Farofa Moderna: modern & postmodern music, arts & etc...

Podcast - Jazz, Samba, Choro, Frevo, Forró...Os diversos rítmos e sonoridades que embalam a Música Instrumental Brasileira !!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 1 Jun 2012 15:16:00 -0300

Airto Moreira, Flora Purim & Hermeto Pascoal

Airto Moreira - I'm Fine How Are You

Hermeto Pascoal - Eu e Eles

Hamilton de Holanda - Brasilianos Vol.2

Bocato - Acid Samba

Teco Cardoso - Quinteto

Léa Freire - Quinteto

Nicolas Krassik - Na Lapa

Alex Buck - Luz da Lua

Spok Frevo Orquestra - Passo de Anjo

E Viva a Copa do Mundo no Brasil em 2014 e as Olimpiadas do Rio de Janeiro em 2016! E gringos de várias partes do mundo terão a oportunidade de conhecer um pouco da diversidade cultural e do calor da nossa terra Brasil! E quando se trata de música, bota diversidade nisso! Vias de regra, todo artista leva consigo um tanto daquilo que sua cultura nativa lhe ensinou. Mas eu, particularmente, sempre defendo que, acima da diversidade cultural do nosso país -- ou além dela; ou juntando-se a ela --, nossos músicos e cantores deveriam expor mais suas personalidades da forma mais evidente, original e contemporânea possível -- afim de renovemos nossa cultura e inovemos nossas formas de expressão, afim de que muitos dos nossos artistas entrem no mapa da música criativa, afim que não fiquemos na letargia do passadismo, no comodismo, ou dormindo sobre o divã da nossa miscelânea regional. Pois bem, em meados do ano 2009, no entanto, eu produzi um podcast para o Portal MTV que mostrava um pouco esta miscelânea, mas sem ressaltar tanto os aspecto da contemporaneidade -- ou seja, eu quis fazer um programa mais documental do que crítico, tentando evidenciar mais a diversidade rítmica e harmônica do que o aspecto temporal inerente à cada músico. Isso porque a música instrumental brasileira é, definitivamente, um dos maiores exemplo de diversidade cultural em relação as músicas de outros países e acho que isso tem de ser mostrado a todos àqueles que não conhecem a panorâmica dessa diversidade: isto é, trata-se de um mix de tantos ritmos e sonoridades que eu simplesmente não gosto de lhe empregar nenhum rótulo mercadológico e nem mesmo estético -- apesar de que o termo "brasilidade" me é totalmente adequado para situar uma determinada produção musical que contenha uma requintada identidade com as sonoridades do nosso Brasil. Ou seja, muitos pesquisadores e apreciadores rotulam nossa música instrumental como "Jazz Brasileiro", mas, na verdade, a influência do jazz é apenas mais um elemento dentre tantos outros como os ritmos e harmonias do frevo, maracatu, samba, choro, forró e etc, rítmos puramentes nacionais -- muitos deles advindos de culturas e folclores regionais. Então, quero dizer que a denominação "jazz brasileiro" chega a ser até mesmo limitante para nossa música instrumental. O que toca atualmente Hamilton de Holanda: "jazz brasileiro" ou "música instrumental brasileira"? Talvez, para o próprio artista, o rótulo a ser empregado seja irrelevante, mas eu prefiro pensar no termo "música instrumental brasileira" de forma genérica e não limitante.

Teco Cardoso & Léa Freire

Sim! Por um momento, lá nos anos 60, o jazz se juntou ao samba e à bossa nova carioca e foi a principal influência para nossos músicos tupiniquins: surgia, então, o Samba Jazz embalado por improvisos de bambas como o saxofonista americano Stan Getz e o saxofonista brasileiro JT Meireles. Mas, nas décadas posteriores, surgiu uma galera que mudou definitivamente os rumos do instrumental tupiniquim: falo de músicos como os nordestinos Sivuca, Moacir Santos e Hermeto Pascoal, o carioca Egberto Gismonti e o catarinense Airto Moreira, os principais artífices da nossa Música Instrumental Brasileira Contemporânea. O que esses músicos fizeram, no final da década de 60 para o início da década de 70, foi pegar as sonoridades e ritmos de outras regiões do Brasil e misturar à música sudestina do eixo Rio-São Paulo, que tinha sua influência no choro, samba e jazz, sem esquecer de incluir, também, contemporaneidades de outras músicas internacionais: foi assim que eles começaram a misturar forró com choro e jazz, frevo com jazz e samba...e aí a coisa virou uma verdadeira farofa moderna.

Pois bem, neste programa de podcast eu acrescento vinhetas tiradas do disco I'm Fine, How Are You, gravado por Airto Moreita em 1977. No caso do percussionista Airto Moreira, ele mudou-se para os EUA com sua esposa Flora Purim no início dos anos 70, e, lá, deixou-se influenciar pelo jazz fusion (espécie de "jazz elétrico", mesclado de funk e rock, fundado pelo trompetista Miles Davis, com o qual ele mesmo colaborou, ajudando-o a disseminar a estética em festivais da Europa e Brasil). Posteriormente, Airto incluiu em sem amálgama muitas outras sonoridades étnicas, mesclando os ritmos e as sonoridades brasileiras à suas novas descobertas fusionistas. O programa começa, então, com a faixa The Happy People de Airto, que está no disco I'm Fine, How Are You? (1977). Seu sucesso no meio jazzístico americano fez com que a famosa revista Downbeat -- considerada a Bíblia do Jazz -- encaixasse a categoria "Percussionista do Ano" em seus rankings e premiações -- ranking no qual ele esteve no topo por quase duas décadas na categoria percussionista do ano. Hermeto Pascoal, por sua vez, já vinha fazendo muitas misturas aqui em solo tupiniquim. Mas após ter visitado Airto nos EUA -- e também ter tocado com Miles Davis, que admirava a figura e inteligência do "bruxo" --, Hermeto acrescentou à suas misturas mais sonoridades fusionistas, criando misturas e improvisos que só ele foi capaz de imaginar e fazer acontecer. Além das misturas dos ritmos e sonoridades do jazz, choro, samba, forró, o "bruxo dos sons" acrescentou o som de animais, panelas, brinquedos, vozes e sons corporais, sons de instrumentos eletrônicos, fazendo um mix que tinha certa influência do fusion americano, mas recheado de tantas sonoridades que Hermeto passou a chamar sua estética de Música Universal. Com sua filosofia de Música Universal, Hermeto mudou drasticamente o rosto da nossa Música Instrumental Brasileira.

Neste podcast, além de Airto Moreira e Hermeto Pascoal, vocês ouvirão músicos das gerações mais novas, ou seja, dos anos 90 e 2000: com o violinista francês Nicolas Krassik, ouviremos a faixa Forró de Cava do disco Na Lapa; com o quinteto do bandolinista Hamilton de Holanda (músico do qual já falei aqui no blog) ouviremos a faixa Ano Bom do disco Brasilianos Vol 2; com os flautistas paulistanos Lea Freire e Teco Cardoso ouviremos Sorriso do Gordo do disco Quinteto (1999); com o grande baterista Alex Buck ouviremos Pai de Som do disco Luz da Lua (2006); com o veterano trombonista Bocato ouviremos Lausane do disco Acid Samba (2001); e, por fim, termino o programa com a performance fantástica da Spok Frevo Orquestra, uma espécie de big band nordestina, uma das maiores orquestras brasileiras em atividade. Cada um desses músicos colaborou e colabora para reforçar e renovar estilos -- bem como as misturas de estilos -- em cenários regionais como o sudeste e o nordeste e, consequentemente, o cenário nacional.

Sounds and Silence, o documentário em DVD, Blu-ray e CD que retrata a importância e contemporaneidade do selo ECM! Ouça no site da Radio Cultura!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 May 2012 13:59:00 -0300

Trechos da trilha de Sounds and Silence, com comentários de João Marcos Coelho

Obra de Clarice Lispector é revisitada pelo saxofone de Ivo Perelman!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 25 May 2012 17:55:00 -0300

Quero escrever o borrão vermelho de sangue

Quero escrever o borrão vermelho de sangue
com as gotas e coágulos pingando
de dentro para dentro.
Quero escrever amarelo-ouro
com raios de translucidez.
Que não me entendam
pouco-se-me-dá.
Nada tenho a perder.

Jogo tudo na violência
que sempre me povoou,
o grito áspero e agudo e prolongado,
o grito que eu,
por falso respeito humano,
não dei.

Mas aqui vai o meu berro

me rasgando as profundas entranhas
de onde brota o estertor ambicionado.
Quero abarcar o mundo
com o terremoto causado pelo grito.
O clímax de minha vida será a morte.

Quero escrever noções
sem o uso abusivo da palavra.
Só me resta ficar nua:
nada tenho mais a perder.

Leia a crítica: Aqui e Aqui.

Podcast - Jazz Contemporâneo: John Hollenbeck, Ted Nash, Alex Sipiagin, Donny McCaslin & Ben Allison!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 24 May 2012 11:09:00 -0300

O baterista e compositor John Hollenbeck

Olá queridos colegas! Sejam bem vindos a mais um podcast do Blog Farofa Moderna, editado para o Portal MTV em meados do ano de 2010. Este programa é mais um dedicado ao jazz contemporâneo, mostrando cinco geniais músicos e compositores que não nos chegam ao conhecimento aqui em solo brasileiro. Ou seja, esses músicos -- bem conhecidos em solo americano, diga-se de passagem -- ou são menos "famosos" fora de Nova Iorque ou são lembrados mais como músicos preferidos de outros músicos mais mundialmente famosos, os chamados musician's musician -- e/ou suas carreiras solo não são divulgadas como mereciam. Há vários músicos nas condições de musician's musician, mas os músicos de que falo têm carreiras solos que deveriam ser mais celebradas, haja vista a importância e a contribuição das suas obras para o jazz contemporâneo. Os músicos apresentados são: o trompetista russo e naturalizado americano Alex Sipiagin, o baterista John Hollenbeck, oo saxtenorista Ted Nash, o saxtenorista Donny McCaslin e, por fim, do contrabaixista Ben Allison -- todos músicos experientes, passados da idade dos quarenta anos e que fazem um som muito inteligente e contemporâneo, com a cara do século 21. Abaixo, os músicos e seus respectivos álbuns apresentados no podcast:

O trompetista Alex Sipiagin (disco: Equilibrium, de 2003)

O baterista John Hollenbeck (disco: For, de 2007, com o The Claudia Quintet)

O saxofonista Ted Nash (disco: Ted Nash & Double Quartet - Rhyme and Reason, de 1999)

O saxtenorista Donny McCaslin (disco: Declarations, de 2009)

O contrabaixista Ben Allison (disco: Think Free, de 2010)

O trompetista Alex Sipiagin é a prata da gravadora Criss Cross, uma excelente gravadora que trabalha na linha do post-bop e neo-bop, talvez o selo que mais revelou músicos importantes para o jazz contemporâneo nessas últimas décadas. Alex Sipiagin também é conhecido por participar da maioria dos mais recentes projetos do legendário contrabaixista Dave Holland. Mas além de ser bem requisitado como sideman, o fato é que Alex Sipiagin é dono de uma carreira repleta de discos bem interessantes, como uma linha de som própria e bem trabalhada: com uma sonoridade suave ao trompete e adepto ao post-bop -- inspirando-se em mestres como o trompetista Woody Shaw --, suas composições e seus arranjos são hiper inteligentes e expressam nuances da sua vida, dos tempos em que era adolescente e morava na Russia, das suas lembranças em viagens para seu país natal, do seu convívio no cenário de Nova Iorque, das suas influências musicais e coisas da sua vida afins. Aqui no podcast apresento a faixa "Mood 2" do seu disco Equilibrium (2003). Leia mais sobre Alex Sipiagin Aqui

O baterista John Hollenbeck tem, pelo menos, dois projetos que são bem aclamados pela crítica especializada: um é o seu quinteto minimalista chamado The Claudia Quintet, o outro é uma banda maior chamada Large Ensemble, com a qual já ganhou dois prêmios Grammy. Mas apesar da sua notoriedade como um excelente baterista e compositor, Hollenbeck não é tão lembrado quanto deveria pelas grandes publicações que falam de jazz: principalmente pelas revistas Donwbeat e JazzTimes, as duas principais revistas americanas especializadas em jazz -- ele até já chegou a ser relacionado em tais holofotes, mas não com uma frequência regular. Aqui no podcast eu apresento a faixa "August, Fifth, 2006" do disco For, gravado com a banda The Claudia Quintet: uma composição que mescla uma escrita nos moldes da música erudita minimalista com arranjos jazzísticos, de forma tão elaborada e uniforme que o ouvinte fica sem saber distinguir qual parte está sendo tocada com base na partitura e qual parte está sendo apenas improvisada. Leia mais sobre John Hollenbeck aqui.

O saxofonista Ted Nash, uma das pratas da gravadora Palmetto, é conhecido em Nova Yorque por ser um dos membros do projeto Jazz Composers Collective e ser um dos grandes sidemans da Lincoln Center Jazz Orchestra, big band mundialmente famosa dirigida pelo trompetista Wynton Marsalis. Excelente mestre dos sopros, Ted Nash toca flauta, clarineta, sax tenor e sax soprano. Mas na última década, Ted Nash vem se destacando principalmente como compositor e líder de projetos interessantíssimos: é notável o requinte e frescor dos seus projetos Still Evolved (um quinteto neo-bop), o Odeon (um quinteto inusual com tuba, clarineta, violino, acordeon e bateria), o Macini Project (um quarteto que faz releituras das trilhas sonoras de Henri Mancini) e, mais recentemente, seu lançamento Portrait in Seven Shades (sete composições inspiradas em sete dos maiores pintores da história moderna) foi muito bem recebido pelo público e crítica. No programa eu toco a faixa "Rhyme and Reason" do disco de mesmo nome gravado em 1999: participam um quarteto de cordas (violino, viola, cello e contrabaixo), mais a participação especial da violinista Miri Ben-Ari e do trompetista Wynton Marsalis. Para saber mais sobre Ted Nash clique aqui

O saxofonista Donny McCaslin é um monstro no sax tenor, um dos solistas da big band da Maria Schneider, premiadissima compositora, arranjadora e bandleader, com a qual foi nomeado para um Grammy em 2004 por causa dos seus solos no álbum Concert in the Garden; mas MCasllin também é conhecido por ser um sideman regular do famoso trompetista Dave Douglas. Donny McCaslin também vem se destacando de forma muito incisiva nos últimos anos em sua carreira solo, com lançamentos de requinte extraordinário: mesmo gravando por diversos selos McCasllin vem fazendo uma carreira solo coesa, tendo sido aclamado por sua sensibilidade e técnica que sempre proporciona solos e arranjos transcedentais, vide os últimos albuns Recommended Tools (em trio, gravado pela Greenleaf, 2008) e o mais recente Declarations (um projeto para 11 instrumentos, gravado pela CamJazz). Neste programa ouviremos a faixa título desse seu ultimo álbum, Declarations: a concepção do disco preza composições baseado no pop e rock, mas com arranjos jazzísticos compostos por uma massa sonora cheia e coesa.

Junto com Ted Nash, o contrabaixista Ben Allison também foi o fundador do Jazz Composers Collective em Nova Iorque. Mesmo que Ben Allison seja um músico até bem relacionado na Downbeat e em outros grandes holofotes, não dá pra dizer que ele seja um músico dos mais divulgados nos EUA ou ainda que ele seja uma estrela de alcance mundial; mas é, com certeza, um músico que vem, ano a ano, reafirmando sua inventividade e fazendo uma carreira brilhante, isso já desde o final dos anos 90. Considerado um dos principais e mais interessantes músicos nova-iorquinos, Ben Allison é um dos poucos contrabaixistas a serem donos de uma carreira solo tão inventiva e fora do jazz convencional. Ben Allison também é uma das pratas da gravadora Palmetto: dos álbuns que possuo dessa gravadora, o Buzz e o mais recente Think Free, ambos de Allison, são alguns dos exemplos mais fantásticos capazes de descrever as principais caraterísticas do jazz contemporâneo. No programa toco a faixa "Playtipus" do recente álbum Think Free (Palmetto, 2010): vê-se como que Allison se apropria dos elementos pós modernos como rock e pop para criar composições de grande requinte melódico e harmônico, usando, aqui, uma formação de contrabaixo, violino, trompete, bateria e guitarra elétrica.

