Como invitado especial del concierto estará el nuevo Peugeot 208: “Let Your Body Drive”. La combinación entre Bob Sinclar y Peugeot 208 es magnífica, ya que la música y la conducción permiten “dejar a tu cuerpo dirigir y cerrar la boca a tu cerebro”. LET YOUR BODY DRIVE sintetiza emocionalmente las 5 vertientes de la REGENERACIÓN 208, que suponen una ruptura con lo establecido hasta ahora en el segmento.

Las entradas se venderán a partir de 15 € y podrán adquirirse en Ticketea.com y Ticketmaster.es

El Peugeot 208 está llamado a marcar una nueva época en su categoría, un antes y un después, recuperando el espíritu de los 205 y 206, así como la funcionalidad del 207 para conseguir que Peugeot vuelva a ser un icono entre los modelos de su clase.

Con un precio de entrada en gama que parte desde los 11.650 €, el nuevo Peugeot 208 se ubica en una posición inmejorable para comenzar su asalto al liderazgo de su segmento.

A la hora de enfrentarnos a una reseña muchos nos hemos planteado en numerosas ocasiones cuál es la forma más adecuada o el enfoque más afín a los objetivos que queremos conseguir. Un planteamiento que puede surgir cada vez que tenemos que redactar un texto o en un momento concreto en el que decidimos cómo queremos enfocar nuestro trabajo en lo sucesivo.

La mayor parte de los redactores que podemos leer en la prensa española han optado por un enfoque personal, incluyendo anécdotas, contextos y percepciones que se enmarcan dentro del ámbito de lo privado. Aquí podemos incluir esas crónicas en las que se nos narra cómo llega el redactor al concierto o cuáles son los motivos que le hicieron llegar tarde, en qué momento de su vida conocieron tal o cual disco y de qué forma les influyó e incluso el significado que muchas canciones han tenido para ellos en relación a su vida amorosa. En este grupo podemos incluir también aquellos redactores que, por tener una vinculación amistosa o de especial afinidad con ciertos músicos, nos plantean una visión sesgada de la obra, puesto que hacen partícipes a los lectores de esa relación contando los pormenores de la misma.

En estos casos nos encontramos muy a menudo con valoraciones en las que acaban prevaleciendo argumentos y motivos que no se ciñen al apartado estético de la obra. La implicación personal del redactor en su trabajo es apreciada por muchos lectores que prefieren un texto de estas características, pero sin duda este enfoque prescinde de una imparcialidad que se antoja necesaria en un oficio que en demasiadas ocasiones acaba siendo desprestigiado gracias a comportamientos poco honrosos y al descrédito de muchos redactores con un largo historial de grandes errores e, incluso, sonadas mentiras.

Propuestas

Construir el texto en base al esquema clásico de presentación, desarrollo y conclusiones es una de las opciones más interesantes a la hora de estructurar el texto. En primer lugar presentamos al autor y la obra a tratar, pero también es importante aportar el contexto adecuado así como adelantar algunas de las valoraciones e impresiones que se desarrollarán a continuación. El siguiente paso es el análisis, en el que atenderemos a los valores formales de la obra, además de la temática de las letras si resultan de interés o la estructura de las propias composiciones. Es un punto en el que prácticamente cabe de todo: el proceso de gestación y grabación, las impresiones personales de cada tema, etc. pero siempre desde la exposición clara de ideas y la argumentación de las mismas. No hablamos de convencer al lector para que comparta nuestro punto de vista, pero sí que el lector debe al menos ver que los argumentos que usamos para desarrollar nuestro análisis son válidos y dignos de consideración más allá de las valoraciones personales que en base a ellos hagamos.

Y, para finalizar, una valoración global del disco analizado en consonancia con todo lo expuesto anteriormente. Este es un punto de sentido común, pero no son pocos los casos en los que podemos leer textos en los que se analizan las canciones una por una en un tono positivo para terminar diciendo que el álbum tampoco es para tanto. Hay quienes además añaden una ficha técnica con datos puramente informativos y aquí muchos opinan que es una información que podemos encontrar en un par de clics, por lo que no es necesaria incluirla, y quienes la agradecen puesto que le ahorran precisamente esa búsqueda.

Debemos prestar atención a la redacción y la extensión de los textos debe ser equilibrada. No escribimos una noticia, pero tampoco un ensayo ni una tesis, porque la crítica no deja de ser un género periodístico y como tal hay ciertos valores que deben prevalecer, como la divulgación y la brevedad, pero nunca a costa de dañar la argumentación ni el análisis.

Modelos

Luisa Santamaría Suárez, en su libro El comentario periodístico. Los géneros persuasivos (1990, Madrid) propone varios tipos de enfoques a la hora de abordar una crítica:

• Modelo estético, en el que el redactor se centra totalmente en la experiencia que la obra suscita, sin preocuparse por el estudio analítico de su estructura o del contexto histórico.
• Modelo formalista, que encontramos sobre todo en la crítica de música clásica y ópera y está mucho más centrado en los aspectos formales de la obra.
• Modelo culturalista, que se centra en la relación de la obra con los condicionamientos históricos y el medio en el que la desarrolló su autor.
• Modelo sociológico, que es un análisis muy comprometido del momento político y social en el que se desenvuelve la obra en cuestión. Aquí, la valoración estética aparece como un concepto que depende de varios aspectos circunstanciales.

Nuestro objetivo debe ser realizar un trabajo que englobe lo mejor de cada uno de estos modelos: un crítico que sea capaz de analizar la obra atendiendo a los aspectos formales (modelo formalista), la analice en su contexto (modelo sociológico y culturalista) y, por supuesto, aporte su propia valoración (modelo estético). Los criterios y argumentos en los que basamos nuestra valoración deben ir mucho más allá de nuestras meras preferencias personales y, por supuesto, hay que arriesgarse y comunicar nuestra valoración a los lectores. Y siempre, siempre cuestionar nuestro propio trabajo.

Los años 60 marcan la explosión del blues hecho por blancos y la recuperación de viejos bluesmen, que vuelven a tocar y a grabar después de años. Sin embargo, lo que en este momento se produce es un estallido a nivel popular, sobre todo gracias a la fama de nuevas bandas que basaban su sonido en el blues, pero lo cierto es que casi desde sus inicios los blancos estuvieron interesados en el género. Desde los minstrels shows hasta Elvis Presley y las versiones que le hicieron famoso, pasando por muchos intérpretes blancos de los años 30 que incluían en su repertorio temas de blues.

