Einen Film über eine noch lebende und noch dazu umstrittene Persönlichkeit zu drehen, ist ein heikles Unterfangen. Der französische Politfilmer Olivier Assayas („Carlos – Der Schakal“) scheint da der richtige Mann auf dem Regiestuhl. Er adaptierte den Roman „Der Magier im Kreml“ von Giuliano da Empoli, der den Aufstieg Vladimir Putins nachzeichnet. Ähnlich wie zuletzt Ali Abbasi bei „The Apprentice – The Trump Story“ erzählt das Buch die politische Karriere des russischen Präsidenten aus der Perspektive seines Vertrauten, des Medienunternehmers Wladislaw Surkow, der hier Vadim Baranov heißt. Paul Dano spielt den Präsidentemacher teuflisch gut mit sonorer Stimme. Jude Law als Putin überzeugt ebenso. Trotzdem bleibt der fade Nachgeschmack eines verfilmten Wikipedia-Eintrags: Informativ, aber dröge.

Europäischer Filmpreis, Oscarnominierung, Preise bei allen wichtigen Animationsfilmfestivals und viel Applaus von Künstlerinnen und Künstlern wie Alfonso Cuarón oder Thomas Bangaltar: »Arco« ist wirklich etwas Besonderes. Bild für Bild handgemalt und animiert, ist in den Trickfilm des französischen Comic-Autos Ugo Bienvenu enorm viel Liebe geflossen. Ähnlich wie das Katzenabenteuer »Flow«, für das der Lette Gints Zilbalodis im vergangenen Jahr den Oscar erhielt, ist auch »Arco« komplett unabhängig produziert, abseits der großen Studios, und größtenteils handanimiert von einem Team aus Kunststudenten. Durch seinen kindlichen Stil und eine recht konventionelle Erzählung ist Bienvenus Zeitreiseabenteuer aber deutlich zugänglicher als Zilbalodis’ wortloses Werk. Für seine Geschichte um einen Jungen aus einer fernen Zukunft, der auf dem Regenbogen durch die Zeit reist und mit einem einsamen Mädchen Freundschaft schließt, ließ sich Bienvenu von den großen des Fachs wie Hayao Miyazaki (»Das Schloss im Himmel«) und Steven Spielberg (»E.T. – Der Außerirdische«) inspirieren. Die Welt, die er schafft, ist einzigartig und gegenwärtig, geht es hier doch auch darum, wie wir unsere Zukunft gestalten. Mit viel Liebe zum Detail und zu seinen Figuren, erweckte das Team um Bienvenu diese Welt zum Leben. »Arco« verbindet ernste Themen mit viel Witz und visuellen Spielereien, ein Kunstwerk für die ganze Familie, das große und kleine Kinogängerinnen und Kinogänger berühren wird.

Am 10. April 2026 feiert die Sport-Dokumentation „De magie van de Amstel Gold Race – Leo’s laatste ronde“ im Heerlener Royal-Kino im Rahmen des „Dutch Mountain Fiets Film Festival“ (DMFFF) Premiere. Der Film zeichnet ein nahes, durchweg sympathisches Porträt von Leo van Vliet, der das einzige niederländische WorldTour?Eintagesrennen drei Jahrzehnte lang geprägt hat. Von 1996 bis 2026 war er Koersdirektor – eine Ära, die der Film mit großer Zuneigung, aber ohne kritische Schärfe nacherzählt. Er begleitet van Vliet auf seinen letzten Wegen rund um den Cauberg und durch Limburgs Radsportlandschaft.

Die Dokumentation blättert durch van Vliets Geschichte wie durch ein persönliches Album. Sie besucht „seinen“ Platz im Ferienhauspark auf dem Cauberg, zeigt ihn im Gespräch mit Wegbegleitern und lässt ihn durch die Orte wandern, die sein Berufsleben bestimmt haben. Für den Autor dieser Zeilen verbindet sich die Dokumentation mit einer eigenen Erinnerung: Bei einem Event von „Limburg Crossboarder Cycling“ saß er selbst neben van Vliet, der damals sichtbar mit der Entscheidung rang, das Ziel erneut zu verlegen. Die Verschiebung vom Cauberg nach Vilt erwies sich später als kluger Schritt, weil das Rennen dadurch an Attraktivität gewann und die Entscheidung nicht mehr bis zum allerletzten Meter hinausgezögert wurde. Solche Momente der Weitsicht tauchen im Film immer wieder auf, ohne dass sie laut betont würden.