A cantora e pianista carioca Delia Fischer lança Saudações Egberto, seu mais recente álbum, em São Paulo! E como special guest, haverá André Mehmari!

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 21 May 2012 17:38:00 -0300

Com canções de grande requinte harmônico-rítmico-melódico, Delia Fischer saúda o mestre Egberto Gismonti

Improvising with Numbers - Dez excelentes álbuns de Música Popular Brasileira do início do século 21

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 20 May 2012 13:08:00 -0300

Prezados colegas que visitam este blog, recentemente escrevi uma crítica onde lamentava o fato do comodismo, da letargia, da preguiça e do auto-aprisionamento engessar a maioria dos músicos e cantores brasileiros, assim como a própria conduta crítica do público, a chamada auto-crítica que cada um de nós temos de ter ao digerir música ou qualquer outra expressão artística -- leiam-na aqui. Neste post, porém, venho com uma seleção modesta de dez excelentes álbuns de MPB que trazem em si o que falta -- ou o que devia existir -- na música brasileira: renovação e inovação, ousadia e criatividade, atualidade e contemporaneidade, fluência musical e identidade própria, arranjos bem elaborados e letras inteligentes, performance e improvisação -- enfim..., estes dez álbuns mostram que é possível, sim, se produzir canções onde o decorativo seja a arte acima do artista, acima da fama. Sim, e por ora são apenas dez, pois, vias de fato, a MPB, além de estar sendo melecada pela mídia com equivocadas versões popularescas de música popular brasileira (como é quando querem sofisticar Ivete Sangalo como uma "cantora de MPB", por exemplo), não tem apresentado um cenário ousado ou criativo de si mesma -- e quando o fez, através de uns poucos cantores em raros momentos de espasmos criativos, isso ressoou apenas nos circuitos elitistas e nas mídias independentes, não chegando à população pela grande mídia, uma vez que a grande mídia, a propósito, está mais preocupada em obter lucros comercias através de material descartável e modinhas de verão, que são mais fáceis de vender. Outro fato resultante da desvalorização da MPB em solo tupiniquim é o êxodo de grandes artistas da música brasileira para solos americanos e europeus, onde a música criativa é mais apreciada. Uma pena, pois este seria o momento de surgirem artistas mais descompromissados com a fama pela fama e aquele glamour besta de cantores de (ou para) abertura de novelas e mais compromissados em fazer arte com a canção -- já que se trata de um momento onde os circuitos underground e independentes são os únicos que ainda apoiam uma MPB contemporânea e criativa, tal como era a música popular brasileira nos tempos da Tropicália. O problema, no entanto, não é de quantidade e coerência: há uma legião de novos artistas fazendo uma MPB até medianamente audível em termos de música e poesia (como é o caso de Maria Gadú e Marcelo Jeneci), mas na maioria das vezes o que se ouve destes é algo "bonitinho" demais, simplista demais, coerente demais, "universitário" demais, elitista demais, ou algo muito na onda do "coqueluche-brega-pop" -- em alguns casos até muito assumidamente comercial, letárgico, acomodado, quando não com aquele romantismo banal que não fica longe das letras presentes em canções de grupos de pagode. O problema, então, é de qualidade, criatividade, coesão e ousadia dos projetos: falta arranjos mais criativos e mais contemporâneos, falta uma boa e criativa instrumentação, falta o risco da improvisação e da performance, falta o risco de uma poética mais inteligente nas letras (aquela capaz de instigar as pessoas a refletir), falta identidade própria (há muitas cópias de Marisa Monte rolando por aí...) e, principalmente, falta uma postura mais compromissada com as realidades (políticas, econômicas, sociais, culturais...) do mundo atual -- aliás, essa tal postura do artista engajado realmente foi algo que se perdeu na música criativa ( a pergunta é: isso seria pelo fato das pessoas estarem ascendendo à classe média e, portanto, estarem apenas ocupadas com o entretenimento proporcionado por seus carros, notebooks, tablets e smartphones ou será que já evoluímos para um mundo perfeito e sem pobreza, um país de justiça ou democracia perfeitas?). Mas nem toda música no Brasil é sertanejo universitário ou "fanqui carioca", nem todos os novos artistas da MPB aderiram às facilidades e aos padrões estilísticos para tentarem se vender mais, e nem só de MC's de "fanqui carioca", Michéis Telós, Claudias Leites e Ivetes Sangalos a música brasileira está repleta. Neste post, seleciono alguns dos álbuns contemporâneos, de cantores mais famosos ou menos famosos, que, ao meu ver, contribuíram para a década de 2000 não ser uma década perdida em termos de MPB -- e o faço com audácia, sinceridade e com a visão de música enquanto arte: com estrelinhas, entrelinhas e tudo! Apesar de listar Djavan -- um meus favoritos entre os veteranos --, ficaram de fora meus preferidíssimos Tom Zé e Marisa Monte e outros panteões já a décadas massificados como Chico Buarque e Caetano Veloso. As resenhas estão repartidas entre minhas e as retiradas de outros sites jornalísticos. A ênfase está em discos autorais, mas também há espaço para discos de intérpretes especiais. Convido cada leitor a fazer sua lista com alguns dos seus álbuns e artistas preferidos no campo para comentários!

1 - Presente (2010), de Délia Fischer

Até agora ainda não encontrei um álbum de canções que casasse tão bem uma (in)fluência adquirida na música instrumental brasileira com o canto e poesia sofisticados, onde os arranjos instrumentais soassem com tanta brasilidade -- evocando tanto sons e imagens sudestinos como os nordestinos -- e tão contemporâneos ao mesmo tempo e o canto soasse como sendo algo instrumental e não algo à parte -- isso porque, ao arranjar suas canções, Délia Fischer colocou sua personalidade à flor da pele e bebeu das fontes de dois dos maiores compositores brasileiros contemporâneos: os universais Egberto Gismonti e Hermeto Pascoal, simplesmente os dois maores e mais ousados criadores da música instrumental brasileira. Tendo curiosas participações dos próprios Egberto Gismonti ao violão e Hermeto Pascoal usando a voz borbulhante em cópo d'agua e a escaleta, Délia imprime arranjos pra lá de contemporâneos através de instrumentações pra lá de inteligentes: climas e nuances ao piano rhodes, solos líricos de violino, vozes em efeitos radiofônicos, um combo jazzístico de piano-trio, acompanhamentos dissonantes de cordas, sutis efeitos eletrônicos, sons de bricolage e etc, dão o colorido e o sabor do molho. Leia a resenha na íntegra aqui mesmo, num post do Blog Farofa Moderna! Por seus trabalhos ímpar, Délia Fischer tem sido destaque no Jornal do Brasil e no O Globo . Assista o video abaixo!

2 - Canteiro (2011), de André Mehmari

Canteiro é o primeiro álbuns de canções do pianista André Mehmari -- salientando, já, que trata-se de um álbum autoral e, ao mesmo tempo, de muitas parcerias e colaborações interessantes. A personalidade musical de André Mehmari, proeminente compositor e multiinstrumentista virtuose que transita com fluência do erudito ao popular, é um dos mais interessantes amálgamas revelados desde as personalidades de Moacir Santos e Milton Nascimento: às vezes combina uma brasilidade à mineira com um lirismos barroco e renascentista, às vezes combina algo do folclore brasileiro com uma fluência atualizada no jazz contemporâneo, às vezes soa apenas erudito mas com pitadas de todas essas características citadas -- aliás, é uma personalidade moderna e seu som soa renovador, mas não é algo pra ser analisado como "contemporâneo" ou não: é um amálgama que tenta ser atemporal. Com trabalhos renovadores no campo da música erudita e instrumental brasileira, André Mehmari sempre buscou imprimir o lirismo do canto em sua voz compositiva, ainda que algumas das suas peças venham a ter uma escrita mais "stravinskiana", mais complexa. O álbum Canteiro, lançado no segundo semestre de 2011, evidencia essa paixão que Mehmari tem pelo canto: ele faz um amálgama de solidão, de amor pela flora, com amizade e alegria -- as harmonias imprimem essas nuances. Aqui a canção é elevada ao extremo da arte e o instrumental -- dotado de arranjos os mais diversos, produzidos por quem realmente entende de harmonia, arranjo e orquestração -- é apenas o suporte da coisa. Trata-se de uma ode completa à brasilidade: as canções vão da balada à mineira ao frevo nordestino. O álbum é duplo. Assista o vídeo abaixo.

3 - Seu Jorge & Almaz (2010)

Seu Jorge, ainda que dotado de elegância e uma peculiar identidade própria, parece ser nossa versão atual e popularesca do Jorge Ben sessentista e setentista. Mas já não dá mais pra reproduzir aquele samba-rock com aquela malandragem estilizada dos velhos tempos. Seu Jorge, então, apela para um populário onde o "descolado" substitui o "malandro", haja vista suas canções abordarem temas como loiras burguesinhas, praias, paqueras na balada, finais de semana com churrasco, bailes com belas morenas fazendo charme e etc -- não à toa, sua recente coletânea de canções chama-se Músicas para Churrasco. Mas trata-se de um cantor com identidade própria de quem podemos, sim, esperar algo a mais a qualquer momento. Um exemplo é este álbum produzido por Seu Jorge e dois membros do Nação Zumbi, grupo pioneiro do manguebeat. Seu Jorge & Almaz nos mostra um interessantíssimo mix de rítmos e grooves brasileiros com texturas vintage oriundas do soul, samba, rock, funk, eletrônica, chegando a evocar até mesmo um country-rock meio reverberante. É um álbum para se tornar um clássico: ainda que de simplicidade instrumental, as sonoridades, os timbres e os grooves impressos já dão ao álbum o status de especial! Não obstante, o álbum Seu Jorge & Almaz é interessante não só pela concepção de som, mas, principalmente, pelo repertório super-hiper-maxi-diversificado: a lista mescla temas de Nelson Cavaquinho (“Juízo Final”), Roy Ayers (“Everybody Loves the Sunshine”), Baden Powel (“Tempo de Amor”), Michael Jackson (“Rock with You”), Jorge Ben (“Errare Humanum Est”) e do legendário grupo alemão de tecno-dance Kraftwerk (“The Model”). Um álbum singular que nos faz lembrar dos sons inovadores de Chico Science ou da mística interessante que Jorge Ben Jor imprimiu no álbum A Tábua de Esmeralda (1974) -- isso em tempos inovadores da MPB. Leia a resenha na íntegra aqui mesmo no Blog Farofa Moderna!

4 - Cibelle (2003), de Cibelle

Eu poderia citar qualquer um dos dois álbuns mais recentes de Cibelle, haja vista sua incessante busca pelo hibridismo contemporâneo, pela técnica da colagem e pela improvisação, algo que falta na maioria dos nossos cantores e músicos. Uma cantora hipercriativa nossa que vive na Inglaterra, Cibelle não faz uso da estética MPB propriamente dita para se classificar: trata-se daquele tipo de cantora cosmopolita -- aliás, um tanto tropicalista, mas sem copiar à risca o Tropicalismo, eu diria -- e que depreza aquele jeito "brasilzão" de ser, sem contudo deixar de imprimir uma certa brasilidade aos seus arranjos, que podem tanto serem calcados no pop e na eletrônica como no samba e na chanson francesa -- ou seja, não há limites de cores, rítmos, imagens e mundos na música da cantora. Não querendo fazer uma comparação propriamente estilística, talvez Cibelle seja a cantora brasileira que mais se aproxima do que a legendária cantora Bjork representa, ou seja, ela é inclassificável -- mas que fique claro: ela não copia nem a cantora islandesa nem niguem; ela soa própria e única! Quando saiu em 2003, o álbum de estréia Cibelle foi alvo de elogios da imprensa européia, apesar de não fazer tanto barulho por aqui. Curiosamente o jornal inglês The Independent classificou seu trabalho como "simultaneamente sem igual na Terra e a tudo que você já ouviu antes". Uma cantora de miscelânea grandiosa que, quando intérprete, dá novas versões para canções que vão de pérolas de Tom Jobim às de Tom Waitts. Só ouvindo mesmo pra saber do que se trata!!! Leia mais sobre a cantora no Caderno 2 do jornal Estadão!!! Ouça abaixo!

5 - Iaiá (2006), de Monica Salmaso

Longe de ser uma cantora conhecida pela maioria do público que curte MPB, Mônica Salmaso pode ser considerada facilmente uma das melhores intérpretes da música brasileira dos últimos tempos. E o melhor: ela tem um senso de arranjo que se remete ao grosso modo da música instrumental brasileira e que dispensa parafernálias tecnológicas, sendo sempre acompanhada, portanto, dos mais excelentes instrumentistas desta vertente. De Tom Jobim à Dorival Caymmi, de cancionistas contemporâneos a legendas do cancioneiro tradicional, Salmaso dá belas versões a todo e qualquer cancioneiro que manuseia. Apesar da sua discografia ser completamente dotada de excelência, um dos mais interessantes álbuns de Mônica Salmaso é o Iaiá, lançado pela Biscoito Fino em 2004. No repertório, além de uma clara homenagem à Clementina de Jesus, convivem compositores de diferentes épocas, estilos e regiões, tais como Dorival Caymmi, Maurício Carrilho, Paulo César Pinheiro, Jair do Cavaquinho, Xangô da Mangueira, Zagaia, Silvio Caldas, De Chocolat, Carusinho, Rodolfo Stroeter, Joyce, Vanessa da Mata,Tom Jobim, Vinícius de Moraes, José Miguel Wisnik, Chico Buarque e Tom Zé. Saiba mais aqui, no site da própria cantora.

