Fábrica de sueños

The Master y el Ave Fénix

2013-01-08T18:05:00.000+01:00

Renacer, repensar, dar una segunda oportunidad. Cambiar de piel. Reinventarse. Un mantra que ha acompañado a Estados Unidos desde su misma concepción. La gran ficción americana lo ha tenido como Gran Tema, y el gran cine también. Buscar y encontrar esa especie de magia alquímica del cambio.

Salir del cine borracho y tambaleante sin haber bebido ni una sola gota del licor mecánico de Freddie Quell lo consideraría también magia. Y ese mecanismo obsesivo que te hace darle y darle vueltas y más vueltas a una película, revisitándola; cinco minutos, veinte, dos días después. Intentando articular conceptos, sensaciones, imágenes. Desentrañar todos sus niveles y luego comprobar cómo saltan las chispas entre ellos. Y seguir. Ahí se esconde un secreto, un tesoro que encontrar. Al rememorar el visionado recuerdo el ritmo pausado del metraje, con aire. Y el milagro de poder pensar en ella al mismo tiempo que las ves (es un film más intelectual que emocional), pero no desconectar en ningún momento del sueño de plata. Bueno, sí, uno solo, justo cuando llegan los cuatro al desierto. Hay dos segundos de descanso ahí. Ese pequeño vacío es como una premonición de la huida en moto hacia el horizonte del Salvaje Quell inmediatamente posterior.

Un tema evidente que nos presenta Anderson es el de la ficción como alimento vital. Ambos protagonistas masculinos escapan al inicio, montados en ella sobre los dos pisos del barco de Alicia, navegando por debajo del Golden Gate. Plus Ultra, siempre más allá, hacia el Oeste. Tanto los simbolismos junguianos como los tics sexuales freudianos jalonan todo el metraje cargando cada escena de significado. Y a menudo chocando en nuestra psique. Cronenberg intentó explicar esta dicotomía el año pasado con “Un método peligroso”, pero “The Master” nos ofrece todo un festín; salsa onírica, fotografía deslumbrante y encuadres excelsos, no un magro palito de pescado racionalista con rebozado vienés. Otro simbolismo, el de la moto fue utilizado por David Fincher en una película relacionada con esta y en escenas que retratan la misma época: “Benjamin Button”. Allí Fincher intentaba construir un relato simbólico de todo el siglo XX, y estuvo bien, pero… como con Cronenberg, las comparaciones son odiosas. En parte, la ventaja de Anderson es que se está tomando, metódicamente, toda su filmografía en darnos su visión de la centuria: Años 20-30: “There will be blood”, años 50:”The Master”, los 70-80: “Boogie Nights”, los 90: “Sydney”, el Fin de siecle:”Magnolia”. Le queda un hueco que esperemos rellene lo más pronto posible con “Vicio Inherente”. Luego, ya se verá. Lo mágico de cada una de ellas es que al mismo tiempo que hablan del Pasado nos dicen algo del Presente y nos lanzan al futuro. Plus Ultra.

Bajando de las nubes de la abstracción contemplemos los dos pilares totémicos del film, ambos (en este sentido “The Master” gana fácilmente a “There Will be blood”, tanto Joaquin Phoenix como Philip Seymour Hoffman resisten cualquier embate) son actores de altísimo calado. Cómo interactúan, cómo juegan, se reconocen en sus impulsos dionisíacos, se compenetran, beben, miran, se raspan. Poco a poco van entrelazando sus recorridos vitales y los demás personajes se vuelven colaterales. Hacia el final se hace evidente la eterna dialéctica del Orden frente al Caos, el control frente a las ansias de libertad. Guerra de opuestos, parece concluirse sin solución cerrada. Pero creo que todo es más complicado que esa simple dicotomía. Volviendo al barco Alicia y al rojizo Golden Gate, la historia no siguió más allá, hacia el Oeste. Era de allí de donde regresaba Freddie tras sufrir el trauma del horror guerrero. El emblemático puente colgante se encuentra en San Francisco, ciudad de Las Puertas del Pasado, como bien se hacía referencia en “Vértigo” (otro referente simbólico directo). La regresión es el tema principal de la trama, volver atrás para coger fuerzas de nuevo. Al final, de ese encuentro entre dos personas espejo, ambos consiguen algo del otro. Pero la perspectiva futura se plantea muy diferente para los dos al acabar el film. Mientras Freddie ha escalado lo suficiente como para creerse un nuevo Maestro, Lancaster contempla ante él la cuesta abajo, las cada vez más recias cadenas del compromiso. Ya en la escena de la presentación del Libro 2 en Phoenix, en la conversación con el personaje de Laura Dern se aprecia esta carga. El peso de su ficción, y su éxito, será cada vez más difícil de sobrellevar. Y El Maestro, ya al final, en Londres, le dice al antes sirviente “Si te vas no vuelvas nunca, y esto te digo, en las próximas encarnaciones seremos enemigos irreconciliables”. Aquí es donde saltan esas chispas entre niveles que hacen rica y apasionante la película. El pobre Lancaster ha sido engullido por su ficción. A mi entender no será él el enemigo de Freddie en posteriores avatares. Lancaster no representa el Orden y el Control. Es Ella.

Muchos a los que no ha convencido la película le achacan una carencia de rumbo narrativo, de trama, progresión o finalidad, mi opinión es que la han visto desde un punto ciego, no han apreciado el enorme peso que tiene el personaje de Amy Adams en la historia que se cuenta. No se presenta de forma directa, pero está ahí, no es una interpretación sacada de la manga. Dodd es un maestro de ceremonias, un mago de Oz, un feriante de barraca, no es el que tiene el Control. Es ella. Si hay algún duelo a lo largo del metraje es entre los ojos de Joaquin Phoenix y los de Amy Adams. Desde esta perspectiva se aprecia mejor la progresión narrativa. No es una partida ente dos hombres que queda en tablas, es un triángulo, tal como Cronenberg hacia explícito en “Un método Peligroso”. El eco que este triángulo tenga sobre el curso de la Historia, el zeitgeist futuro (¿las hermanas controladoras de Adam Sandler en "Punch-Drunk Love" como la futura encarnación de la pelirroja?), sería otro enfoque apasionante sobre el que seguir desentrañando esta película (otro apunte, el hijo mayor de Dodd, trajeado y cínico, como arquetipo de la nueva Era). Ante una obra de arte, las lecturas son interminables, y, la prueba del algodón es que todas suenan verdaderas. Este texto es solo una pincelada, unos primeros estratos escarbados a pico y pala. Por empezar otra veta diré que no creo que haya tensión homosexual entre ellos, pero sí enamoramiento, de ahí el triángulo. Pasan de lo paternal del inicio (master and servant) a una conclusión más nivelada entre “iguales”. Hay progresión. Hay fin. Y se plantea un renacimiento (el hedonismo que acabaría por explotar en los 60) y una caída (el patriarcado) cuyo eco llega hasta nuestros días.

Y dos pelirrojas en dos películas casi simultáneas en su estreno (la otra sale en “Zero Dark Thirty”). Pétreas. Flamígeras. Con dos grandes y orgullosas alas extendidas. Demasié.

