Familia en construcción

“MASTER AND COMMANDER: AL OTRO LADO DEL MUNDO”: Una gran película naval

2012-02-14T08:00:00.000+01:00

Título original: Master and Commander: The Far Side of the World

Es una gran película de 2003: lo avalan los premios que consiguió ese año:

-Dos premios Óscar: Fotografía y Edición de sonido. Y ¡Diez nominaciones!

-Cuatro premios BAFTA: Director, Diseño de producción, Vestuario y Sonido. Y cuatro nominaciones.

-Nominaciones al Globo de Oro y al David di Donatello

DIRECTOR: Peter Weir

REPARTO: Russell Crowe, Paul Bettany, Lee Ingleby, David Threlfall, James D'Arcy, Edward Woodall,Ian Mercer, Robert Pugh, Billy Boyd, Richard McCabe, Chris Larkin, George Innes, Mark Lewis Jones, Bryan Dick, Joseph Morgan, Alex Palmer, John DeSantis, Patrick Gallagher,Max Pirkis

GUIÓN: Peter Weir & John Collee (Novelas: Patrick O'Brian)

MÚSICA: Christopher Gordon, Iva Davies, Richard Tognetti

FOTOGRAFÍA: Russell Boyd

http://www.masterandcommanderthefarsideoftheworld.com

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Duración: 137 minutos

SINOPSIS: 1805. Guerras napoleónicas. Bonaparte domina Europa. Inglaterra consigue resistir porque es la primera potencia naval del mundo. Precisamente por eso los mares se convierten en un crucial y estratégico campo de batalla. En el Atlántico, el Surprise, un navío inglés capitaneado por Jack Aubrey (Crowe), es atacado por sorpresa por un buque de guerra francés. A pesar de los graves daños sufridos por el Surprise, Aubrey decide navegar a través de dos mares para interceptar y capturar al enemigo. Se trata de una misión que puede determinar el destino de toda una nación.

ALGUNAS CRÍTICAS:

Como las obras de David Lean, logra la épica sin perder la visión humana, y verla es recordar el modo en que las grandes películas de acción pueden estimularnos, llenarnos de excitación. (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

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Una rara prueba de que una gigantesca superproducción en el Hollywood actual puede poseer un distintivo personal y su propia aproximación hacia cómo narrar una historia. (Todd McCarthy: Variety)
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Master and Commander es al cine lo que Russell Crowe es a la actuación. Con sutileza y poderío, explora la complejidad de los hombres en guerra, incluso con ellos mismos. Pone la pasión en la acción, y la emoción en el pensamiento. (Richard Corliss: Time)

“RETORNO AL PASADO”: Una película de cine hipernegro…

2012-02-13T08:00:00.000+01:00

Título original: Out of the Past

Es una película de 1947, de cine negro

dirigida por Jacques Tourneur

y con un buen REPARTO: Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming, Richard Webb, Steve Brodie,Virginia Huston

GUIÓN: Daniel Mainwaring (Novela: Daniel Mainwaring AKA Geoffrey Homes)

MÚSICA: Roy Webb

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PAÍS: EEUU

SINOPSIS: Jeff Bailey, un antiguo detective, regenta una gasolinera en un pequeño pueblo, donde lleva una vida tranquila y sencilla. Sus amores son la pesca y una jovencita con la que quiere casarse. Inesperadamente, recibe la visita de un viejo conocido que le anuncia que el jefe quiere verlo. Bailey se ve entonces obligado a contarle a su novia su turbio pasado: contratado por un hampón, Whit Sterling, para buscar a su amante, Catie Moffett, que se había fugado con una importante suma de dinero, consiguió localizarla en Acapulco, pero se enamoró de ella. Ahora la encuentra de nuevo en brazos de Sterling y empieza a sospechar que lo que éste pretende es vengarse de él por haberlo traicionado. (FILMAFFINITY)

“LA REINA DE ÁFRICA”: Un “duelo” interpretativo de Katherine Hepburn y Humphrey Bogart

2012-02-12T08:00:00.000+01:00

Titulo original: “The African Queen”

El gran John Huston dirigió esta película en 1951 protagonizada por dos maestros de la interpretación: Humphrey Bogart (obtuvo el Óscar al mejor actor) y Katharine Hepburn, consiguiendo una obra maestra que ha pasado a la historia del cine.

Resto del REPARTO: Robert Morley, Peter Bull, Theodore Bikel

El guión fue de James Agee (basado en la novela de C.S. Forester)

DURACIÓN: 106 minutos

Fue una coproducción USA-GB

SINOPSIS: Al estallar la Primera Guerra Mundial (1914-1918), un rudo capitán de barco con tendencia a la bebida y una estirada y puritana misionera huyen de las tropas alemanas en una ruinosa embarcación, con la que deben remontar un peligroso río. Son, a primera vista, dos seres antagónicos, incompatibles, pero la convivencia y, sobre todo, las penalidades que tendrán que afrontar juntos para sobrevivir, harán cambiar radicalmente su relación

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“MY FAIR LADY”: Un musical inolvidable

2012-02-11T08:00:00.000+01:00

En 1964 George Cukor dirigió este musical, que es la versión cinematográfica del mito de Pigmalión, inspirada en la obra teatral homónima del escritor irlandés George Bernard Shaw, con el guión adaptado por Alan Jay Lerner: En una lluviosa noche de 1912 (¡hace 100 años exactamente!), el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada apuesta con su amigo, el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.

REPARTO: Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway, Wilfrid Hyde-White, Gladys Cooper,Jeremy Brett, Theodore Bikel.