6 - O Meio (2000), de Luiz Tatit

Luiz Tatit, membro da "velha guarda" da vanguarda paulista dos anos 80, é único, um artista que não envelhece -- e até seu simplismo soa rebuscado! Em seu nonsense álbum O Meio (2000), Tatit não reproduz o vanguardismo de que outrora foi representante, mas não deixa de soar incrivelmente inteligente e sutilmente conceitual através de um arranjo que se remete ao uso de uma orquestra de câmera aliada à canção violonística -- aliás, é preciso salientar que já em meados dos anos 90, com o álbum Felicidade, o compositor rumou para um estilo mais lúdico e menos provocante em termos de vanguarda, haja vista não ser mais o momento adequado para se evocar a já ultrapassada "contracultura". A crítica a seguir é do jornalista Carlos Calado para o site CliqueMusic:

"""Luiz Tatit não está nem aí se suas composições não possuem refrões capazes de colar nos ouvidos do público, muito menos preocupa-se em utilizar samples ou levadas de drum’n’bass para que elas soem mais moderninhas. O Meio deixa claro desde sua primeira faixa que o ex-membro do grupo Rumo está interessado, antes de tudo, na integridade de suas canções e idéias. Não foi à toa que ele decidiu iniciar o CD com a canção que lhe dá título, justamente a mais inusitada e conceitual das 13 gravadas. “Se todo começo é assim / o melhor do começo é o seu fim / um dia ainda há de chegar / em que todos irão conquistar / um meio pra não começar”, diz ele na letra, divagando com erudição e humor sobre as desvantagens dos inícios. Um tema insólito que passa ainda pelas regravações das hilariantes Trio de Efeitos (“sempre fui médio / é o meu dom / e o meu tédio”) e Essa É Pra Acabar (“essa é pra acabar / foi feita só pra isso / é pra lembrar vocês / que existem outros compromissos”), ambas da época do Rumo. Auto-referentes também são As Sílabas (“cantiga diga lá / a dica de cantar / o dom que o canto tem / que tem que ter se quer encantar”) e Batuqueiro (parceria com Ná Ozzetti), que discorrem sobre o fazer musical e sua eficácia. Há ainda deliciosas canções de caráter mais narrativo, como Amor e Rock (“amor tão rápido dá choque / suspende esse amor heavy / e manda um rock”), que distingue com graça diferentes ritmos nas relações amorosas, ou a regravação de Esboço, a epopéia de um insólito personagem pelos bairros de São Paulo, que ressurge mais viva graças ao brilhante arranjo para orquestra de Ricardo Breim e Hermelino Neder. Aliás, nesse aspecto, destacam-se também os arranjos de cordas escritos por Fábio Tagliaferri, que combinam beleza e eficácia. Com O Meio, Tatit nos lembra algo que parece cada vez mais esquecido nos últimos tempos: a música popular não existe somente para se dançar. A de Tatit, especialmente, faz pensar e sorrir.""" (Carlos Calado)

7 - Piano e Voz (2006), de André Mehmari & Na Ozzetti

Ná Ozzetti, outra das representantes da vanguarda paulista dos anos 80, lançou em 2006 um álbum só de piano e voz que está acima do fato de ser um álbum de interpretações com um repertório pra lá de diversificado. Para o piano, ele: o virtuose André Mehmari. É muito difícil descrever em palavras como a voz cristalina de Ná Ozzetti funde-se tão bem com o piano virtuosístico de Mehmari. A crítica a seguir é de Luiz Carlos Viana para a Sucursal do Rio:

"Há discos de cantoras e pianistas em que o entrosamento entre as partes alcança resultados sublimes. Apenas dois exemplos: Ella Fitzgerald & Paul Smith, Nana Caymmi & Cesar Camargo Mariano. O avesso ocorre quando intérpretes usam a fórmula para extravasar suas vaidades, valendo-se dos pianistas como meros acompanhantes. "Piano e Voz", de André Mehmari e Ná Ozzetti, se insere de maneira brilhante no primeiro caso. Poucas vezes no Brasil um disco feito nesse modelo chegou a um grau tão alto de simbiose". Leia mais aqui, para saber do repertório e de como o álbum foi gerado!

8 - Ária (2010), de Djavan

Djavan é um dos poucos cancionistas já famosos que inventaram um jeito todo seu de se criar poemas, harmonias, rítmos e arranjos sofisticados -- aliás, o mais intrigante é que ele faz tudo isso soar muito imagético, sem, contudo, aderir ao simplismo da citação direta, haja vista suas letras dotadas de uma poética incrivelmente inteligente mesmo quando retrata o tema manjado da relação amorosa entre um homem e uma mulher. Djavan é, aliás, outro veterano que não envelhece! De todos os cantores da MPB, Djavan é, absolutamente, o que mais soube fazer uso do pop, imprimindo, assim, uma personalidade única e uma áurea incrível dentro da música brasileira -- houve um tempo que, assim como Marisa Monte no universo feminino, ele era o cantor mais copiado de toda a música brasileira (apesar de que só Jorge Vercilo conseguiu, de fato e por completo, se "djavanear" com sucesso). Mas Djavan sempre foi um músico de essência autoral, um compositor de canções por excelência -- um dos mais interpretados compositores da música brasileira, a propósito! Porém, em Ária, Djavan sai de um hiato e deixa seu laboratório particular de canções para se arriscar apenas à arte da interpretação. Ária é, então, o primeiro álbum de Djavan na condição de intérprete, ou seja, o primeiro álbum seu onde o total de canções que ele interpreta não são suas. A instrumentação é mínima e a voz do cantor é uma beleza à parte: remete-se, quase sempre, ao estilo "banquinho e violão", sendo, no máximo, acompanhado por um contrabaixo acústico e um quite tênue de percussão, o que dá tons jazzísticos a algumas interpretações! Leia uma crítica e uma entrevista de Djavan falando do álbum aqui, no Portal G1.

9 - Céu (2005), de Céu

Céu, assim como Cibelle, é uma das novas cantoras brasileiras que rejeita o cânone que o rótulo "MPB" impõe -- simplesmente pelo fato de ser uma musicista que, apesar de se originar da música brasileira, tem os ouvidos voltados para a música do mundo! No seu disco de estréia, o homônimo Céu (de 2005), a cantora já mostra uma personalidade um tanto iconoclasta, compondo 12 das 15 canções do álbum -- e essa postura de mostrar um ecletismo destilado, com maturidade, só se expandiu em "Vagarosa" (2009) e Caravana Sereia Bloom (2012). Produzido de forma independente, o álbum alcançou rapidamente o reconhecimento em trilhas de novelas da Rede Globo e, a partir de 2007 -- quando foi relançado nos EUA e Europa --, nas listas de canções mais interpretadas da revista americana Billboard. No entanto, apesar do reconhecimento midiático de Céu -- atualmente ainda mais consagrada nos EUA, Europa e Japão do que propriamente no Brasil --, a cantora parece não se adequar ao populário comercial. A crítica a seguir é de Mary Persia para a Folha de São Paulo:"...Calcada na MPB moderna, misturando sons orgânicos a eletrônicos e estilos regionais a samba, rap, jazz e reggae, a cantora concorreu ao Grammy Latino no ano passado (2006) como artista revelação. Não levou o prêmio, mas a indicação fez com que olhares e ouvidos se voltassem para ela..."Mais do que intérprete, Maria do Céu Whitaker Poças é co-autora de 12 das 15 faixas de "CéU". O álbum traz canções como "Vinheta Quebrante", "Lenda", "Malemolência", "Ave Cruz" e "Concrete Jungle", cover de Bob Marley." Leia mais aqui, na Folha. Assista o vídeo abaixo.

10 - Maria Rita (2003), de Maria Rita

Taí um álbum interessante que chegou a vender um milhão de cópias e que foi capaz de fazer com que muitas pessoas voltasse os olhos e os ouvidos para o que vinha acontecendo de novo e de bom na MPB. Filha da legendária cantora Ellis Regina -- considerada, para muitos, a maior cantora brasileira de todos os tempos -- e do influente pianista César Camargo Mariano, Maria Rita, de certo, aprendeu muito com a educação musical que seus pais lhe passaram. Mas foi apenas aos 24 anos que Maria Rita começou sua carreira de cantora. Em 2003, já blindada de recursos de publicidade, lançou o seu álbum homônimo. O combo instrumental usado como base do álbum não poderia ser outro a não ser o piano-trio, combo que seu pai ajudou a popularizar na época do samba-jazz dos anos 60: é um dos mais belos álbuns que une a voz com piano, contrabaixo e bateria -- sendo que, ora ou outra, acompanhados por uma sessão melancólica de cordas, violão, acordeon e quites tênues de percussão. Mas é preciso salientar que álbum Maria Rita não soa como um álbum de samba-jazz passadista. Muito pelo contrário, o álbum tem uma identidade contemporânea que vai do "jazzy" ao "funky", além de um mix de canções que aborda de Milton Nascimento à novos compositores como Marcelo Camelo. ganhou dois Grammys Latino nas categorias de “Melhor Disco de MPB”, “Artista Revelação” e “Melhor Música” por A Festa. Assista o álbum abaixo.

Músicas no Plural 204: exemplos do que há de contemporâneo, no jazz, no erudito e na free improvisation européia!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 15 May 2012 16:29:00 -0300

O quarteto de Nova Iorque The Thirteenth Assembly em Station Direct, o trio francês Daunik Lazro + Benjamin Duboc + Didier Lasserre em Pourtant les Cimes des Arbres e o pianista americano Guy Livingston em Don't Panic! 60 Seconds for Piano.

Guy Livinsgton

O podcast Músicas no Plural -- disposto no site da Fundação Gulbenkian, uma das principais e mais importantes fontes de música de Portugal -- traz, em sua edição de número 204, um programa repleto de música contemporânea criativa, indo do jazz americano, passando pela improvisação livre européia e aportando-se na música erudita -- mas, lógico: é música contemporânea para ouvidos contemporâneos. O programa, apresentado por Rui Neves, começa com o quarteto americano de jazz contemporâneo The Thirteenth Assembly: constituído pelo trompetista Taylor Ho Bynum, pela violista Jéssica Pavone, pela interessantíssima guitarrista Mary Halvorson (de quem já falei aqui: pesquisem nas tags, na página de lançamentos ou no nosso buscador) e pelo baterista Tomas Fujiwara -- todos músicos da nova geração do avant-garde jazz --, o quarteto acaba de lançar seu segundo álbum, Station Direct, onde a linhagem modern creative, com suportes de improvisações livres, momentos em diálogos contrapontísticos e nuances eletro-acústicas, é o standard da coisa -- a estruturação e o rítmo, portanto, ganham uma evidente importância dentro das composições apresentadas. Em seguida, no segundo bloco, Rui Neves nos apresenta um trio francês de improvisação livre que foca-se em fazer arte com ruídos instrumentais de uma forma intimista muito peculiar: trata-se da interação do saxofonista Daunik Lazro, do contrabaixista Benjamin Duboc e do baterista Didier Lasserre, os quais acaba de lançar o álbum Pourtant Les Cimes des Arbres, onde eles improvisam texturas atmosféricas multifônicas inspiradas num “haiku” do poeta japonês Basho. Por fim, Neves nos apresenta uma interessantíssima empreitada do pianista virtuose Guy Livingston, um dos grandes intérpretes de John Cage: em seu álbum Don't Panic! 60 Seconds for Piano, o pianista apresenta ao piano solo, às vezes com tênues pitadas eletrônicas e vocais, 60 miniaturas de diversos compositores americanos, holandeses, britânicos, canadenses e etc -- um trabalho de três anos de garimpagem que, pela sequência bem arranjada, afirma-se quase como uma suite, irônica e hipermoderna. Listen Here!!!

Podcast - Guitarristas do Jazz: De Wes Montgomery a Kurt Rosenwinkel!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 12 May 2012 13:48:00 -0300

Wes Montgomery

Olá amigos! Sejam bem vindos a mais um programa de podcast comentado aqui no Blog Farofa Moderna. Seguindo aqui com nossa série sobre os instrumentos do jazz, apresento-vos alguns dos grandes guitarristas da história e do jazz contemporâneo. Até os anos 40 a guitarra era apenas um instrumento que tinha o papel de acompanhante dentro das bandas e big bands de jazz - e nada mais do que isso. Mas o guitarrista Charlie Christian mudaria para sempre os rumos da guitarra: não só por ter sido um dos primeiros grandes solistas da guitarra amplificada nos anos 40, mas também por ter configurando o estilo do bebop para esse instrumento com grande técnica e swing, se tornando referência até os dias de hoje não só para jazzistas, mas até para roqueiros e blueseiros.

George Benson

Depois de Charlie Christian nos anos 40, os anos 50 revelou o grande Wess Montgomery, guitarrista de Indianápolis que, inicialmente, tinha uma banda com seus irmãos Monk Montgomery (baixo) e Buddy Montgomery (bateria), conjunto chamado Mastersounds e, que inevitavelmente viria a ser apelidado de Montgomery Brothers. Foi na banda do vibrafonista Lionel Hampton, berço de grandes músicos dos anos 40 e 50, que Wess Montgomery passou a mostrar sua técnica ao público de jazz mais abragente. Nos anos 60, com sua fama de versátil - pois ele era capaz de tocar tanto jazz como rhythm'blues - ele sairia da falida gravadora Riverside para gravar pela Verve, o que acabou lhe dando fama em suas gravações mais comerciais relacionada à "black music" da época (caminho que George Benson exploraria com mais afinco depois de sua morte). Em 1965, com 43 anos, ele morre, deixando uma grande legião de admiradores.

Wess Montgomery era um autodidata: ele desenvolveu seu próprio modo de tocar guitarra, utilizando o polegar ao invés da palheta para dedilhar seus improvisos, bem como usando seqüência de oitavas em partes da improvisação, o que acabou sendo sua marca registrada. Esse estilo de dedilhar com o dedo polegar é, até hoje, uma técnica assustadora para guitarristas que se dedicam a estudar jazz.

Depois de Wess Montgomery, o próximo guitarrista de jazz que assustaria a crítica e público com sua técnica foi George Benson (sim, esse George Benson que nas ultimas décadas tem sido um dos mais famosos e premiados cantores da pop music americana). Assumidamente inspirado em Wess, Benson também usa tanto a palheta pra improvisar quanto o polegar. Aliás, até o estilo de improvisar usando seqüência de oitavas, marca registrada de Wess, George Benson também passou a adotá-lo.

Benson começou sua carreira tocando hard bop e jazz funky com o organista Jack McDuff nos anos 50, quando ainda era um adolescente. Em 1965, já com fama entre os músicos de jazz, ele se mudou para Nova Iorque, onde trabalhou com Miles Davis (no disco Miles in the Sky) e fundou ssua própria banda: um quarteto. Em 1966, após a morte de Wes Montgomery, ele foi contratados pela grande Columbia Records, gravando vários sucessos relacionados ao jazz funky e soul jazz. Mas como tinha ascendência em ser popular e também era bom cantor, George Benson acabou pegando o caminho da música pop a partir da década de 70, o que nunca lhe tirou o mérito de ser um dos maiores guitarristas de todos os tempos. Um grande virtuose que deixou uma identidade jazzística totalmente atrelada ao funk e à soul music.

David Gilmore

Kurt Rosenwinkel

Ouviremos depois de Wess e Benson, o guitarrista do jazz contemporâneo chamado Kurt Rosenwinkel. Revelado pela gravadora americana Criss Cross no final dos anos 90, é um dos mais famosos guitarristas da atualidade depois dos Bill Frisell e Pat Metheny e, assim como esses que usam efeitos em suas guitarras, ele gosta de usar uma sonoridade bem peculiar, com os efeitos de reverb e delay que já virou sua marca registrada. Pra quem se interessar em conhecer Kurt Rosenwinkel, sugiro que compre o CD The Next Step (2001), lançado pela Verve e que pode ser adquirido em grandes lojas e livrarias brasileiras.

Depois ouvimos o guitarrista David Gilmore - que não é o roqueiro do Pink Floyd, mas sim um guitarrista do jazz contemporâneo que é muito pouco conhecido entre o público, apesar de ser um dos mais admirados guitarristas entre os músicos. David Gilmore teve seus primeiros grandes destaques colaborando com o grande saxofonista Steve Coleman, criador de um conceito de jazz chamado M-Base, nos anos 80. E Gilmore foi o primeiro guitarrista e configurar as dissonantes harmonias e intrincadas improvisações do M-Base para a guitarra. Já a faixa que está no programa é Vertical Path, faixa-título do disco lançado em 2006 com participações do grande baterista Jeff "Tain" Watts e do contrabaixista Christian McBride: percebam como esse trio soa poderoso com David mesclando a tarefa de ser base e solista-improvisador ao mesmo tempo.

Russell Malone

Michel Leme

No último bloco vocês ouvirão o guitarrista brasileiro Michel Leme. Grande músico e professor, radicado em São Paulo, Mcihel tem sido um dos principais guitarristas brasileiros no quesito de dominar a arte de tocar jazz e música instrumental brasileira com virtuosismo e espontaneidade. A faixa disposta no programa é Frevo do Monte, do disco Trocando Idéias, gravado em 2005, em parceria com o esplêndido baterista Alex Buck. Os discos do guitarrista podem ser encontrados no site da Submarino ou em seu próprio site (http://www.michelleme.com/).

