Fábrica de ilusiones

Y entonces, nuestros ojos se encontraron, y nuestras voces se unieron

noreply@blogger.com (Raquel) — Sat, 27 Sep 2008 17:41:00 +0000

Glen Hansard es un cantante y compositor que interpreta sus canciones por las calles de Dublín, cuando no está trabajando en la tienda de su padre. Durante el día, para ganar algún dinero extra, interpreta conocidos temas para los transeúntes, pero por las noches, toca sus propios temas en los que habla de cómo le dejó su novia. Su talento no pasa desapercibido a Marketa Irglova, una inmigrante checa que vende flores en la calle. Ella tampoco ha tenido suerte en el amor y, para sentirse un poco mejor, escribe canciones sobre el tema, pero, a diferencia de Glen, nunca las interpreta en público. Glen y Marketa, acaban de improviso haciendo un dueto en una tienda de música, y será entonces cuando descubran que algo les une...

Detesto aquellos musicales en los que los protagonistas se lanzan a cantar sin ningún motivo. Me crispan los nervios los números musicales "gratuitos", tipo Hollywood/Bollywood. Pero Once me ha reconciliado con la música en el cine. Once no es un musical al uso. No importa que John Carney no sea un virtuoso de la técnica cinematográfica; es más, no importa que muchas escenas parezcan grabadas con vídeo doméstico. John Carney sabe de cine: ha creado magia.

Autenticidad, frescura, honestidad, romanticismo desbocado... Once tiene un aire documental que hace absolutamente creíble la historia de Glen y Marketa, sin pretenciosidad, sin artificios. Un par de miradas, un par de cafés, un par de historias. No hacen falta grandes diálogos, Once es tan poderoso que 3 o 4 minutos de canción te enamoran. El If you want me de Marketa caminando sola por la calle. El Falling slowly en la tienda de pianos. Como me dijo una amiga (gracias por la recomendación), a mí también me gustaría entrar en una tienda y oírlos tocar, quedarte embobada escuchándolos cantar.

Fuera artificios, nada de sentimentalismo barato. La relación previa entre los dos protagonista se nota en la complicidad de sus gestos. Como dijo el propio director, mejor dos cantantes que medio interpretaran que dos actores que medio cantaran. Que sus interpretaciones no sean dignas de Ser o no ser no perjudica en absoluto la película. Todo lo contrario. Si alguna vez me he preguntado si lo que ocurre en las películas puede pasar en la vida real, Once me dice que sí.

Once, ese beso robado que al final no vemos. Hay ocasiones en que un abrazo expresa más que mil besos. Si eres de esos que alguna vez han descubierto alguna lágrima furtiva al oír esa canción especial, de los que se enamoran de una expresión, ve Once, se siente en la piel. Y redescubre el romanticismo.

Gracias Jorge.

Telón

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 14 Sep 2008 18:42:00 +0000

Londres, 1914. Calvero, una vez gran cómico del teatro, se dirige borracho a su vieja casa. Cuando llega, un desagradable olor le hace reaccionar de repente. No proviene de sus zapatos, como piensa en un principio, si no que se trata de un olor a gas, que parece venir de detrás de una puerta cerrada con llave. Calvero consigue entrar y encuentra a Terry inconsciente. Lleva a la joven a su apartamento del ático y la reanima, le pregunta entonces por qué quiere suicidarse. La muchacha explica que siempre había soñado con convertirse en una gran bailarina, pero que sus piernas están paralizadas. Calvero jura conseguir suficiente dinero para ayudar a la joven. Vuelve a los escenarios, donde su anticuado número es recibido con oleadas de silencio. Ahora es el turno de Terry de animar a Calvero a seguir viviendo y, entretanto, ésta recobra la movilidad de sus piernas. Contratada por el cuerpo de baile del Empire Theatre, Terry logra que el director contrate a Calvero. El empresario no reconoce al famoso cómico por el disfraz de payaso y lo despide.

El gran dictador es la sátira más genial de la historia del cine. Tiempos modernos es desternillante y certera. Luces de la ciudad es una poesía bellísima. El chico, un prodigio de ternura. Casi toda la obra de Chaplin es maestra. Y Candilejas... Es la que yo elijo, quizá porque es melancólica como yo. Candilejas habla de la vejez, de la vida, del amor... del artista. Un testamento de toda una vida.

Pobre Calvero. Ha sido famoso, pero está en decadencia. Mejor dicho, está en las últimas. No tiene ocupación en esta vida. Y sin embargo, enamorado de Terry, encuentra una razón para dejar de ser un fracasado. Sabe que no es para él, pero no le importa. La protege y alienta hasta que Terry alcanza el éxito, mientras que a él no le queda otra que unirse a unos músicos callejeros y tocar con ellos a la puerta de los bares. Una despedida subconsciente del cine americano. Y vaya canto de vida, basta con oír el primer discurso de Calvero.

Charles Chaplin, rey de la comedia y del gag, se despide de la razón de su vida con una amargura y un melodramatismo que pocas veces han llegado a ser tan bellos. Tristeza, melancolía o risas y alegría. Nostalgia a los artistas que alegran la vida y la llenan de color. Chaplin habla más que nunca y nos deleita con la maravillosa partitura del propio Chaplin, Raymond Rasch y Larry Russell.

Al final Calvero triunfa, con Buster Keaton. La vida fue puro teatro.

"Entre candilejas te adoré
entre candilejas yo te amé
la felicidad que diste a mi vivir
se fue;
no volverá, nunca jamás
lo sé muy bien."
(José Augusto)

Ríos de tinta

noreply@blogger.com (Raquel) — Mon, 30 Jun 2008 21:29:00 +0000

En 1945, Jakob Bronski, un joven disidente encarcelado en Drancy, decide proteger a dos niños, Melanie y Christopher. Cuarenta años después, Melanie descubre que Jakob sigue vivo. Siempre había creído que después de ser trasladado a Auschwitz había muerto. Le invita a vivir en su granja familiar, en Canadá. Pero Jakob no llega solo, trae a Christopher. Melanie y Christopher deberán reconocer el poderoso vínculo que existe entre los dos. El pasado explota en el presente en una tierna e inesperada historia de amor.

Lo que parece el título de un libro de autoayuda es la obra-bombón del italiano Paolo Barzman, que quedó fascinado ante la novela de Matt Cohen. Aritmética emocional es otra historia de las consecuencias del Holocausto, sin grandes gestas ni héroes, sólo supervivientes de un drama que les marcará toda la vida.

Como todo libro de autoayuda, la trama consta de 3 pasos: redención, cicatrización y reconciliación. La estructura de la película sigue el caos emocional en el que están sumidos los protagonistas en detrimento de la solidez de un guión consistente. Sentimientos, pensamientos y acciones que se quedan ocultos y se distorsionan. Son 2 planos diferentes: racional y emocional. El segundo funciona perfectamente.

Pues, aunque el guión sea un poco flojo, Barzman se rodea de cuatro monstruos como Susan Sarandon, Max Von Sydow, Christopher Plummer y Gabriel Bryne y los mima a base de primeros planos que les permiten lucirse. Los flashback en blanco y negro son estéticamente poderosos, directos a la emoción del espectador. Ese momento entre Melanie y Christopher es bellísimo. También destaca una gran fotografía y la cuidada banda sonora de Norman Corbeil y en general, la pulcritud técnica.

Una corriente de amor, dolor y confusión. Las consecuencias psicológicas. Los campos de concentración que hacen acto de presencia en forma de pasado traumático, de punto de inflexión en sus vidas. Ríos de tinta. ¿Crees en Dios?. Mejor dicho ¿cree Dios en mí? No es Dios el único ausente en los campos de matanza, sino la humanidad entera.

M. Night Shyamalan VI: El apocalipsis acecha

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 15 Jun 2008 09:41:00 +0000

Todo comienza sin previo aviso. Parece surgir de la nada. En cuestión de minutos, se producen casos de extrañas y escalofriantes muertes en las principales ciudades de Norteamérica que desafían cualquier explicación. ¿Qué está causando este repentino y total colapso del comportamiento humano?, ¿Es algún nuevo tipo de ataque terrorista, un experimento fallido, una diabólica arma tóxica, un virus fuera de control?, ¿Se transmite por el aire, a través del agua... cómo? Para el profesor de ciencias en un instituto de Filadelfia Elliot Moore, lo más importante de todo es encontrar el modo de escapar de este misterioso y letal fenómeno. Aunque él y su mujer Alma están atravesando una crisis en su matrimonio, se ponen en camino, primero en tren, luego en coche, con Julian, amigo de Elliot y profesor de matemáticas, y Jess, la hija de ocho años de edad de éste, hacia Pennsylvania, donde esperan estar a salvo de los horribles y cada vez más frecuentes ataques. Aunque muy pronto queda claro que nadie está seguro en ninguna parte. Este aterrador e invisible asesino no puede ser evitado. Es únicamente cuando Elliot empieza a entender la verdadera naturaleza de lo que está acechando ahí fuera (y lo que ha desatado esa fuerza que amenaza el futuro de la humanidad), cuando descubre un atisbo de esperanza creyendo que su familia quizás pueda librarse de lo que está ocurriendo.

