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IRMA KURTI PUBBLICA IN SVIZZERA LA SUA NUOVA RACCOLTA DI POESIE

2026-09-10T16:49:04.127+02:00

L’opera si intitola "Il ritorno" e le poesie sono accompagnate dalle immagini di Biagio Fortini

La poetessa Irma Kurti pubblica il suo nuovo libro di poesie intitolato “Il ritorno”. Il libro reca il logo delle Edizioni Universum Switzerland e le poesie sono accompagnate dalle immagini del fotografo Biagio Fortini. Progetto editoriale, grafica e realizzazione a cura di José Badasci

Nella prefazione di Teuta Sadiku, leggiamo: “Irma Kurti intreccia ricordi, desideri e delusioni con la passione per la poesia, trasformando anche le perdite più profonde in luce e malinconia, in bellezza artistica. Nella sua poesia, la perdita dei propri cari e l’assenza di amicizie sincere diventano versi tremanti di nostalgia, ma mai privi di speranza. La natura, in ogni sua immagine, diventa interlocutore silenzioso e rifugio spirituale. È un’armonizzazione di dolore e bellezza che rende la sua poesia vivida, tangibile e universale.

I versi di Irma Kurti sono semplici ma potenti; il loro ritmo è il respiro dell’anima, e le figure artistiche, le immagini e i ritratti, scelti con cura, parlano più forte di qualsiasi parola. La poetessa Irma Kurti ci mostra che, anche in un mondo freddo e distante dalle emozioni, c’è un luogo dove i sentimenti, i ricordi e la passione per l’arte possono fondersi in armonia.”

Edizioni Universum Switzerland è la casa editrice dell'associazione culturale Universum Academy Switzerland, con sede a Lugano. L'Associazione culturale Universum Academy Switzerland è un'organizzazione non governativa (ONG) fondata in Ticino nel 1990, impegnata a promuovere la cultura della pace, la storia e le tradizioni dei popoli. Il Presidente Federale e legale rappresentante dell'Associazione culturale Universum Academy Switzerland è il Dr. Valerio Giovanni Ruberto.

IRMA KURTI è una poetessa, scrittrice, paroliera, giornalista e traduttrice albanese naturalizzata italiana. Scrive da quando era bambina.

Nel 1980 viene premiata con il primo premio nazionale in occasione del 35° anniversario della rivista Pionieri. Nel 1989 ottiene il secondo premio al Concorso Nazionale organizzato da Radio Tirana, in occasione del 45° anniversario della Liberazione dell’Albania.

Al pubblico è nota anche come autrice di testi di numerose canzoni di successo, con cui ha partecipato a molteplici festival nazionali di musica leggera in Albania, Kosovo e Macedonia del Nord. Ha scritto circa 200 testi di canzoni per adulti e bambini.

Ha vinto più di 100 premi e riconoscimenti in Italia, Svizzera, USA, Canada, Filippine, Libano, Cina e Grecia. Le sono stati conferiti il Premio Internazionale “Universum Donna”, IX Edizione 2013, per la Letteratura, e la nomina a vita di “Ambasciatrice di Pace” dall’Università della Pace della Svizzera italiana.

Irma Kurti è traduttrice presso la Fondazione Itaca in Spagna. Vanta la pubblicazione di oltre 124 opere, tra cui libri di poesie, narrativa e traduzioni. I suoi libri sono stati pubblicati, oltre che in Albania, in 25 paesi del mondo.

https://www.amazon.it/dp/B0HH8N56LL

Video:

https://www.youtube.com/watch?v=M9O0ZlLxv4A

100 poeti italiani: l'antologia

2026-09-06T16:54:01.613+02:00

Arriva 100 poeti italiani 2000-2025: un quarto di secolo di poesia contemporanea in un’unica antologia.

Il volume raccoglie cento voci della poesia italiana che hanno pubblicato negli ultimi venticinque anni: generazioni, linguaggi e sensibilità diverse a confronto in un’opera che racconta l’evoluzione della poesia nel nuovo millennio a cura di Menotti Lerro.

È in uscita nel 2027 l’importante antologia 100 Poeti Italiani 2000-2025, un nuovo lavoro dedicato alla poesia italiana contemporanea che riunisce cento autori protagonisti, in forme e percorsi differenti, della scena poetica degli ultimi venticinque anni.

Il volume nasce con l'ambizione di offrire una fotografia ampia e articolata della poesia italiana del XXI secolo, attraversando generazioni, poetiche e territori diversi. Dal verso più intimista alla poesia civile, dalla ricerca linguistica alla dimensione narrativa, le voci raccolte nell’antologia restituiscono la ricchezza di una produzione poetica spesso lontana dai riflettori, ma ancora capace di interpretare le inquietudini e le trasformazioni del presente e letta attraverso la lente dell’Empatismo: movimento letterario, artistico, filosofico della contemporaneità nato in Italia nel 2020 e sviluppatosi a livello internazionale.

Il periodo scelto, dal 2000 al 2025, non è casuale. Si tratta di un arco temporale segnato da profonde trasformazioni culturali e sociali: l'avvento della comunicazione digitale, i cambiamenti nel mondo dell'informazione, le nuove forme di partecipazione pubblica, le crisi economiche e ambientali, la pandemia e una società sempre più interconnessa. Anche la poesia, inevitabilmente, ha registrato questi mutamenti, modificando linguaggi, strumenti e modalità di diffusione.

100 poeti italiani 2000-2025 a cura di Menotti Lerro, fondatore del Movimento Empatico, si propone così non soltanto come una raccolta di testi, ma come una sorta di mappa della poesia contemporanea. Le cento presenze delineano un panorama composito, nel quale convivono esperienze consolidate e voci più recenti, approcci tradizionali e sperimentazioni formali.

Particolarmente significativo è il confronto tra generazioni. Autori formatisi nel Novecento si affiancano a poeti cresciuti nell'era di Internet e dei social network, mettendo in evidenza continuità e fratture della tradizione. Ne emerge un dialogo tra modi differenti di intendere il fare poetico, ma anche una comune esigenza di interrogare il presente attraverso la parola.

L'antologia arriva inoltre in un momento in cui la poesia sembra vivere una nuova stagione di interesse. Festival, reading, riviste specializzate, piccoli editori e comunità letterarie continuano a mantenere vivo un circuito culturale che trova oggi nuovi spazi anche online. La pubblicazione di un'opera collettiva di queste dimensioni rappresenta quindi un'occasione per riflettere sul ruolo che la poesia conserva nella cultura italiana contemporanea.

Il valore di un'antologia, del resto, non risiede soltanto nella selezione degli autori, ma anche nella possibilità di creare connessioni. Cento poeti significano cento percorsi individuali, cento modi di guardare il mondo e altrettante declinazioni della lingua. Insieme, però, possono comporre un'immagine più ampia di un'epoca.

Con 100 poeti italiani 2000-2025, la poesia contemporanea italiana trova dunque un nuovo spazio di incontro e di confronto. Un volume che guarda ai venticinque anni appena trascorsi, ma che, attraverso le parole dei suoi autori, prova anche a interrogare il futuro della poesia e della letteratura.

Cento voci, venticinque anni, una lingua in continua trasformazione: l'antologia si presenta come un appuntamento significativo per chi vuole conoscere, riscoprire o semplicemente ascoltare la poesia italiana del nostro tempo.

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Premessa del curatore Menotti Lerro

Questo lavoro nasce dalla necessità di interrogare la poesia italiana del nostro tempo nel momento in cui essa sembra mutare linguaggio, forme e idea di sé.

Ho attraversato i primi venticinque anni del nuovo millennio da poeta e da lettore, nella convinzione che la poesia non possa essere separata dalla vita. In questi anni sono cambiati i linguaggi, il rapporto tra autori e pubblico, il ruolo della letteratura e dell’artista nella società. Dietro queste trasformazioni ho riconosciuto un mutamento più profondo: quello dell’idea di soggetto e del suo rapporto con l’altro.

Da qui la scelta di raccogliere cento poeti, differenti per età, formazione, esperienza e linguaggio, ma accomunati dall’aver partecipato, ciascuno secondo la propria traiettoria, alla ridefinizione della poesia italiana tra il 2000 e il 2025. Non un canone, dunque, ma una costellazione: cento presenze attraverso le quali raccontare una trasformazione e l’emergere di una nuova sensibilità, resa particolarmente evidente dopo la pandemia.

Al centro di questa ricerca vi è anche la necessità della tradizione. Il nuovo non nasce dalla semplice negazione del passato: ogni innovazione autentica dialoga con la memoria. La poesia rigermoglia sempre dentro una storia della poesia. Per questo il Novecento non è qui considerato un archivio concluso, ma una presenza ancora viva, capace di interrogare e attraversare il presente. Le opere tarde dei grandi autori del secolo scorso rappresentano, in questa prospettiva, una continuità e insieme una consegna: un’eredità da trasformare, contraddire e oltrepassare senza dimenticarne l’origine.

È nell’idea di relazione che riconosco, infine, una delle radici della mia riflessione sull’Empatismo. La poesia nasce anche dalla disponibilità a lasciarsi coinvolgere totalmente dall’altro, dalle sue esperienze, dalle sue ferite, dalla sua presenza. Ed ecco l’idea della necessaria porosità dell’io: un soggetto poetico consapevole della propria incompletezza e per questo capace di ascoltare e accogliere.

Ho cercato dunque di leggere queste cento voci non attraverso una poetica comune, ma nelle loro differenze e contraddizioni, alla ricerca dei segni di una poesia nuovamente aperta alla relazione, alla memoria, alla storia, alla fragilità e all’altro. Alla ricerca di un vero e proprio Rinascimento Empatico.

Perché la poesia, quando è autenticamente viva, è una voce che ascolta. E forse ciò che unisce le cento voci di questo libro è un cuore emozionato tra le righe.

Criteri e prospettive

L’antologia propone una selezione di autori rappresentativi della poesia italiana del nuovo millennio, comprendendo poeti nati tra il 1900 e il 2000 la cui opera, nel periodo compreso tra il 2000 e il 2025, abbia contribuito in maniera significativa alla definizione del panorama poetico nazionale.

La selezione tiene conto di diversi fattori: il rilievo delle opere pubblicate, la continuità della presenza critica e letteraria, la capacità di incidere sul dibattito poetico contemporaneo e, nel caso delle generazioni più giovani, il valore degli esordi come scommessa sul futuro e quello dei percorsi individuali quali possibili segnali di nuove direzioni della poesia nazionale.

Accanto agli autori propriamente riconducibili alle generazioni del nuovo millennio, il volume comprende una componente fondamentale appartenente alla cosiddetta "eredità novecentesca": poeti formatisi nel secolo scorso la cui opera, per vitalità, autorevolezza e capacità di rinnovamento, ha continuato a esercitare una presenza significativa nel XXI secolo. La loro inclusione non risponde pertanto a un criterio meramente anagrafico, ma alla constatazione di un’effettiva persistenza della propria esperienza poetica in un nuovo momento storico che possiamo definire, non senza una necessaria provocazione teorica, “neo-medioevale”: un’epoca caratterizzata, tra le altre cose, da un’accelerazione tecnologica che sembra precedere la piena capacità dell’essere umano di comprenderla e governarla. L’eccesso di informazioni, la moltiplicazione dei dispositivi e dei linguaggi e la progressiva difficoltà nel distinguere il vero dal falso producono una condizione di disorientamento che investe anche il soggetto contemporaneo, sempre più esposto a una realtà simultanea, molteplice e schizofrenicamente frammentata.

In questo scenario, la persistenza della tradizione non costituisce un semplice ritorno al passato, ma può rappresentare una forma di orientamento. La memoria poetica diventa così uno degli strumenti attraverso cui interrogare il presente, riconoscere le sue fratture e, forse, ricomporre una relazione possibile tra l’io e il mondo, tra l’individuo e l’altro.

È anche a partire da questa tensione tra eredità e trasformazione che l’antologia intende osservare la poesia italiana del nuovo millennio.

La prospettiva Empatista

L’impostazione dell’antologia muove da una prospettiva aperta al dialogo con le diverse realtà che hanno caratterizzato positivamente la poesia italiana del periodo considerato.

In quest’ottica, il primo quarto di secolo del nuovo millennio può essere convenzionalmente suddiviso in due grandi fasi: una fase Pre-empatica, compresa tra il 2000 e il 2020 (periodo in cui sono già rintracciabili pratiche e atteggiamenti che l'Empatismo successivamente organizzerà in una proposta teorica e programmatica), e una fase propriamente Empatica, inaugurata dal 2020 e tuttora in corso.

All’interno della prima fase assume particolare rilievo il Nuovo Manifesto sulle Arti del 2019 – scritto dal sottoscritto con Antonello Pelliccia e definito tale dall’indimenticabile filosofo Remo Bodei – che viene qui considerato un momento preparatorio e anticipatore.

Il 2020 costituisce, in questa lettura, un anno di svolta epocale. La pandemia di Covid-19 ha infatti rappresentato una cesura capace di sconvolgere equilibri sociali, culturali e antropologici precedenti, rendendo manifesta la crisi di molte delle categorie ereditate dal Postmodernismo e segnando, nella prospettiva qui adottata, un punto di non ritorno rispetto alla sua lunga agonia.

È in questo contesto che l’Empatismo si configura come il primo movimento strutturato e programmatico del Post-postmodernismo, o, più precisamente, come un movimento consapevole di carattere neo-umanista.

È proprio all’interno di questa frattura storica che prende forma la nostra idea. Di fronte a un mondo segnato dalla disgregazione, dall’incertezza e dalla perdita di riferimenti condivisi, l’Empatismo si pone l’obiettivo di elaborare una nuova sensibilità capace di restituire speranza all’essere umano attraverso una rinnovata alleanza tra le arti e tra gli artisti.

