Lore (Dagmar Manzel) und Harry (Joachim Król) sind seit 40 Jahren
verheiratet. Ein altes Ehepaar wie es im Buche steht. Er meckert gern,
sie kritisiert ihn häufig. Aber eigentlich lieben sie sich und halten
die gegenseitigen Marotten aus. Der Pensionär kümmert sich am liebsten
um seinen Rittersporn im Garten, während die Bibliothekarin vergeblich
versucht, ihren Gatten mal zu einer Lesung zu bewegen. Lore träumt von
einem anderen Leben, von Reisen, von Aufbruch. Sie fühlt sich kraftlos
und fragt sich immer dringlicher: War das schon alles? Harry trinkt sein
Bier, raucht, schweigt. Als eine Einladung zur Hochzeit ihrer Tochter im
Briefkasten liegt, hat er nur Abfälliges für den zukünftigen
Schwiegersohn übrig: Wessi, reich geerbt, klein und untersetzt. Obwohl
Lore zieht und zerrt, lässt er sich nicht dazu bewegen, zur Feier nach
Leipzig zu reisen. Aber die ist ja auch erst im Herbst und es ist Frühling.

Der Film begleitet das Paar mit wundervollem lakonischen Humor durch die
Jahreszeiten. Mit klugen, lebensnahen Dialogen ist die Adaption des
Romans von Elke Heidenreich und Bernd Schroeder ein Zweipersonenstück,
das sich fast ausschließlich im schönen Ostberliner Häuschen (mit
Garten) abspielt. Die Szenen und Dialoge erzählen beiläufig auch viel
über die DDR und das Heute. Ein Stoff wie geschrieben für Andreas
Dresen, der nah am Buch inszenierte. Dagmar Manzel und Joachim Król
spielen das ganz wundervoll, ehrlich und ohne Eitelkeit. Eine „Alte
Liebe“ verbindet unterdessen auch Regisseur Andreas Dresen und
Drehbuchautorin Laila Stieler. Seit mehr als 20 Jahren schreiben sie
zusammen. Das Thema Liebe im Alter behandelten sie bereits mit »Wolke
Neun« aufrichtig und einfühlsam. Ihre künstlerische Harmonie sorgt auch
hier für jene Handschrift für die das Publikum ihre Filme schätzt und
liebt und auch diesen in ihr Herz schließen wird.

Volksmusik – Ein Heiligtum (süd)deutscher Identität. Als Außenstehender
verbindet man die Blasmusik eher mit Bier und Oktoberfest. Franz Himpsl
macht Volksmusik. Mit seiner Frau Irene und den beiden Söhnen hat er die
Unterbiberger Hofmusik gegründet. Aber die Himpsls haben in ihrem
Repertoire nicht nur Volkslieder, sie spielen auch Jazz und Klezmer in
Marokko, Ägypten und dem Iran. Wie aus dem Lehrer in einer bayrischen
Kleinstadt ein musikalischer Botschafter wurde, der um die Welt reist
und mit den Größen des Jazz spielt, erzählt Matthias Ditscherlein in
seinem mitreißenden Dokumentarfilm „Über Unterbiberger“. Über zehn Jahre
begleitete er die Familie bei ihren Reisen und in ihrem Umfeld in dem
Vorort von München. Er fängt die großen Augen und überraschten Gesichter
ein, wenn Franz in Lederhose die Saz – eine orientalische Laute – zückt
und darauf, wechselnd mit der Trompete, seine Interpretation türkischer
Volkslieder singt. Ist ist aber auch im Breisgau bei den Freunden der
Familie, backstage in Marrakesh und bei der Arbeit mit Kindern im
ägyptischen Shibin el-Kaum dabei. So entsteht ein Porträt, das ebenso
umtriebig ist wie sein Protagonist. Franz ist der Zampano, der die
Familie auf Trapp hält und auch gern den Mittelpunkt der Doku einnimmt.
Seine Bereitschaft zum musikalischen Austausch ging soweit, dass er
neben Türkisch auch Arabisch lernte, um auch den Zugang zu den Kindern
zu finden und in ihnen die Leidenschaft für Musik zu wecken. Mit Respekt
und Offenheit verbinden die Himpsls Kulturen über die einende Sprache
der Musik. „Nur nicht in die Hosen scheißen“, ist das Motto, immer
neugierig darauf neue Kulturen aufzusaugen. „Über Unterbiberger“, der
die Hofer Filmtage eröffnete, mag eine etwas einseitige Geschichte
erzählen. In seiner Begeisterung ist er aber ein beseeltes Plädoyer für
das was uns verbindet.

