleta Acciones se os convierta en esto.

Aquí vemos para que servía la propiedad Color cuando hemos creado la acción. Se pueden distinguir mucho mejor las acciones si las catalogamos en grupos de distinto color.

Y ahora sí, con un click, todo hecho.

El modo botón no permite modificar las acciones, sólo ejecutarlas.

Lo de añadir los datos IPTC en los EXIF lo dejamos para el siguiente capítulo. Vuelve a ser muuuuuy tarde.

Como los pasos se reducen al usar el archivo RAW, ya que practicamente se ajusta todo desde el Camera Raw, voy a tratar éste post de los pasos a seguir con un JPEG, dejando para otro post los ajustes del Camera Raw.

Con la foto en Photoshop tenemos que tener en cuenta varias cosas. Primero de todo es que vamos a tratar los asuntos serios antes que los triviales. Quiero decir con esto que nos ocuparemos de lo más grande para ir acabando con los detalles (esos granos u objetos que queremos clonar, por ejemplo).

Yo, lo primero que hago con una fotografía es intentar enderezarla y recortarla. Las dos cosas vienen juntas, ya que al enderezar una fotografía lo que estamos haciendo es girarla, con lo que posteriormente tenemos que hacer un recorte para que recupere su formato original. Es en ese momento, con la foto recta, cuando podemos estudiar la posibilidad de variar el encuadre al recortar.

Aquí dejo la imagen con la que vamos a jugar:

Como podemos ver, la imagen está levemente inclinada. Vamos a tomar como referente el tronco de madera que cruza la imagen horizontalmente. Para enderezar una foto, yo utilizo la herramienta regla que está dentro del menú emergente de la Herramienta Cuentagotas.

Ampliamos una zona de la referencia para poder ver bien la línea recta. En este caso utilizo la madera, pero puede ser el horizonte del mar o cualquier farola o viga vertical. El proceso es el mismo. Con la zona ampliada y la herramienta regla lo que hago es trazar una línea recta por la línea de la madera.

Y con la línea trazada ahora nos vamos a Imagen/Rotar Lienzo/Arbitrario, dónde nos saldrá el siguiente cuadro:

Al darle a OK la imagen se habrá enderezado con respecto a la línea que hemos trazado con la herramienta Regla, y podemos ver el Ángulo de desplazamiento (2,39). Una vez enderezada, tenemos una imagen girada que hay que recortar.

En esta ocasión no vamos a profundizar en reencuadres, porque tampoco tenemos muchos elementos aquí con los que jugar ni mucho espacio para reencuadrar. Simplemente vamos a hacer un recorte para eliminar el fondo negro que ha quedado al girar la foto. Le damos a la herramienta Recortar y yo siempre le doy a Dimensiones para conservar la proporción de la imagen original. Le borro la casilla resolución y la pongo a píxeles/cm para que no me varíe el tamaño de la foto. Antes, en versiones anteriores de Photoshop, con simplemente poner 2 y 3 en las casillas ya aplicaba la proporción. En el CS3 no sé porqué pero no. Me obliga a hacer todo eso

Ahora vamos con el tema de la luz. La imagen se ve a simple vista que está algo plana (falta de contraste) y podemos arreglar la luz de varias maneras.

La manera más simple es la herramienta Brillo/Contraste, desde Imagen/Ajustes/Brillo-Contraste:

Con estos dos simples deslizadores nos fijamos en el histograma (si no está visible activarlo desde el menú Ventana de Photoshop) para subir o bajar el brillo sin pasarnos de los limites del mismo. Al subir el brillo, el histograma se desplaza hacia la derecha, y al bajarlo, hacia la izquierda. Con cuidado de no llegar al límite, una vez aplicado el Brillo, nos vamos al Contraste, hasta que estemos satisfechos con el ajuste.

En este caso los valores han sido tan altos porque había desmejorado la foto desde el RAW para hacer los cambios más evidentes. Es normal que los valores sean diferentes en una toma y otra. En ocasiones, si la foto está bien expuesta, sólo tendremos que mover el Contraste. Quizás, ni eso.