Il principio fondamentale è quello dell’unione dei punti di vista e dei frammenti interdisciplinari: la loro ricomposizione all’interno di una visione capace di ricercare un grado maggiore di "verità" possibile.

L’artista torna così a essere concepito come soggetto responsabile nei confronti della comunità e del proprio tempo, oltre che come interprete della realtà. Ne deriva una rinnovata concezione della funzione dell’Arte: dopo una lunga stagione caratterizzata dalla crisi delle grandi narrazioni e dalla frammentazione dei linguaggi, si riafferma la possibilità della stessa Arte di mostrare nuovamente una via, offrendo orientamento, consapevolezza, tendenza ad una ricomposizione e prospettiva agli esseri umani.

L’antologia si colloca dunque dentro questo passaggio storico e culturale e tenta di offrire una mappa plurale della poesia italiana del periodo preso in esame, riconoscendo nelle diverse esperienze poetiche tanto la continuità con il Novecento quanto le tensioni innovative emerse nel nuovo secolo.

La prospettiva di quella che abbiamo definito anche Scuola Empatica costituisce, in questo senso, il principio interpretativo dell’opera: una prospettiva inclusiva e dialogica, orientata alla ricerca di ciò che, nelle differenti esperienze poetiche, ha saputo costruire relazione, significato e possibilità di futuro.

Ciò che accomuna gli autori raccolti in questa antologia è, al di là delle differenze di poetica, generazione e linguaggio, una particolare, lieta permeabilità dell’io: un io in cammino verso il mondo, verso l’altro, la storia, la realtà, desideroso di lasciarsi entusiasmare dall’esperienza per trasformarla in forma poetica.

Si tratta di un io relazionale, profondamente diverso da quello lirico autoreferenziale, chiuso e spesso narcisistico che, in una parte della produzione contemporanea, ha finito per fare della poesia una celebrazione del soggetto e dell’artista un fine anziché un tramite.

L’io empatista non rinuncia alla propria individualità, ma tenta di superarla nella relazione; non si chiude in se stesso, non si compiace della propria solitudine, non assume la propria esperienza come misura esclusiva del reale: si fa piuttosto luogo d’incontro, ascolto e partecipazione.

La soggettività diviene così una soglia attraverso la quale il mondo può entrare nell’opera e l’opera può nuovamente rivolgersi al mondo.

È in questa disposizione che riconosciamo una delle qualità più significative della poesia che intendiamo documentare: una poesia non necessariamente riconducibile al nostro movimento sul piano programmatico, ma capace di esprimere, nella propria stessa natura e disposizione creativa, una profonda disposizione empatica.

Inoltre, direi, come accennato, che questa antologia non vuole dimenticare i maestri del passato - siamo contro ogni tabula rasa -, ma partire da loro, dalla loro voce e da quanto generosamente ci hanno lasciato, perché nulla conta più, nell’Arte come nella vita, della migliore tradizione.

Vogliamo riconoscere il dono che ci hanno fatto quando, nei primi anni Duemila, arrivarono a pubblicare le loro ultime raccolte: fu il loro modo conclusivo di nutrirci, di consegnarci ancora qualcosa di sé e, forse, di dirci arrivederci.

Quelle pagine furono precise indicazioni “paterne”, un passaggio di testimone affidato a chi sarebbe venuto dopo. Segnarono il punto da cui raccogliere la lezione e provare a proseguire il cammino, con la consapevolezza che ogni nuova voce nasce anche dall’ascolto di quelle che l’hanno preceduta.

Per quanto mi riguarda, non si tratta soltanto di una convinzione teorica: la mia stessa storia artistica nasce da questo incontro con la grande poesia del Novecento. Ho conosciuto Mario Luzi al Caffè letterario Giubbe Rosse di Firenze (lì dove poi presentammo per la prima volta il Nuovo Manifesto sulle Arti) e proprio con lui ebbe inizio, per me, un rapporto destinato a segnare profondamente il mio percorso. Nel 2003, nella collana del Caffè Letterario, furono pubblicate soltanto due raccolte: L’avventura della dualità di Luzi, una delle sue ultime opere, e Ceppi incerti, il mio primo libro di poesie. Una coincidenza che oggi, a distanza di anni, avverto quasi come un passaggio di testimone.

Luzi fu inoltre il primo poeta a credere nella mia scrittura e a sostenerla. Il suo gesto, per me, non fu soltanto quello di un grande autore che riconosceva un autore più giovane: fu un atto di fiducia, un modo concreto di trasmettere una lezione e, insieme, la responsabilità di continuarla.

Di quella generazione ho avuto poi il privilegio dell’amicizia di Giampiero Neri, Tiziano Rossi, Elio Pecora e Franco Loi (tutti aderenti al movimento come Maestri Empatici, felici di promuovere l'intelligenza emotiva attraverso le arti...). Sono stati incontri umani e poetici che hanno accompagnato il mio cammino e che hanno contribuito a formare la mia idea di poesia.

Come dunque non riconoscere nell’origine della nostra esperienza la presenza di quelle voci che ci hanno preceduto e che, invece di chiudere una stagione, ci hanno consegnato gli strumenti per aprirne un’altra?

È da questa eredità che vogliamo ri-partire, per ascoltarla, assorbirla e, se possibile, innovarla. Perché una tradizione è davvero viva soltanto quando qualcuno, dopo aver ricevuto il testimone, trova il coraggio di correre con esso verso un tempo nuovo.

Infine, scorrendo i nomi di questa antologia, distribuiti lungo circa un secolo, non può non colpire il fatto che la storia sembri averci consegnato, quasi simbolicamente, una figura poetica significativa per ogni anno. Un dato che forse dovrebbe farci riflettere, soprattutto nella nostra contemporaneità, dove il confine tra il desiderio di scrivere e l’essere poeti sembra talvolta farsi fin troppo sottile.

Opportuno precisare, tuttavia, che la selezione dei cento poeti qui presentata non intende configurarsi come una graduatoria dei maggiori poeti italiani, ma come una proposta critica di cento autori attraverso i quali delineare e interpretare alcune delle principali linee di sviluppo della poesia italiana nel periodo considerato.

CENTO POETI ITALIANI

Nati negli anni 1900-30

1. Raul Lunardi (1905)

2. Alba Florio (1910)

3. Mario Luzi (1914)

4. Andrea Zanzotto (1921)

5. Luciano Erba (1922)

6. Maria Luisa Spaziani (1922)

7. Giovanni Giudici (1924)

8. Giampiero Neri (1927)*

9. Giancarlo Majorino (1928)

10. Franco Loi (1930)*

11. Edoardo Sanguineti (1930)

12. Alda Merini (1931)

13. Giovanni Raboni (1932)

14. Giulia Niccolai (1934)

15. Nanni Balestrini (1935)

16. Tiziano Rossi (1935)*

17. Elio Pecora (1936)*

18. Dacia Maraini (1936)*

19. Tiziano Salari (1938)

20. Valentino Zeichen (1938)

21. Nanni Cagnone (1939)

Nati negli anni 1940

22. Giorgio Manacorda (1941)

23. Umberto Piersanti (1941)

24. Giuseppe Conte (1945)

25. Maurizio Cucchi (1945)*

26. Biancamaria Frabotta (1946)

27. Vivian Lamarque (1946)*

28. Mariella Bettarini (1947)

29. Patrizia Cavalli (1947)

30. Cesare Viviani (1947)

31. Eugenio De Signoribus (1947)

32. Franco Buffoni (1948)

33. Rosita Copioli (1948)

34. Ida Travi (1948)

35. Roberto Carifi (1949)*

36. Umberto Fiori (1949)

37. Giuseppe Piccoli (1949)

Nati negli anni 1950

38. Gabriella Sica (1950)*

39. Milo De Angelis (1951)*

40. Mariangela Gualtieri (1951)

41. Mario Santagostini (1951)*

42. Giancarlo Pontiggia (1952)*

43. Alessandro Ceni (1952)

44. Eugenio Lucrezi (1952)*

45. Roberto Mussapi (1952)

46. Gianni D'Elia (1953)

47. Patrizia Valduga (1953)

48. Enrico D'Angelo (1954)

49. Alberto Bertoni (1955)*

50. Antonio Trucillo (1955)

51. Enrico Testa (1956)*

52. Claudio Damiani (1957)

53. Gabriele Frasca (1957)

54. Valerio Magrelli (1957)*

55. Fabio Pusterla (1957)

56. Lello Voce (1957)*

57. Antonella Anedda (1958)

58. Biagio Cepollaro (1959)

59. Stefano Dal Bianco (1959)

Nati negli anni 1960

60. Alba Donati (1961)

61. Edoardo Zuccato (1963)

62. Davide Rondoni (1964)*

63. Tiziano Broggiato (1965)

64. Rosaria Lo Russo (1964)

65. Roberto Deidier (1965)*

66. Michelangelo Zizzi (1965)

67. Luigi Socci (1966)

68. Pierluigi Cappello (1967)

69.Andrea Inglese (1967)

70. Aldo Nove (1967)

71. Marco Amendolara (1968)

72. Giovanna Frene (1968)*

Nati negli anni 1970

73. Elisa Biagini (1970)

74. Francesca Moccia (1971)

75. Gherardo Bortolotti (1972)

76. Fabrizio Bregoli (1972)

77. Giulio Marzaioli (1972)

78. Alessandro Broggi (1973)

79. Mario Fresa (1973)*

80. Lidia Riviello (1973)

81. Corrado Benigni (1975)

82. Francesca Genti (1975)

83. Lorenzo Carlucci (1976)

84. Alessandro De Santis (1976)

85. Massimo Gezzi (1976)

86. Jacopo Ricciardi (1976)*

87. Azzurra D'Agostino (1977)

88. Valerio Cuccaroni (1977)

89. Lucrezia Lerro (1977)*

Nati negli anni 1980

90. Menotti Lerro (1980)*

91.Francesco Targhetta (1980)

92. Giuseppe Nava (1981)

93. Carmen Gallo (1983)

94. Laura Accerboni (1985)

95. Davide Castiglione (1985)

96. Giorgia Mastropasqua (1986)

Nati negli anni 1990–2000

97. Giorgio Ghiotti (1994)

98. Francesco Ottonello (1994)

99. Demetrio Marra (1995)

100. Luigi Riccio (2000)

N.B.

Nell'antologia troviamo:

- Maestri del Novecento attivi nel XXI secolo.

- Maestri della poesia italiana contemporanea.

- Poeti della generazione 1960-2000.

*L'asterisco indica i poeti che hanno aderito formalmente all'Empatismo

La poesia di Dante Zamperini a Fiorano (MO) sabato 19 settembre 2026

2026-09-04T12:36:24.370+02:00

farapoesia.blogspot.com/zamperini
faraeditore.it/nefesh/Trapocolanotte.html

La voce del sangue a Cervia con Matteo Pasqualone e Alessandro Assiri

2026-08-30T09:47:32.513+02:00

Presso la libreria Ubik di Cervia

sabato 29 agosto 2026 ore 21

Matteo Pasqualone e La voce del sangue

in dialogo con Alessandro Assiri

Seduti e seguaci

2026-08-29T16:40:56.895+02:00

Gianfranco Lauretano, Questo spentoevo, Graphe.it Edizioni 2024

recensione di AR

Scrive nella Nota finale al libro Gianfranco: “Alcuni anni fa (…) La voce di Caproni mi pervase a tal punto, da influenzare intimamente la mia scrittura. (…) C’è una quota di ciò che vogliamo dire che dipende dalle parole stesse” (p. 39). Ha interrogato brillantemente (anche) su questo il poeta il collega e amico Stefano Maldini, anche lui cesenate ad una presentazione di questa raccolta al Meeting 2026.
Constatiamo facilmente come ogni espressione artistica travalichi l’intento di chi l’ha creata. Il poeta è ispirato e dunque, pur modellando la sua opera con la sua personale creta, pur dando alle parole il suo timbro personale, sa che c’è sempre un di più che gli sfugge e che arriva da altrove. Gli stessi fruitori dei versi (o di un’opera d’arte) filtreranno il messaggio poetico, la musica, la pittura… con la loro sensibilità, scoprendovi ciascuno echi diversi, spesso in relazione al proprio vissuto.

Trovo splendida, una preghiera semplice che risuona nel profondo come una confessione, la poesia che chiude la silloge (p. 36). La riproduco integralmente:

Gesù non devo dirti niente

Ho detto per errore «Signore» / senza neppure pensare di dirlo. / Il nome di Dio, come un grande uccello, / è volato via dalla mia gabbia… (Osip Mandel’štam)

Gesù non devo dirti niente
volevo solo far cantare
il nome
e ch il suono
evocasse lo splendore
del volto
e vibrasse
la potenza del cuore
e la musica
delle sante sillabe
scardinasse la pagina
scrivendo l’universo
tu vero autore.

La forza visionaria (e profetica) del poeta pervade tutta l’opera e non mancano tocchi umoristici: “Questa strana manna nell’aria / impedisce la corsa consueta / le auto sono immobili bovini / gli alberi sculture conccettuali” (Lo spirito della neve – venerdì, p. 34); “l’eterno viene in una / brezza, in una che mi ha / nel mondo intero avuto / caro, in una mano calma” (Risposta a Leopardi – 4, p. 26); “Dio è altrove, segreto / (…) / compatisce. Sta creando / come sempre e dividendo / i seduti dai seguaci / fertili da sterili di figli / e di peccati, neppure di quelli / sono più capaci.” (Dio non c’è, p. 21); “Tra il male e il bene / solo esigue differenze. / Il male non lo vedi bene / si confonde nella vista / si camuffa con sapienza / (…) / è un riformista.” (La bestia, p. 16); “satana si annoia, è incostante” (Questo spentoevo sta finendo, p. 13); “Risediamo ancora in questo / corpo e non ci asteniamo / dall’imparare a dimenticare. / Ma appena sotto pelle / una tempesta si scatena / tra le membra e l’anima / la carne si fa pensieri” (Risediamo ancora in questo, p. 11).

