Crônica de Cinema

Crítica | Vidas Passadas: como entender as escolhas deles?

2026-08-15T22:23:21.786-03:00

Vidas Passadas: direção de Celine Song

CINEMA MADURO, COMO SEUS PERSONAGENS

Para nós, brasileiros agarrados aos preceitos cristãos, especular sobre a reencarnação é praticamente um entretenimento. Brincamos com a possibilidade, imaginando quem poderíamos ter sido e quais aventuras teríamos experimentado em outros existências. Para os adeptos das religiões orientais, porém, o assunto é tratado com seriedade. Por isso, quando me deparei com Vidas Passadas, dirigido em 2023 por Celine Song, logo imaginei que o filme estaria centrado nos temas místicos. Além disso, a foto do casal de orientais ilustrando a capa do filme, pareceu-me uma referência aos tais doramas sul-coreanos, que infestam as plataformas de streaming. Apertei o play com o espírito armado e, em poucos minutos, fui conquistado por um cinema inteligente, sensível e artisticamente relevante.

Nada de especulações místicas

Vidas Passadas irradia romantismo, mas não daquele tipo governado pelas fantasias amorosas, que trata dos apaixonados com a mesma condescendência que dedicamos aos desbravadores e aventureiros. Aqui, o ímpeto açucarado é contido e a pieguice nem foi convidada. Os protagonistas estão interessados em desvendar os segredos do amor, mas não abdicam da sensatez enquanto se arriscam pelos seus corredores escorregadios. Maduros e munidos de autoconhecimento, preferem contemplar a beleza dos sentimentos puros. Preferem primeiro compreender as extensões do que já viveram, para só então especular sobre o que poderiam ter vivido diante de escolhas diferentes.

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Vidas Passadas: filme de estreia da dramaturga Celine Song

E se as escolhas tivessem sido outras?

O filme conta a história de Na Young (Seung Ah Moon), uma sul-coreana vivaz que, na infância, sentia-se atraída pelo colega de classe, Hae Sung (Seung Min Yim). O destino os separa quando a família da menina se muda para o Canadá. Passados doze anos, ela agora se chama Nora (Greta Lee) e trabalha em Nova Iorque para ser uma dramaturga. Fuçando as redes sociais, acaba retomando o contado com Hae Sung (Teo Yoo), que estuda engenharia em Seul. Os sentimentos da infância encontram espaço para florescer nos meios digitais, mas nenhum deles se atreve a abandonar os planos que já traçaram para suas vidas.

Vidas Passadas: o filme vai além do simples triângulo amoroso

Mais doze anos se passam até que os dois retomem os contatos pela internet. Nora agora está casada com Arthur (John Magaro), um escritor em ascensão; Hae Sung terminou com a namorada e agora parece disposto a revisitar os sentimentos do passado. Ele decide tirar férias e vai dar uma de turista em Nova Iorque; ela o acolhe e o deixa conhecer um pouco da vida que leva com Arthur. Nenhum deles sabe exatamente o que esperar, mas ambos têm a coragem e o atrevimento para permitir que o reencontro lhes revele o que poderiam ter vivido e o que desejam viver pelos próximos anos.

Uma cineasta estreante

Não espere pelas angústias, trapalhadas e reviravoltas de um triângulo amoroso. Vidas Passadas é um drama romântico autoral, escrito com talento por uma cineasta estreante, mas com experiência de sobra nas artes teatrais. Ela tem pleno domínio da narrativa e jamais perde o foco dos seus personagens – e ainda se atreve a pintar Nova Iorque também como uma personagem deslumbrante, ainda que revelada apenas no pano de fundo. A diretora sobe combinar belas imagens, música envolvente, diálogos verossímeis e silêncios eloquentes, para criar um subtexto denso. É assim que consegue pôr o espectador num modo permanente de introspecção e reflexão. Ou seja: faz cinema maduro e relevante.

Vidas Passadas: personagens tratados com respeito e inteligência

Uma narrativa envolvente

Celine Song abre seu filme com uma cena provocativa: mostra os protagonistas em um bar, conversando em coreano, enquanto um sujeito deslocado fica de lado, desconfortável por não conhecer o idioma e aflito por estar sendo guardado numa espécie de geladeira emocional. O espectador então é conduzido por suas vidas passadas, para que compreenda quem são aqueles três e o que os levou até aquele momento constrangedor. Quando esta mesma cena é retomada, lá no final, já temos uma noção precisa de quem é Nora, Hae Sung e Arthur; mais que isso, estabelecemos empatia com os três e estamos em condições de discutir e opinar sobre suas escolhas. Ou seja: como eles, também amadurecemos um pouco mais.

Cinema proveitoso

Com Vidas Passadas, Celine Song nos envolve num cinema belo e fluente, habitado por personagens autênticos, que irradiam verossimilhança. A cineasta sabe como colocá-los em cenários vistosos, tirando proveito da fotografia luminosa de Shabier Kirchner. Ela também tem um notável senso de ritmo e sabe usar a trilha sonora como um poderoso recurso narrativo, sem tentar conduzir as emoções do espectador. Aliás, o que temos aqui é um filme bastante respeitoso, para com a verdade emocional dos seus personagens e para com a inteligência do espectador. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★★(5 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Celine Song, o roteiro bem escrito, a atuação competente do elenco, a fotografia exuberante e a trilha sonora envolvente.

O que surpreende: além de não perder o foco dos seus personagens, a diretora aproveita todas as oportunidades para encontrar a beleza e tratá-la com respeito e sensibilidade artística.

Imperdível. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme Vidas Passadas

Título original: Past Lives
Ano de produção: 2023
Direção: Celine Song
Roteiro: Celine Song

Elenco:

Greta Lee
Seung Ah Moon
Teo Yoo]
Seung Min Yim
Ji Hye Yoon
Choi Won-young
Min Young Ahn
John Magaro
Jonica T. Gibbs
Emily Cass McDonnell
Federico Rodriguez
Conrad Schott
Kristen Sieh

Crítica | Emergência Radioativa: irradia tensão e credibilidade

2026-08-08T18:05:59.310-03:00

Emergência Radioativa: minissérie criada por Gustavo Lipsztein

CINCO EPISÓDIOS HIPNÓTICOS

Anatomicamente, o cérebro de um cinéfilo tem dois hemisférios: um deles só pensa em assistir aos filmes, o outro, só pensa em refletir sobre os filmes aos quais assistiu. O prazer que um deles prioriza é desprezado pelo outro. Pobre cinéfilo! Precisa repartir o pouco tempo que tem disponível para a sétima arte entre esses dois viciados exigentes. Um deles, eventualmente, acaba amargando abstinências. Dia desses, meu lado assistidor recebeu uma overdose, quando maratonei os cinco episódios da minissérie brasileira Emergência Radioativa (2016), criada por Gustavo Lipsztein. Que ótima experiência! Acompanhei uma história envolvente, contada com agilidade e vivida por personagens densos e verossímeis. Agora, é o meu lado refletidor que vai se esbaldar!

Uma história tristemente real

Vamos começar pelo óbvio: Emergência Radioativa é baseada em fatos, ocorridos em 1987 na cidade de Goiânia. Pessoas simples e sem conhecimento técnico – ou seja, gente como a gente! – encontraram uma máquina de radioterapia dando sopa, a desmontaram e a venderam para um ferro-velho. Aberta, a cápsula contendo Césio-137 fez o que faria qualquer artefato nuclear: espalhou radioatividade, contaminou muita gente e deixou em pânico primeiro a cidade, depois o resto do país. Na época, acompanhei o caso pela mídia e fiquei intrigado: como algo tão idiota pôde acontecer justamente aqui no Brasil? Agora, assistindo à minissérie, esperava encontrar a resposta.

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Emergência Radioativa: como não estavam fiscalizando isso?

Uma ameaça invisível

Em Emergência Radioativa, catadores em busca de material reciclável tiram a sorte grande: encontram, numa clínica abandonada, uma máquina recheada de chumbo. Levam a cápsula para o ferro-velho de Evenildo (Bukassa Kabengele), que a desmonta e fica tão maravilhado com o pó luminescente que o leva para casa. Sua mulher, Antônia (Ana Costa) também se encanta, mas depois de alguns dias, quando vê que todos na família adoecem sem explicação, ela decide levar a cápsula para o escritório da vigilância sanitária.

Emergência Radioativa: inspirada em personagens reais

O médico que examina a família adoecida é sagaz: percebe sintomas de contaminação radioativa e aciona seu amigo Márcio (Johnny Massaro), que por coincidência é físico nuclear e está de passagem na cidade. Com seu contador Geiger, ele logo descobre a realidade alarmante: há uma fonte radioativa exposta, que está silenciosamente devorando Goiânia. As autoridades são acionadas e quem vem para resolver o problema é Benny Orenstein (Paulo Gorgulho), à frente da Comissão Nacional de Energia Nuclear. Inicia-se uma corrida contra o relógio para interromper a contaminação, isolar o material radioativo, tratar os doentes e conhecer a verdadeira extensão do estrago.

O formato de minissérie foi um acerto

Passadas quatro décadas, poucos se lembram dos detalhes dessa tragédia. Gustavo Lipsztein percebeu a oportunidade de tocar no assunto e escreveu um ótimo roteiro; teve o bom senso de concebê-lo no formato de minissérie, onde pôde desenvolver os personagens com mais profundidade, sem ficar encurralado pela grande quantidade de cenas expositivas e sem ficar refém da abordagem documental demandada num eventual longa-metragem. Sua narrativa desvenda as várias tramas paralelas que envolveram não só as vítimas, mas também os cientistas e os médicos que precisaram lidar com toda aquela lambança radioativa.

Emergência Radioativa: o drama dos cientistas que debelaram a crise

Uma dramatização ficcionalizada

O grande mérito de Emergência Radioativa é manter o foco no drama humano. Há, sim, uma preocupação com a precisão técnica, já que há farto material disponível, documentado pelas autoridades; os realizadores, entretanto, estavam mais interessados em fazer... cinema! A narrativa ágil e envolvente é construída com elementos ficcionalizados, vividos por personagens inspirados nos protagonistas reais – todos tiveram seus nomes alterados e muitos foram condensados em um único personagem, para se adequar à linha dramática do roteiro. O grande vilão é a ameaça invisível que paira do começo ao fim, amedrontando, atordoando e criando uma atmosfera densa de incertezas e desconfianças.

Em ritmo de thriller

Até chegar ao formato narrativo de cinco episódios, o time que assina o roteiro de Emergência Radioativa precisou pesquisar bastante. Entrevistaram muita gente e fizeram um trabalho minucioso de reconstituição. Os diretores Fernando Coimbra e Iberê Carvalho conseguiram impor um ritmo preciso, conduzido sempre como uma corrida contra o relógio. Também souberam deixar que os atores fizessem a sua parte; o elenco competente irradia credibilidade e consegue emocionar. Há, é claro, os inevitáveis momentos melodramáticos, mas são tratados com pertinência.

Emergência Radioativa: o drama dos médicos pegos de surpresa

Que isso sirva de lição!

A tragédia retratada em Emergência Radioativa aconteceu em Goiânia, mas poderia ter sido em qualquer outra do planeta. Os danos foram contidos, graças à ação rápida e eficaz das autoridades. Oficialmente, tivemos quatro mortes imediatas, dezenas de outros, contudo, devem ter morrido ao longo dos anos por causa dos efeitos crônicos da radioatividade. Para cientistas nucleares do mundo inteiro, o episódio foi um aprendizado: os protocolos de proteção que temos hoje é resultado direto do trabalho heroico dos profissionais brasileiros. Se você quer mais dicas de bons filmes e séries, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Fernando Coimbra, o roteiro bem costurado, a atuação do elenco entrosado, a concepção visual precisa e a trilha sonora envolvente.

O que surpreende: os realizadores contornaram as armadilhas melodramáticas e souberam focalizar no drama humano com certa profundidade, aproveitando as oportunidades de um tema envolve.

Acima da média. É entretenimento de qualidade.

Ficha técnica da minissérie Emergência Radioativa

Ano de produção: 2026
Número de episódios: 5
Criação: Gustavo Lipsztein
Direção: Fernando Coimbra e Iberê Carvalho

Roteiro:

Gustavo Lipsztein
Fernando Coimbra
Rafael Spínola
Stephanie Degreas
Fernando Garrido

Elenco principal:

Johnny Massaro
Paulo Gorgulho
Tuca Andrada
Bukassa Kabengele
Ana Costa
Clarissa Kiste
Antonio Saboia
Alan Rocha
Marina Merlino
Victor Salomão
Leandra Leal

Crítica | Ensaio de Orquestra: Fellini celebra a música de Nino Rota num filme despretensioso

2026-07-18T22:43:05.795-03:00

Ensaio de Orquestra: direção de Federico Fellini

DESPRETENSIOSAMENTE MUSICAL

Desde o período Romântico, quando ganhou a configuração que tem hoje, a orquestra sinfônica virou uma metáfora para o trabalho em equipe: um amontoado de músicos, cada qual com seu instrumento, aferrados a uma mesma partitura, seguindo os ditames de um maestro todo-poderoso. Na plateia, boquiabertos, nem conseguimos compreender como é possível que consigam produzir a complexidade de sons exigidos ao longo de uma sinfonia inteira. Só mesmo à custa de muito ensaio! Em 1978, Federico Fellini apropriou-se de tal clichê para realizar Ensaio de Orquestra, um filme despretensioso, produzido para a televisão estatal da Itália.

Uma parábola sobre a política italiana

Em Ensaio de Orquestra, Fellini nem chega perto do seu ambiente tradicional: as memórias de infância, as incursões oníricas, os devaneios surrealistas... O diretor parece disposto a finalmente fazer crítica política, talvez motivado pela realidade conturbada que enxergava à sua volta naquele final dos anos 1970. Sim, não há como ignorar que no subtexto desse filme satírico – um “documentário lírico”, como o próprio Fellini definiu – há referências ácidas à caótica política italiana e ao fascismo, representado pelo maestro totalitarista com sotaque tedesco, interpretado pelo ator alemão Balduin, que enfrenta a revolução dos seus músicos insatisfeitos – feito militantes raivosos eles picham palavras de ordem nas paredes e erguem os punhos exigindo a renúncia do ditador.

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Ensaio de Orquestra: Fellini faz um filme dentro de um filme

A sinopse: a revolta dos músicos

A alegoria política de Fellini assume a forma de um filme sobre um filme: uma equipe de filmagem realiza um documentário sobre a orquestra que gravará a trilha sonora de uma produção. O diretor (a voz que ouvimos é a de Fellini) entrevista os músicos, enquanto cada um deles tenta explicar por que o instrumento que toca é o mais importante do que os demais. Quando descobrem que não receberão pagamento extra, os músicos se revoltam. O caos toma conta do ensaio, até que os músicos trazem um metrônomo gigante (o diretor não consegue ficar sem lançar mão dos recursos surrealistas!) é instalado para substituir a tirania do maestro. Para complicar, uma gigantesca bola de demolição começa a pôr todo o prédio abaixo.

O filme não quer dar respostas

Ainda que muitos espectadores não o reconheçam, Fellini está fazendo humor. Não fica claro quais são suas intenções: criticar os ímpetos autoritários dos governantes? Estimular algum tipo de revolução? Enaltecer a necessidade de uma liderança forte num trabalho em equipe? Ressaltar que toda ação coletiva invariavelmente termina e caos? Como cinéfilo, penso que buscar as respostas é desperdiçar tempo; o melhor é aproveitar o cinema plástico, fluente e sintético que Fellini nos oferece. Ensaio de Orquestra dura apenas 70 minutos e segue num ritmo delicioso, pontuado pela prosódia musical do idioma italiano.

Ensaio de Orquestra: uma celebração à música erudita

A alma do filme está na própria música

E por falar em música, é hora de mencionar a bela partitura escrita por Nino Rota. Ensaio de Orquestra marca a última colaboração entre Fellini e seu compositor preferido, que morreu poucos meses depois do lançamento do filme no Festival de Cannes. A música de Nino Rota é mais do que um estímulo para assistir ao filme; ela é a sua principal razão de ser! Quando os trechos mais musicais afloram, o longa se acende gostosamente, numa bem-vinda celebração à música erudita. Aliás, o compositor da trilha sonora se envolveu diretamente na produção, marcando presença nos sets de filmagem para instruir os músicos; em vários momentos, Nino Rota interferiu na própria condução narrativa da obra.

Uma espiadela no fazer musical

Ainda que muitos se dediquem a identificar os símbolos e significados plantados aqui e ali pelo diretor, enfatizando as intenções políticas e o alcance social da obra, o fato é que Ensaio de Orquestra exige muito pouco da plateia; apenas que se entregue ao entretenimento e se renda ao poder narrativo da música. No discurso audiovisual, o fazer musical encontrou uma função de enorme relevância, tão essencial quanto à desempenhada pelos fotógrafos e diretores de arte. Fellini parece intrigado com o fato de que a música surge como resultado da interação entre um número enorme de artistas – músicos, produtores e técnicos –, todos trazendo para o primeiro plano as suas próprias convicções e interesses pessoais. Não é incrível que, no final, eles consigam dar forma a uma única e sólida construção sonora, imaginada por um único compositor?

Ensaio de Orquestra: metáfora para a caótica política italiana

Fellini querendo ser apenas divertido

Às vezes, Ensaio de Orquestra tem essa cara de documentário. As tiradas engraçadas, com os músicos quebrando a quarta parede para tentar cooptar o espectador, dão um leve tom de descontração. Em outros momentos, o que vem à tona é a abordagem metalinguística: um filme sobre uma orquestra que executa a música de um filme, criticando a própria dinâmica interna de uma orquestra. Além disso, o metrônomo gigante e a bola de demolição no lembram que estamos diante de uma obra de Fellini, sempre pronto para nos surpreender com algum elemento surreal. Eis aqui um filme despretensioso, para assistir por pura diversão. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★★(5 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção criativa de Federico Fellini, a concepção visual bem elaborada e a música de Nino Rota.

O que surpreende: por mais que Fellini insinue interesse em cutucar questões políticas, seu cinema segue focado no indivíduo.

Imperdível. É cinema de alta qualidade.

Ficha técnica do filme Ensaio de Orquestra

Título original: Prova d'Orchestra
Ano de produção: 1978
Direção: Federico Fellini

Roteiro: Federico Fellini e Brunello Rondi

Elenco:

Balduin Baas
Clara Colosimo
Elizabeth Labi
Ronaldo Bonacchi
Ferdinando Villella
Franco Iavarone
David Maunsell
Francesco Aluigi
Andy Miller
Sibyl Amarilli Mostert
Franco Mazzieri
Daniele Pagani
Luigi Uzzo
Cesare Martignon
Umberto Zuanelli
Filippo Trincaia
Claudio Ciocca
Angélica Hansen
Heinz Kreuger

Crítica | O Frio da Morte: Emma Thompson estreia no gênero ação

2026-07-11T20:13:02.073-03:00

O Frio da Morte: direção de Brian Kirk

MAIS DO QUE UM FILME DE AÇÃO

Nós, cinéfilos, costumamos analisar de que forma os filmes nos afetam, quais reações provocam em nós e quais significados atribuímos a eles. Muitos de nós também prestam atenção em como os filmes são feitos, não apenas no âmbito das técnicas audiovisuais, como também das técnicas narrativas. O que quase ninguém se incomoda é em relação a como os filmes são divulgados! Qualquer filme em busca de espaço no circuito comercial precisa de promoção; é quando os marketeiros entram em ação, sem se incomodar com os exageros. É por esse prisma que pretendo iniciar esta crônica sobre O Frio da Morte, dirigido em 2025 por Brian Kirk. Na plataforma de streaming ele vem posicionado como um filme de ação, que traz pitadas de suspense.

