La mayor parte de su vida se ha dedicado a la maquetación de revistas como Pc Foto, Autofácil, Car&Tecno o Todoterreno. Tras ésta etapa en el mundo del diseño gráfico "puro y duro" ha dado un giro a su carrera y se ha centrado en lo que más le gusta, la ilustración, una afición que tenía parada por falta de tiempo y a la que ha decidido dedicarle el tiempo que se merece.

Su herramienta de trabajo es Illustrator y la generación de imágenes de vectores, donde la estructura poligonal dentro de la corriente "Flat design" (eso sí, con es uso de unas sutiles texturas), así como la estructura isométrica son su dos características principales.

Siempre le ha gustado dibujar y lo veía como un hobby, pero en los últimos años se ha ido introduciendo poco a poco en su vida laboral. Adicto a los videojuegos y aficionado a los cómics, cine, series y toda la cultura pop, resulta un reflejo en muchas de sus ilustraciones. Gran amante de los animales, lo es en especial de los gatos.

Como freelance ha realizado la maquetación y diseño de proyectos para clientes como Anaya, La Tienda del Espía, adEla, Punto Azul, Borrón y Cuenta Nueva Comunicaciones… así como a la ilustración de revistas, libros, webs, etc. Algunos de mis clientes en este campo son Grupo SM, Repsol, El País Semanal, El País Tentaciones, McCann, Canal+, Revista El Duende, CEU, DKiss TV, Santa Lucia Seguros, Apex Experience…

http://7vectores.com

Hola a tod@s, hoy posteamos a una ilustradora que hemos conocido recientemente, se llama Katya Maleev y reside en San Petersburgo. Profesionalmente realiza ilustraciones por encargo ya que es freelance y trabaja para distintas agencias.

Su niñez tiene una importancia decisiva en su profesión, comenta: "Mi madre nos enseñó a ver detalles, prestar atención a la naturaleza, a cada planta. Gracias a esto todo lo veíamos vivo, con sentimientos, pensamientos y significado. Mi madre nos dio la oportunidad de hacer lo que nos gustaba, nos estimulába y eso nos hizo dibujar mucho. Éramos cinco hermanas que en lugar de jugar con muñecas, pedían hojas de papel en blanco."

Podemos destacar en su obra el tratamiento pulcro y delicado de las superficies, el modelado de los volúmenes es meticuloso, con unos personajes únicos, es un carácter reservado, tímido. Ello viene acompañado de una paleta de color muy breve con unos tonos ocres donde el gris es el dominante de la paleta.

La belleza poética de sus escenas nos deja pensativos y poco a poco vamos desentrañando lo que ocurre en la imagen. Además de la estática poética nos transmiten en la escena una ternura que contrasta con la paleta citada anteriormente.

Os animamos además a ver su cuenta de Instragram, donde además de sus ilustraciones encontraréis preciosas fotografías de su ciudad, así como cuidados bodegones e imágenes de interiores con una atmósfera muy singular.

http://katyamaleev.com

https://www.instagram.com/katya_maleev

Lucian Freud (1922 - 2011) fue un pintor y grabador británico, considerado como uno de los artistas figurativos más importantes del arte contemporáneo. Sus padres fueron el arquitecto Ernst Ludwig Freud y Lucie («Lux») Brasch. Era nieto de Sigmund Freud. Tuvo dos hermanos, el escritor y parlamentario Klemens Raphael Freud y el editor Stephan Gabriel Freud.

Después de haberse iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos.

Pintor de producción no demasiado extensa y sumamente cotizado ahora, cuenta con apenas cinco ejemplos en España: cuatro en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, ("Reflejo con dos niños, autorretrato", "Gran interior, Paddington", "Último retrato" y "Retrato del barón H.H. Thyssen-Bornemisza"), existe otro retrato del barón, de mayor formato, que al parecer lo heredó su hija Francesca. En museos de Hispanoamérica, hay que citar dos pinturas en el MUNAL de México y una en MALBA de Argentina. Fué condecorado con la Orden del Mérito del Reino Unido.

https://es.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud

Estudió en la Escuela de Arte Camberwell y posteriormente en la Academia de Arte de Bath en Corsham, donde Edward Piper aprendió de él. Su primera exposición tuvo lugar en Londres en 1962 y en ella se aprecian unas pinturas hechas de formas curvas con duros ángulos en un limitado número de colores. Aproximadamente al inicio de la década de 1970 su estilo comenzó a ser más espontáneo con sombras vagamente reconocibles en colores brillantes y formas ovaladas. Sus trabajos podrían denominarse "semiabstractos" y a menudo se le compara con Henri Matisse.