Como ya comentamos en el artículo dedicado al blues y al jazz, a partir de la década de los 60 el blues deja de ser la música de la población afroamericana, cediéndole el trono al soul, y el género se refugia en pequeños festivales que consiguieron reavivar la llama de muchos músicos legendarios, sobre todo en Europa. El interés por el blues por parte los jóvenes europeos crecía al mismo ritmo que el desinterés por el mismo entre los jóvenes norteamericanos. El blues trajo a Europa, y especialmente a Gran Bretaña, un sentimiento de minoría y rebelión que muchos buscaban con ahínco y encontraron en unas letras que hablaban de alcohol, sexo y, sobre todo, desolación y soledad. Y uno de los responsables de ese creciente interés por el blues y las condiciones sociales y culturales en las que nació y se desarrolló fue el movimiento contracultural de finales de esta década, que se abría paso también en gran medida gracias a los músicos.

En 1962, mientras el soul escalaba posiciones a pasos agigantados entre los jóvenes americanos, los alemanes Horst Lippman y Fritz Rau montan el American Folk Blues Festival, que era una idea del publicista Joachim-Ernst Berendt, encargándole a Willie Dixon la selección de los artistas que iban a participar. La importancia de este festival no radica sólo en la recuperación de grandes bluesmen, sino también en las curiosas colaboraciones que se dieron, como T-Bone Walker tocando con Memphis Slim, o las grabaciones que hicieron, entre las que se encuentra la única conocida de Little Walter por ejemplo. Tal es el recibimiento en Europa de este encuentro que incluso Champion Jack Dupree o Memphis Slim se instalan en Europa ante la perspectiva de una mejor situación.

Blues made in Gran Bretaña

Al igual que en otras cuestiones, en esta también fue pionero Muddy Waters, que comenzó a girar por Gran Bretaña en 1958 acompañado de Little Walter, Otis Spam y Jimmy Rodgers. De la mano de Chris Barber, un músico de jazz que solía incluir algunos blues en su repertorio, Waters llevó la electricidad del blues a Gran Bretaña y ésta lo devolvió en forma de rock un poco después de la mano de los Rolling Stones, The Yardbirds o The Animals, aunque fueron bandas americanas como Canned Heat o The Paul Butterfield Band las que interiorizaron mejor el blues eléctrico. Big Bill Broonzy fue otro de los primeros en girar por Europa y Sonny Boy Williamson incluso pasa largas estancias en Gran Bretaña tocando con gente como Eric Clapton, mientras que John Lee Hooker llegó a grabar con los Groundhogs o Canned Heat, entre otros.

Muchos de los músicos que más tarde tendrían un papel muy relevante en el desarrollo del blues comenzaron en las bandas de John Mayall y Alexis Korner. Con éste último también se encontraba otra de las figuras responsables de la llegada del blues a Gran Bretaña: Cyril Davies. Ambos había tocado con Chris Barber y más tarde montaron en Londres un club dedicado al blues y formaron la Blues Incorporated, banda por la pasaron nombres como Charlie Watts, Keith Richards, Ginger Baker, Mick Taylor, Brian Jones, John McLaughlin y Eric Burdon, entre otros. Mientras tanto, John Mayall tenía entre sus Bluesbreakers a gente como Eric Clapton, Peter Green o Mick Taylor, entre otros. Prácticamente todos los músicos que formaron las grandes bandas de rock inglesas en los 60 estuvieron en uno u otro momento con alguno de estos músicos.

En Estados Unidos surgieron dos de los grandes del blues de todos los tiempos, Charlie Musselwhite, uno de los mejores armonicistas de la historia; y para acentuar aún más si cabe el nuevo color de piel que entraba en el género quien apareció a la guitarra fue un albino: Johnny Winter. Pero también hubo un afroamericano que revolucionó el género: Jimi Hendrix y, mientras tanto, en Irlanda aparecía la inconmensurable figura de Van Morrison, primero con Them y más tarde en solitario.

La deuda que muchas bandas nuevas tenían con el blues quedaba perfectamente clara en el mismo nombre que tenían, como por ejemplo The Moody Blues (por la canción de Slim Harpo), Canned Heat (por Canned Heat Blues de Tommy McClennan), The Groundhogs (por Ground Hog Blues de John Lee Hooker), The Rolling Stones (por I´m a Rolling Stone de Muddy Waters). Pero el caso más emotivo fue el que protagonizó Janis Joplin que, pocos meses antes de su muerte, pagó la tumba de Bessie Smith, apodada como la “emperatriz del blues“.

Con la llegada de la década de los 70 el blues ya había roto casi todos sus lazos como expresión de los negros americanos que tanto habían sufrido para convertirse en un género que trasciende fronteras y que abrió sus brazos para incluir a todo aquel que quisiera tocarlo. Y es que para que el blues gozara de la posición que tiene actualmente, con cientos de publicaciones, festivales y un reconocimiento oficial como herencia cultural, tuvieron que llegar las clases medias y los jóvenes blancos. Eso sí, todos ellos los más activos en una nueva forma de ver el mundo que en los 60 comenzaba a aflorar, porque seguían quedando mentes estrechas, como bien describía B.B. King, que en cierta ocasión le confesó a un amigo: “me compré un apartamento en Memphis, en una zona blanca, pero no puedo vivir allí porque si lo hago es probable que se vayan algunos vecinos”.

“Entre los discos que traía de EEUU un marinero del edificio en el que yo vivía, en Newcastle, había extrañas grabaciones de personajes como Robert Johnson. Un día comprendí que tendría que intentar cantar de esa forma”. Eric Burdon

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Enfrascarse en la búsqueda de las tradiciones musicales de regiones tan vastas como las que engloba este texto es siempre una tarea cuando menos complicada, tanto por la enorme riqueza cultural que hallamos como por la escasa bibliografía publicada al respecto. La historia de las zonas que nos ocupan está llena de periodos convulsos, imperios que se desmoronan mientras otros se expanden, movimientos culturales que van y vuelven de occidente… pero, sobre todo, y desde el siglo VII, el Islam como elemento aglutinador de múltiples culturas y poblaciones que hasta entonces habían sido nómadas e independientes. Además, y en lo estrictamente musical, tenemos que abrirnos paso entre la enorme cantidad de artistas surgidos en los últimos treinta años que reproducen muchos los cánones musicales occidentales, especialmente el pop, mezclándolos con sonoridades propias de sus regiones, como el armenio Andranik Madadian, y que apenas son relevantes en lo que a la tradición se refiere.

Israel

Gran parte del legado musical que Israel mantiene actualmente es herencia de la Palestina anterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque no es nada desdeñable la enorme aportación que los judíos que llegaron a estas tierras a partir de 1945. Con ellos viajó el klezmer, el mizrají, la música griega e, incluso, muchos sonidos de origen ruso. Y en los noventa se produce un nuevo cambio con la llegada de miles de músicos judíos procedentes de la extinta Unión Soviética. Con este panorama, el acercamiento a la música de Israel se complica, pero un nombre resaltará sobre la mayoría desde entonces: Noa. Aunque mezcla numerosas influencias que van desde el folk americano de los sesenta hasta el jazz, su música tiene siempre un fuerte componente de la tradición yemení. Por cierto, que Noa tiene la que muchos han llamado su homóloga palestina, Rim Banna, que tiene una trayectoria más que interesante.