Uma boa dose de drama

Um filme de ação estrelado pela britânica Emma Thompson? Aquela mesma consagrada como uma lenda das artes dramáticas no cinema? Ora, será possível que ela tenha se transformado na contraparte feminina de Liam Neeson? O ator com vastos recursos shakespeareanos se embrenhou nos matagais dos filmes de ação (Busca Implacável e Noite Sem Fim, por exemplo) e fez um bem danado para o gênero – fez também um bom dinheiro para os produtores! Serviu de exemplo para muitos atores e agora talvez tenha chegado a vez daquela grande atriz surfar nessa onda. Tive que apertar o play para conferir. Já no primeiro ato concluí que os marqueteiros exageraram: este não é um mero filme de ação. Há nele uma boa dose de drama.

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O Frio da Morte: Emma Thompson estreia nos filmes de ação

Um diretor experiente

É claro que o nome do diretor também salta aos olhos durante os créditos de abertura. Brian Kirk é experiente nas séries de TV, onde dirigiu episódios de Boardwalk Empire, Penny Dreadful e Game of Thrones. Também dirigiu o ótimo Crime Sem Saída, onde mostrou seu virtuosismo com as cenas de ação e seu talento em criar atmosferas de tensão e suspense. À frente de O Frio da Morte, seu nome é promessa de ótimo entretenimento, uma que se confirmou plenamente na opinião deste cronista. Mas antes de entrar nos detalhes, vamos à sinopse:

Uma heroína improvável

O Frio da Morte conta a história de Barb (Emma Thompson), uma viúva recente que viaja para as lonjuras gélidas do norte de Minnesota, nos Estados Unidos, onde pretende espalhar as cinzas do marido – conforme seu desejo expresso em testamento. Quando ela se perde durante uma tempestade, pede informação para um sujeito de casaco camuflado (Marc Menchaca), que encontra numa cabana. É quando se dá conta de que há um sequestro em andamento. Uma garota chamada Leah (Laurel Marsden) está sendo mantida em cativeiro pelo tal sujeito, tendo como cúmplice uma mulher de casaco roxo (Judy Greer). Barb tem força de caráter suficiente para saber que precisa agir; reúne forças físicas, coragem e inteligência e tenta salvar a garota, mas enfrenta a fúria dos sequestradores e os castigos da natureza inclemente.

O Frio da Morte: vilões caracterizados mais como pesadelos conceituais

Emma Thompson surpreende

A história que acompanhamos em O Frio da Morte é simples e direta; um tanto batida, na verdade, mas muito bem contada. Tem elementos de tensão e aborda temas relacionados ao universo dos filmes de ação, como morte, sobrevivência, violência... Para surpresa dos cinéfilos mais exigentes, os realizadores encontram espaço para falar de amor, perda, integridade, sacrifício... É claro que a presença de Emma Thompson agrega profundidade ao filme. Apesar do visual desleixado, bastam poucas microexpressões da atriz para conquistar o expectador logo no começo. Vê-la metida em embates físicos, entretanto, é um tanto surpreendente, mas ela dá conta do recado.

Roteiro minimalista

O roteiro de O Frio da Morte foi escrito por Nicholas Jacobson-Larson e Dalton Leeb, ambos estreantes – o primeiro tem experiência em trilhas sonoras e o segundo é ator. Desenharam uma narrativa linear, pontuada por alguns flashbacks dedicados a oferecer alguma exposição quanto ao passado da protagonista. Com poucas linhas de diálogo e a introdução de vários ganchos visuais, eles conseguiram mostrar uma mulher íntegra, que experimentou uma vida longa, feliz e proveitosa ao lado do marido. Tal profundidade emocional faz muito bem ao filme, ainda que decepcione os cinéfilos que assistem ao filme apenas desfrutar das cenas de ação.

O Frio da Morte: flashbacks que proporcionam os ganchos dramáticos

Todos os cacoetes do gênero

O diretor Brian Kirk soube aproveitar os elementos dramáticos, sem perder o ritmo da narrativa desenfreada. Além do visual bem planejado, soube usar o design de som para criar pontos de tensão e suspense: galhos que se quebram, respiração ofegante, passos desajeitados na neve... Ficamos na torcida pela heroína improvável, enquanto imaginamos qual poderá ser o desfecho. A fotografia irretocável assinada por Christopher Ross e a trilha sonora envolvente de Volker Bertelmann trazem personalidade ao filme, mas a presença da atriz Gaia Wise, que interpreta a protagonista Barb quando jovem, é um bônus gratificante: ela vem a ser filha de Emma Thompson!

Entretenimento de qualidade

O embate entre o bem e o mal é a essência dos filmes de ação, e aqui ele não poderia ser mais explícito: de um lado, uma heroína autêntica, capaz de sacrifícios para salvar uma desconhecida; de outro, uma vilã ensandecida, viciada em fentanil e disposta a matar para permanecer viva. À exceção da protagonista, todos os demais personagens são pouco desenvolvidos – quase como entidades conceituais que transitam pela mente de Barb. Por ser promovido pelos marqueteiros como um filme de ação, O Frio da Morte pode passar despercebido pelos cinéfilos mais interessados em dramas e profundidade emocional. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção de Brian Kirk, o roteiro minimalista, a atuação magnética de Emma Thompson, a fotografia impecável e a trilha sonora envolvente.

O que surpreende: mesmo as cenas expositivas estão ancoradas e uma narrativa eminentemente visual, o que conferiu certa profundidade à protagonista.

Acima da média. É entretenimento de qualidade.

Ficha técnica no filme O Frio da Morte

Título original: Dead of Winter
Ano de produção: 2025
Direção: Brian Kirk
Roteiro: Nicholas Jacobson-Larson e Dalton Leeb

Elenco Principal:

Emma Thompson
Judy Greer
Marc Menchaca
Laurel Marsden
Gaia Wise
Cúán Hosty-Blaney
Dalton Leeb
Paul Hamilton
Lloyd Hutchinson
Brían F. O'Byrne

Crítica | Nuremberg: Russel Crowe carrega esse filme nas costas

2026-07-04T20:52:12.144-03:00

Nuremberg: direção de James Vanderbilt

AULA EXPLICATIVA EM RITMO DE THRILLER

Escolher uma única palavra como título para um filme é uma tacada assertiva; ainda mais quando essa palavra evoca tantos significados e faz rodar um filme inteiro na mente dos cinéfilos. Christopher Nolan fez isso com Dunkirk (2017); antes de apertar o play você já sabe que acompanhará o drama dos britânicos encurralados no norte da França, desesperados para voltar para casa. James Vanderbilt fez o mesmo no seu filme Nuremberg (2025): você já sabe que acompanhará os desdobramentos do maior julgamento de crimes de guerra de todos os tempos e já imagina um filme denso de tanta relevância histórica. O diretor, porém, não destacou a grandiosidade dos eventos; resolveu rodar um thriller recheado de suspense psicológico.

Em vez de vingança, justiça

O principal acerto do filme é dar destaque, logo no começo, para o fato de que os julgamentos de Nuremberg não foram uma consequência natural do fim da Segunda Guerra Mundial. Nada disso! Não havia arcabouço jurídico nem instituições internacionais com legitimidade para julgar as atrocidades que os nazistas perpetraram em seu próprio país. O espetáculo teve que ser montado do zero e exigiu um considerável esforço, tanto político como midiático. Nos bancos escolares – brasileiros, ressalte-se – a matéria é ensinada en passant, como se os nazistas hediondos apenas tiveram o que mereceram, e pronto! Prestando mais atenção, percebemos que teria sido muito mais prático, lógico e prudente meter logo uma bala na testa dos criminosos de guerra capturados vivos. Porém, o risco de transformá-los em mártires e assim permitir que o fascismo ressuscitasse nas décadas seguintes, acendeu o alerta entre os aliados vitoriosos: melhor seria criar um ar de legalidade para condenar não só os criminosos, mas também as ideologias nefastas.

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Nuremberg: Russel Crowe em uma atuação poderosa

Faltou densidade emocional

Ah, caro leitor, você já percebeu que não comecei a crônica com explicações sobre o que foram os julgamentos de Nuremberg, nem me preocupei em contextualizar; fui direto ao assunto, partindo do princípio que você já sabe do que se trata. Não foi o que fez o diretor James Vanderbilt. Seu filme é voltado para as novas gerações, que desconhecem os fatos e precisam ser guiadas didaticamente; por isso, está repleto de cenas expositivas e diálogos explicativos. Nuremberg é uma produção esmerada, com uma reconstituição de época elegante e detalhada; traz personagens relevantes e revira questões éticas e morais delicadas, mas é emocionalmente precário. Não é aquele filme que você imaginou assim que ouviu seu título. Antes de apresentar meus pontos, vamos à sinopse:

O nazista, o psiquiatra e o jurista

Depois que o segundo no comando dos nazistas, Hermann Göring (Russel Crowe), é preso enquanto tentava escapar da Europa, o juiz da Suprema Corte dos Estados Unidos, Robert H. Jackson (Michael Shannon), lidera um esforço conjunto com a França, Reino Unido e União Soviética para constituir o tribunal internacional que o condenará por crimes contra a humanidade. Além dele, outros 21 réus são trancafiados; todos passiveis de cometer suicídio. Para evitar isso, entra em cena o tenente-coronel Douglas Kelley (Rami Malek), um psiquiatra do exército americano.

Nuremberg: personagens estereotipados, sem profundidade emocional

Com a ajuda de um intérprete, o sargento Howard Triest (Leo Woodall), Douglas faz o acompanhamento dos prisioneiros e dá atenção especial a Hermann Göring. O problema é que o psiquiatra percebeu a oportunidade de escrever um livro e alçar-se para a fama; enquanto isso, o líder nazista, astuto e manipulador, fará de tudo para negociar informações que o beneficiem durante o julgamento. O jogo que se estabelece é disputado com dissimulações e o uso oportunista da verdade.

Um romance expandido

Nuremberg se mostrou um projeto ambicioso demais para o diretor James Vanderbilt. Mais conhecido por seus filmes de ação, como O Ataque (2013) e Independence Day: O Ressurgimento (2016), dessa vez ele se empenhou em entregar um filme relevante, com o peso de um autêntico drama histórico. Escreveu o roteiro a partir de uma adaptação do romance The Nazi and the Psychiatrist, publicado em 2013 pelo jornalista e escritor americano Jack El-Hai, mas decidiu expandir a narrativa: adicionou a trama paralela do juiz da Suprema Corte Americana interessado em fazer justiça para além da mera vingança. Também adicionou a história do intérprete judeu que ficou cara-a-cara com os hediondos nazistas, enquanto acompanha o esforço para enforcar todos.

Nuremberg: o diretor preferiu a linguagem documental

Um vilão de arrepiar

O grande nome do filme é Russell Crowe! Sua atuação é magnética, retratando um Hermann Göring quase... humano. Quando ele está em cena, o filme se acende e ficamos apavorados com as capacidades manipuladoras de um personagem tão multifacetado. Já Rami Malek não encontrou um texto à altura dos seus recursos dramáticos. Seu Douglas Kelley é um psiquiatra estereotipado, sem profundidade para além das caras e bocas. Os demais atores seguem um texto demasiado expositivo, repleto de chavões e frases feitas, sem ganchos dramáticos dignos de nota. É uma pena.

O filme não faz jus ao título

James Vanderbilt fez um filme para os jovens, mas infelizmente os subestimou. Exagerou na exposição, incluiu personagens desnecessários, evitou as dramatizações e preferiu assumir uma linguagem documental – as cenas reais que mostram o extermínio dos judeus, exibidas ao longo do julgamento, são de uma tristeza horripilante! Seu filme se estende por duas horas e meia, mas só se sustenta enquanto Russel Crowe está em cena. O diretor, ainda por cima, incluiu desnecessárias – e inoportunas – passagens de humor. Talvez desejasse insinuar uma leve atmosfera de leveza, para ressaltar a tensão e o horror que viriam em seguida, quando fosse o momento de escancarar as atrocidades nazistas. Não funcionou. Nuremberg está longe de ser aquele filme que passou na minha mente de cinéfilo quando ouvi o seu título composto por uma única palavra. Mas se você quer dicas de bons filmes, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção objetiva de James Vanderbilt, a atuação magnética de Russel Crowe e a recriação de época.

O que decepciona: o roteiro carregado de diálogos expositivos, a linguagem documental e a falta de profundidade dos personagens.

Vale a pena. Traz um conteúdo histórico relevante.

Ficha técnica do filme Nuremberg

Ano de produção: 2025
Direção: James Vanderbilt
Roteiro: James Vanderbilt

Elenco:

Rami Malek
Russell Crowe
Leo Woodall
John Slattery
Mark O'Brien
Colin Hanks
Wrenn Schmidt
Lydia Peckham
Michael Shannon
Richard E. Grant
Lotte Verbeek
Andreas Pietschmann
Steven Pacey
Paul Antony-Barber
Jeremy Wheeler
Wolfgang Cerny
Giuseppe Cederna
Dan Cade
Donald Sage Mackay
Dieter Riesle
Wayne Brett
Gyula Mesterházy
Sam Newman
Philippe Jacq
Peter Jordan
Tom Keune
Blake Kubena
Michael Sheldon
Fleur Bremmer

2026-06-29T21:38:07.612-03:00

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Crítica | Uma Vida de Esperança: Hilary Swank brilha nessa história real e emocionante

2026-06-14T10:29:27.110-03:00

Uma Vida de Esperança: direção de Jon Gunn

ACONTECIMENTOS VERDADEIROS E INSPIRADORES

Antes de tudo, é preciso lembrar que este filme tem dois títulos. Quando assisti na plataforma de streaming, era Uma Vida de Esperança, dirigido em 2024 por Jon Gunn; mais tarde, pesquisando na internet, encontrei o filme como Anjos da Terra. Não sei qual é o motivo disso, mas uma forma de eliminar confusões é mencionando o título original: Ordinary Angels. Trata-se de um drama baseado em fatos, que ocorreram em 1994 na cidade de Louisville, estado americanos do Kentucky. Conta a história emocionante e inspiradora de uma família que, durante uma forte nevasca, ganha ajuda de toda a comunidade para salvar a vida da filha doente.

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Milagre! Esta é a palavra que evocamos ao longo do filme, na medida em vamos conhecendo os detalhes da história. Aliás, podemos prever exatamente quais rumos ela vai tomar e quais serão os arcos dos personagens. Curiosamente, porém, seguimos hipnotizados, porque é uma história muito bem contada; o roteiro é consistente, as atuações são emocionantes e há um tempero de fé cristã que dá o tom edificante. Uma Vida de Esperança beira o inacreditável, mas é um filme honesto e repleto de drama humano. Antes de seguir adiante, vejamos a sinopse:

Uma Vida de Esperança: Hillary Swank e Alan Ritchson em ótimas atuações

Complicações em série

O filme conta a história de Sharon Stevens (Hilary Swank), uma cabelereira espalhafatosa que enfrenta sérios problemas com o alcoolismo. Ela descobre pela mídia que Michelle Schmitt (Emily Mitchell), uma garotinha de cinco anos que acabou de perder a mãe, precisa com urgência de um transplante de fígado. Pronto! Encontrou uma causa pela qual lutar e decide mover o mundo para ajudar. Acontece que Ed (Alan Ritchson), o pai da garotinha, é um homem falido, encurralado pelo luto e pela impossibilidade de juntar a exorbitância de dinheiro necessária para a cirurgia da filha. Entre Sharon e Ed há uma forte tensão inicial, que só aumenta na medida em que as complicações em série vão surgindo. E os problemas assumem proporções tão gigantescas que só podem ser resolvidos com a ajuda da comunidade, e com a interferência do divino, é claro!

Uma protagonista esfuziante

Sharon Stevens, a personagem interpretada por Hillary Swank, tem personalidade forte e uma teimosia proverbial. Os cinéfilos atentos ficarão tentados a compará-la com a protagonista de Erin Brockovich - Uma Mulher de Talento, mas terão que reconhecer: ela irradia autenticidade. Hilary Swank, aliás, é a potência dramática do filme! Ela atua com naturalidade e verossimilhança, interpretando uma mulher extravagante, com certo pendor kitsch.

Uma Vida de Esperança: tristeza que resulta em eventos inspiradores

Uma surpresa no elenco

Alan Ritchson é outra grande surpresa em Uma Vida de Esperança. Quem o conhece protagonizando cenas de ação, encarando a violência com naturalidade e desenvoltura na série Jack Reatcher, mal acreditará que se trata do mesmo ator. Ele dá conta do recado interpretando um Ed Schmitt contido e reservado, vulnerável diante de todas as dificuldades e sofrimentos que a vida lhe reservou.

Um roteiro certeiro

Os fatos dramatizados em Uma Vida de Esperança estão fartamente documentados. Os jornais locais e as emissoras de TV tiveram um envolvimento direto, deixando para os realizadores um farto material para embasar a produção. Quem começou o projeto foi o produtor executivo, Rick Baker, que é de Louisville. Ele conseguiu os direitos da história e envolveu a atriz e roteirista Meg Tilly na escrita do roteiro. Anos depois, o produtor Jon Berg assumiu o projeto e contratou do diretor Jon Gunn, que por sua vez convocou Kelly Fremon Craig para escrever o tratamento final – a diretora e roteirista tem no currículo o ótimo Crescendo Juntas. Nas mãos de profissionais experientes, o filme ganhou em força dramática e verossimilhança.

Uma Vida de Esperança: Hilary Swank é a potência dramática do filme

Emoção e sentido de urgência

O diretor e roteirista Jonathan Gunn, conhecido no cinema independente por filmes que abordam a fé cristã, deu a Uma Vida de Esperança um estilo conciso e objetivo. Seu cinema é convencional, focado nos personagens e atento aos beats emocionais de todas as cenas. Ele consegue imprimir um sentido de urgência no último ato, quando a histórica nevasca que desceu sobre a cidade de Louisville parece quere enterrar qualquer esperança de um final feliz. Mas pode ter certeza, ele virá!

Toques pertinentes de humor

É curioso como o diretor conseguiu intercalar cenas bem-humoradas ao longo de Uma Vida de Esperança. A história que ele conta é de uma tristeza profunda – a garotinha de cinco anos, que perdeu a mãe e herdou dela uma patologia cruel e potencialmente fatal, é de cortar o coração; ainda bem que Jon Gunn intercala cenas que trazem algum alívio e dão ao espectador a oportunidade de respirar. Isso dá ao filme um jeitão de “sessão da tarde”, que para muitos cinéfilos é sinal de demérito. Não me incomodei com isso. Quando chegaram os créditos finais e as cenas reais são exibidas, a única palavra que me veio à mente foi: milagre! Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Jon Gunn, as atuações excelentes de Hilary Swank e Alan Ritchson, o roteiro bem escrito e a trilha sonora envolvente.