Por fin vuelve Shyamalan. Después de tanto fracaso de público -no de sus fans, por supuesto-, el indio despertaba muchísimas expectativas con una historia apocalíptica, de esas que nadie se atreve a etiquetarlas como premonitorias, pero todos saben que hay algo inquietante que podría hacerse realidad. The happening podría haber sido un coloso. De una idea tan genial podría haber salido una obra maestra. O un bodrio. Quizá por querer contentar a todos -sin conseguirlo- a Shyamalan le ha salido un buen thriller "sobrenatural", pero no la película que esperaba que me dejara la boca abierta. No hay riesgos. Lástima.

El punto de partida es perfecto. Un misterio sin solución del que nadie puede escapar. De repente, sin que nadie lo espere, una gran cantidad de personas en el planeta comienzan a morir de manera fulminante y al mismo tiempo. A plena luz del día. A Shymalan no le hace falta la oscuridad para reflejar el miedo, sus imágenes son lo suficientemente potentes. La causa es desconocida y los efectos devastadores. Nadie puede escapar.

Es el caos en estado puro. No así como el resto de la historia, que avanza y avanza y todo queda bien explicado. No hay vueltas de tuerca, ni sorprendentes ni efectistas. No hay equivocaciones, solo es cuestión de actuar para sobrevivir. Pensar, ponerte en acción y todo saldrá bien... o no. La naturaleza tiene un protagonismo especial, único, misterioso y hasta terrorífico. Shyamalan no deja de lado su misticismo y su hacer pensar, aunque esta vez no tenga tanta fuerza.

¿Por qué, a pesar de no haber sacado esa historia tan genial que esperaba, The Happening es una gran película? Porque Shyamalan tiene verdadero talento. Tiene ojos de cineasta verdadero. La película tiene momentos escalofriantes, pero también bellos. No me importa que en vez de sugerir esta vez le dé por mostrar, para que veamos que también sabe enseñar sangre. Todos sus errores me valen por su ingenio, por su saber hacer, por su técnica, por su mágica ambientación, por el mundo que crea. Por la elección de sus actores: el papel de Leguizamo es un gran acierto. La escena de la división de coches es maravillosa.

Me encanta James Newton Howard. Las obras de Shyamalan son tan especiales porque Howard las musicaliza. Forman un tándem magistral. Desde los títulos de crédito (sencillitos pero efectivos) vemos su sello personal, el misterio, el miedo, la histeria, la impotencia que nos va acompañando.

Que cada uno le saque las interpretaciones que quiera. Que la naturaleza nos está avisando, que el amor hace que la amenaza pare, que el epílogo trae cola... para eso está el cine. Tengo prejuicios, lo sé, Shyamalan es mi genio personal. No todo iban a ser obras maestras, pero siempre serán grandes películas. La frase promocional lo resume muy bien: "Lo hemos sentido, hemos visto la señales, ahora está sucediendo". Ya no es una promesa, es un hecho. Que me ha gustado.

Lo importante es vivir

noreply@blogger.com (Raquel) — Thu, 08 May 2008 17:51:00 +0000

Cuando el estudiante de arte en Londres, Ben Willis, sufre una dolorosa ruptura, él desarrolla insomnio. Para matar el tiempo, empieza a trabajar en el turno de noche en un supermercado local. Allí conoce a un colorido reparto de personajes, y todos ellos tienen su propio "arte" al tratar con el aburrimiento de un turno de ocho horas. El arte de Ben le permite ver la inolvidable belleza del mundo cotidiano y la gente dentro de él -especialmente Sharon, la callada cajera, que quizá tiene la respuesta para solucionar el problema del insomnio de Ben.

Masacres familiares, obsesos psicópatas, atracos, consecuencias de la guerra, secuestros y chantajes, amenazas de muerte... Resumen de la cartelera, llena de tragedia y conflictos de vida o muerte. Y un tal Sean Ellis hace una película cuya mayor tragedia es que al protagonista le ha dejado la novia. En un par de cines y en versión original, asoma Cashback.

Esta opera prima de un fotógrafo reconvertido en cineasta era inicialmente un cortometraje, pero la historia tenía mucho más de sí que dar: la sensación onírica de irrealidad insómnica. Curiosa paradoja. Sean Ellis demuestra mucho desparpajo y dominio de la técnica, además de una gran sensibilidad y humor para contarnos la pequeña tragedia de Ben, cuando toda la introspección del comienzo podría haber resultado en manos de otro una retahila pedante, y, lo que es peor, aburrida e insincera.

A Ben le deja la novia. No puede conciliar el sueño, así que se busca un trabajo nocturno. Y en el lugar más frío y deprimente en el que se pueda trabajar de noche, un supermercado, encuentra más que unos amigos frikis. La belleza, primero impersonal, en todas las bellas mujeres a las que Ben desnuda, y después... a Sharon.

Vale que el humor inglesito a veces se pasa de absurdo, que algunas situaciones se ven venir (la galería de arte) y que los amigos son, en su gran mayoría, una exposición de tópicos. Pero yo creo que hay gente así. Acaban haciéndose entrañablemente patéticos, que nos hacen reír con cada situación que montan.

Dos referencias cinéfilas: Severin, la melancólica dominatrix de Shortbus, la que quería que el tiempo se detuviera y desaparecer... quizá Ben hubiera podido ayudarla. Y los últimos instantes de la película: María y Matthew de Trust. Éstos son más dulzones, pero la esencia es la misma. Confiar.

Y el final acaba de poner la guinda a este dulce, qué miedo tenía que fuera demasiado amargo o, por el contrario, empalagoso. “Lo que nos pasamos la vida buscando, a menudo está justo frente a nosotros. Y si nos tomamos el tiempo para ver las cosas con calma, encontramos en nosotros lo que queremos o encontramos formas de obtenerlo. Y lo que supuestamente es imperfecto puede ser visto de forma diferente”. Palabras del director. Un minuto puede valer para hacernos feliz.

Las fábulas también son para los niños grandes

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 27 Apr 2008 19:19:00 +0000

Empezando de nuevo tras la muerte de su madre, Anthony, de nueve años de edad, se muestra siempre pragmático, mientras que su hermano pequeño Damian, dos años menor que él, emplea la imaginación, la fantasía y la fe para que su confuso mundo tenga un sentido. Una bolsa llena de billetes cae de los cielos a pies de Damian y lleva a los niños a una aventura imperecedera que les hace darse cuenta de que el verdadero valor de las cosas no tiene nada que ver con el dinero.

Una peli con mensaje. Desde el título, desde el cartel, desde la sinopsis... Danny Boyle se sale totalmente de sus registros -aunque tampoco es que suela seguir un estilo concreto- y nos sale con una película fabulescamente moral, bonita e infantil. O mejor dicho, para ver con ojos y espíritu de niño, como los inmensa mirada del protagonista. Y por eso no gustará a todos, pero a mi me ha encantado.

El argumento no puede ser más peregrino: un niño huérfano de madre, con padre amable pero que trabaja mucho y un hermano más listo que el hambre, que se acaba de mudar, juega solo y se sabe de memoria la vida de los santos... de hecho hasta charla con ellos. Y un día, el milagro sucede. Una bolsa repleta de billetes como regalo del cielo. Como Un millón en la basura. Y es que al prota no se le ocurre otra cosa que repartir el botín entre los pobres. Tiene fe. Su hermano en cambio, un tiburón de las finanzas, tiene los pies en la tierra. Esto va a traer cola...

Me gusta que Boyle pase de los convencionalismos y se meta en extravagancias. Todo el principio con la mudanza, santa ¿Bárbara, Águeda?, la ambigua presencia de la madre, las almohadas... La película está bien contada, sin que sepamos muy bien en qué género estamos metidos. Hay un poco de todo: comedia, fantasía, drama, suspense... También hay espacio para la paranoia y el surrealismo, combinados con unos efectos visuales estupendos -y la canción final- que nos hacen sonreír.