Lo cierto es que, aun con una tradición fuertemente sostenida en lo político, Israel ha abrazado con fuerzas cualquier manifestación musical que procediera de los Estados Unidos desde la década de los sesenta. Y lo podemos observar perfectamente en la obra de artistas como Chava Alberstein, Shlomo Artzi, Etti Ankri, David D’O, Shiri Maimon y Harel Skaat o Ninet Tayeb. El proceso de aculturación a la que Estados Unidos ha sometido a gran parte del mundo en los últimos 70 años ha sido profundo…

Palestina

Desde los orígenes del conflicto entre Palestina e Israel, hace ya casi un siglo, la música de este pueblo ha estado muy condicionada por la política pero es a partir de 1948, cuando el territorio palestino queda bajo dominio israelí, cuando el mensaje se radicaliza. Por motivos obvios, la mayor parte de los cantos siempre han sido conocidos como una creación colectiva sin mencionarse en ningún momento el nombre de ningún autor en concreto. Un buen acercamiento a la música palestina podría comenzar por el disco Palestina: música de la Intifada, de 1989, y continuar con Le Trio Joubran, de quienes ya hemos hablado en alguna ocasión.

Líbano

El caso de los libaneses es complejo, porque hasta 1975 era un país próspero, bastante desarrollado y conocido por ser uno de los países más abiertos y tolerantes de la zona. Pero a partir de aquel año la guerra civil asola el territorio y acaba con gran parte de su riqueza cultural. El nombre más conocido es Fairouz, considerada como la digna heredera de la egipcia Oum Koulsoum y que tuvo el acierto de incluir en su música elementos foráneos como el tango o la rumba caribeña. Pero en el Líbano también encontramos gente como Abdel Halim Hafez o Farid El Atrache. La historia reciente de muchos músicos libaneses está ligada a Siria, el país vecino en que muchos ciudadanos se refugiaron de la devastación de la guerra y esto ha provocado un trasvase cultural que ha dado como resultado interesantes sonidos a cargo de sirios como Meada el-Hanawi, George Wasouf o los más recientes Kulna Sawa.

Irán

Como en otras regiones orientales, en Irán nos encontramos con una compleja situación política en los últimos decenios que no nos ha permitido un acercamiento en profundidad de su tradición musical. En Occidente apenas hemos vislumbrado sus sonidos, más que a través de las aportaciones de músicos exiliados, como Ali Resza o Kooch, y sobre todo en la obra de Hossein Alizadeh.

La Unión Soviética

Más allá de las marchas militares y los himnos que ocuparon un papel preponderante durante demasiado tiempo, el extenso territorio que ocupaba la Unión Soviética está plagado de regiones con su propia cultura e identidad. Países como Moldavia o Ucrania tiene una tradición musical más ligada a la rusa, mientras que en Letonia, Lituania y Estonia tiene muchas similitudes con las de otros países bálticos. En Asia central los países, con sus diferencias, sí tienen mucho en común entre ellos. Por ejemplo, la tradición musical de Kazajistán está íntimamente ligada a la Uzbekistán, Tayikistán y Kirguistán, aunque cada uno de ellos tiene manifestaciones populares propias más locales, como el falak tayika.

En la zona del Cáucaso nos vamos a centrar en Armenia por ser uno de los más interesantes, y es que una región como ésta, que ha sufrido uno de los mayores genocidios de la historia y cuya trayectoria en el pasado siglo ha estado trufada de regímenes totalitarios, bien podría haber perdido (como casi ha ocurrido en varias ocasiones) su enorme legado musical. Pero la dedicación y esfuerzo de unos cuantos músicos, entre los que podemos destacar Sayat Nova y Djivan Gasparyan, durante los últimos años ha conseguido poner en valor su tradición musical y llevarla a unas cotas altísimas de calidad. Djivan Gasparyan y su duduk, el intrumento nacional armenio por excelencia, es uno de los músicos armenios más conocidos, sobre todo por su participación en numerosas bandas sonoras y sus colaboraciones con gente como Loreena McKennitt, Ludovico Einaudi, Berrogüeto o Derek Sherinian.

Aunque nacido en Siria y afincado en Grecia, podemos englobar aquí por su ascendencia armenia a Haig Yazdjian, que está considerando como uno de los mejores intérpretes de oud de la actualidad y tiene en su haber algunos de los discos más interesantes de finales de los noventa, como Talar o Garin. Mariam Matossiam tampoco nació en Armenia, pero sí sus padres, y ella misma ha contado en varias ocasiones que una de sus mejores inspiraciones es su madre, “una fuente inagotable de viejas canciones armenias”.

Mongolia

Conocidos especialmente por el uso del canto difónico o khoomei, el panorama musical mongol contemporáneo aporta mucho más que esta peculiar técnica, con bandas como Altan Urag, que fusionan excepcionalmente su tradición con el rock progresivo, o Egschiglen, cuya aproximación a la tradición pasa por un leve filtro occidental, lo que hace que sus discos sean muchos más digeribles para cualquier oído que se inicie en estos sonidos. Desde una óptica más rural tenemos Namgar, que incluso meten algo de distorsión de vez en cuando, y más centrado en las voces nos quedamos con Talyn Duulal.

En la frontera con Mongolia se encuentra un país poco conocido, Tuva. Perteneció, como tantos otros pueblos que tenían su propia identidad y fueron absorbidos, a la antigua Unión Soviética, y actualmente es una república. De ella proceden Huun Huur Tu, una formación muy interesante que destaca sobre todo por el tratamiento que hacen de las voces mediante la técnica antes mencionada de origen mongol y con el que consiguen un peculiar sonido que podría asemejarse por momentos al de una flauta. Aunque incorporan elementos actuales en su música, la base es la tradición popular de la región.

Como en otras ocasiones, sirvan estas líneas como sucinta ojeada a las tradiciones musicales de estas regiones, puesto que ahondar en cada una de ellas sería una tarea titánica para la que no estamos preparados. Sin embargo, un recorrido somero sí puede servir a los más interesados para seguir investigando e indagando la enorme riqueza cultural y musical de estos territorios.

Selección de canciones de Asia y Oriente Próximo en Spotify

Asia y Oriente Próximo
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Menudo mes de mayo nos trae Gruta 77… Interesante de arriba a abajo, merece la pena prestarle especial atención a A Pony Named Olga (una berlinesa apisonadora de estilo Texaspunk & Polkabilly), Marky Ramone’s Blitzkrieg (el “último” Ramone rindiendo tributo al legado de su mítica banda, con Michale Graves (The Misfits) como cantante), The Selecter (el regreso de la mítica banda de ska del sello 2Tone, liderados por la gran voz de Pauline Black) y Los Coronas & Terry Lee Hale (los grupos elegidos como “Mejor concierto nacional e Internacional” en el Ranking 2011 de Gruta’77 en una sola noche), amén de la cita con The Toy Dolls el 9 de mayo en la sala La Riviera.

