MADONNA organiza un fiestón y estáis todos invitados. LIVE NATION ENTERTAINMENT, como promotora internacional, ha anunciado que la GIRA MUNDIAL MADONNA 2012 comienza el 29 del 2012 en Tel Aviv, Israel. Los shows serán en pabellones, estadios y algunos recintos muy especiales situados al aire libre, como las llanuras de Abraham en Quebec; supone también su retorno a Sudamérica y Australia, donde no actúa desde hace 20 años. La gira visitará 26 ciudades europeas como Londres, Paris, Milán o Berlín así como Barcelona el 20 de junio 2012.Las entradas para esta ciudad española saldrán a la venta el jueves 16 de febrero 2012.

El anuncio de la GIRA MUNDIAL 2012 de MADONNA culmina una extraordinaria semana en la que vimos a la cantante actuar anoche en el descanso de la Superbowl, así como la salida a la venta de su nuevo single “Give Me All Your Luvin” de su esperadísimo nuevo disco MDNA (Live Nation Entertainment/Interscope Records) que saldrá a la venta el 26 de Marzo. MDNA ya es no.1 en iTunes en numerosos países como USA, UK, Alemania, Francia, España, Canadá, Italia, Suecia y Países Bajos. El video del single, en el que aparecen Nicki Minaj y MIA se vio por primera vez en American Idol también se lanzó y la película dirigida por Madonna “W.E.” ganadora de un Golden Globe se ha estrenado ya en Los Angeles y Nueva York, a las que seguirán otras ciudades durante este mes.

Esta una de las bandas que más han atraído la atención de crítica y público de los últimos años. Un cuarteto londinense que comenzó su carrera en las calles pero que con su primer disco, Knee-Deep in the North Sea, lograron dar el salto y situarse como una de las bandas más prometedoras del jazz vanguardista actual. Portico Quartet condensan un gran número de influencias: Terry Riley, Philip Glass, Brian Eno, Steve Reich, el jazz más clásico de Miles Davis y, sobre todo, el del sello ECM e, incluso, algunas sonoridades y ritmos africanos. Sin embargo, su música tiene algo que consigue hacerla llegar mucho más lejos y no encerrarse en los pequeños círculos del jazz o la música contemporánea.

Uno de los elementos distintivos de su sonido es el uso del hang o hang drum, un instrumento de percusión creado en el año 2000 por una empresa suiza. Fabricados en acero, la clave del peculiar sonido de este instrumento es la resonancia que los distintos golpes provocan en los círculos que lo rodean, siendo cada uno de ellos una nota. El hang fue concebido originalmente para ser tocado con las manos, pero Nick Mulvey lo hace con baquetas habitualmente, ya que usa el hang como sustituto de los tambores en su set de batería.

Después de la introducción ambiental de Window Seat, tenemos Ruins, el tema que ha sido acertadamente elegido como presentación de este álbum. Acertada elección porque Ruins comienza con un ritmo contagioso, asequible, y su melodía principal –y variaciones de la misma- es muy pegadiza. Un tema que recuerda a los magníficos comienzos de News From Verona y Paper Scissors Stone de sus trabajos anteriores. Spinner nos da uno de los pocos momentos más jazzísticos del disco, aunque la composición se va salpicando poco a poco de pequeños ruidos y efectos electrónicos. Se aprecia ahora una mayor presencia del componente electrónico que antes, muy palpable en temas como Rubidium, Lacker Boo o City Of Glass, pero también hay espacio para momentos más clásicos, como en la tenue Export For Hot Climaties, una de las piezas más bellas. En Steepless cuentan con la colaboración de la voz de Cornelia, una cantante sueca afincada en Londres que había llamado la atención de la banda. Tanto, que Steepless prácticamente fue compuesta sobre la marcha en el estudio.