Come ammette l’autore a p. 10, “unico artista” è l’amore, sta a noi goderne da protagoinsiti non nell’isolamento dell’ego ma nel fiorire del noi: “si danno ad una ad una / le risposte, dove io / non è più solo.” (p. 12, chiusa della poesia Risediamo ancora).

“Respira il cielo a fisarmonica”

2026-08-29T11:43:00.298+02:00

Leda Erente, Tornerà il grano a sfiorare i tetti, volume a cura di Massimiliano Bardotti con una nota di Valerio Grutt, poQuod 2026

recensione di AR

“I cipressi accolgono i morti tra le radici / con le chiome accarezzano i vivi.” (p. 78)

“Un’ultima lucciola solfeggia la fine dell’estate / si mette via la legna per l’inverno.” (p. 76)

“Il silenzio scende i gradini / unisce tutti i respiri / setaccia il dolore in polvere più fine / lo accompagna / fino al penultimo passo / l’ultimo è un lieve respiro scambiato con il cielo.” (p. 73)

“Respira il cielo a fisarmonica / un concerto di stelle brilla nelle mani. / Il suono delle campane fa volare via uno stormo / il cielo diventa chiesa. // Siamo custodi della vita.” (p. 67)

“Mi soprende l’umile borragine / (…) / prega per i margini del mondo.” (p. 13)

Veniamo abbracciati, letteralmente, in queste pagine da fiori, alberi, cieli, stelle, vento… che Leda ci presenta come amici da sempre: per questo le sue parole ci arrivano cariche di affetto, colme di quell’energia immediata che non ha bisogno, di profilazioni, di “inquadrature” ad hoc iperrealiste, ma si esprime con verità, semplicità, vicinanza che derivano da una conoscenza esperita, vissuta:

“Hanno un modo di guardarsi le mani / le persone fragili e stanche / le tengono intrecciate come ceste sulle ginocchi. / Aspettano colui che ha la forma del vuoto.” (p 20)

I versi sono intrisi di un senso religioso che mette in profonda relazione umanità, pensiero, natura, sensi, desiderio di eternità, ricerca dell’Alto, sequela del Figlio dell’uomo in cui siamo salvati:

“Nel chicco di grano tutte le spighe / nel volto di Cristo ogni uomo.” (p. 49)

“Quando cerchi Dio, Dio è lo sguardo dei tuoi occhi / canta Rumi il persiano. / Ho sentito quel canto ch’ero bambina” (p. 30)

“Abbiamo una scala nel cuore / che da piccoli scendiamo e saliamo / due gradini alla volta con gioia. / (…) / I bambini lo sanno / pregano giocando / è così che rendono grande il mondo.” (p. 47)

Attraverso il suo rapporto così stretto con la natura, Leda mantiene, come san Francesco, un cuore ricettivo al lato spirituale di quanto ci circonda, nel micro- e nel macrocosmo, nella rete sociale fatta di persone in carne, sangue, pulsioni che respirano di vita ben oltre le connessioni messe in atto da intelligenze artificiali sempre più sofisticate e “realistiche”.

Il soffio dei versi di Leda si insinua discretamente nei nostri polmoni e li fa esultare con immagine di una bellezza assoluta.

“Il bosco veglia / su ogni foglia che cade.” (p. 61)

“L’esile luce attraversa la cruna del gelo.” (p. 45)

“Perché continuare a bussare a una porta già aperta / quando basta abbassare la maniglia / e portare avanti il cuore?” (p. 44)

“Le stelle maturano appese al cielo / scuoto la notte come l’albero di albicocche.” (p. 27)

“Dal fontone si alzano in volo / zampe d’airone / le ali si uniscono per indossare il cielo.” (p. 21)

“Un grande viaggio / comincia all’altezza di un filo d’erba.” (p. 16)

“Il vento si è portato via l’inverno / (…) / Ha seminato un alfabeto d’aria / che si è fatto memoria.” (p. 14)

Una discesca nella “umiltà”

2026-08-25T18:37:17.051+02:00

Elena Buia Rutt, Atterrare, Fuorilinea, Monterotondo (Roma) 2025, pp. 134, euro 14,00

recensione di Anna Maria Tamburini

Sembra in tutto un titolo perfetto, Atterrare, per questo quarto libro di poesie di Elena Buia Rutt, poetessa, traduttrice, critica letteraria, insegnante. Dopo Ti stringo la mano mentre dormi (Fuorilinea, 2012), Il mio cuore è un asino (Nottetempo, 2015), La sete (Aragno, 2020), questo volume che raccoglie un’ampia selezione dei precedenti libri – riveduti nella struttura e minimamente nei testi – «traspone in versi l’esperienza trasformativa del trasferimento dalla città di Roma alla campagna di Assisi», come si legge nel risvolto di copertina.

Non si tratta semplicemente d’essere scappati dal frastuono della capitale, dove altre opportunità per altro sono state abbandonate, per avere scelto di vivere a contatto con la natura. In realtà il sogno di una vita più distesa s’è avverato solo in parte: non sono diminuiti gli affanni legati alla gestione ordinaria della giornata nella fatica di conciliare lavoro, casa, figli, cui si sono aggiunti terra, animali, piante… né le corse contro il tempo per fare quadrare tutto rispettando orari, limiti di velocità per strada, imprevisti e incombenze. Di una “discesa” si racconta in vero, ma nella “umiltà” intesa nella sua accezione etimologica: si tratta d’avere scelto uno spazio di libertà che anche per tradizione predica il Cielo, per avere amato la terra, per esservisi adagiati, per non avere ricusato le cadute, compresa quella, letterale, che ha suggerito forse e in parte rafforzato la trovata, felice, del titolo:

Le pecore – si sa – sono / innocue ottuse docili […] così dicono / e anche io ho ripetuto […] Ma un rocambolesco / caso della vita / ha fatto piovere / per me / sei pecore / in giardino // una di queste / un giorno si è staccata / dalle mie carezze / dalle foto sorridenti con i figli / ha abbassato la testa / caricando / e con la forza dei suoi cinquanta chili / mi ha buttata giù // ora quando la incrocio / la fisso attentamente / per capire chi è / e come sta […] nel suo sguardo ipnotico e infallibile / vedo scorrere / ere di saggezza / discernimento / libertà // portami con te / sorella mia […] (La pecora).

Paradosso e ironia difendono così tenacemente la fibra di un’esistenza, e della sua trasposizione in versi, permettendo di riconoscere l’avvitamento della logica che apre a una più sapiente riflessione: Avrei voluto vivere / a tremila metri / per contemplare / in solitudine / la mia insignificanza // mi ritrovo invece / offuscata / ad arrancare nella nebbia / di una pianura affollata e fangosa / zavorrata da una dedizione / a figli animali studenti // lontana dalla vetta di cristallo / rimarrò abbattuta / - lo sento - / qui in basso / ignara della benedizione / ricevuta in sorte.

Nell’Ora et labora dei giorni anche la tensione muscolare del gesto semplice di una potatura, se da una parte riporta al corpo, induce al contempo dall’altra un senso panico che nella comunione con la natura – in un sottile ossimoro di radici e cime – sposta ancora più in alto lo sguardo: mi riporta al corpo // ramo tra i rami / tronco tra i tronchi /radicato / nello slancio / di tutto ciò che cresce.

Anche in quanto studiosa Elena Buia da sempre scava nel rapporto tra letteratura e spiritualità; ha approfondito le opere di Pier Vittorio Tondelli, di Flannery O’ Connor, Mary Oliver. Per questa sete di Cielo appare evidente anche un’importante continuità con le precedenti raccolte – il nuovo libro si struttura in due parti: Il mio cuore è un asino e Vita in campagna (da cui sono tratti i versi già citati) – e tra i componimenti della prima sezione, oltre al testo eponimo, sono recuperati non a caso dalle precedenti pubblicazioni Lo spazio di Dio, Dio sul pianerottolo, Dio a poppa.

In questa casa / ultimamente / nessuno più parla di Dio // eppure a volte all'improvviso / tirando da puledri / la macina dei giorni / si apre nel silenzio / uno spazio d'aria /che quando /lo attraversi

sorridi piano /come nevicasse. (Lo spazio di Dio)

I versi brevi, per lo più senari o settenari, o anche altri, imparisillabi come novenari, o endecasillabi per lo più spezzati, denotano la ricerca di una forma minimale, che esprima le esigue misure dell’esserci, e di spazi e silenzio dove aleggi un altro respiro. Delle precedenti raccolte resiste infatti tenace anche tutta la componente affettiva di una poesia d'amore che parli d’Amore al maiuscolo, senza sentimentalismi, né enfatizzazioni, né dichiarazioni, ma sostenuta da domande che penetrano dal profondo questa realtà, nella più assoluta concretezza del vivere a partire da quelle che sono le più frequenti delle dinamiche relazionali. Così, spogliata d’ogni orpello, denudata e rastremata all'osso, la parola si potenzia di valore simbolico.

In ultimo – componimento di explicit di Atterrare – Il mio prossimo sintetizza paradigmaticamente con uno splendido ossimoro tutta l’ermeneutica di un’esperienza esistenziale, prima ancora che letteraria, e nella forma e nella sostanza: Sono prossima / a chi come me / al piano terra / soffoca / nelle sabbie mobili / del salotto buono / e patisce l’assalto stizzito / dei legami convenzionali // sono prossima / a chi come me / in una vecchia soffitta / cauterizza i tagli / con le lame di luce / della presenza / di Dio.

“un sorriso fatto di pioggia”

2026-08-22T11:44:02.752+02:00

Nicoletta Carlan, Staccarsi dalla roccia, Prefazione di Massimiliano Bardotti, peQuod 2025

recensione di AR

“Morte che compi la vita, / nei crochi delicati sfioro il tuo verso.” (Morte, p. 88)

“Possa io quel dì, udire il rumore che fa l’orologio / quando alita il tempo della fine / e dell’eterno / per condurmi a Voi.” (Morti, p. 64)

“Morte immobile del corpo che nutre, nella terra, / tra la terra / caduto senza dolore. / Non una singola morte, né un singolo albero. / Solo anime che sono Bosco.” (Nella cattedrale di fronte, p. 18)

Dai versi qui sopra percepiamo un francescano (e anche zen: “faccio scorrere alla mia sinistra il fiume e poi / mi lascio portare.”, Sull’argine, p. 11) rapporto con il vivere e la sua Fine – “Grata per il bianco dei pioppi consumo l’istante / a porgerti il corpo come pegno d’Amore.” (ivi) – attento al mondo naturale e sociale, al prossimo (“Incorrisposta dalle leggi della persona, mi siedo ad / accostare il mento al cuore / e poi la fronte e tutto il corpo.”, Missili su Gerusalemme, p. 38), a un Tu onnipresente, lo ritroviamo disseminato nel canto di Nicoletta: “Il crepuscolo ad aprile sa di misericordia… / Non passa per nulla nel buio, / si accende in città, sui / fiori bianchi dei meli selvatici.” (p. 83); “Curva, volo di fiore in fiore a sbirciare il Tuo sapore.” (Dalle scale il sambuco, p. 81); Se non avessi, le parole che ci avete lasciato (oh / Maestri), che sempre posso trovare scritte o ascoltare, / sarebbe stato tutto diverso. Ma mi sostieni Tu, istante / dopo istante con picchetti e corde perché vuoi che io / arrivi con i mezzi che mi hai donato. (esergo alla sezione “Picchetti e corde”, p. 61).

Il senso del titolo lo troviamo in esergo alla sezione eponima (p. 79): Così tolgo i confini ai miei piedi e alle mani, sgancio i / moschettoni e lascio che tutti di me venga risucchiato.

Le immagini sono sinestetiche e coinvolgenti, non di rado spiazzanti: “Non posso bandire il suono di tulipani neri e lividi gigli. / Predico a me stessa di Lui, annientare ogni confine. / Cadermi dentro.”; “Steli d’erbe diverse, tra loro intrecciati e costretti / tra asfalto e muri inerti / spingono il verde a suonare liriche armoniche.” (Ovunque, p. 48); “Vuoti canali che scorrono pietre se li costeggio. / Cronica lotta tra le lacrime del ventre ed il senso di me.” (Elementi, p. 44).

Già dalle citazioni qui sopra, notiamo la natura prosastica di questa raccolta dai versi spesso molto lunghi che invitano a dilatare la dizione oltre i ritmi consueti con il desiderio di varcare i limiti del respiro per avvicinare la soglia in cui si farà infinito.

Riproduco integralmente la poesia Primo luglio (compleanno del figlio lontano) che si trova a p. 59:

“È ogni passo una felice nostalgia di quello che non
potrò mai conoscere,
del rosa di nuvola tra i rami delle querce
della voce di vento tremulo che sale da dentro
a cucire sul volto un sorriso fatto di pioggia di notte.”

C’è un connaturato anelito a vedere un misterioso aggancio, indispensabile e vitale, fra esperibile e quanto “scientificamente” non è verificabile: “Lo Spirito se lo vuoi vedere di nasconde, ma ti / guarda. / Se lo chiami, sempre ti soffia nel cibo e negli occhi / il suo vigore, / il suo incredibile racconto di coraggio.” (Così sia, p. 26); “Non so, se la terra di cui sono fatta possa reggere il / largo passo che viene dal Tuo sussurro.” (Servizio, p. 23).

Un libro carico di spirito e vita. Inscindibilmente.