MÚSICA: Frederick Loewe

Duración: 170 minutos

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PREMIOS:

8 Oscars, incluyendo mejor película, director, actor (Harrison) y fotografía
BAFTA: Mejor película
Globo de Oro: Mejor película: Comedia o Musical
Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

HOY ME PUBLICA "EL MUNDO CANTABRIA": “ANTONIO LÓPEZ Y JULIO LLAMAZARES HABLAN DE MADRID”

2012-02-10T17:05:00.000+01:00

Hace un par de semanas acudí a Bilbao para, entre otros motivos, visitar en su Museo de Bellas Artes la exposición parcial de la obra (dibujos, cuadros y esculturas) del gran artista Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). Me encantó.

Estaba –la exposición ha finalizado ya- muy bien presentada: las obras fueron agrupadas en diversos ámbitos, de acuerdo con los temas principales de este pintor:

“Itinerario de su existencia” (vistas de Tomelloso, retratos familiares y representaciones de los entornos domésticos del pintor). Después, el género de la naturaleza muerta, bajo el epígrafe “Alimentos y Árbol”.

A continuación los apartados dedicados a Madrid, con algunos de sus más célebres cuadros, citaré:

“Atocha”, “Madrid desde Torres Blancas”, “Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas”

y la nueva serie de la Gran Vía de Madrid, en la que está todavía trabajando.

También se podía ver un audiovisual muy ilustrativo. En él se entrevistaba al director de cine Víctor Erice, buen conocedor de la obra de Antonio López: en 1992 dirigió el largometraje “El sol del membrillo”, que es un retrato documental de este pintor hiperrealista.

La película fue premiada en Cannes y Chicago y elegida varias veces como una de las mejores películas de la historia del cine. En una encuesta hecha a todas las filmotecas del mundo, fue elegida como la cinta más importante de la década.

Ya de vuelta a Santander me vinieron a la memoria unas palabras del protagonista de la novela de Julio Llamazares “El cielo de Madrid” (al que tuve, por cierto, la satisfacción de escuchar en la presentación de este libro suyo, que hizo en Santander en 2005).

Dice así: “Nos despedimos allí mismo, en la esquina con la calle de Alcalá. Justo en el lugar exacto desde el que Antonio López pintó la calle durante años aprovechando el amanecer (más de una vez lo vi yo, cuando volvía a casa de retirada). Ahora, en la noche, el tráfico desdibujaba la perspectiva, pero, al mirarla, comprendí por qué el pintor la eligió para plasmar la esencia de la ciudad y quién sabe si la del mundo entero. En el punto de fuga de la calle, el que formaban con sus perfiles los edificios que había más cerca, la silueta de Madrid era tan bella que la ciudad parecía un inmenso cuadro.”

“Allá donde se cruzan los caminos/ donde el mar no se puede concebir /

donde regresa siempre el fugitivo/ pongamos que hablo de Madrid.”

“SER O NO SER” (To Be or Not to Be)

2012-02-10T08:00:00.000+01:00

Se cumplen ahora 70 años de esta magistral película, sátira mordaz del nazismo en plena II Guerra Mundial.

El título hace referencia al monólogo de la tragedia Hamlet de William Shakespeare.

La película es una comedia norteamericana estrenada en 1942.

Fue dirigida por Ernst Lubitsch,

y protagonizada por Carole Lombard (que murió dos meses antes del estreno en un accidente de aviación) y Jack Benny.

Resto del REPARTO: Robert Stack, Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Ruman, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn

GUIÓN: Edwin Justus Mayer

Duración: 99 minutos

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SINOPSIS: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Varsovia, durante la ocupación alemana. El profesor Siletsky, un espía al servicio de la Gestapo, está a punto de entregar una lista con el nombre de los colaboradores de la Resistencia. Joseph Tura, actor polaco, intérprete de Hamlet y esposo de María Tura, también conocida actriz, intentará evitarlo. Con la ayuda de los actores de su compañía, se hará pasar por el cruel coronel Erhardt y por Siletsky para entrar en el cuartel general de las SS. (FILMAFFINITY)

Tip y Coll VIVA LA FRANCE

2012-02-09T10:26:00.000+01:00

Bodas de oro de la película “MATAR A UN RUISEÑOR”

2012-02-09T08:00:00.000+01:00

Título original: To kill a Mockingbird

Se cumplen ahora 50 años de esta inolvidable película protagonizada por Gregory Peck y que le valió el Óscar.

DIRECTOR: Robert Mulligan

El GUIÓN de Horton Foote, con el que obtuvo el Óscar, está basado en la entrañable novela homónima de Harper Lee.

El tercer Óscar fue a la Dirección Artística

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Duración: 129 minutos

Resto del REPARTO: Mary Badham, Brock Peters, Phillip Alford, John Megna, Frank Overton, Rosemary Murphy, Robert Duvall

SINOPSIS: Adaptación de la novela homónima de Harper Lee. En la época de la Gran Depresión, en una población sureña, Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado que defiende a un hombre negro acusado de haber violado a una mujer blanca. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el veredicto del jurado es tan previsible que ningún abogado aceptaría el caso, excepto Atticus Finch, el ciudadano más respetable de la ciudad. Su compasiva y valiente defensa de un inocente le granjea enemistades, pero le otorga el respeto y la admiración de sus dos hijos, huérfanos de madre.