Twilight Zone

2011-10-05T22:57:00.000+02:00

Twilight Zone (‘La Dimensión desconocida’ en España) empezó a emitirse en EEUU en 1959. Su creador, Rod Serling, pretendía con ella hacer Ciencia Ficción de carácter social. Hablar subrepticiamente de diferentes aspectos de la sociedad de su tiempo. La primera temporada tiene capítulos mejores y capítulos peores. Pero antes quisiera destacar algo sobre Rod Serling, sobre sus presentaciones y epílogos en la pantalla. Su expresión, su porte, su gesto, su mandíbula apretada. Hay tensión. Una especie de rabia contenida. El tono, la moral, las metáforas parecen transportar esa falta de comunicación intergeneracional, que flotaba en los 60, a un medio de comunicación, a una serie de televisión.

Los primeros episodios están bien, los hay espléndidos de guión y de conceptos, pero falta algo de fuerza, garra. El último tercio de la temporada, sin embargo, se nota un cambio. Y es que en verdad ha llegado una nueva década. Una Vera Miles esquizofrénica, que duda de su individualidad, despierta a la bestia en Febrero de 1960 [‘Mirror image’ Episodio 21].

Hay cosas que hacen de verdad daño. Y ante eso Rod Serling se revolvió, poniendo todas las cartas sobre la mesa en el capítulo de la semana siguiente [‘Monsters are due in Maple Street’ Episodio 22]. Sin titubeos, soltando toda su rabia contra el mundo. Apuntando con el dedo la miseria de la paranoia.

Seguidamente en ‘Un mundo de diferencia’ [‘A world of difference’ Episodio 23] empatizamos con ese ejecutivo de 36 años, exitoso y felizmente casado, que de improviso se da cuenta de que su vida no es más que una serie de televisión. Todo es mentira.

Estos tres capítulos consecutivos son solo una muestra de las fuerzas que se estaban activando en aquella época en Estados Unidos. Y es que siempre hay pioneros que abren camino. Y Rod Serling lo fue. Apretando la mandíbula y tirando para adelante produjo “la serie”. El germen de la moderna televisión.

***

“-He estado pensando en algo. Es muy extraño. He estado recordando...

-¿Recordando el qué?

-Algo que leí o de lo que oí hablar hace mucho tiempo. Sobre diferentes planos de existencia. Dos mundos paralelos que existen uno al lado del otro y cada uno de nosotros tenemos un doble en ese otro mundo. Y a veces, por algún motivo inexplicable, nuestro doble, cuando los dos mundos convergen, viene a nuestro mundo y para sobrevivir tiene que sustituirnos.

-¿Sustituirnos?

-Reemplazarnos, echarnos, para que él pueda vivir.

-Es un poco metafísico para mí...

-Recuerdo haberlo leído en algún sitio... Cada uno de nosotros tiene un gemelo en el otro mundo... Un gemelo idéntico. Quizás esa mujer que vi...”

Más de cincuenta años antes de Fringe.

La red social y Zodiac

2010-10-16T01:17:00.000+02:00

La última película de David Fincher, ‘La red social’, y la antepenúltima, ‘Zodiac’, guardan interesantes puntos en común y líneas divergentes que sirven para mostrarnos un gran fresco histórico que el director americano sabe retratar con maestría. Ambos filmes giran en torno a un hecho histórico que se produjo en los años 70, el desarrollo de la informática y la revolución que ello trajo consigo al concepto de información.

Hace 40 años la información, en todos los ámbitos, era escasa. Y eran pocos los que accedían a ella. Había muchas barreras y pocos medios. Ahora, en cambio, la situación es absolutamente contraria. Estamos inundados por una marea de datos fácilmente accesibles por casi cualquiera. Hemos pasado de la infrainformación, servida por dos únicos canales de TV y una triste enciclopedia de diez tomos, a la sobreinformación, representada por Internet y su monstruosa e inabarcable máquina de hacernos llegar todo lo que pasó y pasa en el mundo.

‘Zodiac’ nos mostraba la prehistoria de esa sobreinformación, el momento pivote donde irrumpe la informática, con esa escena donde un derrotado Downey Jr nos muestra en su decrépita estancia el pleistocénico videojuego del ping pong con sus dos barras pixeladas. ‘La red social’, por otra parte, nos muestra las consecuencias, el meollo actual de cómo gestionar esa sobreinformación. Y, aunque los protagonistas de ambas películas tienen puntos en común, Zuckerberg no es precisamente como el personaje de Gyllenhaal en ‘Zodiac’. Interactúan con la realidad de manera muy diferente. Los tiempos han cambiado.

Zuckerberg, y Graysmith en ‘Zodiac’, son obsesivos y tienen enorme capacidad de retener información, pero eso provoca cortocircuitos en sus cerebros y en sus relaciones humanas. Tienen taras emocionales porque el regalo de saber ver más allá les produce un vértigo y un stress que no saben sobrellevar. Quiere esto decir que a un nivel muy evolucionado son los mejores en los suyo, Zuckerberg pionero incluso, pero a otros niveles tienen graves problemas que los lastran: sentimentales, sociales, afectivos. Se especializan en lo que saben hacer bien pero descuidan otras zonas donde no se saben mover (Sherlock Holmes sería la pretérita reencarnación de este avatar en el siglo XIX.)

La diferencia es que Zuckerberg sabe muy bien gestionar esa sobreinformación, está más preparado que su predecesor. Ha nacido sumergido y hace muy buen uso de ella para montar Facebook. La complejidad y el genio del film nos hace ver, por otra parte, la historia de Zuckerberg desde diferentes niveles, y en cada uno de ellos hay conclusiones muy diferentes a la trama. Saverin, por ejemplo, es entronizado o vilipendiado según la perspectiva en la que se enfoque. Afectiva y moralmente es la luz que guía la narrativa, pero a nivel profesional-empresarial queda en bastante mal lugar.

Fincher, por su parte y a diferencia de ‘Zodiac’, no deja la historia abierta. No nos insinúa que la verdad es inaprensible. La deja bien cerrada y bien clara. Otra cosa es que sea compleja por sus diferentes niveles de enfoque. Y en unos el héroe es Zuckerberg y en otros Saverin.

Buried Rabia y Resignacion

2010-10-05T20:28:00.000+02:00

Se podría calificar a ‘Buried’ como un thriller minimalista sobre un hombre que es enterrado vivo e intenta escapar gracias a un teléfono móvil. Ante una propuesta tan descarnada poco queda por decir sino es profundizando en el asunto.

Rodrigo Cortés, su director, eligió para su segundo largometraje tras ‘Concursante’ un guión centrado en una historia personal, con ligeras pero no subrayadas lecturas metafóricas. Paul Conroy es un conductor de camiones contratado en Irak. Es secuestrado y utilizado por unos terroristas como escaparte para sus reivindicaciones. Solo y enterrado, le acompañamos durante hora y media en una montaña rusa de determinación, rabia y resignación.