La primera exposición retrospectiva de su obra realizada en España tuvo lugar en el Centro de Arte Reina Sofía en 2006.

Las pinturas de Hodgkin a menudo parecen combinar recuerdos de encuentros con amigos y frecuentemente titula aludiendo específicamente lugares y eventos, tales como Cena en la colina este (1966) y Adiós a la bahía de Nápoles (1980-1982). Él mismo dijo que él pinta «pinturas representativas de situaciones emocionales». Sus cuadros no son ni abstractos ni figurativos sino que definen la intensidad de sus experiencias emocionales.

En lugar de su aparente espontaneidad y su usual pequeña escala, muchas de las pinturas de Hodgkin llevan incluso años de ejecución, y mediante este retorno después de un tiempo, puede cambiar y añadir elementos. A menudo pinta sobre los marcos de sus cuadros, enfatizando la idea de pintar sobre el objeto. Muchos de sus cuadros están realizados sobre objetos de madera, tales como tablas o superficies de viejas mesas y algunos de sus cuadros no llevan marcos, sino un simple rectángulo de color.

En 1984 Hodgkin representó al Reino Unido en la Bienal de Venecia, en 1985 fue galardonado con el Premio Turner, y en 1992 fue nombrado caballero de la orden británica. En 2003 fue nombrado por la reina de Inglaterra Isabel II "Compañero de Honor". La mayor retrospectiva de su obra tuvo lugar en la Tate Gallery de Londres en 2006.

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Howard_Hodgkin https://howard-hodgkin.com/artwork/bombay-morning

Duncan James Corrowr Grant (1885 - 1978) fue un pintor escocés, miembro del denominado Grupo de Bloomsbury.

Nació en la localidad de Rothiemurchus, cerca de Inverness (Escocia), y estudió arte en el Slade School, así como en Italia y París. Era primo de Lytton Strachey y a través de su círculo, Duncan entró a formar parte del Grupo de Bloomsbury, donde Maynard Keynes se convirtió en uno de sus amantes. Aunque era conocida la tendencia homosexual de Duncan, ello no le impidió tener más tarde una relación sentimental con Vanessa Bell, viviendo con ella y sus dos hijos desde antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial. En 1916 se mudaron a la localidad de Firle, en el condado de Sussex, donde pintaron y decoraron su casa con sus propias pinturas.

En 1918 Duncan y Vanessa tuvieron una hija y continuaron viviendo juntos hasta la muerte de Vanessa en 1961, permaneciendo Duncan en la casa Charleston hasta poco antes de su muerte, acaecida en 1978.

En su obra pictórica Duncan Grant recibió la influencia de otro miembro del Grupo de Bloomsbury, Roger Fry, y al igual que éste, pintó paisajes y retratos. En sus últimos años Grant, recibió los cuidados y atenciones de su buen amigo y poeta

Paul Roche, a quien conoció en 1946.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Duncan_Grant

Estudió en la Escuela de Arte de Chelsea a finales de los cincuenta, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, donde entre sus compañeros estaban alumnos como David Hockney y R. B. Kitaj. Tras finalizar sus estudios, regresó a Chelsea como profesor.

En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, tras la cual se le relacionó con el pop art.

Desde mediados de los setenta comenzó a incorporar elementos más detallados y realistas a su obra, After Lunch (1975) fue uno de los primeros ejemplos. Still-life: Autumn Fashion (1978) contiene una variedad de estilos diferentes, algunos objetos tienen intensos perfiles negros y color plano, pero un cuenco de ostras está representado con más realismo, y otras zonas están ejecutadas con pinceladas más sueltas. Caulfield más tarde regresó a su estilo de pintura precedente, más deconstruído.

Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo unos pocos objetos sencillos en el interior de una casa. Típicamente, usa áreas planas de color simple rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono. En 1987 Caulfield fue nominado al Premio Turner; en 1995 ganó el Premio Jerwood y en 1996 fue nombrado CBE.