 

 

Jueves, 3 de mayo
Hogjaw + Electric Fence
21:30 h.
12 € / 15 €

Viernes, 4 de mayo
Dragsters (presentando “Wow wow wee wah!”) + Lau Black
23:00 h.
10 € / 12 € con CD

Sábado, 5 de mayo
Encrudo + Red Hot Chilli Tribu + DJ El Duende
23:00 h.
10 €

Jueves, 10 de mayo
A Pony Named Olga (Alemania) + 7 Muertes
21:30 h.
1 entrada 8 € // 2 entradas 10 €

Viernes, 11 de mayo
Final Concurso WOM
Auroch + Terror Law + Vomitoxic
23:00 h.
7 € con cerveza

Sábado, 12 de mayo
Crazy Rhythm Party:
The Dixie Boys (Portugal) + Los Licenciados + Massapequa Trio + DJs Buddy, Shelby & Wanted
22:30 h.
15 €

Lunes, 14 de mayo
Fiesta Rock Indiana con:
Desconocidos + Roger Sincero + Jai Fidelity
23:00 h.
Gratis

Martes, 15 de mayo
Juako Malavirgen + Rinkonete en tu Retrete
20:00 h.
5 €

Jueves, 17 de mayo
Los Alegres Niños Psicópatas + Las Señoritas Estrechas
21:30 h.
6 € / 8 €

Viernes, 18 de mayo
Gatos Locos (presentando disco) + Boo Devils (presentando disco)
23:00 h.
10 €

Sábado 19 de mayo
Ocean Fields + Lamprologus + Midnite Special
23:00 h.
6 € / 8 €

Jueves, 24 de mayo
Marky Ramone’s Blitzkrieg
21:30 h.
18 € / 20 €

Viernes, 25 de mayo
The Selecter (UK) + Sally Brown
23:00 h.
20 € / 23 €

Sábado, 26 de mayo
Con Mora
23:00 h.
5 €

Domingo, 27 de mayo
Juan Abarca
20:00 h.
6 €

Jueves, 31 de mayo
Los Mejores conciertos del Ranking 2011 de Gruta77
Los Coronas + Terry Lee Hale
21:30 h.
10 € / 13 €

CONCIERTOS EN OTRAS SALAS

Miércoles, 9 de mayo en sala La Riviera
TOY DOLLS + Nous
20:00 h.
20 € / 25 €

Si estás pensando en ir al Caribe y, sobre todo, en viajar la República Dominicana, seguro que te interesan estos vuelos a Punta Cana.

Fiel a su cita mensual, aquí os traemos la siempre interesante programación de la sala El Sol para el próximo mes de mayo, en la que destacan nombres como los de We Are Scientists, Chuck Prophet o los incombustibles Trogloditas.

 

 

Martes 1: FREEDONIA Workingclass Show
A.P.: 22:00 h.
Precio: 5 euros anticipada, 7 euros en taquilla

Miércoles 2: RACHEL ARIEFF presenta ANTI-KARAOKE
A.P.: 22:00 H.
Precio: 8 euros en taquilla

Jueves 3: WE ARE SCIENTISTS
A.P.: 22:30 h.
Precio: 20 euros anticipada, 25 euros en taquilla.

Viernes 4: FESTIMAD 2012 SHUARMA
A.P.: 22:30 H.
Precio: 12 euros anticipada, 15 euros en taquilla

Sábado 5: LYRES + THE SICK ROSE
A.P.: 22:00 h.
Precio: Por confirmar.

Lunes 7: CHUCK PROPHET
A.P.: 22:00 h.
Precio: 15 euros anticipada, 18 euros en taquilla.

Miércoles 9: PASAJERO
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros en taquilla

Jueves 10: GEORGINA
A.P.: 22:30 h.
Precio: Entrada con la compra del disco en FNAC Callao hasta completar aforo.

Viernes 11: HEINEKEN MUSIC SELECTOR presenta a ELEANOR FIREDBERGER
A.P.: 22:30 h.
Precio: 12 euros anticipada, 16 euros en taquilla.

Sábado 12: DEAD CAPO
A.P.: 22:30 h.
Precio: 8 euros anticipada, 10 euros en taquilla..

Viernes 18: GRANADIANS
A.P.: 22:30 h.
Precio: 10 euros anticipada, 12 euros en taquilla

Sábado 19: KE NO FALTE
A.P.: 23:00 h.
Precio: 12 euros anticipada, 15 euros en taquilla

Martes 22: BLUESKANK. Fiesta 31 aniversario de la muerte de Bob Marley. Noche Reggae + Pepe Colubi a los platos.
A.P.: 22:00 h.
Precio: 7 euros anticipada, 10 euros en taquilla

Miércoles 23: THE GRILLO
A.P..: 22:00 h.
Precio: 6 euros anticipada, 8 euros en taquilla.

Viernes 25: NIÑO MALALENGUA + WALDEN DOS
A.P.: 23:00 h.
Precio: 7 euros anticipada, 9 euros en taquilla

Sábado 26: SALA & THE STRANGE SOUNDS + ARTISTA INVITADO
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros anticipada, 12 euros en taquilla

Martes 29: EVIL EVIL GIRRRL & THE MAVADOS
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros en taquilla

Jueves 31: TROGLODITAS
A.P.: 22:30 h.
Precio: 10 euros anticipada, 13 euros en taquilla

Si estás pensando en ir a Sudamérica y, sobre todo, en viajar a Ecuador, seguro que te interesan estos vuelos a Guayaquil.

Curiosa combinación han elegido ahora estos tipos: la tradición musical del Mardi Gras orleano y la brasileña ligada al carnaval de Río de Janeiro, y todo regado con sus habituales toques funk. La fusión de ambos carnavales queda totalmente expuesta en la versión de Magalenha que popularizaron Sergio Mendes y Carlinhos Brown. El resultado es extraño y no tanto por la probada calidad musical de la banda sino más por la propia canción que, a pesar de su contagioso ritmo, no consigue llegar al nivel compositivo de gente como Joao Jobim, De Moraes, Toquinho y otros. El repertorio clásico brasileño es enorme y muy rico, así que Galactic no tienen excusa, porque podían haber hecho una elección mucho más elegante.

Después de un primer cuarto de hora desconcertante con Ha Di Ka, Hey Na Na y la mencionada versión de Magalenha, por fin encontramos algo del sonido que mejor se les da con Out In The Street, Carnival Time, Attack o Ash Wednesday Sunrise y, sobre todo, su adaptación de la canción tradicional criolla Voyage Ton Flag. Aunque se agradecen estas incursiones en ese funk orleano que tan bien se les da, todo este caótico mejunje acaba por atragantarse en muchos momentos. Y eso que incluso han conseguido buenos resultados en esta fusión con Guero Bounce, un tema de apenas un minuto con una armónica de blues sobre ritmos brasileños y cierto aire a las duras bases del rap orleano, Además, han contado con Big Chief Juan Pardo and the Golden Comanche y colaboraciones de músicos locales, como los raperos Mystikal o Manny Fresh, entre otros. Pero cuando hacia el final llegamos a O Coco Da Galinha, con la participación del cantante brasileño Moyseis Marques, aumenta ese poso agridulce que comenzó al inicio del disco.