“Banco bianco” di Sandro Meravigli

2026-08-21T10:22:47.750+02:00

“Banco bianco”

Sparirai anche tu come nebbia

in goccia di pioggia

il mondo è ingiusto

solo questa lotta gentile condotta giorno dopo giorno

essere cibo per altri

sfamare i cuori, più che altro

per le rive del male:

i giorni sono d’oro

il mio corpo è balbettare di nodi

dove mi porteranno le foglie

il mio corpo è stanco e morde

su pianure di frasi

aperte

qui la punta mi solletica

e rido

continuando a stipulare contratti con il solito

primo venuto

Un profeta ha scritto “siate nei vostri piaceri come i fiori e le api”

ma in amore e in molte altre cose sono balbuziente

per questa lotta a corte

(cuori arpione angoli in combutta)

più spesso punto dritto e non penso ai morsi

per vivere con l’iniziale

il mio essere

dire “la noia è il migliore dei risvegli”

ma il cuore insonne sciopera,

mi impone severi digiuni per giorni

non faccio che bendarmi gli occhi

e torno a stancarmi con menzogne e finzioni —

la mezzanotte è una lingua

e ripara i freni per l’indomani

generosa consulente

scava qualcosa nell’autenticità

sopra i detti

corridori rivoluzionari

da intervistare

stelle di fuoco, lettere

senza rime ma che si leggono come poesie

calco della storia

lavoro minuzioso d’amanuense

di copiatura e invenzione

intorno al pozzo, da pazzi

con le chiavi della storia

sul banco bianco

corde scartoffie,

dall’uscio fitta luce

tra i tetti su cui cresce l’erba

nel xiao yuanzi

la mente assente

e fotografa senza metodo —

“l'albergo d'ogni nostro affetto”

solo la costanza è prova dell'uomo

ad ogni ora la sua pena

“Sono un morto" - un inedito di Sandro Meravigli

2026-08-20T12:07:56.101+02:00

Sono un morto

Datemi un fiore, datemi una casa
datemi una penna
e una pagina
estremamente
mi fermo
sul sorgere

Noi siamo bassi
non capiamo bene
la rivoluzione è a un passo,
è il masso su cui siedo
affilando orizzonti
penso ai monti dell'infanzia:

ha a che fare con la storia che racconto - questo pugno
e questa penna: dico il ricordo

L’attacco dinamitardo al clero letterario: Lo Stato Pontificio di Ivan Pozzoni

2026-08-20T06:00:04.676+02:00

L’attacco dinamitardo al clero letterario: Lo Stato Pontificio di Ivan Pozzoni

Lo Stato Pontificio di Ivan Pozzoni (Edizioni Divinafollia, 2026) è un testo eversivo che colpisce costantemente la poesia lirico-elegiaca, imperante a causa delle scelte dell’imprenditoria editoriale. Già nell’introduzione all’opera, Pozzoni si prefigge l’intento di spiegare come la poesia tardomodernista debba essere intesa: un riot da scagliare contro lo “Stato pontificio” letterario, emblema d’una critica vetusta che non riesce, non desidera scovare prodotti di qualità, fautrice di versi lirico/elegiaci edulcorati ed edulcoranti che mostrano, pur nella diversità dei poeti- scrittori, il medesimo stile e contenuti analoghi: «cento e cento e cento epigoni di epigoni di epigoni (epigoni Rubik), tutti con la medesima scrittura,/ il medesimo stile, metro, mood, ritmo, lanciato dai seducenti dictatores del regime Mondazzoli» (Ogni limite ha una pazienza). Durante la lettura dell’opera che fa largo uso di riferimenti sociologici, filosofici, letterari e al contempo calcistici, al cinema trash e a quello erotico il poeta utilizza il plurilinguismo ed un linguaggio volutamente prosaico e, a volte, osceno che diventa cifra stilistica della raccolta con il fine di costituire volutamente l’antitesi rispetto al seducente verso lirico/elegiaco: il lettore è spaesato, sferzato di primo acchito, perde di fatto le coordinate che lo hanno visto procedere su una strada volutamente piana ove gli si richiedeva, nel migliore dei casi, un trasporto emotivo e non di sicuro una capacità di riflessione scaturita dalla provocazione che è lo strumento precipuo dell’arte. Il bersaglio lirico-elegiaco, nella concezione della poesia contemporanea, viene costantemente dichiarato nei versi-riots di Pozzoni anche attraverso il sarcasmo: «la conversione in agnello, homo homini agnus, ha scapigliato la mia nozione di militanza/mi sono esposto al Prezidium del Kolektivne NSEAE inneggiando ubriaco, alla fratellanza/ con tutte le multinazionali, i massacratori, i dittatori, i burocrati bastardi della terra» (Sono diventato buono). Il verso imperante, ci dice Pozzoni, è quello di chi improvvisa, di chi non ha riferimenti culturali e getta «vocaboli sulla carta come una defecazione» in un «Pornasio letterario» abominevole. Appare chiaro dunque come nella mente di Pozzoni si delinei l’idea che la poesia contemporanea, nella sua vocazione lirico/elegiaca, scevra di ogni valore morale/politico, sia da intendere come qualcosa da rifuggire, da superare nel paradigma tardomodernistista, l’unico percorribile nell’idea dall’autore. Scrive ancora il poeta nell’introduzione all’opera: «Il tardomodernismo deve combattere la tirannia del critico letterario, la tirannia dei direttori editoriali e la tirannia delle redazioni». I critici letterari e i direttori editoriali costituiscono, in ultima analisi, i bersagli autentici, più dei poeti lirico/elegiaci, dell’azione “dinamitarda” di Pozzoni: i critici letterari, «vecchietti terribili della vetero-cultura vetusta italiofona» come l’autore li definisce nella poesia Il vaso di Pandoro, fautori del regime “pontificio”, percorrono strade battute in cui si parla «d’amore, fratellanza, cooperazione, amicizia»; nella loro comfort zone spendono parole lodevoli per prodotti banali (spinti anche da logiche clientelari) destinati a una fine più veloce dell’alito di vento dantesco, tanto che non si può parlare neanche di mondan romore per tanti, troppi esponenti del verso lirico/elegiaco né tantomeno di una vendita significativa delle loro opere. Nell’uso spasmodico dell’esagerazione, nell’eccesso verbale, nei giochi di parole ecco che il lettore viene violentemente investito da un j'accuse incontenibile e incontrollato: la poesia di Pozzoni è una poesia di denuncia dello star system dell’editoria contemporanea e i versi “osceni” del poeta costituiscono la pars destruens di un mondo poetico che non può essere accettato. L’ordigno del poeta lombardo non è solo concettuale, ma anche e soprattutto linguistico come già detto: il verso pozzoniano costituisce il veicolo migliore per far esplodere tutto, attraverso il rifiuto del metro e della lingua poetica tradizionali, attraverso un linguaggio dissacrante, il multilinguismo, il pluringuismo. Lo stesso Pozzoni definisce il tardomodernismo come «un potpourri letterario» che utilizza un «sovraccarico linguistico, una brutalizzazione trash». Anche il lettore diventa in questa perpetua battaglia di chi vuole ri-fondare il mondo della parola un nemico: non è più l’hypocrite lecteur, mon semblamble (e del resto non si può sicuramente dire del poeta che sia un ipocrita): il lettore è «il lettore del cazzo» come Pozzoni lo definisce ne La cirrosi empatica che non comprende, non analizza (come del resto il critico). Solo all’artista resta da dire ciò che non è, ciò che non vuole. Lo Stato pontificio è un’opera significativa, sincera, temeraria, ovviamente non conforme al canone tracciato dalla critica letteraria, destinata a non essere ascoltata nella logica del mercato editoriale, salvo miracoli assimilabili alla trasformazione dell’acqua in vino. C’è da chiedersi, ma solo nella realizzazione di un’adynation, cosa potrebbe/dovrebbe diventare la poesia tardomodernista nella sua pars costruens in un mondo dove i lirico/elegiaci saranno relegati al silenzio.

Antonio Di Grazia

I versi di Alberto Mori ci aprono “a un nuovo nesso imprecisato con il mondo”

2026-08-19T19:19:10.039+02:00

Framing reinquadrante e da reinquadrare: Alberto Mori tra derealizzazione della percezione e disseminazione di tracce performative

recensione di Franco Gallo

Il nuovo lavoro di Alberto Mori (Framing, Fara Editore, Rimini 2026) si articola in sei parti (INQUADRATURA, APERTURA, COLORE, LUCE, ARIA E SORVOLO, SUONO E CORPO), introdotte da un componimento fuori schema di battute in corsivo virgolettate (p. 9), che richiamano un pattern ricorrente in apertura di ciascuna sezione, dove si trasformano in un dialogo tra due operatori di camera e/o videorecording, dubbiosi sulle scelte e stupefatti di quanto si manifesta ai loro sensi e mezzi di riprea.
L’esergo, come ci si poteva attendere dal titolo, richiama alcune considerazioni di Erving Goffmann. Accompagna il volume uno scritto in chiusura di Amedeo Anelli.
Il volume ci è parso interessante per più aspetti. Il primo, è che la frame analysis per come si sviluppa oggi si sostanzia come una critica dell’ideologia (per usare un linguaggio proprio della mia generazione) nel quadro della sociologia della politica e della comunicazione, in effetti accentuando la capacità dei frame di fungere come principi organizzativi e narrativi dell’esperienza e come parametri costantemente attivi negli impliciti linguistici e nella presupposizione del senso delle azioni e delle attese dei destinatari del messaggio.
Con tutto questo, diventa di fatto una forma applicativa di una critica psicologica e sociale che si avvale in forma evoluta e multidisciplinare del principio della Gestalt e della teoria foucaultiana, hardtiana e negriana del potere come attivazione e non come divieto.

I frame di Mori sono invece estrinseci rispetto a ogni loro identificazione come schematizzazioni di interpretazione politica e narrativa del reale, muovendosi invece su altri due piani distinti: uno, quello dell’apertura spregiudicata del piano percettivo in forme indipendenti dall’ordinario sguardo e quindi dagli effetti del framing sociopsicologico indotto dalla comunicazione e dalla politica di massa come elemento attivo della comprensione dell’evento; l’altro, quello del reinserimento cosciente e soggettivo di questa apertura in un processo secondario (in senso freudiano), di confronto con un decorso reale che li riporta nel tempo collettivo.
Quindi, e questo sia un altro aspetto di interesse, mentre i frame goffmaniani chiudono i soggetti dentro i loro mondi prerappresentati, quelli di Mori sembrano voler aprire autore e lettrici/lettori a un nuovo nesso imprecisato con il mondo.
Essi piuttosto appaiono come congiungimenti autoarticolati e intersensoriali, ulteriori e anteriori rispetto alla ordinaria forma della cosa che la percezione annuncia; percepito certo non puro, ma fin dal principio spurio e derealizzante, e proprio per questo sospensivo del tempo ordinario, della costanza della sostanzialità con le sue gerarchie di elementi essenziali e accidentali. Ma qui appunto l’accidente diventa centrale, profilo nuovo che annuncia una piega diversa della cosa.
Che siano istantanee sintesi di elementi convergenti nello spazio sensoriale (Nuvola nella nube, p. 37), cronache della deformazione poetica del percepito (La proiezione stempera, p. 43), ammirato equilibrismo linguistico per la perizia di performer musicali (pp. 62-63), i frame sono tutti esorbitanti la sfera dell’immaginario e si riconnettono potentemente all’ingombrante dimensione del reale, che emerge perfino dall’unico testo esplicitamente evocativo della semiosfera socialmediatica e suo ritratto al vetriolo (Satura d’eccesso, p. 53).
Come un enigmatico accenno alla trasposizione esecutiva di questo testo di Mori stanno due pagine (pp. 58-59) di scritture non convenzionali che paiono tanto andare verso l’idea della distillazione di cellule genetiche della poesia a partire dalle iniziali delle parole, trasposte in maiuscola in più casi e unite le une alle altre secondo un’agglutinazione straniante, quanto rimandare a marche esecutive di gesto che apprezzeremo certamente nell’oralità estemporanea del poeta. E questa promessa è senz’altro un terzo rilevante motivo di interesse.
Framing, con tutta questa costruzione e sovrastrutturazione, non sfugge alla tipizzazione delle marche autoriali e non rinuncia dunque ad alcuni preziosismi caratteristici di Mori, a cominciare dal marchio di fabbrica dei neologismi sostantivali o aggettivali derivati da verbi o dei neologismi verbali desunti da sostantivi, il tutto con il consueto apporto di prefissi (es. divago, p. 42; sbucci, p. 52; insolcate, ivi; incoltrita, p. 38; orizzonta, p. 27), senza dimenticare i frequenti impieghi ectopici dei verbi e le figure di contrasto (es. … fuoco innevato / incendia sulla lingua del gelo).
Questa maniera di Mori ci dona i suoi licks, come direbbero i chitarristi blues, le tipicità del suo fare poesia che se è intellettualità e riflessione è anche diletto, piacere del maneggio della parola e sempre di più un soffermarsi sul gusto del dire. Ma di Framing non possiamo sapere di più fino a quando non ne vedremo una performance che ci dirà quale sia la sua intima biologia molecolare, evocata da un esplicito CTGA (per chi non lo ricordasse, la sequenza della basi azotate del DNA, p. 58). che appare come esito di una delle figurazioni di cui sopra dicevamo.

da Poesia cremasca moderna

Volersi bene

2026-08-17T16:29:08.491+02:00

Alessandro Ramberti, Chiamami

FaraEditore, Rimini 2026

recensione di Anna Maria Tamburini

Dedicata A chi mi ha preceduto e con la premessa di una citazione tratta dal Saul di Vittorio Alfieri – dove la voce della coscienza religiosa impersonata dal sommo sacerdote Achimelech sfida la superbia del Re irridendo la sua gloria (non sei, che coronata polve) –, la nuova raccolta di Alessandro Ramberti si apre con un testo di soli sette versi ritmato nelle diverse forme dell’ottonario.