Isla aún era bastante deudor del minimalismo de Steve Reich o Terry Riley y, aunque en este nuevo trabajo, esas influencias se mantienen, parece que el cuarteto inglés ha incorporado ahora influencias más actuales, como Four Tet, Eluvium e, incluso, los Efterklang del Stripper y el Parades. En torno a los ritmos electrónicos se articulan diversos efectos y se van desarrollando las oscuras melodías de Jack Wyllie y Milo Fitzpatrick en un grado mucho mayor, y no es que esta pequeña evolución no sea lógica en la trayectoria de la banda. Es que seguramente ahora encontrarán más adeptos a su música entre los aficionados al ambient y a la electrónica experimental que al jazz.

Portico Quartet – Portico Quartet en Spotify

Cargadita como pocas viene la agenda de la la madrileña sala El Sol para este segundo mes del año, con una lista de nombres que encabezan los míticos Fleshtones y en la no debes perder la pista al concierto que protagonizarán Nu Niles junto a Los Tiki Phantoms o a las fechas de La Frontera y Última Experiencia.

El listado completo de conciertos en la sala para este mes es el siguiente:

Miércoles 1: RACHEL ARIEFF presenta ANTI-KARAOKE
A.P.: 22:00 H.
Precio: 8 euros en taquilla

Jueves 2: CIRILO
A.P.: 22:30 h.
Precio: 5 euros anticipada en http://www.ticketea.com/cirilo-en-concierto-sala-el-sol-madrid. 5 euros en taquilla

Viernes 3: THE FLESHTONES
A.P.: 22:30 h.
Precio: 20 euros anticipada en Escridiscos. 23 euros en taquilla.

Sábado 4: ELASTIC BAND
A.P.: 22:30 h.
Precio: 8 euros anticipada http://blog.herzio.com/2011/12/%C2%BFconoces-a-elastic-band/. 10 euros en taquilla.

Jueves 9: LION SITTÉ presentación de su nuevo disco + amigos.
A.P.: 22:30 h.
Precio: 10 euros + Cd en taquilla.

Viernes 10: NU NILES + LOS TIKI PHANTOMS
A.P.: 22:00 h.
Precio: 12 euros anticipada en UNDERGROUND MADRID, DISCOS MELOCOTÓN y www.atrapalo.com 15 euros en taquilla.

Sábado 11: THE LAST 3 LINES + GRUPO INVITADO
A.P.: 22:00 h.
Precio: 9 euros anticipada en www.entradas.com. 12 euros en taquilla

Miércoles 15: LA FRONTERA
A.P.: 22:00 h.
Precio: 14 euros anticipada en www.ticketmaster.es. 18 euros en taquilla.

Jueves 16: ÚLTIMA EXPERIENCIA
A.P.: 22:30 h.
Precio: 8 euros anticipada en http://www.ticketea.com/entradas-ultima-experiencia-sol.
10 euros en taquilla.

Viernes 17: NO MORE BULLSHIT + SORPRESAS
A.P.: 22:30 h.
Precio: Entrada por invitación

Sábado 18: LA DÉBIL + ALBERETO KRAPOOLA
A.P.: 22:00 h.
Precio: 8 euros anticipada en http://www.ticketea.com/entradas-debil-sol-madrid. 10 euros en taquilla

Martes 21: EVIL EVIL GIRRRLS & THE MALVADOS
A.P.: 22:00 h.
Precio: 10 euros en taquilla

Jueves 23: DFÁBULA
A.P..: 22:30 h.
Precio: 8 euros

Viernes 24: JUANITA Y LOS FEOS + ORNAMENTO Y DELITO + DOLORES
A.P.: 22:00 h.
Precio: 8 euros anticipada en www.ticketea.com. 10 euros en taquilla.

Sábado 25: MADRID ES NEGRO con MADRID FUNK ALL STARS con músicos de bandas como THE SWEET VANDALS, SPEAK LOW, WATCH OUT, WONDERTRONICKS, THE GROOVIN’ FLAMINGOS, CELOFUNK, COSMOSOUL, PYRAMID SOUL, SR. ROJO
A.P.: 22:00 h.
Precio: 12 euros en taquilla.

