Alec ist ein schüchterner Teenager. Gerade ist er mit seinem Vater aus
London in ein verschlafenes Städtchen an der Küste gezogen. In der neuen
Schule hält er lieber den Kopf unten. Niemand soll erfahren, womit sein
Vater Geld verdient: Als Dylan Savage ist er Pornodarsteller und
Produzent. Seine Filme dreht er in ihrer kleinen Wohnung. Für Alec
gehört das zum Alltag. Er dreht und schneidet die Filme. Doch Dylan ist
alt geworden und die Nachfrage sinkt. Krampfhaft versucht er, das
Geschäft am Laufen zu halten. Als sich Alec in seine Mitschülerin Nina
verliebt, beginnt er, sein vertrautes Leben in Frage zu stellen. Nina
bringt ihm bei, was es bedeutet, wirklich nackt zu sein und gesehen zu
werden. Im Gewand eines Coming-of-Age-Dramas thematisiert die
niederländische Filmemacherin Muriel d’Ansembourg die Suche nach Nähe
abseits pornografischer Reizüberflutung. Ähnlich wie Ninja Thybergs
»Pleasure«, spart auch ihr Debüt dabei keine Details aus und liefert
einige feministische Kommentare zu den patriarchalen Strukturen der
Pornoindustrie. Das ist manchmal arg vordergründig, jedoch insbesondere
von den jungen Hauptdarstellern überzeugend verkörpert. Die unbeholfene,
aufkeimende Liebe zwischen Alec und Nina ist charmant in Szene gesetzt
und steht im Kontrast zu den Sexszenen am Set. »Truly Naked«, zum Teil
mit professionellen Pornodarstellerinnen gedreht, verdammt die Branche
nicht pauschal, sondern bietet einen differenzierten, menschlichen Blick.

185 Minuten Film sind ein Versprechen, das es einzulösen gilt. Wer sich
als Zuschauer für drei Stunden ins Kino setzt, erwartet zumindest, dass
ihn die Story in den Bann zieht, die Charaktere näher rücken und die
Zeit verfliegt. Der französische Regisseur und Autor Alain Gomis stellt
bei »Dao«, der seine Premiere im Wettbewerb der diesjährigen Berlinale
feierte, von vornherein klar, dass es sich hier um ein filmisches
Experiment handelt. Zunächst wohnen wir einem Casting bei, bei dem die
Protagonistin Gloria gefunden wird. Gemeinsam mit der Filmtochter reist
sie dann in eine Dorfgemeinschaft in Guinea-Bissau an der afrikanischen
Westküste. Hier werden die beiden in die Arme der Familie geschlossen
und feiern die Beerdigung ihres Vaters in einem mehrtägigen
traditionellen Fest. Zeitlich vermutlich später, im Film jedoch parallel
erzählt, begleiten wir Gloria bei der Hochzeit ihrer Tochter in
Frankreich. Die beiden Anlässe, die Vielzahl verschiedener Figuren und
Leben, Tanz, Musik, Freude und Trauer begleiten uns durch die drei
Filmstunden, die von einer Handlung nur lose zusammengehalten werden.
Das erfordert Aufgeschlossenheit vom Zuschauer, belohnt aber auch mit
einem außergewöhnlichen Einblick in eine exemplarische Familie zwischen
den Kulturen.

Fast sein gesamtes Leben stand Antoine Toussaint (Gérard Darmon) auf der Bühne. Seine Interpretation des Gassenhauers „Mambo Italiano“ machte ihn unsterblich. Dachte er zumindest. Nach einem Schlaganfall im Rampenlicht sieht sich Antoine allerdings plötzlich mit der eigenen Sterblichkeit konfrontiert. Er fasst einen Entschluss: Bevor er als Gemüse endet, will er seinem Leben lieber selbst ein Ende bereiten. Die Koffer sind gepackt, der Termin bei einem Institut für Sterbehilfe gebucht. Im Zug nach Genf trifft er allerdings auf Victoire (Valérie Lemercier), die gerade auf Freigang aus dem Gefängnis unterwegs zur Hochzeit ihrer Tochter ist – und natürlich ist sie Antoines größter Fan. Als sie von seinen Plänen erfährt, weicht sie ihm fortan nicht mehr von der Seite. Sicher, die Basis für die Tragikomödie von Jean-Pierre Améris („Die Anonymen Romantiker“) ist konstruiert und auf dem Weg zum Happy End gibt es allerlei haarsträubende Plot-Twists. Aber das charmante Gespann sorgt für einen ebenso leichten wie höchst vergnüglichen Kinoabend.