Naviga dentro le tue

fibrillazioni endoreiche

calati in mezzo ai ventricoli

sfasa le valvole fa’

scorrere sopra le acque

sfiora le cime ed abbassati

dove la terra concima

Nel dinamismo del “fluire dentro” (dalla radice greca “rhein” preceduta dall’avverbio endo) la sequenza delle metafore gioca tra la fisiologia del corpo umano e l’idrografia per cui “endoreico” si dice di un bacino apparentemente chiuso ma attivamente dal di dentro movimentato. Il testo sembra pertanto un monito rivolto alla propria anima, come al sangue. Al contempo è forse una preghiera, non tanto a sé stesso, ma a Chi ha la potenza, la forza, l’energia della grande e della piccola circolazione, della vita.

La dimensione orante è attestata del resto dalla struttura stessa della raccolta, perché ogni componimento è riportato regolarmente in più lingue: in cinese sia nella grafia tradizionale che nella forma traslitterata, in esperanto, inglese, latino. Dunque lingue vive e lingue vissute, poiché anche l’esperanto ha avuto una sua fiorente stagione, più nel passato che al presente, nel sogno che l’ha inventato di lingua universale. Più che traduzioni i componimenti traslati si percepiscono come l’eco prolungata della medesima invocazione. La preghiera sale infatti, incessante, da ogni angolo della terra, e dal più lontano passato, sino a noi, di passaggio oggi in questa devastata landa di “cruenta aiuola”.

E la più intensa delle preci si può ricondurre a questo solo verso, chiamami, da cui il titolo. Chiamata per nome, Maria nel giardino del sepolcro ha potuto riconoscere il Maestro risorto. Abbiamo bisogno che altri ci chiami, sempre, poiché l’uomo vive di relazione, ma il Tu che veramente ci rialza è quello della più alta chiamata. C’è un voi, cui è dedicato il breve spazio della raccolta – è per voi che siete / con me dal passato –, al quale si accorda il verbo essere non a caso al presente; e c’è un Tu del quale l’umano da sempre avverte urgentemente il bisogno della Presenza: a questo Tu si rivolge l’autore quando dice: «Chiamami».

Come si può sintetizzare tutta la legge della tradizione biblica che, osservata, permette all’uomo una più serena condizione del vivere? «Ascolta, Israele. Il Signore Dio nostro è l’unico Signore; amerai dunque il Signore Dio tuo con tutto il tuo cuore, con tutta la tua mente e con tutta la tua forza» e «Amerai il prossimo tuo come te stesso». Quella che la tradizione biblico-cristiana consegna come Torah – un ammaestramento – si rivela nell’esperienza del vivere la possibilità di un ben-essere. Ma occorre amarsi ed essere con sé stessi misericordiosi per riuscire ad amare a nostra volta e ad avere misericordia:

9. Volendomi più bene mi hai spiazzato

io sono rifiorito non celando

né esibendo le mie fragilità

mi sono ritrovato più paziente

A differenza delle precedenti ultime raccolte, in cui era prevalente un solo ritmo dettato dalla scelta di un’unica misura sillabica, con questa nuova silloge Ramberti fa ricorso a più diverse misure, tra parisillabi e imparisillabi: ricorre l’endecasillabo, a volte rigorosamente, come nel caso di questo componimento più riflessivo e discorsivo, o come in quello seguente, altre volte si trova alternato al settenario secondo la migliore tradizione lirica della nostra poesia, ma ricorrono di frequente senari, ottonari…

I testi all’interno della raccolta si richiamano e si integrano nelle argomentazioni: proprio intorno al tema del volersi bene più avanti si fa chiarezza con un componimento centrale di due soli distici:

15. Dimentico spesso

di avere ciò che non ho

svuotandomi divento

più ricco

Anche la poesia così si spoglia e nella sua nudità esalta tutta la sua ricchezza, nella forma e nella sostanza delle parole scelte: volersi bene non significa infatti riempirsi di cose più o meno materiali, ma conquistare quel di più di eternità che ci fa liberi, come sostiene San Giovanni della Croce nella Salita al Monte Carmelo: «Per arrivare a godere tutto / non voler godere nulla in nulla. / Per arrivare a possedere tutto non voler possedere nulla in nulla. / Per arrivare a essere tutto / non voler essere nulla in nulla»; o come testimonia san Francesco, che scopre amabile e fa sposa sorella povertà.

Anche la dimensione onirica affiora a tratti con potenza (25) se pure nella suggestione dell’enigma, per cui occorre discernere, come nelle scelte, nelle parole, nelle preghiere: quelle del Saul dell’Alfieri sono preghiere che non sperano.

[…] Ma in fondo per le scelte ormai mi affido – confessa in ultimo l’autore – a chi conosce bene le mie falle // e se ne prende cura liberandomi / dal peso di una legge che costringe / la grazia non richiede una classifica // dei meriti ma solo un’accoglienza / che sappia un po’ svuotarsi un po’ diffondersi / il sé più vero è infatti relazione // che dona agli altri spazio e non possiede / neppure il suo lo rende permeabile / al grumo di bellezza condiviso.

Sono questi i sogni, sogni agapici, che hanno una forza / profetica, che magari ti mettono a nudo // riaprendo ferite /t u amali amandoti / le scorie i traumi gli errori / ci definiscono / ma sono una mera pellicola / che può trattenere in sé la grazia / e dunque volare.

“Ci sentiamo chiamare dalle stelle ogni notte.”

2026-08-17T16:08:47.302+02:00

Massimiliano Bardotti, Ma il bene resiste, con la prefazione di Davide Rondoni e un saggio di Guidalberto Bormolini, Edizioni della Meridiana 2026

recensione di AR

Questo libro è una dichiarazione di amore. Certi incontri ti trasformano, anzi ti trasfigurano. Certe voci ti chiamano, ti seducono, ti sconvolgono. Ti dicono chi sei. Indicano la via. Scrive Guidalberto Bormolini (p. 114): “Non perdiamoci in disquisizioni sul relativismo (…). Dal momento in cui abbiamo colto il frutto dell’albero, tutto si è radicalizzato (…). L’amore è strutturalmente legato alla libertà, dunque se siamo liberi possiamo amare; se non lo siamo diventiamo automi, anche se fossimo le persone più buone del mondo.”

Come Simone Weil da Gesù, anche Massimiliano è stato preso da Lui, attraverso incontri, reali certo, ma anche intrinsecamente “poetici”. È bello assaporare le emozioni di lettura che ci offre in queste pagine parlandoci di Turoldo, Borges, Rumi, Davoli, Pascoli, Tagore, Damiani, Dante e altre voci, viventi nel qui e ora o già nel sempre, che hanno in-cantato la sua anima e indirizzato concretamente la sua vita. Sì perché per il poeta di Castelfiorentino si tratta di aver risposto a una chiamata. Accolta con umiltà, come una grazia. Poesia come vocazione, dunque, come realizzazione del proprio sé più dolorante e lieto, più nascosto e palese. Una vocazione di cui essere infinitamente grati anche se non ci evita prove, silenzi, sofferenze… aderire alla propria vocazione “è un modo di vivere che può aiutarci a provare a fare della nostra vita qualcosa di bellissimo” (p. 58), ci responsablizza: “Non possiamo più far finta di nulla e vivere come se le nostre azioni non producessero effetti nell’infinito.” (p. 43); “Dovremmo amarci gli uni gli altri solo per questo, dovremmo avere compassione gli uni degli altri proprio per la sorte che condividiamo.” (p. 34); “… forse il dolore è davvero un fratello necessario alla nostra esperienza di vita.” (p. 27); “… tutto quanto accade nella nostra vita, anche quello che sembra ombra, buio, oscurità, male, quello che noi giudichiamo come sbagliato, ingiusto, il poeta [nello specifico si riferisce a Rumi] ce lo indica come dono, occasione, fonte di salvezza.” (p. 19).

La citazione posta a titolo di questa recensione si trova a p. 29. E continua così: “E più ci sentiamo chiamare più ci sentiamo smarrire perché non capiamo.” Ecco è fondamentale non capire, cioè non “racchiudere” in sé, non delimitare orgogliosamente con una rete esclusiva ed escludente la realtà che ha sempre una bellezza esondante le nostre categorie, sorprendente, misteriosa… Dobbiamo essere tutti, in primis i poeti, vasi che accolgono, anche (forse soprattutto) attraverso le loro crepe. Piccoli contenitori aperti e “sgocciolanti” di infinito.

“sono compasso e lama di rasoio”

2026-08-16T12:04:31.962+02:00

Fornaretto Vieri, A carbon bianco

introduzione di Alessandro Fo

con uno scritto di Elisabetta Olobardi

e una riflessione sulla poesia di Fornaretto Vieri

Betti Editrice 2025

recensione di AR

Ogni momento ha un seme di assoluto / che niente veramente può scalfire, / né può essere inganno questa vita: / in parte o in tutto al nulla consegnata / sarebbe un dono tolto quando ancora / ci è offerto, dall’inizio; ed è miracolo, / pegno di una valenza, che è infinita.” (Punctum temporis, p. 228)

Inizio questa recensione con versi che mi sembrano una fondamentale chiave di accesso alla poetica che informa questo ponderoso tomo di endecasillabi che registra gli eventi salienti del vissuto, del sentire, del pensare (”c’è una bellezza propria del pensiero, / luce che è potenza d’intuizione”, p. 173), dello stare al mondo con i piedi per terra (”Prova sempre la storia ad insegnarci, / ma non riesce ad essere ascoltata”, p. 145) eppure con lo sguardo attento all’Oltre di Fornaretto.

Il gesso o un carbone bianco venivano impiegati per indicare un fatto memorabile o una lieta sorpresa e in questo libro è una antologia di situazioni, sentimenti, meditazioni, ricordi, considerazioni, rimpianti, preghiere… che riflettono con onestà gli entusiasmi, le passioni, le relazioni (a volte non completamente riuscite) del Nostro: “… cerco la mia immagine / e a tratti non la trovo, ché gran parte / del mio me se n’è andata, ed è già altrove.” (Il divieto III, p. 110); “Ora solo è tristezza, e non c’è uscita, / solitudine ovunque sul mio mare.” (Quel punto archimedeo che si è smarrito, p. 102); “vale ben tutto intero il mio dolore / sol quel poco di te che ho amato e inteso.” (Nelle ore della notte I, p. 100); “non son saggio, non lo son mai stato, / dei consiglio fo saggia collezione, / ma poi non li so spendere, sbadato.” (La sorte dei consigli I, p. 98).

Il suo, di Fornaretto, è anche un viaggio nella poesia (italiana e non solo), un amabile gioco per l’uso di parole desuete e rare, le rime e i rimandi più o meno espliciti ai grandi poeti antichi e contemporanei, che creano vigorosi effetti immaginifici e risonanze visive sostenute da allitterazioni dai rimandi ancestrali: “Dentro pubbliche maschere celato / l’ego trova il suo spazio di manovra, / nel vuoto suo centripeto di piovra / onnivoro ghermisce le sue prede, / compatendo lo sciocco che non coglie / l’immediato vantaggio che pur scopra.” (Favole idiomatiche XIV, p. 53); “Non perdona il carbone: o tinge o brucia; / così la vita che ci passa dentro.” (Favole idiomatiche VI, p. 50)

Traspare in queste pagine un approccio religioso/filosofico sempre in bilico fra uno scetticismo che ha bisogno di verifiche e una volontà di affidarsi a un Mistero che ci ama e ci dà energia per amare a nostra volta (se lo accogliamo): “Solo il futuro è aperto al nostro agire / e quando agiamo slitta nel passato / per la minima cruna che scompare, / non ha spazio nel tempo eppure intero / il tempo è tutto accolto in quella cruna / che il passato proietta ed il futuro” (Il paradosso dell’impossibile presente II, p. 225); ”Sono sempre attirate le parole / dalle cose, l‘oscura calamita: / sono compasso e lama di rasoio, / che scontorna, dirime, che si spinge / confusamente a un dove che tracima / ben oltre l’orizzonte degli eventi” (Res et verba, p. 215); “Fiùtola si diceva la falena / per quel suo modo di fiutare il bordo / degli oggetti che timida avvicina.” (La fiùtola, p. 212).

Mi piace riprodurre integralmente la poesia Ierofanie (p. 202), perché fra le “confessioni” che costellano A carbon bianco è una numinosa parabola del poeta:

Lancia altissimo il grido nel suo volo,
immerso nell’azzurro e impercettibile,
il falco pellegrino come a esprimere
il diritto ad esistere e il mistero,
l’insondabile cuspide intangibile,
acuminata punta che si incide
nella compatta volta indefettibile,
impervia sopra l’uomo che la irride.

Concetti simili li troviamo anche in Derek Walcott VIII (p. 194): “Non si contiene il verso, si distende / con lo stesso respiro degli oceani, / frequenta gli orizzonti, li travalica, / eppur coglie il dettaglio, la pur minima / movenza ed incertezza della vita”.

Non sorprende l’amore per l’arte (del resto pressoché ineludibile per un poeta fiorentino) a cui è dedicata in partecolare la sezione ecfrastica “La forma ed il croma”, né l’onnipresente profumo delle Sacre Scritture: “È il perdono che suscita l’amore / e l’amore è motivo del perdono” (Maria Maddalena, p. 155); “Mio padre mi parlò la prima volta / di Abele il giusto e nella fantasia / mia di bambino parve che in quel nome / risuonasse il belato dell’agnello.” (Abele, pp. 35-36).