Murió el 29 de Septiembre de 2005 y entre los herederos de su estilo se encuentran Michael Craig-Martin y últimamente Julian Opie.

Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Patrick_Caulfield

Nació en Birkenhead, hijo del pintor de retratos Philip Steer (1810-1871). En 1878, después de descubrir que los requisitos para ingresar al Servicio Civil eran demasiado estrictos, decidió ser artista.

A los dieciocho años de edad, ingresó en la Escuela de Arte de Gloucester y más tarde, entre 1880 y 1881, en la Escuela de Arte de South Kensington. Fue rechazado por la Royal Academy of Art, por lo que continuó estudiando en París entre 1882 y 1884. Asistió a la Académie Julian, y luego a la École des Beaux Arts bajo la tutela de Cabanel. Allí se convirtió en uno de los pocos ingleses impresionistas.

Es famoso por sus paisajes, tales como The Beach at Walberswick (1890; Tate Gallery, Londres). Fue líder (junto a Walter Sickert) del movimiento impresionista inglés y fue uno de los fundadores del New English Art Club en 1886.

Durante la Primera Guerra Mundial, Lord Beaverbrook, el Ministro de Información, lo reclutó para que realizase pinturas para la Marina Real. Su autorretrato se encuentra en la colección de la Galería Uffizi en Florencia.

Fue tutor de varios artistas, entre los que se encuentra Anna Airy, una artista de grabados. Falleció en Londres, en 1942.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Philip_Wilson_Steer

http://www.tate.org.uk/art/artworks/steer-mrs-cyprian-williams-and-her-two-little-girls-n04422

De Laura Pérez podría decirse aquello de que es ¡Joven Aunque Sobradamente Preparada!. Una ilustradora valenciana de estilo pop costumbrista e intimista, que tiene una capacidad especial para conectar con cualquiera, gracias a la expresividad de sus dibujos.

Su estilo le permite ser enormemente versátil en sus trabajos y como podéis ver tiene una amplia gama de posibilidades. Personalmente destaco su sutil toque de humor desenfadado y divertido, a veces rozando la caricatura en muchos de sus personajes y el tratamiento del color, generoso y a la vez muy armónico.

Ver todo junto el currículum de Laura Pérez puede provocar mareos. Ha creado ilustraciones para clientes tan importantes como; El Washington Post, National Geographic, American Airlines, The Wall Street Journal, Wacom, Penguin Random House, UNED, Cambridge University Press o Vanity Fair, entre otros. Sus ilustraciones han aparecido en múltiples libros como; ILLUSTRATION NOW 4, Taschen, ILUSTRADORES ESPAÑOLES, Lunwerg y SHOWCASE100 London.

Fuentes:

http://www.lauraperez.net

https://www.facebook.com/Lauraperezgr

Las ilustraciones de Emilia son una armonía agridulce entre rasgos contemporáneos, tonalidades crema y feminidad libre, trazos que construyen un puente sólido entre simpleza y profundidad. El dibujo ha sido su pasión desde que era pequeña, a la hora de decidir a qué se iba a dedicar se decantó por el diseño gráfico, una vez terminados sus estudios en ésta disciplina ha retomado el dibujo y se ha dedicado más a la ilustración. Tiene una paleta de color muy personal y aunque tener o no su propio estilo nos es algo que la obsesione, sí que reconoce intentar hacer las cosas de la misma manera, como algo natural. Aunque su temática es diversa, es cierto que el tema de la mujer es central en su ilustración, siempre acaba creando unas amazonas rollizas y ligeras que juguetean por el espacio.

Respecto al mundo de la ilustración comenta que en la actualidad ésta ha dejado de verse con el único propósito de acompañar a un cuento de niños; "He visto como ha entrado un poco más en la vida de las personas, siendo una herramienta de difusión, publicidad, arte, decoración, diseño... Si se hace de la manera adecuada, la ilustración puede formar parte de todo, y es algo que está empezando a notarse en todo el mundo."