John Davidson geht nervös an den versammelten Menschen vorbei, um seinen Ritterorden in Empfang zu nehmen. Auf dem Weg ruft er ein beherztes »Fuck the Queen!« in den Raum. Davidson leidet an Tourette und hilft anderen in seiner Situation, damit umzugehen. Der Weg hier her war lang und beschwerlich. Im Jahre 1983 war John ein aufgeweckter 14-Jähriger, der von einer Karriere als Profifußballer träumt, als er plötzlich unkontrollierbare Ticks entwickelt. In seiner Heimat Schottland ist Tourette damals noch kein Begriff. Zunächst unterstellen ihm selbst seine Eltern, er würde allen nur etwas vormachen. In der Schule wird er gehänselt, gerät in Schlägereien. Jahre später trifft er auf Dottie, die Mutter seines früheren Schulfreunds und die erste, bei der er sein kann, wie er ist. Doch der Weg zur gesellschaftlichen Anerkennung seiner Krankheit ist weit und steinig. Regisseur Kirk Jones (»Lang lebe Ned Devine!«) erzählt die Lebensgeschichte von John Davidson als flammendes Plädoyer für mehr Aufklärung und Akzeptanz von Tourette. Die Erforschung steht immer noch am Anfang, Therapien sind chronisch unterfinanziert. Davidsons Geschichte kann da auf der Leinwand für die nötige Aufmerksamkeit sorgen. Robert Aramayo, bekannt aus »Game of Thrones« und der »Herr der Ringe«-Serie, wurde für seine eindrucksvolle Darstellung bereits mit dem BAFTA ausgezeichnet. Er ist das Herz des mitreißenden Films, der es immer wieder schafft, die tragischen Momente mit Situationskomik aufzulockern.

In Zeiten einer rechtskonservativen Regierung ist das Kino in Italien
politischer denn je. Andrea Segre („Welcome Venice“) inszeniert in
seinem dokumentarischen Drama das Leben von Enrico Berlinguer, dem
früheren Generalsekretär der Kommunistischen Partei. Dabei konzentriert
er sich auf den Zeitraum von 1973 bis 78 und zeigt den Aufstieg in die
Regierung. Der charismatische Enrico Berlinguer (Elio Germano) träumt
von einem demokratischen Sozialismus. Berlinguer will seinen Arbeiter-
und Bauernstaat auf einem möglichst breiten Fundament errichten – gegen
die Widerstände in seiner eigenen Partei und der Faschisten, die bald
auch sein Leben bedrohen. Für eine zukunftsgerichtete Politik braucht
Berlinguer allerdings den Rückhalt der christlichen Regierungspartei
unter Ministerpräsident Giulio Andreotti (Paolo Pierobon).

„La Grande Ambizione“ – Den großen Ehrgeiz erfasste auch Regisseur und
Autor Andrea Segre, die politische Geschichte Berlinguers möglichst
originalgetreu auf die Leinwand zu bringen. Wie er Berlinguer als
uneitlen Kämpfer für die gute Sache darstellt, ist einnehmend.

