Mitte der Achtziger revolutionierte eine Handvoll von Regisseuren aus
Hongkong das Actionkino. Hart, brutal und mit einer großen Portion
Stilbewusstsein sog das Hongkong-Kino Hollywood-Konventionen auf und
drehte sie auf zwölf. Einer der jungen Wilden jener Zeit war John Woo.
Mit „City Wolf“ (A Better Tomorrow), „Hard Boiled“ und „The Killer“
schuf der Regisseur Meilensteine, die das Actionkino überall in der Welt
für Jahre prägen sollten. Nach „Hard Boiled“ kommt nun auch „The Killer“
von 1989 in einer restaurierten Fassung erneut in die deutschen Kinos.
Wie schon bei „City Wolf“ produzierte Tsui Hark und Chow Yun Fat
übernahm die Hauptrolle, der wie kein Zweiter zum Posterboy des
Hongkong-Kinos avancierte. Fat spielt den Killer Jeff, der auf die
Nachtclubsängerin Jennie (Sally Yeh) trifft. Für sie ist er bereit, das
tödliche Handwerk an den Nagel zu hängen. Doch um ihr Augenlicht zu
retten, muss er einen letzten Auftrag annehmen. Der bringt ihn ins
Fadenkreuz der Triaden und der Polizei unter Inspektor Lee (Danny Lee).
Das Zusammenspiel von Killer und Cop macht den größten Reiz dieses
zeitlosen Actionspektakels aus. Stylische Schießereien und wilde
Verfolgungsjagden wechseln sich im Minutentakt ab. Dazwischen ist Raum
für Trauer um den Verlust von Mitgefühl, Ethik und Ehre unter Gangstern.
Eine Killerballade, die auch das Ende einer Ära einläutet. Die Tage
Hongkongs waren gezählt. 1997 wurde die Sonderverwaltungszone von den
Briten an die chinesische Regierung übertragen. John Woo ging nach
Hollywood und mischte dort das Actionkino mit Filmen wie „Face/Off – Im
Körper des Feindes“ und „Operation Broken Arrow“ auf. „The Killer“
bleibt ein Klassiker des Genres, der seine Mitwirkenden auf ihrem
kreativen Höhepunkt zeigt und zugleich ein neonleuchtendes Hongkong auf
die Leinwand bringt, das längst verschwunden ist.

Die achtjährige Bela (Arabella Olivia Clark) ist es gewohnt, ihre Mutter
(Jessica Chastain) kaum zu Gesicht zu bekommen. Während sie an ihrer
Karriere feilt, kümmert sich der Vater (Jay Duplass) um die Tochter und
den Haushalt. Beziehungsweise sollte er das, kifft aber lieber am
Vormittag und macht dann ein Nickerchen. So auch als Bela in der Küche
überraschend auf ihre Mutter trifft, die sich eigentlich eben
verabschiedet hatte. Doch irgendwas ist anders. Ihre Mutter beginnt
unvermittelt zu weinen und kocht Pasta ohne Wasser, was beinahe einen
Brand auslöst, den ihr Vater gerade noch verhindern kann. Als er die
Mutter mit verdrehten Gliedmaßen unter dem Küchentisch entdeckt,
begreift auch er, dass etwas nicht in Ordnung ist. Die beiden suchen das
Weite und rufen die Polizei. Die erscheint – und kurz darauf auch die
Mutter, die plötzlich wieder ganz normal wirkt.

Das Vertrauen der kleinen Bela ist erschüttert, obwohl sie weiß, dass es
sich bei dem Ding in der Küche nicht um ihre echte Mutter handelt.
Vielmehr ist es die »andere Mutter«, die Bela aus einer Parallelwelt in
ihre Realität geholt hat. Die überforderten Eltern suchen fortan nach
einem Weg, die dämonische Entität wieder loszuwerden. Die Story ist
Quark, die Versuche der Familie, den Dämon zu bekämpfen reichlich
albern. Aber das Drehbuch ist sich dessen durchaus bewusst und dreht den
Irrsinn auf Zwölf. Jessica Chastain hat einen Heidenspaß daran, in ihrer
Doppelrolle von der Businessfrau in eine groteske Karikatur zu
schlüpfen. Arabella Olivia Clark überzeugt rundum in der Rolle der
verängstigten Tochter und Jay Duplass gibt den hilflosen Doofus. Die
Schockeffekte sind solide, das CGI-Monster durchaus furchteinflößend.
Das alles ist hochgradig sinnentleert, aber doch irgendwie unterhaltsam.