Efectivamente, el protagonista infantil es de lo mejorcito que se ha hecho desde El sexto sentido. Tanto de guión como de interpretación. Recordad la escena de los teléfonos. Los dos hermanos se compran dos móviles de última generación, videollamada incluida. Están a pocos metros y el pequeño dice "te veo muy borroso en el teléfono". Es que eso es sabiduría y cariño. O la escena de San Pedro y su explicación del milagro de los panes y los peces. Desternillante.

Boyle nos cuenta otra vez lo de siempre, nos habla de los eternos dilemas morales y la manera en que se puede reaccionar a ellos. La vida es una continua elección. Que lo de la madre esté muy sobado... pues a mí se me cayó la lagrimilla, no pude evitarlo. Que el final parezca un anuncio publicitario... a mí me puso una sonrisa en la cara. Como Damian, Millones es encantadora, si sabes verla con los ojos adecuados.

Animalitos

noreply@blogger.com (Raquel) — Mon, 14 Apr 2008 21:26:00 +0000

Melanie, una rica y hermosa joven de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería a un abogado. El es Mitch Brenner y ha ido a comprar un par de periquitos para su hermana Kathy, que acaba de cumplir once años. Mitch, que conoce a Melanie por la prensa, la trata despectivamente y se marcha dejándola rabiosa pero intrigada. Melanie decide encargar unos periquitos y llevarlos a casa del abogado, pero éste se ha marchado el fin de semana a casa de su madre. Melanie decide entonces darle una sopresa llevándole la pareja de periquitos a la ciudad natal de los Brenner, Bodega Bay. Cuando llega al lugar, los pájaros de la zona comienzan a atacar sin razón aparente a los habitantes del lugar. La situación se agravará a medida que avanzan las horas.

Los pájaros, fantástica película de terror, precursora de un género que, salvo un par de experiencias como La humanidad en peligro y Cuando ruge la marabunta, apenas había vuelto la vista hacia los animales. Pero Alfred Hitchcock no desatiende a los humanos y cuida los matices de la cinta. Recordad el momento en que Melanie entrega los pajaritos del amor a su deseado. La comedia romántica, tan perfecta que hasta resulta burda, se quiebra tan violentamente que el resultado es el mismo caos.

Los pájaros es uno de los clásicos más recordados de Alfred Hitchcock sin duda por su originalidad, aunque conviene no buscarle la lógica. El ataque de los pájaros en ese pueblo aislado ha sido objeto de interpretaciones de tipo simbólico (que si el enfrentamiento entre la palabra y el caos, el Apocalipsis que se consuma, la sexualidad reprimida de la chica...), pero las aves probablemente sean un vehículo plástico y narrativo para los trucos del mago. Puedes ponerte a analizarla (y ver pajaritos en todas las películas de Hitch), o bien repantigarte en el sofá y disfrutar del espectáculo. Hoy, su puesta en escena se aprecia con admiración y sus efectos especiales, con cariño.

Sin música, pero con una banda de sonido (de Herrmann, claro) que funciona como una orquesta, Los pájaros tiene una brillantez técnica como pocas veces llegó a alcanzar. Los ataques de los pájaros, especialmente el que tiene lugar cuando los niños salen de la escuela, son antológicos, y tantas veces homenajeados/copiados/profanados. Y las oscuras relaciones (atención a lo que se parecen la puñetera madre y la pija salida de Melanie y la pinta de galán de pega de Rod Taylor) entre los personajes contribuyen a que esta enrarecida metáfora sea una de las películas más misteriosas del cine, aunque todo el mundo sienta el latido de los deseos en sus imágenes.

¿Y el final? ¿Qué? ¿Qué impresión te produce? Es decepcionante y genial a la vez. Mira que es rebuscada toda la película, pero te lo crees. Es como el borracho del bar. Increíble, patético, pero al final es cierto, desasosegante, sin sentido, el anticlímax más famoso del cine. No le hagas caso a la parodia de comedia del principio, que de todas maneras es de una ironía finísima. El fin de fiesta está por llegar.

Momentos para coleccionar XVIII

noreply@blogger.com (Raquel) — Sat, 05 Apr 2008 13:53:00 +0000

Leonard Shelby (Guy Pierce):

"¿Cómo puedo cicatrizar si no siento el paso del tiempo?"

Memento (Christopher Nolan, 2000)

Por última vez

noreply@blogger.com (Raquel) — Fri, 28 Mar 2008 19:35:00 +0000

José Luis, empleado en una funeraria, está pensando en emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Enamorado de Carmen, hija de Amadeo, un «administrador de justicia» que parece tener soluciones para todo, será sorprendido con ella en la intimidad, por lo que se ven obligados a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos y la necesidad de buscar un piso para fundar el nuevo hogar, Amadeo, que está a punto de jubilarse, convence a José Luis para que solicite la plaza de verdugo que va a dejar vacante, y con la que tendrá derecho a una vivienda. Basta con que José Luis herede la profesión de su suegro. Esa es la única condición que pone el Patronato de la Vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta y, convencido de que jamás ejercerá, se hace verdugo. Mientras no hay ejecuciones, la vida en la casa nueva transcurre plácidamente, pero un día llega el temido telegrama: debe ajusticiar a un condenado en Mallorca. La posibilidad de un indulto es su única esperanza.

Luis García Berlanga y Rafael Azcona eran los mejores cuando debían eludir la censura y en esta comedia negra, para mí la mejor película española de la historia, logran su cima, junto al guionista Ennio Flaiano y el operador Tonino Delli Colli, italianos como la coproducción. El embajador de España en Roma declaró, tras intentar prohibir su exhibición, "La película me parece uno de los más impresionantes libelos que jamás se hayan hecho contra España; un panfleto político increíble, no contra el régimen, sino contra toda una sociedad. Es una inacabable crítica caricaturesca de la vida española." Tenía toda la razón. Lo mejor es tratar esta tragedia desde una óptica cómica, que si no, la experiencia puede ser tremenda. Nunca olvidaré el último plano inhumano de Pascual Duarte, pero ésta la recuerdo fotograma por fotograma. Porque sin ser tan explícita, es mucho más terrible.

Los personajes son un viejo verdugo del régimen, su hija casadera y la “víctima” de ambos, un empleado de pompas fúnebres destinado a heredar el puesto de su futuro suegro. Un hombre normal y corriente, que tiene un trabajo con el que gana poco dinero. Ya casado espera no tener que ejercer nunca su profesión. Pero ese momento llega.

Imprescindible alegato contra la pena de muerte, con un Nino Manfredi (tan buen actor que logra no parecer italiano) acobardado, y un Pepe Isbert (tan genial que vuelve querible a su nefasto personaje) que engrandecen una película que mejora con el tiempo, junto a un gran reparto en el que asoman Lola Gaos, José María Prada, Antonio Ferrandis, Chus Lampreave, José Luis Coll, Erasmo Pascual, Manuel Alexandre, Elvira Quintillá, Alfredo Landa, José Sazatornil, Agustín González y Julia Caba Alba...

-"Amadeo: Me hacen reír los que dicen que el garrote es inhumano. ¿Qué es mejor, la guillotina? ¿Usted cree que se puede enterrar a un hombre hecho pedazos?
-José Luis: No. Yo no entiendo de eso.
-Amadeo: Y que me dice de los americanos. La silla eléctrica son miles de voltios. Los deja negros, abrasados. ¡A ver dónde está la humanidad de la silla!
-Jose Luis: Yo creo que la gente debe morir en su cama ¿no?
-Amadeo: Naturalmente, pero si existe la pena de muerte, alguien tiene que aplicarla."

Excelente comedia llena de un personal humor negro y un duro alegato contra la pena de muerte. La historia de cómo obligan a Jose Luis a hacer lo que no quiere, casarse, tener un hijo y convertirse en verdugo, con el acicate de que mejorará su vida por lo bien que guisa Carmen y disfrutará del piso que ha conseguido don Amadeo. Es una mirada entre divertida y asqueada, certificando cómo los convencionalismos absurdos nos obligan a actuar de modo "normal".

El verdugo no es sólo una de las películas más importantes de la historia del cine español. Es también una de las más duras y siniestras, porque Berlanga y Azcona reducen la pena de muerte a un triste oficio. La sencillez con que está planificada y la versatilidad de matices que ofrece el gran Pepe Isbert otorga credibilidad al drama: en definitiva, matar a alguien en nombre del Estado es también un trabajo como otro cualquiera. Obra de dos genios.