Auch van Vliets eigene Karriere als Fahrer wird liebevoll nachgezeichnet. Er erscheint als Teamplayer im legendären TI?Raleigh?Rennstall von Peter Post, an der Seite von Jan Raas und Gerrie Knetemann, mit einer Mischung aus Respekt und Furcht vor dem Mannschaftszeitfahren mit diesen dominanten Figuren. Seine beste Platzierung im Amstel Gold Race war ein achter Platz – kein Wunder, wenn man bedenkt, dass Raas das Rennen in jener Zeit mit fünf Siegen in das „Amstel Gold Raas“ verwandelte.

Ein großer Reiz des Films liegt in der Einbettung in die regionale Radsportkultur. Rund um den gefürchteten Cauberg und das „berühmteste Dorf der Rad-Welt“ Valkenburg entsteht ein atmosphärisches Bild, das zeigt, wie sehr dieses Rennen Teil der Identität Limburgs geworden ist. Van Vliet erscheint als Organisator ohne Starallüren, der überall freundlich begrüßt wird und offensichtlich bis heute ein Teamplayer geblieben ist. Der Film zeigt ihn bei tausend kleinen Aufgaben: bei einem Spaß-Zeitfahren am Cauberg, beim Entfernen von Verkehrs-Mobiliar von der Strecke, bei organisatorischen Details, die sonst niemand wahrnimmt. Gleichzeitig erinnert er an existenzielle Herausforderungen wie die BSE?Krise oder die Corona-Pandemie, die einschneidende Maßnahmen erforderten, um das Rennen überhaupt durchführen zu können. Auch die Tourenfahrer-Version mit ihren 15.000 Teilnehmenden findet ihren Platz und unterstreicht die enorme Breitenwirkung des Events.

Begleitet wird van Vliet im letzten Jahr seiner Amtszeit von Regisseur Bernard Krikke, der in diesem Jahr voller Huldigungen und Begegnungen stets an seiner Seite ist. Ein Veteranentreffen des alten TI?Raleigh?Teams setzt einen weiteren warmen Akzent. Die Nachfolge ist bereits geregelt: Der populäre Giro?Sieger Tom Dumoulin und Roy Packbier übernehmen künftig die Verantwortung – ein Übergang, den der Film ruhig und ohne Pathos markiert.

Auffällig ist, dass die vom radaffinen Regionalsender L1 (Redaktion Jelle Kleinen) co-produzierte Dokumentation konsequent positiv bleibt. Kleine Misstöne – etwa der Windschatten, den der spätere Sieger Tadej Pogacar einst hinter dem Rennleiterwagen erhielt – werden nicht thematisiert. Auch emotional bleibt der Film eher sachlich, obwohl van Vliet selbst durchaus zu Tränen neigt. Die Regie entscheidet sich für Zurückhaltung, was einerseits sympathisch wirkt, andererseits aber verhindert, dass der Film größere Tiefe oder Reibung entwickelt. Spektakuläre Rennbilder sucht man vergeblich; stattdessen folgt die Kamera einem bodenständigen Menschen zu Fuß durch seine Welt.

Am Ende bleibt eine nette, respektvolle Vorstellung eines der größten Sportereignisse der Region und seines unersetzlichen Organisators. Die Dokumentation ist kein kritisches Werk, sondern eine liebevolle Verabschiedung. Sie zeigt, warum so viele Menschen Leo van Vliet dankbar sind – und warum sein Abschied eine Zäsur darstellt.

www.dmff.eu/films/de-magie-van-de-amstel-gold-race-leos-laatste-ronde/?
De magie van de Amstel Gold Race – Leo’s laatste ronde * Dutch Mountain Film Festival
dmff.eu
www.dmff.eu/events/dmff-fiets/?
DMFF Fiets
dmff.eu

Disclaimer: Der Autor dieser Kritik wurde selbst bei einem Open?Zeitfahren mit Profis am Cauberg Achter – hinter dem bekannten Aachener Bergfahrer Roger Uhle.