Wie ein scheues Tier steht Hanna im Wald, häutet einen Hasen und hält
dabei immer wieder inne, um nach Geräuschen zu lauschen. Als sie Schüsse
hört und Hundegebell, packt sie hastig alles zusammen und flieht. Durch
den Wald, den Hang hinauf, doch der Hund ist ihr auf den Spuren und nur
dank ihrer Beute lässt er von ihr ab. Der schmerzhafte Verlust ist
spürbar, noch schmerzhafter allerdings der Stock, der sich in ihren
Unterschenkel gerammt hat, den sie unter Tränen entfernt, die Wunde
desinfiziert und näht. Es geht um alles – das wird auch ohne Worte
schnell klar in Mariko Minoguchis („Mein Ende. Dein Anfang.“) zweitem
Spielfilm. Das existentialistische Drama entfaltet sich allmählich. Es
gibt einen Virus, Hanna war Ärztin und ist jetzt Ausgestoßene, da sie
den Erreger in sich trägt. Über rund zwei Stunden entspinnt sich ein
Kampf ums Überleben in der Wildnis der Alpenregion. Die traurigen Augen
von Nina Hoss zeugen vom Leid, dass sie gesehen haben. Endzeitdramen
rund um tödlichen Viren hat es schon viele im Kino gegeben, aber selten
wurde das Szenario so trostlos geschildert.

In ihrem 2007 erschienenen Roman „Heimsuchung“ rollt Jenny Erpenbeck die
deutsche Geschichte des 20. Jahrhunderts auf und schildert sie aus der
Perspektive eines Grundstücks am Scharmützelsee. Dort lebt zunächst ein
jüdischer Tuchfabrikant mit seiner Familie. Als die Nazis an die Macht
kommen, muss er das Grundstück verkaufen. Ein Architekt errichtet dort
ein Haus für seine zweite Ehefrau. Nach dem Krieg zieht eine
Schriftstellerin und überzeugte Kommunistin mit ihrer Familie ein und
erlebt, wie die großen Visionen eines sozialistischen Staates zerfallen.
In rund zwei Stunden Film goss Regisseur Volker Schlöndorff den Stoff.
Er behält die Erzählerinnenstimme bei, was dem Film etwas altmodisch
Lehrbuchhaftes gibt. Mascha Schilinski war da mit ihrem ähnlich
gelagerten Cannes-Gewinner „In die Sonne schauen“ wesentlich
eindringlicher. Was bleibt, ist ein hervorragendes Ensemble, hübsche
Naturpanoramen und die Chronik des Übergangs vom National- zum
Sozialismus, die im deutschen Kino immer noch untererzählt ist.

Eindrucksvoll erstrecken sich die Salzseen über die unendlichen Ebenen
Boliviens und vereinen sich am Horizont mit dem Himmel. Hier, am
höchsten Ort der Welt, schlummert ein Reichtum an Rohstoffen unter der
Erde. Das weckt Begehrlichkeiten und so stehen die Vertreter der Welt
Schlange, um Handelsabkommen mit dem Binnenstaat im Herzen von
Lateinamerika zu schließen. Eine Gruppe europäischer Unternehmer und
Diplomaten erkundet das mit geschätzt 23 Millionen Tonnen größte
Lithiumvorkommen der Welt im Andenhochland Boliviens. Von dem wollen
auch die Bewohner der indigenen Dorfgemeinschaften profitieren. Denn
obwohl das Land reich ist an Silber, Zinn und Zink, lebt die Bevölkerung
in Armut. Dokumentarfilmer Jens Schanze begleitet die Europäer bei ihrer
Reise und die Einheimischen in ihrem Kampf. Dazwischen zeugen immer
wieder Briefe des indigenen Autors Felipe Guamán Poma de Ayala aus dem
16. Jahrhundert von der Ausbeutung der Kolonialherren. „Materia Prima“
macht nachdenklich, auch über die Rolle, die wir als Konsumenten in dem
Kreislauf spielen.

