Nach 15 Jahren Unterricht an einer Brennpunkt-Schule wird Fred
(Alexandra Lamy) suspendiert. Ihr ist im Affekt die Hand ausgerutscht
und sie hat eine Schülerin geschlagen. Erst findet sie die Strafe
ungerecht und sucht die Schuld bei den anderen. Aber schließlich gesteht
sie sich ein, dass es ihr Fehler war, und es ist der Versuch einer
Wiedergutmachung, als sie entschließt, das Angebot ihrer Freundin
anzunehmen: Die Organisation, für die sie tätig ist, begleitet
straffällig gewordene Jugendliche auf dem „Weg der Wandlung“. Für zwei
Monate marschieren die Pädagogen allein mit ihrem Schützling auf dem
Jakobsweg. So lernt Fred Adam (Julien Le Berre) kennen. Der gewalttätige
Jugendliche steht kurz vor seinem 18. Geburtstag und hat schon mehrere
Jugendstrafen kassiert. Die Richterin stellt ihn vor die Wahl: Entweder
Wanderung oder Knast. Entsprechend wenig motiviert und aufmüpfig ist er
auf den ersten Kilometern und treibt Fred an den Rand ihrer Geduld. Sie
setzt ihm klare Grenzen und zeigt Verständnis für seine Situation. So
kommen die beiden sich allmählich näher.

„Ich glaube nicht an Gott.“ – „Er glaubt auch nicht an dich.“ Es sind
die direkten Dialoge zwischen Adam und Fred, die diese Reise so spannend
machen. Adams Gefühle schwanken zwischen den Extremen und Fred begegnet
ihm mit Offenheit. Dramaturgisch folgt der Film von Yann Samuel („Liebe
mich, wenn du dich traust“) bekannten Pfaden. Einem Hoch folgt ein Tief
und es gibt einschneidende Begegnungen auf dem Weg. Adams Leidenschaft
für Rap wirkt mitunter etwas aufgesetzt. Aber der junge Hauptdarsteller
Julien Le Berre ist ein überzeugender Performer und das Zusammenspiel
mit der erfahrenen Alexandra Lamy („Louise und die Schule der Freiheit“)
funktioniert hervorragend. Vincent Gallot („Ghettogangz“) setzt die
Reise einfallsreich und mit großen Naturbildern in Szene.

In diesem Jahr wäre Ingeborg Bachmann 100 Jahre alt geworden. Die Dokumentarfilmerin und studierte Literaturwissenschaftlerin Regine Schilling (»Igor Levit – No Fear«), nähert sich der Autorin mit einem experimentellen Porträt, bei dem sie Archivmaterial und Texte mit gespielten Sequenzen vermischt. In denen verkörpert Sandra Hüller Bachmann in ihren letzten Tagen, allein in einem Appartement in Rom, gezeichnet vom Alkohol- und Tablettenmissbrauch. Schilling selbst nennt dies eine Seance, eine Totenbeschwörung, auf die sich Hüller mit vollem Körpereinsatz einlässt. So entstand ein intimes Bild einer Getriebenen, in dem Bachmann durch ihre Texte lebendig wird und Einblick in ihr Innerstes offenbart. Dazwischen dokumentieren die Fernsehaufnahmen den Weg aus dem ländlichen Kärnten in die Metropole Wien, von der Tochter eines NSDAP-Funktionärs zur gefeierten Lyrikerin. Der Weg ist gezeichnet von ihren komplizierten Beziehungen zu Paul Celan, Hans Werner Henze und Max Frisch und einem unnachgiebigen Ringen um eine eigene, radikale Sprache zwischen öffentlichem Ruhm und existentiellen Krisen. Schilling bezieht dabei den Entstehungsprozess ihrer Versuchsanordnung in den Film ein, zeigt Hüller bei der Vorbereitung auf ihre Rolle, in der Maske und bei den Proben. Ein interessantes Werk, das nicht den Anspruch auf Authentizität erhebt, sondern aus seinem künstlerischen Anspruch keinen Hehl macht.