Fuentes:

https://yotagram.com/desdemona1

https://creators.vice.com/es/article/gv3y87/emilia-schettino-ilustra-rasgos-y-practicas-cotidianas-de-la-mujer-moderna

La ilustradora Gigi Rose Gray (New York, 1989) ha empleado lápiz, gouache y Photoshop para plasmar su idealización de un interior. Tonos cálidos, texturas suaves y estampados clásicos visten un salón, con vistas a un exuberante jardín que despierta asombro y misterio. Formada en Parsons Newschool of Design, trabaja en proyectos editoriales, exposiciones, libros y branding.

The New York Times, The Dorchester Collection, Flaunt Magazine, The Boston Globe y Universal Records han publicado sus dibujos. Tiene una aire retro en su paleta de color, donde los ocres y la luz amarillenta dejan un aspecto de pátina en las imágenes, que se vé acentuada por las escenas que retrata, llenas de glomour de otra época. En 2016, ganó el World Illustration Award en la categoría de autoedición y expuso en Somerset House.

Fuente:

http://www.gigirosegray.com

http://www.elle.es/living/elle-decoration/news/a795400/ilustracion-gigi-rose

Es un ilustrador residente en Berlin, que toma como base de su trabajo la observación del mundo que le rodea. Trabaja en distintos ámbitos, como libros, novelas gráficas, ilustración publicitaria, revistas, etc. También se dedica a la docencia, impartiendo clases en distintas universidades e institutos así como la realización de talleres. También a realizado tareas como editor, publicando obras de otros ilustradores y escritores. Expone su obra por toda europa, Londres, Berlín, París o Milan, entre otros.

En su estilo vemos destacado el trabajo con texturas, donde la huella del autor es un rasgo claro. Así mismo podemos ver que el fotomontaje es recurso habitual, asi como las líneas de controno. Es la línea el rasgo más expresivo ya que no trabaja el claroscuro de una manera completa, si no que le gusta más el acabado tosco, que recuerda a las fotocopias o la reproducción mecánica. Fué el nombrado uno de los mejores ilustradores de 2016 según los world illustration awards.

Fuente:

http://www.florianbayer.com

Vincent Deighan, más conocido dentro de las fronteras del Noveno Arte como Frank Quitely (Glasgow, Escocia 1968) es al cómic mainstream lo que Jeff Tweedy (Wilco) al rock mainstream, desde el clasicismo, a veces juguetones, otras respetuosos, siempre se distinguen de la media por su indudable clase. Una viñeta de Quitely, como una estrofa de Tweedy, siempre guarda ese saber hacer y ese estilazo que la mayoría no puede ni soñar.

Quitely curiosamente ya estaba en aquellos Authority de Millar, suyos eran los lápices, una explosiva afluencia de estilos (Moebius, Herrimann, Neal Adams, Otomo…) en un dibujante superlativo que además, narra, diseña secuencias y planifica páginas con una maestría inigualable. Una bestia parda que ha dado algunos de los trabajos más bellos del cómic comercial del siglo: All Star Superman, sus New X-Men o el ilimitado alarde de talento que ha sido Pax Americana.

Comenzó a despuntar a finales de los ochenta con trabajos autoeditados y para pequeñas editoriales alternativas. Su estilo gráfico le irá abriendo puertas a partir de esos inicios, incluso en las editoriales y títulos más punteros. Por ejemplo en DC, para la que dibujaría en 1996 un alocado y denso “Flex Mentallo” salido de la imaginación de Grant Morrison (sin duda un escritor puntero en la industria de los superhéroes).

Fuente:

http://gentedigital.es/comunidad/comics/tag/frank-quitely

Lisette Berndt trabaja bajo el seudónimo de Thoka Maer. Es una ilustradora y animadora freelance, graduada en Comunicación Visual de la Universidad de las Artes en Berlín, pero actualmente radica en la ciudad de Nueva York.

Podemos encontrar un sinnúmero de GIFs que ella misma se ha encargado de animar mediante el clásico cuadro por cuadro con dibujos simpáticos hechos a lápices de colores, una tarea que siempre es muy laboriosa pero cuya estética no es comparable con ninguna otra técnica gráfica.