Freiheit und Sicherheit sind zwei gesellschaftliche Ziele, die immer
wieder für Diskussionen sorgen. In der nahen Zukunft, die die
Schriftstellerin Juli Zeh in ihrem Roman „Corpus Delicti“ entwirft,
wurde zugunsten der Sicherheit auf Freiheit verzichtet. „Die Methode“
beherrscht das Leben der Menschen, ein Regelwerk, das als unfehlbar
gilt. Verbrechen sind ein Relikt der Vergangenheit. Wer aus diesen
Regeln ausbricht, wird drakonisch bestraft. Mia Holl (Hannah Herzsprung)
opfert ihr Leben voll und ganz der Methode. Ihr Bruder Moritz (Damian
Hardung) will auf seine Freiheit nicht verzichten. Als er des Mordes an
einer Frau bezichtigt wird, beginnt auch Mia an der Methode zu zweifeln.
Das Konzept eines dystopischen Überwachungsstaat ist nicht neu, wird in
der Adaption von „Corpus Delicti“ aber überzeugend um- und eindrucksvoll
in Szene gesetzt. Hannah Herzsprung („Vier Minuten“) überzeugt in der
Wandlung von der Devoten zur Zweiflerin. Die übrigen Figuren sind
allerdings flach und die Inszenierung schlägt mitunter über die Stränge.
„Corpus Delicti“ ist durchaus spannendes Unterhaltungskino. Zu mehr
fehlt es an Tiefe.

Das japanische Studio 4°C, welches in diesem Jahr seinen 40. Geburtstag
feiert, hebt sich mit seinen Produktionen seit jeher angenehm ab vom
Anime-Mainstream. Die Figuren in Filmen wie „Mindgame“, »Mutafukaz« oder
»Tekkonkinkret« sind kantiger, der Stil surrealer, visuell aufregender
und unverkennbar. Das gilt auch für das Regiedebüt von Ken’ichirô
Akimoto und Yukinori Nakamura. Sie haben sich den in Japan äußerst
populären Roman »All You Need Is Kill« von Hiroshi Sakurazaka
vorgenommen, erzählen die Story aber aus weiblicher Perspektive. Die
rothaarige Rita, eine junge Rekrutin in der Vereinigten
Verteidigungseinheit, wacht eines Morgens auf und muss feststellen, dass
sie in einer Zeitschleife gefangen ist. Eine außerirdische Macht tötet
sie und ihre Einheit. Kurz darauf erwacht sie wieder am Morgen zuvor und
muss den Tag erneut durchlaufen. Außer ihr scheint niemand davon
betroffen. Also entwickelt sie mit jedem Tod neue Strategien und
trainiert, um gegen die pflanzenartigen Killer bestehen zu können –
allerdings vergeblich. Rita beißt regelmäßig ins Gras. Bis sie entdeckt,
dass ihr Schicksal mit dem des Computernerds Keiji verbunden ist.
Gemeinsam versuchen sie fortan die Aliens zur Strecke zu bringen und dem
Loop zu entkommen.

Wer jetzt denkt, die Story gab es doch schon mal mit Tom Cruise und
Emily Blunt: Richtig, auch der Realfilm »Edge of Tomorrow« von Doug
Liman basiert auf derselben Romanvorlage. Nun sind die Rollen verdreht
und die launische Rita ist die eindeutig interessantere Protagonistin.
Die mürrische Einzelgängerin schottet sich am liebsten von der Außenwelt
ab. Bis sie dazu gezwungen ist, sich aus ihrem Schneckenhaus zu bewegen.
Das ist (in der deutschen Synchronisation) alles ein wenig zu
offensichtlich behandelt und ausgesprochen. Visuell ist „All You Need Is
Kill“ aber eine wahre Wucht mit abgedrehten Ideen und
schwindelerregenden Actionszenen.

Mit dem Format »To Catch a Predator« für den TV-Sender NBC machte der
US-Journalist Chris Hansen Mitte der 2000er Jahre eine Form der
Selbstjustiz salonfähig, indem er Pädophile in eine Falle lockte und
öffentlich bloßstellte. Über Chats und Foren gewannen seine Mitarbeiter
das Vertrauen der Triebtäter und vereinbarten ein Treffen, bei dem
Hansen sie vor laufender Kamera zur Rede stellte.