CRÍTICA: Una obra maestra que parece haber sido rodada en estado de gracia; una película llena de matices, con mensaje sin caer en la sensiblería, de magnífico guión, espléndida fotografía y con una interpretación contenida y maravillosa de Gregory Peck, la mejor de toda su carrera. Inolvidable. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

“UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD”: Una película para siempre

2012-02-08T08:00:00.000+01:00

Título original: “A Man for All Seasons”

Es una oscarizada película británica de 1966, dirigida por un maestro como Fred Zinnemann (ganó el Óscar ese año) y con un reparto de lujo: Paul Scofield (ganó el Óscar como actor), Orson Welles, Vanessa Redgrave, Robert Shaw, Wendy Hiller, Leo McKern,Susannah York, Nigel Davenport, John Hurt, Corin Redgrave, Colin Blakely, Cyril Luckham.

GUIÓN: Robert Bolt (también autor de la obra teatral) también ganó el Óscar.

Los otros dos Óscars correspondieron a Fotografía (Ted Moore) y Vestuario.

OTROS PREMIOS: También en 1966 ganó:

Premio Globo de Oro a la Mejor película drama.

Premios BAFTA: Mejor película.
Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película.

National Board of Review: Mejor película.

GÉNERO: Drama | Histórico. Siglo XVI. Política. Religión. Biográfico

Duración: 120 min

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SINOPSIS: Para divorciarse de su esposa Catalina de Aragón (hija de los Reyes Católicos y tía del emperador Carlos V) y contraer matrimonio con Ana Bolena, Enrique VIII (1509-1547) trata de obtener el apoyo de la aristocracia y del clero. Sir Thomas Moro, gran humanista ("Utopía", 1516), ferviente católico y hombre de confianza del monarca, se encuentra en una encrucijada: ¿debe actuar de acuerdo con su conciencia, arriesgándose a ser tachado de traidor y ejecutado, o debe ceder ante un rey que no tiene ningún reparo en adaptar la ley a sus necesidades?

¡Sir Thomas Moro se ha convertido en Santo Tomás Moro!

CRÍTICA: Aclamadísimo film de corte histórico en el que Paul Scofield, una leyenda del teatro inglés, interpreta a Sir Thomas More, un hombre ilustrado, fiel a sus principios y con unas creencias religiosas muy firmes. A pesar de ser buen amigo del rey Enrique VIII, acabará enfrentado con el soberano. Un oscarizado drama teatral de impresionante reparto. (FILMAFFINITY)

EL DIARIO MONTAÑÉS SE LANZA A DEFENDER EL ABORTO

2012-02-07T11:53:00.000+01:00

Domingo 5 de febrero. El Diario Montañés publica 5 páginas sobre la legislación española que regula el aborto y varios temas con él relacionados. Su autora: Yolanda Veiga. Esta joven periodista (su foto es mi referencia) ha hecho el reportaje de su vida: ¡enhorabuena, así se hace, como mandan los cánones de la manipulación!: escoger un caso límite que dé pena: en este caso es la joven Lara, de 15 años (vive en Gijón) y está embarazada de 11 semanas. Hay disgusto familiar. Decide abortar y sus padres la apoyan.

Ya están en la clínica abortista X de Gijón (el periódico sí dice el nombre: ¿Qué tipo de publicidad es esa?).

Allí la enfermera-anfitriona XX (El Diario Montañés sí la identifica y con foto) se dedica a plantear los problemas que pueden surgir de la decisión de seguir con el embarazo, dice: “Esas pocas chicas de 16 y 17 años que hasta ahora podían abortar sin el consentimiento paterno se van a ver afectadas por el cambio de ley del Ejecutivo Rajoy (…) la nueva normativa <las obligará a parir>”. Y se pregunta para quién será ese hijo luego. Después, la enfermera XX-Public-relations “vende el producto”, dice: “El quirófano es un espacio amplio y aséptico que a ella le encantaría llenar con cuadros y colores pero Sanidad no lo permite (…). Les hablamos, les damos la mano, les masajeamos la barriga. Es muy familiar” Sigue a continuación describiendo el material quirúrgico que “lejos de asustar, sorprende por su sencillez: un espéculo y una cánula de aspiración que se introduce en el útero.”

La historia termina doblemente mal: para el hijo y para la madre, porque Lara es consciente de que el problema ha sido falsamente solucionado, dice Lara: “Entonces pensé: <ya termino>, pero queda mucho cacho, y va a ser tan duro o más”.

Ya casi terminado el Publireportaje, la periodista, como le han enseñado en la carrera que hay que oír todas las opiniones, dedica un cuarto de página (o sea un 5% de la extensión del reportaje) a comentar las palabras del ministro Gallardón, y unas declaraciones de Luis Carbonell tituladas “El cambio legislativo es un regreso a la cordura”.

Mucho ánimo Yolanda Vega, te auguro un carrerón en el periodismo; y sí además haces un Master en manipulación para perfeccionar la técnica y el estilo, entonces te saldrás…

“ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO” : La revelación del genial Jack Nicholson

2012-02-07T08:00:00.000+01:00

Título original: One Flew Over the Cuckoo´s Nest

Es una película norteamericana de 1975 dirigida magistralmente por Milos Forman (le valió el Óscar) y protagonizada por Jack Nicholson (ganó el Óscar al mejor actor) y por Louise Fletcher (le valió el Óscar a la mejor actriz).

Resto del REPARTO: William Redfield, Will Sampson, Brad Dourif, Christopher Lloyd, Danny DeVito, Scatman Crothers, Dean R. Brooks, Delos V. Smith Jr., Josip Elic, Kay Lee, Louisa Moritz, Mews Small, Mimi Sarkisian, Mwako Cumbuka, Nathan George, Peter Brocco, Sydney Lassick, Vincent Schiavelli, William Duell

GUIÓN: Bo Goldman & Lawrence Hauben (Novela: Ken Kesey)

Duración: 133 min.