Filmschaffende haben sich vielfach an den Nachkriegs-Prozessen von
Nürnberg abgearbeitet. Schließlich ist das Ende der Nazi-Diktatur gut
dokumentiert. Bereits parallel zum Prozess 1948 entstand ein
Dokumentarfilm. Die bekannteste Nacherzählung, der starbesetzte
Gerichtsfilm »Das Urteil von Nürnberg« von Stanley Kramer, wurde 1962
mit zwei Oscars ausgezeichnet. Zuletzt gab es 2023 den russischen
Kinofilm »Nürnberg« und im vergangenen Jahr einen großen Fernsehfilm zum
Thema. Nun also wieder Hollywood mit Russell Crowe als Hermann Göring.
Was die Inszenierung von James Vanderbilt (»Der Moment der Wahrheit«)
allerdings interessant macht, ist die Perspektive. Basierend auf bisher
unveröffentlichten Dokumenten schildert der Journalist Jack El-Hai in
seinem 2013 erschienenen Buch »Der Nazi und der Psychiater« die
Begegnungen des Armeepsychiaters Douglas M. Kelley mit Hermann Göring,
dem nach der Kapitulation ranghöchsten noch lebenden Nazi. Kelley (Rami
Malek) wird 1945 ins luxemburgische Mondorf-les-Bains abgeordnet, wo
nach Kriegsende von der US-Armee ein Hotel zum Gefängnis für die
Führungselite der Nazis umgebaut wurde. Hier soll er die physische und
psychische Verfassung der Elite des Naziregimes beurteilen, bevor ihnen
in Nürnberg der Prozess gemacht wird. Unter den 52 Nazi-Größen wie
Dönitz, Hess, Speer und Streicher weckt vor allem Hermann Göring,
ehemaliger Chef der Luftwaffe und selbst ernannter »Reichsmarschall«,
das Interesse Kelleys. Er lässt sich auf ein gefährliches Spiel ein, um
sein Vertrauen zu gewinnen.
Das ist von Crowe (bis auf seine lächerlichen Deutschkenntnisse) und
Malek hervorragend gespielt, bis in die Nebenrollen glänzend besetzt und
von Dariusz Wolski (»Napoleon«) stilvoll in Szene gesetzt. Allerdings
mit bedeutungsschwangeren Blicken und großen Gesten alles andere als
subtil erzählt. Woran auch Brian Tylers (»Avengers«) pathosgeladener
Score einen großen Anteil hat. An der nach wie vor aktuellen Lehre des
Stoffs ändert das freilich nichts.

Tränen der Verzweiflung laufen das Gesicht von Alice (Myriem Akheddiou)
herunter. Ihr Sohn Etienne (Ulysse Goffin) sitzt auf der Straße und
rührt sich nicht. Nur widerwillig begleitet der Junge seine Mutter und
die 17-jährige Schwester Lila (Adèle Pinckaers) in das Gerichtsgebäude.
Dort wird das Sorgerecht der beiden Kinder zwischen Alice und ihrem
Vater (Laurent Capelluto) verhandelt. Gegen den Vater läuft seit zwei
Jahren ein Strafverfahren. Alice und die Kinder sind angespannt. Das
Warten im Vorraum wird zur Qual. Obwohl sich insbesondere Etienne
deutlich dagegen ausgesprochen hat, treffen sie dort auf den Vater und
seine Anwältin. Am liebsten würden die Kinder ihn nie wiedersehen. Doch
ihre Wünsche und Aussagen bleiben ungehört.

Über den Zeitraum von rund einer Stunde entspinnt sich ein
Familiendrama. Ruhig und konzentriert fängt der Film die Aussagen der
Anwält*innen und der Eltern ein. In den langen, emotionalen Monologen
entfaltet sich die Vorgeschichte. Nüchtern, fast dokumentarisch im
Bildformat 4:3 fängt Kameramann Pépin Struye den Wortwechsel ein und
ruht lange auf den Gesichtern der Protagonist*innen. Der Betrachter hat
so die Möglichkeit, ihre Regungen zu studieren. Die Kamera bleibt dabei
meist bei Alice, die von Myriem Akheddiou („Zwei Tage, eine Nacht“)
eindringlich gespielt wird. Ihre Schilderungen lassen Bilder im Kopf des
Betrachters formen, die am Ende ein Ganzes ergeben. Die Perspektive ist
zwar subjektiv konzentriert auf Alices Perspektive, aber aufrichtig, nie
manipulativ. So dass man am Ende auch mit Blick auf die überzeugend
agierenden Kinderdarsteller*innen sagen kann: „Wir glauben euch“. Seine
Premiere feierte das Regiedebüt von Charlotte Devillers und Arnaud
Dufeys in der Sektion „Encounters“ der letztjährigen Berlinale.