Y esa es la sensación general que deja Carnivale Electricos, aún después de varias escuchas. Queda un regusto a experimento fallido que deja traslucir quizá una cierta pérdida en las directrices musicales de la banda, porque si los devaneos musicales por los rincones de Nueva Orleans que plasmaron en el estupendo Ruckus, From The Corner To The Block o Ya-Ka-May aún tenían interés, este nuevo trabajo no consigue atraer nuestra atención más allá de la necesaria.

Dr. John tiene muchas similitudes con músicos como Tom Waits o Alice Cooper, porque Dr. John es un personaje, la mejor encarnación quizá de la Nueva Orleans más apegada a sus tradiciones y tomando lo mejor del sonido de Professor Longhair o Fats Domino. Después de unos inicios a finales de los 60 y principios de los 70 intensos con grandes trabajos como Gris-Gris, Gumbo o In The Right Place la carrera de Malcolm John Rebennack ha transcurrido irregular durante muchos años. Pero en los últimos años nos ha dado un buen número de discos muy completos, como Anutha Zone, Mercenary o Tribal.

Producido por el últimamente omnipresente Dan Auerbach de The Black Keys, Locked Down sigue en esa senda ascendente e incluso pone el listón un poco más alto en su personal mezcla de blues, afrobeat, funk y booggie. Auerbach toca también la guitarra y rodea a Rebennack de una banda que cumple con creces: el batería Max Weissenfeldt, Leon Michels en los metales, un tipo que sabe sacar a la trompa un sonido excepcional, y el bajista Nick Movshon’s.

Con un comienzo apabullante, Locked Down trae ritmos auténticamente orleanos, lleno de ese funk y ese sabor festivo tan característico. Retomando al señor Waits, ahora para efectuar una comparación musical, Revolution y Big Shot tiene algo de los momentos más bulliciosos y burlescos de discos como Mule Variations o su más reciente Bad As Me. Y después de unos primeros minutos inmensos, el nivel no decae con Ice Age o Getaway, que tiene un magnífico trabajo de Auerbach a la guitarra. A estas alturas, en otros trabajos menos afortunados de Dr. John ya se hubiera convertido todo en una mera sucesión de clichés casi autoparódicos, pero aquí cada tema tiene entidad propia, aporta novedad sobre los demás y la segunda mitad del álbum sigue una línea ascendente con temas como You Lie, My Children, My Angels o la gospel God’s Sure Good.

Como Allen Toussaint, Solomon Burke o Booker T. Jones, que a la madurez han llegado a uno de los momentos más interesantes de sus carreras, Dr. John ha rejuvenecido, aunando en este disco lo mejor de su dilatada carrera. Y no sólo ha remozado y fortalecido su música, sino también sus planteamientos y convicciones: “Blind eyes of justice / Deaf ears of power, he harrumphs, Dumb moves of money / Left us in a desperate hour“.

Dr. John – Locked Down en Spotify

Encontrar e identificar pautas comunes en la música de lugares tan distantes como Noruega o Bulgaría sería una tarea casi titánica, porque la enorme diversidad y riqueza cultural europea consigue que hallemos, no sólo en cada país, sino en cada región una gran variedad de estilos musicales. Muchas de las músicas tradicionales europeas, además del componente pagano de cada región, se han formado también a partir de la influencia de la música culta y la religiosa, a lo que hemos de añadir la recreación colectiva del folklore a partir de la interpretación personal de cada músico. La homogeneidad aquí no es más que un esquivo fantasma y es esa diversidad el único hilo conductor de esta entrega, además del geográfico, lo que hace que este recorrido sea aún más interesante.

Europa del norte

Suecia es un país muy rico en su tradición musical, basada en los violines, y sus músicos siempre han tenido un notable interés por la fusión y la mezcla. Ya en los años sesenta músicos de jazz suecos grabaron con músicos africanos por ejemplo. Y en el folk también encontramos esa temprana fusión, en su caso con el rock, con bandas como Filarfolket, Groupa, Norrlater o Väsen. Aunque la formación que realmente ha conseguido aportar un planteamiento totalmente innovador ha sido Hedningarna. Una banda que comenzó como un proyecto eminentemente tradicional, apoyándose sobre todo en los cantos propios de la región de Karelia, una zona históricamente muy disputada y que actualmente pertenece una parte a Finlandia y otra Rusia, aunque también ha sido de Suecia anteriormente. Uno de los discos más interesantes que podemos encontrar para adentrarnos en la tradición sueca es Nu Blir Sommar, de Johanna Grüssner & Mika Pohjola, una colección estupenda de canciones populares en formato jazz.

La historia y cultura de Suecia y Noruega tiene muchos puntos en común y no sólo por la subordinación de la segunda a la primera durante casi todo el siglo XIX. Sin embargo, en lo musical sí que existen ciertos contrastes, sobre todo, en el plano cuantitativo. Parecen haber traspasado fronteras muchos más artistas suecos que noruegos, de donde destaca sobre todo Mari Boine, conocida por su peculiar mezcla de jazz y de la tradición musical del pueblo sami o lapón. Curiosamente uno de los ejemplos recientes más atractivos de la tradición noruega ha venido de la mano de dos guitarristas norteamericanos, Henry Kaiser y David Lindley, que en el álbum The Sweet Sunny North se dedicaron a recoger el panorama musical del país desde una óptica cercana a la etnomusicología.

En Finlandia, aún estando bajo la enorme sombra del gran compositor Sibelius, que usó frecuentemente el folklore de su país para sus composiciones, no es fácil encontrar grupos de música popular. Pero tenemos a Kankaan Pelimannit, cuyo trabajo Suvitunnelma recoge un buen número de piezas de Viljami Niittykoski, que fue un reputado musicólogo y folklorista de comienzos del siglo pasado.

Europa del este

Muchas de las regiones de Europa del este podrían estar en cualquier lista de las más disputadas de la historia y es que griegos, romanos, mongoles, turcos, soviéticos o rusos han luchado por hacerse con el control de estos territorios. Durante los años de dominio de la Unión Soviética las expresiones culturales autóctonas tuvieron un enorme y sorprendente crecimiento, gracias en parte al aislamiento de la zona del resto de mundo. Pero, a partir de 1991, la cultura occidental irrumpe en todos los territorios que habían formado parte del bloque soviético y con ella la fusión de géneros explota. Por ello, muchas de las bandas y los músicos que vamos a ver aquí mantienen hasta cierto punto su tradición musical, porque gran parte de ellos han acabado por mezclar su folklore con el pop, la electrónica o el jazz.

