„God Bless America“ läuft im Radio und Albrecht Weinberg singt lauthals
mit. Man kann es ihm nicht verdenken, schließlich hat ihm das einstige
„Land der unbegrenzten Möglichkeiten“ 60 gute Jahre geschenkt, nachdem
er bereits den Glauben an das Gute im Menschen verloren hatte. 1947 kam
Albrecht Weinberg mit seiner Schwester Friedel nach New York – aus dem
Konzentrationslager in Auschwitz. Nie wieder wollte er zurück in das
Land der Täter. „Wir wollten vergessen“, sagt er. Doch dann erlitt
Friedel einen Schlaganfall und sie kehrten in ihre Heimat Ostfriesland
zurück, wo Friedel kurz darauf starb. Seitdem erzählt Albrecht seine
Geschichte, in Schulklassen und bei Gedenkveranstaltungen. Die Kamera
von Güner Yasemin Balci und Jesco Denzel begleitet ihn dabei
respektvoll. Noch immer kann er die Lieder auswendig, die am Morgen auf
dem Adolf-Hitler-Platz gegenüber seines Elternhauses gesungen wurden.
Wenn er sie schließlich gemeinsam mit dem Pfarrer singt, der einst in
der Hitlerjugend war, ist das ein starkes Zeichen der Versöhnung.
Albrecht Weinberg lernte zu vergeben. Der Dokumentarfilm zeigt aber
auch, wie schwierig die Aussöhnung mit den früheren Tätern ist. Ein
Glück für den Film ist, dass neben den Geschichten auch die Bilder
überlebt haben, die Weinberg vor seiner Gefangennahme an Freunde
übergab. Gemeinsam mit seinen Erzählungen bilden sie ein schreckliches,
aber sehr wichtiges Zeitdokument. „Albrecht Weinberg – Es ist immer in
meinem Kopf“ ist ein Film über zwei bemerkenswerte Menschen. Nachdem die
Krankenschwester Gerda Dänekas Albrechts Schwester in den Tod
begleitete, nahm sie ihn bei sich auf und pflegte ihn. Im Mai starb
Albrecht Weinberg mit 101 Jahren. Bis zuletzt war sein Geist wach und
die Bilder in seinem Kopf lebendig.

Hollywoodfilme über Kampfsport dienen meist als Showcase für überwiegend
männliche Schauspieler, um zu zeigen, wie weit sie vor allem physisch
bereit sind zu gehen für eine Rolle (oder einen Oscar). Zuletzt war das
bei Dwayne Johnson in „Smashing Machine“ oder Orlando Bloom in „The Cut“
zu beobachten. Die Blaupause ist dabei immer dieselbe: Der oft auf
wahren Biographien basierende Plot bewegt sich an den einzelnen
Stationen einer Karriere vom Underdog ins Rampenlicht, Abstieg, Drogen
und der Kampf zurück ins Rampenlicht werden dabei optional eingestreut.
Auch „Christy“, der bei uns den auf einer Headline beruhenden Titel
„That’s Why the Lady is a Champ“ erhalten hat, basiert auf Erinnerungen,
niedergeschrieben in der Autobiographie „Fighting for Survival“. Es ist
die Geschichte von Christy Martin, die in den Neunziger Jahren zur
erfolgreichsten Profi-Boxerin der USA aufstieg. Das ist aber nicht das
eigentlich Bemerkenswerte an ihrer Geschichte. In ihrem Buch beschreibt
sie die gewalttätige Ehe mit ihrem Manager Jim Martin, ihr Coming Out
und die Diskriminierung von Homosexualität im Boxsport. Regisseur David
Michôd („War Machine“) rückt diese Themen in den Mittelpunkt seines
Biopics, erzählt aber auch recht konventionell das Drumherum: Christys
Aufwachsen in einer Arbeiterfamilie in einer Kleinstadt in West Virgina,
ihre Begeisterung fürs Boxen, die von ihren Eltern ebensowenig
akzeptiert wird, wie ihre Beziehung zu Rosie. Der erfolgreiche Trainer
Jim Martin scheint ihr Ticket aus der Enge des Elternhauses. Allerdings
gibt sich Jim von Anfang an als Arschloch und ändert sich auch über die
kommenden Jahrzehnte nicht, in denen er ihr Manager und Ehemann wird und
Christy einen Erfolg nach dem anderen einfährt. Insofern ist es
schwierig, nachzuvollziehen, warum sie nicht früher das Weite gesucht
hat, wie sie irgendwann selbst zugibt. Sydney Sweeney („Euphoria“)
spielt Martin mit Hingabe, Ben Foster („Leave No Trace“) überzeugt als
furchteinflößende Witzfigur.