Sei vorsichtig, was du dir wünscht – Diese alte Weisheit bekommt in »Obsession« einen frischen Twist. Der schüchterne »Bear«, wie er von seinen Freunden genannt wird, liebt insgeheim Nikki. Seine Liebe kann er ihr jedoch nicht gestehen, ohne ihre langjährige Freundschaft zu gefährden. Also wünscht er sich eines Abends, dass sie nichts in der Welt mehr liebt als ihn. Das harmlos erscheinende Spielzeug »Wishing Willow« erfüllt überraschenderweise sein Versprechen und Nikki weicht fortan wie fremdgesteuert nicht mehr von seiner Seite. Doch »Bear« muss bald begreifen, dass aus Liebe schnell Obsession werden kann, wenn magische Kräfte im Spiel sind, und so wird die Leidenschaft zur Last. Regisseur und Autor Curry Baker, der mit selbstgedrehten Horror-Kurzfilmen auf YouTube virale Hits landete, produzierte seinen ersten Langfilm unabhängig, bevor das Hit-Horrorstudio Blumhouse auf ihn aufmerksam wurde. Das überschaubare Budget sieht man »Obsession« allerdings nicht an. Durch den cleveren Einsatz von Licht und Schatten schafft er eine konstante Bedrohung. Einige Jump-Scares sieht man zwar meilenweit kommen, sie verfehlen jedoch nicht ihre Wirkung. Effektiv ist sein Horror, der ein wenig an den ähnlich gelagerten „Together“ aus dem vergangenen Jahr erinnert, auch aufgrund der entfesselten Darstellung von Hauptdarstellerin Inde Navarette (»Superman and Lois«) und weil er seine Geschichte mit seinem nachvollziehbar handelnden Protagonisten erdet.

Eine Traumreise durch das Zwanzigste Jahrhundert und 100 Jahre Filmgeschichte – nicht weniger hat sich der chinesische Autorenfilmer Bi Gan („Long Day’s Journey Into Night“) vorgenommen. Schon die ersten Filmminuten sind ein Versprechen: Die Kamera blickt in ein Diorama, eine Opiumhölle vor einhundert Jahren. Eine Hand greift in die Szene und gestaltet sie. Menschen irren durch die Kulisse, die sich für die Protagonistin bald zu einem surrealen Albtraum entwickelt. Sie stößt auf eine entstellte Kreatur, ein Phantasmer, ein Träumer in der Welt jener, die sich vom Träumen entfernt haben, um ewig zu leben.

Durch die Jahrzehnte folgt sie ihm in immer wieder neue Inkarnationen. So wird die Handlung in sechs Kapiteln zum Episodenfilm, der mal einem Taschendieb und Betrüger auf den Straßen folgt, dann einem Grabräuber bei einer übernatürlichen Begegnung in einem Kloster und schließlich einem Paar in der Nacht vor dem Ende des Jahrhunderts.

Es sind immer wieder Figuren einer Halbwelt, die ziellos durch die Zeit driften. Bi Gan inszeniert sie vor dem Hintergrund des sich wandelnden Reichs der Mitte. Sein cineastischer Trip ist aber auch eine Liebeserklärung an das Kino, vom Stummfilm bis zur Gegenwart, verspielt und visuell berauschend in Szene gesetzt von Jingsong Dong („Der See der wilden Gänse“). „Resurrection“ erzählt mit Traumlogik und entzieht sich einer konventionellen Handlung. Lässt man sich darauf ein, zieht einen der Film über seine 160 Minuten und weit darüber hinaus in seinen Bann.

Mit nur drei Filmen hat sich der isländische Regisseur Hlynur Pálmason zur festen Größe im europäischen Kino und zum Dauergast im Wettbewerb von Cannes gedreht. Der schmerzhafte Verlust eines geliebten Menschen in »Weißer, weißer Tag«, die Verlorenheit am Ende der Welt in »Godland« – Pálmason erzählt fast schon beiläufig, mit einem tiefen Verständnis für die Natur des Menschen von einschneidenden Ereignissen. So auch in »The Love That Remains«. Die Ehe zwischen Anna und Magnús ist aus. Seine ständige Abwesenheit durch den Job auf einem Fischkutter mag ein Grund für die Trennung gewesen sein. Wann immer er an Land ist, ist er trotzdem Teil der Familie und für ihre drei Kinder da. Der Schlussstrich unter ihre Beziehung ist für Anna sicherlich deutlicher als für Magnús, der immer noch baggert. Aber beide leben längst unterschiedliche Leben. Während Anna um Anerkennung für ihre Kunst kämpft und nebenher den Haushalt führt, ist Magnús unter Deck mit notgeilen Seemännern. Mit trockenem Humor und menschlicher Wärme erzählt Pálmason von einer Trennung und der Liebe, die bleibt. Wir bekommen einen Einblick in das Leben einer Familie inmitten der rauen Natur Islands, die das Leben der Menschen bestimmt. Mit natürlichen Kinderdarstellern und überzeugenden Erwachsenen entsteht ein Ausschnitt, der fühlbar ein Vorher und Nachher hat und auch auf der Leinwand ewig weiterlaufen könnte.