Die französische Regisseurin Julia Ducournau („Titane“) macht fühlbare
Filme, körperliche Grenzerfahrungen. Auch „Alpha“ macht da keine
Ausnahme, aber die Empathie für die Figuren will sich nicht so recht
einstellen. In den 1980ern wächst die 13-jährige Alpha (Mélissa Boros)
bei ihrer alleinerziehenden Mutter und dem heroinabhängigen Onkel auf.
Eine mysteriöse Seuche geht um, zu der es kein Heilmittel gibt. Die
Infizierten verwandeln sich allmählich zu Stein, der sich in rotem Sand
auflöst. Alpha flieht vor der finsteren Realität in den Alkohol. Als sie
nach einem Rausch erwacht, trägt sie ein Tattoo, ein blutiges A, auf dem
Oberarm. Die Gefahr, dass sie sich an der Nadel infiziert hat, ist real.
Ihre Mitschüler beginnen sie auszugrenzen.

Heroin und HIV – Ducournau geht nicht gerade subtil vor. Das Trauma der
beherrschenden Epidemien der Achtziger verarbeitet sie aus der
Perspektive eines Kindes. Der Film trägt ihr Elend zwei Stunden zur
Schau. Am Ende werden die durchaus vielversprechenden Ansätze höchst
unbefriedigend zusammengeführt.

Sie waren das Traumpaar des Broadways: Zwischen 1919 und den frühen
1940er Jahren schufen Richard Rogers und Lorenz Hart einige der größten
Hits des 20. Jahrhunderts. Hart schrieb die cleveren Texte, Rogers
komponierte die unvergessenen Melodien. Aus ihrer Feder stammen
Evergreens wie »My Funny Valentine« und »Blue Moon«. Für zahlreiche
Musicalerfolge schrieben sie gemeinsam über 500 Songs. Regisseur Richard
Linklater hegte schon länger den Wunsch, das tragische Leben von Lorenz
Hart zu verfilmen, aber erst als sein Freund und Stammschauspieler Ethan
Hawke das richtige Alter erreicht hatte, war es soweit. Wie so oft hat
sich die bemerkenswerte Geduld, die Linklater (»Boyhood«) bei seinen
Projekten an den Tag legt, gelohnt.

Hawke glänzt als Hart und feuert ein Stakkato an cleveren Dialogen ab,
die ihm Drehbuchautor Robert Kaplow, mit dem Linklater bereits für „Ich
& Orson Welles“ zusammenarbeitete, in den Mund legt. Er zeichnet Hart
als einen ebenso bemitleidens- wie liebenswerten Künstler, der neun
Monate vor seinem frühen Tod bei der Premierenparty von »Oklahoma!« ein
Comeback versucht. Doch seine Liebe zum Alkohol hat einen Keil zwischen
ihn und Rogers (Andrew Scott) getrieben. Der feiert mit seinem neuen
Partner Oscar Hammerstein II (Simon Delaney) inzwischen noch größere
Erfolge. Seine angebetete Elizabeth (Margaret Qualley) sieht in Hart
nicht mehr als einen guten Freund, auch wenn seine lebendige Phantasie
das anders sieht. So bleibt ihm nur die Gesellschaft des Bartenders Eddy
(Bobby Cannavale) und des Pianisten Morty Rifkin (Jonah Lees). „Blue
Moon“ ist ein Kammerspiel, das – wie so oft bei Linklater – vom
Dauerfeuer seiner Dialoge lebt. Am Ende schwirrt einem der Kopf. Hawks
einnehmende Darstellung, für die er auch für den Oscar nominiert wurde,
bleibt einem aber noch lange in Erinnerung.