La segunda forma de arreglar la luz es a través de los Niveles (Control+L). Es sin duda más precisa que el ajuste Brillo/Contraste, pero no llega a la madre de los ajustes de la luminosidad, que son las Curvas (Control+M). En este post no trataré las Curvas porque le dedicaré un post entero para ellas solitas.

Con Niveles tenemos lo siguiente:

Tenemos el histograma con tres triangulos que se pueden desplazar. Los niveles de salida, un poco más abajo del histograma, cuentan con dos desplazadores, y sirven para indicar el nivel de salida que queremos para el blanco y el negro. Si desplazamos el nivel de salida del negro hacia la derecha estaremos desplazando todos los negros que correspondían a ese rango y no permitiremos que hayan en la imagen negros más oscuros que los que indiquemos en los niveles de salida. Lo mismo ocurre con los blancos. Pero eso no nos interesa en este caso. Vamos a centrarnos en los tres triangulitos del histograma.

El triangulo de la izquierda de color negro pertenece a las sombras, el de la derecha de color blanco corresponde a las luces mientras que el central nos dará los tonos medios y en éste caso hará de Contraste.

Yo conozco dos maneras para ajustar el histograma. Una es con la tecla Alt apretada, al desplazar cualquiera de los dos triangulos de los extremos (blanco y negro) nos encontraremos con un nivel de umbral. Si empezamos con el indicador de la izquierda tendremos toda la imagen blanca y al ir desplazando hacia la derecha empezaremos a ver colores hasta llegar al negro. Los colores significa que se esta perdiendo información de los canales RGB, mientras que el negro significa que no hay información de ningún canal (Que la has cagado, vaya). En el extremo opuesto, en las luces, tenemos el caso contrario. Al presionar Alt (manteniéndola apretada) y desplazar el triangulo hacia la izquierda la imagen se pondrá negra, y empezaremos a ver los mismos colores para indicarnos que estamos perdiendo información de esos canales. Al aparecer el color blanco nos estará diciendo que se ha llegado al blanco puro y que hemos perdido toda la información de los canales.

Como os podéis imaginar, el ajuste preciso es un poco subjetivo, pero tenemos que intentar mantener toda la información posible. Es permisible perder un poco de información de los canales, pero hay que ir con mucho cuidado de no llegar a ver los colores blancos (al tratar las sombras) ni el negro (al tratar las luces).

Desplazando un poco yo he llegado a esto.

La otra manera que conozco es a través de la herramienta Umbral, en Imagen/Ajustes/Umbral.

Tendremos un histograma y un único deslizador.

Y al desplazarlo tendremos lo mismo que al presionar la tecla Alt y mover los deslizadores del histograma pero sin la información de los colores. De esta manera, si empezamos por la derecha, por ejemplo, tendremos la imagen negra, y al ir desplazando a la izquierda empezaremos a ver zonas blancas. Buscaremos la zona negra más pequeña y con la tecla Mayúsculas haremos click sobre la zona blanca más pequeña que podamos nada más aparezca con el cuentagotas que nos habrá aparecido. Habremos tomado una muestra de color con el blanco más blanco de la imagen.

Ahora hacemos lo mismo pero con las sombras. Desplazamos el Umbral hacia la izquierda y empezamos a moverlo poco a poco hacia la derecha hasta que nos aparezcan las primeras zonas negras. En cuanto podamos, en la zona más pequeña, volvemos a hacer click con la tecla Mayúsculas apretada. Habremos tomado una muestra de color del negro más negro de la imagen.

Ahora, importante, no le damos a Ok, si no que cancelamos.

Y ahora, nos vamos otra vez a Niveles (Control+L) y utilizamos los cuentagotas para especificar el blanco y el negro de la imagen.

Como se puede imaginar el cuentagotas blanco busca el punto más blanco de la imagen (la primera muestra de color), mientras que el cuentagotas negro busca el punto más negro de la imagen (la segunda muestra). Y ya está. Ahora sólo nos queda mover el triángulo del medio para modificar el contraste al gusto. Pero tendremos los blancos y los negros bien ajustados.

Y ya tenemos la imagen enderezada y con los niveles ajustados. Ya sólo nos queda el color y el enfoque. Eso para el siguiente capítulo que me han pasado las horas haciendo este tutorial. Espero que os haya sido de ayuda.