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OTROS GALARDONES: Oscars también a la Película y al Guión adaptado (en total cinco)
También en 1975 el Globo de Oro a la Mejor Película y Premio BAFTA a la Mejor Película

SINIOPSIS: Randle McMurphy (Jack Nicholson) sufre un trastorno mental por el que es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden y a ir contracorriente, y acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego.

Una película que, 37 años después, merece la pena volver a ver.

¿Quién fue San Pablo Miki?

2012-02-06T17:32:00.000+01:00

¿Quién fue San Pablo Miki?

“EL SUDOR DE LOS RUISEÑORES”

2012-02-06T08:00:00.000+01:00

Es una película española de 1998 dirigida por Juan Manuel Cotelo, autor también del guión.

Intérpretes: Carlos Ysbert, Alexandru Agarici, Maria de Medeiros, Ioana Ana Macaria, Manolo Monje, Fiorina Atanasescu

Música: Íñigo Pírfano

Fotografía: Enrique Urdánoz

Duración: 117 min.

decine 21 le concede tres estrellas (sobre 5). Ver más en:

http://www.decine21.com/Peliculas/El-sudor-de-los-ruisenores-1005

Una mirada a la dura realidad de la inmigración, impregnada de romanticismo y con algunas gotas de humor. El film sigue a Mihai, un violoncelista rumano algo ingenio, que deja temporalmente a su esposa y a su hijita en su país, para intentar triunfar en Occidente, concretamente en España. Allí se topa con que las promesas que le hicieron para incorporarse a una orquesta eran pura palabrería. Le ayudará a sobrellevar la situación Tote, titiritero en el madrileño Parque del Retiro, y Goyita, la mujer que regenta su pensión.

El debut en el largo de Juan Manuel Cotelo fue sólido, no en vano fue galardonado por el Círculo de Escritores Cinematográficos con el premio revelación. Los personajes están bien perfilados, y resulta entrañable la amistad entre el rumano y el titiritero. También resulta atractivo el enfoque de la progresiva atracción entre Mihai y Goyita, con la tentación para el primero para la infidelidad.

El desconcertante título del film alude a unos versos del poeta rumano Lucian Blaga, donde se señala que el rocío es el sudor de los ruiseñores, que se cansaron de cantar toda la noche.

DENZEL WASHINGTON ESTÁ EN ESPAÑA: POR ESO REMEMORO HOY “EL INFORME PELÍCANO”

2012-02-06T03:30:00.000+01:00

El actor, director y productor de cine Denzel Washington está de visita de promoción en España, con este motivo hablo ahora de la película que protagonizó en 1993: “El informe Pelícano” (The Pelican Brief).

Fue dirigida por Alan J. Pakula (autor también del guión, basado en la exitosa novela homónima de John Grisham).

El resto del REPARTO fue: : Julia Roberts, Sam Shepard, John Heard, Tony Goldwyn, James Sikking, Robert Culp,Stanley Tucci, Hume Cronyn y John Lithgow

País: EE.UU.

Música: James Horner

Fotografía: Stephen Goldblatt

Duración: 135 min.

Género: Thriller

Decine21 la calificó con tres estrellas (sobre cinco).

SINOPSIS: Darby (Julia Roberts) es una joven e inteligente estudiante de derecho. Con motivo del reciente asesinato de dos magistrados del Tribunal Supremo americano, realiza un trabajo teórico -el informe pelícano-, en el que vierte una aventurada hipótesis explicativa de los hechos. El informe llega a manos del gobierno, y a partir de entonces comienza a peligrar la vida de todos los que han tenido que ver con él: su contenido parece acercarse bastante a la realidad. Darby entrará en contacto con el periodista Gray Grantham (Denzel Washington) para desvelar la verdad.

De nuevo una novela del archipopular John Grisham se convierte en película. En esta ocasión de la mano de Alan J. Pakula, que aúna labores de guionista y director. El responsable de Todos los hombres del presidente retoma algunos de los elementos de este film: escándalo político que salpica a la Casa Blanca, periodismo de investigación... Hasta cita explícitamente el Watergate cuando se especula sobre la posibilidad de que la joven estudiante no existiera y el periodista dispusiera de distintas fuentes de información, idea que también se aplicó al célebre "Garganta profunda".

Pakula demuestra que se le da bien componer puzzles, al lograr encajar las distintas piezas de un relato complejo. Ello a pesar de que comienza el film con poca fortuna, acumulando en exceso escenas de suspense sin hilvanar. Es además el momento elegido por el director para transmitir, sin excesiva sutileza, algunas ideas liberaloides: en menos de dos minutos, Pakula 'adoctrina' mostrando a un grupo de fanáticos contrarios al aborto; abogando por los derechos homosexuales; y dando por natural la relación sentimental entre una alumna y su profesor.

Pero a medida que avanza la película, va ganando en consistencia: acción e información se presentan con coherencia, manteniendo el interés. La relación entre estudiante y periodista funciona perfectamente, y sin duda es el principal motor de la película. El mérito del guión y de los actores es mayor si se tiene en cuenta que apenas existen referencias personales de los personajes; cuando Darby es perseguida no tiene a quién acudir: no se sabe nada de su familia ni de amigos en los que confiar; en cuanto a Gray, pese a sus muchos contactos profesionales, también parece un tipo muy solitario. Por otra parte abundan los personajes secundarios, interesantes aunque se definan con las pinceladas indispensables.

Además de ser una intriga política bien construida, el film goza del habitual empaque de producciones de este tipo. La fotografía es impecable, y los escenarios reproducen con eficacia la Casa Blanca o la grandiosa oficina del periódico. A ello se añade la partitura de James Horner, que renuncia a la vistosidad en aras de respaldar la incertidumbre de la trama.