Thoka Maer ha mencionado que el objetivo de sus GIFs es contarnos una micro historia, de ahí el nombre de su sitio en tumblr “it’s no biggie” ("no es una gran cosa"), cada animación es una situación corta de personas en situaciones comunes de la vida diaria.que nos puede resultar graciosa pero generalmente nos hacen reflexionar, ya que tratan temas emocionales y sociales de forma "condensada". Su trabajo suele ir de lo figurativo a lo narrativo, y de lo abstracto a lo surrealista.

Thoka, ha trabajado para Giphy, Tumblr, Medium, The New York Times, NYT Magazine, Reebok, Sony, Electric Objects, Vogue, Penn Gazzette, Grantland, Lucky Peach, Watson DG, tny.Press, TED for Pop Up Magazine, Fraunhofer Gesellschaft, Brooklyn Magazine, etc.

Fuente:

http://graficadigital.mx/ilustraciones-que-se-mueven-de-thoka-maer/

http://www.area-visual.com/2016/06/las-ilustraciones-de-thoka-maer.html

http://maplemag.com/culture/thoka-maer/

Estudio de diseño especializado en ilustración 3D y tipografía, tendencias en el mundo de la publicidad que forman parte ya del mainstream. Forge and Morrow son unos artistas creativos, osados y con muy poco miedo a lo diferente, "Animarse a jugar, es la clave para llegar alto". Este estudio de diseño liderado por el artista Fraser Shiers, revoluciona las estructuras de cualquier idea que pueda tener un ilustrador, diseñador o artista, mientras proponen un juego tipográfico que desborda cualquier convencionalismo. Fraser dice que “trabajar en 3D, no solo le permite visualizar sus ideas como parte de un proceso, sino que también le resulta una excelente herramienta para explicar claramente sus ideas a un cliente”. Entre la técnica, la creatividad y sus clientes, Forge & Morrow transforma la forma de cada letra, de cada pieza, con una precisión absoluta, no hay nada de improvisación. Coco Chanel decía que “si quieres ser original, tienes que estar dispuesto a que todos quieran copiarte”¿estás dispuesto a pensar "fuera del área de confort"?

Fuente: http://www.mundoflaneur.com/diseno/forge-morrow

Diseñador gráfico en sus inicios y ahora sobre todo ilustrador, es originario de Seúl, Corea del Sur. Su carrera en el mundo de la ilustración la inició en el 2007 y desde entonces su popularidad se ha mantenido en constante ascenso.

En el mes de agosto del año pasado ganó en la categoría de “Ilustración profesional” en los World Illustration Awards 2016. Lee utiliza los libros en una amplia gama de metáforas visuales que van desde la fachada de un edificio, un estanque de pesca, hasta el ala de un avión de pasajeros. Su código estético se caracteriza por un tratamiento esmerado y delicioso de los tonos de claroscuro, que le confieren un acabado terso y amable, con una poética visual delicada. Así mismo la paleta de color es contenida y ténue, con una gama de tonos entre grises y pastel, todo ello muy pensado para conseguir transmitir esas emociones bucólicas que busca, en una atmósfera intimista.

Fuente:

http://culturainquieta.com/es/arte/ilustracion/item/10885-las-delicadas-y-surrealistas-ilustraciones-de-jungho-lee.html

Es un ilustrador y diseñador que trabaja en la industria de la animación, los videojuegos y el cómic. Algunos de sus proyectos incluyen (en la animación) Aeon Flux, Men In Black, Furia Oscura, Batman, Justice League Unlimited, Ben10 y (en los cómics) Cybernary 2.0, Iron Man: Enter The Mandarin, Liga, el hombre araña asombroso y los nuevos vengadores: Luke Cage. Sus ilustraciones son típicamente entintados en blanco y negro, destacando su pulida técnica y el dominio del dibujo de trazo expresivo, donde el contorno nos deja ver su firma distintiva. Su ámbito de trabajo es la ilustración , pero también el Concept Art, el diseño de cómics, la animación, y los videojuegos. Reside en Los Ángeles, California.

Fuentes: https://www.twitch.tv/ericcanete

https://www.instagram.com/ericcanete

El artista jamaicano utiliza su amor por el reggae y la música hip hop para crear unas ilustraciones barrocas, repletas de matices y detalles que invitan al espectador a pasear por ellas con su mirada. Como artista, a sus 26 años ha asumido el reto de inspirar y evocar algo dentro del espectador. Su estética única es la combinación del manga japones, las portadas de vinilos de la época, y pinturas art nouveau, con expresiones de su propia cultura africana. Su último trabajo, titulado Ten Vibes, se compone de retratos realzados con su particular estilo. Explosiones de color que crean un paisaje y una dimensión alternativa.