Der schüchterne Colin lebt in einer Kleinstadt im Haus seiner Eltern. Im
örtlichen Pub trifft er eines Abends auf Ray. Colin ist sofort
fasziniert von dem muskulösen Biker und findet sich kurz darauf in einer
Seitengasse auf den Knien vor Ray wieder, der ihn erst erniedrigt und
dann ignoriert. Der Beginn einer unterwürfigen Beziehung, in der sich
Colin von Ray wie ein Hund halten lässt. Er kümmert sich um den Haushalt
und schläft auf dem Boden zur Füßen Rays. Auf der anderen Seite lernt
Colin aber auch unter den Bikern eine vollkommen neue Welt aus
Freundschaft, Anerkennung und Leidenschaft kennen. Basierend auf der
preisgekrönten Romanvorlage »Box Hill« von Adam Mars-Jones erzählt
Regisseur Harry Lighton mit viel Verständnis, Charme und Witz eine
dominante Beziehungsgeschichte. Dabei spart Lighton auch nicht Colins
Eltern aus, die sich zunächst liebevoll um seine Bedürfnisse sorgen,
aber dann doch erschrocken reagieren, als sie Ray kennenlernen. Der
Regisseur vermeidet aber melodramatische Momente bis hin zum schlüssigen
Finale. Harry Melling, der als Dudley Dursley in den »Harry
Potter«-Filmen begann, zieht als Colin die Sympathien auf sich. Der
»Northman« Alexander Skarsgård spielt hingebungsvoll und mit vollem
Körpereinsatz. Bei den Filmfestspielen von Cannes wurde das Regiedebüt
gefeiert und erhielt den Drehbuchpreis in der Sektion »Un Certain Regard«.

Maysoon (Sabrina Amali) und ihr Partner Tobi (Florian Stetter)
verbringen mit ihren beiden Kindern einen idyllischen Tag am See. Doch
die Idylle trügt. Man spürt, dass sie sich auseinandergelebt haben. Tobi
ist immer öfter länger im Büro, Maysoon meist alleine mit dem Alltag.
Als er eines Abends spät nach Hause kommt und gleich ins Bett
verschwinden will, stellt ihn Maysoon zur Rede. Es kommt, wie es kommen
muss: Tobi gesteht ihr eine Affäre und Maysoon verliert jeden Halt. In
der Wut, Trauer und Verzweiflung hat sie sich selbst nicht mehr unter
Kontrolle. Hinzu kommt, dass sie ihren Aufenthaltsstatus erneuern muss.
Doch bei der Flucht aus Ägypten hat sie alle Dokumente zurückgelassen
und ein dunkles Geheimnis in ihrer Vergangenheit hindert sie daran, mit
ihrer Familie Kontakt aufzunehmen. Eine Menge Stoff hat sich Nancy
Biniadaki da für ihr Spielfilmdebüt vorgenommen. Amali und Stetter
spielen das Beziehungsdrama intensiv und überzeugend. Der Plot ist
allerdings hoffnungslos überladen und der emotionale Ritt über zwei
Stunden strengt an.

Die Charaktere aus den Filmen von Paolo Sorrentino (»La Grande Belezza –
Die große Schönheit«) hadern mit ihrer irdischen Existenz in einer
verführerischen Welt des Scheins. Ob als Andreotti (»Il Divo«) oder
Berlusconi (»Loro«): Die schillernden Figuren der italienischen Politik,
die Sorrentino immer wieder ins Zentrum seiner Filme stellt, werden
stets genial verkörpert von Toni Servillo. Auch in ihrer erneuten
Zusammenarbeit spielt Servillo einen Politiker: Den fiktiven, alternden
Präsidenten der Republik. Der alte »Betonkopf« steht kurz vor der
Pensionierung. Während er ein letztes Mal versucht, seinen Ruf für die
Nachwelt zu definieren, ist seine Tochter und Beraterin engagiert, seine
Unterschrift unter das Euthanasiegesetz zu bekommen. Der Präsident
hadert mit sich selbst, seiner verstorbenen Frau und den Entscheidungen.
Ist Ugo Romani wirklich der Richtige für seine Nachfolge? Und wer hat
seine Worte der Begnadigung wirklich verdient? Wie immer hüllt das Daria
D’Antonio hinter der Kamera in berauschende Bilder, von denen jedes
einzelne gerahmt an die Wand gehört. Die Drehorte sind exquisit, der
Aufwand beträchtlich. Auch wenn Sorrentino hier also dieselben Motive
des hadernden Abgangs bedient, hat auch »La Grazia« eine gewisse Grazie.
Ein manchmal etwas prätentiöser Sinnesschmaus mit hintergründigem Humor.