O que decepciona: a insistência em atenuar os profundos traços de tristeza da história ressaltaram o tom kitsch e trouxeram um clima de sessão da tarde.

Vale a pena. Conta uma história edificante e inspiradora.

Ficha técnica do filme Uma Vida de Esperança

Título original: Ordinary Angels

Ano de produção: 2024
Direção: Jon Gunn
Roteiro: Meg Tilly, Kelly Fremon Craig e Jeffrey Knight

Elenco:

Hilary Swank
Alan Ritchson
Emily Mitchell
Skywalker Hughes
Nancy Travis
Tamala Jones
Don Mike
Ryan Allen
Drew Powell
Andrea del Campo
Dempsey Bryk
Stephanie Sy
Curtis Moore
Erik Athavale
Neil Shah
David Lawrence Brown
Cliff Sumter
Darcy Fehr

Crítica | Criaturas Extraordinariamente Brilhantes: baseado em verdades emocionais

2026-06-05T19:40:49.391-03:00

Criaturas Extraordinariamente Brilhantes: direção de Olivia Newton

SALLY FIELD E O MOLUSCO

Observar a si mesmo, de uma distância segura, enquanto toma suas decisões e reage às decisões dos outros, é um velho truque terapêutico. Abre a oportunidade para perceber o espectro emocional ao qual você está exposto e assim entender suas dinâmicas comportamentais. Esse truque também funciona no coletivo – nos filmes onde alienígenas escancaram as nossas humanidades, ou nas fábulas onde os animais ganham o dom da fala para nos julgar. É esse o truque usado em Criaturas Extraordinariamente Brilhantes, dirigido em 2026 por Olivia Newman; um filme envolvente, criativo e profundamente emocional.

Um incrível sucesso editorial

Por trás desse filme encantador, há um incrível fenômeno editorial, chamado Shelby Van Pelt. Aos 42 anos, a escritora americana escreveu seu primeiro romance, intitulado Remarkably Bright Creatures, que foi publicado em 2022; encantou os leitores e vendeu mais de 4 milhões de exemplares. Não é de se surpreender, portanto, que a Netflix tenha se empenhado em produzir uma adaptação para o cinema. Van Pelt abraçou a causa com entusiasmo; atuou como produtora do filme e examinou todo o processo de criação do roteiro, preservando assim a sua visão pessoal da obra.

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Criaturas Extraordinariamente brilhantes: Sally Field é a grande força dramática do filme

O ponto de vista de um molusco

Criaturas Extraordinariamente Brilhantes é aquele filme do polvo! Conta a história de Tova Sullivan (Sally Field), uma viúva septuagenária que trabalha de faxineira num aquário, na fictícia cidade de Sowell Bay, no estado de Washington. É lá que ela mantém diálogos imaginários com Marcellus (na voz de Alfred Molina), um velho polvo gigante do pacífico, aprisionado num tanque para distração da criançada impertinente. Quando chega à pequena cidade o jovem Cameron Cassmore (Lewis Paulman), um pretenso músico à procura de um misterioso homem que lhe deve algum dinheiro, as vidas dos três se cruzarão: Tova ainda tentando elaborar a morte do filho; Cameron às voltas com o abandono dos pais e o polvo Marcellus se esforçando para os ajudar a resolver seus problemas.

Abordagem realista

O mais importante a dizer sobre Criaturas Extraordinariamente Brilhantes é que o filme não foi realizado como uma fantasia, nem recebeu um tratamento infantilizado. Ao contrário, os personagens e suas dores são verossímeis, postos com autenticidade para que possamos acompanhar o seu processo de cura. A presença do polvo perspicaz e eloquente é o que torna a narrativa mais leve e notavelmente focada. As cenas são sempre objetivas e tem seus beats emocionais pontuados com precisão. Os personagens coadjuvantes que aparecem na tela têm função narrativa e são tratados com uma certa profundidade.

Criaturas Extraordinariamente Brilhantes: uma abordagem leve e emocionante

Imagens exuberantes

O que primeiro salta aos olhos é a fotografia luminosa e exuberante assinada pela experiente Ashley Connor. Muito da leveza do filme se deve às belas imagens da vida marinha exibidas o tempo todo, captadas pelo documentarista John Roney, que licenciou parte do seu acervo para a produção. As belas locações, na pequena cidade de Deep Cove, ao norte de Vancouver, e os cenários cuidadosos também contribuem para moldar o tom realista do filme.

Criaturas Extraordinariamente Brilhantes: polvo gerado por computador

Computação gráfica inteligente

O polvo Marcellus, é claro, assume o posto como principal elemento visual de Criaturas Extraordinariamente Brilhantes. Foi gerado em CGI, mas com um notável realismo. Seus movimentos foram aprimorados a partir de filmagens de vários outros polvos, para sustentar as necessidades narrativas do filme. Outro detalhe importante: as imagens digitais do molusco são sempre sobrepostas a cenários reais, dessa forma, a diretora Olivia Newman garantiu o realismo; não caiu na armadilha de gerar cenários em computação gráfica, que certamente trariam um forte caráter fantasioso e – provavelmente - infantilizado.

Atores incrivelmente brilhantes

Além de muita sensibilidade artística, Olívia Newton mostrou que sabe extrair o melhor dos seus atores. Se bem que, em se tratando de Sally Field, a força dramática jorra abundante; com seu inegável talento, a atriz chega a roubar a cena do polvo Marcellus, que tanto encantou os leitores de Criaturas Extraordinariamente Brilhantes. Nas telas, o que ganha estatura é o drama humano. A narração em off – executada com sobriedade e respeito por Alfred Molina – só faz torná-lo ainda mais emocionante. Cabe lembrar aqui o ótimo trabalho do ator Lewis Pulman, que trabalha em perfeita sintonia com Sally Field.

Criaturas Extraordinariamente Brilhantes: filme leve, mas muito emocionante!

Máxima empatia

Criaturas Extraordinariamente Brilhantes pode ser apresentado como um filme leve, mas é preciso deixar o alerta: é incrivelmente emocionante. Há toques de humor e há momentos tristes, mas na medida em que os personagens vão se revelando – e suas histórias vão sendo desvendadas – reconhecemos verdades emocionais que compartilhamos com os demais humanos. Assistimos aos personagens tentando lidar com elas e nos perguntamos: como faríamos isso no lugar deles? É o velho truque terapêutico em ação, dessa vez executado por um molusco inteligente e observador. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Olivia Newman, a adaptação bem escrita, a atuação excelente de Sally Field e Lewis Pulman e a fotografia exuberante.

O que surpreende: os realizadores souberam trazer as emoções para o primeiro plano e transformaram o personagem do polvo num recurso narrativo elegante.

Acima da média. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme Criaturas Extraordinariamente Brilhantes

Título original: Remarkably Bright Creatures
Ano de produção: 2026
Direção: Olivia Newman
Roteiro: Olivia Newman, John Whittington e Shelby Van Pelt

Elenco:

Sally Field
Lewis Pullman
Colm Meaney
Joan Chen
Kathy Baker
Beth Grant
Sofia Black-D'Elia
Donald Sales
Mapuana Makia
Laura Harris
Anthony Harrison
Dan Payne
Shauna Johannesen
Chris William Martin
David Parent
Michael Delleva
Noah Craig

Crítica | Nosferatu (2024): vale a pena assistir ao remake de Robert Eggers?

2026-05-23T15:50:04.850-03:00

Nosferatu: direção de Robert Eggers

MITOS, LENDAS E INSANIDADE

Numa escala medida em arrepios na espinha, o nome Nosferatu provoca mais medo do que o nome Drácula, embora ambos se refiram ao mesmo personagem. O primeiro, mais horripilante, nasceu em um filme, porque os realizadores não detinham os direitos autorais do romance que o inspirou. O segundo nasceu nas páginas da literatura gótica, mas se cristalizou no imaginário do público por meio da estampa aristocrática de Béla Lugosi – menos assustadora e mais sedutora. Recentemente, quem escancarou essa diferença foi Robert Eggers, o diretor americano que escreveu e dirigiu Nosferatu. Esse remake de 2024 não deixa dúvidas sobre quem mete mais medo!

Os antecedentes literários

Tudo começou com o escritor irlandês Bram Stoker, que escreveu em 1897 o livro intitulado Drácula. Trata-se de um romance epistolar, onde a narrativa é construída por meio das cartas trocadas entre os personagens. Está tudo lá: o conde que habita o castelo na Transilvânia, o jovem Harker que escapa de suas garras, a ida do vampiro para a cidade de Whitby na Inglaterra e o embate onde Drácula é derrotado pelo decidido caçador de vampiros Abraham Van Helsing.

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Nosferatu: Robert Eggers retrata a mentalidade do início do Século XIX

O personagem no cinema

Genuíno representante do expressionismo alemão, Nosferatu, o Vampiro, dirigido em 1922 por Friedrich Wilhelm Murnau, adquiriu um notável valor histórico; criou um padrão estético que influenciou o gênero terror. A adaptação foi escrita por Henrick Gallen e trouxe algumas modificações: incluiu a ideia de que a peste bubônica chegou à Inglaterra junto com Drácula e os ratos que o acompanham e eliminou o personagem do caçador de vampiros Van Helsing. Um ótimo remake foi realizado em 1979 pelo diretor alemão Werner Herzog, intitulado Nosferatu - O Vampiro da Noite. Apesar do título, o personagem volta a se chamar Drácula, já que a obra de Stoker caíra em domínio público.

Um espetáculo audiovisual

Robert Eggers é um cineasta com ótimos antecedentes; seus filmes anteriores, A Bruxa, O Farol e O Homem do Norte, abordam temas como o medo, o horror e a insanidade, valendo-se de narrativas fluentes e cinematográficas por excelência. Este seu Nosferatu é uma releitura gótica grandiloquente, que o coloca entre os grandes diretores do gênero. O vampiro que ele nos apresenta, agora chamado de Conde Orlok, é uma criatura assustadora; um morto vivo de aparência repugnante que se esgueira nas sombras e mantém um vínculo psicológico com uma mulher atormentada, por quem nutre uma paixão carnal. A concepção visual apurada, o design de som, os figurinos, os cenários, a trilha sonora, a iluminação... Tudo tem função narrativa e conspira para contar a história, provocando arrepios em série na espinha do espectador.

Nosferatu: o centro dramático está na esposa de Tomas Hutter

A sinopse: o mal tenta vencer pelo medo

Na Alemanha de 1838, Tomas Hutter (Nicholas Hoult) é um agente imobiliário enviado por seu empregador para a Transilvânia, onde terá que fechar a venda de uma propriedade para um tal de Conde Orlok (Bill Skarsgård). Ele ignora os alertas de sua esposa, Ellen (Lily-Rose Depp), que pressente os horrores que virão, já que estabeleceu fortes conexões emocionais com o mundo espiritual. Ela também alimenta um desejo sexual reprimido, que termina por criar uma ligação macabra com o hediondo vampiro.

Nosferatu: um impressionante trabalho de atores

Tomas chega ao castelo de Orlok, mas é feito prisioneiro e arde em pesadelos. Orlok vai para a Alemanha, ao encontro do seu objeto de desejo. Tomas escapa do cativeiro e tenta salvar sua mulher, com a ajuda do Professor Albin Eberhart von Franz (Willem Dafoe), um filósofo especialista em ocultismo, mas irão se deparar com as atrocidades que o malévolo vampiro terá coragem de perpetrar.

Misticismo e realidade misturados

A história do Conde Drácula imiscuiu-se na cultura pop e gerou uma iconografia facilmente reconhecida em incontáveis clichês cinematográficos. Robert Eggers desviou-se deles e buscou homenagear seus ídolos expressionistas. Seu Nosferatu é uma figura nojenta, que veste trajes da aristocracia romena do século XIX e transita por cenários góticos e casas típicas alemãs. Partindo de uma minuciosa pesquisa, o diretor abandonou o fantasioso e se inclinou para o realismo e os corredores da insanidade, trazendo os tenebrosos acontecimentos para o terreno das possibilidades. É assustador!

Nosferatu: Rober Eggers abandonou a iconografia tradicional e criou um vampiro asqueroso

A natureza do medo

Este é o trabalho mais comercial de Robert Eggers, para o qual reuniu sua equipe de costume: o diretor de fotografia Jarin Blaschke, o diretor de arte Craig Lathrop, a montadora Louise Ford e a figurinista Linda Muir. Todos mergulharam fundo no folclore romeno e suas histórias de vampiros que vagam pela região da Transilvânia. Eggers também recrutou um elenco competente, com atores tarimbados, que souberam caracterizar seus personagens com suas mentalidades do início século XIX e extraíram toda a dramaticidade das linhas de diálogo certeiras. E o diretor foi além, encontrou a fonte dos nossos medos: ele não está nas lendas e crendices que sobrevivem e se renovam ao longo das gerações; está na face da insanidade, que de repente nos encara e desnorteia; nos faz acreditar que o místico e o real são feitos da mesma matéria. É assustador! Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★★(5 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Robert Egger, o roteiro bem escrito, o excelente trabalho de atores, a trilha sonora envolvente e a concepção visual impecável.

O que surpreende: o diretor mergulha na mentalidade do século XIX e investiga o horror que se confunde entre o místico e a insanidade.

Imperdível. É cinema de alta qualidade.

Ficha técnica do filme Nosferatu

Ano de produção: 2024
Direção: Robert Eggers
Roteiro: Robert Eggers

Elenco:

Nicholas Hoult
Bill Skarsgård
Aaron Taylor-Johnson
Emma Corrin
Willem Dafoe
Lily-Rose Depp
Arthur Holmwood
Ralph Ineson
Simon McBurney
Adéla Hesová
Ella Bernstein
Milena Konstantinova
Meredith Diggins

Crítica | Sonhos de Trem: Clint Bentley entregou um drama contemplativo e visualmente deslumbrante

2026-05-16T23:01:53.818-03:00

Sonhos de Trem: direção de Clint Bentley

UMA JORNADA PELA VIDA

O curto romance Sonhos de Trem, escrito em 2011 pelo americano Denis Hale Johnson, oferece uma narrativa breve e sensível sobre a vida de um personagem lacônico; um homem comum, que nasceu, cresceu, trabalhou, construiu família, amou, sofreu e morreu enquanto o mundo ao seu redor insistia em girar com inércia transformadora. O filme Sonhos de Trem, dirigido em 2025 por Clint Bentley, é uma adaptação primorosa dessa história. Com ares de cinema independente, desfia uma narrativa fluente e orgânica, que combina imagens deslumbrantes, música envolvente e um texto aguçado, num resultado poético e emocionante. No cinema, esta obra aberta de grande valor literário nos chega como um pacote fechado, mas embrulhado em belo papel de presente!

Ótimas referências cinematográficas

Sei que os cinéfilos compenetrados torcerão o nariz para as comparações que ousarei fazer com os filmes Árvore da Vida e Dersu Uzala, mas vamos lá: o que me transportou para o primeiro filme foi a voz cativante do narrador onisciente (Will Patton), embalada pela música de Bryce Dessner, que remontam ao estilo e ao ritmo narrativo adotado por Terrence Malick. Ao segundo filme, cheguei graças à atitude introspectiva do protagonista diante do imperativo da natureza e da sua capacidade em extrair aprendizado das relações humanas, tratados com ímpeto universal por Akira Kurosawa. Sonhos de Trem, afinal, não vem embalado em um pacote tão fechado, não é mesmo?

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Sonhos de Trem: Clint Bentley filma um drama sensível e emocionante sobre um homem comum

A sinopse: as dificuldades para se reconstruir

O filme conta a história de Robert Grainier (Joel Edgerton), um lenhador que trabalha para a indústria ferroviária no estado do Idaho, durante a virada do século XX. Orfão, abandona a escola na juventude e vive como um trabalhador sem rumo, até conhecer Gladys Olding (Felicity Jones), com quem se casa e tem uma filha, Kate. Eles constroem uma casa e levam uma vida dura, mas proveitosa. Robert se ausenta por longos períodos, enquanto trabalha cortado árvores para a ferrovia. Conhece outros sujeitos comuns como ele e testemunha acontecimentos violentos e trágicos. A vida não o poupará da dor, impondo uma perda devastadora que o fará experimentar muita tristeza e testará sua capacidade de se reconstruir.

Uma adaptação brilhante

O diretor Clint Bentley tem no currículo o filme Jockey, de 2021 e a indicação para o Oscar de melhor roteiro adaptado pelo filme Sing Sing, que escreveu em parceria com Greg Kwedar. A dupla se debruçou sobre o roteiro de Sonhos de Trem, por vários anos, tentando transformar em filme um romance conciso, que fala principalmente sobre banalidades da vida – amor, família, trabalho, alegrias, tristezas, a morte rondando, o luto, a esperança... Os roteiristas sabiam que, para manter a profundidade emocional da história, precisariam desenvolver uma narrativa fluente e orgânica. Conseguiram.

Sonhos de Trem: Joel Edgerton em uma atuação contida, mas intensa

Conteúdo de alcance universal

Sonhos de Trem resvala na história da expansão territorial americana do início do século XX, mas o faz mantendo o alcance universal – todos nós já vivemos os desafios da modernidade, colecionamos relacionamentos no trabalho, guardamos na memória acontecimentos corriqueiros aos quais atribuímos significados, tivemos que nos afastar da família enquanto tentamos ganhar a vida... Cada espectador se identificará mais com uma ou outra passagem específica, mas certamente encontrará uma afinidade profunda com o protagonista.

Atuações intensas e contidas

A fotografia deslumbrante de Sonhos de Trem é assinada por Adolfo Veloso. Ele se vale apenas da luz natural e consegue superar todos os desafios técnicos, especialmente nas cenas noturnas, iluminadas apenas por velas. Como resultado, isso permitiu ao diretor Clint Bentley expressar com eloquência a verdade emocional dos seus personagens. É claro que a atuação lacônica e ao mesmo intensa de Joel Edgerton foi decisiva, sem contar que Felicity Jones, Kerry Condon e William H. Macy também contribuíram para elevar a qualidade dramática do filme.

Sonhos de Trem: a capacidade de se reconstruir depois de uma perda devastadora

Um incrível trabalho de edição

Como cinéfilo curioso, que adora especular, enxerguei Sonhos de Trem como o típico filme que nasce na moviola. Ao se basear em um romance curto, que se expressa de maneira breve e precisa, imagino que o diretor tenha se aproveitado de certa flexibilidade no roteiro para afinar a narrativa na hora da edição. Imagens, sons, narração em off, música incidental... Trabalhando com o editor Parker Laramie, Clint Bentley deve ter se concentrado em encontrar diferentes soluções, alterando sequências, lidando com flashbacks e impondo a dose certa de exposição e dramatização. Seu trabalho final esbanja maturidade e sensibilidade artística.