Lore (Dagmar Manzel) und Harry (Joachim Król) sind seit 40 Jahren
verheiratet. Ein altes Ehepaar wie es im Buche steht. Er meckert gern,
sie kritisiert ihn häufig. Aber eigentlich lieben sie sich und halten
die gegenseitigen Marotten aus. Der Pensionär kümmert sich am liebsten
um seinen Rittersporn im Garten, während die Bibliothekarin vergeblich
versucht, ihren Gatten mal zu einer Lesung zu bewegen. Lore träumt von
einem anderen Leben, von Reisen, von Aufbruch. Sie fühlt sich kraftlos
und fragt sich immer dringlicher: War das schon alles? Harry trinkt sein
Bier, raucht, schweigt. Als eine Einladung zur Hochzeit ihrer Tochter im
Briefkasten liegt, hat er nur Abfälliges für den zukünftigen
Schwiegersohn übrig: Wessi, reich geerbt, klein und untersetzt. Obwohl
Lore zieht und zerrt, lässt er sich nicht dazu bewegen, zur Feier nach
Leipzig zu reisen. Aber die ist ja auch erst im Herbst und es ist Frühling.

Der Film begleitet das Paar mit wundervollem lakonischen Humor durch die
Jahreszeiten. Mit klugen, lebensnahen Dialogen ist die Adaption des
Romans von Elke Heidenreich und Bernd Schroeder ein Zweipersonenstück,
das sich fast ausschließlich im schönen Ostberliner Häuschen (mit
Garten) abspielt. Die Szenen und Dialoge erzählen beiläufig auch viel
über die DDR und das Heute. Ein Stoff wie geschrieben für Andreas
Dresen, der nah am Buch inszenierte. Dagmar Manzel und Joachim Król
spielen das ganz wundervoll, ehrlich und ohne Eitelkeit. Eine „Alte
Liebe“ verbindet unterdessen auch Regisseur Andreas Dresen und
Drehbuchautorin Laila Stieler. Seit mehr als 20 Jahren schreiben sie
zusammen. Das Thema Liebe im Alter behandelten sie bereits mit »Wolke
Neun« aufrichtig und einfühlsam. Ihre künstlerische Harmonie sorgt auch
hier für jene Handschrift für die das Publikum ihre Filme schätzt und
liebt und auch diesen in ihr Herz schließen wird.

Volksmusik – Ein Heiligtum (süd)deutscher Identität. Als Außenstehender
verbindet man die Blasmusik eher mit Bier und Oktoberfest. Franz Himpsl
macht Volksmusik. Mit seiner Frau Irene und den beiden Söhnen hat er die
Unterbiberger Hofmusik gegründet. Aber die Himpsls haben in ihrem
Repertoire nicht nur Volkslieder, sie spielen auch Jazz und Klezmer in
Marokko, Ägypten und dem Iran. Wie aus dem Lehrer in einer bayrischen
Kleinstadt ein musikalischer Botschafter wurde, der um die Welt reist
und mit den Größen des Jazz spielt, erzählt Matthias Ditscherlein in
seinem mitreißenden Dokumentarfilm „Über Unterbiberger“. Über zehn Jahre
begleitete er die Familie bei ihren Reisen und in ihrem Umfeld in dem
Vorort von München. Er fängt die großen Augen und überraschten Gesichter
ein, wenn Franz in Lederhose die Saz – eine orientalische Laute – zückt
und darauf, wechselnd mit der Trompete, seine Interpretation türkischer
Volkslieder singt. Ist ist aber auch im Breisgau bei den Freunden der
Familie, backstage in Marrakesh und bei der Arbeit mit Kindern im
ägyptischen Shibin el-Kaum dabei. So entsteht ein Porträt, das ebenso
umtriebig ist wie sein Protagonist. Franz ist der Zampano, der die
Familie auf Trapp hält und auch gern den Mittelpunkt der Doku einnimmt.
Seine Bereitschaft zum musikalischen Austausch ging soweit, dass er
neben Türkisch auch Arabisch lernte, um auch den Zugang zu den Kindern
zu finden und in ihnen die Leidenschaft für Musik zu wecken. Mit Respekt
und Offenheit verbinden die Himpsls Kulturen über die einende Sprache
der Musik. „Nur nicht in die Hosen scheißen“, ist das Motto, immer
neugierig darauf neue Kulturen aufzusaugen. „Über Unterbiberger“, der
die Hofer Filmtage eröffnete, mag eine etwas einseitige Geschichte
erzählen. In seiner Begeisterung ist er aber ein beseeltes Plädoyer für
das was uns verbindet.