Blogueros con el PAPA

2012-02-05T09:35:00.001+01:00

“TESTIGO DE CARGO” (Witness for the Prosecution)

2012-02-05T08:00:00.000+01:00

"Testigo de Cargo es una película dirigida por Billy Wilder en el año 1957.

Está basada en la obra teatral del mismo título de Agatha Christie.

Obtuvo seis nominaciones a los Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Charles Laughton), a la mejor actriz de reparto (Elsa Lanchester), al mejor sonido, y al mejor montaje.

Duración: 116 min

Argumento:

Leonard Vole (Tyrone Power) es detenido bajo acusación de haber asesinado a una rica viuda. El famoso abogado Sir Wilfrid Roberts (Charles Laughton) accede a defenderle. La única persona de la que dispone Vole para testificar su coartada es su esposa Christine (Marlene Dietrich), una mujer distante pero extraordinaria. Todo se complica ante la negativa de ésta de testificar en favor de su marido

“BUENA SUERTE”: UNA ENTRAÑABLE NOVELA DE DAVID BALDACCI

2012-02-04T18:00:00.000+01:00

El escritor norteamericano David Baldacci hizo una tregua en sus libros de intriga para regalarnos esta entrañable historia de dos niños: La mayor, Lou, de doce años y su hermano, Oz, de ocho. Al morir su padre en accidente y su madre quedar en bloqueo psiquiátrico, tienen que dejar Nueva York e ir a vivir con su bisabuela en las montañas de Virginia.

La novela refleja de una manera bastante realista lo dura que era la vida en las montañas del sur, tanto para los agricultores y ganaderos como la gente que trabajaba en las minas de carbón.

Baldacci demostró con esta novela que sabe escribir buena literatura: Se mete en la piel de unos niños que saben adaptarse a una vida tan distinta a la que llevaban hasta ese momento en la ciudad, de la mano de su bisabuela (a la que terminas cogiendo casi tanto cariño como a los niños). En este marco familiar se encuentra la crítica a una sociedad rural dominada por los dueños de las minas de carbón que se muestran en el relato como explotadores sin escrúpulos.
Un libro entrañable, en definitiva, en el que las relaciones familiares quedan muy resaltadas y también los valores humanos que resaltan por contraste con los corruptos: en este caso las compañías mineras.

¿Y la madre? ¿Qué pasa con su madre…? Eso te toca a tí descubrirlo…¡Anímate!

“LA ÚLTIMA CIMA”: Una película que conmueve

2012-02-04T08:00:00.000+01:00

Es una película-documental del Director español Juan Manuel Cotelo, autor también del guión.

Duración: 82 min.

En ella se cuenta la historia de un cura llamado Pablo Domínguez, que muere en accidente de montaña con 42 años. Cualquier prejuicio se desvanece a los pocos minutos de empezar a visionar La última cima, un film memorable, que confirma el buen sabor de boca que Juan Manuel Cotelo nos dejó con su debut en la dirección, el trabajo de ficción El sudor de los ruiseñores, una gran película, de la que hablaré otro día.

Vertebra la película la mirada directa de Cotelo al espectador, que en varios momentos a lo largo del metraje, le interpela, pero sin trampas. Botón de muestra es el arranque, donde señala que en el cine actual un film sobre un sacerdote sólo parece caber si éste es pederasta, ladrón, manipulador, ávido de poder, o, en el mejor de los casos, misionero en un país del tercer mundo; y vaticina que igual que tales sacerdotes son 'crucificados', él asume el riesgo de correr igual suerte por mostrar a un sacerdote 'normal', y con numerosas cualidades. O sea, alegre, listo, intelectual, apuesto, cercano, entregado a los demás, piadoso. Del que todos los que le conocieron parecen guardar recuerdos personales imborrables, de su amistad y cariño para con ellos.

Ha manejado el director muchas horas de grabación de personas que trataron a Domínguez: otros sacerdotes y obispos, alumnos y alumnas de la facultad de teología de san Dámaso de la que era decano, padres y hermanos, amigos y amigas... Y entre tanta declaración abundan los momentos conmovedores, y también los divertidos. Además ha acudido a fragmentos de una conferencia pronunciada por el propio protagonista del documental, y al audio de una entrevista y unos ejercicios espirituales. Pero el acierto es combinar todo este material, con la opinión de personas de la calle que hablan de lo que piensan que define a los sacerdotes en la actualidad. Lo que permite abordar por contraste -entre el estereotipo y el ejemplo de Domínguez- temas como la distancia que existe a veces entre la gente de la calle y los curas, el celibato, la celebración de la misa y lo que debe ser un sermón, la confesión, la cercanía en momentos de contradicción, la muerte...

Cotelo, que se confiesa abiertamente cristiano, intuye enseguida que su personaje, de no haber sido sacerdote, podía haber 'triunfado' en cualquier campo que se hubiera propuesto. Y ése es el gancho para apelar al espectador no especialmente espiritual.

La narración fluye ágilmente hacia su clímax, la muerte en el Moncayo junto a otra montañera, y tiene el acierto de hacer ver que... la muerte no es el final, como indicarlo la misma existencia de esta película.

http://www.decine21.com/Peliculas/La-ultima-cima-20561 le ha otorgado cuatro estrellas (sobre 5).

¡FELIZ CUMPLEAÑOS SOLEDAD PUÉRTOLAS!

2012-02-03T11:37:00.000+01:00

Leo en la prensa de hoy que mi paisana Soledad Puértolas cumple años. No digo los que cumple por aquello de que las mujeres sólo celebran el santo; pero sí que Wikipedia afirma que nació en Zaragoza el 3 de febrero de 1947.