Faltou a religiosidade

Sonhos de Trem é sobre como nós, humanos, somos capazes de nos reconstruir, mesmo depois de uma perda devastadora. Como nos reencontramos e ousamos seguir com a vida, ainda que a noção de finitude continue assombrando de um jeito fantasmagórico. Apesar da profunda melancolia que irradia, o filme consegue chegar ao final acenando com alguma dose de otimismo. Confesso, no entanto, que senti falta do conteúdo religioso. Os realizadores mantiveram distância das questões espirituais – o tema é tratado pelo protagonista apenas ao nível das superstições e de uma religiosidade primitiva. Mas isso é uma questão filosófica é um posicionamento pessoal dos autores, que não interfere no resultado estético do filme. Estamos diante de uma obra relevante, que merecer estar entre os melhores filmes de 2025. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★★(5 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção criativa de Clint Bentley, o roteiro bem costurado, a narrativa fluente, a fotografia deslumbrante, a trilha sonora envolvente e as atuações precisas.

O que impressiona: a adaptação ampliou o alcance do romance, adicionando sensibilidade artística por meio de elementos narrativos cinematográficos bem articulados.

Imperdível. É cinema de alta qualidade.

Ficha técnica do filme Sonhos de Trem

Título original: Train Dreams
Ano de produção: 2025
Direção: Clint Bentley
Roteiro: Clint Bentley e Greg Kwedar

Elenco:

Joel Edgerton
Felicity Jones
Kerry Condon
William H. Macy
Will Patton
Nathaniel Arcand
John Diehl
Paul Schneider
Clifton Collins Jr.
Alfred Hsing
Chuck Tucker
Rob Price
Beau Charles
Johnny Arnoux
John Patrick Lowrie
Branden Lindsay

Dica | Garimpo nos Streamings: filmes disponíveis nesse mês nas plataforma de streaming

2026-03-30T14:19:00.005-03:00

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Veja aqui uma lista com alguns filmes disponíveis nas plataformas de streaming neste mês, que merecem ser conferidos. Clique no link e baixe o PDF com os destaques da Crônica de Cinema.

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Dica | Vai passar nas Telonas: veja os destaques deste mês que merecem ser conferidos nos cinemas

2026-03-27T17:04:00.004-03:00

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Quer saber o que você encontrará nas salas de exibição durante este mês? Clique no link e baixe o PDF com os destaques da Crônica de Cinema.

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Crítica | Pecadores: Ryan Coogler mistura blues, gângsteres e vampiros em uma obra envolvente

2026-03-25T00:24:00.061-03:00

Pecadores: todo o cinema de qualidade que se espera de Ryan Coogler

BLUES, GÂNGSTERES E VAMPIROS NO MESMO FILME? FAZ TODO O SENTIDO!

Aos 17 anos, cursava eletrônica na Escola Técnica, mas ardia em arrependimento; descobri que me faltava talento para as ciências exatas e pus na cabeça que abraçaria outra profissão: me tornaria um publicitário. Havia, porém, um último semestre a ser vencido antes de tentar o vestibular. O problema é que não podia reprovar em português. Para ser aprovado, todo aluno era obrigado a apresentar uma palestra de no mínimo vinte minutos sobre um tema de sua livre escolha.

Adivinhe sobre o que resolvi palestrar? Blues!

Meu professor marcou a data e lá fui eu, ler e pesquisar – na época, fazíamos isso na biblioteca. Emprestei LPs dos parentes e amigos e fucei as lojas de discos... andava por toda parte com meu gravador, tentando montar a trilha sonora da minha palestra. Gostei tanto do assunto que virei um amante da música – com o tempo, tornei-me um músico diletante.

Você já viu esse tema em outros filmes?

Li muito sobre como os escravos africanos, os imigrantes chineses e os latinos se misturaram com os europeus musicalmente letrados, lá no tal Delta do Mississipi do início do século XX. Deram à luz uma música vibrante e mágica: o blues e suas variações, que puxaram o jazz, o rock e tudo o mais o que acabou incluído no cardápio da cultura pop. O cinema já explorou o tema com ótimas produções: lembro de ter me deliciado com A Encruzilhada, Os Irmãos Cara-de-pau, Mais e Melhores Blues e, especialmente, The Blues, a série de documentários dirigidos por Martin Scorsese.

Ouvi muito blues ao longo da minha vida, mas nunca me iludi: este cronista branco, descendente de polacos, nascido e criado em Curitiba, uma cidade sem qualquer conexão com a black music brasileira (quem dirá americana?), jamais seria totalmente íntimo de um gênero tão... étnico.

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Pecadores: o filme enfatiza a musicalidade

Posso não ter me tornado íntimo, mas até hoje me relaciono socialmente com o blues; tanto é que, de todos os filmes ventilados nessa última temporada do Óscar, o primeiro ao qual assisti foi Pecadores, escrito e dirigido em 2025 por Ryan Coogler. Ah, caro cinéfilo, pode ter certeza de que esse é um filme sobre o blues e suas raízes culturais, mas também é sobre... vampiros! Mas espere! Antes de rotulá-lo como cinema trash, lembre-se de que há pertinência na mistura dos dois temas; há incontáveis lendas e histórias sobre músicos vendendo a alma ao diabo em troca de talento, sobre as pregações religiosas que tentavam manter os homens afastados dos redutos pecaminosos, sobre os racistas encapuzados impondo injustiças a granel, sobre a cultura do mais forte vampirizando a dos mais fracos, até tudo entornar em um espesso caldo cultural fervente de ressentimentos e... tristeza.

Colhendo almas atormentadas

Pecadores faz todo o sentido. Basta examinar a sinopse: o filme conta a história dos irmãos gêmeos idênticos, Smoke e Stack (interpretados por Michael B. Jordan), que se cansaram de trabalhar para os gângsteres de Chicago; em plena lei seca, na década de 1930, eles decidem retornar ao Delta do Mississipi e abrir o seu próprio juke point – um dos tantos “redutos pecaminosos” onde os negros que colhiam algodão iam em busca de bebida e diversão. Logo na noite de inauguração, porém, algo de sobrenatural acontece: atraídos pela música envolvente do talentoso Sammie (Miles Caton), o sinistro irlandês Remmick (Jack O'Connell), decide se apoderar do local e de todas as almas atormentadas que estão lá apenas para se divertir. Será uma longa noite de terror e de escolhas decisivas para todos.

Pecadores: os vampiros também esbanjam musicalidade

Coogler e Göransson: parceria audiovisual

O diretor Ryan Coogler alcançou uma posição privilegiada em Hollywood; depois do sucesso de seu filme de estreia em 2013, Fruitvale Station, ele foi escalado para assumir a franquia Rocky e veio com o aclamado Creed. Seus filmes para a Marvel, Pantera Negra e a sequência, engordaram tanto as bilheterias que lhe permitiram escolher seu próximo projeto a partir de critérios puramente pessoais; e ele escolheu manter o foco na trilha sonora, nos personagens complexos, nas referências culturais e na abordagem social da trama. Escreveu Pecadores como um filme sobre música e, para tanto, fez questão de continuar com sua parceria com o experiente compositor sueco Ludwig Göransson.

Pecadores: Michael B. Jordan contracena com ele mesmo

Coogler e Göransson percorreram o circuito do blues no Mississipi e se aprofundaram nas várias lendas que já se cristalizaram no imaginário do público – como a que diz que Robert Johnson, um guitarrista comum, despontou como o maior de todos depois de ter feito um pacto com o próprio capiroto! O diretor criou seus personagens a partir de clichês consagrados: o gângster, o pastor, a cantora, o trabalhador rural, o pianista, o comerciante chinês, o membro da Ku Klux Klan... Depois, colocou todos diante de dilemas morais e deixou que fizessem suas escolhas. Terminou com um filme de terror sobrenatural sobre gângsteres.

Como numa apresentação ao vivo!

Não darei spoilers, caro cinéfilo, mas gostaria de ressaltar uma das cenas mais envolventes do filme; é quando o juke point dos irmãos Moore está em pleno funcionamento e a música preenche todo o ambiente. O diretor constrói um momento mágico, onde evoca “os espíritos do passado, do presente e do futuro” e os reúne numa deliciosa performance musical, que combina sonoridades de várias épocas. Tudo é realizado num belo plano-sequência, executado com tanta maestria que consegue trazer para o espectador a sensação de estar diante de uma apresentação ao vivo. Coogler conseguiu retratar aquele tipo de interação que se estabelece entre o artista no palco e o espectador na plateia, durante o momento único de um show.

Achei o filme proveitoso. E você?

Pecadores é uma produção competente, que merece todos os prêmios que conquistou. Há muito charme, talento e virtuosismo em cena, pelo menos na primeira metade do filme, quando vemos os preparativos para os vampirismos que virão; depois, há uma boa dose de bizarrices e situações grotescas, suficientes para irritar os mais sensíveis – e para divertir os apreciadores do gênero. Como fã do blues, considerei o filme bastante proveitoso, tanto que me animei a evocar os meus próprios espíritos do passado; lembrei-me dos detalhes da minha palestra do primeiro parágrafo e de como despertei a curiosidade dos meus colegas pragmáticos – no começo, mais preocupados com a exatidão das ciências, no final, tamborilavam nas carteiras, no ritmo cadenciado do blues. Fui aprovado em português e pude seguir em frente. Virei publicitário!

E quanto a você? Que motivos encontrou para assistir ao filme Pecadores? Foi a promessa de boa música? Foi a adrenalina do terror psicológico? Conte-me aqui nos comentários! E se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: é um filme cheio de musicalidade e realizado com virtuosismo.

O que incomoda: quem não gosta de terror sobrenatural pode se incomodar.

Vale a pena. É envolvente e tem ótimas atuações.

Ficha técnica do filme Pecadores

Título original: Sinners
Ano de produção: 2025
Direção: Ryan Coogler
Roteiro: Ryan Coogler

Elenco:

Michael B. Jordan
Hailee Steinfeld
Miles Caton
Buddy Guy
Jack O'Connell
Wunmi Mosaku
Jayme Lawson
Omar Miller
Delroy Lindo
Li Jun Li
Yao, Lola Kirke
Peter Dreimanis
David Maldonado
Saul Williams
Helena Hu
Andrene Ward-Hammond
Nathaniel Arcand
Tenaj L. Jackson
Nicole Banks

Crítica | Frankenstein: Guillermo del Toro realizou um espetáculo audiovisual irretocável

2026-03-06T17:59:00.034-03:00

Frankenstein: criador e criatura em busca de respostas

EXCELENTE. SÓ NÃO PRECISAVA DAQUELA NARRAÇÃO EM OFF!

Com seu livro Frankenstein; ou, O Prometeu Moderno, a escritora inglesa Mary Shelley criou um mito na acepção filosófica. Pôs em palavras a angústia que a humanidade experimentava naquele comecinho de século XIX, diante de um cientificismo cada vez mais dominante; aproveitando que nos esforçávamos para exercer as funções de Deus, ela criou um monstro feito com partes de nós e o animou por meio de uma eletricidade que ainda cheirava a magia. Passados 200 anos, sua criatura continua imortal, vagando pela cultura pop com incrível vitalidade – ganhou materialidade quando assumiu as feições de um Boris Karlof, porém, jamais enganou o público: não é humano! Está mais para um arremedo de gente, que nos inspira medo, repulsa e um bom tanto de pena.

Nós somos os criadores

Sim, o que Mary Shelley criou foi uma boa oportunidade para discutir sobre o que nos torna humanos, dúvida que ainda nos persegue, já que não paramos de criar homens artificiais – robôs, androides, clones, replicantes e toda sorte de seres cada vez mais moldados à nossa imagem e semelhança, porém, desprovidos de alma. A autora também foi habilidosa em nos transportar para o lado oposto daquele que costumávamos ocupar, quando raciocinávamos sobre a interação entre o criador e sua criatura – de repente, éramos nós a arcar com a responsabilidade de atender os pedidos e orações; de compreender, perdoar, amar e dar esperanças.

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Frankenstein: uma nova concepção visual para a criatura

O raiar da ficção científica

Ao misturar elementos do romance gótico com especulações sobre as prováveis conquistas da ciência, a autora inglesa produziu as faíscas da ficção científica. Utilizou uma técnica consagrada na literatura: a narrativa em moldura, que conta uma história envolvente dentro de outra, criada para gerar credibilidade. Seu romance, portanto, consiste nas cartas escritas pelo capitão de um navio que rumava para o Polo Norte, mas encalhou numa crosta de gelo. Primeiro ele se deparou com o tal monstro, depois, com o próprio Doutor Victor Frankenstein, encontrado já à beira da morte. Enquanto relata o que ouviu do médico – e depois dá a versão revelada pelo próprio monstro –, o capitão fascina o leitor com possibilidades plausíveis, mas avisa: elas devem permanecer encaixotadas em limites éticos, sob pena de virar pesadelo.

Retomando a visão original de Mary Shelley

O fato é que essa história sobre o monstro movido a fúria e violência parece ter sido criada sob medida para o cinema; o audiovisual só fez ampliar o seu impacto e a deixou mais excitante, tensa e envolvente. Dezenas de filmes foram realizados, propondo as mais diferentes versões: góticas, impressionistas, escatológicas, romanceadas, compenetradas e até cômicas. Então, em 2025, vem o premiado diretor Guillermo del Toro e nos apresenta a Frankenstein, uma versão mais próxima daquela criada por Mary Shelley, ainda que recheada com intervenções pessoais.

Frankenstein: como no livro de Mary Shelley, começa no Polo Norte

Como no livro, seu filme começa no Polo Norte, onde o Capitão Anderson (Lars Mikkelsen) e seus homens encontram Victor Frankenstein (Oscar Isaac) e conhecem a fúria de um mostro dotado de superpoderes – imune a tiros e explosões, mais parece ter saído de um quadrinho da Marvel! Moribundo, o médico passa a narrar sua história desde a infância; conta como, por meio do seu irmão, William (Felix Kammerer), foi financiado pelo fabricante de armas, Henrich Harlander (Christoph Waltz), e sua sobrinha, Elizabeth (Mia Goth). Depois de muito trabalho, Victor traz à vida uma criatura única (Jacob Elordi), que apesar de monstruosa é um livro em branco, a ser preenchido com o que lhe for dado viver – e a sua versão da história também será apresentada.

Mudanças pontuais, mais palatáveis para o cinema

Fascinado por essa história desde garotinho, o diretor Guillermo del Toro planejava realizar Frankenstein há décadas. Quando finalmente viabilizou seu projeto, percebeu que precisaria fazer algumas modificações na trama, para que ela funcionasse nas telas. Escreveu um roteiro agarrado à estrutura do livro, mas criou o personagem do rico financiador e sua sobrinha, por quem Victor Frankenstein se apaixona. Também retratou o relacionamento conturbado entre o médico e seu pai, criando um fundo psicológico para justificar as loucuras do protagonista.

Frankenstein: a excelência visual é marca registrada de Guillermo del Toro

O ponto forte de Frankenstein está na sua concepção visual. O filme é um espetáculo grandioso, com figurinos, cenários e objetos de cena impecáveis. Palhetas de corres escolhidas de acordo com o momento narrativo, movimentos de câmera precisos, planos calculados para colocar o espectador na distância certa dos acontecimentos... Como já vimos em outros filmes com a grife Guilhermo del Toro, como A Forma da Água, Pinocchio, O Labirinto do Fauno e até Hellboy, a direção de arte se torna, ela mesma, um elemento narrativo, com poder hipnótico sobre o espectador.

Quem é o verdadeiro monstro, afinal?

Guilhermo del Toro decidiu humanizar o seu monstro. Interpretado com brilhantismo por Jacob Elordi, ele domina a tela com uma inesperada emotividade; sua fúria é sempre uma resposta às provocações e seu maior desejo é livrar-se da imortalidade, para assim poder levar uma vida plena. Chegamos a pensar que Victor Frankenstein é o verdadeiro monstro; enlouquecido em sua ânsia de vencer a morte, não consegue se lembrar onde está localizado o próprio coração.

Não precisava da narração em off!

Assisti a Frankenstein com os olhos arregalados, tentando alcançar todos os detalhes que saltam da tela; suas duas horas e meia de duração passaram num piscar de olhos e, durante os créditos finais, já fazia planos para revisitar o filme. Porém, devo confessar que um detalhe me irritou profundamente: a desnecessária narração em off que o diretor fez questão de meter ao longo de todos os atos. Por que raios ele insistiu na redundância e obrigou seus personagens a recitar um texto tão esnobe? A narrativa visual impecável, em conjunto com a excelente trilha sonora assinada por Alexandre Desplat, já seria suficiente para guiar o espectador. Já seria cinema suficiente para fazer jus à obra de Marry Shelley. No lugar de Guilhermo del Toro – olha só que presunção! – já pensaria em planejar um novo corte, sem a irritante narração em off.

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Veredito da crônica de cinema

★★★★☆ (4 / 5 estrelas)

O que brilha: a estética visual impecável e a humanidade que Jacob Elordi traz ao monstro.

O que decepciona: a narração em off redundante que subestima a inteligência do espectador.

Acima da média. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme Frankenstein

Ano de produção: 2025
Direção: Guillermo del Toro
Roteiro: Guillermo del Toro

Elenco:

Oscar Isaac
Christian Convery
Jacob Elordi
Mia Goth
Felix Kammerer
David Bradley
Lars Mikkelsen
Charles Dance
Christoph Waltz
Kyle Gatehouse
Lauren Collins
Sofia Galasso
Ralph Ineson
Burn Gorman
Nikolaj Lie Kaas

Crítica | Casa de Dinamite: Kathryn Bigelow retorna aos filmes de ação com uma angustiante contagem regressiva

2026-02-28T19:52:00.041-03:00

Casa de Dinamite: direção de Kathryn Bigelow

UMA MENSAGEM PESSIMISTA

Misseis riscando o céu, ameaçadores, nos lembram que sempre há a possibilidade de uma guerra em escala mundial. Nos acostumamos a vê-los pipocando nos noticiários da TV, principalmente os que cobrem os ataques feitos contra Israel por seus inimigos islâmicos – o tal Domo de Ferro, capaz de detectar os mísseis e interceptá-los em pleno voo é um alento, que nos garante alguma sensação de segurança e proteção. Mas e se algum deles escapar? E se algum deles estiver carregando uma ogiva nuclear?

E por falar no fim do mundo...

Desde que Stanley Kubrick filmou Dr. Fantástico, em 1964, a humanidade jamais conseguiu relaxar. São enormes as cEhances de que algum maluco com acesso ao botão do fim do mundo decida fazer uma piada sem graça. Mais tarde, em filmes como Treze Dias Que Abalaram o Mundo, sobre crise dos mísseis cubanos, ficamos sabendo que o tema não tem graça nenhuma – é de meter medo! Agora, chegou a vez de Kathryn Bigelow, a diretora que se especializou em filmes de ação, tocar nesse assunto delicado; seu filme Casa de Dinamite, lançado em 2025, é um thriller político repleto de tensão e sentido de urgência.

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Casa de Dinamite expõe a cadeia de decisões do governo americano

Não é um filme de catástrofe

O filme nos mostra qual seria a reação dos governantes e militares no poder, caso um míssil balístico intercontinental fosse lançado, sem mais nem menos, contra uma grande cidade americana. E assim como você, caro cinéfilo, quando li a chamada para o filme na plataforma de streaming, também visualizei a mesma cena: um projétil se choca contra um aglomerado de edifícios e explode, levantando uma nuvem de fogo e fumaça que se espalha com velocidade hipersônica e engole uma cidade inteira, com idêntica sede de extermínio do tal meteoro que trouxe um péssimo dia para os dinossauros. Por óbvio que apertei o play! Filmes de catástrofe ainda têm um apelo divertido. Descobri, porém, que Casa de Dinamite não é um filme de catástrofe, nem está interessado em exibir cenas que os cinéfilos já estão acostumados a ver por aí. Quer justamente falar sobre o que não vemos todos os dias: o aparato secreto que os governantes usam para tentar sobreviver ao apocalipse.