Die Reality-Show sorgte für Diskussionen darum, wie weit das Fernsehen
gehen darf und sollte. Im vergangenen Jahr rollte der Regisseur David
Osit in seinem Dokumentarfilm »Predators« den Fall neu auf.
Dokumentarfilmer David Osit sprach mit Mitwirkenden und auch mit Hansen
selbst und zeichnete ein ambivalentes Bild. Ging es den Machern wirklich
um Aufklärung oder nur um die Befriedigung der Sensationslust des
Millionenpublikums? Heiligt der Zweck jedes Mittel? Osit gelang es mit
seinem Film die Kontroverse aus verschiedenen Blickwinkeln zu betrachten
und den Betrachter zum Nachdenken anzuregen.

Nun hat sich der Dokumentarfilmregisseur Lance Oppenheim an eine
Fiktionalisierung des Stoffes gewagt. Er schildert die Ereignisse hinter
den Kulissen und macht daraus einen hochspannenden Thriller. An dessen
Anfang ist Chris Hanson (Robert Pattinson) noch ein aufstrebender
Fernsehjournalist mit zweierlei Visionen. Er will pädophile Triebtäter
zur Strecke bringen und die Welt verbessern. Daneben geht es ihm aber
auch darum, dass seine journalistische Arbeit endlich die Anerkennung
erhält, die sie in seinen Augen verdient. Hansons Ambitionen machen vor
allem seiner Produzentin Andie Bender (Merritt Wever) das Leben schwer.
Der Getriebene entscheidet erratisch und ist zunehmend abgelenkt von
einem anonymen Anrufer, der dem verheirateten Vater droht, seine
Liebesaffäre auffliegen zu lassen.

Robert Pattinson spielt das hervorragend mit der von ihm schon aus „Das
Drama“ oder „Die My Love“ bekannten Mischung perfider Hilflosigkeit. Er
spielt Hanson als einen Mann, der bereit ist, alle mit sich in den
Abgrund zu reißen. Die Inszenierung mit den grobkörnigen Aufnahmen aus
den Überwachungskameras und extremen Close-Ups sorgt für Beklemmung. Die
Figur des »Decoy-Dan« (Skyler Gisondo), einem jugendlich-naiv wirkenden
Lockvogel, verleiht der Geschichte zusätzliche Tragik. Wer die Doku
allerdings bereits gesehen hat und weiß, welchen Ausgang Hansons
Karriere nahm, der findet auf Seiten der Story nur wenig Neues. Ein
unangenehmes Kinoerlebnis, das einen bleibenden Eindruck hinterlässt.

„God Bless America“ läuft im Radio und Albrecht Weinberg singt lauthals
mit. Man kann es ihm nicht verdenken, schließlich hat ihm das einstige
„Land der unbegrenzten Möglichkeiten“ 60 gute Jahre geschenkt, nachdem
er bereits den Glauben an das Gute im Menschen verloren hatte. 1947 kam
Albrecht Weinberg mit seiner Schwester Friedel nach New York – aus dem
Konzentrationslager in Auschwitz. Nie wieder wollte er zurück in das
Land der Täter. „Wir wollten vergessen“, sagt er. Doch dann erlitt
Friedel einen Schlaganfall und sie kehrten in ihre Heimat Ostfriesland
zurück, wo Friedel kurz darauf starb. Seitdem erzählt Albrecht seine
Geschichte, in Schulklassen und bei Gedenkveranstaltungen. Die Kamera
von Güner Yasemin Balci und Jesco Denzel begleitet ihn dabei
respektvoll. Noch immer kann er die Lieder auswendig, die am Morgen auf
dem Adolf-Hitler-Platz gegenüber seines Elternhauses gesungen wurden.
Wenn er sie schließlich gemeinsam mit dem Pfarrer singt, der einst in
der Hitlerjugend war, ist das ein starkes Zeichen der Versöhnung.
Albrecht Weinberg lernte zu vergeben. Der Dokumentarfilm zeigt aber
auch, wie schwierig die Aussöhnung mit den früheren Tätern ist. Ein
Glück für den Film ist, dass neben den Geschichten auch die Bilder
überlebt haben, die Weinberg vor seiner Gefangennahme an Freunde
übergab. Gemeinsam mit seinen Erzählungen bilden sie ein schreckliches,
aber sehr wichtiges Zeitdokument. „Albrecht Weinberg – Es ist immer in
meinem Kopf“ ist ein Film über zwei bemerkenswerte Menschen. Nachdem die
Krankenschwester Gerda Dänekas Albrechts Schwester in den Tod
begleitete, nahm sie ihn bei sich auf und pflegte ihn. Im Mai starb
Albrecht Weinberg mit 101 Jahren. Bis zuletzt war sein Geist wach und
die Bilder in seinem Kopf lebendig.