Dreißig Jahre Krieg. Undenkbar. Inmitten dieses »ersten großen Krieges«
im 17. Jahrhundert taucht der Soldat Rose in einem abgelegenen
protestantischen Dorf auf. Rose behauptet, der rechtmäßige Erbe eines
seit langer Zeit verlassenen Gutshofs zu sein. Seinen Anspruch macht er
mit einem Dokument geltend. Rose strebt nach Anerkennung und Integration
in der eingeschworenen Dorfgemeinschaft. Sein Erscheinen zieht jedoch
deren Misstrauen auf sich. Den Fremden umgibt ein Geheimnis –
tatsächlich steckt hinter Rose eine Frau, die eine falsche Identität und
ein anderes Geschlecht angenommen hat, um ihr Glück zu finden.

Mit der Figur des Soldaten Rose hat die Charakterdarstellerin Sandra
Hüller eine neue Herausforderung gefunden. Nach der Frau eines
SS-Kommandanten in »Zone of Interest« und einer angeklagten Witwe in
»Anatomie eines Falls« stellt sie in Markus Schleinzers »Rose« eine
»Frau, die vorgibt, ein Mann zu sein« dar, wie Hüller im Rahmen der
Pressekonferenz der diesjährigen Berlinale betonte. »Ich spiele keinen
Mann.«. Und doch ist diese Rolle für sie auch eine auch körperliche
Transformation. Nicht nur die Stimme wirkt fester, betonter, auch ihr
Schauspiel trägt männliche Züge, solange sich Rose als Mann ausgibt. Für
den österreichischen Regisseur Markus Schleinzer war Hüller die einzige
Wahl für die Rolle der Rose. Er schätzt an ihr »dieses enorme Talent,
die bezwingende Logik gepaart mit einer extremen Ehrlichkeit und
Uneitelkeit in ihrem Spiel.« Hüller, so habe er im Gespräch mit anderen
Darstellerinnen erfahren, sei zudem enorm wichtig »für nachfolgende
Generationen an Schauspielerinnen.«

Schleintzer hatte vor acht Jahren mit seiner Recherche zu »Rose«
begonnen. Auf Basis der Informationen, die er in alten Schriften und
Nacherzählungen fand, begann er ein Romanfragment zu schreiben. Mehr als
1.000 Seiten umfasste am Ende die Geschichte der fiktiven Figur Rose,
von der Geburt bis zum Tode. Mit dem Drehbuchautor Alexander Brom
konzentrierte er sich auf das letzte Kapitel ihres Lebens. »Ich bin auf
an die 300 Geschichten von Frauen gestoßen, die über etwa drei
Jahrhunderte hinweg, aus unterschiedlichsten Gründen ›den Weg in die
Hose‹ genommen haben.« Gründe für Frauen »in die Hose zu steigen« waren
mannigfaltig, so Schleintzer. »Es erleichterte den Zugang zu Arbeit. Es
war die Hoffnung, Vergewaltigungen oder Zwangsheiraten zu entgehen,
dadurch selbstbestimmter zu leben«, die Frauen antrieb. »Wer ein
selbstbestimmtes Leben führen, Zugang zu Bildung und Besitz haben
wollte, der tat gut daran, ein Mann zu sein oder zumindest eine Hose zu
tragen.« Immer wieder stellte er fest, »in dem Moment in dem sie sich
dieses Stückchen Stoff angelegt haben, war diese Freiheit, diese
Autonomie sofort gegeben.«

Bereits mit seinem letzten Film »Angelo« behandelte Markus Schleinzer
einen historischen Stoff. Darin wird zu Beginn des 18. Jahrhunderts ein
afrikanischer Sklavenjunge von einer europäischen Comtesse ausgesucht,
um getauft und ausgebildet zum Wiener Hofmaskottchen zu werden. Diesmal
setzte Schleintzer die Geschichte in starken Schwarz-Weiß-Bildern in
Szene. Weniger, um das Historische zu unterstreichen, sondern vielmehr
für die Fokussierung. »Es bringt die Geschichte manchmal zurück zu den
Menschen. Wir konzentrieren uns ganz auf die Handlung, nicht darauf,
welche Farbe ein Kleid oder eine Uniform hat.« Für »Rose« holte er auch
Robert Gwisdek und Godehard Giese ins Ensemble. Caro Braun ist als Roses
Partnerin Suzanna eine Entdeckung. Marisa Growaldt führt als Erzählerin
durch die Geschichte. Dadurch gewinnt der Film die Hoheit der Narration,
die Distanz des Blicks auf die Ereignisse. Vor allem Hüllers Spiel geht
unter die Haut.