Aquí la conciencia no tiene lugar

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 23 Mar 2008 17:25:00 +0000

Berlín, 1936. Sorowitsch es el rey de los falsificadores de moneda. Pronto es arrestado por los nazis y llevado a un campo de concentración donde es obligado a trabajar para ellos junto a otro grupo de falsificadores. Esto les supone un dilema moral ya que cooperar con sus verdugos prolongará la guerra y podría significar la victoria para los alemanes.

Con el Oscar bajo el brazo llega Los falsificadores, otra película más sobre el Holocausto, austriaca, basada en hechos reales -en la novela autobiográfica The Devil’s Workshop, de Adolf Burger-, sobre la Operación Bernhard. La lista de Schindler, El pianista, Valkyria... El tema del Holocausto ha dado grandes obras maestras, pero sobre todo, con corazón.

98 minutos que no se hacen cortos, que no son una lección de historia -según el propio director- , sino "cuestiones universales para un público contemporáneo". No hay grandes horrores, todo es sobrio y el acercamiento, respetuoso, buscando mostrar más matices más allá del blanco y el negro. El dilema, si merece la pena intentar salvarse uno mismo a toda costa echando por tierra todos tus principios o perder la vida cuando las oportunidades de sobrevivir son prácticamente nulas. Cuando la supervivencia es la clave, no hay ideales ni personalidad que valgan.

Stefan Ruzowitzky (con Tempo, Los herederos, Anatomía 1 y 2 (!!), All the Queen´s Men a sus espaldas) nos da una visión cercana y directa, y lejos de la grandiosidad hollywoodiense, se centra en los conflictos de los personajes, a costa de sacrificar una buena estructura narrativa, que en este caso queda un poco endeble, y de ganar previsibilidad. Mucha cámara en movimiento, primeros planos y zooms, en vez de los planos descriptivos y tranquilitos propios del género.

Lo mejor, las interpretaciones del semihéroe Sorowitsch (Karl Markovics) y de sus compañeros, aun teniendo personajes bastante desdibujados; y esa gran banda sonora, con las viejas grabaciones de ópera de Deutsche Grammphon, esa habanera, y los tangos a la armónica.

Al final, todo se reduce a sobrevivir. "No se consigue nada tratando a los seres humanos como si fuesen mierda, no es productivo. Es mucho más práctico tratar a la mierda como si fuesen seres humanos". De qué va Los falsificadores, de cómo el poder absoluto y absurdo sobre otro ser humano y el tenerlo a su merced hace sacar lo peor del verdugo... y de cómo el papel de víctima impotente deshumaniza la dignidad del hombre. De lo terrible que es hacer de la supervivencia un negocio.

El ser humano y sus contradicciones

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 16 Mar 2008 16:57:00 +0000

En el viaje anual de pesca, en un aislado lugar en el campo, Stewart, Carl, Rocco y Billy encuentran el cuerpo de una chica en el río. Es tarde ya para que volver a la carretera e informar del trágico hallazgo. A la mañana siguiente en vez de emprender la larga caminata de regreso, deciden pasar el día pescando. La decisión de quedarse pescando es un poco extraña, como si el propio lugar ejerciera algún tipo de influencia sobre ellos. Cuando finalmente vuelven a casa e informan del suceso el infierno se desata.

En “Tanta agua tan cerca de casa”, Raymond Carver narraba el extraño comportamiento de una esposa cuyo marido encuentra, durante unas jornadas de pesca junto a un grupo de amigos, el cadáver de una joven El hecho, sobredimensionado por los medios de comunicación, provocará que la mujer quiera saber algo más sobre la chica asesinada. Ray Lawrence toma el argumento de una intriga muy a los hermanos Coen para crear otro tipo de historia, sobre el racismo, sobre las personas, sobre la (in) humanidad.

Tras un comienzo de una atmósfera verdaderamente inquietante, nos vamos sumergiendo en una trama enormemente densa y sucia, de pausado desarrollo; una historia llena de personajes de doble cara, en un entorno puramente cotidiano, el de un pueblo, Jindabyne. Ah, pero es que el hecho de ser una película "lenta" es un arma de doble filo. La estructura temporal y los diálogos intimistas no siempre garantizan una buena película coral. Para el espectador que no venga prevenido, se le hará pesada y aburrida, por el excesivo laconismo, por ese final seco y sin sentido, por el sabor de boca que deja, por el hastío.

El ser humano y sus contradicciones. Unos hombres encuentran un cadáver y no avisan del hecho hasta dos días después cuando terminan su jornada de pesca. ¿Qué habríamos hecho nosotros? ¿Tan terrible es esa justificación de "ya nada puede ayudarla"? Los hechos nos son mostrados sin concesiones, pero las interpretaciones corren a nuestro cargo, ya que ni los personajes son capaces de afrontar sus propias actitudes.

Todo es excesivo en Jindabyne. La sensación de realidad que acecha, como si de un cuadro se tratara. Las interpretaciones de Gabriel Byrne y Laura Linney, siempre a punto de estallar, la fotografía de David Williamson o la banda sonora de Paul Kelly y Dan Luscombe.

Jindabyne es una película llena de fantasmas. Sobre una mierda de vida, con perdón. Creíble o increíble, es un ejercicio de búsqueda de pistas sobre los pequeños trazos que nos da Lawrence para encontrar las claves de la historia. Y una vez encontradas, ¿qué queda? Entre la realidad y el sueño, el alivio y la inevitable inquietud... una historia llena de fantasmas humanos. Sin explicación.

Enésima American History

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 09 Mar 2008 19:22:00 +0000

A principios de los ochenta, un congresista americano al que le gustaba pasarlo bien, una mujer de la alta sociedad de Houston a la que le gustaban las buenas causas, y un agente de la CIA al que le gustaban los retos, conspiraron para realizar la mayor operación secreta de la historia. Joanne Herring, una de las mujeres más ricas de Texas y virulenta anticomunista, convenció al congresista Charlie Wilson para que ayudara a los muyahidines afganos, consiguiendo fondos y armas para expulsar a los soviéticos de Afganistán. El compañero de lucha de Charlie en esta dura batalla fue el agente de la CIA Gust Avrakotos.

Yo no entiendo de política. Ni aunque me la expliquen desde la historia. La guerra de Charlie Wilson no me atraía mucho de entrada –typical american, guerra fría, Pakistán, Uzbekistán, Afganistán, el que sea, el Mike Nichols de Primary Colors, actores de renombre… allá vamos.

Después de una primera parte bastante aburridilla –cabezada incluida, y no era la hora de la siesta-, la película va tomando un cariz algo más interesante, sobre una guerra que que no está en los libros. No tan patriota como parecería a simple vista, pero no acaba de rematar. Una historia desmesurada que parece más bien, pues eso, el argumento de una película.

La dirección es buena, los diálogos son muy acertados, el ritmo, adecuado, los intérpretes, de lujo… Pero el resultado es muy artificial. ¿comedia política? ¿historia real dramatizada? La mirada norteamericana es cínica, eso que el destino del mundo se decide en un despacho coqueto, pero la autocrítica es muy insuficiente. Me falta sutilidad y un poquito de humildad.

Para recordar, la primera conversación de Tom Hanks con Philip Seymour Hoffman. Auguramos un ácido encuentro cara a cara, pero las sexys secretarias de Hanks nos importunan a cada momento. Y Hoffman sabe lo que tiene que hacer. Una escena divertidísima, brillante, y con ritmo. Soltura y mucho morro. Y una sorpresa en el regalo.

Tom Hanks está bien, algo espeso, pero como de costumbre interpreta su papel sin esfuerzo alguno. Philip Seymour Hoffman es un crack, y su personaje, todo un regalo para que lo borde. La película merece la pena sólo por verle a él. Y Julia Roberts, ¡ay, Julia! Sosa, muy sosa.

¿Te hace pensar? Un poquito. ¿Se olvida con facilidad?, lo típico, un mes o dos. La guerra de Charlie Wilson contada por Charlie Wilson. Me siento orgulloso de mí mismo, todos me aclaman con los ojos arrasados de lágrimas. Yo también amo a América.

Entre vivir y soñar

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 02 Mar 2008 10:08:00 +0000

Toda una vida para decir "Te quiero". Ochenta años para empezar una historia de amor. Y todo por culpa de un juego. O quizá gracias a un juego. Sophie y Julien han diseñado las reglas. Y serán, de por vida, los árbitros... y, a menudo, las víctimas. “¿Te atreves?” “Me atrevo”. Se atreven a todo, desde lo mejor a lo peor. Ridiculizan los tabúes, se saltan las prohibiciones, se enfrentan a la autoridad, ríen, se hacen daño. Son capaces de todo... excepto de reconocer que se quieren. El juego empieza con un desafío inocente: un desafío para olvidar que mamá está muy enferma... para olvidar que toda la clase la llama “polaca guarra”. Después de unos cuantos desafíos, el juego se ha convertido en lo más bonito, lo más intenso de la vida de los dos niños. Juegan, se quieren... El juego, el amor... El amor, el juego... Pero es mucho más simple ser sólo amigos. La vida pasa, el juego sigue cada vez más intenso, como la pasión... Y cada vez que contestan “Me atrevo” están diciendo “Te quiero más que a mi vida”."¡Me atrevo!".