Por ultimo, encerro o programa mostrando a técnica e virtuosismo de Russel Malone, que é, na verdade, um grande entusiasta dos estilos de Wes Montgomery e George Benson. É preciso lembrar, também, que antes de emplacar sua carreira solo como instrumentista, Russell Malone fora colaborador na banda da cantora Diana Krall (que vocês podem ouvir no programa dedicado às cantoras e cantores de jazz). Russell Malone, apesar da técnica espantosa, tem poucos trabalhos originais: talvez por causa do seu gosto em ser mais intérprete de standards do que compor suas próprias composições. Mas se procurar dá pra achar trabalhos excelentes desse virtuose da guitarra. Boa Audição a todos!

Emanem, Incus e a Topografia do Sopro: um tratado sobre a pioneira "free improvisation" evan-parkeriana!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 3 May 2012 09:45:00 -0300

Topografia do Sopro, em três partes!!!

Os próximos festivais de jazz e música instrumental brasileira: acessem os links na página de shows e eventos para saber mais!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 2 May 2012 07:47:00 -0300

Perfil: o pianista Dave Brubeck, o saxofonista Paul Desmond e o quarteto ímpar – literalmente ímpar !!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 1 May 2012 07:41:00 -0300

The Way You Look Tonight [Jazz At Oberlin, 1953]Blue Rondo a La Turk [Time Out, 1959]Take Five [Time Out, 1959]Far More Blue [Time Further Out, 1961]Unsquare dance [Time Further Out, 1961]Bru's boogie woogie [Time Further Out, 1961]It's A Raggy Waltz [Dave Brubeck Quartet at Carnegie Hall]Tokyo Traffic [Jazz Impressions of Japan, 1966]Coração Sensível [Bossa Nova USA, 1962]World's Fair [Time Change, 1963]Shim Wa [Time Change, 1963]Tritonis [Tritonis, 1980]

Sejam bem vindos a mais um dos nossos programas de podcasts (originalmente gravado para o Portal MTV, entre o final de Dezembro e Janeiro, no Ano Novo de 2010)! Aqui, lhes apresentarei mais um programa da série perfil: dessa vez falando do grande pianista Dave Brubeck e do saxofonista Paul Desmond. Junto com Paul Desmond, seu amigo dos tempos do serviço militar, Dave Brubeck começou sua carreira no início dos anos 50 na região do west coast americano, ou seja, em San Francisco, na costa oesta dos EUA. Em 1951 ele fundou, com Paul Desmond, um quarteto que seria uma das maiores bandas da história do jazz. Neste podcast exploro o período de 1953 à 1963 desse quarteto, mostrando as características das composições do pianista Dave Brubeck e dos seus sidemans.

Inicialmente, Dave Brubeck mostrou um jazz antenado com a galera do West Coast, que caminhava entre o estilo virtuoso do bebop o cool jazz, um estilo de jazz composto por baladas e por temas com um swing mais relaxado, mais lento e suave. Aliás, é interessante lembrar que desde 1945 -- quando o saxofonista Charlie Parker inventou o bebop -- era muito comum uma rivalidade entre músicos negros de Nova Iorque e os músicos de San Francisco ou Los Angeles: os músicos negros diziam coisas como "os brancos não sabem swingar como os negros"; enquanto os músicos brancos diziam que "os negros são virtuoses, mas não tinham lirismo". Na verdade a grande sacada de marketing de Dave Brubeck foi mostrar essa capacidade -- de que eles sabiam tocar com tanta energia e swing quanto os negros -- em escolas, colégios e universidades americanas, mostrando pra nova geração dos anos 50 um jazz de grande originalidade e emoção, algo que logo chamaria a atenção da mídia americana - aliás, não é a toa que já em 1954 Dave Brubeck foi capa da revista Time.

Em meados dos anos 50 -- mais ou menos em 1957 --, o quarteto de Brubeck se estabilizou com sua formação fixa que durou mais ou menos até 1967, tendo Dave Brubeck ao piano, Paul Desmond no saxofone alto, Eugene Wright no contrabaixo e o notável Joe Morelo na bateria. Com essa formação, Dave Brubeck gravou seu álbum clássico Time Out -- o primeiro álbum de jazz a ganhar um disco de platina por vender um milhão de cópias em entre 1957 e 1958 --, entre outros trabalhos notáveis como o disco Time Further Out, Time Changes e Jazz Impressions of Japan. Esses trabalhos lançados a partir de 1959 são caracterizados por temas em compassos ímpares como 5/4, 7/4, 9/8, entre outros compassos um tanto inusuais na época. Uma curiosidade interessante é que a capa desses discos foram ilustradas com amostras de pintura contemporânea: Dave Brubeck adorava o pintor espanhol Miró, por exemplo.

É preciso ressaltar ainda que tanto Dave Brubeck quanto Paul Desmond, eram caras de notáveis virtudes. Brubeck tinha um estilo percussivo de tocar piano, ou seja, ele quase sempre improvisava atacando acordes inteiros e não notas soltas como os outros pianistas; é sabido também que ele compunha e tocava quase sempre "de cabeça", ou seja, ele não sabia e nem gostava de ler partitura (mesmo depois se cursar a universidade) mas, mesmo assim, foi um grande compositor -- inclusive, várias das suas composições viraram standards eternos do jazz. Já Paul Desmond era um cara tímido e quieto, mas era rodeado de lindas mulheres da mídia americana; sem contar que quando ele tocava seu sax alto a galera pirava com seu som limpo, lírico, sentimental e cristalino -- seu som e seus improvisos era tão impactantes que até Charlie Parker chegou a admitir ser seu fan antes de falecer. Então é isso aí: como a internet dispõe de vários sites que contém ótimas biografias de Dave Brubeck e sua banda, acho que as pinceladas acima já são o suficiente para ilustrar nosso áudio. Boa audição!

Sobre a letargia dos músicos reacionários, sobre as pessoas manipuladas e reclusas em gaiolas digitais, sobre o triste cenário musical brasileiro...

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 27 Apr 2012 11:41:00 -0300

Amigos, aqui vai mais uma crítica amigável, um lamento e, ao mesmo tempo, um desejo em relação à nossa música brasileira -- tanto quanto à MPB como quanto à Música Instrumental Brasileira. Nos anos de 2009 e 2010, graças ao pioneirismo deste blog e do companheirismo de amigos músicos, jornalistas, produtores e apreciadores de música, pude me maravilhar com o jazz contemporâneo, tendo contato bem de perto com músicos fantásticos desta estirpe. Nestes anos, a exemplo de como já vinha acontecendo no festival mineiro Tudo é Jazz, em Ouro Preto, muitos paulistas e paulistanos realmente puderam conhecer o que era jazz contemporâneo propriamente dito: à época, o produtor Toy Lima acabara de lançar por aqui o excelente Bridgestone Music Festival, onde eu pude entrevistar músicos como o contrabaixista Dave Holland, o clarinetista e compositor Don Byron, o trompetista Christian Scott, o pianista Jason Moran, o contrabaixista Christian McBride, entre outros expoentes do jazz contemporâneo. Além dos músicos citados -- e apesar de ter perdido apresentações de muitos outros, como as dos figurões Ahmad Jamal e Ornette Coleman --, também consegui ver de perto o pianista Brad Mehldau (no SESC) e o fantástico saxofonista Ken Vandermark (no Centro Cultural São Paulo), multiinstrumentista de sopros e improvisador relacionado à linha jazzística chamada modern creative e à livre improvisação. Toda essa experiência de assistir esses fantásticos músicos americanos de perto me fez ainda mais crítico em relação ao cenário da música instrumental brasileira: a noção de que realmente há uma proporção de uma dezena de músicos brasileiros ousados contra uns duzentos músicos americanos que são tão ou mais ousados que estes nos ficou totalmente constatada. Quer dizer, também ando acompanhando de bem perto a cena jazzística/instrumental de Sampa desde 2009, quando comecei a investigar algumas apresentações de músicos locais. Desde então, sempre fico admirado com a qualidade do som apresentado por alguns músicos virtuoses e/ou renovadores do instrumental brasileiro, como o guitarrista Michel Leme, o pianista André Mehmari, o bandolinista Hamilton de Holanda (que não é de SP, mas sempre está por aqui) e, principalmente, os músicos relacionados ao Conservatório de Tatuí, tais como o pianista André Marques e seus companheiros do Trio Curupira e da Vintena Brasileira -- aliás, lembro-me que o exercício de ouvir e assistir esses músicos me levou a crer que nosso Brasil tem, sim!, uma música instrumental que pode ser colocada no mesmo patamar de criatividade do jazz contemporâneo e da livre improvisação praticados atualmente por americanos e europeus; e o melhor: cada um desses músicos citados tem seu estilo e sua linha de, digamos, procedimento criativo na hora do "fazer música", o que revela que também dispomos de uma diversidade musical que transcende a nossa já multi-diversificada raiz cultural. Mas, infelizmente -- e afora os músicos citados acima --, ainda são bem poucos os músicos brasileiros que ousam sair das amarras da tradição e do folclore tão bem apregoadas nas faculdades, nos conservatórios e nas escolas de música, muitas das quais desprovidas do ensino da música moderna e pós-moderna -- aliás, se a classificação "música moderna" já não é bem compreendida nos meios onde se faz e se ensina música instrumental no Brasil, a classificação "música pós-moderna", então, chega a ser tratada como um rótulo mutante, ou para artistas charlatães e inferiores. A maioria dos atuais músicos brasileiros -- e estou falando de grandes instrumentistas mesmo, alguns dos quais já bem repercutidos na nossa raquítica "mídia especializada" -- não querem se arriscar por novos caminhos, não querem sair daquela "zona de conforto" de ganhar algum dinheiro dando aulas, palestras e workshops para ficarem, no máximo, se debruçando sobre o mainstream requentado, tocando estilos convencionais já relidos e outrora massificados, como a bossa, o choro e o samba -- e o ruim é que o fazem da forma como aprenderam e acostumaram a fazê-lo desde sempre; e o pior é que não se sentem envergonhados de se apresentarem como músicos especializados em música ambiente para bares e espaços onde as pessoas estão mais interessadas em fofocas do que em música. Isto é, não que devamos renegar nossa própria tradição musical -- o choro, o samba, o frevo, a bossa nova e etc -- em favor de alguma ruptura barata e pseudo-inovadora, mas acho que já não é mais novidade pra ninguém que a música brasileira, como um todo, chegou a um ponto onde a padronização (o "tocar sempre a mesma coisa e do mesmo modo"), a letargia (preguiça e medo em se arriscar por caminhos diferentes) e a banalidade e a vulgaridade ("fanqui carioca", "ai se eu te pego" e bundararê afins) estão tomando o espaço da qualidade e da criatividade e, portanto, precisa-se de cantores, músicos e compositores que, pelo menos, ousem em trabalhar com novas misturas e colagens, ousem trazer novos ares, ousem em usar, inovar e transverter os elementos da tradição e do folclore de uma forma mais original, pessoal e contemporânea, como bem fizeram, por exemplo, o cantor Milton Nascimento, compositor Moacir Santos, o multiinstrumentista Hermeto Pascoal e os cancionistas da Tropicália em suas épocas. Quanto ao público, bem...não há outra forma de conseguir sua atenção e respeito senão tocando algo que lhes chamem a atenção, algo diferente -- e não algo que lhes faça "sala" para um bate papo sobre o que rolou nas novelas da Globo, na Revista Veja ou na Caras. Muitos artistas -- principalmente os músicos -- criticam ferozmente o "sistema", a mídia manipuladora e conservadora, mas, no receio de que sua arte seja rejeitada pelas pessoas comuns -- sim, as mesmas pessoas que são manipuladas por esta mídia --, eles se rebaixam ao pastiche, ao padrão, ao comum; ou, vai saber: talvez eles se rebaixam mesmo é pelo anseio hipócrita de serem visibilizados por esta mídia, a mesma -- frisando! -- que eles acham conservadora e manipuladora. Querem um exemplo de padronização com letargia? Aqui vai dois: contem quantas cantoras de MPB já copiaram ou copiam constantemente o pop internacional ou, quando muito, a voz, o estilo e até os trejeitos da legendária cantora baiana Marisa Monte; contem quantos músicos e jazzistas brasileiros -- a maioria dispostos de excelente técnica, diga-se de passagem! -- ficam enclausurados a vida toda como intérpretes de jazz standard ou ficam reproduzindo o já manjado samba-jazz, estilo do qual devemos lembrar, a propósito, que é advindo da década de 60 ainda. Mas nós, pessoas que compõe o público, também temos nossa parcela de culpa. Estamos num tempo onde a maioria das pessoas não se interessa por discussões sobre nossos problemas culturais e políticos, revoluções, inovações na arte e etc..., pois elas geralmente estão reclusas ou ocupadas em discutir sobre reality shows (Big Brother e similares), criar memes idiotas no Facebook, bisbilhotar a vida dos outros nas redes sociais e invejar a fortuna e o moicano do Neymar.

Improvising with Numbers - Collage in Music: de Zappa a Zorn, seis álbuns que exemplifica o uso da colagem na música!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 25 Apr 2012 09:31:00 -0300

Uma das tretas mais intrigantes -- e às vezes até inútil -- que um pesquisador musical possa ter é tentar rotular ou categorizar determinados músicos, criadores, artistas e compositores pós-modernos: isso porque uma das características do pós-modernismo é o ecletismo, a ausência de uma dicotomia entre tradição e vanguarda e de um conflito entre popular e erudito. Frank Zappa (1940–1993), Alfred Schnittke (1934—1998) e John Zorn, dentre outros, são, cada um ao seu modo e cada um com suas características estéticas, alguns dos maiores nomes da música pós-moderna -- e se eles podem ser considerados vanguardistas e radicais, eles também podem ser considerados, de certa forma, tradicionalistas, pois já aplicaram misturas diversas entre estilos de musicas mais radicais e estilos de músicas mais tradicionais. Neste post apresento-vos cinco registros pioneiros para um dos procedimentos pós-modernistas: a colagem musical. Muitos dizem que este procedimento criativo foi precedido pelo compositor americano Charles Ives (1874-1954): considerado o primeiro grande compositor americano, ele foi um revolucionário que precedeu várias descobertas reveladas pelos grandes compositores europeus da música moderna: em suas composições, além de beirar ao atonal e ao cacofônico, ele fazia uso de recortes de trechos de hinos tradicionais, canções populares, de temáticas indígenas e de aspectos do jazz e do blues. Décadas depois, após as tantas novidades e um suposto esgotamento das várias possibilidades os quais a música moderna já havia revelado, a técnica da colagem passaria a ser explorada como uma nova possibilidade composicional: Frank Zappa com Lumpy Gravy, Luciano Berio com sua "Sinfonia" e Alfred Schnittke com sua Sinfonia No.1 e seu Concerto Grosso No.1 são exemplos pós-modernos e pioneiros do uso da colagem com recortes diretos e indiretos, ou seja, recortes esses que poderia aparecer através de citações indiretas a determinadas obras e períodos históricos ou de trechos retirados diretamente de peças compostas por outros compositores. Schnittke, aliás, foi além: ele usou, sim, recortes diretos em peças suas, mas seu trunfo foi unir procedimentos que vinham desde a música renascentista, o barroco, o clássico e o romântico até chegar na música moderna, criando uma linguagem composicional que ele chamou de "poliestilismo". Em "Sinfonia" (1969), obra revolucionária que une a voz (falada e em coral) com uma orquestração cacofônica, Luciano Bério (1925-2003) usou recortes de trechos literários de James Joyce e Samuel Beckett e de peças de Debussy, Ravel, Stravinsky, Schoenberg, Webern, Brahms e até contemporâneos como Hindemith, Boulez e Stockausen, com maior destaque para as citações da Sinfonia nº 2 de Mahler. Em Lumpy Gravy -- álbum gravado um pouco antes que a "Sinfonia de Bério", lembre-se --, Zappa levou a colagem ao extremo da criatividade, precedendo algo que John Zorn faria quase 20 anos depois no álbum The Big Gundown, onde transverteu as composições de Ennio Morricone em arranjos nada convencionais. E como vocês verão, até o grande improvisador Eric Dolphy (1928–1964) já flertava com as possibilidades colagem: as faixas reunidas no álbum Others Aspects (1960-64) precede, quase como uma premonição, alguns aspectos entre voz e cacofonia vistos na "Sinfonia" de Bério. Contudo, é preciso lembrar que, apesar dos tais exemplos advindos desde a década de 60, a técnica da colagem ainda foi pouco explorada na música contemporânea e ainda pode ser vista como um procedimento criativo inesgotável. A esperança, então, é de que apareça muitos outros artistas que sejam capazes de trabalhar com este procedimento.