Credibilidade e verossimilhança

Casa de Dinamite é resultado da colaboração entre Kathryn Bigelow e Noah Oppenheim. A primeira, que já foi casada com o diretor James Cameron, dirigiu ótimos filmes, como Caçadores de Emoção, Guerra ao Terror e A Hora Mais Escura. O segundo, ex-jornalista e ex-presidente da rede de TV NBC, tem as melhores credenciais para falar sobre o mundo da política e seus bastidores. Enquanto ela garantiu um discurso audiovisual competente e focado em bons personagens, ele escreveu um roteiro enxuto, mas denso de informações. Conseguiram credibilidade e verossimilhança. Antes de entrar em mais detalhes, deixe-me descrever a sinopse do filme:

Casa de Dinamite: quem tem nas mãos a responsabilidade pelo juízo final

Decifrando a cadeia de decisões

Assim que o sistema de defesa detecta o lançamento de um míssil na direção do território americano, a capitã Olivia Walker (Rebecca Ferguson), encarregada da Sala de Situação da Casa Branca, e o seu chefe, o almirante Mark Miller (Jason Clarke), dão início a uma videoconferência com as principais autoridades: o Secretário de Defesa, Reid Baker (Jared Harris), o General do Comando Estratégico, Anthony Brady (Tracy Letts), o conselheiro de segurança, Jake Baerington (Gabriel Basso) e o Presidente dos Estados Unidos, (Idris Elba). Eles têm 18 minutos para eliminar a ameaça. As tentativas de interceptar o míssil fracassam e a arma nuclear está na direção de Chicago. A cadeia de decisões se vê diante de uma situação limite, com níveis de estresse inimagináveis. Enquanto isso, o relógio está correndo!

Apelando para o efeito Rashomon

Sim, Casa de Dinamite se vale do velho truque da contagem regressiva para criar tensão e mostrar seus personagens sendo obrigados a tomar decisões urgentes e cruciais. A questão é que 18 minutos é um período de tempo curto demais para sustentar um longa-metragem. Qual foi a solução encontrada pelos realizadores? Lançaram mão de outro velho truque narrativo: o Efeito Rashomon, usado pela primeira vez pelo cineasta japonês Akira Kurosawa, em seu clássico de 1950 intitulado Rashomon. Lá, o assassinato de um samurai e o estupro de sua mulher são mostrados quatro vezes seguidas, cada uma apresentando o ponto de vista de uma testemunha diferente. Dessa forma, o diretor conseguiu um efeito dramático carregado de tensão e suspense, colocando o espectador ansioso para encontrar a verdade ao final.

Casa de Dinamite: o aparato tecnológico não é garantia de nada

Montando o quebra-cabeças

Os realizadores de Casa de Dinamite decidiram dividir o filme em três capítulos, onde os mesmos fatos se repetem. Contudo, ao contrário do que já vimos em outros filmes similares, não há divergências entre as versões narradas; apenas alguns detalhes expositivos são acrescentados a cada repetição, para que o espectador passa montar o quebra-cabeças. O truque funciona, graças ao roteiro bem costurado e à habilidade da diretora em lidar com os elementos de ação e suspense.

Alimentando o medo do grande público

O que mais me chamou a atenção foi a convincente recriação do aparato de telecomunicações que está à disposição dos tomadores de decisão. O filme também mostra como as informações circulam com agilidade e as decisões são tomadas de forma orgânica. A verossimilhança, no entanto, ficou por conta da habilidade em lidar com a carga emocional dos personagens, que revela os seres humanos por trás das traquitanas tecnológicas.

Na essência, Casa de Dinamite é um filme pessimista

Para os militares, não é nada disso!

A principal mensagem que Casa de Dinamite nos deixa é essencialmente pessimista: acaba com as nossas esperanças de que um tal Domo de Ferro possa nos proteger contra ameaças nucleares. Como desabafa o fictício Secretário de Defesa em certa cena, as chances de sucesso correspondem a um reles cara ou coroa; seria como acertar uma bala com outra bala! Os especialistas militares contestaram tal afirmação: garantem que a eficiência dos seus aparatos chega a 100% e não a 61%, como mostra o filme. Bem, fica aqui a palavra dos líderes militares contra a eloquência da máquina de Hollywood, que adora meter medo no grande público.

Faltou a destruição explícita

Casa de Dinamite é um thriller angustiante, mas envolvente. Nos deixa grudados na poltrona, loucos para saber como a cidade de Chicago terminará evaporada com fúria apocalíptica. Mas quem espera pela cena previsível que descrevi lá no começo desta crônica, vai se decepcionar. Os realizadores preferiram omiti-la – o público já está careca de ver esse tipo de catástrofe encenada com a ajuda de truques digitais. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: o domínio da diretora Kathryn Bigelow sobre a linguagem dos filmes de ação e a precisão do roteiro.

O que decepciona: quem espera cenas de catástrofe, fica a ver navios.

Vale a pena. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme Casa de Dinamite

Título original: A House of Dynamite
Título em Portugal: Prestes a Explodir
Ano de produção: 2025
Direção: Kathryn Bigelow
Roteiro: Noah Oppenheim

Elenco Principal:

Idris Elba
Rebecca Ferguson
Gabriel Basso
Jared Harri
Tracy Letts
Anthony Ramos
Moses Ingram
Jonah Hauer-King
Greta Lee
Jason Clarke
Malachi Beasley
Brian Tee
Brittany O'Grady
Gbenga Akinnagbe
Willa Fitzgerald
Renée Elise Goldsberry
Kyle Allen
Kaitlyn Dever
Francesca Carpanini
Abubakr Ali
Angel Reese

Crítica | Calígula: O Corte Final: por que cortaram o sexo?

2026-02-27T18:42:00.026-03:00

Tinto Brass e Gore Vidal renegaram Calígula: lixo cinematográfico

UM FILME REVISIONISTA, SEM A MESMA VOCAÇÃO PARA O ESPETÁCULO

Nos anos 1970, Bob Guccione era um pornógrafo de sucesso. Dono da revista Penthouse, investiu algum dinheiro em produções de cinema e gostou da experiência; desenvolveu uma ambição peculiar: criar seu próprio gênero cinematográfico. Imaginou um drama épico de relevância histórica e sólidos valores artísticos, misturado com cenas de sexo explícito. Concluiu que Calígula – o tirânico imperador romano que os livros de história registraram como um louco com delírios de grandeza –, seria o protagonista ideal para transmitir credibilidade com um bom tanto de lascívia. Pronto! Deu início ao mais caro filme independente até então já produzido.

Nada como um verniz para o acabamento

Guccione contratou o consagrado escritor Gore Vidal para escrever o roteiro e o diretor italiano Tinto Brass para garantir uma abordagem erótica com estética caprichada. Para obter o necessário verniz dramático, recrutou atores com reconhecido talento, como Malcolm McDowell, Peter O'Toole O'Toole, Helen Mirren e John Gielgud. E decidido a não economizar, contratou o premiado design de produção Danilo Donati, que trazia vários filmes de Fellini e Zeffirelli no currículo, para erguer os mais luxuosos e imponentes cenários. O que poderia dar errado? Muita coisa!

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Calígula: O Corte Final: Malcolm McDowell em ótima atuação

Sucesso nas bilheterias, fracasso entre os críticos

Antes de falar dos erros, porém, vamos aos acertos: o faro comercial de Bob Guccione estava bem calibrado. Calígula, lançado em 1979, teve um ótimo desempenho nas bilheterias de todo o mundo; as polêmicas cenas de sexo explícito atraíram a curiosidade do público e os embates jurídicos entre Guccione e todos os seus contratados, que renegaram o filme por considerá-lo um verdadeiro lixo cinematográfico, retroalimentaram um debate acalorado.

Consagrado pelo mau gosto

Mais tarde, com o advento do videocassete, o filme não encontrou lugar nas prateleiras das locadoras; não era propriamente um filme pornô, já que as produções do gênero enveredaram por caminhos menos... dramatúrgicos; também não era um drama com credibilidade, já que suas qualidades estéticas acabaram diluídas em idiossincrasias eróticas. Calígula caiu na irrelevância, etiquetado como a mais cara produção de mau gosto já realizada. Virou um fóssil, lembrança de uma época de licenciosidades exageradas. Até que o produtor Thomas Negovan, fazendo-se de arqueólogo cinematográfico, desenterrou o emaranhado de polêmicas e descobriu que havia, afinal, um filme embrulhado lá dentro.

O novo corte de Calígula tem três horas de duração e uma narrativa arrastada

Remasterizado e revisado

Contratado pelos herdeiros da Penthouse para fazer a curadoria do legado de Bob Guccione, Thomas Negovan dispendeu três anos em um minucioso trabalho de restauração. Estudou quase 100 horas de material bruto filmado por Tinto Brass em 1976 e reeditou o filme com a ajuda do editor Aaron Shaps. Em 2023, lançou Calígula: O Corte Final, um filme com três horas de duração, totalmente remasterizando em 4k de alta definição.

Na verdade, você ainda não viu esse filme!

Negovan não usou um único fotograma do corte original. Escolheu cenas alternativas, onde os atores entregaram seu melhor desempenho; priorizou os planos abertos, para ressaltar os belos cenários; reordenou as cenas para contornar os defeitos narrativos e usou uma nova trilha sonora, sintonizada com a atmosfera épica da obra. E o mais significativo: eliminou todas as cenas de sexo explícito filmadas à revelia de Tinto Brass e salpicadas ao longo do filme original.

Calígula: O Corte Final: nada do filme original foi utilizado

Longe demais com a loucura

É claro que os diálogos permanecem os mesmos. Thomas Negovan afirma que seguiu o roteiro original escrito por Gore Vidal, embora não tenha obtido o aval do autor. Ainda que tenha ganho uma hora a mais de duração, Calígula: O Corte Final, conta rigorosamente a mesma história: o jovem Calígula (Malcolm McDowell) assume o lugar do tio-avô, Tibério (Peter O'Toole O'Toole), depois que o general Macro (Guido Mannari) o mata sem piedade. Exercendo o poder com gosto, Calígula se dedica a gastar os recursos do império e levar uma vida de luxúria ao lado da irmã, Drusila (Teresa Ann Savoy). Casa-se com Cesônia (Helen Mirren), na esperança de que ela lhe dê um filho para continuar sua dinastia, mas é consumido pela insanidade, que o leva a atos cada vez mais contrários aos interesses do senado. Quem decide pôr fim nessa loucura são seus próprios conselheiros, Longino (John Steiner) e Quereia (Paolo Bonacelli).

O esforço é para se parecer com um filme... certinho!

Por mais que seja vendido como resultado de um trabalho de restauração, não se pode negar: Calígula: O Corte Final é, sim, uma obra revisionista, já que a visão original de Bob Guccione foi descartada. Era de mau gosto? Sim! Mas agregou um sentido de depravação e decadência que impregnou de significados o mundo da política; desenhou um retrato perfeito da combinação de sexo e poder que ainda hoje parece embriagar nossos governantes – veja os recentes casos do magnata Jeffrey Epstein e das festas sigilosas dos corruptos ligados às falcatruas do Banco Master!

Calígula: O Corte Final: a combinação recorrente de sexo e poder

Uma nova sequência de abertura

Sem as polêmicas cenas de sexo explícito – filmadas nos mesmos cenários pelo diretor Giancarlo Lui depois que Tinto Brass foi demitido –, Calígula: O Corte Final parece se esforçar para parecer um filme... certinho. Thomas Negovan aparou muitas arestas narrativas e impôs um ritmo mais apropriado ao fluxo dramático. Também trapaceou, aplicando efeitos de computação gráfica em alguns cenários ainda inacabados durante as filmagens, mas é do jogo! E reservou a principal alteração para a sequência de abertura, animada pelo quadrinista e ilustrador britânico Dave McKean, que recriou o pesadelo de Calígula e deu sentido à narrativa.

Um personagem odioso, que gostaríamos de esquecer

Quem mais saiu ganhando com a nova versão foram os atores Malcolm McDowell e Helen Mirren, que já se manifestaram favoráveis aos resultados alcançados por Thomas Negovan; entregaram interpretações competentes, à altura do que se espera de astros consagrados. Aliás, é na densidade dramática que os cinéfilos encontrarão uma boa justificativa para assistir a Calígula: O Corte Final; no mais, a obra se configura longa e arrastada, enquanto retrata à exaustão um personagem odiável, cercado de bajuladores desprezíveis.

O novo corte de Calígula revela as ótimas atuações de Malcolm McDoewll e Helem Mirren

A versão original tinha uma clara vocação para o espetáculo e trazia elementos de sobra para arrebatar a plateia. O novo corte se concentra num conteúdo esquecível que, se tivesse sido lançado em 1979, jamais alcançaria o mesmo sucesso nas bilheterias. Não estaríamos aqui, falando sobre esse filme que todos adoram detestar, mas que ninguém deixou de dar uma espiadinha... só para conferir! Se você quer mais dicas de bons filmes, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: as ótimas atuações de Malcolm McDowell e Helen Mirren.

O que não funciona: sem a inclinação para o espetáculo, ficamos apenas com o incômodo de um protagonista odioso, cercado de bajuladores.

Vale a pena. É um curioso exercício de cinema comparado.

Ficha técnica do filme Calígula: O Corte Final

Título original: Caligula: The Ultimate Cut
Ano de produção: 2023
Direção: Tinto Brass
Roteiro: Gore Vidal

Elenco Principal:

Malcolm McDowell
Helen Mirren
Teresa Ann Savoy
Peter O'Toole
John Gielgud
Guido Mannari
Giancarlo Badessi, Bruno Brive
Adriana Asti
Leopoldo Trieste
Paolo Bonacelli
John Steiner
Mirella D'Angelo
Donato Placido
Osiride Pevarello
John Francis Lane
Eduardo Bergara Leumann
Andrew Lord Miller

Crítica | Apocalypto: é assim que se vence o medo!

2026-02-25T11:10:00.020-03:00

Apocalypto: direção de Mel Gibson

A VIOLÊNCIA COMO RESPOSTA AUTOMÁTICA

Quando as ideias econômicas dos marxistas naufragaram irrecuperavelmente, o que fizeram os pensadores da esquerda? Agarraram-se à filosofia de Jean-Jacques Rousseau, o escritor suíço do século XVI, expoente do iluminismo; suas ideias forneceram munição tanto para os liberais como para os comunistas, mas foram estes últimos que se esbaldaram na sua visão de mundo coletivista. Para Rousseau, os problemas da humanidade começaram quando decidimos conviver em sociedade e instituímos a propriedade privada. Deduziu que o homem nasce bom, mas a sociedade o corrompe; emplacou o conceito do “bom selvagem”, que vivia em perfeita harmonia com a natureza, sem vícios ou maldades, até que veio o processo civilizatório e infundiu-lhe todo o mal. A narrativa colou!

Barbárie x civilização

Basta percorrer algumas poucas páginas da nossa história para entender que é justamente o contrário: o mal sempre esteve lá, o tempo todo fustigando nossa convivência, até que a civilização greco-romana impôs regramentos éticos e morais que viabilizaram nossa existência em sociedade. Nos anos Antes de Cristo, certas barbaridades nem eram crimes; Depois de Cristo, ficou clara a diferença entre o certo e o errado, cada indivíduo que fizesse a própria escolha.

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Apocalypto: Mel Gibson só queria fazer um filme de perseguição

A violência como resposta ao medo

Enquanto isso, no Novo Mundo da virada dos anos 1500, o embate entre o bem e o mal seguia intenso entre os tais povos originários. E as guerras ente eles eram regidas por um pavoroso vale-tudo – o poder, conquistado e exercido com o uso da violência ilimitada, era o fim que justificava todos os meios; mandavam os mais fortes, obedecia quem preferia continuar vivo. O “bom selvagem” – aquele em harmonia com as questões ambientais – não exercia seu papel em tempo integral; cultivava a violência na maior parte do tempo, enquanto lutava contra perigos pavorosos – o pior deles vinha das tribos rivais.

Uma história primitiva

Quem decidiu visitar essa realidade foi o diretor Mel Gibson, no seu filme Apocalypto, realizado em 2006. Interessado em rodar um filme de perseguição com muita ação, ele inventou uma história simples e primitiva, onde conseguiu retratar o medo primordial que o homem certamente experimentou enquanto lutava para sobreviver na natureza selvagem. Mel Gibson escreveu em parceria com Farhad Safina, o produtor e diretor de TV que o ajudou na pós-produção de A Paixão de Cristo; ambientaram a história na península de Iucatã, durante o período da civilização Maia, antes da chegada dos espanhóis. Vejamos como ficou a sinopse do filme:

Apocalypto: um retrato do medo primordial

Sobrevivendo à fúria dos homens

Apocalypto conta a história de Jaguar Paw (Rudy Youngblood), um hábil caçador que vive numa pequena aldeia com sua mulher grávida, Seven (Dalia Hernández), e seu filhinho, Turtles Run (Carlos Emilio Báez). Eis que, sem qualquer aviso, um grupo comandado por Zero Wolf (Raoul Trujillo) invade a aldeia e promove um massacre. Jaguar Paw sobrevive, depois de esconder sua família em um poço; é feito prisioneiro junto com uns poucos sobreviventes e levado até uma cidade Maia, onde as mulheres são vendidas como escravas. Os homens, no entanto, serão levados até o topo de uma pirâmide e mortos num ritual de sacrifício macabro: terão seus corações arrancados do peito, as cabeças decepadas e os corpos atirados em uma vala comum, tudo para aplacar a fúria dos deuses que estão impondo um período de fome e doenças. Jaguar Paw terá que sobreviver e voltar para a aldeia, para tentar salvar a mulher e o filho que correm perigo. Acontece que terá no seu encalço um enfurecido Zero Wolf, que se revela o mais implacável dos perseguidores.

Autenticidade e realismo

Mel Gibson filmou Apocalypto nas selvas de Catemaco, no estado mexicano de Vera Cruz, em locações que permitiram contar sua história com um realismo impressionante. A produção exigiu uma infraestrutura complexa e o clima local acabou estendendo o período de filmagens para além do cronograma previsto; o resultado, entretanto, foi compensador: o filme vem carregado de tensão e aflição, mostrando que a fúria do meio ambiente só piora o desconforto, enquanto os personagens mergulham em seus delírios de crendices e simbolismos.

Apocalypto: o povo maia também era dado aos sacrifícios humanos

Os especialista torceram o nariz

Para complicar, todos os personagens falam um dialeto maia específico da península de Iucatã e a maioria dos atores jamais teve experiências anteriores diante das câmeras; foram recrutados na região pelo próprio diretor. Por tudo isso, seu filme irradia uma autenticidade assustadora, ainda que especialistas em história tenham criticado a encenação dos rituais de sacrifício humano em massa, que na verdade eram praticados pelos Astecas – embora a arqueologia tenha resgatado algum material iconográfico que mostra essa prática em menor escala pelos Maias.