Un libro questo in cui l’esposizione del poeta è una finzione pessoana (dunque molto rivelatrice) in cui divertissement e autoironia si intrecciano con un umorismo tendente allo spleen e il desiderio di affidarsi a una Buona notizia ricca di misericordia (che è la forma più alta dell’amore): “Dentro un assorto muto immenso manto / tutto si allenta, nulla si rianima; / solo consola questo grigio affranto, / il calicanto, intenso come un’anima.” (Fiori d’inverno, p. 82); “guai al chierico che, nella sua fede, / non conosce la luce che conforta.” (Il sacro, p. 60); “Tutti ce ne andremo a mani vuote, / l’io se ne andrà via povero e nudo, / ma non ci lascia il noi che qui vivemmo, / i condivisi affetti, ed ogni gesto / che fu di compassione o fu di amore / non passerà, non sarà stato invano.” (Non invano, p. 45).

“l’erba / profuma solo / di speranza / e la pazienza / in nome / del cammino / sgomenta / la sapienza”

2026-08-15T12:50:06.301+02:00

Adelaide Ricci, Il nome nuovo, Introduzione di Vittorio Cozzoli, Kolibris 2018

recensione di AR

Nella penultima poesia di questa riverberante raccolta, Adelaide canta: “L’eternità / sarà / mutarsi / in salmo” (p. 112). Come si vede i versi sono brevissimi, spesso consistono in una sola parola, densa, ricca di echi ed agganci biblici: “e nel silenzio / attonito / di luce / il volo / delle rondini / d’estate.” (p. 111); “la via / diritta / al nome / che è dimora.” (p. 95).
Una chiave importante per comprendere il titolo del libro, la troviamo nell’esergo a p. 83: Al vincitore / darò la manna nascosta / e una pietruzza bianca sulla quale / sta scritto un nome nuovo, / che nessuno conosce all’infuori di chi lo riceve. (Apocalisse 2,17). Questo nome nuovo, questa nostra identità salvata e nutrita da una manna che si dà con discrezione, ci invita ad aprire orecchie e cuore, come Samuele (-ele significa Dio e il nome del profeta può essere tradotto “il suo nome è Dio”) nei seguenti versi, così intensamente visivi e coinvolgenti che mi piace definire cinematografici, versi tamburellanti come un battito cardiaco emozionato dalla Presenza che si fa udibile e che fanno rifermento alla sua vocazione nel tempio di Silo (cfr. 1 Samuele 3): “Dopo la notte / il vento / Samuele / con la pazienza / chiama / te / per nome / con Dio / nel nome / infitto / Samuele / danza / sul ramo / lento / per te/ tutto / sì / che sei tu / scintilla / la presenza / sei tu / scintilla / la presenza / sei tu / vacilla / il tempo / Samuele / saperlo dire / allora / il laccio aperto / schiude / la mano / al nome” (p. 80).
A p. 59 abbiamo un esplicito riferimento a Paolo : “Velami / il volto / Saulo / che scrivi / dell’impronta / che di sostanza / incarna / terribile / bellezza / l’eredità / dei giorni / svelata / in altri tempi” (per assaporare meglio questo e molti altri passaggi di questo libro di Adelaide è bene avere accanto una Bibbia, in questo caso l’inizio della Lettera agli Ebrei).
A p. 51 ci viene presentata – con le consuete pennellate icastiche, incisive, penetranti – la Maddalena angosciata dal sepolcro vuoto e poi radiosa quando si sente chiamata per nome dal Maestro (cfr. Giovanni 20,16): “Sei tu / socchiudi / gli occhi / Magdalena / comprendi / nel presente / quella luna / l’orto / e la pietra / poi dimenticata / l’orlo / del manto / e il gesto / della mano / vedi / dopo l’attesa / più paziente / che ha disperato / ma / più ha reso / forte / la curva / sola / al mondo / di quel viso / di te / di ognuno / il nome / custodito.”

Concludo questa mia veloce incursione ne Il nome nuovo, con alcune splendide immagini, fra le tante di cui è ricco: “e l’alta luce / immagina / che più non si domanda / e più non vale / ornarsi / di parole” (p. 42); “e nella voce / ascolteranno / allora / nel timore / che tu sapevi / bianco / silenzioso / quella parola / scritta / controluce.” (p. 33); “vieni / dal limbo / Adamo / che ti chiama / di Dio / tutto / nel gesto / quella mano.” (p. 27); “Le rondini / sul grano / già maturo / chiamate / dal mistero / dentro il giorno / di terra” (p. 25): ”E cosa / è / il tempo / mentre / svelta / passa / la terra / delle genti / (…) / vivo / papavero / nel tempo.” (pp. 18-19).

Accogliamo dunque insieme lo sguardo storico di Adelaide (poeta e medievista, appassionata di arte, di musica, di Bibbia) coniugandolo con l’invito evangelico che apre a p. 13 questo libro prezioso testimonianza, come scrive Vittorio Cozzoli, di “una tribolata e nello stesso tempo gioiosa esperienza interiore” (p. 7): … ma rallegratevi perché / i vostri nomi / sono scritti / nei cieli (Luca 10,20).

PS I versi posti a titolo di questa recensione si trovano a p. 57.

”L’anima ha il colore dei pensieri”

2026-08-14T09:10:17.348+02:00

«La giornata s’impregna di profumi, con questi versi bellissimi di Mariangela De Togni» (Pasquale Matrone)

Le gabbie della notte

Se potessi scavalcare
le gabbie della notte,
sceglierei la luce
atlantica della Galizia,
per questi giorni sospesi
sul colore del tramonto,
dove le stelle inebriano
il cielo di inconsapevole
bellezza.

I chiostri della foresta
nel fiato umido dell’autunno,
l’aroma salmastro,
il profumo di tiglio
nella striscia chiara di cielo
a ponente, il sole
sospeso sull’orlo del mare
del bramoso orizzonte.

L’anima ha il colore dei pensieri
in contrappunto fra silenzio
e parola. Nell’arsura
del tempo.

Nel fiato umido dell’autunno (Fara, 2019)

"La preda" - inedito di Sandro Meravigli

2026-08-06T15:01:34.794+02:00

La preda

per le prede e i sopravvissuti

Una pistola ce l'ho, ma è mentale
e punta dritta al mio cuore

sparatemi, sparatemi
non ho paura di morire
sparatemi, sparatemi
non ho paura di morire
se non mi sparerete lo farò da me
chi odia la vita ne è ossessionato
chi indossa nero vuole bianco
chi cammina pensa, chi pensa agisce
chi uccide è un morto
chi muore dà la vita
chi è pazzo è felice
chi è felice morirà
la verità è troppo pesante
per noi smemorati e violenti
che sappiamo solo gridare al destino
e ci difendiamo a parole e denti
assimiliamo la morte al silenzio
coi tentacoli – fino a che non è estirpata ogni paura
fino al microbo
e il futuro ha la forma di un semino
da cui nasce nuova vita
e la violenza inverdisce chi muore
con parole dette in verità nei denti
chi ha reso se stesso ai venti dell'angoscia
il rantolo del beato
i celesti fiori al tavolo del pensiero
le mani del desiderio e del rapimento
arresi al battito azzoppato del cuore alla nascita
respiro lento e irregolare
in ascolto – non curiosi

ho sempre avuto una propensione a pensare — il peggio
— in particolare ho bruciato alcuni palazzi nella mia mente
ho visto gente morire sgozzata o a cui erano stati inferti dei tagli
nella mia immaginazione ho visto una mattina appena sveglio nell’ombra
quelle di due impiccati davanti alla finestra della mia camera da letto come due persiane, forse mio padre e mia madre
mi sono fatto del male nella mia mente, molte volte
sono pensieri che molti giorni hanno infestato le mie ore
mi sono anche io inferto dei tagli, dei pugni al petto e sulla testa e anche strappato dei denti –
a volte me li sono tagliati, sempre nella mia immaginazione
mi sono fatto del male diverse volte
ho immaginato di cadere da macchine in corsa
volare spappolato sul guardrail
e cadere da un balcone alto dalle ringhiere verdi e sottili di un condominio
sopra una collina davanti al mare
e mi sono immaginato altre torture al mio corpo
e al mio cuore
che specie di lunghe strisce metalliche mi uscissero dalle ginocchia e dai gomiti indefinitamente, bucassero i vetri della macchina
ho temuto di usare qualche attrezzo da cucina per fare del male a chi avevo vicino
ho avuto paura, per un certo periodo, della presenza dei coltelli in casa
di fare qualche pazzia
e avevo delle musiche e dei pensieri che mi occupavano la testa costantemente
blow a kiss, fire a gun…
we need someone to lean on
volevo gridare in Galleria o a un pranzo al ristorante
pensieri distruttivi, incubi, pensieri che disturbavano il normale correre della mia vita
non riuscivo a fare più le cose normalmente senza essere distratto da quelle invasioni d’angoscia
che a pensarci ancora mi fa spavento – ne ho già scritto altre volte
ma mai così dettagliatamente,
voglio scriverne ancora per affrontare queste macchie residue di dolore

tutta questa violenza mi ha portato ad andarmene lontano da tutti
a scappare sempre
a cercare ancora in questo incubo e anche se quasi alla fine del mio viaggio, mio nel senso di soltanto mio, lontano e via da tutti –
il bene negli occhi di uno sconosciuto
la speranza non realizzata
il fiore nel pugno teso dell’oggi
il perdono che infradicia
di sudore e rendono anche il più triste luogo la reggia di un re
un mondo a colori in un tubo di ferro arrugginito
sotto a un ponte in riva al mare

sono sempre stato propenso a pensare, più del dovuto
e il pensiero mi rendeva spesso muto agli altri
ero portato al piacere per la lettura
e la scrittura
a braccio, creativa
lì potevo pensare seriamente – nulla mi impediva di farlo
io e pagine su pagine senza una fine determinata
fondevo la narrazione al diario, fino al delirio
ero legittimato finalmente a starmene col mio pensiero
e le parole, con il mio dialogo interiore, senza temere di nuocere ad altri
perché avevo dovuto presto intrattenere con me stesso questo tipo di dialogo
come fa chi deve sopravvivere a cambiamenti repentini
chi soffre
chi deve incominciare a convincersi che tutto va bene
chi deve darsi degli ordini per imparare ad adattarsi
alle richieste della giornata e del giudizio degli altri
chi sviluppa una coscienza di sé per via di un senso di non appartenenza,
la distanza dai luoghi e dalle persone
chi deve piegarsi sempre alle circostanze
chi deve diventare maestro di se stesso
chi non ha altri maestri sulla via –
come lo sciatore a cui si può insegnare la tecnica per scendere ma non predirgli quali dossi e curve lo aspettano quando scende sulla pista e la velocità aumenta
quel dialogo strano che ti rende forte agli occhi degli altri, resiliente
per una strana capacità di comprensione e generosità nel perdonare
salvo nascondersi in se stessi per contemplare chissà quali piani salvifici
apocalittici
immaginarsi l’universo in espansione e mondi oltre al nostro
guardando fuori dal finestrino della macchina
chiedersi “chi sono?”
“chi sono io che penso?”
“cos’è il pensiero?”
“cosa è quel che penso ora?”
e via di seguito fino a perdere la concezione della realtà e di sé
perdersi dietro al significato di ciò che non ne ha alcuno
prendere il vizio di perdersi, perché perdersi è tremendo e dà dipendenza
vorremmo andare per l'eternità e non sapere, ignoranti di sé
condannare il matrimonio tra il presente e il futuro
– essere passato – o un futuro sopravvissuto, stranieri all’io
il mutismo di chi è straniero anche soltanto in una nuova scuola, o città
di chi abituato agli spintoni e le occhiate storte
si apparenta alle colonne e alla ghiaia del cortile, all’erba che spunta dai marciapiedi
al ciottolato verso la piazza – le piazze che scompaiono
con il cielo

ma stimolata in questo modo la fantasia è cocciutamente presa come una professione
un voto di vocazione
questo peculiare essere al mondo
silenzioso, pacato sbarazzino indefinito fatalista solitario
precario
l’improvvisa coscienza della distanza che si è creata fra sé e il mondo
e gli altri
il conseguente odio
il senso perenne di abbandono e il potenziale di violenza che scagiona anche solo mentale e immaginario
fa sì che il ritorno al lavoro intellettuale e al pensiero
nasconda per sempre il ritorno a quegli incubi di violenza
si teme la solitudine
e sempre la paura fa capolino quando ci si mette seriamente a pensare
su una pagina o quando si è soli:
per il resto si è offerta all’attimo e al prossimo
incapaci di dire sì o no e fare scelte
in balia delle onde irrazionali e capricciose degli eventi
dimentichi del cuore (che è quando è detto)
perdendo il filo dei giorni e di se stessi
perché non si può vivere avendo paura del pensiero
e della parola pura
del parlare dell’uomo in generale
di cui chi è così si fa beffe da troppo tempo
avendo fatto esperienza della vanità del nostro dire
della falsità degli stili di vita e delle promesse, dei riti
– mi fido soltanto del dono sistematicamente senza criteri –
non si può aver paura del pensiero, e la paura della parola
del cuore del dire
del dialogo interiore, la violenza che generano
porta a una ricerca che sfocia nella pratica delle religioni
un salto nel baratro
il cuore all'incuria dell'atmosfera – un esplosivo
(dire il cuore è provocare un'esplosione – dissotterrare e proteggere quel che nasce – vestirlo – dicendo e attendendo)
e l’esperienza della violenza e la ricerca
con le persone di diverse religioni
il loro pensiero e vita
diventano una cosa sola
da cui ci si vuole svincolare ad ogni tratto
perché la religione ha a che fare con il male
il dolore e la sua giustificazione
e uno è contento dello smarrimento che chiama vita

infine pensavo di essere ancora un cecchino
volevo appostarmi per colpire chi passava
per continuare a farmi e fare ad altri del male anche se in modo più subdolo, sofisticato
con l’inganno e con la logica, col rifiuto o la fuga, l’irresponsabilità
nascondermi dietro all'incubo altrui
costretto come tutti nella falsità
accondiscendente
come un buon essere vivente
una corsa verso il nulla totale, di nuovo ancora quella mia fuga da solo
e lontano
…e non ho mai capito di essere io la preda
a dire il vero sono sempre stato la preda
e forse Dio parla anche attraverso la violenza,
Dio parla anche attraverso la violenza!
vorrei dire e ridire, la ripeto fra me questa frase che suona tra le più liberatorie e tremende che abbia pensato
tanto da non osare dirla, da tenermela per me e ponderarla sui miei fatti