Eric Dolphy - Other Aspects (1960-1964)

Trata-se de um álbum póstumo do grande improvisador da fase post-bop e free do jazz e que faleceu em 1964, após lançar os revolucionários álbuns Free Jazz (como colaborador de Ornette Coleman, em 1960) e o Out To Lunch (Blue Note, 1964). Talvez o Others Aspects não seja um álbum de colagens propriamente ditas, mas trata-se de um álbum que mistura recortes de diversos elementos da música tradicional e do avant-garde, do jazz e do blues, da música oriental e da música erudita do século XX. As faixas deste álbum, gravadas entre 1960 a 1964, estavam reunidas em fitas e faziam parte da coleção pessoal de Eric Dolphy, ficando na obscuridade até 1985, quando Hale Smith, um amigo do músico, entregou as gravações para produtores da Capitol Records e Blue Note. Others aspects é diferente de qualquer outro álbum do catálogo de Dolphy, pois abrange vários outros aspectos que ele não mostrou na sua discografia de jazz. A peça "Jim Crow" (em protesto às Leis de Jim Crow, responsáveis por delimitar espaços reservados para brancos e negros nos EUA de 1987 a 1965) foi composta pouco antes do falecimento do músico e mostra uma mistura de canto lírico, blues e improvisações livres um pouco semelhante de como seria em "Sinfonia", composta por Luciano Berio anos depois. Já na faixa "Improvisations and Tukras", a flauta de Dolphy é acompanhada por instrumentos como a tabla e a tamboura, soando algo como uma raga indiana e mostrando suas conexões com a música oriental. Outra conexão interessante é a admiração que Dolphy tinha pelo revolucionário compositor erudito Edgar Varèse: as duas partes da peça "Inner Flight" remetem-se às peças que o compositor francês escreveu para flauta solo (em especial à peça "Density 2,5" que o jazzista chegou a estudar e a gravar). As outras faixas são de Eric Dolphy improvisando livremente ao sax solo com acompanhamento de Ron Carter, na época seu inseparável amigo. Enfim..., talvez não haja nenhum outro álbum da época com este amálgama e talvez Dolphy tenha sido o primeiro a fazer tais misturas... -- não dá para dizer, precisamente, quem foi o primeiro a fazer misturas desse tipo, visto que procedimentos criativos e inovadores, em geral, vão surgindo no andamento de processos que podem se desenrolar por anos a fio. Mas se o álbum "Out to Lunch" e suas participações em álbuns vanguardistas do jazz já fazem de Dolphy um artista revolucionário, Others Aspects, então, já coloca o músico como uma sumidade que estava à frente da sua época! Não era à toa, aliás, que Zappa passou a adorar Dolphy como uma das suas principais inspirações! Clique aqui para ouvir um podcast a respeito do mestre dos sopros!

Frank Zappa - Lumpy Gravy (1968)

Até que se prove o contrário Lumpy Gravy foi o primeiro registro a mostrar o uso da colagem de forma extensiva, algo que só John Zorn faria duas décadas mais tarde -- aliás, este é um álbum imprescindível para entender não apenas o uso da colagem na música, mas para compreender a origem da instigante identidade erudita que Zappa adotaria após sua fase rock'n'roll. Fanático por Igor Stravinsky, Edgar Varèse, Maurice Kagel e Eric Dolpy, Frank Zappa foi uma personalidade única na música do século XX: sendo um dos grandes nomes do rock'n'roll e um compositor autoditada de criatividade incalculável, ele influenciou uma legião de bandas e artistas que iam dos Beatles ao compositor Pierre Boulez, um dos nomes centrais da musica erudita moderna. Lançado em 1968, Lumpy Gravy é o primeiro disco solo de Zappa, que na época era guitarrista e líder da banda de rock The Mothers of Inventions. Na verdade, o conceito do disco começou a ser trabalhado em 1966, quando o produtor Nick Venet, da Capitol Records, deu à Zappa a oportunidade dele gravar um disco de música orquestrada, já que sua grande paixão era a música erudita. Produzido originalmente para a Capitol, a versão original de Lumpy Gravy pode ser considerado o registro mais raro de Zappa, já que ele encontrou resistências por parte da gravadora para lançar maiores tiragens, editando-o novamente no formato de cartucho para a MGM Records, que também se recusou a permitir que o disco fosse lançado com a versão original. O material é composto por peças que intercalam diálogos surreais gravados dentro de um piano e em efeitos radiofônicos com colagens transcendentais através de uma grande variedade de recortes. Sendo um álbum de essência orquestral, há influências e recortes com quase tudo o que se podia imaginar até à época: jazz, rock, músicas tradicionais, improvisações livres, efeitos eletroacústicos, música erudita moderna, blues, música africana e etc. Para a empreitada, Zappa conseguiu reunir uma grande variedades de músicos do jazz e do rock de Los Angeles, nomeando o conjunto de Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra: na ficha técnica da versão original constam, por exemplo, músicos como o guitarrista Eric Clapton (na época aclamado nos muros da Inglaterra com a expressão "Clapton is God" por causa dos seus inflamados e inspiradores solos de guitarra) e o baterista Shelly Many, um dos grandes músicos do "west coast", que inclusive já havia gravado com Ornette Coleman o legendário álbum "Tomorrow is the Question", um dos álbuns precursores do free jazz. Atualmente, pode ser encontrada a versão alternativa de Lumpy Gravy pela Rykodisc, selo responsável por relançar diversas outras raridades da discografia de Zappa.

John Zorn - The Big Gundown - John Zorn plays the music of Ennio Morricone (1985)

Quase vinte anos mais tarde de Zappa ter lançado Lumpy Gravy, John Zorn também lançaria um álbum onde o uso da colagem é semelhantemente extensivo: o fantástico The Big Gundown. Quer dizer, o uso da técnica da colagem em The Big Gundown de Zorn é semelhante ao uso da mesma em Lumpy Gravy de Zappa, mas, lógico, difere-se deste em personalidade musical e em contemporaneidade. Aqui, Zorn é menos sarcástico e menos "erudito" e "orquestral" que Zappa, apesar de não mais (a)diverso do que este no conjunto da obra. The Big Gundown faz alusão ao filme de mesmo nome dirigido por Sergio Sollima e estrelado por Lee Van Cleef, com trilha sonora do compositor italiano Ennio Morricone. A idéia central do álbum é a música de Ennio Morricone: usando temas e trechos das trilhas sonoras compostas pelo compositor, Zorn aplica a eles arranjos instrumentais nada convencionais com uma infinidade de recortes estilísticos que vão da klezmer music (música judaica), passa pelo free jazz, pelo grind e hardcore rock, em algum momento engloba guitarras ao estilo da "surf music", percussões brasileiras e afro-americanas, improvisações livres com vozes, toca-discos, instrumentos diversos até sonoridades e ruídos dos filmes, além de arranjos guturais e eletrônicos inclassificáveis. Trata-se de um álbum inclassificável de muitos fragmentos e, portanto, um álbum de colagem. Participam do álbum uma troupe de músicos do jazz, do rock experimental e da avant-garde do cenário da Downtown nova-iorquina tais como o guitarristas Fred Frith, Bill Frisell e Vernon Reid, o percussionista Bobby Previte, o tecladista Anthony Coleman, o saxofonista Tim Berne, o pianista Wayne Horvitz, o organista Big John Patton, o vocalista Mike Patton, o DJ Christian Marclay, o gaitista Toots Thielemans e até músicos brasileiros como o percussionista Cyro Baptista e o baterista Duduka Fonseca. Dedicado à tarefa de produzir, arranjar e reger o projeto, John Zorn não aparece aqui com seu sax gritante como o faz em outros álbuns: essa tarefa fica ao iconoclasta saxofonista Tim Berne. The Big Gundown é, enfim, um dos maiores álbuns dos anos 80 e um dos melhores registros da imensa discografia de Zorn -- aquele, aliás, que o tornou célebre!

Gustav Mahler/Uri Caine - Urlicht/Primal Light (1998)

O tecladista Uri Caine, também um dos parceiros de John Zorn no cenário da Downtown, é outro dos músicos criativos que já se atreveram ao uso da colagem musical. Em uma série de álbuns pelo selo Wynter & Wynter, ele recria peças de compositores clássicos de uma forma tão ousada e debochada que intriga até o mais sensato amante de música erudita. Nas mãos de Caine as Variações Golberg de Bach, as Variações Diabelli de Beethoven, as fugas de Schumman, as sonatas de Mozart, o Tristão e Isolda de Wagner e as sinfonias de Mahler são totalmente destruídas e desviadas dos propósitos das partituras originais. Em Urlicht/Primal Light, por exemplo: Caine começa com uma interpretação até identificável e lírica de Funeral March, um trecho da Sinfonia nº 5 de Gustav Mahler, mas, de forma sempre inesperada, vai acrescentando explosivas improvisações livres, efeitos eletrônicos e remixes não menos que transcendentais, transvertendo totalmente a linguagem clássica da peça. O disco segue com outros trechos de peças de Mahler, como o 3º Movimento da Sinfonia nº 1 ou o Adagietto da Sinfonia nº 5: sendo relidos com canto lírico, esses temas vão ganhando intrigantes e nervosas intervenções de bateria e piano, seguidas de passagens intrusas de klezmer music e outros estilos que podem ou não ser residentes do jazz: post-bop, ragtime, funk, noise, livre improvisação, música árabe e outras colagens que deixa o ouvinte apreensivo e na espectativa o tempo todo. Assim como as todas as outras "releituras" de peças clássicas lançadas por Uri Caine, o álbum Urlicht/Primal Light, lançado em 1998, chegou a ter, na época, um considerável sucesso de crítica, ainda que tenha causado estranhamento até mesmo em pessoas de ouvidos mais ousados. Não obstante, o gigante Gustav Mahler parece receber um "carinho" todo especial de Caine. Ao todo, são três os discos que abordam Mahler: Urlicht/Primal Light, Gustav Mahler In Toblach: I Went Out This Morning Over The Countryside e Gustav Mahler: Dark Flame. O "Uri Caine Ensemble" que compõe esses álbuns é formado por músicos como o trompetista Dave Douglas, o fenomenal clarinetista Don Byron, o violinista Mark Feldman, o trompetista Ralph Alessi, o baterista Joey Baron, o baixista Drew Gress, o altoísta Greg Osby, o baterista Ralph Peterson, dentre muitos outros grandes músicos evidenciados na década de 90.

Christian Marclay - More Encores (1988) & Live Improvisations (1994)

Um dos colaboradores de Zorn em The Big Gundown, o improvisador Christian Marclay não é um artista de formação musical propriamente dita: ele é um artista plástico e, em paralelo, um performer baseado na arte do "turntablism", ou seja, manipulações sonoras com toca-discos -- algo como um DJ de hip hop, mas baseado em improvisação livre. Aliás, já é desde o início da década de 70 -- em paralelo aos primórdios do hip hop, responsável por popularizar a arte de se fazer música com toca discos -- que Marclay vem realizando diversas experiencias e gravações usando uma infinidades de discos de vinis e montagens sonoras através de improvisações livres em tempo real. More Encores (1988) e Live Improvisations (1994) são dois dos registros mais brilhantes de Marclay. Em More Encores Marclay trabalha na manipulação de discos de uma variedades de músicos de vários estilos musicais como Chopin, Louis Armstrong, Serge Gainsbourg, Maria Callas, John Zorn, Fred Frith, Johann Strauss, Martin Denny, John Cage e etc. Em Live improvisations o DJ faz um duo com o percussionista/baterista e manipulador de eletrônicos alemão Günter Müller, onde eles também fazem o uso da colagem e desfiguram trechos de músicas pré-gravadas, criando pontes entre a colagem e a música produzida por laptop: há recortes relacionados a Bert Kamephert Singers & Orchestra, temas popularescos como a canção da "A Bela e a Fera" e sonoridades advindas das trilhas dos filmes de faroeste de John Wayne. Renomado performer e artistas plástico com influências do dadaísmo, pop art, movimento fluxus e John Cage, Christian Marclay, se não é um músico de conhecimentos catedráticos, é um dos grandes precursores dos DJ's e um dos notáveis improvisadores da música pós-moderna!

Podcast Perfil - A saga e o estilo do maestro Moacir Santos, um dos maiores mestres da música brasileira !!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 16 Apr 2012 14:46:00 -0300

Coisas (Forma), de 1965

The Maestro (Blue Note), de 1972

Saudade (Blue Note), de 1974

Carnival Of the Spirits (Blue Note), de 1975

Opus 3, nº 1 (Discovery), de 1978

Ouro Negro (Adventure Music), de 2001

Choros & Alegria (Biscoito Fino), de 2005

Olá queridos colegas e visitantes do Blog Farofa Moderna! Sejam bem vindos a mais um dos nossos programas da série "Perfil", uma série, à época, de números de podcast produzidos para o Portal MTV em 2009 e 2010 onde eu tentei esmiuçar a personalidade musical dos grandes mestres do jazz e da música instrumental brasileira. Neste programa o mestre abordado é ninguem menos que o maestro Moacir Santos, considerado pelos críticos como um dos principais arranjadores e compositores brasileiros, um verdadeiro renovador e inovador da harmonia e do arranjo da música instrumental brasileira -- na verdade, a influência do compositor perpassa o território da música instrumental, causando admiração, também, em músicos e cantores da MPB. Em todos os discos abordados no podcast (e relacionados acima), o que se ouve é um estética de música brasileira mesclada de grooves e nuances harmônicas que englobam tanto o american soulful como o brazilian rhythms, algo que só Moacir conseguiu imprimir: ou seja, nos ingredientes estavam elementos provenientes da bossa nova, do samba, do jazz, do funky, da soul music (ele empregava muito arranjos vocais no estilo de corais a capella), da música nordestina e africanidades da world music, todos esses elementos destilados em arranjos modernos, grooves geniais e em todo um conjunto de idéias próprias do mestre.

Zé Nogueira, Moacir Santos, Mario Adnet

Com a carreira musical iniciada ainda nos anos 50, Moacir Santos, pernambucano de origem, mudou-se para o Rio de Janeiro e trabalhou na Radio Nacional, onde atuou ao lado de nomes como Radamés Gnattali e Paulo Tapajós, além de se inteirar do meio artístico da cidade carioca, estabelecendo parcerias com cancionistas como Vinícius de Moraes e Mário Telles em diversas composições. Iniciando a carreira como saxofonista de bandas diversas -- de bandas militares à orquestras de rádio -- Moacir Santos também desenvolveu, em seus anos de rádio, grande fama como arranjador e maestro e professor de música. Foi mestre de grandes nomes da música instrumental e popular tais como Paulo Moura, Oscar Castro-Neves, Baden Powell, Maurício Einhorn, Sérgio Mendes, João Donato, Roberto Menescal, Dori Caymmi, Airto Moreira, Gilberto Gil, dentre outros. Além de tudo isso, Moacir Santos também foi muito requisitado para compor trilhas para cinema nos anos 60: compôs trilhas para os filmes "Love in the Pacific", "Seara Vermelha"(Rui Aversa), Ganga Zumba (Cacá Diegues), O Santo Médico (Sacha Gordine), e Os Fuzis (Ruy Guerra), entre outros. Aliás, foi através do filme "Love in the Pacific" (Zygmunt Sulistrowski, 1970) que ele ganhou uma viagem do governo brasileiro para representar sua trilha em Hollywood na época da estréia, o que possibilitou que ele escolhesse ficar morando nos EUA até os dias finais da sua vida.