A luta é para proteger a família e seus valores

Apocalypto é um filme sobre o medo. Fala da violência como resposta ao medo que se sente em um mundo governado por forças incompreensíveis; da violência como forma de impor medo e subjugar os mais fracos. Mel Gibson evita mostrar os detalhes mais sangrentos, desviando a câmera instantes antes da violência explodir, mas a deixa implícita nas expressões dos personagens: de horror nos rostos das vítimas, de êxtase nos olhares dos vilões.

O protagonista de Apocalypto luta para proteger a família

Vencendo o medo

O protagonista, no entanto, encontra coragem. Vence o medo inspirado nos ensinamentos de seu pai, que diante da morte, vislumbrou significados transcendentais no existir – um lampejo de cristandade que nos acende a esperança. Mel Gibson toma o indivíduo como ponto de partida e mostra que são as vitórias de cada um, somadas às vitórias de todos os demais indivíduos, que movem a nossa história na direção da ordem, da justiça e da liberdade. Longe de ser um “bom selvagem” rousseauniano, Jaguar Paw se mostrou uma máquina destemida, em luta para proteger sua família e os valores nos quais acredita. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a atmosfera de realismo e autenticidade, além da direção segura de Mel Gibson.

O que complica: a história fica restrita aos elementos dos filmes de perseguição.

Vale a pena. É ágil, envolvente e compensador.

Ficha técnica do filme Apocalypto

Ano de produção: 2006
Direção: Mel Gibson
Roteiro: Mel Gibson e Farhad Safina

Elenco:

Rudy Youngblood
Dalia Hernández
Jonathan Brewer
Mayra Serbulo
Morris Birdyellowhead
Carlos Emilio Báez
Amílcar Ramírez
Israel Contreras
Israel Ríos
María Isabel Díaz
Iazúa Laríos
Raoul Trujillo
Gerardo Taracena
Rodolfo Palacios
Ariel Galván
Fernando Hernandez
Rafael Velez
Diana Botello
Bernardo Ruiz
Ricardo Díaz Mendoza
Richard Can
Carlos Ramos
Ammel Rodrigo Mendoza
Marco Antonio Argueta
Aquetzali García
Gabriela Marambio
María Isidra Hoil
Abel Woolrich

Crítica | Somos Marshall: McG realiza um filme previsível. Por isso funciona bem!

2026-02-21T18:56:00.019-03:00

Somos Marshall: direção de McG

DESPRETENSIOSO, MAS PROVEITOSO

Sempre evitei os filmes sobre futebol americano. Não tenho qualquer familiaridade com esse esporte – desconheço as regras, os ídolos, os times importantes e os campeonatos conduzidos pelas várias ligas esportivas. Tudo o que sei é que os jogadores usam pesados equipamentos de proteção, porque disputam cada ponto com impressionante truculência. Ah, e sei também que o esporte tem uma relação de simbiose com a vida universitária americana; para serem aceitos como jogadores, os estudantes precisam obter boas notas no boletim; para galgar até as ligas profissionais, precisam passar pelo futebol universitário.

Uma tragédia real

Para ganhar a minha torcida, filmes sobre futebol americano precisam ir além do futebol; precisam exibir cinema de qualidade. Somos Marshall, dirigido em 2006 por McG, não é nenhuma obra-prima do gênero, mas tem elementos de sobra para prender a atenção do espectador e provocar picos emocionais acentuados. Baseia-se numa história real vivida pelos moradores da cidade de Huntington, na Virgínia Ocidental, que mantém a tal Universidade Marshall, uma instituição como tantas outras nos Estados Unidos, com seu próprio time de futebol adorado por todos os moradores locais.

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Somos Marshall: McG realiza um filme óbvio e eficiente

A superação do luto coletivo

Em 1970, um pavoroso acidente pôs a cidade em choque: o avião que transportava os Thundering Herd, o time da Universidade Marshall, caiu na cabeceira da pista e matou 75 pessoas: 37 jogadores, dirigentes, treinadores, torcedores e toda a tripulação. Enlutada, a cidade mergulhou numa tristeza tão profunda que não deixou dúvidas: aquele time de futebol tão amado jamais se reergueria das cinzas. Seguiu-se, então, uma notável trajetória de superação, na medida em que os habitantes venceram o penoso processo de luto.

No Brasil sentimos a mesma dor

Dia desses, quando comecei a assistir a Somos Marshall, não pude deixar de fazer um paralelo com o triste caso da Chapecoense, o carismático time de Santa Catarina que disputaria a final da Copa Sul-Americana de 2016, na Colômbia, mas foi dizimado em um pavoroso acidente aéreo. Das 77 pessoas a bordo, apenas seis sobreviveram; morreram 19 jogadores, integrantes da comissão técnica, dirigentes e jornalistas. Que tragédia! Imediatamente me pus solidário aos habitantes de Huntington, assim como me solidarizei na época com os chapecoenses.

Somos Marshall: para além da paixão pelo futebol

O tom certo para contar essa história

Logo me dei conta de que o filme seguiria por trilhas emocionais previsíveis, com grande probabilidade de escorregar no melodrama fácil e apelativo. Mas um fator imprevisível, chamado Matthew McConaughey, apareceu para... mudar o jogo. O ator encontrou o tom certo e soube explorar os bons momentos do seu personagem, aumentando o interesse do espectador. Antes de seguir com meus argumentos, deixe-me apresentar a sinopse:

Quem pensaria em reconstruir o time?

Em Somos Marshall, depois da tragédia que chocou a cidade, vemos como o reitor Donald Dedmon (David Strathairn) está decidido a interromper as atividades do time de futebol. Alguns estudantes, liderados por Nate Ruffin (Anthony Mackie), insistem em ressuscitar o time, em homenagens aos amigos mortos. A tarefa não será fácil, já que nenhum treinador quer assumir o pesado encargo; até que Jack Lengyel (Matthew McConaughey) aceita o desafio e assume como treinador principal, contando com a ajuda de Willian Dawson (Matthew Fox), um dos técnicos auxiliares que escapou da morte porque não embarcou no avião. Reconstruir o time não será fácil e muitos problemas terão que ser resolvidos. Além disso, os dramas pessoais de cada personagem se somarão, criando barreiras emocionais difíceis de serem superadas. É para ver como todos se sairão que vamos até os créditos finais.

Matthew McConaughey: o fator decisivo em Somos Marshall

Direção protocolar, mas certeira

O filme nasceu na cabeça do roteirista Jamie Linden, quando frequentava os bancos da universidade em 2000; conheceu a história do time da Universidade Marshal e foi descobrindo as várias histórias pessoais por trás da tragédia. Encontrou os personagens certos e descobriu a melhor forma de narrar a trajetória de superação que percorreram; soube lidar com as inevitáveis cenas emocionais, nas quais todo cinéfilo espera tropeçar quando se dispõe a assistir um filme do gênero.

Matthew McConaughey entra em cena

O diretor McG, um ex-produtor musical com experiência na produção cinematográfica – trazia no currículo a direção do filme As Panteras –, encarou o projeto com competência. Sua direção é protocolar e em vários momentos flerta com a linguagem óbvia dos telefilmes, mas soube extrair o melhor do seu competente elenco, deixando que as atuações brotassem orgânicas na tela. Como já antecipei, Matthew McConaughey encontra muito espaço dramático entre as várias linhas de diálogo bem escritas. Observe, caro leitor, que o diretor não se preocupou em demonstrar sensibilidade artística, nem se incomodou com a pouca profundidade psicológica dos seus personagens; seu ímpeto é puramente comercial!

Somos Marshall: cenas previsíveis, mas eficientes

Tiramos bom proveito do filme

Somos Marshall tem um grande mérito: consegue nos manter atentos do começo ao fim, ainda que saibamos exatamente o que esperar em cada sequência. É claro que as intermináveis cenas de futebol americano podem incomodar os não iniciados, mas mesmo esses terão que reconhecer que elas se desenrolam com propriedade dentro do contexto dramático. É um filme despretensioso, mas proveitoso para quem se dispõe a se solidarizar com seus personagens. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a atuação precisa de Matthew McConaughey.

O que faltou: uma direção mais inspirada e personagens com mais profundidade.

Vale a pena. É emocionante e proveitoso.

Ficha técnica do filme Somos Marshall

Título original: We Are Marshall
Título em Portugal: Universidade Marshall
Ano de produção: 2006
Direção: McG
Roteiro: Jamie Linden

Elenco:

Matthew McConaughey
Matthew Fox
Ian McShane
Anthony Mackie
January Jones
Kimberly Williams-Paisley
Brian Geraghty
David Strathairn
L. Warren Young
Arlen Escarpeta
Kate Mara
Mike Pniewski
Robert Patrick

Crítica | Efeito Dominó: um assalto real, até hoje sob sigilo

2026-02-14T01:52:00.033-03:00

Efeito Dominó: direção de Roger Donaldson

REUNIÃO DE TODOS OS TIPOS DE MELIANTES

Sim, Efeito Dominó, filme de 2008 dirigido por Roger Donaldson, é um ótimo thriller policial, capaz de nos prender na poltrona do começo ao fim. Porém, é preciso que se diga: é mais um daqueles filmes que enaltecem os criminosos e celebram suas ousadias. Aliás, o espectro de meliantes coberto pela trama é dos mais amplos; tropeçamos em ladrões ordinários, traficantes de drogas, exploradores da pornografia, gângsteres, ativistas, falsários, agiotas, políticos, agentes do estado... E o pior de tudo: eles protagonizam uma história real, passada na Inglaterra 1971. Para complicar, as implicâncias e desdobramentos dos crimes por eles cometidos ainda não são totalmente conhecidos, pois o caso está sob sigilo até 2054 – sim, lá na Inglaterra, como no Brasil, o sistema também se autoprotege sem qualquer constrangimento.

Tudo culpa da Princesa Margaret

O filme foi construído sobre o terreno arenoso das conjecturas, embora tenha se baseado nas reportagens publicadas na época, que ofereceram uma certa estrutura de credibilidade. O elemento central da trama é a vida desregrada da Princesa Margaret, dedicada em tempo integral a constranger a realiza britânica; flagrada em fotos comprometedoras, tiradas pelo ativista do movimento Black Power, Michael X, ela virou objeto de chantagem. A inteligência do governo, contudo, descobriu que as tais fotos estavam guardadas em um cofre, numa agência do Lloyds Bank na famosa Baker Street. O que fizeram os agentes estatais? Ora, usaram a máquina do governo para contratar uma gangue de assaltantes e os encarregam de pôr as mãos nas fotos – como vantagem, os gatunos poderiam se apoderar do dinheiro que encontrassem no local.

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Efeito Dominó: Jason Statham é o astro, na pele de um notório assaltante

Os fatos, como aconteceram

A história do assalto veio a público enquanto os meliantes ainda escavavam o túnel que os colocaria dentro do cofre; durante a noite, um rádio amador captou as conversas por walkie-talkies entre os criminosos e avisou a polícia. Para descobrir qual banco estava sendo assaltado – e eventualmente identificar os assaltantes por meio de delações anônimas – abriram as gravações para a imprensa. Londres entrou em polvorosa!

O problema estava nos detalhes sórdidos

Apesar do esforço, os ladrões foram bem-sucedidos e levaram uma quantidade não especificada de dinheiro e joias – a maioria dos clientes do banco preferiu não revelar quais valores mantinham no cofre. A polícia correu atrás e prendeu vários assaltantes, porém, na medida em que os detalhes sórdidos vieram à tona, o governo iniciou uma operação abafa, que colocou todo o caso em uma névoa densa de desinformação e sigilo. O caso se arrasta na justiça desde então.

Efeito Dominó: Roger Donaldson impõe uma narrativa ágil e envolvente

Escrito por um roteirista não identificado

A ideia de contar em filme essa história complicada vem de longa data e passou pelas mãos de vários produtores; até que o projeto caiu nas mãos do diretor Roger Donaldson – ele tem vários longas e documentários no currículo, entre eles o thriller Sem Saída, de 1987. Donaldson herdou um roteiro escrito por um roteirista não identificado, que aparentemente teve acesso a inúmeras informações privilegiadas – talvez porque tenha participado dos eventos! A partir desse misterioso script, o diretor costurou uma narrativa complexa, estruturando um mosaico ágil e inteligente; no final das contas, foram os roteiristas Dick Clement e Ian La Frenais quem assinaram o roteiro final.

Misturaram três linhas narrativas

É claro que, para garantir veracidade, os realizadores usaram as transcrições reais das conversas por rádio entre os assaltantes, obtidas junto aos jornais. É claro, também, que fizeram inúmeras especulações, quando precisaram lidar com o mar de informações desconexas sobre o caso. Nomes foram alterados, para evitar que inocentes saíssem prejudicados ou que vilões posassem de heróis. Ainda assim, conseguiram deixar a história bastante convincente. Misturaram três linhas narrativas: a primeira narra o imbróglio entre Michael X e os agentes do governo; a segunda conta as tramoias de um famoso rei do pornô com os policiais corruptos; a terceira acompanha as armações dos ladrões que fizeram o trabalho braçal.

Efeito Dominó: conversas entre os ladrões vazadas para a polícia

Uma modelo charmosa como personagem fictícia

Para garantir a coerência da história, os realizadores criaram uma personagem fictícia, inspirada em uma misteriosa mulher cuja voz aparece nas gravações originais do assalto; ela virou a bela Martine Love (Saffron Burrows), uma modelo flagrada transportando drogas. Chantageada pelas autoridades, ela faz um acordo para não ser presa: fica encarregada de recrutar os assaltantes e começa por Terry Leather (Jason Statham), o dono de uma oficina com antecedentes na ladroagem.

Nessa história, ninguém é santo

Apesar do todo o charme, pitadas de humor e carisma de vários personagens, Efeito Dominó não nos poupa do desconforto de ter que torcer pelos bandidos. Ainda que alguns pareçam mais bonzinhos do que outros, nenhum deles é santo – nem mesmo o personagem interpretado por Jason Statham, que se eleva à condição de protagonista e pretende alcançar a redenção apenas por que é um pai de família, com duas lindas filhas e uma esposa dedicada. No final das contas, o tal assalto da Rua Baker, como ficou conhecido, é retratado como uma façanha, onde os protagonistas se moviam por motivações legítimas, a despeito da ganância e da vilania de alguns antagonistas malvados. Bobagem! Todos só pensaram em seus interesses pessoais.

Efeito Dominó: a personagem interpretada por Saffron Burrows é fictícia

Michael X, ao menos, foi retratado como bandido abjeto

O diretor Roger Donaldson alega ter conhecido e entrevistado um dos assaltantes, que inclusive visitou os sets de filmagem e passou dicas para o ator Jason Statham sobre as estratégias que utilizaram para planejar e executar o assalto. Ao menos o filme não glamorizou o ativista Michael X, um criminoso de alta periculosidade, que apesar de ser aclamado por celebridades como John Lennon, era vigiado de perto pelo serviço secreto britânico; terminou sentenciado à morte e enforcado em Trinidade e Tobago por assassinato.

A sombra da impunidade

Efeito Dominó é um filme divertido, que recria com precisão a atmosfera da Londres dos anos 1970, numa produção caprichada. O espectador segue atento até o final, curioso para descobrir quais personagens sairão por cima e quais amargarão os merecidos castigos por suas maldades. Pena que alguns deles siam impunes, apenas por que são... charmosos. Mas se você quer dicas de bons filmes, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Roger Donaldson, o roteiro bem costurado, a competente recriação de época e a curiosidade de uma história real inusitada.

O que complica: o espectador fica sem personagens pelos quais torcer, já que até mesmo o protagonista carrega falhas de caráter.

Vale a pena. É um bom entretenimento.

Ficha técnica do filme Efeito Dominó

Título original: The Bank Job
Título em Portugal: O Golpe de Baker Street
Ano de produção: 2008
Direção: Roger Donaldson
Roteiro: Dick Clement e Ian La Frenais

Elenco Principal:
Jason Statham
Saffron Burrows
Richard Lintern
Stephen Campbell
Daniel Mays
Peter Bowles
Keeley Hawes
Colin Salmon
Peter de Jersey
James Faulkner
Sharon Maughan
Don Gallagher
Gerard Horan
Craig Fairbrass
Alistair Petrie
David Suchet
Michael Jibson
Georgia Taylor
Alki David
Hattie Morahan
Julian Lewis Jones
Andrew Brooke
Rupert Frazer
Christopher Owen
Taelor Samways
Kasey Baterip
Robert Whitelock
Jamie Kenna
Angus Wright
Mark Phoenix
Julian Firth
Rupert Vansittart
Bronson Webb
Ursula Mohan
Alan Swofford
Louise Chambers
Trevor Coppola

Crítica | Faces da Verdade: thriller político onde a verdade tem valor absoluto

2026-02-04T21:51:00.043-03:00

Faces da Verdade: direção de Rod Lurie

VERDADE: VALOR QUE NÃO PODE SER RELATIVIZADO

Sempre reservo um dia da semana para exercer o que chamo de... extrativismo cinematográfico: vasculho as plataformas de streaming com método e paciência, atento a qualquer pepita mais reluzente. Não é sempre, mas elas aparecem, presas na minha peneira criteriosa. Dessa vez, meu achado foi Faces da Verdade, escrito e dirigido em 2008 por Rod Lurie. Depois de reconhecer o nome do diretor, responsável por ótimos filmes como A Última Fortaleza e Posto de Combate, este cinéfilo garimpeiro apertou o play e não se arrependeu.

No Brasil, o filme ganhou um título maroto

Faces da Verdade é um thriller político ágil e envolvente, com um roteiro bem costurado, diálogos bem escritos e ótimas interpretações. É entretenimento, mas tem qualidades estéticas e traz provocações que fazem pensar – nos lembra que a verdade é tudo o que de fato importa. Antes de começar a destrinchar o filme, deixe-me primeiro descer a lenha no título adotado aqui no Brasil: ele vai na direção oposta do conceito sugerido pelo título original, Nothing But the Truth (Nada Além da Verdade). Enquanto os criadores do filme tratam a verdade como valor absoluto, nossos incansáveis progressistas de plantão se apressam a relativizá-la, sugerindo que ela tem várias faces. Ridículo! Tentaram atenuar a mensagem embutida no enredo, plantando minhocas governistas na cabeça dos cinéfilos distraídos. Para seguir explicando meu ponto, terei que apresentar a sinopse:

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Faces da Verdade: Kate Beckinsale e Vera Farmiga em ótima forma

A sinopse: considerada traidora pela governo

O filme conta a história fictícia de Rachel Armstrong (Kate Beckinsale), uma jornalista ávida por subir na carreira. Ela publica uma matéria bombástica, que abala os alicerces da Casa Branca e revela a identidade de uma agente secreta da CIA, chamada Erica Van Doren (Vera Farmiga). Acontece que o governo considera o ato uma traição grave, sujeita a prisão; mandam que o implacável promotor Patton Dubois (Matt Dillon) abra um processo, exigindo que a jornalista revele o nome da sua fonte. Ela se recusa, alegando seus direitos constitucionais. O que faz o governo? Passa por cima da liberdade de imprensa e põe Rachel Armstrong atrás das grades, até que ela dê com a língua nos dentes. Agarrada às suas convicções, ela agora luta para salvar a vida pessoal e familiar, mas só pode contar com a ajuda precária do seu advogado almofadinha, o intragável Albert Burnside (Alan Alda).