Navegando por la red me encontré una imagen que me enamoró. Dos niños, un beso, y entre ellos, una caja, una historia.

Fuera convencionalismos, estamos ante el cine francés más imaginativo, que sabe a Jeunet desde los créditos de inicio. Pero esta vez no es Amélie la jovencita que nos hace reír y llorar, sino chiquillos -que bien podrían haber sido vecinos de la propia Amélie- que no llegan nunca a crecer. Juegan, juegan, y no pueden parar. Es el amor más infantil, más divertido, sincero, amable... y cruel. Un juego que llega demasiado lejos y que al igual que crea, acaba destruyéndolos.

Yan Samuell se apunta el estilo visual colorista, pero no necesariamente de color de rosa. Una musiquita dulzona de Philippe Rombi, para recordarnos que ante todo estamos en una película de ver abrazados y no soltarse hasta el final. Y dos actores, Guillaume Canet y Marion Cotillard (toma Oscar), porque si no, esto podría haber acabado en telefilme de final convencional.

Te puede pasar de todo. Que tu vida se detenga en una fría sala de hospital. Desaparecer del mundo escondiéndote tras los faldones del mantel de una mesa. Subirse a un coche para proclamar a los cuatro vientos tu amor... Si tu corazón no se estremeció en la escena del restaurante, revísalo. Está muy frío.

Ante todo , triunfa el amor. Es una visión exagerada, incluso falsa. Una confusión entre el amor y la amistad. De los errores cometidos, cuando ya es demasiado tarde. De todo lo que somos capaces de hacer por las personas a las que amamos, y todo el daño que podemos llegar a hacer, cuando creemos que no amamos. El amor hay que vivirlo. Hay que arriesgarse. Luchar por conservar el amor, o bien rendirse honestamente cuando no tiene remedio. La cobardía es la peor salida. Los que hayan visto la película me entenderán.

"¿De modo que ser adulto era esto? Tener un velocímetro que marca de 0 a 210, pero no ir nunca a mas de 60." Quiéreme si te atreves es una historia de amor original, que nos podría haber pasado a cualquiera. Pero no, ¿verdad? Nosotros maduramos, caemos en la monotonía. Pero ellos son originales hasta el final. A veces los por qués no importan. La alegría de vivir está en el aquí y el ahora.

Momentos para coleccionar XVII

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 24 Feb 2008 11:39:00 +0000

No hay que tener vergüenza y decir las cosas bonitas, porque bastante feo esta el mundo para estropearlo nosotros, porque ser amable no cuesta dinero... Yo toda mi vida he estado fregando escaleras, terrazas y de todo... y sé que lo blando gana a lo duro, pues yo no he visto mancha por muy dura que sea que no salga con el agua... Hay tanta gente sola en el mundo como mi hijo, muriéndose por falta de cariño, tanta gente que necesita un beso nada más; porque los besos son blanditos como el agua y quitan muy bien las manchas de la soledad por muy duras que sean... Con lo bonito que es ayudar a las personas...

Cándida (Guillermo Fesser, 2006)

Declaración de amor

noreply@blogger.com (Raquel) — Thu, 14 Feb 2008 18:29:00 +0000

La película narra la historia de un niño de un pequeño pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del Cine Paradiso. Encantado por las oscilantes imágenes, Salvatore deseaba con todas sus fuerzas que el cine fuese en realidad magia. Un día, Alfredo, el operador de cine, accede a enseñar al pequeño los misterios que se ocultan en una película. Todos los niños de la pequeña villa van creciendo, sin perder nunca su amor por el cine, pero llega el momento en el que Salvatore debe dejar el pueblo y comenzar a buscar sus sueños. Y así ocurre durante treinta años hasta que un día un mensaje le comunica que debe volver a casa donde un secreto le espera.

Hoy le quiero hacer una declaración de amor al cine. Y qué mejor que decírselo a Cinema Paradiso, que es la máxima declaración de amor que se le ha hecho al séptimo arte. Cinema Paradiso es mucho más que una película. Es una historia llena de nostalgia por una personal manera de ver y entender al cine. Y de vivirlo.

Preñada de melancolía, humor y nostalgia, Cinema Paradiso cuenta la historia de un director que, al enterarse de la muerte del encargado de la sala de cine de su pueblo, recuerda toda su vida anterior. La historia de un cine de pueblo a lo largo de sus décadas (su auge, sus anécdotas, su declive, su desaparición definitiva) a través de Alfredo y su pequeño ayudante.

Es asombrosa la capacidad de Tornatore para captar lo cotidiano. Totó no se separa del lado de Alfredo, coleccionando en secreto aquellos descartes que el sacerdote -el censor definitivo- corta de las películas proyectadas. Así que Totó guarda, como si de un tesoro se tratara, todos los besos y caricias prohibidos y descartados en una vieja caja. Trocitos de vida.

La estructura en flashback, según los recuerdos de Salvatore de mayor, nos va preparando para un clímax final que es un homenaje sentido al séptimo arte como vehículo de entretenimiento y aprendizaje para la vida. Aparte de las excelencias del reparto, la cinta se beneficia de la música de Ennio Morricone, que compone una de sus partituras más bellas y emotivas, que nos vuelven a recordar la intensidad emocional que despiertan los recuerdos, esa melancolía que salta a chorros cuando la memoria rememora hechos que marcaron nuestra vida y que se han quedado atrás.

"Este pueblo está maldito. ¡Vete!, vete y no vuelvas nunca. Y si algún día te gana la nostalgia y regresas… No me busques. No toques a mi puerta porque no te abriré. Busca algo que te guste y hazlo, ámalo como amabas de niño la cabina del Cinema Paradiso. Desde hoy, ya no quiero oirte hablar; ahora, quiero oir hablar de ti…".

Como me dice una gran amiga, "Cinema Paradiso es la NOSTALGIA de unos tiempos que muchos recordarán con lágrimas en los ojos; es la nostalgia de la niñez, de la juventud, de todo lo que se fue y quedo atrás". Emocionante, muy emocionante. Aunque la tendencia al lagrimeo es inevitable, termina siendo entrañable. Esta película es el cine mismo, y todo el cine está dentro de ella. Es una historia de amistad entre el pequeño Totó y Alfredo, de puro amor entre Salvatore y Elena... Pero me quedo con el deseo de Totó: que el cine fuese en realidad magia.

Locos por el fútbol

noreply@blogger.com (Raquel) — Sat, 09 Feb 2008 11:07:00 +0000

Cuando Paul, un profesor inglés de mediana edad obsesionado con el fútbol y acérrimo seguidor del Arsenal, conoce a Sarah, una joven que detesta ese deporte, se verá forzado a reevaluar su vida drásticamente. Por una parte está su chica, pero por otra la única pasión que le ofrece alegrías y penas, en la que basa gran parte de su vida, y además la única que hace sentir orgulloso de su identidad británica.

Nick Horny (Alta fidelidad), apasionado del deporte, se basó en sí mismo para su obra Fever Pitch, en que el protagonista era hincha de fútbol, y le sale una novela estupenda. David Evans se encarga de llevarla a la gran pantalla en clave humorística, el típico triángulo amoroso... pero no tan típico, si se trata de un hombre, una mujer y ¡un equipo de fútbol!

Excelente y divertidísima comedia británica de ambiente futbolístico sobre la difícil relación entre dos opuestos: un hincha furibundo del Arsenal -para más suplicio, algo así como el Atleti inglés- y una enemiga acérrima del fútbol. Sí, una comedia romántica, algo previsible, pero encantadora. Sorprende por su inteligencia aún más que por ser el fiel reflejo de la vida de tantas parejas de novios, aquellos que siguen a pies juntillas "los domingos por el fútbol me abandonas". Y la copa, las competiciones internacionales...

Paul Ashworth es un hombre interesante y culto, profesor de literatura inglesa, que lee a Steinbeck y a Lord Byron. Pero no sabe hablar de otra cosa que de fútbol... Sarah es interesante y culta, profesora en el mismo instituto que Paul. Pero es una aburrida estirada. Fijaos en su primera cita, parece una obligación más que otra cosa. Para encarnarlos, una Ruth Gemmel encantadora y un Colin Firth que demuestra ser uno de los mejores actores de la actualidad.