Estudió periodismo. Se casó a los 21 años y se fue a vivir con su marido, con una beca adjudicada a éste, a Noruega. Posteriormente, con otra beca, se trasladaron a California donde obtuvo un M.A. en Lengua y Literatura Española y Portuguesa por la Universidad de California, Santa Bárbara, y donde nació su primer hijo, el también escritor Diego Pita. Volvió a España en 1974.

Ganó el Premio Sésamo en 1979 con El bandido doblemente armado; el Premio Planeta 1989 con Queda la noche, y el Premio Anagrama de Ensayo 1993 con La vida oculta. Fue galardonada con el Premio Aragón de las Letras.

El 28 de enero de 2010 fue nombrada Académica de la Lengua, cubriendo la vacante del científico Antonio Colino en la Real Academia Española.

Cito algunas de sus novelas:

-Adiós a las novias

-Con mi madre

-Días del arenal

-El bandido doblemente armado

-El clarinetista agradecido

-Historia de un abrigo (Es muy original. Me gustó especialmente)

-La rosa de plata

-Recuerdos de otra persona

“MONEYBALL”: Una buena película de Bennett Miller y de Brad Pitt

2012-02-03T08:00:00.000+01:00

Director: Bennett Miller

Guión: Steven Zaillian, Aaron Sorkin.

Intérpretes: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Kerris Dorsey.

Duración: 133 min.
Jóvenes.

El guión de esta gran película es del oscarizado Steven Zaillian (La lista de Schindler, En busca de Bobby Fischer, Despertares) y de Aaron Sorkin (creador de El ala oeste de la Casa Blanca, ganador del Oscar al guión adaptado por La red social). La suma de estos dos genios ha dado un resultado asombroso. Éste está basado en una novela sobre un personaje real, Billy Beane (Orlando [Florida], 1962), manager del equipo de béisbol de Oakland. Beane puso en práctica una atrevida estrategia deportiva basada en un complejo cálculo estadístico aplicado a los conocimientos sobre los jugadores de béisbol de la American League.

Porque una película deportiva suele ser aburrida y previsible. Más, si el deporte es poco conocido, como el béisbol en bastantes países, incluido España. La sabia dirección de Miller (ya excelente en Truman Capote, y por la que Philip Seymour Hoffman ganó el Oscar) y un reparto maravilloso toman el guión y dan a la bola hasta sacarla del estadio. La historia es muy bonia y tiene mucha fuerza.

En realidad, más que de béisbol, se habla de trabajo, de confianza, de familia, de tesón, de éxito, de fracaso. Pocas veces se ha retratado con tanto talento la épica del perdedor (en ese sentido, la canción de la hija de Beane, en su doble versión, es un diamante).

El trabajo de Pitt vuelve a ser magnífico. Ya hace años merece el Oscar.

Visitar la web oficial (USA)
Visitar la web oficial (España)
Leer también a ALBERTO FIJO en http://www.aceprensa.com/articles/moneyball/

ORO NEGRO (Black Gold)

2012-02-02T08:00:00.000+01:00

Director: Jean-Jacques Annaud

Guión: Jean-Jacques Annaud, Menno Meyjes.

Intérpretes: Tahar Rahim, Antonio Banderas, Mark Strong, Freida Pinto, Riz Ahmed.

Duración: 118 min.

SINOPSIS:

Tras una cruenta guerra en Arabia, a principios del siglo XX, dos jefes tribales firman la paz en pleno desierto. El vencedor, el emir de Hobeika, obliga a su rival, el sultán de Salmaah, a respetar como tierra de nadie la llamada Franja Amarilla, que separa los dos reinos. El vencedor se lleva como garantía a los dos hijos del vencido, Saleh y Auda, de rehenes. Años más tarde, Saleh se convierte en un audaz guerrero, ansioso por regresar con su padre. A Auda sólo le importan los libros y una bella hija del emir. Y un empresario de Texas encuentra petróleo en la Franja Amarilla, con lo que los odios se reavivan…

DIRECTOR:

El francés Jean-Jacques Annaud después de que falle su experimento Su majestad Minor, (otras películas dirigidas por él son Enemigo a las puertas, Siete años en el Tibet) regresa al drama épico. Y lo hace adaptando la novela Al sur del corazón, escrita en 1957 por el suizo Hans Ruesch. En esta película tiene a Lawrence de Arabia como referencia. En ella recrea a lo grande un episodio histórico del mundo árabe, con un retrato ponderado de las tensas relaciones tribales, las corrientes del islamismo y las consecuencias del descubrimiento de petróleo en esas tierras, más el afán de las multinacionales por hacerse con su control. El intenso drama familiar está tratado con inteligencia.

Oro negro ha tenido un limitado presupuesto, una ambientación esmerada, una bella música (de James Horner) y unas impresionantes escenas bélicas.

Visitar la web oficial (USA).
Visitar también la crítica de JERÓNIMO JOSÉ MARTÍN en: http://www.aceprensa.com/articles/oro-negro/

J. EDGAR": una película del gran director Eastwood y del gran actor DiCaprio

2012-02-01T08:00:00.001+01:00

Director: Clint Eastwood

Guion: Dustin Lance Black.
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Josh Lucas, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench.
137 min. Adultos.

La película sigue la trayectoria en el Departamento de Justicia estadounidense de J. Edgar Hoover, desde que es un joven ayudante de fiscal, pasando por su dirección del recién creado FBI, hasta su muerte. Dustin Lance Black estructura la narración alrededor de un Hoover envejecido, que dicta unas narcisistas memorias a diferentes ayudantes.