Miércoles 29: HEINEKEN MUSIC SELECTOR presenta a DAWES
A.P.: 22:00 h.
Precio: 12 € + gastos ANT / 16 € TAQ. Puntos de venta: www.entradas.heineken.es y www.entradas.com

Esta misma mañana se ha celebrado la rueda de prensa oficial del Primavera Sound 2012 donde se han dado a conocer algunas novedades en la organización pero sobre todo una gran cantidad de nuevos artistas que se suman al ya de por si suculento cartel: Rufus Wainwright, Beirut, The Rapture, Yann Tiersen, Richard Hawley, Kings of Convenience, The Pop Group, The Chameleons, Wedding Present, Saint Etienne, Lee renaldo, Atlas Sound, Girls, Real State, White Denim, Fasenuova, Joe Crepúsculo, PESAGVS, Refused, La Estrella de David, Grupo de Exprtos Solynieve, John Tallabot live, Doble Pletina, Atleta, Unicornibot, Beach Beach, Bleached, Jeremy Jay, Friends, Black Lips, Japandroids, Dominant Legs, Wavves, Thee Oh Seas, Obits, Baxter Dury, Off!, Michael Gira, Dirty Beaches, Hanni el Khatib, Kleenex Girl Wonder, Field Music, Milagres, Peter Wolf Crier, Girl Names, Lower Dens, Veronica Falls, I Break Horses, Tall Firs, Other Lives, Siskiyou, Laura Marling, Sharon Van Etten, Erol Ankan, Aeroplane, Senior II el Cor Brutal, Animic, Bigott, Christina Rosenvingue, Nacho Vegas, Sr. Chinarro, Mujeres, Orthodox, Pional Live, The Right Ons, Pional live, Matias Aguayo, Rebolledo, The Field, Rusti,e Scuba, Benga live, Demdike Stare, Death Grips, Hype Williams, Danny Brown, Wolves in the Throne Room, Iceage, Liturgy, Milk Music, Trash Talk, Father John Misty, The War on Drugs, Sleepy Sun, Chavez, Bombino, Afrocubism, Nick Garrie y Big Star’s Third.

En temas de organización destaca la presencia de conciertos el miércoles y el domingo en Arc del Triomf con el objetivo de llegar a un público más amplio. Gracias a Dios los escenarios siguen siendo ocho, lo que ya de por si no es poco. Las entradas siguen a la venta y podéis obtenerlas y conocer más datos en la web oficial del festival.

Una vez superada la dichosa cuesta de enero, la carabanchelera sala Gruta 77 viene dispuesta a que te dejes los pocos euros que te queden adquiriendo tu entrada para citas tan ineludibles como la que tendremos el martes 7 con el regreso los psychobillys Koffin Kats, el jueves 9 con el monstruo del country Wayne Hancock y el sábado 25 con el repaso en formato acústico de todos los clásicos de Jaime Urrutia, sin olvidar la gran fiesta de carnaval que montarán sobre el escenario Los Petersellers el viernes 17.

Wayne Hancock

La programación completa del mes es la siguiente:

Jueves, 2 de febrero
Capitán Entresijos + Victims of a Down
21:30 h.
7€
Punk

Viernes, 3 de febrero
The Gambas + Alcohol Jazz
23:00 h.
10 €
Ska / Jaz Fusion

Sábado, 4 de febrero
Concierto homenaje a Salvita: Las Monjas + Los Rayos Banga + Johnny Comomolo + Todos Contentos + Calvitez
22:30 h.
Gratis

Martes, 7 de febrero
Koffin Kats (EEUU)
21:30 h.
10 €
Psychobilly

Jueves, 9 de febrero
Wayne Hancock (EEUU) + Widow Makers
21:30h.
15 € / 18 €
Country Punk