La película cuenta con un inicio y un desenlace estupendos. El desarrollo, quizá al dejar de lado los gags puramente futbolísticos -aunque sin desaparecer del todo-, se hace más serio. Paul y Sarah comprenden que su relación se está deteriorando. Como la tragedia ocurrida en el campo de fútbol. Él es un energúmeno bruto y ella es incapaz de comprenderle. La solución sería casarse, criar un hijo, comprar una casita (en el barrio del Arsenal, a ser posible) y aceptar un empleo con mayor responsabilidad. Madurar.

Y el clímax se acerca. 1989, Liverpool-Arsenal. La liga se decide en un partido. Si quieres saber el final, no tienes más que buscar el resultado del encuentro. Es el peor día de la vida de Paul y Sarah. ¿Decidirá Paul darle un nuevo sentido a su vida más allá de su fiebre futbolera, viendo que hay vida más allá del Arsenal? ¿Descubrirá Sarah que el fútbol puede ser una pasión más en esta vida?

Instrucciones para ver Fuera de juego en pareja: Elegid unas cuantas canciones y poneos cómodos en sofá. Para los hombres: como dice Paul, pueden existir en tu vida alegrías y penas que no estén relacionados con tu equipo. Y para las chicas: si el equipo de tu amorcito gana el partido, únete a la fiesta. Feliz partido.

Aprendiendo a vivir

noreply@blogger.com (Raquel) — Sat, 02 Feb 2008 14:32:00 +0000

Phil, hombre del tiempo de una cadena de televisión, es enviado un año más a Punxstawnwey, a cubrir la información del festival de El día de la marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, al levantarse, Phil escucha en el radiodespertador el mismo programa que la mañana anterior...

"They say we're young and we don't know
We won't find out until we grow
Well I don't know if all that's true
'Cause you got me, and baby I got you..."

2 de Febrero. ¡Bienvenidos excursionistas! ¡Hoy es el día de la marmota! El hombre del tiempo acude con su productora al perdido pueblecito de Pensilvania, donde se celebra el día de la Marmota, animal que anuncia el clima que habrá en el año. Tras pasar la noche allí, queda atrapado en el 2 de febrero, y el mismo día se repetirá una y otra vez, dándole la oportunidad de corregirse hasta a aprender a vivir. Y a fuerza que tendrá que hacerlo.

Tras el desconcierto de las primeras semanas, Bill Murray saca partido a la monotonía hasta conseguir un día perfecto. La cara de Bill Murray no se ha hecho famoso por Lost in translation. Es por Phil Connors. Es el dueño absoluto de la función. Esa mezcla de hombre afable y capullo del siglo con cara de idiota requiere a un gran actor para no caer en el ridículo.

Atrapado en el tiempo es una de las mejores comedias de los 90. Una metáfora en estado puro, una perfecta comedia sobre segundas oportunidades, beneficiada con un estupendo guión que mezcla realidad y fantasía de manera notable. Un clásico de comedia moderna por méritos propios, construido a la vieja usanza, con una estructura sólida y un desarrollo casi insuperable. Danny Rubin escribe una historia original y muy de cuento de hadas, Harold Ramis dirige con soltura, elegancia y humildad, y los magníficos comediantes que son los actores se encargan del resto.

Un día diferente. La vida de viaje. Un director, Harold Ramis, con gran talento para las comedias (recordemos Una terapia peligrosa). Sorna, humor negro y una bonita historia de amor, no tan típica como podría esperarse, sino mucho más real.

La vida es repetirse. Como dice Santiago, "que la vida es, en buena medida, alienante repetición, lo hemos barruntado más de una vez, pero rara vez un film ha conseguido expresarlo de forma tan convincente". Atrapado en el tiempo te hará reír, pero también te hará pensar en tu vida. Si le estas exprimiendo todo su jugo, y si si merece la pena vivir todos los días inmerso en la rutina. Phil tardó casi una eternidad en darse cuenta. ¿Cuanto tiempo necesitaría gente como Phil?, ¿cuanto tiempo necesitaría yo?.

La historia de dos figuras junto a la fuente

noreply@blogger.com (Raquel) — Sat, 19 Jan 2008 10:26:00 +0000

La película comienza en Inglaterra un día de 1935, el más caluroso del año. A pesar de la creciente amenaza de la II Guerra Mundial, Briony Tallis y su familia viven como auténticos privilegiados en su enorme mansión victoriana neogótica. Toda la familia se reúne para el fin de semana, pero el opresivo calor y las emergentes emociones reprimidas crean una soterrada sensación de peligro. Briony, escritora en ciernes, es una chica de 13 años con mucha imaginación. Una serie de catastróficos malentendidos provoca que acuse a Robbie Turner, el hijo del ama de llaves y amante de su hermana Cecilia, de un crimen que no ha cometido. La acusación destruye el amor naciente entre Robbie y Cecilia, además de cambiar dramáticamente el curso de sus vidas.

Introducción. Nueva película de Joe Wright, y, como en Orgullo y prejuicio, nos presenta una historia "más grande que la vida". En la Inglaterra de 1935, los fríos ojos de una precoz escritora que escribe sobre amores apasionados, pero que, cuando lo ve en los ojos de su hermana, es incapaz de reconocerlo. Y de cómo un simple error de inmadurez, confusión, resentimiento... puede crear una catástrofe que marcará la vida de los protagonistas. Explotan las pasiones ocultas y las latentes, los sueños imposibles.

Nudo. El daño ya está hecho. Robbie Turner es culpable y debe ser exiliado. Del universo de la infancia, el amor, a la mentira y la desolación, y también a la amistad. A la guerra. Las lágrimas del protagonista, James McAvoy ante tales escenas. Memorable el plano secuencia de los soldados reagrupados en retirada en la playa. Como si la cámara de Joe Wright fuera una prolongación de nuestros ojos.

Desenlace. La expiación llega, por fin, aunque tarde. Sentiremos una inmensa pena. Por Briony. Por los amantes, que fueron felices sólo por unos instantes. Una historia que debe concluir, y que nos sorprende. La cruda realidad ES.

Expiación venía con mucho bombo y no me ha defraudado. Una historia victoriana de historia no demasiado diferente, pero tan original, emotiva, atrevida y actual. La dirección de Joe Wright es una auténtica delicia, hasta en los momentos más flojos -pocos- la imagen no deja de estar cuidadísima. El guión de Christopher Hampton enriquece la historia al mostrarnos varios puntos de vista. Actores, ambientación, vestuario, música... perfectos.

Dos momentos: Los amantes junto a la fuente. Una escena impresionante, que en unos segundos destila una pasión y un erotismo difíciles de mostrar sin caer en lo chabacano. Y Vanessa Redgrave. Sólo son unos minutos, pero se come la pantalla. Y nos conmueve.

Expiación. Una mujer y un hombre que se aman. "Vuelve, vuelve a mi". Odiaremos a Brionny, estúpida y entrometida muchacha. Y la compadeceremos. Por ser culpable, por sentirse culpable. Por arruinar la felicidad por un estúpido capricho.

Bienvenido monsieur le docteur

noreply@blogger.com (Raquel) — Sat, 12 Jan 2008 17:09:00 +0000

Los habitantes del pueblo costero canadiense de Sainte Marie La Mauderne, antaño orgullosos pescadores, se ven obligados a vivir de subsidios gubernamentales. Pasa el tiempo, siguen cobrando pero el orgullo desaparece, dejando sitio a la melancolía y la desesperación. El alcalde se muda a la ciudad y Germain, un pescador retirado, se queda a cargo del pueblo. Una empresa está dispuesta a instalar una pequeña fábrica pero una de las condiciones es que el pueblo tenga un médico. Los habitantes, a los que los sucesivos gobiernos han engañado regularmente, no lo ven posible, pero nace una pequeña esperanza cuando se enteran que un joven médico deberá pasar un mes en el pueblo. Germain, consciente que es la única posibilidad para el lugar, decide convertir a Sainte Marie La Mauderne en el pueblo ideal para el médico. Así comienza la gran seducción...

Mucho he tardado en hablar de La gran seducción. Junto con Despertando a Ned, mi película rural favorita. Sí, ese pequeño subgénero de pueblo minúsculo que se une ante las adversidades -ahí están los ejemplos de Ned, Tocando al viento, El inglés que subió una colina y bajó una montaña y compañía- tiene en esta película uno de sus exponentes más alegres y entrañables. Y el cine español. Como se nota que a Jean-François Pouliot le gusta Berlanga. Junta Calabuch con Bienvenido Mister Marshall y añádele un extravagante toque francés, y obtendremos La gran seducción. Están locos estos canadienses.