No Brasil, em termos de registro, Moacir já havia lançado o álbum "Coisas" (Forma, 1965): através dos grooves e arranjos modernos, esse registro já mostra a preocupação do maestro em fugir dos esteriótipos da bossa nova e do samba jazz -- o disco acabou se tornando cult e o LP acabou se tornando material de desejo dos colecionadores. Já nos EUA, enquanto lutava pra sobreviver de música, Moacir foi descoberto por ninguém menos que o pianista Horace Silver, o que possibilitou que ele fosse preterido pela Blue Note em sua nova fase setentista -- época do soul jazz, jazz-funk e fusion --, fase mais eclética e comercial -- e Silver, uma das pratas da gravadora, foi não só seu protegé como também um grande amigo, fan e admirador. Pela Blue Note, Moacir Santos lançou os seguinte discos: The Maestro (1972), Saudade (1974) e Carnival of the Spirits (1975). Ainda Morando nos EUA, Moacir lançaria, em 1978, o disco "Opus 3, Nº 1" pelo selo Discovery. Todos esses discos gravados lá nos USA mostram, aí, uma estética de música brasileira casada com o funky e a soul músic, numa pegada que só Moacir conseguiu imprimir.

Nas décadas de 80 e 90, Moacir Santos sofreria um grande ostracismo: apesar do sucesso no Brasil, nos anos 60, e nos EUA, nos anos 70, o maestro foi praticamente esquecido pelo público e crítica, sendo lembrado apenas pelos grandes mestres que haviam sido seus alunos. Mas, graças ao seu legado registrado em álbuns inovadores e arranjos históricos, um conjunto de músicos e cantores, capitaneados pelo violonista Mário Adnet e pelo saxofonista Zé Nogueira, resolveram resgatar a importância do mestre. Em 2001, Adnet e Nogueira produziram o sexto álbum do maestro, Ouro Negro (com patrocínio do Governo e lançado lá fora pela Adventure Music), com o intuito de recolar o nome de Moacir nos holofotes e no imáginário do público brasileiro como um mestre de tanta importancia quanto tiveram Villa-Lobos e Tom Jobim: participaram do projeto grandes músicos e cantores como Milton Nascimento, Ed Motta, Djavan, João Donato, Gilberto Gil, dentre outros. Em 2005, ano anterior à sua morte, Moacir Santos lançaria o álbum Choros & Alegria, também produzidos por Adnet e Nogueira, tendo a participação especial do trompetista americano Wynton Marsalis. Em ambos os discos, Ouro Negro e Choros & Alegria, o intuito foi claro: transcrever os arranjos e composições históricas de Moacir afim de resgatar a importância e o lagado do mestre. Nos EUA, Moacir ainda teria grande ajuda do próprio Wynton Marsalis, seu grande fã, para que seu nome voltasse à tona: recentemente, Mario Adnet e Zé Nogueira produziram um show em tributo ao maestro no suntuoso Jazz at Lincoln Center, onde o trompetista é diretor artístico. Wynton Marsalis, encantado com a arte do mestre chegou a dizer: "A música de Moacir Santos, capta a alma e a essência das pessoas. Ele é uma espécie de Duke Ellington brasileiro". Ouça!

A 2ª edição do BMW Jazz Festival: o festival mudou de local, e melhorou nas escolhas....

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 10 Apr 2012 08:13:00 -0300

Darcy James Argue

Acabo de ver no blog do jornalista Carlos Calado as atrações da segunda edição do BMW Jazz Festival, que agora irá acontecer na Via Funchal ao invés de rolar nos palcos do Ibirapuera. Depois de me decepcionar com as escolhas conservadoras da primeira edição, fiquei surpreso com o cast list: os produtores do evento conseguiram sacar para essa segunda edição músicos importantíssimos do jazz contemporâneo tais como o trompetista Ambrose Akinmusire (a principal revelação de 2011 pela revista Downbeat), o pianista Jason Moran com o veterano saxofonista Charles Lloyd, o veterano pianista Chick Corea, o vibrafonista Stefon Harris e o trompetista Christian Scott com o quinteto Ninety Miles, o trombonista Trombone Shorty, o moderno bandleader e compositor Darcy James Argue, dentre outros. Afora os jazzistas, também estarão nos palcos do festival o acordeonista brasileiro Toninho Ferragutti e o veterano saxofonista "pai" do funk Maceo Parker, entre outros. Aos que acompanham a linhagem deste blog, indico como imperdíveis quatro shows: o do trompetista Ambrose Akinmusire, que no ano de 2011 lançou um ótimo álbum de roupagem free-bop pela Blue Note (já resenhado aqui -- pesquisem!); o do quinteto Ninety Miles, que traz uma mesclagem de jazz contemporâneo meio ao estilo do post-bop com música latina e caribenha; o show da excelente big band do Darcy James Argue, que através do álbum Infernal Machines (2009) trouxe à tona uma concepção de "ensemble" já bem contemporânea e distante do velho modelo das big bands; e, lógico, o quarteto do veterano saxofonista Charles Lloyd, uma refinada banda de post-bop que, além do lirismo e da sonoridade única do saxofonista, traz as essências do pianista Jason Moran e do baterista Eric Harland, dois dos principais "jovens" do alto escalão do jazz. Para saber mais sobre o festival, clique na foto acima e acesse as informações dispostas por Carlos Calado no blog Música de Alma Negra! Clique nas tags abaixo para acessar posts referentes. Mais adiante, dependendo da disponibilidade, falarei mais sobre o festival e seus musicos...

Estão todos convidados a curtir e a participar da arte do improviso, da arte do ruído -- negro, branco e colorido!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 1 Apr 2012 14:12:00 -0300

Improvisação Livre: novos sites, novos circuitos, novas gravações e o surgimento de um cenário de improvisadores!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Mar 2012 08:22:00 -0300

Como eu bem cheguei a revelar em um dos nossos recentes programas de podcast (vide a seção de RADIO & PODCAST no topo do blog), a arte da livre improvisação vem ganhando novos interessados no Brasil -- principalmente em São Paulo, Porto Alegre e Recife. Pois bem, está no ar o Improviso Livre um novo site especializado na arte da improvisação livre -- talvez um dos primeiros e únicos portais informativos do gênero. A iniciativa é dos improvisadores Diego Dias e Gustavo Muccillo Alves, músicos de Porto Alegre e membros da banda JamaisFomosModernos.

O Improviso Livre fala da cena de músicos sulistas, mas não só. Por intermédio de verdadeiros intercâmbios -- seja através de discussões no Facebook ou através de visitas a São Paulo -- Diego e Gustavo também tem incluído no site os acontecimentos do cenário paulista e paulistano: apresentações de novos improvisadores do Circuito de Improvisação Livre de São Paulo, lançamento de discos, shows e afins. O site também traz resenhas sobre os grandes álbuns que marcam a recente história da improvisação livre, abordando criadores como Evan Parker, Peter Broztmann, John Zorn e seus similares. Confira clicando na imagens ao lado, do legendário álbum Topography of the Lungs!!!

Também, está acontecendo um movimento bem interessante formado por músicos que atuam com a livre improvisação aqui em São Paulo. Trata-se do Circuito de Improvisação Livre, com site também no ar, o SP Impro. O circuito se dá através da produção e realização de performances de Improvisação Livre, viabilizando espaços de interação musical aos interessados nesta arte. O Projeto em andamento preza pelo desenvolvimento de um grupo de trabalho que atua no exercício e na divulgação da arte da Improvisação Livre, tendo, além de apresentações espalhadas por casas e clubes da cidade, encontros regulares no Tendal da Lapa (sala5 - todas as quintas feiras), na Rua Guaicurus, 1.100 - Lapa - São Paulo. Clique na imagem abaixo para acessar e ficar por dentro dos concertos!!!

Masada em São Paulo: A Cusparada ao estilo "Klezmer a La Zorn"!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 19 Mar 2012 13:04:00 -0300

Existem algumas coisas negativas que acontecem em shows de jazz que não são exclusividade brasileira, mas aqui, num país onde as pessoas costumam ver Kenny G como um ícone do jazz -- e é por isso que colei aqui o álbum paródico Kenny G meets John Zorn, do poeta Kenneth Goldsmith e do compositor de música eletroacústica Jonathan Zorn --, essas coisas acontecem da forma mais fanfarrona e bizarra possível. Enfim..., esses shows de jazz e livre improvisação estão cheios de pessoas medíocres e esnobes que só vão para exibir seu status e sua aparência nerd, cool, geek, hype e indie, mas que nem sabe os nomes dos músicos que vão ouvir, quando mais o que é jazz ou o que é improvisação livre, ou seja, estão naquele ambiente mais como um exercício de se manterem "descolados" e não como um amante da arte. Quer dizer..., nada contra as pessoas exibirem sua aparência cada um ao seu gosto, mas isso não faz delas humanos especiais, concordam? E também faço uma ressalva para aquelas pessoas que vão ao show justamente para entrar em contato com algo que ela não conhece -- isso já é uma busca ousada. O problema é que existem os medíocres. O problema é que, além de existirem os medíocres tímidos, também existem os medíocres espalhafatosos, a grande maioria dentro desta espécie de gente. Quem já leu um pouco das biografias de músicos de jazz já sabe quais os tratamentos que alguns músicos davam a determinados tipos de público. Miles Davis tocava virado de costas para o público branco racista e preconceituoso. Keith Jarrett é capaz de abandonar um concerto no ato se ele cismar que o piano não está legal ou que o público não está se comportando de forma educada. Agora, pergunto: e John Zorn, talvez o mais "subversivo" dos últimos grandes criadores musicais, o que é capaz de fazer se tiver algum descontentamento com o público? Bem...sigamos e veremos à frente:

John Zorn

Como eu dizia dos medíocres, um dos exercícios mais proveitosos -- apesar de nem tão aparentemente interessante -- que qualquer pessoa pode fazer de forma corriqueira, é observar os medíocres e tentar ser diferente deles. O medíocre é aquele tipo de idiota esnobe ainda mais idiota que o idiota natural -- aliás, convenhamos, cada um de nós necessita de um tanto de idiotice para se ter um contraste com a seriedade: e quando conseguimos ser idiotas com graça e elegância, então isso até pode chegar a ter alguns "quês" do nonsense, do humor, da ironia e do sarcasmo, algo que o medíocre não consegue. Falo isso porque neste Sabádo, dia 17 de Março de 2012, depois de passar a tarde tocando improvisação livre com alguns amigos, estive no show do grande compositor, experimentalista e saxofonista John Zorn no Cine Jóia (na Praça Carlos Gomes, na Liberdade) e presenciei alguns exemplos daquelas idiotices que fazem um medíocre.

John Zorn...bem...é um dos últimos grandes vanguardistas e criadores da arte da música que dispensam maiores apresentações -- vide os tantos álbuns, resenhas e biografias que existem na internet relacionados a ele --, mas para quem ainda nunca nem ouviu falar é o seguinte: advindo do free jazz (Ornette Coleman, Anthony Braxton e etc) e influenciado pela música erudita de vanguarda (Varése, Cage, Kagel e etc), Zorn se tornou um dos maiores ícones da música pós-moderna ao lançar projetos (tributos, trilhas sonoras e álbuns temáticos) com colagens e misturas que começaram a englobar uma enorme gama de elementos estilísticos da música tradicional e moderna, tais como a música judaica (klezmer music), o jazz tradicional, o free jazz, o noisecore (uma corrente underground mais comum na Europa e no Japão), a livre improvisação, a música eletrônica, o hardcore e o grindcore (estilos de "rock pesado", um atrelado ao punk e o outro ao rock experimental e gutural), a música erudita moderna, a música country, a surf music e etc. Neste show -- sua segunda visita ao Brasil, encabeçada pelo Centro da Cultura Judaica -- Zorn veio apresentar apenas uma das inúmeras facetas que compõe sua universal personalidade: trata-se do Masada em sua formação acústica, um quarteto (com sax alto, trompete, contrabaixo e bateria) que mescla elementos jazzísticos (bebop, free jazz e etc) com klezmer (música judaica). Zorn, segundo a comunidade judaica, seria um artista experimental que não apenas expandiu os limites da música, mas revalorizou, dentro dessa expansão, a música e a liturgia judaicas.

Pois bem, aconteceu que, logo de início, já era visível alguma irritação em Zorn -- talvez por motivos relacionados às sua exigências para com a casa e a produção do evento, o que não vem ao caso neste post e é comum quando se trata de músicos estrangeiros que vêm tocar no Brasil. Quando John Zorn (sax alto), Dave Douglas (trompete), Joey Baron (bateria) e Greg Cohen (contrabaixo) subiram no palco do Cine Jóia, o público ainda amargava num burburinho geral: uns falando de artes e música, outros se gabando por estar numa típica balada meio "out" para pseudo-intelectuais endinheirados, outros falando do amigo que não pôde ir e outros, talvez, comentando, ansiosos, como ia ser o show, se o músico ia tocar aquele tema de um determinado álbum e por aí vai... Aconteceu que o público não ficou e silêncio de imediato, como deveria. Aconteceu que, além do fato do público demorar para perceber que aquele era um tipo de música pra se ouvir em silêncio, alguns idiotas começaram manifestar de forma ainda mais enojante sua falta de preparo. Entre um tema e outro e nas pausas entre um improviso e outro haviam alguns idiotas gritando coisas como: íiirrrah, iahhuuuul, aaaai, uuuii e até um "vaaai, Curintia!", uma expressão popular relacionada ao nosso Glorioso Timão, o Corinthians. Talvez Zorn, que não conhece o quão "folião" pode ser um brasileiro que gosta de "fanqui carioca" e carnaval e assiste a Rede Globo, não percebesse que tratava-se de manifestações de estranhamento e deboches de alguns aloprados à sua música, mas nós que estávamos curtindo a arte ali apresentada -- e éramos, felizmente, a maioria -- tínhamos certeza disso. Em contrapartida, dizíamos coisas como: "Caralho, que cara sem noção!"..."Acho que ele pensa que está num show do Restart, Mister Catra ou da Ivete Sangalo"..."Não é possivel!". Mas não parou por aí: a mediocridade desses idiotinhas brasileiros não ficam só na falta de educação auditiva. De repente, John Zorn, ainda mais irritado, começou a repreender um cara que estava na primeira fileira do público tentando filmá-lo ou fotografá-lo -- e todos sabem que é um direito do artista exigir não ser fotografado, por questões legais mesmo. Repreendeu uma vez. Repreendeu a segunda vez. Na terceira vez, John Zorn lhe atirou uma cusparada e fez um gesto ríspido com a mão como quem queria dizer "Caia fora!", voltando, repentinamente, a soprar uns improvisos livres, guturais e triturantes dos mais viscerais que eu já presenciei! A cena do cuspe, talvez desagradável para o artista e constrangedora para algumas pessoas do público, foi fantástica!