AT/CH/D 2024 R: Gerald Igor Hauzenberger, Gabriela Schild 103 Min.

Als der Österreicher Gerald Igor Hauzenberger und die Schweizerin
Gabriela Schild loszogen, um einen Film über die Sahara zu drehen,
konnten sie vielleicht noch nicht ahnen, dass sie Zeugen einer
historischen Umwälzung werden. Aus ihrem Filmprojekt entwickelte sich
eine Langzeitbeobachtung, die ihren Anfang im Jahr 2018 nahm. In klugen,
reflektierten Worten führt sie Rhissa Feltou durch das Grenzgebiet im
Norden Nigers. Der Bürgermeister Agadez berichtet von den Auswirkungen,
die der Druck der EU auf die europäischen Außengrenzen hat. Seit 2015
ist es streng verboten, Ausländer ohne Arbeitserlaubnis ins Land zu
holen. Wer erwischt wird, riskiert eine Freiheitsstrafe von bis zu 25
Jahren. Doch die Tuaregs transportieren seit Generationen Menschen durch
die Sahara, lange bevor es Grenzen gab. Durch das Verbot ist ein
kompletter Geschäftszweig weggebrochen. Die grassierende
Arbeitslosigkeit vor allem unter der jungen Bevölkerung ist ein
fruchtbarer Boden für Radikalisierung und Kriminalität. Alternativen
wurden versprochen, aber nie eingelöst. Deutsche Truppen und die der UN
sollen vor Ort für die Ausbildung der Sicherheitskräfte sorgen. Die
Amerikaner haben einen Stützpunkt in Agadez. Das Dröhnen der
Aufklärungsdrohnen ist Tag und Nacht zu hören. Sicherer ist die Region
deshalb nicht geworden. Tag für Tag kommen Pick Ups und Lastwagen voll
mit Menschen an, die aufgrund von Hunger und Krieg ihre Heimat verlassen
mussten. Hauzenberger und Schild reisen mehrfach nach Niger, in die
sogenannte Hochrisikozone. Sie sprechen mit den Menschen und lassen sie
auch nicht im Stich, als das Militär die Macht ergreift und die Europäer
das Land verlassen müssen. Ihre beeindruckend beharrliche
dokumentarische Arbeit, die von einem tiefen Verständnis für das Land
und seine Bewohner zeugt, endet 2023. Doch die Geschichte ist damit
längst nicht auserzählt.

Oscar Restrepo (Ubeimar Rios) ist eine tragische Gestalt. Als Dichter
ist er ebenso erfolglos wie in seiner übrigen Existenz. Seiner Tochter
Daniela (Alisson Correa), die bei seiner Ex lebt, ist er peinlich. Seine
Dichterkollegen belächeln ihn. Das Geld ist knapp, sein Wohnsitz bei
seiner Mutter auch keine Lösung. Oscar nimmt notgedrungen einen Job als
Lehrer an, um seiner Tochter die Uni zu finanzieren. Dort trifft er auf
die 15-jährige Yurlady (Rebeca Andrade), die ihre Gedanken in Versen
festhält, die Oscar faszinieren. Er meldet das Mädchen bei einem
Dichterwettbewerb an, um ihr eine bessere Zukunft zu ermöglichen. Doch
Yurlady lebt in einer Familie, die wenig von Oscars Ambitionen hält.

Oscar ist im Grunde seines Herzens ein guter Mensch, der sich jedoch
durch seine Sturheit immer tiefer in die eigene Misere reitet. Ubeimar
Rios spielt ihn körperlich brillant zwischen Selbstmitleid und
Überzeugung. Mit seinem rauem Charme gewann der kolumbianische Film den
Jurypreis der Sektion Un Certain Regard in Cannes.