Los dos pilares del film, que lo mantienen en todo momento arriba, son su director, que aporta unos extraordinarios valores cinematográficos a la propuesta, y su actor principal, Ryan Reynolds, omnipresente en la pantalla, y que realiza un ‘tour de force’ interpretativo de primer orden. Cabe destacar el portentoso trabajo con el sonido y la imagen. Los efectos sonoros son elementos primordiales y afianzan nuestra sensación física. En cuanto a la imagen, los movimientos y los ángulos de cámara son la herramienta perfecta para contar la historia y ayudan a empatizar con la odisea de su protagonista. La fotografía, siempre en el límite entre el tenue color y la oscuridad, es otro valor reseñable de ‘Buried’: Ese plano espectral de la cara de Reynolds, apenas distinguida en la penumbra que lo engulle todo, el juego de los diferentes colores, el continuo uso de los ojos para transmitir luz y sensaciones…

La película cabalga entre un tono de thriller hollywoodiense: títulos de crédito, música, determinadas ‘set pieces’ telefónicas’, ese momento ígneo… y tramos mas existenciales, psicológicos y de terror primario. En cuanto a la narración, la continua muestra de las emociones y sentimientos del protagonista ante su situación lo invaden todo. A la rabia y el dolor suelen sucederse ligeros paréntesis de paz, sosiego y acatamiento del destino. En definitiva, todo avanza por continuos picos y valles entre la esperanza y el nihilismo, separados por estratégicos fundidos a negro.

La fisicidad, la extrema cercanía, es otro elemento del que se hace valer Rodrigo Cortés para hacernos partícipes de su propuesta: la barba, la suciedad, el sudor, la sangre. La limitación enclaustrada del movimiento, con dos intensos momentos de cambio de posición en el ataúd, remarcan el desasosiego de esa ínfima prisión. Otro elemento fundamental es el suspense, un suspense enfocado hacia el exterior, sobre un mundo que podría actuar para salvar a Paul Conroy, y que mantiene la incertidumbre hasta el mismísimo final.

[AVISO DE SPOILERS a partir de aquí]

Personalmente, me gustaron determinadas pistas falsas y expectativas truncadas. Pensé que los números escritos a lápiz caóticamente sobre la madera desembocarían en una escena en el tercio final del film donde el tiempo se acaba por olvidar qué número era el salvador, equivocarse en su marcado o la imposibilidad de llegar a él, al estar Paul Conroy alejado tras un cambio de posición corporal. Y es que cada acción es vital, cada palabra que se dice al teléfono plantea un juicio a vida o muerte, cada respiración es un tic tac de la bomba. Todo ello produce una sensación paranoica que los contactos telefónicos con el mundo exterior no hacen más que acrecentar. Llegamos a empatizar tanto con Conroy que sospechamos de todos los demás: la indiferencia duele, la condescendencia duele, la falsedad duele, la incompetencia duele.

De todos modos hay diferencias visibles entre todas sus comunicaciones con el mundo. Siente culpa ante sus mujeres, por ejemplo. Ante su esposa pide perdón por aceptar ese lejano trabajo, (y parece haberle sido infiel), ante su madre nos muestra el dolor de la enfermedad. El único momento de enfrentamiento lo tiene con la amiga de su mujer. Un inspirado toque de guión que lo enciende todo pero que tiene solución parcial, la vuelve a llamar y ambos se perdonan.

En cambio, en el kafkiano tema de la soledad frente al sistema, su despersonalización, el desprecio institucional hacia el individuo, la frialdad corporativa; ahí los interlocutores son maquinalmente condescendientes y despiadados. No hay humanidad ni perdón posible ante lo que representan: Monstruosas burocracias, entes desalmados que conspiran para succionar vidas, maquinarias gigantescas sin pizca de compasión.

No creo que a Mark White lo rescataran en un montaje paralelo en off a lo ‘Silencio de los corderos’, o ni siquiera existiera. Es una simple ilusión, una zanahoria, un macguffin que una vez evidenciado incrementa la sensación de total derrota existencial.

¿Qué es en definitiva ‘Buried? A mi entender, primarias emociones humanas envueltas en un ataúd de ironía y cinismo. Una caja que es desvencijada por los vaivenes de la esperanza y acaba invadida por la arena del nihilismo. Por lo demás, el espíritu de Richard Matheson (y Poe, y Lovecraft), Franz Kafka y Alfred Hitchcock está ahí y aguanta el envite, lo cual no es ninguna nadería. Más bien es un triunfo.

Carry On My Wayward Son

2010-09-23T16:53:00.001+02:00

Todo aquel que le guste el rock de los 70 (o la serie Supernatural) no debería perderse este video.

No es Kansas pero la chiquilla lo toca divinamente. Y la fría acogida del público japonés aporta todavía más épica al asunto. Bravo.

Fringe Tercer acto

2010-09-22T11:53:00.001+02:00

La segunda temporada (spoilers si no la has visto) se inició con Olivia sufriendo los efectos de la inercia, atravesando con violencia la luna de su parado coche. ¿Una metáfora de que los creadores habían decidido echar el freno de mano a la serie? Parece que sí. Tras un estupendo cliffhanger, con un zoom de salida sobre las Torres Gemelas, muchos espectadores se desanimaron un tanto al ver el esperado regreso. No se avanzaba apenas en la trama principal, y una estratagema de guión, la amnesia de Olivia, solo sirvió para introducir a un nuevo personaje, el psicólogo de bolera Sam Weiss.

Y es que Fringe es una serie algo esquizofrénica. Con un ‘lado CSI’ de policiaco clásico ‘procedural’, y otra parte ‘Weird Science’, con un científico loco, ciencia ficción pulp y delirantes ‘monsters of the week’. Aunar al sector mainstream, que da la masa crítica de audiencia, y al sector friki, que corona las obras ‘de culto’ que merecen resaltarse, no es tarea fácil. La primera mitad de la temporada los creadores descuidaron el lado friki, se perdió garra y locura y sonaron algunas alarmas.

El ansiado choque entre los dos universos era dejado de lado, con ligeros escarceos que no saciaban lo suficiente. El arco argumental se rebozó con un nuevo villano infiltrado en ‘nuestro’ mundo, Newton, y se sazonó con una buena cantidad de suspense en torno a Peter ¿Cuánto tiempo tardaría en conocer su origen ‘alternativo’?

No fue hasta superado el ecuador del año cuando la serie cogió nuevos bríos. El triángulo de culpa, inocencia y secretismo entre el trío protagonista se tensó aún más cuando Olivia descubrió la verdad sobre Peter. Es ‘Jacksonville’ (2x15) un magnífico episodio donde edificios urbanos se superponen, desaparecen y saltan de dimensión para traernos kafkianas referencias a ‘Dark City’.

A partir de ahí, en toda la recta final de la temporada, Fringe fue ganando ‘momentum’. Hasta los capítulos autoconclusivos alcanzaron cotas extraordinarias. ‘White tulip’ (Tulipán blanco, 2x18) tocó el tema de los viajes en el tiempo con una maestría excepcional. El duelo actoral entre Walter (John Noble) y Peck (Peter Weller) fue una cumbre, no solo de Fringe, si no de toda la pasada campaña televisiva en Estados Unidos. Quizás fuera nostalgia, pero ver esas dos caras arrugadas, frente a frente, enseñando con sinceridad sus cartas, erizó los pelillos de buena parte del fandom ‘cienciaficcionero’.

En 'Northwest passage' (2x21), episodio anterior a la dupla final, por otro lado, los guionistas se quitaron el corsé de hierro ‘procedural’ y nos mostraron a Peter huyendo entre bosques, con ecos de Expediente X y su gris niebla de Vancouver. Un aire fresco que acabó abruptamente con un cliffhanger de impacto: ‘Walternate’ está aquí y quiere guerra.