Francis comenzó a crear arte a una edad temprana, abandonando la escuela para seguir su carrera como artista. “Siempre he estado persiguiendo el arte, he estado practicando mi oficio y desarrollando mis habilidades”, dice Francis.

Comenzando con encargos comerciales, Francis pronto se centró en su propia marca. Su éxito le ha permitido la autonomía que necesitava para poner su propia voz en las ilustraciones. Para él, el arte es una “inteligencia“, una idea común que puede convertirse en algo increíble. “El arte puede cambiar el mundo, vemos cómo lo hace negativamente a través de campañas para cosas que no son beneficiosas, o son simplemente negativas para la sociedad, ¿por qué no para todo lo contrario?”.

Fuentes:

http://www.oldskull.net/2017/06/el-arte-afro-japones-de-taj-francis

Es conocido principalmente por sus ilustraciones representando a estilizadas mujeres, heroínas, damiselas en apuros, figuras de fantasía o ciencia ficción. El término "Good Girl Art" había sido acuñado en la época en que Adam empezaba a destacar y describe exactamente lo que él hace. Es considerado por muchos como un representante de la nueva generación de artistas "Good Girl" inspirados por Petty, Vargas y Elvgren e incluso Norman Rockwell. Al describir su propio trabajo, Adam ha usado el término "naturalista" en oposición al término "realista", lo cual describe lo que hace perfectamente. Comenzó a trabajar en los cómics a la edad de 19 años, en 1985 y en 1988 prestó sus talentos a un cómic llamado Maze Agency. En 1989, Adam comenzó a trabajar en su primer título de cómic importante, "DC Comic's Justice League". Trabajó en él durante casi 2 años, haciendo cubiertas e interiores hasta 1990, posteriormente se dedicó a realizar sólo las cubiertas. Ocho años más tarde, Adam comenzó lo que muchos ven como su trabajo de portada más aclamado, las sexys heroínas que han adornado las portadas durante cuatro años en DC Comics Wonder Woman, seguidas de 4 años en Catwoman. Antes de la Mujer Maravilla, Adam estuvo un corto período en la serie Dark Horse fantasma, que muchos sienten un punto notable en su carrera. Fue aquí donde Adam profundiza en el art nouveau en su intento de crear un género "Film Noir" en los cómics. Ha trabajado desde entonces en una variedad de proyectos para editoriales conocidas e independientes, incluyendo Tomb Raider de Top Cow, el legado de Star Wars de Dark Horse, el diseño de la película Watchmen de Zack Snyder, y varios diseños de estatuas para Sideshow Collectibles y DC Direct. Hoy en día es conocido como artista de portadas, utilizando lápices, tintas y colores tradicionales y otros digitales. Publicó en 2010 un libro que recoge sus más de 20 años de arte para DC Comics. Cover Run: El DC Comic Art.

Fuente:

La ilustradora alemana Nadine Redlich no deja de inventar en su particular mundo, su catálogo de personajes exuberantes no deja de crecer día a día. No cabe ninguna duda de que Nadine es una maestra de la creación de extraños personajes de aspecto bonachón, como mutantes multicolor de peluche, criaturas en su portafolio que parece que van a hibernar enroscadas en sí mismas, mirando mudas al espectador, llenas de sentimientos no hablados. Si quieres ver más de esta autora, Nadine ha publicado un cómic llamado Ambient donde explora la ilustración cercana a la poesía visual.

Fuentes:

http://www.nadineredlich.de

http://www.itsnicethat.com/articles/nadine-redlich-updates http://www.rotopolpress.de/en/produkte/ambient-comics

De origen irlandés, actualmente con sede en Bristol, es una autora, ilustradora y animadora que ha sido galardonada numerosas ocasiones. Yasmeen estudió en la escuela de arte en su ciudad natal, Dublín. Después de graduarse se trasladó a Londres, donde trabajó en muchos proyectos diferentes que iban desde la publicidad y la realización de cortometrajes a la publicación de libros infantiles.

llamado Betty.