Deutschland, 1949: Ein Volk zwischen Schockzustand und Verdrängung. Das
Leben geht weiter und doch ist nichts so wie davor. Nach Jahren im Exil
kehrt der Schriftsteller Thomas Mann ins Land der Täter zurück. Überall
wird er beklatscht und geehrt. In West und Ost singen sie ihm Lieder.
Selbst russische Offiziere suchen den Austausch über die Kunst. Aber der
Autor hat nur Verachtung für sie übrig, jene Speichellecker, die eben
noch den Arm hoben und nun alle Schuld von sich weisen. An seiner Seite:
Seine Tochter Erika, die übersetzt und organisiert. Als sie die
Nachricht des Freitods ihres Bruder Klaus erreicht, mischt sich die
persönliche Tragödie in die Trauer um den Verlust der Heimat. Gemeinsam
mit dem Drehbuchautor Henk Handloegten (»Babylon Berlin«) rekonstruiert
der vielfach ausgezeichnete polnische Regisseur Pawel Pawlikowski
(»Ida«) diese Reise, die Mann eigentlich mit seiner Ehefrau Katia
machte. Ausdrucksstarke Schwarz-Weiß-Bilder zeigen ein Land, das in
Trümmern liegt, architektonisch und moralisch. Gleichermaßen keimt im
Osten die Hoffnung auf einen Neuanfang. In Cannes für die beste Regie
ausgezeichnet, ist »Vaterland« ein kraftvolles und konzentriertes
Zeitdokument mit glänzender Besetzung, allen voran Hanns Zischler und
Sandra Hüller als ungleiches Vater-Tochter-Gespann.

„God Bless America“ läuft im Radio und Albrecht Weinberg singt lauthals mit. Man kann es ihm nicht verdenken, schließlich hat ihm das einstige „Land der unbegrenzten Möglichkeiten“ 60 gute Jahre geschenkt, nachdem er bereits den Glauben an das Gute im Menschen verloren hatte. 1947 kam Albrecht Weinberg mit seiner Schwester Friedel nach New York – aus dem Konzentrationslager in Auschwitz. Nie wieder wollte er zurück in das Land der Täter. „Wir wollten vergessen“, sagt er. Doch dann erlitt Friedel einen Schlaganfall und sie kehrten in ihre Heimat Ostfriesland zurück, wo Friedel kurz darauf starb. Seitdem erzählt Albrecht seine Geschichte, in Schulklassen und bei Gedenkveranstaltungen. Die Kamera von Güner Yasemin Balci und Jesco Denzel begleitet ihn dabei respektvoll. Noch immer kann er die Lieder auswendig, die am Morgen auf dem Adolf-Hitler-Platz gegenüber seines Elternhauses gesungen wurden. Wenn er sie schließlich gemeinsam mit dem Pfarrer singt, der einst in der Hitlerjugend war, ist das ein starkes Zeichen der Versöhnung. Albrecht Weinberg lernte zu vergeben. Der Dokumentarfilm zeigt aber auch, wie schwierig die Aussöhnung mit den früheren Tätern ist. Ein Glück für den Film ist, dass neben den Geschichten auch die Bilder überlebt haben, die Weinberg vor seiner Gefangennahme an Freunde übergab. Gemeinsam mit seinen Erzählungen bilden sie ein schreckliches, aber sehr wichtiges Zeitdokument. „Albrecht Weinberg – Es ist immer in meinem Kopf“ ist ein Film über zwei bemerkenswerte Menschen. Nachdem die Krankenschwester Gerda Dänekas Albrechts Schwester in den Tod begleitete, nahm sie ihn bei sich auf und pflegte ihn. Im Mai starb Albrecht Weinberg mit 101 Jahren. Bis zuletzt war sein Geist wach und die Bilder in seinem Kopf lebendig.