Opera prima de Pouliot, fotografiada por Allen Smith, musicalizada por Jean-Marie Benoît, escrita por Ken Scott, cómico, escritor y guionista, y protagonizada por él mismo, La gran seducción consiguió el premio Genie del cine canadiense al mejor director de fotografía, clausuró la Quincena de Realizadores de Cannes del 2003, y se presentó en Sundance el 2004, dentro de la sección World Cinema, donde consiguió el premio del público. Y no me extraña.

Y es que es una película encantadora. Desde ese comienzo tan a lo Amelié pasamos por todo el proceso de seducción, recopilando información del médico para construir un nuevo pueblo a su medida: el estilo de las mujeres, la comida, aficiones, deportes... Tampoco faltan las enfermedades imaginarias, para que el sorprendido doctor no tenga tiempo de echar de menos su hogar. Y no sabe que este minúsculo pueblecito quiere convertirse en su casa.

Divertidísima y llena de gags desternillantes, poco a poco el patetismo de muchas situaciones -algo exageradas, cierto- va dejando al descubierto el dolor de un pueblo olvidado. La desgracia y la vergüenza que supone el vivir del subsidio social no da pie a situaciones violentas. Mejor combatir los problemas con el esfuerzo de todos, que así sí se puede vivir con dignidad. Eso es lo que importa. Aun cuando Germain y los demás tendrán que escoger entre la fábrica y su integridad cara al médico.

Y resulta tan real... Montar una partida de criquet sin tener ni idea del juego. Aguantar la música de jazz. Descalzar tobillos, aunque haga un frío que pela. Una sesión de "pesca". Intentar convencer a los patrones de que tienen el doble de habitantes. Hasta el amor se puede encontrar entre los escasos habitantes de Sainte Marie La Mauderne. Podría ser tu pueblo.

Como dice Rafael Pucela, "Como es la condición humana. Llega a crear mayor motivación el miedo al rechazo que sensación de sentirse deseado". Hay días en que necesitas una película llena de ternura y esperanza. Una que esté llena de magia y de humor. Siempre hay una luz al final del túnel.

Momentos para coleccionar XVI

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 06 Jan 2008 19:05:00 +0000

Ingrid: -No vuelvas a hacerlo, Astrid.

Astrid: -¿Volver a hacer qué?

Ingrid: -Unirte emocionalmente a alguien que te presta un mínimo de atención porque te sientes sola. La soledad es una condición humana, nadie conseguirá llenar nunca ese vacío, lo mejor que puedes hacer es conocerte a ti misma, saber lo que quieres, y no dejar que te desvíen del camino.

La flor del mal (Peter Kosminsky, 2002)

El misterio de las rocas colgantes

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 30 Dec 2007 18:45:00 +0000

San Valentín de 1900 en el Sur de Australia. Un grupo de colegialas australianas desaparece durante una excursión de picnic al paraje de rocas volcánicas de Hanging Rock. Sin encontrar señales de tres alumnas y una profesora, la búsqueda afecta de tal manera a la vida del centro educacional que las pasiones más elementales y los comportamientos más básicos comienzan a aflorar en todas las personas relacionadas con el incidente.

Picnic en Hanging Rock narra la excursión de las alumnas de un colegio a una extraña formación rocosa, donde tres de ellas y una profesora se pierden para siempre, como si se hubiesen volatilizado en el aire. Basada en hechos reales, pero adaptada de una novela de Joan Lindsay, Peter Weir se da a conocer con esta producción que, al igual que su restante obra australiana, se basa en la oposición entre cultura y naturaleza.

Leo en una vieja guía de cine: "Peter Weir es un excelente director australiano que, por desgracia, podría haber dado mucho más de sí. Pero después de rodar dos obras maestras como ésta y La última ola (The Last Wave, 1978), se dejó tentar por la aventura norteamericana para ir perdiendo personalidad, aunque incluso sus películas posteriores sean en general bastante aceptables". Efectivamente, a Weir le conocíamos de El show de Truman, Único testigo y poco más. Y viendo Picnic en Hanging Rock, sabrás por qué está película es única.

Nos sumergimos en mundo victoriano, elegante y austero, con bellas señoritas de cabeza a pájaros que se limitan a soñar. El día de San Valentín, su mayor distracción es un picnic campestre, agradables paseos y una rica tarta. A la hora de comer, los relojes se paran, las muchachas se duermen. ¿Por qué está película no se olvida? El atractivo de esta fascinante película fantástica reside en la eficaz atmósfera creada por Peter Weir para el desarrollo de la historia y en que no se da ninguna explicación lógica sobre el suceso en torno al que gira la acción. Es pura magia.

Rodada para un público exigente, esta maravillosa película es una fiesta para los sentidos, donde la naturaleza se convierte en un personaje esencial. Un exuberante paisaje australiano, que evoca tiempos pasados, la melancolía y el romanticismo, antiguos símbolos. Y esa música... la atemorizante banda sonora de Bruce Smeaton contrasta con las dulces notas de flauta.

Es extrañísima: enigmática, deslumbrante, bella, atemorizante. Hipnotiza. Llena de misterio, de presencias fantasmales, de miedo irracional. Conteniendo la respiración, la inocencia que se traga la tierra; mejor dicho, las rocas colgantes. Es una truculencia... irreal e inexplicable. "Lo que vemos y lo que parecemos no es más que un sueño, un sueño dentro de un sueño". Quizá sea lo mejor, soñar, no despertar...

Las Navidades saben a cine

noreply@blogger.com (Raquel) — Mon, 24 Dec 2007 10:55:00 +0000

George Bailey siempre lo ha dado todo por los demás, sin preocuparse de sí mismo demasiado. Un día, desesperado después de que falte una cantidad de dinero en su banco, acude al cacique de su pueblo, que, por supuesto, se niega a ayudarle. Ya sólo le queda la vía expeditiva. Por eso decide suicidarse. Gracias a Dios, su ángel de la guarda, Clarence le rescata en el último momento y le ayuda a ver qué habría sido de su pueblo si George nunca hubiera existido.

Las Navidades siempre saben a cine, y ¡Qué bello es vivir! nunca falla. Más que una película, parece un ritual. Hasta su origen se ha convertido en una leyenda. La suerte decidió que el relato corto de Philip Van Doren Stern, en 1938, no obtuviera ningún interés por parte de las publicaciones. Qué mejor entonces que mandarlo como felicitación navideña a unos pocos amigos. Y que por azar llegara a las manos de Frank Capra. La historia que siempre había estado buscando toda su vida.

Esta maravilla es la obra sobre la esperanza humana por antonomasia y una fábula que se convirtió en clásico no por casualidad, la película más capriana y de inconmensurable calidad. En este canto a la solidaridad, Frank Capra dio lo mejor de su enorme talento, con una realización tan convencional como perfecta. Aunque en su momento fue un fracaso desconcertante -el mundo recién salido de una gran guerra, pocos creían aún en las bondades del ser humano-, el paso de los años la ha convertido en la obra maestra que siempre fue.

La historia de George Bailey, un hombre al borde del suicidio por las deudas, está tan bien contada que poco importa lo dulzona que podría resultar en otras manos distintas de las de Frank Capra y James Stewart. Que se quiten todos los galanes del cine, que yo siempre querré casarme con el querido Jimmy. Y en un papel como éste. Mención especial merecen Lionel Barrymore, un malo tan brillante que se hace querer, la encantadora Donna Reed, el casquivano Thomas Mitchell y Henry Travers, un ángel digno de las mejores alas.

Cuántas veces ha sido imitada, ¡y qué inimitable es!. Alguien se olvidó de renovar los derechos de autor; bendito descuido. Nadie tiene excusa para no verla. Amigos, feliz Navidad.

El crimen más terrible del mundo

noreply@blogger.com (Raquel) — Tue, 18 Dec 2007 18:04:00 +0000

En una pequeña ciudad sureña de los EEUU ,en la época de la gran depresión, una mujer blanca acusa a un hombre negro de haberla violado. Si bién no existen casi pruebas ni indicios de culpabilidad en el acusado, el color de su piel es mas que suficiente para que su veredicto sea desfavorable y ningún abogado del estado quiera defenderlo. Todos menos Atticus Finch, el ciudadano mas honorable de la ciudad. Este acontecimiento trastoca el sosiego cotidiano de la pequeña comunidad, y el hecho de hacerse cargo de la defensa del acusado, le causa innumerables problemas al honorable Atticus con diversos amigos y vecinos, pero sin embargo, y tras el transcurso de los acontecimientos en el juicio, se va ganando poco a poco una mayor admiración por parte de sus dos hijos, huérfanos de madre.