Clint Eastwood, un grandísimo director, logra dar empaque y consistencia con su clasicismo a la vida de un personaje complejo, con puntos oscuros y rasgos que invitan a la especulación. Cuenta con la ayuda de un Leonardo DiCaprio memorable, que da muchos matices al solitario Hoover, y un gran trabajo de Naomi Watts como su secretaria. El maquillaje de ambos envejecidos, sobre todo el primero, es asombroso.

El director del FBI estuvo envuelto en tantas investigaciones, que resultaba difícil escoger sobre cuáles construir la historia. El libreto de Black opta por algunas que dan perspectiva al espectador, como los atentados de comunistas y anarquistas –la obsesión con el peligro comunista en EE.UU., tan caricaturizada, tiene una base–, el secuestro del hijo de Lindbergh –que sirve para subrayar el afán de protagonismo de Hoover, pero también su lucha por definir los crímenes federales y la introducción de métodos científicos para investigar–, y los informes secretos y delicados sobre personalidades –que arrojan luz sobre el vértigo del poder y el deseo de control–.

Siendo Black el guionista de Mi nombre es Harvey Milk, parecía inevitable abordar la cuestión no aclarada de la supuesta homosexualidad de Hoover, quien nunca se casó. El enfoque no funciona, recurre a manidos clichés: la madre que reprime, la búsqueda de esposa como pieza decorativa, o la ceguera y crueldad para no aceptar “sin complejos” el amor de Clyde Tolson, su fiel colaborador y amigo.

Visitar la web oficial (USA).

Leer a JOSÉ MARÍA ARESTÉ en: http://www.aceprensa.com/articles/j-edgar/

DE DIOSES Y HOMBRES: Des hommes et des dieux (Of Gods and Men)

2012-01-31T08:00:00.000+01:00

Es una película francesa de 2010 que ha obtenido numerosos galardones. Trata sobre la vida de unos monjes en Argelia durante la guerra civil que azotó al país entre 1991 y 2002. Ganó el gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico del Festival de Cannes de 2010. En Francia ha superado los 3.000.000 de espectadores.

Trailers/Vídeos

Duración: 120 min

DIRECTOR: Xavier Beauvois (es autor también del guión junto a Etienne Comar).

REPARTO: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin, Philippe Laudenbach, Jacques Herlin,Loïc Pichon, Xavier Maly, Jean-Marie Frin, Abdelhafid Metalsi, Sabrina Ouazani, Goran Kostic

Web oficial: http://www.sonyclassics.com/ofgodsandmen/

PREMIOS:

2010:

-Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
-3 Premios Cesar: Mejor película, actor secundario y fotografía. 11 nominaciones
-Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa
-NBR - Asociación de Críticos Norteamericanos: mejor film extranjero
-Premios del Cine Europeo: Nominada mejor película y fotografía
-Independent Spirit Awards: Nominada mejor película extranjera

-Nominado en la categoría Mejor Película en los European Film Awards

-El 17 de septiembre de 2010, diez días después de su aparición en Francia, De dioses y hombres es elegida por el CNC para representar a Francia en los Oscars 2011, para la categoría de mejor película en lengua extranjera.

ARGUMENTO: La acción se sitúa en un monasterio en la región de los Montes Atlas en Argelia, durante la década de 1990. Ocho monjes cristianos de la orden cisterciense viven allí en armonía con la población musulmana, estableciendo lazos de cooperación contra los efectos de la pobreza, ocasionados por un régimen en decadencia. Dedicados a la vida contemplativa: rezar, sembrar la tierra, y apoyar a la población de los alrededores, inclusive el monasterio es usado como dispensario médico de facto por la población de la zona.

Un grupo de fundamentalistas islámicos asesina a un equipo de trabajadores croatas en una zona cercana al monasterio (20 kms. aproximadamente), el pánico se apodera de los habitantes de la región, que soportan los embates de la Guerra Civil Argelina. El ejército gubernamental argelino ofrece protección a los monjes, pero estos la rechazan, para no verse envueltos en la guerra ni mucho menos hacer uso de la violencia, la cual repudiaban. Un comando armado de fundamentalistas entra al monasterio, siendo la primera advertencia acerca del destino que les deparaba. Los monjes dudan sobre la posibilidad real de retirarse debido a los lazos de amistad formados con la población civil, que les pide quedarse. A pesar de la creciente amenaza, los monjes hacen uso de la reflexión, por un lado el amor a su vida, y por el otro cuál es su deber; los 8 monjes hacen una síntesis de sus miedos y obligaciones, dando por resultado su permanencia en el monasterio hasta las últimas consecuencias.

La película se basa en la historia real de los monjes cistercienses del Tibhirine, en Argelia, desde 1993 hasta su secuestro en 1996, siendo que siete de ellos fueron secuestrados y luego decapitados por terroristas islámicos en 1996.

CRÍTICAS:
"Un relato iluminador sobre fe y heroísmo" (Richard Corliss: Time)
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"Bella, sombría y rigurosamente inteligente" (A. O. Scott: The New York Times)
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"Beauvois cuenta admirablemente (...) no hace trampas en esta fábula moral, no fuerza el sentimentalismo (...) sales conmovido con la historia de estos religiosos. Palabra de agnóstico." (Carlos Boyero: Diario El País)
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"Con los modos de un gran drama clásico (...) de la película, tersa, en ocasiones demasiado morosa, pero también recorrida por un hálito de tierno humanismo, emerge toda una lección de convivencia social y religiosa" (M. Torreiro: Fotogramas)
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"Quizá le falta mayor economía narrativa en algunos tramos, pero "De dioses y hombres", también gracias al portentoso grupo de actores, supone un regalo visual y moral" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)
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"Un equilibrado ejercicio de descripción, reflexión y ritmo (...) La película es tan recomendable como 'larga', tiene tanta calidad como 'exigencia' y provoca indignación y convulsión pero también su miajita de tedio" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

“BRAVEHEART”: Tres horas de buen cine con Mel Gibson

2012-01-30T08:00:00.000+01:00

Es una película norteamericana de 1995.