…il buon Dio, dalle mille immagini e innominabile, il buon Dio
sempre qui vicino, che mi ha parlato sempre
anche attraverso questo dolore e queste violazioni e pensieri intrusivi
perché ero l’oggetto finale di un tale spavento
per comunicarmi questo amore indicibile
e a chi potrei mai dirlo?
come, se è così forte, se è dotato di una tale potenza
questo amore indicibile…
Dio buono che mi cerca senza posa e mi sorprende nel buio delle mie notti
nel saettare delle intuizioni
venuto
anche con il male che prende alla gola
quando si ha il fiato corto e fare lunghi respiri dà sollievo
Dio che mi parla attraverso la brezza improvvisa e gli occhi che perdonano
occhi del mistero
che cercano continuamente
stanchi e vivi
che è qui, qui per quanto selvatico e sul fondo
fra cumuli di incomprensioni
poco visibile
dai nostri palazzi trincerati dietro a sorrisi cortesi
trasparenti come il vetro
falsi e disperati come i calcoli dei potenti
che hanno paura delle ferite dei denti
cantilena e schiamazzo
il buon Dio che si annoia in fretta
che pazienta e rompe vetri –
Dio parla attraverso la violenza
ed io riconosco, cacciatore da tempo per mia deliberata volontà e scelta,
di essere sempre stato nient’altro che predato
e sento questa voce venire da un luogo da cui non mi aspettavo

Sandro Meravigli

Comunicato stampa: Irma Kurti pubblica il suo nuovo libro negli Stati Uniti

2026-08-02T08:47:56.774+02:00

La raccolta di poesie “Another day is coming” reca il logo della casa editrice Prolific Pulse Press LLC, con l’editore Lisa Tomey-Zonneveld

La poetessa Irma Kurti è stata pubblicata negli Stati Uniti. Il libro reca il logo della casa editrice Prolific Pulse Press LLC, con sede nella Carolina del Nord. La fotografia della copertina è di Biagio Fortini. “Another day is coming” (Un altro giorno sta arrivando) esplora le molteplici sfumature dell’amore, vissuto come un viaggio emotivo che spazia dalla gioia e dalla dolcezza a momenti di assenza e di solitudine. Spesso, la natura stessa diventa uno specchio delle emozioni e della fragilità umana. L’amore e l’affetto vengono rappresentati attraverso la lente delicata dei dettagli della vita quotidiana: una fotografia sbiadita che rievoca ricordi, l’assenza della persona amata che si materializza nel silenzio di un parco, dove le foglie su una panchina diventano lo specchio di una perdita o di una lunga attesa.

I versi rispecchiano anche l’amore per i genitori e la nostalgia per la casa, intesa non solo come rifugio dei ricordi, ma anche come patria. Si tratta di memorie vivide e indelebili che non svaniscono mai. Come descrive la poetessa in una poesia intitolata “Viaggio”, le sue radici la seguono in ogni passo che compie, ovunque vada nel mondo. Nel viaggio della vita, esse sono diventate parte integrante del suo essere, creando un legame profondo e duraturo con le sue origini: «Scorrono nel mio corpo e nel mio spirito / Ora si sono trasformate in vene / Sono parte di me». Le poesie accompagnano il lettore in un viaggio che evoca emozioni e nostalgia. La voce distintiva di Kurti unisce tenerezza e sincerità, creando poesie che restano impresse a lungo dopo l’ultima pagina.

LINK AL VIDEO:

www.youtube.com/shorts/I-SkkPpmgLQ

COMMENTI DI LETTORI E CRITICI

“Un libro molto toccante, pieno di nostalgia; esprime sentimenti che molte persone potrebbero provare in questi tempi freddi e dominati dal digitale, in cui manca un abbraccio caloroso e umano. Per molti lettori, queste poesie profonde e sensibili saranno un conforto e una voce controcorrente.”

— Germain Droogenbroodt, poeta internazionale, Spagna

“La voce lirica della poetessa unisce natura e anima con una sensibilità intima e introspettiva, privilegiando la forza delle immagini rispetto al ragionamento astratto.”

— Dr. Barbaros Irdelmen

“Another Day is Coming” è un abbraccio poetico dal cuore che trasforma i sentimenti quotidiani in riflessioni senza tempo sulla vita, sull’amore e sulla fragilità umana. In queste pagine, ogni poesia diventa un viaggio silenzioso attraverso il desiderio, i sogni e la resilienza. Una raccolta luminosa, ricca di sensibilità e profondità emotiva.”

— Sofia Skleida, filologa, autrice, dottoressa in pedagogia comparata; vicepresidente della Società Letteraria Ellenica

IRMA KURTI è una poetessa, scrittrice, paroliera, giornalista e traduttrice albanese naturalizzata italiana. Scrive da quando era bambina.

Al pubblico è nota anche come autrice di testi di numerose canzoni di successo, con cui ha partecipato a molteplici festival nazionali di musica leggera in Albania, in Kosovo e in Macedonia. Ha scritto circa 200 testi di canzoni per adulti e bambini.

Ha vinto più di 100 premi e riconoscimenti in Italia, Svizzera, Grecia, USA, Canada, Filippine, Libano, Cina e Corea. Le sono stati conferiti il Premio Internazionale “Universum Donna”, IX Edizione 2013, per la Letteratura, e la nomina a vita di “Ambasciatrice di Pace” dall’Università della Pace della Svizzera italiana. Nel 2026, le è stato conferito il «Golden Pen Award» (Premio Penna d'Oro) dall’Associazione Coreana di Letteratura Mondiale, in collaborazione con il quotidiano coreano «Culture & People».

Irma Kurti è traduttrice presso la Fondazione Itaca in Spagna. Lei vanta la pubblicazione di 120 opere, tra cui libri di poesie, narrativa e traduzioni. Le sue poesie sono state tradotte in 40 lingue. È una delle poetesse albanesi più tradotte al mondo. I suoi libri sono stati pubblicati in 24 paesi.

SCHEDA DEL LIBRO IN SINTESI

Titolo: “Another Day Is Coming”

Autrice: Irma Kurti

Genere: Poesia

Editore: Prolific Pulse Press LLC

Data di pubblicazione: luglio 2026

ISBN: 978-1-962374-96-5

Formato: Brossura (5,83” × 8,27”) (A5) in bianco e nero su carta color crema

Pagine: 42

Prezzo di listino: 10,95 $

Disponibilità: Il libro è disponibile su Amazon, Barnes & Noble e presso i principali distributori

ALCUNI LINK:

https://www.amazon.it/dp/B0GX2ZK7XX

https://www.amazon.com/dp/B0GX2ZK7XX?ref=cm_sw_r_ffobk_cp_ud_dp_QFCQWH4EMA5EF0TGVTH7&ref_=cm_sw_r_ffobk_cp_ud_dp_QFCQWH4EMA5EF0TGVTH7& social_share=cm_sw_r_ffobk_cp_ud_dp_QFCQWH4EMA5EF0TGVTH7&bestFormat=true

https://www.barnesandnoble.com/w/another-day-is-coming-irma-kurti/1150423225?ean=9781962374965

https://www.prolificpulse.com/irmakurti

COMUNICATO STAMPA

Prolific Pulse Press LLC

admin@prolificpulse.com

Lisa Tomey-Zonneveld, Responsabile

Sito web: www.ProlificPulse.com

“Non so ridere, pettino il silenzio.”

2026-08-01T13:11:55.904+02:00

Daniele Ricci, La macchina da cucire. Geologia del dolore

Prefazione di Fabrizio Lombardo, puntoacapo 2025

recensione di AR

“Chiedo una tregua / ai miei detrattori / una parola buona / il passo di danza di mia figlia / un antico alfabeto / che mi porterà in spalla.” (p. 94)

“La macchina da cucire / per scoprire il dolore del mondo / rapsodo per legare / cielo e terra / enigma e senso / o quel nulla che arriva.” (p. 79)

“D’accordo con voi / frammenti di sonno / fanno il mio esame di coscienza / spigoli vivi / schiave del mare le tue mani / non ancora ferite / dalle frecce della mente.” (p. 73)

“Resterai / per sempre rannicchiato / nella renault quattro rossa / della mia memoria.” (p. 71).

“Tre stelle da cercare ogni sera / lungo la verticale / strada dei girasoli / dove s’inciampa e s’impara / fino alla preghiera.” (p. 67)

Ho voluto iniziare questa mia “reazione” al libro di Daniele con alcune citazioni a ritroso. Così, in maniera certo sommaria, possiamo però subito percepire il timbro, il dettato, lo stile, la qualità del poeta fanese.

La macchina da cucire è costellata di immagini rapsodiche che cuciono i ricordi al presente, rimarginano i labbri di ferite esistenziali importanti (“Sotto una porzione di cielo disumana / arranca la mia ombra / il fiato trema.”, p. 29), si insinuano nell‘intimo di chi li legge/ascolta con una discrezione altamente efficace, chirurgica. Il testo poetico appare sobrio, scorrevole come un articolo di giornale, ma richiede l’attenzione e la sapienza degli occhi del cuore, ai quali si soffre come una elegia dei nostri giorni, ricchissima di rimandi letterari e non solo.

La voce raffinata e precisa di Daniele Ricci non indugia in sentimentalismi, né in quadretti ospedalieri o luttuosi, ma ci immerge con una sensibilità geologica nei diversi strati che le esperienze dolorose hanno sedimentato in ciascuno di noi. Sorprendentemente, questo sguardo scientifico e distaccato ce ne fa cogliere le venature, le sfumature cromatiche che le onde emotive tendono a sommergere o a velare con il manto nero della malinconia che ci può spingere a una accidia esiziale. Il poeta quel velo lo attraversa e può quindi trovare verità che sanno ricucire e a volte persino salvare.

Nell’esergo (p. 66) alla V sezione “L’asola dove passa la nostra vita” troviamo queste illuminanti parole di Salvatore Natoli: Il dolore (…) rompe il ritmo abituale dell’esistenza, produce quella discontinuità sufficiente per gettare nuova luce sulle cose ed insieme patimento e rivelazione.

Qualche pagina prima (63) mi hanno molto colpito i versi (non ci sentiamo forse, in certi frangenti della vita, “passanti scuciti”?): “C’è un’asola senza bottone / un passante scucito / mi divora la colla / che mi tiene attaccato al mondo.”

A p. 57 troviamo una definizione/aspirazione del poeta (di ogni poeta): “Il tempo consacra al foglio / la sua durata.”

A p. 57 sentiamo le vibrazioni di questo desiderio: “Vorrei fosse il mare / la linea azzurra / che ci attende in fondo alla via, / nel grigio freddo promette un passaggio / il giusto confine / tra noi e la negazione del sonno.”

A p. 32 questo verso/immagine di una bellezza assoluta: “Non so ridere, pettino il silenzio.”

A p. 18 ci immedesimiamo nella poesia che inizia così: “Alzarsi nella notte / corrosa da sogni non terminati / la parola inventa la realtà.”

E se è vero che “non si può calpestare la linea del vento” (p. 19), abbiamo però modo di osservare in una sera di tempesta (p. 13): “Il grande abete del giardino accanto (…) [e possiamo] Amarlo per il verde e la pazienza.”

Comporre il tempo tra il pensiero e la parola

2026-07-29T16:42:04.852+02:00

Alberto Mori, Framing, Poesie

recensione di Maria Grazia Martina

Il poeta raccoglie i propri sguardi, i propri percetti, entro perimetri coreografici che sollecitano continui spostamenti della visione.

Una ritmica mobile lega fraseggi, aggettivazioni e azioni.

Le sezioni della raccolta sono precedute da incipit corsivi, paralleli ai movimenti della ripresa cinetica, con le indicazioni dei movimenti compiuti contemporaneamente dall’occhio e dalla penna: «transito infermabile nella mutazione». Questo verso (p. 61), come quelli a seguire, estrapolati da una trama di eventi inclusivi, condensa il flusso infermabile della scrittura: «presto rarefà dati trasparsi» (p. 53); «Mutazione sonora dell’olfatto visivo» (p. 51).

Il poeta, pagina dopo pagina, verso dopo verso, parola dopo parola, compone il tempo per scarti, contrazioni, digressioni.

Procede per ossimori e irrelazioni: «L’occhio composta immagine composita» (p. 44), dal noto all’ignoto: «Lo sconfinabile arruolato nell’illimite ignoto» (p. 50).

Indagini talvolta apparentemente deliranti, ma basta una sosta perché affiori, per un attimo, il luccicare del senso: «Per quanto tempo restiamo fuori dal tempo?» (p. 41). Una domanda perentoria nel circuito costante tra il pensiero e la parola, incantesimo dilatato da ogni orizzonte, follia della parola, follia dell'immagine generata, mai definita, mai incamerata, mai circoscritta, mai incorniciata.

Tutto si dipana in direzioni multiple: «Risalgo appena sopra al confine… così?» «Vedi dove siamo ora?» (p. 23). In un non luogo senza percorsi mappati, ma nel caos di parallele e angolature lenticolari, di similitudini, parvenze, estroflessioni verticali, diagonali estranee.