Y llegó la traca final, dos episodios adrenalíticos, más pulperos que nunca y con un tono superheróico muy marcado. El ansiado viaje al otro lado, el encuentro de Peter con sus verdaderos padres, las versiones alternativas de los protagonistas, las pequeñas o grandes diferencias entre mundos…

La ‘finale’ dejó satisfechos a muchos porque aceleró la trama y dio la carnaza que se pedía. Ahora, ¿qué podemos esperar de esta tercera temporada que empieza ya? Desde que se descubrió el ‘otro universo’ mucha gente se pregunta ¿por qué solo dos y no más? ¿Cuantas Walters llegaremos a ver? ¿Y William Bell? ¿De donde vienen los Observadores?

Parece ser que el 'scope' irá ampliándose. Los creadores insisten en que utilizarán los misterios para avanzar la trama y que ofrecerán respuestas que lleven a nuevas preguntas aún más profundas. Las primeras críticas de la nueva temporada ahondan en que se avanza de lo lindo en la trama, una buena noticia que parece alejar el temor a un nuevo freno de mano como el de la segunda. Se atisba un horizonte que nos puede proporcionar muy buenas horas de diversión. Disfrutemos del viaje.

Refundación

2010-09-04T08:12:00.002+02:00

Nuevos horizontes, nuevas etiquetas, nuevos bríos. A la tercera va a la vencida. Y para celebrar este regreso nada mejor que una buena dosis de música de cine. Ante ustedes Hans Zimmer con el tema más potente de la banda sonora de Inception (Origen). Disfruten.

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Fin de semana de Ciencia Ficción

2007-11-17T14:02:00.001+01:00

En mi opinión, la ciencia ficción cinematográfica goza actualmente de una salud excelente. Están produciéndose películas muy interesantes que, cada vez más, intentan acercarse a ese extraño sentido de la maravilla que produce un mundo donde las reglas han cambiado, y que en cine es difícil encontrar al mismo nivel que la sci-fi literaria.

El caso es que este fin de semana he visionado dos películas scifi de muy diferente tono pero que igualmente te transportan a esos 'otros mundos' que a algunos tanto nos gustan. La primera es una ópera prima de Nacho Vigalondo, un joven realizador español que está levantando bastante revuelo con Los Cronocrímenes.

Es comprensible que esta película tuviera el doble de expectación en su segundo pase que en el primero en Austin y Sitges: Supongo que los que la vieron en el primero intentarían repitir en el segundo y arrastraron a otros.

El caso es que en Madrid al final de la proyección hubo pocos aplausos, tengo la sensación de que muchos seguíamos cavilando la peli para dar orden a lo que habíamos visto, mas que en el sentido de la trama, que es muy fácil de seguir, en el porqué y su significado.

Es esta una película cimentada en un meticuloso guión lleno de curvas y rizos, donde poco a poco nos van llevando hasta el centro de un laberinto en el que descubrimos, entre risillas y negrura, que detrás de la ineptitud puede haber también determinación. Hay algunos bucles que te sitúan al borde del cansancio, pero a la vez te van empapado poco a poco de un chirimiri tragicómico que al final deja muy buen sabor de boca, sobre todo cuando recuerdas la película regresando a casa. Pues eso, que me ha gustado mucho la ópera prima de Vigalondo y, por supuesto, la volveré a ver cuando algún 'intrépido' distribuidor compre los derechos para España.

Y hablando de repetir visionado, la segunda película de este fin de semana scifi es Blade Runner, reestrenada por tiempo limitado en España después de una meticulosa restauración que nos permite babear de nuevo visitando Los Angeles en el 2019. Qué decir para aportar algo nuevo ante esta maravilla, que a muchos de nosotros nos descubrió la ciencia ficción a tiernas edades. La película de Ridley Scott es ya un clásico del cine cuya mayor virtud fue exponer una nueva corriente de la ciencia ficción en celuloide y mostrarla al gran público, una corriente que hasta ese momento era más o menos subterránea, solo saboreada por un reducido fandom, pero que brotó en 1982 dando de beber a muchos buscadores, que aún hoy la recuerdan como su bautismo de fuego hacia otros mundos.

Lost (Perdidos): Paranoia friki

2006-05-25T21:31:00.001+02:00

Siendo hoy el Día del orgullo friki (un evento que un internauta se ha sacado de la manga y que parece que ha prosperado como meme en la Red) voy a comentar algo sobre una serie de televisión que en estos momentos es muy seguida por esta clase de personas (entre las que me encuentro) obsesionadas con algún aspecto de la cultura popular, de tendencias misántropas y que se unen en camarillas para comentar hasta los aspectos más insignificantes de su afición: la serie es Lost (Perdidos, en España).

Cabe decir que ayer se emitió en EE.UU. el último capítulo de la segunda temporada de esta serie y, como viene siendo habitual, depués de verlo, los adictos internautas han inundado los foros de opiniones, teorías y especulaciones sobre lo que pueda significar lo que han visto. Y en España igual (a pesar de que no se emitirá en la Península por las cadenas locales hasta dentro de unos meses, muchos seguidores españoles de Lost se han acostumbrado religiosamente a ver el episodio al día siguiente de emitirse).

¿Cual es la causa de este enganche, de desear ver cuanto antes qué pasa en esa isla misteriosa? Hay que resaltar primeramente que la serie tiene sus defectos; personajes algo estereotipados, tramas innecesariamente estiradas, situaciones dificilmente explicables, trampillas de guión y montaje... Pero los fans se lo perdonamos porque nos da lo que queremos: Misterio.

Lost se podría considerar como un pastiche, una mezcla con tantas referencias que sería una labor ingente enumerarlas todas. Desde La Isla Misteriosa de Julio Verne, pasando por el libro Walden dos de B.F. Skinner hasta llegar a los Reality shows televisivos tipo "Supervivientes". Cuarenta y ocho personas sobreviven a un accidente aereo, quedando perdidas en una isla desierta en medio del Pacífico entre Sidney y Los Ángeles. La isla guarda muchos secretos y empiezan a pasar cosas raras: por de pronto no están solos, aparecen osos polares y un "monstruo" que no vemos les ataca. Además, en cada capítulo se nos ofrecen flashbacks explicativos sobre el pasado de cada protagonista, unas escenas tan llenas de sincronicidades inexplicables que es inevitable pensar que hay gato encerrado detras de todo el asunto.

La clave sólo la saben por ahora las mentes pensantes de la serie: J.J. Abrams y Damon Lindelof, dos auténticos frikis que disfrutan poniendo pistas mínimas con las que los fanáticos internautas se desgañiten, buscando simbolismos googleando por la Red. Cualquier cosa que un personaje diga o nos sea mostrado puede ser la clave del enigma, por lo que la paranoia del telespectador es permanente. Todo da a entender que hay un Deus ex machina, algo o alguien que mueve los hilos dirigiendo la vida de los sufridores habitantes de la isla hacia su muerte, redención o infierno. Parecería evidente que tienen lugar sucesos paranormales y hechos milagrosos, pero Abrams y Lindelof han asegurado que no hay nada sobrenatural detrás de todo, que existe una explicacion plausible a lo que sucede. Y aquí entramos en el terreno de la Ciencia Ficción.