Hollywoodfilme über Kampfsport dienen meist als Showcase für überwiegend
männliche Schauspieler, um zu zeigen, wie weit sie vor allem physisch
bereit sind zu gehen für eine Rolle (oder einen Oscar). Zuletzt war das
bei Dwayne Johnson in „Smashing Machine“ oder Orlando Bloom in „The Cut“
zu beobachten. Die Blaupause ist dabei immer dieselbe: Der oft auf
wahren Biographien basierende Plot bewegt sich an den einzelnen
Stationen einer Karriere vom Underdog ins Rampenlicht, Abstieg, Drogen
und der Kampf zurück ins Rampenlicht werden dabei optional eingestreut.
Auch „Christy“, der bei uns den auf einer Headline beruhenden Titel
„That’s Why the Lady is a Champ“ erhalten hat, basiert auf Erinnerungen,
niedergeschrieben in der Autobiographie „Fighting for Survival“. Es ist
die Geschichte von Christy Martin, die in den Neunziger Jahren zur
erfolgreichsten Profi-Boxerin der USA aufstieg. Das ist aber nicht das
eigentlich Bemerkenswerte an ihrer Geschichte. In ihrem Buch beschreibt
sie die gewalttätige Ehe mit ihrem Manager Jim Martin, ihr Coming Out
und die Diskriminierung von Homosexualität im Boxsport. Regisseur David
Michôd („War Machine“) rückt diese Themen in den Mittelpunkt seines
Biopics, erzählt aber auch recht konventionell das Drumherum: Christys
Aufwachsen in einer Arbeiterfamilie in einer Kleinstadt in West Virgina,
ihre Begeisterung fürs Boxen, die von ihren Eltern ebensowenig
akzeptiert wird, wie ihre Beziehung zu Rosie. Der erfolgreiche Trainer
Jim Martin scheint ihr Ticket aus der Enge des Elternhauses. Allerdings
gibt sich Jim von Anfang an als Arschloch und ändert sich auch über die
kommenden Jahrzehnte nicht, in denen er ihr Manager und Ehemann wird und
Christy einen Erfolg nach dem anderen einfährt. Insofern ist es
schwierig, nachzuvollziehen, warum sie nicht früher das Weite gesucht
hat, wie sie irgendwann selbst zugibt. Sydney Sweeney („Euphoria“)
spielt Martin mit Hingabe, Ben Foster („Leave No Trace“) überzeugt als
furchteinflößende Witzfigur.

Deutschland, 1949: Ein Volk zwischen Schockzustand und Verdrängung. Das
Leben geht weiter und doch ist nichts so wie davor. Nach Jahren im Exil
kehrt der Schriftsteller Thomas Mann ins Land der Täter zurück. Überall
wird er beklatscht und geehrt. In West und Ost singen sie ihm Lieder.
Selbst russische Offiziere suchen den Austausch über die Kunst. Aber der
Autor hat nur Verachtung für sie übrig, jene Speichellecker, die eben
noch den Arm hoben und nun alle Schuld von sich weisen. An seiner Seite:
Seine Tochter Erika, die übersetzt und organisiert. Als sie die
Nachricht des Freitods ihres Bruder Klaus erreicht, mischt sich die
persönliche Tragödie in die Trauer um den Verlust der Heimat. Gemeinsam
mit dem Drehbuchautor Henk Handloegten (»Babylon Berlin«) rekonstruiert
der vielfach ausgezeichnete polnische Regisseur Pawel Pawlikowski
(»Ida«) diese Reise, die Mann eigentlich mit seiner Ehefrau Katia
machte. Ausdrucksstarke Schwarz-Weiß-Bilder zeigen ein Land, das in
Trümmern liegt, architektonisch und moralisch. Gleichermaßen keimt im
Osten die Hoffnung auf einen Neuanfang. In Cannes für die beste Regie
ausgezeichnet, ist »Vaterland« ein kraftvolles und konzentriertes
Zeitdokument mit glänzender Besetzung, allen voran Hanns Zischler und
Sandra Hüller als ungleiches Vater-Tochter-Gespann.