En las regiones del este la influencia bizantina fue enorme durante muchos siglos y esto también tiene su reflejo en la música, aunque la influencia de Turquía también es relevante, sobre todo en géneros como el manele, un estilo típico de las zonas rurales de países como Rumanía, Serbia, Bulgaria o Albania. La mezcla es curiosa, porque incluye sonidos romaníes, balcánicos y orientales y sus temáticas más habituales se asemejan mucho a las del blues en sus inicios, girando en torno a cuestiones como la bebida, el desamor y, sobre todo, los problemas y desdichas diarias de la población más humilde.

La popularización de la música de las bandas gitanas del este ha venido con las bandas sonoras de Goran Bregovic en las películas de Emir Kusturica y éste último además ha girado por gran parte del mundo con su banda The No Smoking Orchestra. Sus composiciones tienen mucho de las bandas actuales de gitanos rumanos, cuyo origen son los lautari, unos músicos del siglo XV que iban de aldea en aldea para trabajar amenizando todo tipo de reuniones y celebraciones. Pero más cercanos a la tradición rural están Gheorghe Zamfir, que es uno de los músicos rumanos más importantes, intérprete de una especie de flauta de pan rumana llamada nai românesc; la banda Taraf de Haïdouks, que gozó de gran éxito en los años 90; el violinista Ion Albesteanu y los rusos Loyko.

Bulgaria es uno de los países más interesantes, porque tiene una tradición muy personal a pesar de su inclusión dentro de los sonidos balcánicos. El folklore búlgaro es posiblemente uno de los más ricos de toda la región y la primera muestra de la que tuvimos constancia a nivel popular en Occidente fue el Misterio De Las Voces Búlgaras, interpretado por la sección femenina de la orquesta y coro de la radio televisión búlgara y que ya comentamos en el artículo sobre Músicas del Mediterráneo.

El folklore europeo es de una riqueza apabullante y, una vez más, tendremos que dejar en el tintero un gran número de músicos muy interesantes, como Zaklonisce Prepeva, Safet Isovic, Djordje Balasevic, Ivo Papasov, Tomaz Pengov, Ljoba Jence, los húngaros Illés, una de las formaciones que mejor ha mantenido el folklore propio de Croacia y Serbia: Vujicsics, o los polacos Kroke, que se basan en un repertorio tradicional, sobre todo klezmer al que añaden improvisaciones, pinceladas de otros géneros occidentales y unos excelentes arreglos.

Selección de temas del norte y el este de Europa en Spotify

Del Báltico a los Balcanes
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La generalización en el uso de internet durante los últimos diez años y la avalancha de aplicaciones que permiten la publicación de contenido de una forma gratuita y sencilla ha dado como resultado que, hoy en día, cualquiera pueda acceder a infinidad de blogs en los que se nos ofrece, no sólo información, sino también el enlace directo a la descarga de la obra. Tenemos opinión, información y el contenido en un mismo lugar. En este contexto no necesitamos por ejemplo que nadie nos diga qué novedades son más interesantes, porque podemos tenerlas todas en apenas unas horas en nuestro ordenador y decidir cuáles nos gustan más y cuáles ocuparán un espacio en nuestro reproductor quizá durante un mes o dos.

La información y los soportes de divulgación ya no están de forma exclusiva en manos de periodistas y como consecuencia no hay un gran interés por la prensa especializada en música. Y lo cierto es que parece lógico vistos los desmanes y las desafortunadas formas con las que muchos profesionales se han desenvuelto en el medio durante muchos años: crónicas de conciertos a las que no se ha asistido, descarados insultos a bandas, reseñas escritas desde el total desconocimiento, exceso de alcohol en ocasiones y tantas otras malas prácticas de las algunos medios se han hecho eco (como este o este) y que los lectores han presenciado. Son esos que confunden la pasión por la música con la pasión por el coleccionismo, los que escriben sobre artistas únicamente para decir barbaridades (los mismos a los que les gusta definirse como “enfant terrible”) y también la búsqueda incesante de titulares llamativos, los temas extravagantes y las historias curiosas que a menudo poco o nada ofrecen al lector.

En este panorama, la pregunta surge prácticamente sola: ¿y qué puede ofrecer la prensa especializada? Pues, además de lo que ya apuntamos hablando del papel del periodista musical en otro artículo, puede y debe aportar información de interés -bien estructura y redactada-, argumentos, análisis inteligentes y contenidos de peso que realmente merezcan la pena dedicar el tiempo a leerlos. El tiempo de la gente es importante y no debemos menospreciarlo con cuatro frases mal escritas y desafortunados tópicos. Es necesario darle al lector el espacio y el reconocimiento que merece y eso sólo puede hacerse tratándole como lo que es: una persona inteligente, con criterio, y probablemente con más conocimientos que cualquiera de los que nos sentamos al otro lado de la pantalla a contar nuestra visión de un álbum.

El debate en torno a esta cuestión se ha visto frecuentemente contaminado por una oscura visión de las nuevas tecnologías (como ya comentamos también en Prensa Musical e Internet), en la cual es internet y las posibilidades de publicación y distribución que ofrecen muchas plataformas las culpables de que los medios tradicionales hayan perdido parte de su poder e influjo en la sociedad. Sobre la incertidumbre y el miedo que a menudo se esconden detrás de estas actitudes se asientan dos posturas: la pasividad y la reacción agresiva ante los cambios.

Pero posiblemente no son las plataformas en sí quienes hayan perdido su visibilidad e influencia, sino más bien sus contenidos. Y es que la cultura, y más aún la música, han ido perdiendo textos de calidad que reflexionen e informen sobre ella. Debemos hablar de música y menos de anécdotas y crónica social. Debemos expulsar el tono arrogante de los textos, el aura de superioridad del crítico, las manidas metáforas y las desgraciadas comparaciones. Debemos hacer divulgación, y quizá sea esta la palabra clave de todo este asunto. Divulgación, dejando de lado el tono academicista que no corresponde a la prensa y centrarnos en lo que interesa: la música.

“El periodismo moderno justifica su propia existencia por el gran principio darwiniano de la supervivencia de lo más vulgar“. Oscar Wilde.

Los años 50 marcan el nacimiento del género musical que se convertiría en poco tiempo en la voz única de la población negra, sustituyendo en esa función al blues y al jazz de años anteriores. A grandes rasgos podemos definir el soul como lo hizo uno de sus creadores, Ray Charles, que decía haber mezclado simplemente el gospel con los patrones rítmicos del blues. Aunque desde luego hizo mucho más que eso, porque el soul también tenía algo en aquellos primeros años de las big bands de los años 30, de músicos como Louies Jordan y pinceladas de otros géneros americanos.