Pocas veces una brillante novela –como la que se inspira esta película, una de mis favoritas- ha sido tan bien llevada a la pantalla. Matar a un ruiseñor es más que un drama judicial de carácter racial ambientado en los años 30. El protagonista es abogado, pero ante todo, un ser humano. Y es que, en nuestros tiempos, es posible ser las dos cosas, aunque no sea cosa común. Y padre. La educación subyace detrás de un argumento apasionante.

La grandeza radica en la apasionante historia, que narra la historia desde el punto de vista de los niños. Es su visión lúcida e inocente, que ven cómo su padre viudo se la juega en nombre de la justicia y es repudiado por ello. Gregory Peck interpreta a Atticus Finch –el único personaje entrañable que le valió un Oscar-, el honesto abogado de un joven negro acusado de violar a una muchacha blanca, durante los años de la Depresión. Todos hemos querido un padre como Atticus. Y quien mejor que Gregory Peck para interpretarlo. Atticus, viudo, intenta educar a sus hijos, transmitiéndoles la perspectiva razonable de las cosas. Si a la historia le faltaba fuerza, ésta se la da la voz de fondo de la hija, desde su timidez y desde un lejano futuro.

La novela, ganadora del Pulitzer -única obra de su autora, Harper Lee- fue respetuosamente adaptada por el también oscarizado Horton Foote, y mi estimado director Robert Mulligan realiza un gran ejercicio de estilo en el que, más que la letra, respeta los climas, el aire de ese pueblo en el que se respira verdad a pesar de haber sido reconstruido en estudio. Un clásico con grandes personajes que supuso el debut de otra estrella, Robert Duvall, como hombre mudo clave en la trágica historia. Produce Alan Pakula y musicaliza Elmer Bernstein. Y si no ganó el Oscar a la mejor película fue porque competía con Lawrence de Arabia, quizá un mal año para estrenar una obra maestra de tal sencillez.

Unos chiquillos revoltosos pero buenos, momentos llenos de tensión, un mensaje de denuncia y un universo de cuento de hadas. Scout y Jem comparten con un melindroso compañero de juegos un mundo de fábula, dentro del que a un vecino solitario le han dado el papel de ogro. Y aquí viene la explicación de su metafórico título. Sí, "matar un ruiseñor" es tan terrible como entregar a la justicia a ese vecino que ha salvado a los niños.

"Una página dulce... y amarga... ¡arrancada de la vida misma!". Pocas veces he visto un eslogan tan certero. Conforme vamos creciendo, recordamos estas lecciones de vida. Gregory Peck siempre dijo que se trataba de su película favorita. Y la mía. Pocas películas enseñan tanto sobre la integridad humana, el sentido del deber, la honestidad, la justicia, la familia, y la importancia de vivir en comunidad y de aportar algo a la misma.

Concluyendo con una cita: "Ver Matar a un ruiseñor hoy es más que ver una película, es todo un ejercicio espiritual para sanear el alma en este mundo veloz en el que los peajes de los atajos se pagan con la inocencia, un precio extremadamente caro..." (El especialista).

Llámalo X

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 09 Dec 2007 18:07:00 +0000

Cada noche, Ángela, una joven reportera de una televisión local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su ”misión“ de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana semiinconsciente, rodeada por decenas de gatos. De pronto, la mujer se lanza sobre un bombero, mordiéndole salvajemente, delante de los incrédulos compañeros y del objetivo de la cámara. Es sólo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje único en el mundo: cuando los otros bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por las autoridades. El edificio ha sido puesto en cuarentena. Parece que un extraño virus se ha propagado en el interior.

Cada persona tiene una diferente concepción del miedo. REC viene precedida de una campaña de publicidad asombrosa, lo que explica gran parte de su éxito. "Experimenta el miedo". Ya sea sustos, tensión, desasosiego, pánico... llámalo como quieras. Si ha tenido tanto éxito, es por algo. A mí me ha gustado. Y como si es moldava; no voy a juzgar porque la película tenga una u otra nacionalidad.

Que sí, que es una mezcla de cosas ya vistas. Innovación 0, totalmente de acuerdo. Estilo de realización de La bruja de Blair, zombies furiosos y ágiles como en 28 días -o semanas- después, infección vírica como en Resident Evil (sólo faltaba la documentación de Umbrella Corporation ha extendido el T-Virus)... Puedo atacar el estilo de realización diciendo que no me gusta la cámara en mano, que es mareante y es una excusa para tapar la falta de talento. Que las actuaciones de patio de colegio son una consecuencia de mezclar actores poco experimentados con una sobreactuación tan típica como en la que caería cualquier mortal ante una cámara de TV. Que el terror a base de sustos está tan sobado que es facilísimo deducir cuándo nos toca dar el consabido saltito. Que el guión es un coladero de incongruencias y efectismos...

Muchos sustos, algo imprescindible. Previsibles, pero cumplen su función. La propuesta del director, acertada, pues consigue un desarrollo muy natural. La tensión, se palpa, y ésta vez no se limita a hacer apuestas sobre quién es el siguiente en palmarla. Los actores, lo dicho, tan ridículos que resultan perfectos. La técnica nos da sensación plena de verosimilitud. Lo peor, el guión, que no aguanta muchos análisis. No me quejo.

El género todavía está vivo, aunque REC no sea un ejemplar en su máximo esplendor. Balagueró y Plaza tienen talento. Yo me creía curtida en películas desagradables de terror, y la verdad es que REC me ha dado lo que quería. No voy a buscarle mucha lógica ni pedirle excelsos movimientos de cámara. Sólo pasar un mal (buen) rato.

Épica de la derrota

noreply@blogger.com (Raquel) — Sun, 02 Dec 2007 19:30:00 +0000

Eddie Felson es un joven, arrogante y amoral buscavidas que frecuenta salas de billar, dejando pelado a cualquiera que empuñe un taco. Decidido a ser aclamado como el mejor, Eddie busca al legendario Gordo de Minnesota, apoyado por Bert Gordon un agresivo jugador. Eddie podría batir al campeón, pero se ve derrotado por su baja autoestima. El amor de una solitaria mujer podría volver a sacarle de esta vida, pero Eddie no descansará hasta vencer al Gordo de Minnesota, sin importarle el precio que tenga que pagar por ello.

Hay películas que duelen. Jamás una película se me había quedado tan grabada en la mente. Nunca una historia tan ajena ha entrado a formar parte de mi vida. No, amigos, ésta no es una película sobre el billar. A partir de una olvidada novela del desconocido Walter Tevis, un Robert Rossen surgido de sus propias cenizas escribe sobre el tapete su más bello poema, dedicado a la épica de la derrota. La magnífica fotografía en blanco y negro deja en evidencia el color del dinero y del éxito, pilares de una sociedad que se precipita tronera abajo.

El buscavidas no necesita ser un clásico. Simplemente es intensa. Si emocionalmente no te impacta, te envidio, y te compadezco. Es casi perfecta. Desde una técnica magnífica, impecable puesta en escena, esa música, la sucia ambientación y el trabajo del veterano Eugene Shuftan contribuyen a crear las imágenes para una historia sin fisuras. Obra de Rossen.

Eddie Flash, el as ambulante del billar. Su apolíneo y flemático rival, El Gordo de Minnesota. El rapaz apostador, Bert Gordon. El contrincante vencido. Y Sarah. El personaje de la desamparada novia de Eddie Flash es antológico y la actuación de Piper Laurie es genial. Qué sabor tan fuerte y amargo.

"Claro, tenías el mejor pretexto del mundo para perder, no importa perder con una buena excusa. Pero ganar... resulta a veces como una carga, pesa mucho. Es un fardo del que puedes deshacerte con una excusa, lo único que tienes que hacer es compadecerte a ti mismo. Es uno de los mejores deportes: sentir compasión de uno mismo, un deporte que gusta a todos."

Nunca olvidaré la fuerza entre Eddie y Sarah. La intensidad que tienen sus miradas, sus amargos diálogos, la desesperación que reflejan sus rostros. Sentiré lástima por Fats. Odiaré por siempre a Bert Gordon. Y Eddie. Recompuestos los pulgares, a Eddie le hacía falta coserse el alma. Demasiado tarde. Demasiado doloroso para ser un triunfo.