Em primeiro plano, os personagens

Em Faces da Verdade, o embate é claro: de um lado, temos os políticos manipulando o sistema de justiça, agarrados na desculpa esfarrapada de defender a segurança nacional; tentam intimidar e controlar a imprensa, para preservar seus interesses. No lado oposto, temos os cidadãos, crentes de que suas liberdades individuais estão garantidas; esperam que a imprensa siga intimidando e controlando o governo, para conter a algazarra institucional. No meio, temos uma profissional da imprensa, irredutível em não abrir mão dos seus direitos; equilibra-se na linha tênue que separa a dignidade da mera servidão. Felizmente, Rod Lurie é hábil em cravar suas lentes nos personagens, deixando as tramoias políticas como pano de fundo.

Faces da Verdade: a protagonista não relativiza valores absolutos

Vítimas da narrativa

A jornalista vivida por Kate Beckinsale e a agente secreta interpretada por Vera Farmiga vêm desmoronar suas vidas pessoais. Mães e esposas, elas se flagram priorizando a vida profissional, cientes de que seus filhos e maridos não resistirão aos petardos em série que virão. Serão rotuladas como loucas, traidoras da pátria, inconsequentes e tudo o mais que convier ao sistema interessado apenas em autopreservação. Haverá espaço para arrependimentos, medos e exames de consciência, mas ambas parecem determinadas a seguir, irredutíveis. Será que a corda arrebentará do lado mais fraco?

Inspiração no caso real da jornalista Judith Miller

Rod Lurie é um cineasta que traz na bagagem muito mais do que o domínio da linguagem cinematográfica; ex-cadete de West Point, conhece bem os meandros políticos e militares. Também trabalhou como jornalista e já precisou bater o pé para proteger o sigilo de suas fontes; vem daí o seu interesse pelo tema, que há tempos pretendia explorar em um filme. Em 2005, quando veio à tona o caso real da jornalista americana Judith Miller, presa porque se recusou a revelar para o governo o nome da fonte que expôs Valerie Plame, uma agente da CIA envolvida em tramoias, o diretor viu a janela de oportunidade se abrir. No entanto, decidiu trabalhar no campo da ficção, criando novos personagens e imaginando situações diferentes. Nem se deu ao trabalho de ler os livros publicados sobre o caso real.

Faces da Verdade:Matt Dillon e Alan Alda reforçam o elenco

Honestidade e credibilidade

É surpreendente como Rod Lurie conseguiu não se render ao sentimentalismo. Faces da Verdade segue, do começo ao fim, sem excessos melodramáticos ou rompantes de urgência típicos dos thrillers. A maioria das cenas cruciais, que envolvem reações emocionais dos personagens, transcorrem sem música incidental, numa clara tentativa de evitar manipular os sentimentos do espectador. O resultado é um bem-vindo tom de honestidade e credibilidade, que deixa claros os princípios e valores defendidos pelo diretor. Os personagens que inventou não são modelos de perfeição; ao contrário, exibem fraquezas e vacilam, mas transpiram humanidade pelos poros.

Nós, cinéfilos, estamos sempre atentos

O fato é que Faces da Verdade jamais estreou oficialmente nos cinemas. A distribuidora decretou falência e frustrou os planos dos produtores, interessados em conseguir alguma visibilidade comercial para o filme. Para nossa sorte, há espaço de sobra nos serviços de streaming, conectando cinema competente, como o praticado por Rod Lurie, com os cinéfilos que demandam produções honestas e caprichadas – só precisamos estar dispostos a trabalhar no garimpo! Para nosso azar, os ideólogos de plantão insistem em embaçar todo o conteúdo, relativizando até mesmo os conceitos mais sólidos, como a verdade. É inútil! Estamos sempre atentos. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: o roteiro bem construído, as ótimas atuações, a narrativa ágil e a direção segura de Rod Lurie, que prefere não manipular o espectador.

O que complica: as cenas expositivas cobram atenção do expectador.

Acima da média. É um thriller político provocativo.

Ficha técnica do filme Faces da Verdade

Título original: Nothing But the Truth
Ano de produção: 2008
Direção: Rod Lurie
Roteiro: Rod Lurie

Elenco:

Kate Beckinsale
Matt Dillon
Vera Farmiga
Angela Bassett
Alan Alda
David Schwimmer
Courtney B. Vance
Noah Wyle
Floyd Abrams
Preston Bailey
Kristen Bough
Julie Ann Emery
Robert Harvey
Michael O'Neill
Kristen Shaw
Angelica Page
Jamey Sheridan
Pamela Jones

Crítica | O Quarto do Pânico: David Fincher filma um roteiro de David Koepp e entrega um thriller tenso, complexo e de dar nos nervos

2026-02-03T12:25:00.021-03:00

O Quarto do Pânico: direção de David Fincher

NARRATIVA VISUAL COMPLEXA PARA UM ROTEIRO ENXUTO

Depois de trabalhar nos roteiros de grandes sucessos, como A Morte lhe Cai Bem, Jurassic Park e Missão Impossível, David Koepp se tornou um dos roteiristas mais requisitados de Hollywood. No início dos anos 2000, ele escreveu um roteiro de forma independente e o colocou à venda; provocou uma acirrada disputa entre os grandes estúdios, que foi vencida pela Columbia Pictures. O diretor recrutado para encabeçar o projeto, lançado em 2002 com o título de O Quarto do Pânico, foi David Fincher; realizou um thriller acima da média, com doses fartas de suspense e ação, enquanto mantem o espectador enclausurado em um espaço cênico apertado. O enredo é previsível, e por isso mesmo eficiente: desde as primeiras cenas, vemos as forças antagônicas tomando posição e só podemos imaginar as surpresas e as reviravoltas que virão.

Refúgio para os milionários

O conceito de um quarto do pânico é óbvio e já bastante difundido: constrói-se um cômodo em local de fácil acesso, com portas reforçadas, isolamento acústico e blindagem nas paredes, teto e piso; instalam-se monitores, para mostrar as imagens das câmeras de segurança espalhadas pela mansão, além de algum equipamento de comunicação via rádio, mais eficiente do que as vulneráveis linhas telefônicas fixas, ou os celulares sujeitos às perdas de sinal; finalmente, basta providenciar um estoque de alimentos não perecíveis, bebidas e medicamentos. Ao primeiro sinal de problemas, é para lá que os endinheirados correm.

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O Quarto do Pânico: David Fincher planejou o filme em detalhes

É preciso prever o fator humano

Um local tão seguro e preparado também se torna ideal para acomodar cofres e esconder objetos de valor. Trancafiados com seus pertences, o milionário e seus familiares podem, enfim, respirar aliviados; ao menos enquanto não tiverem que dividir espaço com o elemento mais imprevisível de todos: o fator humano! Pessoas de carne e osso, separadas por espessas paredes impenetráveis, mas empenhadas em alcançar interesses opostos, farão o impossível para surpreender e se superar. Foram os possíveis desdobramentos de tal embate que David Koepp vislumbrou quando escreveu seu roteiro. Vejamos como ficou a sinopse:

Tudo por dinheiro

O Quarto do Pânico conta a história de Meg Altman (Jodie Foster), recém-divorciada de um milionário, que se muda com a filha, Sarah (Kristen Stewart), para uma mansão em Nova Iorque, onde o proprietário anterior instalou um quarto do pânico. Mal ocupam a bela casa e se dão conta de que ela está sendo invadida por três meliantes: Burnham (Forest Whitaker), funcionário da empresa de segurança que instalou o quarto do pânico, Junior (Jared Leto), o neto do antigo proprietário e Raoul (Dwight Yoakam) um bandido oportunista. O trio só pensa em por as mãos nos milhões de dólares em títulos ao portador, deixados no cofre escondido justamente no quarto onde mãe e filha se trancam. Pronto! Está armada a confusão.

O Quarto do Pânico: a atuação de Jodie Foster adicionou mais tensão ao filme

Uma protagonista no seu limite emocional

O roteirista David Koepp escreveu um filme enxuto, pontuado por poucas cenas expositivas e linhas de diálogo econômicas; ainda assim demonstrou habilidade para construir personagens envolventes e com alguma densidade. Sua protagonista acaba de ver a família se desmantelar depois do divórcio e ainda sente o gosto amargo da traição imposta pelo marido mais velho do que ela; agora, terá que enfrentar ameaças físicas inimagináveis. Por outro lado, a bela e extravagante mansão de tijolos aparentes, cravada num bairro chique, funciona como um pano de fundo psicológico, simbolizando o estado emocional de todos os personagens.

Uma criação visual detalhada

O Diretor David Fincher se esbaldou diante da concisão do roteiro. Seu filme anterior, Clube da Luta, foi construído com 400 cenas, captadas em 100 locações diferentes – um pesadelo para todos os envolvidos na produção. Para este seu novo filme, ele queria simplicidade! Acontece que simplicidade não é exatamente a sua maior virtude; apesar de contido em um único cenário, ele planejou todas as cenas em suas minúcias. Estabeleceu todos os planos e movimentos de câmera com precisão obsessiva, criando storyboards detalhados; valeu-se dos conhecimentos em computação gráfica – adquiridos nos tempos em que trabalhou para a Industrial Light & Magic – e criou uma dinâmica exuberante, que virou marca registrada dos seus filmes.

O Quarto do Pânico: Forest Whitaker e Jared Leto em ótimas atuações

Um diretor hábil nos efeitos digitais

Em contraste com a simplicidade do roteiro, David Fincher criou uma narrativa visual complexa: planos-sequência com alto grau de dificuldade, efeitos de iluminação, monitores apresentando cenas paralelas, a câmera sobrevoando locais improváveis, passando em closes desconcertantes por buracos de fechadura e dutos de ventilação... O Quarto do Pânico foi viabilizado graças aos efeitos digitais usados em profusão; apesar deles, o diretor consegue manter a transparência do aparato fílmico, já que as extravagâncias e ousadias são sempre em favor da história e da arte de contá-la. Tanto é que Fincher consegue nos deixar claro qual é a geografia da mansão e nos conduz com segurança por todos os cômodos – e pelos incômodos que, suspeitamos desde o início, iremos presenciar.

Um thriller tenso e emocionante

Inicialmente, a atriz escalada para viver a protagonista era Nicole Kidman. Por meio dela, certamente veríamos uma Meg Altman mais glamourosa, esfuziante e indefesa. A estampa de Jodie Foster acrescentou algo de inteligência e sagacidade à personagem, o que certamente deve ter exigido mudanças no roteiro. Ainda assim, o resultado alcançado foi compensador. Muitos fãs do diretor não se atrevem a colocar O Quarto do Pânico no topo da sua filmografia; talvez o considerem uma obra mais comercial e acomodada aos padrões hollywoodianos. Bobagem! Revisitei o filme recentemente e garanto: continua de tirar o fôlego! Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção criativa de David Fincher, o roteiro impecável de David Koepp, o ótimo trabalho de atores, a concepção visual apurada e a trilha sonora envolvente.

O que surpreende: apesar de restrito a um único cenário, David Fincher o transforma em um elemento crucial da narrativa, para torná-las ainda mais envolvente.

Acima da média. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme O Quarto do Pânico

Título original: Panic Room
Título em Portugal: Sala de Pânico
Ano de produção: 2002
Direção: David Fincher
Roteiro: David Koepp

Elenco:

Jodie Foster
Kristen Stewart
Forest Whitaker
Dwight Yoakam
Jared Leto
Patrick Bauchau

Crítica | Cidade das Mulheres: provocando as feministas

2026-01-24T19:55:00.019-03:00

Cidade das Mulheres: direção de Federico Fellini

AH, O FASCÍNIO PELO SER FEMININO!

Quando Cidade das Mulheres, filme de 1980 dirigido por Federico Fellini entrou em exibição, este cinéfilo, ávido por conhecer mais sobre as mulheres, correu para o cinema. Minha expectativa era estudar um pouco mais de "mulherismo", tema sobre o qual aquele diretor sexagenário devia ter um PHD. Que nada! Em vez de realizar uma imersão no assunto mais importante naquela altura da minha juventude, terminei entretido por um cinema mágico, onírico, belo e empanturrado de simbologias. Saí com a certeza de que aquela era a cidade de Fellini, habitada apenas pelas personalidades femininas que vagavam pela experiência de vida do diretor; uma ousadia autobiográfica planificada em um dos seus filmes mais belos e envolventes. Vamos recordar a sinopse:

Um jornada onírica, como tantas outras de Fellini

Cidade das Mulheres conta como Marcello Snàporaz (Marcello Mastroianni), durante uma viagem de trem, encanta-se com uma passageira misteriosa que desembarca em uma estação qualquer. Ele a segue e chega num hotel, onde acontece um agitado congresso feminista. Cercado por ativistas enraivecidas, Snàporaz foge e consegue carona com um grupo de mulheres esquisitas, com as quais se desentende. Escapa novamente e vai parar no castelo do Doutor Katzone (Ettore Manni), um macho conquistador que venera sua extensa coleção de troféus.

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Cidade das Mulheres: Marcello Mastroianni é o alter ego de Fellini

No quarto onde se hospeda, Snàporaz descobre uma passagem secreta que o leva a reencontrar as mulheres que passaram por sua vida, desde a infância. Acaba capturado pelas feministas e é submetido a um julgamento. Quase linchado, consegue escapar e finalmente encontra a mulher ideal. Sem receio de dar spoilers, lembro que ele termina no próprio trem, obviamente despertando de um sonho, em frente à esposa, Elena (Anna Prucnal).

Cutucando os movimentos feministas

Nem preciso lembrar que à época do seu lançamento, Cidade das Mulheres enriçou os cabelinhos das feministas e provocou controvérsias entre os críticos especializados. Muitos reclamaram da mesmice personalista que impera em todos os filmes de Fellini; outros não enxergaram novidades narrativas – talvez indignados com as alfinetadas nos movimentos feministas, que priorizam a destruição da feminilidade em favor de um identitarismo coletivista. O fato é que o filme se materializa como uma colagem de sonhos e fantasias sexuais do diretor. Ao longo de duas horas e meia, somos submetidos a uma deslumbrante sequência de imagens, encadeadas com uma inegável habilidade cinematográfica.

Cidade das Mulheres: colagem dos sonhos e fantasias do diretor

Veneração pelas mulheres

Humor, fantasia, musicalidade, nostalgia... Fellini nos impõe sua visão estética de mundo, enquanto revisita temas que já vislumbramos em outros de seus títulos – Julieta dos Espíritos e Casanova, por exemplo. Dessa vez, no entanto, a mulheres se tornam um assunto mais agradável e prazeroso, tratado com certa jovialidade. Os discursos feministas, envernizados com camadas cosméticas de antropologia e sociologia, não passam de bobagem. O que nos salta é o fascínio e a veneração pelo ser feminino.

Cidade das Mulheres: experiência audiovisual incomparável

Um tema que não se esgota

Depois de assistir a Cidade das Mulheres, continuei sem entender o universo feminino; de nada me serviram as aulas teóricas ministradas por Fellini. Se aprendi alguma coisa, foi na prática! Cinco anos depois, em 1985, já estava casado; Ludy foi uma professora dedicada e compenetrada em exercitar a feminilidade. Quando nossa filha, Julia, nasceu em 1990, completei a pós-graduação. Hoje, sou um sexagenário com alguma bagagem em "mulherismo". Gosto de revisitar o filme de Fellini e descobrir as referências, simbologias e insinuações que o mestre espertamente espalhou pelos seus delírios oníricos, mas sempre me distraio com a mágica da sua arte cinematográfica. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção criativa de Fellini, a concepção visual impecável, a trilha sonora envolvente e a atmosfera onírica que esperamos de um filme do mestre.

O que surpreende: Fellini não dá a mínima para a opinião das feministas nem para a grita dos politicamente corretos. Expõe-se com sinceridade.

Acima da média. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme Cidade das Mulheres

Título original: La Città Delle Donne
Ano de produção: 1980
Direção: Federico Fellini
Roteiro: Federico Fellini e Bernardino Zapponi

Elenco:
Marcello Mastroianni
Anna Prucnal
Bernice Stegers
Donatella Damiani
Iole Silvani
Ettore Manni
Fiammetta Baralla
Hélène G. Calzarelli
Catherine Carrel
Marcello Di Falco
Silvana Fusacchia
Gabriella Giorgelli
Dominique Labourier
Stéphane Emilfork
Sylvie Meyer
Alessandra Panelli
Marina Confalone
Marina Hedman

Crítica | A Morte Lhe Cai Bem: Robert Zemeckis fez um filme divertido, repleto de humor negro e computação gráfica. E o melhor: continua atual e provocativo

2026-01-10T17:56:00.017-03:00

A Morte lhe Cai Bem: direção de Robert Zemeckis

UM FILME À FRENTE DO SEU TEMPO!

Em 1992, Robert Zemeckis dirigiu A Morte lhe Cai Bem, na esteira do sucesso estrondoso alcançado por seus filmes anteriores, Forrest Gump, Náufrago e a trilogia De Volta Para o Futuro. Disposto experimentar uma temática mais ousada, decidiu se embrenhar no universo peculiar das estrelas de cinema, onde tudo gira em torno da beleza; realizou uma comédia ácida e inteligente, carregada de humor negro, frases de efeito e tiradas sagazes, que muitos críticos não acharam nada engraçadas.

A carapuça serviu!

A Morte lhe Cai Bem foi massacrado pela crítica na época do seu lançamento. A inveja destrutiva e a superficialidade asquerosa das protagonistas, que só fazem cultivar uma rivalidade regida pela competição desleal, talvez tenham servido de carapuça para os que circulam com naturalidade pelo habitat hollywoodiano. Torceram o nariz! Pode ser, eventualmente, que as bizarrices góticas geradas por meio de uma computação gráfica ainda em seus primórdios, tenham ferido suscetibilidades entre a crítica mainstream. Digo isso porque, depois de revisitar esse filme há poucos dias, não vi deméritos que justificassem os altos índices de rejeição; ao contrário, as qualidades da produção são evidentes.

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A Morte lhe Cai Bem: Zemeckis mira certeiro nas futilidades das estrelas de Hollywood

Vale a pena lembrar da sinopse:

A Morte lhe Cai Bem é sobre Madeline Ashton (Meryl Streep), uma atriz decadente que experimentou seu auge em grandes musicais da Broadway. Ela reencontra a velha rival e aspirante a escritora, Helen Sharp (Goldie Hawn), que está prestes a se casar com o cirurgião plástico, Ernest Menville (Bruce Willis). Depois que Madeline lhe rouba o noivo, Helen termina numa clínica psiquiátrica, gorda e deprimida. Sete anos depois, o casal apaixonado passa por uma crise: Madeline está angustiada com os efeitos do envelhecimento e Ernest virou um alcoólatra sem motivação pela vida.

A Morte lhe Cai Bem: Bruce Willis e Merryl Streep em ótimas atuações

Eis que Helen ressurge na vida dos dois, mais jovial e esfuziante do que nunca. Tomada pela inveja, Madeline bebe uma poção mágica fornecida pela misteriosa Lisle von Rhuman (Isabella Rossellini), uma octogenária que se diz especialista em rejuvenescimento. Agora, embriagada pela perspectiva da vida eterna e sempre jovem, Madeline ganha motivação para retomar o casamento, mas vai esbarrar na conspiração tramada entre Helen e Ernest. Também terá que lidar com os estranhos efeitos colaterais da imortalidade.