Gedreht wurde im Harz in Sachsen-Anhalt und in Niederösterreich. Die
Leipziger ROW Pictures, die bereits »3 Tage in Quiberon« und »Irgendwann
werden wir uns alles erzählen« mit Regisseurin Emily Atef, sowie Sandra
Hüller in »Zwei zu Eins« produzierte, war mit an Bord. Auch die
Tonbearbeitung entstand in Leipzig.

Stefan Busch (Aladdin Detlefsen), den alle nur „Buschi“ nennen, lebt in
einer betreuten Wohngruppe. Bei einem Ausflug nach Köln macht sich
Buschi selbständig und steigt in den Bus einer japanischen Reisegruppe.
An Bord ist der schweigsame Hideo Kitamura (KanjiTsuda). Obwohl die
beiden einander nicht verstehen können, entwickelt sich eine behutsame
Freundschaft zwischen ihnen. Buschi, der sich sein ganzes Leben lang
geweigert hat, über Sprache mit seinen Mitmenschen zu kommunizieren,
blüht in dieser fremden Umgebung auf. Hideo wiederum hat persönliche
Gründe für diese Reise, den Verlust seines Bruders.

Gotthard Kuppel, Seiltänzer, Kabarettist, Theaterschauspieler und
-regisseur, reiste 1972 als Teil der Olympiaauswahl im Judo nach Japan.
Als er einmal im Zug sitzend beobachtete, wie sich zwei Reisegruppen
begegneten, eine deutsche und eine aus Japan. stellte er sich vor, wie
es wäre, wenn einer der Touristen plötzlich kehrt machen und sich der
anderen Gruppe anschließen würde. Aus dieser Tagträumerei entstand ein
Drehbuch. Mit Kuppels Engagement im Bremer Blaumeier-Atelier, einer
Institution in der seit vierzig Jahren Menschen mit und ohne
körperlichen oder geistigen Beeinträchtigungen Theater und Musik machen,
wurde aus dem Protagonisten seiner Geschichte ein Held mit Downsyndrom.
Gemeinsam mit dem Leipziger Regisseur Thomas Stuber („In den Gängen“)
erzählt Kuppel ein lakonisches Roadmovie in der Tradition von
Filmemachern wie Jim Jarmusch, Aki Kaurismäki und nicht zuletzt Takeshi
Kitano. Der Blaumeier-Schauspieler Aladdin Detlefsen und der japanische
Charakterdarsteller Kanji Tsuda („Onoda – 10.000 Nächte im Dschungel“)
entwickeln eine wundervolle Chemie auf der Leinwand. Wer sich auf den
ruhigen Ton und das gemächliche Tempo dieser charmanten
Reisegesellschaft einlässt, findet eine berührende Komödie mit leisem Humor.

Einen Film über eine noch lebende und noch dazu umstrittene Persönlichkeit zu drehen, ist ein heikles Unterfangen. Der französische Politfilmer Olivier Assayas („Carlos – Der Schakal“) scheint da der richtige Mann auf dem Regiestuhl. Er adaptierte den Roman „Der Magier im Kreml“ von Giuliano da Empoli, der den Aufstieg Vladimir Putins nachzeichnet. Ähnlich wie zuletzt Ali Abbasi bei „The Apprentice – The Trump Story“ erzählt das Buch die politische Karriere des russischen Präsidenten aus der Perspektive seines Vertrauten, des Medienunternehmers Wladislaw Surkow, der hier Vadim Baranov heißt. Paul Dano spielt den Präsidentemacher teuflisch gut mit sonorer Stimme. Jude Law als Putin überzeugt ebenso. Trotzdem bleibt der fade Nachgeschmack eines verfilmten Wikipedia-Eintrags: Informativ, aber dröge.