Alec ist ein schüchterner Teenager. Gerade ist er mit seinem Vater aus
London in ein verschlafenes Städtchen an der Küste gezogen. In der neuen
Schule hält er lieber den Kopf unten. Niemand soll erfahren, womit sein
Vater Geld verdient: Als Dylan Savage ist er Pornodarsteller und
Produzent. Seine Filme dreht er in ihrer kleinen Wohnung. Für Alec
gehört das zum Alltag. Er dreht und schneidet die Filme. Doch Dylan ist
alt geworden und die Nachfrage sinkt. Krampfhaft versucht er, das
Geschäft am Laufen zu halten. Als sich Alec in seine Mitschülerin Nina
verliebt, beginnt er, sein vertrautes Leben in Frage zu stellen. Nina
bringt ihm bei, was es bedeutet, wirklich nackt zu sein und gesehen zu
werden. Im Gewand eines Coming-of-Age-Dramas thematisiert die
niederländische Filmemacherin Muriel d’Ansembourg die Suche nach Nähe
abseits pornografischer Reizüberflutung. Ähnlich wie Ninja Thybergs
»Pleasure«, spart auch ihr Debüt dabei keine Details aus und liefert
einige feministische Kommentare zu den patriarchalen Strukturen der
Pornoindustrie. Das ist manchmal arg vordergründig, jedoch insbesondere
von den jungen Hauptdarstellern überzeugend verkörpert. Die unbeholfene,
aufkeimende Liebe zwischen Alec und Nina ist charmant in Szene gesetzt
und steht im Kontrast zu den Sexszenen am Set. »Truly Naked«, zum Teil
mit professionellen Pornodarstellerinnen gedreht, verdammt die Branche
nicht pauschal, sondern bietet einen differenzierten, menschlichen Blick.

185 Minuten Film sind ein Versprechen, das es einzulösen gilt. Wer sich
als Zuschauer für drei Stunden ins Kino setzt, erwartet zumindest, dass
ihn die Story in den Bann zieht, die Charaktere näher rücken und die
Zeit verfliegt. Der französische Regisseur und Autor Alain Gomis stellt
bei »Dao«, der seine Premiere im Wettbewerb der diesjährigen Berlinale
feierte, von vornherein klar, dass es sich hier um ein filmisches
Experiment handelt. Zunächst wohnen wir einem Casting bei, bei dem die
Protagonistin Gloria gefunden wird. Gemeinsam mit der Filmtochter reist
sie dann in eine Dorfgemeinschaft in Guinea-Bissau an der afrikanischen
Westküste. Hier werden die beiden in die Arme der Familie geschlossen
und feiern die Beerdigung ihres Vaters in einem mehrtägigen
traditionellen Fest. Zeitlich vermutlich später, im Film jedoch parallel
erzählt, begleiten wir Gloria bei der Hochzeit ihrer Tochter in
Frankreich. Die beiden Anlässe, die Vielzahl verschiedener Figuren und
Leben, Tanz, Musik, Freude und Trauer begleiten uns durch die drei
Filmstunden, die von einer Handlung nur lose zusammengehalten werden.
Das erfordert Aufgeschlossenheit vom Zuschauer, belohnt aber auch mit
einem außergewöhnlichen Einblick in eine exemplarische Familie zwischen
den Kulturen.