Los orígenes del soul están claramente en el rythm & blues de los 50. Una etiqueta que surgió como una forma más “suave” para definir todo lo que hasta ese momento estaba englobado bajo el término de “race music” o “race records”. El R&B era una mezcla absolutamente natural de gospel, blues y jazz que en muchas ocasiones apenas se diferenciaba del rock & roll inicial. Uno de los mejores exponentes de ese R&B fue Big Joe Turner y su canción Shake, Rattle & Roll es un buen ejemplo de la fina línea que separaba ambos estilos. Porque ambas etiquetas parecían concebidas sobre todo para diferenciar a los blancos de los negros en un mismo género musical…

A finales de los 50 ya aparecieron composiciones que dejaban casi completamente definido el nuevo estilo y todas ellas llegaron de las manos –y las gargantas- de Ray Charles, Sam Cooke y James Brown. Pero va a ser la década de los 60 la que realmente traiga el soul como un estilo nuevo y la segunda mitad la que acabe por imponerlo como fuerza motora imparable de la música popular, porque en esos primeros años en que el género nacía y se establecía rápidamente son también la historia del sonido de la clase trabajadora negra de aquella década.

Al panorama de lucha social y política que contamos en El Blues y el Jazz en los 60, dominado por la demanda de derechos civiles para la población negra, hay que sumar la Guerra de Vietnam, en la que los Estados Unidos entran en 1964 en apoyo de Vietnam del Sur y contra la República Democrática de Vietnam (Vietnam del Norte). Aquel sería uno de los episodios más sangrientos y crueles de la Guerra Fría, que provocó numerosas protestas y fue además la primera derrota militar que sufrían los estadounidenses en toda su historia. Edwin Starr puso voz al sentimiento de gran parte de la población americana con respecto a esta guerra en su tema War (What Is It Good For?). En este ambiente de agitación social figuras como Martin Luther King o Malcolm X estuvieron muy ligados a los grandes artistas negros del nuevo ritmo que se había hecho con toda la juventud afroamericana. Por ejemplo, Ray Charles y Luther King fueron grandes amigos y Malcolm X lo fue de Sam Cooke.

El soul llegó donde el blues no se había atrevido. Todo lo que en el blues eran connotaciones, alusiones o metáforas el soul lo convirtió en hechos y evidencias. Un cambio especialmente palpable en temas como el sexo, pero que también vino acompañado de mucho más optimismo, esperanza y lucha que en el blues. Aretha Franklin hablaba claro en su tema Think y también lo hicieron Curtis Mayfield en People Get Ready o Sam Cooke con la conocida A Change Is Gonna Come, pero la gente también comenzó a hacer suyas muchas canciones, transformándolas o adaptándolas a las circunstancias políticas del momento. Dancing In The Street de Martha and The Vandellas acabó convertida en las calles en Fighting in the streets y Respect de Otis Redding en una auténtica llamada que pedía “respeto” para los negros, a pesar de que esencialmente aquella era una canción de amor.

Stax y el sonido Memphis

La ciudad de Memphis está asociada habitualmente a Sun Records, pero en aquellos años 50 un joven Jim Stewart buscaba hacerse un hueco en la industria a pesar de la fama que ya tenía Sam Phillips. Con la ayuda de su tía Estela Axton fundaron un sello llamado Satellite, nombre que hubieron de cambiar al poco tiempo porque en California ya existía una discográfica con esta denominación. La solución fue sencilla: tomaron las dos primeras de sus apellidos. Desde sus inicios Stewart primó sobre otras cuestiones la composición, la interpretación y el propio proceso de la grabación, lo que daba gran relevancia al concepto de improvisación y, de alguna forma, lo emparentaba así con algunas corrientes de jazz de la época.

Uno de los primeros éxitos del sello fue la canción Cause I Love You, de Rufus y Carla Thomas, y un poco más tarde aparecía la indispensable figura de Booker T. Jones quien, junto con la banda The MG’s, sería uno de los responsables del característico sonido Stax. La primera gran estrella del sello aparecería casi al mismo tiempo y de una forma curiosa: Johnny Jenkins fue a grabar al estudio de Stax un tema para Atlantic y se ve que la cosa no duró mucho, porque al final de la sesión dedicaron un rato a probar al chófer de este, un tal Otis Redding. En 1965 empiezan a contar con las composiciones de David Porter e Isaac Hayes y este hecho marca el inicio de nueva etapa con los éxitos sucesivos de Sam & Dave, The Astors, Percy Sledge, Aretha Franklin o The Coasters, entre muchos otros.

Motown y el sonido Detroit

La figura de la Motown fue Berry Gordy Jr., un tipo que había dedicado gran parte de sus esfuerzos de juventud a la composición y, aunque no se le daba mal del todo, fue a finales de los 50 cuando comenzó a desarrollar su enorme capacidad para detectar el talento al ofrecer a grabar un disco a la banda The Miracles, donde estaba un tal William ‘Smokey’ Robinson. Un par de años más tarde, en 1959, y después de haber hecho alguna grabación más, decide que es el momento adecuado para tomar el control de su propio trabajo y funda el sello Tamla-Motown, que daría cabida a artistas como The Supremes, Martha & The Vandellas, The Temptations, Marvin Gaye, Four Tops o Stevie Wonder, entre muchos otros.

Gordy eligió un camino diferente al de Stewart en Stax: no tenía ningún interés en tener temas políticos y primaba por encima de todo el trabajo común, aunque eso sí, siempre supervisado por él mismo. Porque el gran jefe de la Motown decidía en todos los aspectos, desde la elección de los temas hasta sus intérpretes, pasando por las portadas de los discos y cualquier otro detalle por nimio que fuera. Y todo aquel esfuerzo tuvo su recompensa, porque en unos Estados Unidos que cada vez veían con más temor la influencia de la música en los jóvenes de alguna forma la corriente de soul que acabó por triunfar y casi asimilar su nombre al del éxito fue la de Berry Gordy. Curiosamente, casi cincuenta años más tarde el primer presidente negro de los Estados Unidos, al ganar las elecciones, eligió una frase de un tema de Sam Cooke que desde luego no tenía nada que ver con aquel soul de Gordy: “It’s been a long time coming, but tonight, change has come to America“.

“Say it loud: I’m black and I’m proud” (James Brown)

Selección de Soul de los 60 en Spotify

Tras el lanzamiento de su aclamado duodécimo álbum de estudio, Old Ideas, el legendario cantante, compositor y poeta Leonard Cohen regresa a los escenarios con una gira mundial que arrancará el 12 de agosto y que incluirá dos conciertos en nuestro país. El primero de ellos tendrá lugar el 3 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el segundo, el día 5 en el Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid.

 

 

Esta misma semana se pondrán a la venta las entradas para sus conciertos en España. Estarán disponibles a partir de las 10h del viernes 30 de marzo a través de www.doctormusic.com y www.ticketmaster.es, también en Fnac, Carrefour y demás puntos de la red Ticketmaster, y por teléfono en el 902 15 00 25. Todas las entradas serán de asiento reservado, también en pista. El precio de las localidades será de 45, 60, 70, 80 y 110 Euros para Barcelona y 50, 65, 75, 85 y 110 Euros para Madrid (gastos de distribución no incluidos).