Como celebridades na Revista Caras

Eis aqui um filme que não envelheceu! A temática da beleza epidérmica – incluindo todas as bizarrices que alguns são capazes de fazer para permanecer jovens e sedutores – continua atual. A diferença é que, naqueles idos de 1992, acompanhávamos tudo pela Revista Caras, aquela publicação semanal onde as estrelas e celebridades disputavam espaço – num mundo sem celulares e sem redes sociais, era como se bisbilhotava a vida alheia. Com a internet, o jogo virou: todo mortal pode manter a pose e se camuflar de famoso; é fácil se deparar com as Madelines e Helens obcecadas pela juventude eterna. Não sei o diretor Robert Zemeckis anteviu essa distopia, mas o fato é que em A Morte lhe Cai Bem ele soube explorar as camadas mais inusitadas dos seus personagens. Combinou o domínio da linguagem cinematográfica com um senso de humor inteligente e sagaz.

A Morte lhe Cai Bem: Goldie Hawn com o acabamento da computação gráfica

Zemeckis ampliou o orçamento do projeto

O roteiro de A Morte lhe Cai Bem foi escrito pelo experiente Martin Donovan, em parceria com o estreante David Koepp – aqui ele contava apenas 27 anos, mas depois pôs sua assinatura em arrasa-quarteirões, como Jurassic Park, Missão Impossível e Guerra dos Mundos. O que era para ser um filme de baixo orçamento tornou-se uma produção endinheirada quando Zemeckis decidiu assumir a direção; ele trouxe consigo a equipe da Industrial Light and Magic, responsável pelos mesmos efeitos de computação gráfica que no ano seguinte encantaria o público com os dinossauros verossímeis no filme de Spielberg.

No final, uma mensagem edificante

A Morte lhe Cai Bem é um produto da azeitada máquina hollywoodiana. Partiu de um roteiro bem escrito, contou com o talento de um diretor visionário e serviu de palco para ótimas atuações – o elenco se esbaldou com o texto preciso e os diálogos afiados. E no final das contas, nos deixa uma mensagem edificante: as protagonistas, carcomidas pela inveja, pela luxúria e por outros pecados capitais, não terminam bem. A beleza e jovialidade não conseguem suprir a falta de conteúdo por muito tempo. Um dia, a casa cai! Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★★☆(4 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção criativa de Robert Zemeckis, o roteiro impecável, o excelente trabalho de atores, a direção de arte refinada, a trilha sonora envolvente e a narrativa ágil.

O que surpreende: os temas da beleza fútil e da busca pela eterna juventude estão mais populares do que nunca, preservando a atualidade do filme.

Acima da média. É cinema de qualidade.

Ficha técnica do filme A Morte Lhe Cai Bem

Título original: Death Becomes Her
Título em Portugal: A Morte Fica-Vos Tão Bem
Ano de produção: 1992
Direção: Robert Zemeckis
Roteiro: Martin Donovan e David Koepp

Elenco:

Meryl Streep
Goldie Hawn
Bruce Willis
Isabella Rossellini
Ian Ogilvy
Adam Storke
Alaina Reed Hall
Michelle Johnson
Mary Ellen Trainor
Nancy Fish
Susan Kellermann
William Frankfather
John Ingle
Debra Jo Rupp
Danny Lee Clark
Sydney Pollack

Crítica | Josey Wales, o Fora da Lei: Clint Eastwood dirige um western revisionista sobre a Guerra Civil americana e passa por cima das polêmicas

2025-12-13T21:32:00.016-03:00

Josey Wales, o Fora da Lei: direção de Clint Eastwood

NARRATIVA VISUAL ENXUTA E MODERNA

Estava com dezesseis anos quando entrei no cinema para assistir a Josey Wales, o Fora da Lei, filme de 1976 dirigido por Clint Eastwood. O astro de Hollywood tinha o nome colado ao cinema de ação e o gênero western já me soava desinteressante – naquela época já me considerava um cinéfilo exigente, com horas de voo suficientes para lançar olhos de predador sobre os filmes em cartaz. Então, reparei que o nome de Clint Eastwood aparecia duas vezes nos créditos: como ator e como diretor. Como não havia opção melhor para aquele sábado à tarde, encontrei aí uma boa desculpa para conferir.

Um faroeste moderno

O filme ao qual assisti naquele dia era envolvente e oferecia certa densidade dramática. Era recheado de violência e se agarrava a fortes valores morais. A fotografia era sombria e o visual flertava com o realismo. E o mais curioso: tinha algo de moderno, ainda que revirasse uma história mofada, ocorrida no velho oeste. A modernidade, concluí, ficou justamente por conta da interpretação lacônica de Clint Eastwood; pronunciando pouquíssimas palavras, descreveu com precisão o arco de transformação do seu personagem e fez do tal Josey Wales um sujeito compreensível para este jovem de dezesseis anos, que já se julgava um cinéfilo perspicaz.

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Josey Wales, o Fora da Lei: Clint Estawood dirige e atua num western revisionista

Torcendo por um bandoleiro

O pano de fundo para apresentar a trajetória de Josey Wales, o Fora da Lei é a Guerra Civil Americana, episódio marcante da segunda metade do século XIX, que ainda trazia fresco na memória graças às aulas de história. Meu professor ressaltou que os mocinhos lutavam pelo lado da União, formada pelos estados do norte; os Confederados, separatistas que defendiam a manutenção do regime escravocrata nos estados do sul, foram os vilões e terminaram derrotados. Mas espere: neste filme, o protagonista pelo qual somos incentivados a torcer é um confederado, um bandoleiro – algum tipo de cangaceiro! – desalmado e responsável por incontáveis matanças. E vejam só, os soldados da União não são santinhos; também esbanjam crueldade!

Com a cabeça a prêmio

Antes de entrar nos detalhes, vamos examinar a sinopse: Josey Wales (Clint Eastwood) é um pacato fazendeiro que assiste ao brutal assassinato de sua família por um bando de mercenários ligados à União. Wales se junta a um bando de confederados do Missouri e luta por toda a Guerra Civil com fúria desmedida, até que o Sul termina derrotado. Em vez de se render, Wales prefere seguir em busca de vingança. Como fora da lei – sua cabeça vale um bom dinheiro –, ele vaga pelo Texas com o exército no seu encalço; juntam-se a ele vários personagens: o velho índio Lone Watie (Chief Dan George), a velha senhora Sarah Turner (Paula Trueman) e sua neta, Laura Lee (Sondra), além de outras figuras típicas dos filmes sobre o velho oeste. A jornada de Josey Wales não terá fim, enquanto sua vingança não estiver consumada.

Josey Wales, o Fora da Lei: baseado num romance de um autor considerado racista

O romance original foi cercado de polêmicas

Josey Wales, o Fora da Lei é uma adaptação do romance intitulado Gone to Texas, escrito em 1972 por um certo Forrest Carter, suposto escritor cherokee. Em suas cerca de 200 páginas, o livro oferece uma leitura rápida e divertida, recheada com passagens de ação repleta de tiros e diálogos afiados, bem ao gosto dos fãs de faroestes. Com o lançamento do filme, veio à tona o fato de que o nome verdadeiro do autor era Asa Earl Carter; pior ainda: o sujeito havia sido líder da Ku Klux Klan e teria redigido vários discursos para o governador do Alabama, George Wallace, defensor do segregacionismo. O filme acabou rotulado de revisionista, por trazer um herói sulista e lançar um olhar simpático para uma suposta causa nobre dos confederados, que em vez de chafurdar no racismo, estariam lutando em defesa dos direitos dos estados do sul e pela honra pessoal. A velha Hollywood torceu o nariz, mas parte da crítica adorou a ousadia de trazer à tona uma explicação menos simplista para a Guerra Civil.

Clint |Eastwood manteve o controle criativo

Nos bastidores, a polêmica se tornou mais feroz: o roteiro de Josey Wales, o Fora da Lei foi escrito por Sonia Chernus, sob a supervisão de Michael Cimino e Philip Kaufman – esse último assumiu o controle criativo, mas se pôs contra o tom antigovernista do livro. Roteirista talentoso, Kaufman tentou atenuar as implicações políticas, mas esbarrou na posição firme de Clint Eastwood, que havia bancado do próprio bolso os direitos de adaptação do romance. Resultado: a corda arrebentou do lado de Kaufman, que foi sumariamente demitido por Eastwood. As fofocas ainda dão conta de um suposto triângulo amoroso entre os duelistas e a roteirista, mas isso é bobagem que não interessa aos cinéfilos ávidos por fruir um cinema do bom. O fato inquestionável, para além das qualidades do roteiro, é que Clint Eastwood conseguiu usar o mínimo de cenas expositivas e o máximo de dramatização, para caracterizar um personagem denso, com alguma complexidade emocional – a expressão facial e a linguagem corporal foram mais eloquentes.

Josey Wales, o Fora da Lei: violento, sombrio e controverso

Narrativa econômica, ancorada no visual

Recentemente, para escrever esta crônica, revisitei Josey Wales, o Fora da Lei pela segunda vez e o filme ao qual assisti, agora com 65 anos, permanece envolvente. Continua denso, sombrio e recheado de violência, mas os valores morais e éticos que defende ficaram um pouco mais evidentes para mim – essa mudança é consequência do meu próprio arco de transformação, que percorri ao longo desde meio século de cinefilia. É provável que os espectadores de hoje não enxerguem o algo de modernidade ao qual me referi lá no começo, afinal, a narrativa visual e econômica, marca registrada de Clint Eastwood, tornou-se a base para quem quiser contar uma história por meio do cinema. Se você quer mais dicas de bons filmes como esse, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção objetiva de Clint Eastwood, o roteiro bem costurado e o excelente trabalho de atores.

O que decepciona: o ritmo arrastado da narrativa e a falta de profundidade de alguns personagens que poderiam enriquecer a trama.

Vale a pena. Conta uma história envolvente.

Ficha técnica do filme Josey Wales, o Fora da Lei

Título original: The Outlaw Josey Wales
Título em Portugal: O Rebelde do Kansas
Ano de produção: 1976
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Philip Kaufman, Sonia Chernus e Forrest Carter

Elenco:

Clint Eastwood
Chief Dan George
Sondra Locke
Bill McKinney
John Vernon
Paula Trueman
Sam Bottoms
Geraldine Keams
Woodrow Parfrey
Joyce Jameson
Sheb Wooley
Royal Dano
Matt Clark
John Verros
Will Sampson
William O'Connell
Madeleine Taylor Holmes
John Quade
Frank Schofield
Buck Kartalian
Len Lesser
Doug McGrath
John Russell
Charles Tyner
Bruce M. Fischer
John Mitchum
John Chandler
Tom Roy Lowe
Clay Tanner
Bob Hoy
Richard Farnsworth

Crítica | Presságio: capricho nos efeitos visuais, vacilo no mistério e na catástrofe

2025-12-04T00:59:00.027-03:00

Presságio: direção de Alex Proyas

OS DOIS PRIMEIROS ATOS FUNCIONAM. O ÚLTIMO É UMA BOBAGEM!

Na juventude, fui um cinéfilo mais criterioso. Só entrava numa sala de exibição se o filme valesse o preço do ingresso. Além disso, tinha que escolher entre uma lista reduzida de títulos – Curitiba contava com uma dezena de cinemas, onde os lançamentos ficavam em cartaz por poucas semanas. Para decidir com sabedoria onde gastar meu suado dinheirinho, a solução era vasculhar os cadernos de cultura dos jornais e as revistas especializadas; lia muito sobre cinema e quando me sentava na plateia, já sabia o que esperar.

A era do streaming e o impulso de apertar o play

Hoje, a oferta de filmes beira o infinito. Nas plataformas de streaming, o valor da assinatura é o mesmo, caso você assista a um único filme por mês ou a cinco por dia! Tornei-me um cinéfilo mais impulsivo. Aperto o play com facilidade, pois sei que posso mudar de ideia ao primeiro sinal de arrependimento. Foi com esse espírito armado que comecei a assistir ao filme Presságio, dirigido pelo australiano Alex Proyas em 2009 – impliquei com a presença de Nicolas Cage, um ator irregular e dado aos maneirismos. Para minha surpresa, fiquei hipnotizado nos dois primeiros atos e fui até os créditos finais, ainda que o último ato tenha sido decepcionante.

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Presságio: Nicolas Cage envolvido em um poderoso e intrigante mistério

Mistério, religião e a pretensão do cinema catástrofe

Presságio é um thriller de mistério, que descamba para o cinema catástrofe e exala notas de ficção científica. Aproveita todas as oportunidades para gerar suspense e se abre para temas religiosos, ainda que jamais se atreva a discuti-los em profundidade. Acompanha personagens atormentados, que mal conseguem lidar com as próprias dores, mas se pegam tentando amparar a humanidade inteira diante da iminência do fim dos tempos. É um filme pretensioso, mas tem estofo comercial para agradar aos fãs do gênero. Tem méritos e deméritos em doses parecidas; antes de esmiuçá-los, porém, é mais prudente apresentar a sinopse:

Padrões numéricos e a cápsula do tempo

O filme conta a história do professor de astrofísica do MIT, John Koestler (Nicolas Cage), um viúvo ainda enlutado que tenta seguir a vida criando o filho, o pequeno Caleb (Chandler Canterbury). Quando o garoto traz para casa uma folha de papel preenchida com uma longa sequência de números, John não dá importância – o papel estava em uma capsula do tempo, lacrada há 50 anos e repleta de desenhos, que as crianças de 1959 fizeram especialmente para as crianças de 2009. Por acaso, o astrofísico reconhece um padrão numérico na tabela e depois de pesquisar na internet, chega a uma conclusão estarrecedora: os números aludem com precisão a eventos catastróficos que ocorreram ao longo dos últimos 50 anos! John passa por experiências perturbadoras, até se convencer de que as previsões são verdadeiras. Para resolver o mistério, desvendar seus significados e evitar que as últimas catástrofes se concretizem, ele contará com a ajuda de Diana (Rose Byrne) e sua filha, Abby (Lara Robinson), descendentes da menina que previu um futuro aterrador.

Presságio: Alex Proyas prefere efeitos visuais de tirar o fôlego

Das páginas para as telas: as origens literárias do roteiro

Essa história envolvente foi criada em 2001 por Ryne Douglas Pearson, autor de vários romances (entre eles Simple Simon, adaptado para o cinema em 1998 com o título de Código Para o Inferno e estrelado por Bruce Willis). Presságio, entretanto, já nasceu como roteiro para o cinema. Foi pensado para ser um filme bem mais intimista, onde o personagem de Nicolas Cage mantém o foco nas questões existenciais e tenta lidar com a morte da esposa; contudo, descobre que ela poderia ter sido salva, caso ele já soubesse das previsões reveladas pela tal capsula do tempo. Há um destino já sacramentado? Existe, afinal, o livre-arbítrio? Deus está no comando? Todas essas perguntas pipocavam, para suscitar reflexões mais profundas.

A visão de Alex Proyas e a mudança de escala do filme

Em 2005, quando o diretor Alex Proyas ingressou no projeto, trouxe consigo uma nova abordagem. O protagonista passou a lidar com temas mais urgentes, para além do seu próprio mundinho; embarcou numa verdadeira epopeia, onde o que está em risco é a própria salvação da humanidade. Para transformar Presságio num espetáculo visual similar a Eu, Robô – seu trabalho anterior – o diretor combinou elementos de mistério e catástrofe; imprimiu um senso de urgência que alimentou as cenas de maior impacto. Também decidiu convocar o casal de roteiristas, Juliet Snowden e Stiles White, especializados em filmes de terror – a dupla já escreveu Ouija: O Jogo dos Espíritos e Possessão. Escreveram um novo tratamento, onde mantiveram a premissa básica do roteiro original.

Presságio: no final, vem a decepção. Seria melhor se ficasse em aberto

Pirotecnia e ambiguidade: o impacto visual das cenas de desastre

As cenas iniciais, com a construção do mistério, são envolventes e perturbadoras. As cenas de desastre são de tirar o fôlego. A busca dos personagens por respostas convincentes é legítima e move a trama com agilidade. O problema surge justamente quando os realizadores decidem entregar as respostas de bandeja, embaladas para presente, no último ato. O castelo desaba em uma pirotecnia gnóstica, salpicada de ambiguidades e engendrada para que cada espectador tire suas próprias conclusões. Ateus, cristãos, místicos, esotéricos e até os que consideram a impossibilidade de provar a existência de Deus, sentem-se confortáveis diante de um final feliz.

No final, oportunidades perdidas

Com o fim do mistério, vem o desencanto. O diretor perdeu uma excelente oportunidade para falar sobre Deus, sobre as profecias bíblicas, sobre o sentido da vida, sobre os caminhos da salvação... Preferiu um final previsível, sinalizado com insistência em diversos momentos do filme. Quanto a mim, gostaria que o final ficasse em aberto; que me fizesse introspectivo, a remoer as questões verdadeiramente importantes. Pelo menos não me irritei com os maneirismos de Nicolas Cage; o ator até que entregou uma atuação equilibrada e mais contida do que é seu costume. O que não me impede de cogitar: e se fosse em seu lugar um ator com melhores recursos? Mas se você quer dicas de bons filmes, encontrará nos artigos exclusivos que publico semanalmente na minha newsletter. Para recebê-la gratuitamente por e-mail, basta se juntar à comunidade da Crônica de Cinema. Inscreva-se grátis clicando aqui!

Veredito da crônica de cinema

★★★☆☆(3 / 5 estrelas)

O que brilha: a direção segura de Alex Proyas, os efeitos visuais de tirar o fôlego e a atmosfera permanente de tensão e mistério.

O que decepciona: o final previsível, um tema instigante tratado com superficialidade e a insistência em dar explicações detalhadas, o que subestima a inteligência do espectador.

Vale a pena. É um bom entretenimento.

Ficha técnica do filme Presságio

Título original: Knowing
Ano de produção: 2009
Direção: Alex Proyas
Roteiro: Ryne Douglas Pearson, Juliet Snowden e Stiles White

Elenco:

Nicolas Cage
Rose Byrne
Chandler Canterbury
Joshua Long
Ben Mendelsohn
Lara Robinson
D.G. Maloney
Nadia Townsend
Alan Hopgood
Adrienne Pickering
Alethea McGrath
Danielle Carter
Tamara Donnellan
Travis Waite
Liam Hemsworth
Gareth Yuen
Ra Chapman
Terry Camilleri
Benita Collings
Blair Venn

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Uma surpresa no elenco

Um roteiro certeiro

Emoção e sentido de urgência

Toques pertinentes de humor

Veredito da crônica de cinema

Ficha técnica do filme Uma Vida de Esperança

Crítica | Criaturas Extraordinariamente Brilhantes: baseado em verdades emocionais

SALLY FIELD E O MOLUSCO

Um incrível sucesso editorial

Gosta de analisar os filmes em profundidade?

O ponto de vista de um molusco

Abordagem realista

Imagens exuberantes

Computação gráfica inteligente

Atores incrivelmente brilhantes

Máxima empatia