«Nella visione del tempo accade anche l'impassibile» (p. 9). È il verso chiave dell’intera raccolta, che ho letto e riletto prima in avanti e poi all’indietro, seguendo il moto quasi “acquatico” dell’esplorazione proposta dal poeta. Uso questa metafora perché la sensazione è di viaggiare in mare aperto, agganciata a una penna resistente che fila a pelo d’acqua fino in fondo, per «Attendere la perla sommersa della pescatrice» (p. 33).

Più che agli aspetti stilistico-verbali ricorrenti nel linguaggio del poeta, mi sono attenuta alla cinetica di uno spazio mentale e visivo espresso nella sceneggiatura della raccolta. È qui che Framing rivela la propria forza: non nella definizione di un’immagine, ma nel suo continuo farsi e disfarsi, nel movimento incessante di una percezione che non si risolve mai in una forma definitiva, lasciando il lettore in un’esperienza di attraversamento più che di approdo.

25 luglio 2026 - 18.17

Maria Grazia Martina (San Cesario di Lecce) è artista, poeta verbo-visiva, docente e critica d'arte. Attraversa arte, parola e memoria come territori porosi, tessendo opere che non si impongono allo sguardo, ma chiedono ascolto, tempo e partecipazione.

“Ho trovato il tuo sorriso segreto”

2026-07-25T15:29:54.997+02:00

Sulla silloge poetica La strada di casa di Le rose e il deserto (Fara 2026, opera vincitrice al Narrapoetando)

di Subhaga Gaetano Failla

I versi di La strada di casa (un bel titolo, vivido e semplice, quella “semplicità che è difficile a farsi” direbbe Brecht) sembrano incisi nella roccia e scritti sull’acqua, similmente a ciò che avviene per le nostre azioni più autentiche: destinate in ugual misura al tempo e all’oblio.

Le poesie di questa raccolta, scritte da Le rose e il deserto, nome del progetto artistico di Luca Cassano (Corigliano Calabro, 1985) nel quale confluiscono poesia e cantautorato, sono devote alla beatitudine di una resa incondizionata all’esistenza. Versi in stato di grazia, come nello splendore di questa poesia:

Chiedevo

Ho trovato il tuo sorriso segreto

Mentre cercavo la strada di casa

E una scusa qualunque

Per poter dire che alla vita, io

Non chiedevo

Niente.

Nella scheda biografica in quarta di copertina, a proposito del nome del progetto artistico di Luca Cassano, leggiamo: “Come le rose del deserto rimangono sepolte sotto la sabbia finché un Tuareg non le trova, così le parole restano confuse fra i ricordi finché un’intuizione non le mette in fila in forma di versi.”

Queste poesie ispirate, in stato di grazia, si diceva, e di gratitudine, ritornano come flussi di marea all’arrendersi al mistero esistenziale, e all’amore che tutto governa e incendia come fiamma ardente, all’amore che ferma il tempo:

Sibari

Sulla spiaggia di Sibari

Aspettavamo che agosto

E l’amore

Ci dettassero le loro condizioni

Per la resa.

Sciolti

Se ci vedessero passare per strada

Penserebbero di certo

Ai vetri rotti,

Ai lacci sciolti,

Forse ad un inciampo;

Che ne sanno

Di quanto sia facile per noi

Con un bacio

Fermare il tempo.

Passato remoto

Con la punta delle dita mi scrivevi

Romanzi d’avventura sulla schiena;

Mi spiegavi che la sera

È degli amanti;

Io avevo passi falsi

E un passato remoto,

Tu eri un alfabeto alieno,

La scoperta del fuoco.

La ricerca della strada di casa si realizza nel perdersi, nello smemorarsi, nel dissolversi nel nostro mare infinito. E come nelle istantanee folgoranti delle poesie zen, scopriamo che questa strada è già qui, in un attimo di semplice quotidianità che ci trafigge e illumina:

A(f)fondo

Sei àncora

E sei ancòra;

Sei starmene affacciato alla finestra

A misurare la lunghezza della sera,

A misurare le parole

Per spiegare che

Se spesso affondo

È perché dentro ho il mare.

Acqua e limone

Ai giorni chiedevamo soltanto

Una strada per andare,

Qualche ora di sole

Per fissare i pensieri migliori

Alle ossa

E un bicchiere di acqua e limone

Da bere in silenzio

Alla finestra.

Il libro La strada di casa, pubblicato nella elegante collana “Crossover” di Fara Editore, è arricchito nella pagina iniziale dalle motivazioni di due giurate del concorso Narrapoetando 2026. Scrive Leda Erente: “La raccolta mostra una grande capacità comunicativa ed emotiva, attraverso l’uso di immagini fortemente espressive”. E per Sheila Moscatelli, la strada di casa è “Quel momento in cui arriva la consapevolezza di non dover più cercare, di potersi spogliare di tutto”.

La sera dell’11 luglio 2026, durante la kermesse a Fonte Avellana organizzata da Fara Editore con tema Attesa, ho avuto la fortuna di assistere a un emozionante reading di poesie, a cura dell’autore stesso, tratte da La strada di casa. E subito dopo il pubblico presente nella sala dell’incantevole monastero dell’anno Mille, ha potuto ascoltare anche le sue seducenti canzoni.

La distanza necessaria

2026-07-24T10:19:05.814+02:00

Gennaro Grieco, Indizi per il giusto riposo
Rimini, Fara editore 2026, € 12,50

recensione di Enrico Cerquiglini

Quando, nel 2007, recensii Apprendimento di cose utili, osservavo come Gennaro Grieco concepisse la poesia non come un esercizio estetico, ma come una forma di conoscenza, un «percorso didattico di trasmissione di realtà» capace di opporsi alla deriva nichilista e mercantile del nostro tempo. A distanza di quasi vent’anni, Indizi per il giusto riposo non smentisce quella lettura: la approfondisce e la porta a una maturazione ulteriore. Se allora il poeta cercava le «cose utili» per comprendere il mondo, oggi sembra cercare gli «indizi» necessari per abitarlo senza esserne travolto.

La prosa introduttiva, Quando ormai abitavo l'altrove ovvero breve storia di uno stacco e uno scatto, ha il valore di una dichiarazione di poetica. Quell’«altrove» non è fuga dalla realtà, ma la distanza necessaria per poterla osservare con maggiore lucidità. Da qui prende avvio un percorso articolato in cinque sezioni (Consapevole di tanta considerazione, Io so essere, Ci cattura un lembo di cielo, di aria, Trittico dell’arduo disincanto e Indizi per il giusto riposo), che si leggono come le tappe di un’unica meditazione sull’uomo, sul tempo e sulla possibilità di conservare una misura interiore.

È proprio la parola misura una delle chiavi della raccolta. «Il tempo è una misura ed il ritorno / può essere una speranza»: in questi versi si concentra il nucleo del libro. Grieco continua a interrogare il presente senza abbandonarsi né al pessimismo sterile né all'illusione consolatoria. La speranza esiste, ma va conquistata; il ritorno non è nostalgia, bensì recupero di ciò che la contemporaneità rischia di cancellare.

Ritroviamo la stessa tensione etica che caratterizzava Apprendimento di cose utili. La poesia rimane un atto di resistenza contro l’impoverimento dell’umano. Lo dimostrano versi come «Ciascuno abbia il sale e la rosa, l’esile / giunco legato al polso a ricordare», dove la memoria diventa un gesto quotidiano di fedeltà alla vita, oppure l'invocazione «Ditemi di un nido, di un orizzonte, / di quanto ancor vivo sia un sentimento», che sembra condensare l’intera ricerca del poeta.

Accanto alla dimensione più intima permane quella civile. Grieco guarda il nostro tempo con severità, senza mai cadere nella declamazione. «Solo uomini di massima sciocchezza / zelanti camerieri di un re pazzo» è un giudizio che vale ben oltre la contingenza politica, così come «Pietà per la luna che non ha colpe / per le ire di questa terra disfatta» restituisce l’immagine di un mondo ferito, incapace di ritrovare armonia con sé stesso.

Anche sul piano stilistico il poeta conferma una progressiva essenzialità. Il linguaggio è ormai completamente liberato da ogni compiacimento letterario; il verso procede con naturalezza, sostenuto da immagini limpide e da una meditazione che non rinuncia mai alla tensione lirica. È una scrittura che non cerca l’effetto, ma la necessità.

L’epigrafe dell”ultima sezione, affidata a Nicolás Gómez Dávila – “Chi non volta le spalle al mondo attuale si disonora” – offre una preziosa chiave interpretativa. Non si tratta di rifiutare il mondo, ma di sottrarsi alle sue logiche dominanti, di difendere uno spazio di libertà e di coscienza. È, in fondo, la stessa funzione che Grieco continua ad attribuire alla poesia.

Indizi per il giusto riposo si pone così in perfetta continuità con Apprendimento di cose utili, ma con un accento diverso. Se nel libro del 2007 la poesia insegnava soprattutto a vivere, oggi insegna anche a resistere, a custodire il tempo, la memoria e il sentimento in un’epoca che sembra averli relegati ai margini. È il libro di un autore che ha raggiunto una piena maturità espressiva senza rinunciare alla propria originaria vocazione: fare della poesia uno strumento di conoscenza, di responsabilità e, soprattutto, di umanità.

Una poesia corporale che deraglia verso l’infinito

2026-07-20T18:15:59.788+02:00

Daìta Martinez, sant’anna
ilglomerulodisale 2025

recensione di Flavio Vacchetta

La poesia di si anima di “gesti bianchi“, srotolandosi in versi fluidi di inarcature, che tavolta mi richiamano una certa cadenza bertolucciana (specialmente se letti dall'autore – anni e anni fa andava in onda, forse la domenica mattina, La camera da letto; un giornale commentò il dato auditel di zero) in lessico tutto sommato eletto, a un grado di filtrazione non esasperato ma ancora sul versante pertrarchesco; un'impalcatura sonora densa, che musicalmente definirei, melodicamente e armonicamente, piuttosto ricca di cromatismi; si ritrovano iterazioni quasi ipnotiche, litaniche, di una poesia che è evocazione e auscultazione:

e ancora trema al tempo il tempo
ogni vuoto dopo il vuoto che rimane
piccolo scarto di cuore ha il fiore nella pioggia
Vi sono fatti minimi, piccoli sconvolgimenti, stillicidi, grani di rosario …

Su sant’Anna e soprattutto su quale sia la sua relazione con la poesia, pare evidenziarsi una certa adesione a, e radicamento in, un preciso contesto; una religiosità terrestre, un’emersione insistente di piccoli dettagli concreti, sia pure in una fine decantazione di metafore; direi un qualche sentore di santità, di gigli, di incenso, di cera e altre essenze; il tutto, poi, trasognato, traslucente (“il tempo fugge che t'assonna“ - Dante):

il giglio ancora assonna l'origine nell'ora;
adesso che il mercato assonna il ronzio
delle stelle una lacrima resta d'inverno
sul corpo dimenticato di palermo dirsi
notte ha nome sottratto alla nascita del
tempo tutto il volto è silenzio e tremare …

Insomma è una poesia dove traspare la carnalità, la materialità; una poesia che manifesta ansia di elevazione ma che non può, forse non vuole distaccarsi completamente dal corpo.

D’altronde veniamo da una cultura religiosa che, pur nell’aspirazione alla trascendenza, ha sempre praticato il culto del corpo, delle reliquie, come pure dell’autoflagellazione, dell’ascesi attuata attraverso la mortificazione carnale (O segnor per cortesia manname la malsania) in una sorta di delirante compiacimento autopunitivo.

Sul contesto che dicevamo essere fondamentale, palermitano e storico, noi abbiamo solo un’immaginazione alquanto limitata e turistica, di catacombali corpi imbalsamati con procedimenti miracolosi, oppure di chiese convertite in moschee convertite in chiese, con conseguente sparizione e riapparizione di immagini sacre.

Dunque la religiosità sta nella storia, nello sguardo, e la poesia assume magari sì, talvolta, la forma o gli attributi di una preghiera, ma laica.

Se posso aggiungere una nota extratestuale, riflettevo anche sulla calligrafia di alcune brevi righe in calce alla mia copia del libro, scrittura che mi ha incuriosito per la linearità essenziale ma animata dai netti prolungamenti orizzontali, verticali e diagonali di alcune lettere, come la “t“ nitida come una croce, ma anche affilata come uno stiletto. Ho provato a intravedervi convergenze con la scrittura poetica, e le ho immaginate in una ricerca di essenzialità, di geometrie, di equilibri, che però deborda in segmenti che deragliano verso l’infinito o verso il cuore.

CORPO CHE LA VOCE UMANA a Milano 25 luglio 2026

2026-07-19T10:24:25.913+02:00

SABATO 25 LUGLIO ORE 18.30

VIA TADINO 20 MILANO

HAPPY HOUR & READING

LUIGI PASOTELLI

CORPO CHE LA VOCE UMANA

INCONTRO A CURA DI ALBERTO MORI

LUIGI PASOTELLI (Cremona 1925 –Milano 1993) è considerato uno dei più importanti poeti sonori italiani appartenenti all’area dello sperimentalismo fonico e visivo.Dal 1982, alle soglie della sessantina, il suo periodo di maggiore produttività che ricopre circa un decennio. Partecipa ogni anno alle più alle più significative rassegne di poesia e teatro sperimentale in Italia e nel mondo.A questi stessi anni,risale il nucleo forte di quello che sarà il progetto Serraglio che conterà alla sua morte 25 poemi fono visivi. Sei di questi poemi, grazie ad un prezioso documento postumo realizzato dagli eredi, saranno in videoproiezione durante l’incontro ed hanno intensità scenica ed espressiva per testimoniare lo straordinario corpo a corpo col linguaggio e col pubblico delle performance del poeta.