Freiheit und Sicherheit sind zwei gesellschaftliche Ziele, die immer
wieder für Diskussionen sorgen. In der nahen Zukunft, die die
Schriftstellerin Juli Zeh in ihrem Roman „Corpus Delicti“ entwirft,
wurde zugunsten der Sicherheit auf Freiheit verzichtet. „Die Methode“
beherrscht das Leben der Menschen, ein Regelwerk, das als unfehlbar
gilt. Verbrechen sind ein Relikt der Vergangenheit. Wer aus diesen
Regeln ausbricht, wird drakonisch bestraft. Mia Holl (Hannah Herzsprung)
opfert ihr Leben voll und ganz der Methode. Ihr Bruder Moritz (Damian
Hardung) will auf seine Freiheit nicht verzichten. Als er des Mordes an
einer Frau bezichtigt wird, beginnt auch Mia an der Methode zu zweifeln.
Das Konzept eines dystopischen Überwachungsstaat ist nicht neu, wird in
der Adaption von „Corpus Delicti“ aber überzeugend um- und eindrucksvoll
in Szene gesetzt. Hannah Herzsprung („Vier Minuten“) überzeugt in der
Wandlung von der Devoten zur Zweiflerin. Die übrigen Figuren sind
allerdings flach und die Inszenierung schlägt mitunter über die Stränge.
„Corpus Delicti“ ist durchaus spannendes Unterhaltungskino. Zu mehr
fehlt es an Tiefe.

Das japanische Studio 4°C, welches in diesem Jahr seinen 40. Geburtstag
feiert, hebt sich mit seinen Produktionen seit jeher angenehm ab vom
Anime-Mainstream. Die Figuren in Filmen wie „Mindgame“, »Mutafukaz« oder
»Tekkonkinkret« sind kantiger, der Stil surrealer, visuell aufregender
und unverkennbar. Das gilt auch für das Regiedebüt von Ken’ichirô
Akimoto und Yukinori Nakamura. Sie haben sich den in Japan äußerst
populären Roman »All You Need Is Kill« von Hiroshi Sakurazaka
vorgenommen, erzählen die Story aber aus weiblicher Perspektive. Die
rothaarige Rita, eine junge Rekrutin in der Vereinigten
Verteidigungseinheit, wacht eines Morgens auf und muss feststellen, dass
sie in einer Zeitschleife gefangen ist. Eine außerirdische Macht tötet
sie und ihre Einheit. Kurz darauf erwacht sie wieder am Morgen zuvor und
muss den Tag erneut durchlaufen. Außer ihr scheint niemand davon
betroffen. Also entwickelt sie mit jedem Tod neue Strategien und
trainiert, um gegen die pflanzenartigen Killer bestehen zu können –
allerdings vergeblich. Rita beißt regelmäßig ins Gras. Bis sie entdeckt,
dass ihr Schicksal mit dem des Computernerds Keiji verbunden ist.
Gemeinsam versuchen sie fortan die Aliens zur Strecke zu bringen und dem
Loop zu entkommen.