A lo largo de estas dos primeras temporadas el tono sci-fi de Lost ha ido tomando un primer plano cada vez más evidente: Experimentos tecnológicamente avanzados, grandes empresas, genética avanzada, electromagnetismo, nanotecnología... Existe una gran conspiración que parece tener un eco mundial pero que se nos es explicada con cuentagotas, con pequeñas piezas de puzzle que tenemos que unir para que al final de la función podamos contemplar todo el bosque. El suspense por el destino de cada personaje también ofrece alimento a la audiencia, ya que las muertes y los amoríos no son extraños a la serie. Este aspecto más terrenal de la trama es el que atrae a las masas, pero los auténticos frikis; esos que estudian concienzudamente la página web de Hanso Foundation, se preguntan porqué las barras de chocolate se llaman Apollo o se leen La colina de Watership por ser un libro referido en la serie, lo que les atrae es resolver el diabólico rompecabezas ideado por Abrams y Lindelof.

Ahora a esperar hasta octubre divagando sobre qué demonios podrá representar esa ruinosa estatua de una pierna con cuatro dedos, ¿El coloso de Rodas? ¿La Atlántida? ¿Lemuria? ¿Los Argonath de El señor de los anillos? ¿un decorado perdido de Ben-Hur? ...

DVD: La primera temporada de Lost (Perdidos) ha sido editada ya en EE.UU. y España en una lujosa edición llena de extras que ningún fan debería perderse. La segunda temporada saldrá a la venta en octubre en EE.UU., posiblemente a finales de año en España.

Anticipos fantásticos

2006-05-13T18:10:00.001+02:00

Los trailers son las más evidentes herramientas de marketing para crear expectación sobre una película. Algunos están tan bien realizados que son verdaderas obras de arte, otros son tan aburridos y evidentes que te deciden a no pagar la entrada por tal filme. Hay casos en los que grandes trailers han dado lugar a mediocres largometrajes (Star Wars Episodio 1) y viceversa (el avance de Master & Commander no anticipa para nada esa maravilla de Peter Weir). Estos últimos días han aparecido en la Red dos nuevos trailers, ambos de producciones de temática fantástica que son para esta persona que escribe de lo más esperado del año.

Lady in the water (La joven del agua) de M. Night Shyamalan se estrenará el 21 de Julio en Estados Unidos. Viendo la trayectoria de su director no puedo menos que babear previendo otra experiencia de primer grado en la sala oscura. La cosa parece que va de cuentos de hadas chocando con nuestra realidad, ninfas y monstuos frente a un bloque de apartamentos de clase media (supongo que en Filadelfia). Hace unos meses apareció un teaser trailer de lo más evocador y ahora podemos ver aquí el trailer largo donde se ofrece una cara más aterradora del film (de los trailers de las películas de Shyamalan no me fio mucho vista la polémica campaña que se lanzó sobre su anterior film The Village [El bosque])

También de ambiente feérico será la nueva película de Guillermo del Toro, que en breve se presentará en Cannes. El laberinto del fauno parece otra mezcla explosiva y aparentemente contradictoria: Posguerra civil española + mundo subterráneo de hadas y demonios, en la estela del camino iniciado por El espinazo del diablo. ¿Qué dará más miedo? ¿El opresivo ambiente de la posguerra en la España franquista o un fauno y una criatura con ojos en las palmas de las manos?. El diseño de producción tiene una pinta impresionante. Del Toro sigue obsesionado con las cavernas y yo que me alegro. Aquí su nuevo trailer. Una pena que hasta octubre no podamos deleitarnos con esta delicatessen

De entre los muertos...

2006-05-12T22:00:00.000+02:00

Tras un largo paréntesis (¡madre mía cómo pasa el tiempo!) voy a intentar reflotar este barco. Puede que amplíe miras y no me limite solo al cine.

Apuntes sobre El Bosque de Shyamalan

2005-07-11T18:40:00.001+02:00

Después de cuatro obras muy expuestas a las miradas de crítica y público (sus primeros trabajos parece que han desaparecido enterrados por el éxito posterior) M. Night Shyamalan es un director bien conocido por una audiencia mayoritaria que, aunque no sepa su nombre, sabe que va a ver una película misteriosa con sorpresa final cuando oye aquello de ‘del director de El Sexto Sentido’.

Shyamalan juega con estas expectativas en El Bosque, pero la ya tradicional sorpresa es un mcguffin tan accesorio que es intuible pasada media hora de proyección. Desde El Sexto Sentido (ahí sí que no me esperaba el ‘shock’ final, que tiempos aquellos) muchos hemos aprendido, condicionadamente como perros de pavlov, a desconfiar de Shyamalan y sobre la verdadera dirección a donde nos llevan sus filmes. Inocencia perdida que se dice.

Pero el director no oculta tan intrincadamente la sorpresa en El Bosque, no le importa que se descubra antes porque la obra no gira entorno a ella; incluso va dejando pistas y evidencias continuamente. Uno tiene esa dispersa sensación de mentira, impostura; con esos trajes impolutos y esa manera de hablar. ¿En el siglo XIX se actuaba así, con un grado de superstición casi medieval? No es que sean Amish, son algo todavía más arcaico, anterior a la religión organizada incluso.

Al descubrirse la sorpresa, que no es final si no varios minutos anterior al Fin, es inevitable sentir una pequeña caída en la tensión del filme. El misterio sobre el bosque ha desaparecido y una vez que se rompe el hechizo sentimos un vacío. Cuando de niño te cuentan un cuento de terror sientes miedo pero también excitación. Cuando creces y rasgas el velo de la ignorancia, tienes más conocimiento del mundo pero has perdido algo de ese gusanillo evocador del misterio. Estas por encima de él. El plano posterior del encuentro de la ciega Ivy en la carretera, cuando volvemos al poblado, es concluyente. Vemos al consejo del pueblo desde arriba, con la cámara en un picado a la manera de Hitchcock y las gaviotas sobre Bodega Bay en Los Pájaros. Lo sabemos. Ese pueblo rodeado de un bosque es una impostura de cartón piedra.

A partir de ahí la película ya no es un cuento de niños sino que pasa a un nivel más adulto (aunque algunos desprecien su tono ‘twilight zone’ con mensaje moralizante). Con el misterio principal ya desvelado, esa prolongación es algo anticlimática, pero en ese momento es cuando descubrimos que el miedo no desaparece, que Ivy conserva los rasgos de su superstición incluso después de saber que es falsa. Y eso sucede porque la superstición forma parte de nuestro lado más primitivo y nunca llega a desaparecer, solo se sublima y se supera con la ayuda que te da el vivir en una sociedad abierta como la nuestra. Pero el problema es que hay fuerzas en la sociedad actual que no quieren que ésta sea tan abierta.

Walker, que es el nombre de la reserva, es el apellido de Ivy, y por tanto el de su padre, y por tanto el de su abuelo, que era multimillonario y al morir cedió todo el dinero a su hijo (William Hurt). Éste lo empleó para comprar esa reserva y asegurarse de que no sobrevolaran aviones en su espacio aéreo y que allí no entrara nadie, contratando para ello seguridad privada. El fin era poder vivir una utopía decimonónica libre de violencia, complicaciones e influencias exteriores (no es baladí el hecho de que todos los habitantes sean de una misma etnia). En definitiva, un ghetto de ricos para desentenderse del mundo.