Si no tienes mucho dinero pero te apetece hacer una escapada mira la siguiente lista de viajes a Mallorca.

La programación de Gruta’77 para el mes de abril viene cargadita de buenas vibraciones. Entre ellas, las recomendadas actuaciones de THE LEGENDARY SHACK SHAKERS (jueves 12), THE BOYS (viernes 20), DELTONOS (Jueves, 26) y BOB WAYNE (viernes, 27). ¡A no perdérselo!

Domingo, 1 de abril
Dixlesia presentando Luz Azul
20:30 h.
Gratis

Miércoles, 4 de abril
Specktra + Alter Evo
23:00 h.
6 €
Metal / Hard Rock

Jueves, 5 de abril
The Perros Band + Atlantic Desert
23:00 h.
6 €
Rock

Viernes, 6 de abril
Tremendo Combo + Muy Deficiente + Sistema de Monos
23:00 h.
6 €
Multi Punk

Sábado, 7 de abril
Show Beatles de Hamburgo por:
Ernie & the Macs
23:00 h.

Jueves, 12 de abril
Legendary Shack Shakers (EEUU) + The Shellac Family
21:30 h.
12 € / 15 €
Punk Blues Rock

Viernes, 13 de abril
Los Petersellers + Rinkonete en tu Retrete
23:00 h.
8 € / 10 €
Cachondeo Rock’n’Roll

Sábado, 14 de abril
Marcos Sendarrubias (presentando disco) + Fly Cat Trio
23:00 h.
10 € / 12 €
50’s R&R

Miércoles, 18 de abril
The Joker (UK) + Quatermoc
21:30 h.
8 € / 10 €
Clasic Rock / Glam

Jueves, 19 de abril
Minibars
21:30 h.
6 €
R’n’R

Viernes, 20 de abril
The Boys (UK) + Dusty Trip + Zero 5
23:00 h.
18 € / 20 €
Punk Rock

Sábado, 21 de abril
Troublemakers Blues Revue + Mammy Tuna
23:00 h.
12 €
Blues

Jueves, 26 de abril
Deltonos + Hotel Valmont
21:30 h.
12 € / 15 €
Rock’n’Roll

Viermes, 27 de abril
Bob Wayne (EEUU) + In Blauk
23:00 h.
12 € / 15 €
Outlaw country

Sábado, 28 de abril
Fiesta Magazine Club:
Mexican Moustage + Caballo Trípode + The Brackets + Los Espantos + Las Rodilleras + DJ’s Julian el Gigante & Nippel Selector
22:30 h.
5 € con CD de regalo
R’n’R / Garage / Punk

Lunes, 30 de abril
Frat Rock’n’Roll Party con:
Los Twangs! + Los Cavernas
23:00 h.
8 €

Si no tienes mucho dinero pero te apetece hacer una escapada mira la siguiente lista de viajes a Nueva York.

El jueves 22 es la noche rock:

18:00 Molikote
18:40 Sin Arreglo
19:20 Marhet
20:00 Perdición
20:40 Noiah
21:20 El Gitano, la cabra y la trompeta
22:00 José Andrëa y Uróboros

El viernes 23 es el turno del hip hop:

18:00 Kpf
18:40 Rapvívoros
19:20 Reas
20:00 Di Fambul
20:40 Sátira Sativa
21:20 Gordo Master
22:00 El Langui

Ambas jornadas los conciertos serán en la sala Orange , C/Serrano Jover 5

La apertura de puertas tendrá lugar a las 17:30

Entradas a la venta.

Otro mes más en el que nuestros amigos de la sala El Sol nos sorprenden con una fantástica cartelera… ¡toma buena nota!

Martes 3: OSAKA MONAURAIL
A.P.: 22:00 h.
Precio: 18 euros anticipada. 22 euros en taquilla

Miércoles 4: RACHEL ARIEFF presenta ANTI-KARAOKE
A.P.: 22:00 H.
Precio: 8 euros en taquilla

SEMANA SANTA. ABRIMOS EN SESIÓN DISCOTECA

Miércoles 11: JOAQUÍN PASCUAL
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros anticipada. 12 euros en taquilla.

Jueves 12: THE CABRIOLETS
A.P.: 22:30 H.
Precio: 10 euros anticipada 12 euros en taquilla

Viernes 13: FESTIMAD 2012 SHOWPAY
A.P.: 22:30 h.
Precio: 7 euros en taquilla.

Sábado 14: GATOS BIZCOS + BANDA
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros anticipada 13 euros en taquilla

Lunes 16: HEINEKEN MUSIC SELECTOR presenta en concierto a THE WAVE PICTURE
A.P.: 22:00 h.
Precio: 12 euros anticipada 16 euros en taquilla

Martes 17: ELS AMICS DELS ARTS
A.P.: 22:00 h.
Precio: 18 euros anticipada. 18 euros en taquilla.

Miércoles 18: OM + VALIS
A.P.: 23:00 h.
Precio: 10 euros anticipada 12 euros en taquilla.

Jueves 19: SINIESTRO TOTAL
A.P.: 22:30 h.
Precio: 22 euros anticipada. 28 euros en taquilla.

Viernes 20: MUJERES + THA JACUZZI BOYS
A.P.: 22:00 h.
Precio: 12 euros anticipada 15 euros en taquilla

Sábado 21: RADIO MOSKOW
A.P.: 22:30 h.
Precio: 15 euros 18 euros en taquilla

Lunes 23: THE STRANGE BOYS
A.P..: 22:00 h.
Precio: 15 euros anticipada 18 euros en taquilla.

Martes 24: EVIL EVIL GIRRRLS & THE MALVADOS
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros en taquilla

Jueves 26: FIESTA FIN DE GIRA “GPS 2012” CON VARIOS GRUPOS
A.P.: 22:30 h.
Precio: SÓLO ENTRADA CON INVITACIÓN HASTA COMPLETAR AFORO.

A PARTIR DE LAS 00:30 H. NOCHE “EL TELESCOPIO” con JORGE OBÓN y BLANCA DB en la cabina.

Viernes 27: THE LYRES + SICK ROSE
A.P.: 22:00 H.
Precio: Por confirmar.

Sábado 28: FESTIMAD 2012: KIM LENZ & THE JAGUARS + HELP ME DEVIL
A.P.: 22:00 h.
Precio: 15 euros anticipada. 18 euros en taquilla

Domingo 29: A PLACE TO BURY STRANGERS
A.P.: 21:30 h.
Precio: 12 euros anticipada. 15 euros en taquilla.

Lunes 30: FESTIMAD 2012: MUÑECA DE SAL & JAVIER CORCOBADO
A.P.: 22:00 h.
Precio: 8 euros anticipada. 10 euros en taquilla.