Fast sein gesamtes Leben stand Antoine Toussaint (Gérard Darmon) auf der Bühne. Seine Interpretation des Gassenhauers „Mambo Italiano“ machte ihn unsterblich. Dachte er zumindest. Nach einem Schlaganfall im Rampenlicht sieht sich Antoine allerdings plötzlich mit der eigenen Sterblichkeit konfrontiert. Er fasst einen Entschluss: Bevor er als Gemüse endet, will er seinem Leben lieber selbst ein Ende bereiten. Die Koffer sind gepackt, der Termin bei einem Institut für Sterbehilfe gebucht. Im Zug nach Genf trifft er allerdings auf Victoire (Valérie Lemercier), die gerade auf Freigang aus dem Gefängnis unterwegs zur Hochzeit ihrer Tochter ist – und natürlich ist sie Antoines größter Fan. Als sie von seinen Plänen erfährt, weicht sie ihm fortan nicht mehr von der Seite. Sicher, die Basis für die Tragikomödie von Jean-Pierre Améris („Die Anonymen Romantiker“) ist konstruiert und auf dem Weg zum Happy End gibt es allerlei haarsträubende Plot-Twists. Aber das charmante Gespann sorgt für einen ebenso leichten wie höchst vergnüglichen Kinoabend.

John Davidson geht nervös an den versammelten Menschen vorbei, um seinen Ritterorden in Empfang zu nehmen. Auf dem Weg ruft er ein beherztes »Fuck the Queen!« in den Raum. Davidson leidet an Tourette und hilft anderen in seiner Situation, damit umzugehen. Der Weg hier her war lang und beschwerlich. Im Jahre 1983 war John ein aufgeweckter 14-Jähriger, der von einer Karriere als Profifußballer träumt, als er plötzlich unkontrollierbare Ticks entwickelt. In seiner Heimat Schottland ist Tourette damals noch kein Begriff. Zunächst unterstellen ihm selbst seine Eltern, er würde allen nur etwas vormachen. In der Schule wird er gehänselt, gerät in Schlägereien. Jahre später trifft er auf Dottie, die Mutter seines früheren Schulfreunds und die erste, bei der er sein kann, wie er ist. Doch der Weg zur gesellschaftlichen Anerkennung seiner Krankheit ist weit und steinig. Regisseur Kirk Jones (»Lang lebe Ned Devine!«) erzählt die Lebensgeschichte von John Davidson als flammendes Plädoyer für mehr Aufklärung und Akzeptanz von Tourette. Die Erforschung steht immer noch am Anfang, Therapien sind chronisch unterfinanziert. Davidsons Geschichte kann da auf der Leinwand für die nötige Aufmerksamkeit sorgen. Robert Aramayo, bekannt aus »Game of Thrones« und der »Herr der Ringe«-Serie, wurde für seine eindrucksvolle Darstellung bereits mit dem BAFTA ausgezeichnet. Er ist das Herz des mitreißenden Films, der es immer wieder schafft, die tragischen Momente mit Situationskomik aufzulockern.

In Zeiten einer rechtskonservativen Regierung ist das Kino in Italien
politischer denn je. Andrea Segre („Welcome Venice“) inszeniert in
seinem dokumentarischen Drama das Leben von Enrico Berlinguer, dem
früheren Generalsekretär der Kommunistischen Partei. Dabei konzentriert
er sich auf den Zeitraum von 1973 bis 78 und zeigt den Aufstieg in die
Regierung. Der charismatische Enrico Berlinguer (Elio Germano) träumt
von einem demokratischen Sozialismus. Berlinguer will seinen Arbeiter-
und Bauernstaat auf einem möglichst breiten Fundament errichten – gegen
die Widerstände in seiner eigenen Partei und der Faschisten, die bald
auch sein Leben bedrohen. Für eine zukunftsgerichtete Politik braucht
Berlinguer allerdings den Rückhalt der christlichen Regierungspartei
unter Ministerpräsident Giulio Andreotti (Paolo Pierobon).

„La Grande Ambizione“ – Den großen Ehrgeiz erfasste auch Regisseur und
Autor Andrea Segre, die politische Geschichte Berlinguers möglichst
originalgetreu auf die Leinwand zu bringen. Wie er Berlinguer als
uneitlen Kämpfer für die gute Sache darstellt, ist einnehmend.