Para el personaje interpretado por William Hurt lo importante es preservar la inocencia, lo demás es accesorio. Y después de todo, a William ‘Walker’ Hurt le sale la jugada bien al enviar a su hija ciega en una misión al exterior. Pero ¿Le mandó para contentarla o en realidad es tan cínico que la envía porque es ciega y el secreto puede mantenerse a salvo? A la preservación de la inocencia se une la seguridad. Y esa seguridad se mantiene con miedo. (Aún así la caja de los truenos se abre por los celos de un retrasado; después de unos 25 años de paz se termina por a resquebrajar la armonía).

El consejo de la aldea ha decidido vivir de ese modo cerrado y nosotros estamos capacitados, después de ver la película, de decidir si estamos o no de acuerdo con ellos, dado que Shyamalan no se posiciona activamente en su modo de dirigir. Un reaccionario verá bien lo que el consejo hace porque se preserva la inocencia y los niños crecen llenos de buenos sentimientos y autenticidad, sin cinismo y en un entorno seguro. En mi opinión el pueblo paga un precio demasiado alto por ello ya que mueren la inteligencia y la curiosidad y prevalece el miedo y la indolencia. Personalmente creo que ese pueblo es un infierno y que el consejo está errado en una forma de actuar déspota, que mantiene en la ignorancia a sus hijos en aras de una seguridad ilusoria que se basa en la represión.

Shyamalan simpatiza con los ideales de inocencia y conservadurismo que predica William Hurt pero también muestra las consecuencias verdaderamente aterradoras del despotismo de sus actos. Ofrece las dos caras de la moneda. Y a pesar de que M. Night Shyamalan es un declarado conservador creo que su película es un toque de atención al rumbo que está tomando su país bajo el Gobierno Bush. Su crítica a la política del miedo de George Walker Bush y sus halcones está ahí, y pienso que puesta conscientemente. Aún así Shyamalan es demasiado listo para que su obra se interprete de una forma unívoca y la película está abierta a una y mil lecturas sutilmente diferentes de acuerdo al subjetivismo de cada espectador.

Sobre el futuro de ese pueblo. Quiero creer que Ivy, una vez haya salvado a su amado, iniciará junto a él un cambio de actitud que acabará con la mentira del consejo (las luchas generacionales entre padres e hijos son muchas veces la chispa de las revoluciones). Ese es mi deseo y así veo esta película. Pero el caso es que el filme y su final están abiertos a múltiples interpretaciones, y algunas bastante desasosegantes.

Proyectos: ‘The Fountain’ de Aronofsky

2005-07-08T13:47:00.001+02:00

Una de las películas más esperadas para este otoño 2005 es la nueva propuesta de Darren Aronofsky. Su título: The Fountain. La mera lectura de una breve sinopsis sobre el filme es suficiente para hacer crecer el interés sobre el proyecto: Imaginad una batalla entre los conquistadores españoles y los mayas frente a una pirámide en la selva mejicana en el siglo XVI, a esto sumadle una misteriosa misión espacial en el año 2500 y como colofón una tercera línea argumental en nuestros días. Una horquilla temporal de mil años con tres historias que se cruzan girando en torno a la búsqueda de la eternidad, el amor, la muerte y la espiritualidad. El propio Aronofsky la ha conceptualizado como “una película de ciencia ficción metafísica en la era Post-Matrix”. Con un guión tan ambicioso las expectativas no pueden menos que dispararse.

Después de dos filmes como Pi y Requiem por un sueño, Aronofsky se ha ganado un hueco entre la comunidad cinéfila como un cineasta a seguir muy de cerca. Para esta ocasión se ha rodeado de dos actores protagonistas como Hugh Jackman y Rachel Weisz, además de Ellen Burstyn (Nominada al Oscar por Requiem por un sueño).

La pareja protagonista interpreta a diferentes personajes en cada una de las tres líneas argumentales. Tomás Verde (Hugh Jackman) es un capitán que lleva a un grupo de conquistadores y sacerdotes españoles por tierras mayas (presumiblemente a la búsqueda de la Fuente de la Eterna Juventud, ¿Veremos a Ponce de León por ahí?). En el año 2500, un piloto espacial, pero representado igualmente por el mismo Hugh Jackman, viaja con una carga peligrosa por el espacio, al tiempo que sueña con selvas y amores perdidos. En el presente, Tommy Verde es un científico encargado de la lucha contra el cáncer que lucha por no perder a su amada.

Además de dirigir la película, Aronofsky escribió el guión, y al mismo tiempo ha adaptado éste a una novela gráfica, en lo que ha denominado un ‘Director’s cut’ en toda regla en formato comic. La banda sonora la compone Clint Mansell, que ha declarado inspirarse en el "A Space Oddity" de David Bowie, y puede que el mismo Bowie componga una canción para la ocasión.

Warner Bros tiene puestas muchas esperanzas en esta producción, aunque ha restringido su presupuesto, dado el tono adulto del filme y el hecho de que no lo protagonice una superestrella (Brad Pitt prefirió hacer Troya en 2002 y abandonó el proyecto). Desde la Warner ya insinúan que Darren Aronofsky es el nuevo Stanley Kubrick (mucho decir es esto) y The Fountain puede representar su 2001 particular. Palabras mayores. Es fácil que unas expectativas tan altas luego no sean colmadas una vez visto el resultado final. Aún así, espero impaciente.

Sospechosos habituales: El puzzle del archivillano

2005-07-04T19:47:00.001+02:00

Sospechosos habituales es una de esas películas con sorpresa final, como El sexto sentido o El planeta de los simios, por lo que aviso de que es conveniente haber visto la película antes leer este artículo. El caso es que ese giro es muy disfrutable la primera vez que lo acabas de ver, pero el filme no aguantaría un segundo visionado, que lo aguanta, si su único mérito fuera esa pirueta argumental en el último momento donde se aclara la verdadera identidad del villano de la función.

Y es que el protagonista de Sospechosos habituales es un villano, un malo que se sale con la suya y vence a los buenos, riéndose de ellos en su cara. No es un villano cualquiera éste del que hablamos: un gangster, un mafioso, un padrino. Es algo más grande, algo que supera los estrechos márgenes del thriller negro policiaco en el que aparentemente se inscribe la película. Es un verdadero maestro del crimen que domina todos los aspectos en los que se mueve, alguien con tanto poder que hace derretirse de miedo a todo hampón que osa enfrentársele, un archivillano al nivel de Moriarty o Fu-Manchú. Su nombre: Keyser Soze.

Hasta bien entrada la película no oímos por primera vez este enigmático nombre, que sale de la boca de una asustado húngaro que está convaleciente de graves quemaduras en un hospital de Los Ángeles, después de ser uno de los dos únicos supervivientes en la explosión de un barco argentino en los muelles de San Pedro. Parece enrevesado, y lo es. Tantos elementos raros y aparentemente incompatibles confluyen en ese muelle que cuando escuchamos ese extraño nombre el misterio es total. El húngaro parece referirse más al hombre del saco que a una persona de carne y hueso cuando habla de él al policía local encargado de la investigación. Y es que los policías, en un principio, no toman en serio esta historia de Keyser Soze porque más bien parece una leyenda urbana o un cuento de terror nocturno para meter miedo a los niños.