Bereits mit den ersten Bildern seines Spielfilmdebüts macht Kai Stänicke klar: Die Ereignisse der folgenden zwei Stunden sind inszenierte Realität. Die Häuser nur Fassade, dahinter offene, eingerichtete Räume vor den grünen Hügeln der Insel Norderney. So ist die raue Natur stets Teil des Szenenbildes. Ein Ensemble von Dorfbewohnern tummelt sich davor, als Hein (Paul Boche) nach 14 Jahren in seine Heimat zurückkehrt. Damals zog er aufs Festland, um der Enge des Insellebens zu entfliehen und sein Glück zu suchen. Er fand aber schließlich nur die Sehnsucht nach der Heimat, die er gleichermaßen verabscheut. Nun ist er also wieder da, trifft auf seine erwachsene Schwester (Stephanie Amarell), die demente Mutter (Irene Kleinschmidt), seinen Freund Friedemann (Philip Froissant) und die ihm Angetraute Greta (Emilia Schüle). Nur – sie alle scheinen ihn nicht zu erkennen. Jeder und Jede im Dorf zeigt Zweifel an seinen Aussagen. Seine Erinnerungen sind lückenhaft und doch weiß er Dinge, die nur der echte Hein wissen kann. Ein Dorftribunal soll klären, ob er die Wahrheit spricht und wieder in die Gemeinschaft aufgenommen oder aus ihr verbannt wird.
Ob der Fremde wirklich der ist, der er vorgibt zu sein, bleibt auch für den Zuschauer lange im Dunkeln. Wie Stänickes Drehbuch das Rätsel auflöst, ist bemerkenswert und verleiht der Geschichte eine aktuelle Note. Auch wenn Setdesign, Kostüme und Sprache eindeutig auf eine lang vergangene Zeit hinweisen, könnte sich die Geschichte ähnlich auch in der heutigen Provinz abspielen. Der Glaube ist vollkommen abwesend. Das Dorf hat nicht einmal eine Kirche. Einzig das Gesetz der Gemeinschaft bestimmt das Leben der Menschen. Das Spiel mit den Kulissen funktioniert wie schon bei Lars von Triers im Ansatz ähnlichen Film »Dogville« erstaunlich gut. Die überzeugenden Hauptdarsteller*innen im Ensemble sorgen dafür, dass die Geschichte über die Lauflänge von zwei Stunden glaubwürdig und fesselnd bleibt.

Die Welt ist ungerecht. Das muss Shaira früh erfahren. Die Zehnjährige ist zu klein ist fürs Reiten der großen Rennpferde. Die Arbeit füllt ihren Tag, nicht einmal zum Träumen bleibt Zeit. Als ihr Bruder Andrey bei einem Reitunfall stirbt, ist sie endgültig allein. Dabei würde sie so gerne am Coleo-Festival teilnehmen, wo die Erwachsenen auf ihren stolzen Pferden Rodeo reiten. Aber das ist für Frauen Tabu. Die Sonne brennt über der Steppe im Osten Kolumbiens. Eine erbarmungslose Dürre zwingt die armen Bauern in die Knie. Shaira sammelt Samen für ihre Rassel, um ihren Bruder ins Jenseits zu geleiten und vielleicht endlich für den erlösenden Regen zu sorgen.
Das Leben schenkt dir nichts. Das ist eine der Lehren, die die junge Protagonistin früh lernen muss. Die Kommunikation der kleinen Shaira mit ihrem Opa ist meist auf seine Anordnungen und Ratschläge reduziert. Das Mädchen muss sich behaupten in einer männlich geprägten Gesellschaft. „Semillas“ bietet vor allem dem jungen Publikum eine starke Heldin und eindrucksvolle Einblicke in eine fremde Kultur.

Die meisten Culture-Clash-Komödien beginnen mit Chaos, dann kommt die Hochzeit und das Ende des Films. Im Leben von Susanne Kim und Jeong Rae war es genau anders herum. Die Leipziger Dokumentarfilmemacherin („Trockenschwimmen“) verliebte sich in den Koreaner. Nach anderthalb Jahren heiratete sie nicht nur ihn, sondern eine ganze Familiengeschichte, von der sie nichts ahnte. Die Sprache bleibt nicht die einzige Barriere in ihrem Leben. Ihre gemeinsame Tochter Hannah kam, Jeong Rae ging – in die Welt und schließlich zurück nach Korea, um Geld für die Familie zu verdienen, wie er sagt. In Deutschland könne er nicht leben, weil er sich hier wie ein Mensch zweiter Klasse behandelt fühlt. Die Jahre vergingen. Die Hälfte der Zeit war Susanne Kim allein mit ihrer Tochter, immer in der Hoffnung, dass er vielleicht doch irgendwann ganz zu ihnen zurückkehrt. Als er beschließt, ein Hähnchenrestaurant in Korea zu eröffnen, ist das Maß voll. Susanne Kim reist mit der Tochter und ihrer Kamera zu ihm, um zu ergründen, ob ihre Beziehung eine Zukunft hat. Herausgekommen ist ein schmerzhaft ehrlicher Einblick in eine interkulturelle Beziehung, der die Kamera ins Innere richtet und wundervoll offen von den bedrückenden, aber auch heiteren Momenten im Leben erzählt.