Obtuvo los siguientes premios:

1995: 5 Oscars: película, director, fotografía, sonido, maquillaje. 10 nominaciones

1995: Globo de Oro: Mejor director (Mel Gibson). 4 nominaciones

1995: 3 premios BAFTA: Mejor fotografía, vestuario, sonido. 7 nominaciones
1995: National Board of Review: Mel Gibson

Trailers/Vídeos

DIRECTOR: Mel Gibson

REPARTO: Mel Gibson, Sophie Marceau, Patrick McGoohan, Angus MacFadyen, Catherine McCormack,James Cosmo, Brendan Gleeson, David O'Hara, Brian Cox, Peter Mullan, Gerard McSorley

SINOPSIS: En el siglo XIV, los escoceses viven oprimidos por los gravosos tributos y las injustas leyes impuestas por los ingleses. William Wallace es un joven escocés que regresa a su tierra despues de muchos años de ausencia. Siendo un niño, toda su familia fue asesinada por los ingleses, razón por la cual se fue a vivir lejos con un tío suyo.

CRÍTICA: Tras su prometedor debut en la dirección con la modesta y bienintencionada "El hombre sin rostro" (The Man Without Face, 1993), Gibson sorprende al arriesgarse con una superproducción poco frecuente en los noventa; un drama de 3 horas lleno de fuerza y ritmo sobre un héroe independiente escocés de principios del siglo XIV. Su relato de lucha por la gloria y la libertad, sus asombrosas escenas de acción y su romántica historia la hicieron carne de Oscar, además de arrasar todas las taquillas con una película de pérdidas y conquistas -de tierras y corazones-, que esconde sus debilidades y convencionalismos a base de espectáculo y épica. Muy entretenida. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

HENNING MANKELL: Un genio de la literatura actual

2012-01-29T08:00:00.000+01:00

Henning Mankell es un escritor sueco nacido en 1948.

GÉNERO: Novela policíaca, novela, teatro, ensayo. Reconocido internacionalmente por su serie de novela negra sobre el inspector Wallander.

BIOGRAFÍA

Actualmente reside en Mozambique, donde dirige el Teatro Nacional Avenida de Maputo. Está casado con Eva Bergman, hija del cineasta Ingmar Bergman.

En noviembre de 2006 fue galardonado con el Premio Pepe Carvalho, que reconoce a autores de prestigio y trayectoria reconocida en el ámbito de la novela negra y donde el jurado consideró que Mankell utiliza la novela negra para abordar críticamente los retos de la sociedad actual.

Obra:

Su personaje más conocido es el inspector de policía Kurt Wallander. Con Wallander, Mankell ha logrado crear un personaje repleto de humanidad y de sensibilidad cotidiana, que lo mismo puede desentrañar la más complicada serie de asesinatos que condolerse de su suerte y pensar que debe jubilarse para dar paso a una sociedad posmoderna que lo avasalla y que parece ya no entender. La serie de Kurt Wallander está compuesta por los siguientes títulos (en orden de publicación):

Asesinos sin rostro (Mördare utan ansikte, 1991)

Los perros de Riga (Hundarna i Riga, 1992)

La leona blanca (Den vita lejoninnan, 1993)

El hombre sonriente (Mannen som log, 1994)

La falsa pista (Villospår, 1995)

La quinta mujer (Den femte kvinnan, 1996)

Pisando los talones (Steget efter, 1997)

Cortafuegos (Brandvägg, 1998)

La pirámide (Pyramiden, 1999). Cronológicamente, este libro de relatos cortos aborda pasajes de la vida de Kurt Wallander anteriores a los del resto de la serie.

Antes de que hiele (Innan frosten, 2002), en donde el personaje principal es Linda Wallander, la hija del inspector.

El hombre inquieto (Den orolige mannen, 2009)

Otras novelas de Mankell traducidas al español son:

Comedia infantil (Comédia infantil, 1995)

El retorno del profesor de baile (Danslärarens återkomst, 2000)

El cerebro de Kennedy (Kennedys hjärna, 2005)

Profundidades (Djup, 2005)

Zapatos italianos (Italienska skor, 2006)

El chino (Kinesen, 2008)

El hijo del viento (2009)

El ojo del leopardo (2010)

Tea-Bag (2010)

Daisy Sisters (2011)

En La ira del fuego Henning Mankell continúa la historia de Sofia, niña en El secreto del fuego y adolescente en Jugar con fuego. Completa así la trilogía sobre una mujer africana y las dificultades que vive en su país.

También dirigida a un público juvenil, escribió una serie de relatos protagonizados por Joel Gustafsson: El perro que corría hacia un estrella, Las sombras crecen al atardecer, El niño que dormía con nieve en la cama y Viaje al fin del mundo, todos ellos editados conjuntamente con el título de este último. Otro libro dirigido a un público más joven es "El gato al que le gustaba la lluvia".

Es autor del ensayo Moriré, pero mi memoria sobrevivirá (2008), una reflexión sobre el impacto del sida en África, así como de una serie de libros situados en ese continente, como Comedia infantil y escritos desde la perspectiva de un niño, con una sutileza y magia desbordante a pesar de lo duro de los temas que trata.

Premios y reconocimientos:

Premio Glassnøkkelen 1992, por Mördare utan ansikte,4 a la mejor novela negra de los países nórdicos.

2ª edición del Premio Pepe Carvalho 2007