Anteriormente en el filme, otro policía, el agente Kujan de inmigración, ha llegado de Nueva York para llevar la investigación de este suceso, y sus motivos no son nada enigmáticos, simplemente sigue la pista de un ex policía corrupto que ha desaparecido y se ha dado por muerto. El otro superviviente de la explosión (antes de que más adelante conozcamos al húngaro) es un tullido maleante llamado Roger ‘Verbal’ Kint. Kujan inicia un incisivo interrogatorio a Verbal para intentar sonsacarle información del paradero del ex policía corrupto al que busca. Así pues, empieza el relato de Verbal sobre lo que ocurrió la noche anterior en el muelle, relato que se nos muestra en imágenes cuando en realidad es un relato oral, un cuento. Y resulta ser un cuento en más de un sentido, porque al final los espectadores evidenciamos que eso que hemos visto es mentira, una impostura que nos hemos tragado al igual que el policía.

Esta propuesta ‘tramposa’ ha originado polémica a la hora de criticar la película, pero creo que es congruente con la forma y el fondo de la obra, por lo que no tengo ningún problema en aceptar la impostura. Keyser engaña a todo el mundo, incluso a nosotros, y construye un puzzle muy ingenioso para conseguir lo que quiere: venganza, dinero y poder; al mismo tiempo que se ríe en la misma cara de sus adversarios al otro lado de la ley. Es una jugada maestra pero que, mirada desde el lado más racional, no es nada razonable. Su enrevesado juego es peligroso y logísticamente poco probable, pero él es una mente brillante, y nos creemos que pueda hacerlo porque es Keyser Soze, un mito del mal, un demonio de larga melena que tiene la voluntad necesaria para conseguir cualquier cosa que se proponga.

Ese tono fantasioso y fabulador queda subrayado también en toda la biografía de Keyser, (ese flashback de la melena al viento entre las llamas es una joya del mejor cine de terror), su origen turco alemán y su lucha contra un clan húngaro, una referencia a la Europa del este nada baladí a mi entender, ya que en la tradición europea, muchos cuentos fantásticos y leyendas mitológicas han tenido en esa parte del continente una fuente muy activa (vampiros, hombres lobos, inventores locos…), no se si esta fama es debida a que era un territorio inhóspito o porque, según nos ha enseñado la Historia, el miedo viene del Este en un nebuloso recuerdo de invasiones pretéritas que todavía forman parte del inconsciente de Occidente (recordemos que Fu-Manchú es chino)

La dualidad entre el realismo de la investigación policial y de las andanzas de los cinco sospechoso habituales, enfrentado al tono legendario, casi fantástico, que impregna la historia de Keyser Soze, es uno de los aciertos que Bryan Singer, director del filme, consigue transmitirnos a partir de un excepcional guión de Christopher McQuarrie. Hay que destacar también la buenísima banda sonora de John Ottman, colaborador habitual de Singer, que acompaña las imágenes del filme con un 'score' evocador y misterioso.

La parte meramente policiaca y gansteril tiene un tono en la onda de las películas de Quentin Tarantino, en especial Reservoir Dogs, con tipos duros de los bajos fondos que actúan ayudándose de la violencia para intentar salir del embrollo en el que se encuentran. Pero los cinco sospechosos habituales, todos ellos excelentes actores por cierto, son meras marionetas que van cayendo cuando a Keyser se le antoja ir cortando los hilos.

En definitiva, que Keyser Soze se sale con la suya, se carga a sus enemigos, al chivato que lo iba a delatar y se lleva 91 millones de dólares, endilgándole el muerto al ex policía corrupto que parecía estar detrás de todo este asunto. Pero, siempre hay un pero, nadie es perfecto, y el plan maestro ha tenido un pequeño fallo, ha sobrevivido alguien que puede identificar a keyser, por lo que el final no es totalmente triunfal para el villano, la historia no se cierra del todo y continúa en Off. (hay rumores recientes sobre el posible rodaje de una segunda parte; tiemblo de pensar lo que puede salir de ahí si Christopher McQuarrie y Bryan Singer no están al frente del proyecto).

En definitiva, un film excepcional que ha marcado a toda una generación de jóvenes espectadores que cuando vieron la película en 1995 conectaron con este cuento mítico-policiaco, cuyo mayor mérito fue conjugar el bagaje de la tradición oral cuentística (transmitido posteriormente a la cultura popular contemporánea a través de los folletines, los comics y las series de televisión) con el relato policiaco moderno de tono realista y urbano, una mezcla de géneros que descolocó a muchos que siguen militando en la observancia rígida de unas reglas genéricas, pero que a mí me fascinó. Pues eso, que felices sueños esta noche y no seáis malos, porque si no Keyser Soze vendrá y os llevará en un saco.

Edición en DVD

Sospechosos habituales no ha tenido una buena edición en España hasta la fecha, ya que la sacada por Filmax solo contiene un DVD sin imagen anamórfica y con escasos extras en comparación con las ediciones de otras zonas. La resolución de imagen es decente en las escenas diurnas, pero la mayor parte de la película está ambientada a oscuras y en esos momentos se nota un bajón de calidad. En definitiva, que Sospechosos habituales merecería haber sido mejor tratada en DVD en nuestro país, sobre todo teniendo en cuenta las ediciones de dos discos que circulan en otras partes del mundo.

Cine clásico: Vértigo

2005-07-02T17:55:00.001+02:00

Elegir una entre los cientos de miles de películas que se han producido desde que los Lumiere exhibieran su juguetito es un ejercicio divertido pero algo reduccionista. Aún así, casi siempre que me planteo estas cuestiones bizantinas pienso en Vértigo , de Alfred Hitchcock.

Vértigo lo tiene todo: la fotografía, la dirección artística, la sublime música de Bernard Herrmann... Lo primero a destacar es que viéndola no puedes por menos que enamorarte de una ciudad como San Francisco. Fascinante cómo retrata el maestro el Golden Gate, la Legión de honor, las calles empinadas, las iglesias, los restos coloniales...

Los actores está perfectos. James Stewart hace de típico americano taciturno que de repente se enamora, pero luego resulta que no es tan típico y tiene un fondo oscurísimo. Kim Novak, por su parte hace una sutil recreación de dos personajes; bueno, de tres si me apuráis. Una labor titánica de la que sale bien parada.

El argumento es de lo más sencillo y rutinario, pero por debajo de él se intuye una auténtica tragedia llena de miedos, obsesiones, puertas y espejos. Una lucha de poder y amor. De vida, identidad y muerte. De rojo, verde, mar, árboles, cementerios, escaleras, fantasmas, librerias, rosas, campanarios, cuadros, ojos y espirales. Una película romántica pero con rasgos innovadores, yendo más allá del final feliz, mucho más alla. Un raro caso en el que se entrelazan perfectamente clasicismo y modernidad, emoción con intelectualidad; siendo a la vez una historia íntima y personal pero también arquetípica y universal.

Y después de todo esto, de fascinarte primero cuando no sabes nada de ella y la ves siendo un niño. De desentrañar años más tarde su argumento e ir conociendo la obra y el contexto de su autor, después de esto, digo, empiezas a leer estudios en profundidad. Lees los cientos de interpretaciones, simbolismos, mitología, análisis hermeneúticos, literarios, histórico-artísticos... desde todas las perspectivas, desde todos los ángulos. Llegado ese momento, se te va la olla cual Quijote... Es una infinita obra de arte, de la que, no dudéis, escribiré más de una vez en Fábrica de sueños.