„God Bless America“ läuft im Radio und Albrecht Weinberg singt lauthals mit. Man kann es ihm nicht verdenken, schließlich hat ihm das einstige „Land der unbegrenzten Möglichkeiten“ 60 gute Jahre geschenkt, nachdem er bereits den Glauben an das Gute im Menschen verloren hatte. 1947 kam Albrecht Weinberg mit seiner Schwester Friedel nach New York – aus dem Konzentrationslager in Auschwitz. Nie wieder wollte er zurück in das Land der Täter. „Wir wollten vergessen“, sagt er. Doch dann erlitt Friedel einen Schlaganfall und sie kehrten in ihre Heimat Ostfriesland zurück, wo Friedel kurz darauf starb. Seitdem erzählt Albrecht seine Geschichte, in Schulklassen und bei Gedenkveranstaltungen. Die Kamera von Güner Yasemin Balci und Jesco Denzel begleitet ihn dabei respektvoll. Noch immer kann er die Lieder auswendig, die am Morgen auf dem Adolf-Hitler-Platz gegenüber seines Elternhauses gesungen wurden. Wenn er sie schließlich gemeinsam mit dem Pfarrer singt, der einst in der Hitlerjugend war, ist das ein starkes Zeichen der Versöhnung. Albrecht Weinberg lernte zu vergeben. Der Dokumentarfilm zeigt aber auch, wie schwierig die Aussöhnung mit den früheren Tätern ist. Ein Glück für den Film ist, dass neben den Geschichten auch die Bilder überlebt haben, die Weinberg vor seiner Gefangennahme an Freunde übergab. Gemeinsam mit seinen Erzählungen bilden sie ein schreckliches, aber sehr wichtiges Zeitdokument. „Albrecht Weinberg – Es ist immer in meinem Kopf“ ist ein Film über zwei bemerkenswerte Menschen. Nachdem die Krankenschwester Gerda Dänekas Albrechts Schwester in den Tod begleitete, nahm sie ihn bei sich auf und pflegte ihn. Im Mai starb Albrecht Weinberg mit 101 Jahren. Bis zuletzt war sein Geist wach und die Bilder in seinem Kopf lebendig.

Bereits mit den ersten Bildern seines Spielfilmdebüts macht Kai Stänicke klar: Die Ereignisse der folgenden zwei Stunden sind inszenierte Realität. Die Häuser nur Fassade, dahinter offene, eingerichtete Räume vor den grünen Hügeln der Insel Norderney. So ist die raue Natur stets Teil des Szenenbildes. Ein Ensemble von Dorfbewohnern tummelt sich davor, als Hein (Paul Boche) nach 14 Jahren in seine Heimat zurückkehrt. Damals zog er aufs Festland, um der Enge des Insellebens zu entfliehen und sein Glück zu suchen. Er fand aber schließlich nur die Sehnsucht nach der Heimat, die er gleichermaßen verabscheut. Nun ist er also wieder da, trifft auf seine erwachsene Schwester (Stephanie Amarell), die demente Mutter (Irene Kleinschmidt), seinen Freund Friedemann (Philip Froissant) und die ihm Angetraute Greta (Emilia Schüle). Nur – sie alle scheinen ihn nicht zu erkennen. Jeder und Jede im Dorf zeigt Zweifel an seinen Aussagen. Seine Erinnerungen sind lückenhaft und doch weiß er Dinge, die nur der echte Hein wissen kann. Ein Dorftribunal soll klären, ob er die Wahrheit spricht und wieder in die Gemeinschaft aufgenommen oder aus ihr verbannt wird.
Ob der Fremde wirklich der ist, der er vorgibt zu sein, bleibt auch für den Zuschauer lange im Dunkeln. Wie Stänickes Drehbuch das Rätsel auflöst, ist bemerkenswert und verleiht der Geschichte eine aktuelle Note. Auch wenn Setdesign, Kostüme und Sprache eindeutig auf eine lang vergangene Zeit hinweisen, könnte sich die Geschichte ähnlich auch in der heutigen Provinz abspielen. Der Glaube ist vollkommen abwesend. Das Dorf hat nicht einmal eine Kirche. Einzig das Gesetz der Gemeinschaft bestimmt das Leben der Menschen. Das Spiel mit den Kulissen funktioniert wie schon bei Lars von Triers im Ansatz ähnlichen Film »Dogville« erstaunlich gut. Die überzeugenden Hauptdarsteller*innen im Ensemble sorgen dafür, dass die Geschichte über die Lauflänge von zwei Stunden glaubwürdig und fesselnd bleibt.