Ao final do show, por duas vezes o público permaneceu maravilhado e batendo palmas, pedindo bis: e, apesar de visivelmente irritado com aquela meia duzia de aloprados, Zorn nos atendeu as duas vezes e mostrou sua gratidão para os que estavam ali para apreciar sua música. No caminho de volta do show -- e aí quero lembrar que eu e alguns amigos descíamos a pé para o Bar B (na Rua General Jardim, na República), onde iríamos ver a apresentação do excelente Otis Trio --, fomos comentando não apenas o quão gratificante tinha sido pagar R$ 100 reais pelo show, mas também fomos nos indagando sobre o que deveria ter irritado tanto o músico: uns desconfiava que era por causa dos gritinhos dos aloprados, outros disseram que era porque o idiota que começou a tirar fotos toda hora posicionava o infravermelho da câmera no rosto do artista...enfim..., ou pode ter sido tudo isso junto... No final da noite, fui convidado por um casal de amigos para pousar em sua casa: lá, mexi e remexi em sua coleção de discos de vinis e saquei logo Brahms e Rachmaninov para ouvirmos -- já que estávamos voltando da onda free improvisation, nada mais agradável do que ouvirmos algo erudito antes de dormir. Ao voltar pra casa e meditar em toda essa viagem -- ou essas viagens --, cheguei a conclusão que é isso mesmo: algumas pessoas precisam apenas de arte e boa música para nutrir a alma -- que seja Brahms ou Braxton, que seja livre improvisação ou uma canção de MPB --; enquanto outras, aquelas medíocres, precisam mesmo é de uma cusparada ao estilo "Klezmer a La Zorn" para acordar para arte. Enfim, apesar da visível irritação do artista, foi positivo ver que o público que foi ao show de Zorn com o Masada foi bem diversificado de "tribos": de roqueiros que admiram a faceta mais pesada (grindcore e hardcore) do mestre à senhores e madames desavisados que acharam que iam curtir algum tipo de jazz ambiente ou algum tipo de música judaica tradicional com músicos barbudos de chapéu e kipá; de jovens estudantes descolados bem ao estilos indie, nerd e hype a músicos, jornalistas, produtores e artistas. Para quem não foi ao show, ouça algumas das facetas de John Zorn através do nosso canal de Rádio, na seção RADIO & PODCAST disposta no topo do blog.

First Listen - O compositor polônes Krzysztof Penderecki com o guitarrista inglês Jonny Greenwood, da banda Radiohead!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 7 Mar 2012 09:55:00 -0300

Dando umas olhadas nas novidades do Portal da National Radio Public (NPR, a radio pública americana), encontrei, na seção "first listen", um interessante e recentíssimo projeto colaborativo entre duas grandes -- e, afinal, díspares -- legendas da música contemporânea: trata-se do álbum que o importantíssimo compositor erudito polônes Krzysztof Penderecki acaba de lançar em parceria com o guitarrista inglês Jonny Greenwood, que é o cérebro por detrás da banda Radiohead e um grande fã da música erudita moderna e contemporânea!!! Em 2011, Greenwood já havia participado de um concerto com Penderecki no festival polonês Sacrum Profanum. Agora, em 2012, a excelente gravadora Nonesuch acaba de disponibilizar o fruto dessa parceria, que pode ser apreciado gratuitamente na íntegra na seção "first listen" da página "classical" da NPR. O disco contém duas releituras das já célebres peças de Penderecki, que são Polymorphia e Threnody for the Victims of Hiroshima (essa composta em memória das vítimas da Bomba de Hiroshima), e duas inéditas de Greenwood, que são Popcorn Superhet Receiver (inspirada em Threnody) e 48 Responses to Polymorphia (respostas à Polymorphia original) -- e, fazendo um link com um projeto anterior, alguns elementos de Popcorn apareceram na trilha sonora que Greenwood compôs para o filme "There Will Be Blood". As peças são interpretadas pela orquestra de cordas Polish AUKSO Orchestra, sob regência do próprio Penderecki e do maestro Marek Mos. É muito interessante conferir o talento composicional de Greenwood. Interessante, também, é conferir como que Penderecki sabe fazer uma orquestra de cordas -- violinos, violas, cellos e contrabaixos -- soar extremamente atonal, ruidosa e rica de efeitos cacofônicos e timbrísticos. Aliás, esse post da NPR me deu uma excelente idéia: escrever um post aqui sobre as andanças desse grande colosso da música erudita chamado Krzysztof Penderecki. Um dos mais importantes nomes da música ainda vivo, Penderecki já lançou obras seminais para a música erudita do século XX, já escreveu célebres trilhas sonoras e também já lançou trabalhos em parceria com improvisadores e músicos de jazz (como o trompetista Don Cherry, por exemplo). Em breve escreverei sobre ás várias facetas do compositor polonês -- aguardem!!! Para se dirigir à pagina de onde se pode ouvir o novo álbum de Penderecki com Jonny Greenwood, clique sobre a imagem acima!!!

Além de Zorn..., um circuito de labaredas sonoras improvisadas com vários músicos paulistanos: em Sampa e em São Caetano do Sul!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 4 Mar 2012 00:18:00 -0300

Improvising with Numbers: cinco grandes álbuns de música erudita contemporânea gravados no início do século 21 (parte 2)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 3 Mar 2012 11:53:00 -0300

John Adams

A música nem sempre avançou nos mesmos moldes de complexidade e sofisticação que a artes plásticas, mas delimitar as características estéticas do que se ouve é sempre mais difícil do que delimitar as características estéticas do que se vê: observar os traços de uma tela de Picasso e entender que aquilo é cubismo porque trata-se da construção ou desconstrução das formas através da geometria é mais fácil -- até por ser algo visualmente perceptível -- do que compreender o porquê do álbum Out to Lunch, de Eric Dolphy, soar atonal, estranho e especialmente timbrístico e ruidoso -- isto é, quero dizer que a música necessita de uma maior capacidade de fruição sensorial por parte do apreciador. Essa dificuldade de esmiuçar e classificar a música fica ainda mais evidente quando o assunto é música erudita moderna ou contemporânea, onde a evolução heterogênea da arte musical advém -- e, por ora, se desapega -- de um exercício quase milenar: isto é, a liberdade de criação atualmente instaurada pressupõe que um mesmo compositor erudito contemporâneo possa usar um arsenal de técnicas e elementos compositivos que podem vir desde o barroco, passando pelo romântico, passando pelo modernismo do século 20, passando pela música minimalista, até englobar outras influências fora do universo erudito como o jazz, a música oriental, o rock, a pop music, o hip hop e etc, o que deixa esse tipo de música extremamente difícil de ser categorizada -- aliás, o negócio para quem não quer essa complicação é apenas ouvir; ouvir sem querer classificar ou rotular essa mistura de estilos e elementos. Para isso, existem os pesquisadores e críticos de música: para classificar, tentar explicar a música de uma forma metódica, didática, facilitada ao apreciador leigo que se interessa em conhecer os elementos da música, de forma que ele possa saborear melhor os ingredientes existentes nas várias estéticas musicais. No entanto, vivemos uma fase tão confusa em termos criativos que até para o crítico e pesquisador está difícil compreender quais movimentos e quais compositores são os divisores de águas da música erudita contemporânea. Talvez daqui a 30 anos venhamos começar a compreender quais caminhos essa música está tomando agora -- digo: nessas primeiras décadas do século 21. Por enquanto, o que sabemos é que estamos vivendo uma era chamada de pós-moderna -- que teria começado com a música minimalista nos anos 70, após o esgotamento dos experimentalismos levados a cabo pelos modernistas do século XX: falo transformações como dodecafonismo, serialismo integral, eletroacústica, música espectral e etc -- onde músicos e compositores experimentam misturas as mais diversas sem se importar com classificações ou delimitações estéticas -- unem passado, presente e aspirações futuristas numa orgia orgânica de elementos em recortes: é o que já fizeram Luciano Berio, Philip Glass, John Adams, Frank Zappa, John Zorn, Magnus Lindberg, Wynton Marsalis, entre outros. Dito isso, sigo, aqui, com mais um post da série "Improvising with Numbers" fazendo uma amostragem de cinco álbuns de música erudita contemporânea gravados neste início de século -- lembrando que já há um post anterior dessa série onde eu postei uma primeira parte com cinco indicações de álbuns de música erudita composta neste início de século. A intenção com esses posts não é apenas mostrar um número temático de registros musicais, mas a principal intenção é mostrar que, assim como o jazz está evoluindo através de novos e inovadores registros, a música erudita também está evoluindo da mesma forma, ainda que a passos mais curtos e com um público mais elitista, em sua maioria -- aliás, a intenção mesmo é democratizar o acesso à informação sobre o que está acontecendo com essa música a qual tão poucas pessoas tem acesso: basta ver, por exemplo, que no Brasil praticamente não temos programas que dêem ênfase para a música contemporânea nos nossos teatros, conservatórios, universidades, canais de rádio e TV e etc. Mas como sabemos que a música erudita não parou em Schoenberg e Stravinsky, sigamos!

Dialogues/ Boston Concerto/ Cello Concerto/ ASKO Concerto - Elliott Carter (2008)

Eis aqui um álbum com algumas das últimas obras do compositor americano Elliott Carter (1908 -.....), todas escritas por ele neste início de século. Trata-se, aliás, de mais um álbum comemorativo aos cem anos do compositor, que atualmente está com 103 anos e vivo, compondo de forma ativa e lúcida, algo que é surpreendente, dada a energia que se precisa ter para criar música nos moldes que ele cria! Lançado pelo maestro inglês Oliver Knussen em 2008, quando Carter estava fazendo 100 anos de idade, este álbum contém quatro de algumas das suas últimas peças: Dialogues (peça para piano e orquestra de câmera concluída em 2003, aqui com o pianista Nicolas Hodges e a London Sinfonietta), Boston Concerto (peça orquestral concluída em 2002, aqui com a BBC Symphony Orchestra), Cello Concerto (peça concluída em 2001, aqui com o violoncelista Fred Sherry e a BBC Symphony Orchestra) e Asko Concerto (concerto para cinco músicos, aqui com um conjunto de câmera chamado Asko Ensemble). Sobre as características estéticas contidas neste material, basta apenas se ter em mente que, apesar de menos sinuoso, o estilo mais recente de Elliott Carter ainda é predominantemente idiossincrático, ainda traz ecos no modernismo do século 20 e ainda é baseado em suas próprias descobertas métricas e pontilhistas as quais ele passou a usá-las a partir dos anos 50: modulação métrica (frases sobre frases em andamentos e compassos e modulações rítmicas diferentes, algo que dá um efeito de frases entrando em conflito entre si ou fazendo ecos às outras), pontilhismo contrapontístico sofisticado e um atonalismo que ele sempre fez questão de dizer que lhe é próprio e não dodecafônico. Destaque para o brilhantismo da peça orquestral Boston Concerto. Ademais, a peça que foge à regra neste CD é a Diologues, que é constituída de diálogos interativos entre piano e orquestra.

Caribbean Rhapsody - Concerto for Saxophones and Orchestra - Roberto Sierra (2011)

Um álbum bem aos estilos da Third Stream (corrente musical que prega o jazz com arranjos musicais sinfônicos) e da música erudita contemporânea, mas com ecos em elementos tradicionais. Roberto Sierra, premiado compositor contemporâneo porto-riquenho, é o autor das peças. James Carter, aclamado instrumentista de jazz, é o executante principal. A orquestra é a Sinfonia Varsovia, aqui sob a condução do maestro Giancarlo Guerrero e o suporte de colaboradores como a violinista Regina Carter (prima de James) e o The Akua String Quintet. No CD, há quatro peças: Concerto for Saxophones (dividida em três movimentos), Tenor Interlude, Soprano Interlude e Caribbean Rhapsody, que dá título ao álbum. A escrita de Roberto Sierra é pós-moderna, mas trata-se aqui de um pós-modernismo mais apegado ao modern mainstream e ao uso de misturas com elementos tradicionais: a estética do material é um amálgama interessante de jazz e música erudita ao estilo neo-romântico com pitadas de lirismo e rítmos latinos-caribenhos. Destaque para a faixa Fast (with Swing), o terceiro movimento do Concerto for Saxophones, onde James Carter exibe sua maestria advinda do swing jazzístico. Destaque também para Caribbean Rhapsody, onde há interessantes conversações entre o saxofone de James Carter com o violino de Regina Carter.

Beautiful Mechanical - yMusic (2011)

A mini-orquestra-sexteto nova-iorquina yMusic é um conjunto de câmera constituído de jovens músicos que combinam a complexidade da música erudita com a energia e a elasticidade do rock e da pop music. O conjunto é composto por seis virtuoses (alguns deles formados na Juilliard School of Music) que, além de tocarem em grandes orquestras e outros conjuntos de câmara, também são colaboradores requisitados por artistas e bandas do rock e do avant-pop como Arcade Fire, Spoon, Vampire Weekend, Bon Iver, The National, Björk, David Byrne, Grizzly Bear, Antony and the Johnsons e Sufjan Stevens. E no final de 2011 eles lançaram um álbum muito interessante que apresenta esse amálgama compositivo de música erudita e linhas de pop e rock: trata-se do álbum Beautiful Mechanical. Trata-se de um álbum que reúne temas arranjados e peças de um conjunto de igualmente novos e jovens compositores tais como Ryan Lott (Son Lux), Greenstein Judd , Annie Clark (St. Vincent) , Gabriel Kahane , Sarah Snider , e Shara Worden (My Brightest Diamond). A idéia do yMusic é fazer música contemporânea de forma agradável e divertida: para tanto, além de apelarem para a corrente minimalista e para a "nova consonância", também usam e abusam de contrapontos e pulsações rítmicas inusitadas, bem como de linhas melódicas advindas da pop music. Ouça:

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Brad Mehldau/ Kevin Hays/ Patrick Zimmerli - Modern Music (2011)

O pianista de jazz Brad Mehldau não pára de lançar tentos incríveis -- e, portanto, com certeza já é um pianista consagrado para o hoje e para enquanto durar a "eternidade terrena"! Neste álbum, ele e seu amigo Kevin Hays, outro pianista, executa peças escritas por eles mesmos e peças e arranjos escritas pelo compositor Patrick Zimmerli, que é, afinal, o nome central do álbum. Mas, também, além das obras composicionais, há obras de compositores eruditos modernos e contemporâneos como Steve Reich, Richard Strauss, Philip Glass, Arvo Pärt, Henryk Gorecki e do jazzmaster Ornette Coleman, todas realizadas a dois pianos. Brad Mehldau, que já vinha deixando -- na linha improvisativa de Keith Jarrett -- sua marca no mundo da música contemporânea com uma pá de álbuns onde reinventa a arte do piano-trio (piano, bateria e contrabaixo) e do piano-solo, agora também ousa a se aventurar pela música erudita contemporânea. Patrick Zimmerli, por sua vez, é um compositor que atua tanto com modernosos músicos de jazz como compõe peças encomendadas por orquestras e conjuntos de câmeras. O resultado é uma viagem aventurosa entre a escrita erudita e a arte da improvisação, com direito a efeitos cristalinos, climas harmônicos de frescor contemporâneo e vôos pianísticos inusitados -- e lembrando: a dois pianos! O título, Modern Music, parece, à primeira vista, pretensioso, mas não o é após uma audição do material: trata-se de uma reunião do que há de mais moderno da música dos últimos tempos!