Wer jetzt denkt, die Story gab es doch schon mal mit Tom Cruise und
Emily Blunt: Richtig, auch der Realfilm »Edge of Tomorrow« von Doug
Liman basiert auf derselben Romanvorlage. Nun sind die Rollen verdreht
und die launische Rita ist die eindeutig interessantere Protagonistin.
Die mürrische Einzelgängerin schottet sich am liebsten von der Außenwelt
ab. Bis sie dazu gezwungen ist, sich aus ihrem Schneckenhaus zu bewegen.
Das ist (in der deutschen Synchronisation) alles ein wenig zu
offensichtlich behandelt und ausgesprochen. Visuell ist „All You Need Is
Kill“ aber eine wahre Wucht mit abgedrehten Ideen und
schwindelerregenden Actionszenen.

Mit dem Format »To Catch a Predator« für den TV-Sender NBC machte der
US-Journalist Chris Hansen Mitte der 2000er Jahre eine Form der
Selbstjustiz salonfähig, indem er Pädophile in eine Falle lockte und
öffentlich bloßstellte. Über Chats und Foren gewannen seine Mitarbeiter
das Vertrauen der Triebtäter und vereinbarten ein Treffen, bei dem
Hansen sie vor laufender Kamera zur Rede stellte.

Die Reality-Show sorgte für Diskussionen darum, wie weit das Fernsehen
gehen darf und sollte. Im vergangenen Jahr rollte der Regisseur David
Osit in seinem Dokumentarfilm »Predators« den Fall neu auf.
Dokumentarfilmer David Osit sprach mit Mitwirkenden und auch mit Hansen
selbst und zeichnete ein ambivalentes Bild. Ging es den Machern wirklich
um Aufklärung oder nur um die Befriedigung der Sensationslust des
Millionenpublikums? Heiligt der Zweck jedes Mittel? Osit gelang es mit
seinem Film die Kontroverse aus verschiedenen Blickwinkeln zu betrachten
und den Betrachter zum Nachdenken anzuregen.

Nun hat sich der Dokumentarfilmregisseur Lance Oppenheim an eine
Fiktionalisierung des Stoffes gewagt. Er schildert die Ereignisse hinter
den Kulissen und macht daraus einen hochspannenden Thriller. An dessen
Anfang ist Chris Hanson (Robert Pattinson) noch ein aufstrebender
Fernsehjournalist mit zweierlei Visionen. Er will pädophile Triebtäter
zur Strecke bringen und die Welt verbessern. Daneben geht es ihm aber
auch darum, dass seine journalistische Arbeit endlich die Anerkennung
erhält, die sie in seinen Augen verdient. Hansons Ambitionen machen vor
allem seiner Produzentin Andie Bender (Merritt Wever) das Leben schwer.
Der Getriebene entscheidet erratisch und ist zunehmend abgelenkt von
einem anonymen Anrufer, der dem verheirateten Vater droht, seine
Liebesaffäre auffliegen zu lassen.

Robert Pattinson spielt das hervorragend mit der von ihm schon aus „Das
Drama“ oder „Die My Love“ bekannten Mischung perfider Hilflosigkeit. Er
spielt Hanson als einen Mann, der bereit ist, alle mit sich in den
Abgrund zu reißen. Die Inszenierung mit den grobkörnigen Aufnahmen aus
den Überwachungskameras und extremen Close-Ups sorgt für Beklemmung. Die
Figur des »Decoy-Dan« (Skyler Gisondo), einem jugendlich-naiv wirkenden
Lockvogel, verleiht der Geschichte zusätzliche Tragik. Wer die Doku
allerdings bereits gesehen hat und weiß, welchen Ausgang Hansons
Karriere nahm, der findet auf Seiten der Story nur wenig Neues. Ein
unangenehmes Kinoerlebnis, das einen bleibenden Eindruck hinterlässt.