La edición española en DVD no debe ser muy difícil de encontrar y no creo que su precio supere los 11 euros. Una compra imprescindible, aunque la edición sea algo polémica debido al formato de pantalla, diferente al de su exhibición cinematográfica original.

Batman Begins: Batman reinterpretado

2005-07-01T16:57:00.002+02:00

Qué mejor para una primera crítica bloguera que esta película sobre los orígenes de Batman, ese icónico justiciero enmascarado salido de los comics y que ya había tenido varias versiones anteriores en la gran pantalla. En 1989 Tim Burton inició una saga cinematográfica sobre el hombre-murciélago que tuvo un éxito atronador, gracias, en parte a una potente campaña de marketing y a la sugerente imagen oscura del personaje.

El Batman de Burton tenía cualidades góticas y surrealistas, una visión deformante de la realidad en la que el rey era el desequilibrado Joker. El mismo Burton firmó una secuela que acentuaba esos derroteros pero luego dejó el barco, subiéndose posteriormente a él Joel Schumacher, que dio a la franquicia un aire tan erótico-festivo y banal que pareció que el grifo de adaptaciones al cine del héroe de DC se cerraría.

Pero hete aquí que en plena década del 2000 la Warner tiene todavía confianza en el potencial mercadotécnico de su franquicia y confía a Christopher Nolan la dirección de una nueva película sobre el personaje. La tarea no era fácil, porque el daño que los filmes de Schumacher habían hecho a la imagen de Batman parecía irreparable, al menos hasta que pasados unas décadas esas secuelas bastardas fueran erradicadas de la psique colectiva. Nolan decidió dejar a un lado las películas anteriores y mostrar a la audiencia una nueva reinterpretación del superhéroe.

¿Cómo y por qué nació Batman? Pues sus orígenes se remontan a 1939. Es importante esta fecha porque marca la perspectiva con la que Nolan y el guionista David Goyer enfocan su acercamiento al hombre murciélago. Los años 30 en EE.UU. fueron especiales porque el país sufría las consecuencias de una fuerte depresión económica y miraba de reojo al auge del fascismo al otro lado del Atlántico. En 1939 la Gran Depresión estaba casi superada pero el aumento de los extremismos era una inquietante sombra sobre el futuro. Y surgieron los justicieros, justicieros de comic-book que arreglaban los problemas por la vía rápida dando una satisfacción vicaria a los adolescentes que devoraban estas publicaciones.

Estamos en plena Era Industrial, el culmen del maquinismo, la producción en cadena, las grandes fábricas de acero, el tren y los rascacielos Art Decó. Batman Begins refleja todo esto como un contexto para entender porqué nace este héroe enmascarado. La película y los posters promocionales están fotografiados con un color marrón terroso que recuerda al oxido del hierro: Metafóricamente, la era industrial ha producido graves problemas a la humanidad, crisis, suciedad y corrupción. Y ante esta situación crítica la solución es alguien que imparta justicia sin compasión desde las alturas: Batman.

Bruce Wayne es un hijo de esta era industrial, ya que su padre es una acaudalado empresario capitalista que domina gran parte de los los negocios de Gotham. Pero es la versión positiva de la burguesía capitalista, un hombre responsable que intenta ayudar a su comunidad con proyectos como el del tren elevado, reflejo del ‘New Deal’ Rooseveltiano ante la Gran Depresión. La muerte de este ideal en un sórdido callejón en la trasera de la Ópera de Gotham planta la semilla de la implacable justicia oscura del héroe de la función, y ofrece el tono de nostalgia del lado luminoso de la era industrial que tiene la obra.

Christian Bale es el protagonista absoluto de este largometraje (a pesar de los excelentes y conocidos actores de los que se rodea) e interpreta a un Bruce Wayne lleno de inteligencia y carisma, con una ira interior a la que solo sabe dar salida cuando se disfraza de murciélago. Su interpretación es sobria, seria, alejada de ironías autoconscientes postmodernas. La corrupción de Gotham, la degeneración, la desidia, el arrinconamiento de las personas con principios por mantener sus ideales (los personajes interpretados por Morgan Freeman y Gary Oldman) son problemas serios. Algunos se echarán atrás al ver que ante estos temas de gran calado la solución sea que alguien se vista de murciélago y luche contra los malos con gadgets tecnológicos variopintos, pero no creo que esta visión este correctamente enfocada, ya que la metáfora funciona dentro del contexto en el que nace: la cultura popular, el comic industrial y los héroes pulp.

El caso es que el enfoque realista del film (alejado del subjetivismo kafkiano de Burton y el barroquismo postmoderno de Schumacher), aplicado a este contexto superheroico juvenil desde donde nace el personaje, era el mayor reto al que se enfrentaba el director de esta película. Y a fe mía que Nolan lo supera. Se aprecia el choque de voluntades de los personajes, la lucha de poder; el enfrentamiento entre Batman y los tres villanos de la función lo refleja. Los tres representan diferentes niveles de problemas a los que se enfrenta Batman: Falcone es el gángster de los bajos fondos, el reflejo realista y terrenal de un ‘malo’. El espantapájaros es el villano típicamente superheroico, el carismático ‘malo de la semana’ que ofrece entretenidos fuegos artificiales que hacen las delicias de los adolescentes lectores de comics. Y Ra's Al Ghul, es la némesis mítica, parte fundamental en el origen del mito del héroe. Batman lucha con ferocidad contra ellos, los odia tanto como ellos a él.

Pero Bruce/Batman es tan cercano a sus enemigos en su dualidad esquizofrénica que la sutilidad de los grises entre buenos y malos hace su aparición cuando Batman rescata a su pareja y la traslada a su guarida. Esa espectacular persecución por la autopista nos hace ver que Batman no es tan altruista como parece que los ideales heredados de su padre nos pueda hacer pensar. Batman destroza mobiliario urbano y pone en peligro la seguridad de los ciudadanos para salvar a su pareja romántica. Algo egoísta sí que es, aunque su acción pueda ser de algún modo justificable (si, como parece probable, la secuela de Batman Begins se lleva a cabo, la posible presencia del Joker podría ofrecernos una interesante evolución en la percepción de Batman como un héroe con más parte de villano de lo que a él le gustaría reconocer, un enfoque que se da en algunos de los mejores comics que se han escrito sobre él. Crucemos los dedos).

En definitiva, Christopher Nolan nos ofrece con esta película una potente reinterpretación del mito de Batman, desde un enfoque formal realista pero sin salirse del contexto del género superheroico; con buenas interpretaciones, buen diseño de producción y un guión denso pero ágil. Muy recomendable.

Alpha

2005-07-01T00:42:00.001+02:00

Este blog nace con el propósito de ofrecer una visión personal sobre el mundo del cine y el DVD. Existen muchas páginas web, blogs, foros... donde encontrar información sobre este maravilloso mundo pero espero que este rincón cinéfilo aporte una perspectiva diferente, alejada de convencionalismos y reseñas 'cut & paste'.

Espero que os guste. Sentaros en la butaca que va a empezar la proyección.