Doctor Atomic Symphony - John Adams (2009)

John Adams -- considerado um dos mais venerados compositores contemporâneos -- é um dos pioneiros do movimento minimalista iniciado entre o final dos anos 60 e início dos anos 70 -- aliás, ele sempre usou o minimalismo de uma forma mais especial do que seus contemporâneos, ao meu ver. Porém, nas suas últimas obras o compositor adotou mais severamente a estética da "nova consonância" como base da sua criatividade, decorando-as, ora ou outra, com cristalinos climas e espasmos minimalistas, mas sem aquele exacerbado volume de notas repetitivas: a peça Doctor Atomic Symphony é uma das obras que confirma essa sua nova áurea musical. Doctor Atomic, aliás, foi, inicialmente, uma ópera composta por Adams no início dos anos 2000 com base na temática da primeira bomba atômica, testada pela primeira vez em 1945 e usada pelos EUA para intervir na Segunda Guerra Mundial, contra o Japão: o libreto, aliás, usa a personagem do físico J. Robert Oppenheimer, considerado o "father of the atomic bomb", e as personagens políticas e militares relacionadas na época da descoberta e do teste da bomba. Compositor politizado, John Adams sempre trouxe, de uma forma muito imaginativa e meditativa, temas e acontecimentos polêmicos da história do mundo moderno para suas obras -- Nixon in China, por exemplo, também uma ópera e uma das suas obras mais famosas, é inspirada na importante visita que o ex-presidente dos EUA Richard Nixon fez à China em 1972. Neste álbum, Doctor Atomic Symphony, a gravadora Nonesuch apresenta a versão sinfônica da ópera citada: trata-se de uma adaptação orquestral que Adams fez em 2007, sendo estreada pela BBC Symphony Orchestra no mesmo ano. A música de Doctor Atomic Symphony, apresentada no álbum, é um misto de nuances tristes com espasmos aflitos: há, enfim, um clima musical de guerra e suspense mesmo, que vai se delineando entre fundos líricos e tristes protagonizados pelos instrumentos de cordas e partes mais imperativas reforçadas com instrumentos de metais. No álbum, a orquestra é a Saint Louis Symphony Orchestra conduzida pelo maestro David Robertson. Abaixo, há uma trecho com da Cabrillo Festival Orchestra conduzida pela célebre maestrina Marin Alsop.

Radio Farofa Moderna: As várias faces do saxofonista e compositor John Zorn... Ouça!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 25 Feb 2012 16:50:00 -0200

Vira -e-mexe estou falando de John Zorn por aqui (clique na tag "john zorn" no final do post). Mas como o mês que vem o vanguardista saxofonista e compositor americano vem ao Brasil para trazer suas canções judaicas com temperos de jazz e experimental music, tratei logo de criar uma playlist do gajo na nossa sessão de RADIO & PODCAST. Os comentários a seguir são do próprio Zorn e do jornalista e blogueiro Fabrício Vieira, que está postando algumas das doideras do mestre lá no blog Free Form, Free Jazz. Não deixe de conferir tudo isso!!!

“Musicians don’t think in terms of boxes. I know what jazz music is. I studied it. I love it. But when I sit down and make music, a lot of things come together. And sometimes it falls a little bit toward the classical side, sometimes it falls a little bit towards the jazz, sometimes it falls toward rock, sometimes it doesn’t fall anywhere, it’s just floating in limbo. But no matter which way it falls, it’s always a little bit of a freak. It doesn’t really belong anywhere. It’s something unique, it’s something different, it’s something out of my heart.” (John Zorn).

"...Aos 58 anos, o saxofonista norte-americano já deve contar com mais de 150 álbuns editados, em projetos tão variados que oscilam entre (ou misturam) sonoridades vindas do jazz (free, bop, improv), do rock (grindcore, RIO, punk), da cultura judaica (klezmer), eletroacústica, erudito, improvisação livre, trilha sonora etc. Tanto que se alguém provar apenas de uma ou outra de suas mais relevantes criações – Masada (que tem diferentes encarnações com resultados díspares), PainKiller, Cobra, Naked City, ‘Film Works’, ‘Game Pieces’, ‘Chamber Music’, discos solistas, parcerias com free improvisers vários–, terá somente uma impressão parcialíssima de sua obra, que teve seus primeiros registros em 1973..." OUÇA ZORN na nossa sessão de RADIO & PODCAST!!!

John Zorn e seu Projeto Masada pela primeira vez no Brasil: no Cinejóia, em SP!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 22 Feb 2012 14:42:00 -0200

clique na foto para acessar informações sobre John Zorn e o show com o Masada

O "progressive jazz" de Stan Kenton, o mago inovador das big bands!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 22 Feb 2012 06:56:00 -0200

Poucas coisas são tão agradáveis do que ouvir as trilhas metálicas de Stan Kenton depois de um certo tempo de desapego do tradicional swing jazz. Caso estivesse vivo, Stan Kenton teria completado 100 anos. Baseado neste centenário, o Jazz at Lincoln Center, de Wynton Marsalis, fará uma homenagem ao mago das orquestras de jazz que começou a incendiar as paradas já a partir dos anos 40. Por sua vez, o blog A Blog Supreme do Portal da NPR (National Public Radio, EUA) publicou um interessante post que recorda a carreira do bandleader e arranjador em cinco faixas de áudio de cinco respectivos discos da sua discografia -- quem lê em inglês com certeza desfrutará de boas informações e observações dispostas no post. Stan Kenton -- eu já falei um pouco dele aqui, onde vocês podem até baixar um álbum seu -- foi um dos mais inovadores chefes de orquestras da história do jazz, sendo, também, um dos pioneiros da estética "third stream": seus arranjos eram influenciados pela orquestração exuberante de Stravinsky e outros mestres da música erudita; sua orquestra, quase sempre explosiva, as vezes expressava uma delicadeza ímpar claramente advinda das idéias impressionistas de Debussy; em seus arranjos ele se mostrava um obcecado pelo brilhantismo dos metais, as vezes exagerando no número de trompetes ou nos efeitos com notas agudas impressos pelos mesmos...-- e por consequência desses e doutros elementos idiossincráticos, seu jazz, que ele chamava de "progressive jazz", foi muitas vezes taxado de não dispor de swing e de ser por demais pretensioso, o que era mais provocação do que verdade. Mas Kenton, que estava mais interessado em experimentar novos efeitos orquestrais do que produzir música de swing para dança, seguiu adiante até a década de 70 com sua concepção única. Abaixo o link para quem quiser ouvir as cinco faixas dispostas pela NPR.

Stan Kenton At 100: Artistry In Rhythm

Podcast - Perfil: o freebop rasante de Eric Dolphy, o pioneiro do avant-garde jazz que se inspirava em Charlie Parker e Edgar Varèse...

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 20 Feb 2012 22:10:00 -0200

Olá senhoras e senhores! Sejam bem vindos a mais um podcast da série Perfil, onde apresento o perfil de ninguém mais ninguém menos que Eric Dophy, mestre da flauta, clarineta e saxofone alto. Abaixo, estão relacionados os álbuns que usei para delinear a personalidade do músico que foi um grito no cenário vanguardista americano dos anos 60, o músico que popularizou o uso do clarinete-baixo (o chamado clarone), o músico que lançou o Out to Lunch, um dos álbuns mais intrincados e sofisticados da história do jazz...Caso tenham a capacidade de ouvir música moderna sem enjoar, apreciem este podcast e outros registros da obra de Dolphy, sem moderação!!!

Iron Man (1963)

The Illinois Concert (1963)

Out There (1960)

Eric Dolphy In Europe Vol. 1 (1961)

The Quest (with Mal Wadron, 1961)

Far Cry (with Booker Little, 1960)

Hot And Cool Latin (1959)

Other Aspects (1960)

Out to Lunch (1964)

Eric Dolphy & Kenny Dorham

Nenhum músico -- talvez nem mesmo John Coltrane -- conseguiu emplacar uma carreira tão meteórica em tão pouco tempo como Eric Dolphy o fez enquanto instrumentista. Apenas em quatro anos -- de 1960 à 1964 --, Dolphy lançou obras primas inimagináveis até então, além de conseguir ser colaborador e parceiro de uma trupe de músicos vanguardistas em uma grande variedade de álbuns inovadores da época: tocou em álbuns como Percussion Bitter Sweet (como sideman do baterista Max Roach), The Quest (em parceria com o pianista Mal Wadron), Far Cry (em parceria com o jovem trompetista Booker Little), The Blues and the Abstract Truth (como sideman do saxofonista Oliver Nelson), Point of Departure (como sideman do pianista Andrew Hill), Free Jazz - A Collective Improvisation (como sideman de Ornette Coleman), Charles Mingus Presents Charles Mingus (como sideman do contrabaixista Charles Mingus), Ezz-thetics (com George Russell), Africa Brass e Olé Coltrane (ambos como sideman do saxofonista John Coltrane), entre outros. E o motivo pelo qual Eric Dolphy foi tão requisitado pela maioria dos músicos inovadores da época foi seu domínio técnico mágico e ao mesmo tempo ácido enquanto músico especialista em sopros, bem como sua maneira assustadora de tocar bebop, além da sua personalidade dotada de idéias vanguardistas advinda da sua apreciação da música oriental e da música erudita moderna -- ou seja, todo aquele virtuosismo cheio de facetas lhe rendia uma infinidade de novas idéias que ele podia usar tanto enquanto compositor em seus próprios discos como, também, enquanto improvisador nos discos dos outros músicos: som encorpado, intervalos endoidecidos entre os registros grave e agudo, rangidos, gritos, efeitos parecido com o canto e o coaxar dos pássaros, frases velozes que demonstrava sua fluência no bebop, improvisos livres...essas eram algumas das idéias que ele usava de forma tão espontânea e criativa quando tocava sax, flauta ou clarone. Eric Dolphy, de fato, enxergava a jazz music como uma arte de tanta capacidade estética quanto as artes plásticas: isso está explícito não apenas na sua forma de improvisar, de construir ou desconstruir uma melodia, mas principalmente na sua forma de compor seus temas: basta prestar um pouco de atenção nas linhas melódicas, harmônicas e rítmicas dos temas dos seus álbuns para perceber que ele tinha uma concepção diferenciada de música que ia além daquela concepção do jazzista que queria compor apenas standards agradáveis -- sua música, mesmo quando ainda explorava estruturas convencionais, já beirava ao atonalismo.

Eric Dolphy & Andrew Hill

Eric Dolphy & Elvin Jones

Mas Dolphy não começou a carreira entre os modernistas do free jazz e do post-bop de de Nova Iorque. Dolphy começou a carreira em Los Angeles, participando do cenário do "west coast" onde a vênia máxima ainda era o cool jazz e o third stream (estética jazzística denominada pelo uso de arranjos provenientes da música erudita). Tanto que seu primeiro álbum como líder foi o Hot, Cool and Latin, um álbum essencialmente de beleza cool. Em 1959 após excursionar por vários lugares com a banda do baterista Chico Hamilton -- o cara que o descobriu --, Dolphy se estabeleceu em Nova Iorque, onde começou a chamar atenção de músicos como Charles Mingus e John Coltrane. A partir daí, então, sua vida de músico foi intensa: entre idas e vindas, nos EUA e na Europa, todos queriam tocar com Dolphy. Porém, ao lançar seus primeiros álbuns em Nova Iorque, a crítica começou a denominar sua música como sendo "out", estranha demais, e até "anti-jazz": os títulos e o conteúdo musical de álbuns como Outward Bound (1960), Out Front (1960) e Out There (1960) contribuíram, em parte, para que o termo "out" (algo como "fora do normal") cristalizasse a visão que a crítica e o público tinha em relação à sua música. No entanto, sua maestria como flautista, clarinetista e saxofonista ainda permitia que ele tivesse um público considerável de espectadores, o que lhe colocava na mesma altura de músicos já famosos como Sonny Rolins e John Coltrane, que desde meados dos anos 50 já eram conhecidos do público nova-iorquino: basta ver a quantidade de gravações ao vivo feitas por Eric naquela época para constatar seu envolvimento com um público que, se não era amplo, era no mínimo curioso. Além disso, Dolphy incitava a curiosidade do público e da crítica também pelo fato de caminhar em duas direções paralelas: ao mesmo tempo em que tentava resgatar, ao seu modo, a impetuosidade do bebop parkeriano em seus álbuns, ele também participava do novo movimento do free jazz, ao lado de músicos como Ornette Coleman e John Coltrane -- isso parecia paradoxal, uma vez que o free jazz estava se distanciando não apenas da linguagem bop, mas de qualquer tradição ou linguagem dantes estabelecida. O fato de Dolphy gostar tanto da linguagem bebop advém do seu fascínio por Charlie Parker, o mestre do jazz que criou a linguagem do jazz moderno e que falecera em 1955 -- e por tocar bebop de forma gritante, impetuosa e livre, algumas das suas abordagens parkerianas foram categorizadas dentro de um sub-estilo denominado "freebop". O fato de Dolphy também se identificar com a nova vanguarda do jazz advinha do seu fascínio pela música erudita moderna de compositores como Schoenberg e Edgar Varèse, algo que fica patente no álbum "Other Aspects", também gravado em 1960. Em 1964, após participar da primeira fase do free jazz e após lançar diversos álbuns onde mostra sua admiração pelo bebop de Charlie Parker, Eric Dolphy lança sua obra prima maior, a obra que sintetiza o bebop, o free jazz e a música erudita moderna todos numa mesma composição esteticamente pessoal: o álbum Out to Lunch, outro dos álbuns onde a expressão "out" surge como uma denominação da sua personalidade inovadora. Poucos meses depois, Dolphy, que sofria de diabetes, deixaria este mundo, deixando uma obra de arte tão única que continuaria influenciando e inspirando não apenas seus contemporâneos, mas diversos músicos do jazz e fora dele: ele inspirou e influenciou gente que ia de Charles Mingus a John Coltrane, de Anthony Braxton a Frank Zappa, o rockeiro e compositor que, em 1970, lhe dedicaria uma composição instrumental chamada "The Eric Dolphy Memorial Barbecue" no álbum Weasels Ripped My, da banda Mothers of Invention.

Eric Dolphy & Misha Mengelberg

No podcast, tento mostrar as facetas que constituíram a obra de Dolphy, que é breve em termos de tempo, mas rica em termos de elementos criativos. Quem estiver interessado em explorar a discografia de Dolphy deve prestar atenção ao fato de que nem todos seus discos estão com uma qualidade de áudio impecável: gravações ao vivo como Charles Mingus Sextet with "Eric Dolphy - Cornell 1964" e In Europe (1961), entre outras, necessitam de um bom aparelho de áudio para serem ouvidas com mais nitidez. No entanto, há muitas gravações não apenas excelentes em qualidade de áudio como excelente, também, em qualidade musical. No topo desse post eu relacionei todos os álbuns que eu usei para delinear o perfil do músico: dentre eles, por exemplo, quatro álbuns de excelente material que devem ser vistos como álbuns indispensáveis para a discoteca de qualquer interessado em conhecê-lo a fundo são o Hot, Cool and Latin (1959), Far Cry (álbum de 1960, gravado em parceria com o grande trompetista Booker Little), Others Aspects (1960) e Out to Lunch (1964) -- todos, cada um, mostra uma faceta diferente que constituía sua personalidade musical.

Outro ponto interessante de onde se pode partir para explorar a discografia de Dolphy são suas parcerias: além de ter tocado ao lado dos principais leaders inovadores da sua época, ele, por exemplo, convidou os principais trompetistas da sua época para tocar em suas gravações: há álbuns dele com Freddie Hubbard (Outward Bound, Out to Lunch), Woody Shaw (Iron Man) e Booker Little (Far Cry, At the Five Spot). Aliás, algo que não falei no podcast, mas queria salientar aqui é sua emblemática parceria com o jovem trompetista Booker Little (que faleceria precocemente aos 23 anos, em 1961), uma das melhores parcerias da história do jazz e a melhor, na minha opinião, dentro da discografia "eric-dolphyana": álbuns como Far Cry, "Out Front" e os dois volumes de "Eric Dolphy at the Five Spot" evidenciam uma sintonia magistral dos dois músicos -- não fosse esses registros, talvez Booker Little não fosse hoje considerado um dos grandes nomes do trompete na história do jazz. Por fim, devo salientar que, em termos de fruição auditiva, os álbuns Others Aspects e Out to Lunch são os de mais difíceis audição para quem não é habituado a apreciar a música moderna. Depois do Out to Lunch, Dolphy ainda deixaria mais uma gravação: trata-se do álbum Last Date, gravado com o baterista holandês Han Bennink e o pianista ucraniano Misha Mengelberd (na foto acima), músicos europeus que iriam desenvolver a arte da improvisação livre nas décadas seguintes. De resto, deixo que a trilha traçada neste podcast norteie vossas escolhas auditivas. Boa Viagem!