Die meisten Culture-Clash-Komödien beginnen mit Chaos, dann kommt die Hochzeit und das Ende des Films. Im Leben von Susanne Kim und Jeong Rae war es genau anders herum. Die Leipziger Dokumentarfilmemacherin („Trockenschwimmen“) verliebte sich in den Koreaner. Nach anderthalb Jahren heiratete sie nicht nur ihn, sondern eine ganze Familiengeschichte, von der sie nichts ahnte. Die Sprache bleibt nicht die einzige Barriere in ihrem Leben. Ihre gemeinsame Tochter Hannah kam, Jeong Rae ging – in die Welt und schließlich zurück nach Korea, um Geld für die Familie zu verdienen, wie er sagt. In Deutschland könne er nicht leben, weil er sich hier wie ein Mensch zweiter Klasse behandelt fühlt. Die Jahre vergingen. Die Hälfte der Zeit war Susanne Kim allein mit ihrer Tochter, immer in der Hoffnung, dass er vielleicht doch irgendwann ganz zu ihnen zurückkehrt. Als er beschließt, ein Hähnchenrestaurant in Korea zu eröffnen, ist das Maß voll. Susanne Kim reist mit der Tochter und ihrer Kamera zu ihm, um zu ergründen, ob ihre Beziehung eine Zukunft hat. Herausgekommen ist ein schmerzhaft ehrlicher Einblick in eine interkulturelle Beziehung, der die Kamera ins Innere richtet und wundervoll offen von den bedrückenden, aber auch heiteren Momenten im Leben erzählt.

Die 17-jährige Ivy hat gerade eine schwere Krebserkrankung überstanden.
Seit zehn Monaten befindet sie sich in Remission, will jedoch
keinesfalls auf ihre Krankheitsgeschichte reduziert werden. Ihre Eltern
halten es für eine gute Idee, sie in ein spezielles Sommerlager in den
schottischen Highlands zu schicken, für Teenager mit ähnlichem
Schicksal. Ivy reist mit der Erwartung ins »Chemo-Camp«, die schlimmste
Zeit ihres Lebens zu haben. Dort trifft sie allerdings auf neue Freunde,
die dem Schicksal ins Gesicht lachen. »Sunny Dancer« ist klassisch
warmherziges Coming-of-Age-Sommerkino mit einem Twist. Wo Filme wie »Das
Schicksal ist ein mieser Verräter« auf die Tränendrüse zielen, werden
hier die Lachmuskeln anvisiert. Mit Erfolg: Der Humor ist sehr britisch,
geradeaus und ziemlich finster. In der Umarmung mit dem Tod werden die
Wochen für die Jugendlichen zur Feier des Lebens. Im Mittelpunkt eines
glänzenden Ensembles frischer Gesichter steht Bella Ramsay (»The Last of
Us«) als Ivy. Als völlig überforderter Camp-Leiter Patrick ist Neil
Patrick Harris (»How I Met Your Mother«) an Bord. »Sunny Dancer« glänzt
außerdem mit einem wunderbaren Sommer-Soundtrack mit Songs von Jamie xx,
Fred again.. und den Cranberries. Außerdem hat der britische
Singer-Songwriter James Blunt einen herrlich selbstironischen
Gastauftritt im Camp.

Eine quadratische Sonne über dem azurblauen Meer. Ein Titel, der alles und nichts sagt. »Everytime« ist ein Rätsel. Der dritte Spielfilm der österreichischen Filmemacherin Sandra Wollner (»The Trouble with Being Born«) ist ein Raum, den man als Betrachter mit seinen eigenen Gedanken füllen kann. Zunächst einmal ist da der ganz normale Alltag einer dreiköpfigen Familie, den Gregory Oke (»Aftersun«) wunderbar beiläufig filmt, als säße man mit auf dem Sofa. Ella kümmert sich allein um ihre beiden Kinder, Teenagerin Jessie und ihre kleine Schwester Melli. Durch einen plötzlichen Todesfall kommt Jessies Freund Lux in dieses Gefüge und die Verarbeitung von Verlust wird zum Grundthema des Films. Eine surreal-überhöhte Perspektive nimmt den Raum ein. Die Atmosphäre verdichtet sich und bleibt gleichermaßen schwebend. Wer sich an der Handlung festhält, verliert bald das Gleichgewicht. Darauf muss man sich einstellen. Ob man dem Film als Zuschauer bis zur konsequenten Auflösung, die mehr Fragen stellt als Antworten liefert, folgt, ist eine Frage der Offenheit. Ist man bereit, wird man mit einem großartigen, natürlich spielenden Ensemble belohnt, aus dem Birgit Minichmayr als Muttertier heraussticht. In Cannes wurde »Everytime« mit dem Hauptpreis der Sektion Un Certain Regard ausgezeichnet. Eine spirituell wie auch formal bereichernde Kinoerfahrung, ein frischer Ansatz, Film neu zu denken, und ein unvergessliches Erlebnis.