Viernes, 10 de febrero
CronometroBudú + Eon
23:00 h.
5 € / 7 € con CD

Sábado, 11 de febrero
Salida Nula + The Skartes
23:00 h.
8 € / 10 €
Ska Punk

Jueves, 16 de febrero
Nancho Novo y los Castigados sin Postre + Rinkonete y su Retrete
21:30 h.
8 € / 10 €
Cachondeo Rock

Viernes, 17 de febrero
Fiesta de Carnaval con…
Los Petersellers + Juako Malavirgen
23:00 h.
10 €
Guateque Punk

Sábado, 18 de febrero
Luter + Pablo Valdés
23:00 h.
8 € / 10 €
Rock

Jueves, 23 de febrero
Fiesta Explosión Musical: Noiah + Radio K.O.N.T.R.A.
21:30 h.
7 €
Rock Alternativo

Viernes, 24 de febrero
Concierto Simpatía por el Relato con: Panzer + Turrones + Juan Abarca
23:00 h.
8 € / 10 €

Sábado, 25 de febrero
Jaime Urrutia “Al Natural” (formato trío acústico) + Igor Paskual
23:00 h.
12 € / 15 €

El renacer del formato vinilo en los últimos tres años ha sido uno de los hechos más importantes que han ocurrido en el panorama musical últimamente y ha pillado a muchos por sorpresa. Una vez instalado por completo el CD como gran formato musical y en plena madurez de los formatos digitales, resulta que medios y sellos discográficos un día miran a su alrededor y ven que cada día hay más gente que busca vinilos, así que las grandes tiendas vuelven a colocar tan denostado formato otra vez en sus estanterías. Al principio tímidamente pero, poco a poco, el formato ha ido ganando mayor espacio… hasta hoy, cuando las cifras hablan de un aumento cada año en las ventas de vinilo superior un 25%.

Lo que nadie parece haberse preguntado –o querido preguntar mientras la cosa siga produciendo ingresos- es de dónde viene este nada augurado renacimiento. Pues probablemente y como en casi todo, existan múltiples variantes y causas. Desde luego, desde la implantación total del CD y el abandono del vinilo siempre ha existido un buen mercado de compra-venta de segunda mano. Reducido a círculos minoritarios, sí, pero con la expansión de internet un mercado que se fue volviendo cada vez mayor. Pero este público acérrimo no ha cambiado sustancialmente.

El gran cambio ha venido por la aparición de un nuevo público que antes NO compraba vinilo. Es decir, al pequeño club de amantes y coleccionistas del formato analógico se ha sumado una buena cantidad de gente que, o no conoció el vinilo de cerca o de repente vuelve a él. Y aquí, también tiene probablemente bastante peso la moda de lo retro, lo vintage o cómo queráis llamar al rescate de todo aquello que huela a antiguo. Moda dentro de la cual también se encuadra el reciente renacer del cassete, del soul o del rock de los años 50.

Sin embargo, el elemento principal del poderoso regreso del vinilo ha sido internet. Internet, el intercambio de archivos, ese gran demonio de la industria, y la explosión de blogs musicales, otro demonio, pero esta vez de los grandes medios. Porque de esa conjunción ha venido la difusión de discos que ya apenas ocupaban espacio en las estanterías o que directamente estaban descatalogados, el aumento de la cultura musical de la gente y la divulgación de un formato –el analógico- que, quieran o no unos cuantos, sigue teniendo sus ventajas. Tanto en la reproducción como en la grabación.

Hay quien opina que esto ha sido una estudiada jugada de la industria ante el descenso de ventas del CD. Pero difícilmente ha podido ser así, puesto que desde principios de los 90 apenas se editaba nada en vinilo. En los más de diez años que transcurren desde la desaparición del vinilo hasta su repunte a finales de la década pasada la industria estaba ajena por completo a un mercado de coleccionismo consolidado, a la aparición de pequeños sellos especializados y, en definitiva, a lo que ocurría más allá de los despersonalizados despachos de los ejecutivos. Y es en el año 2009, aunque ya en 2008 las ventas habían aumentado un 200%, cuando se produce el gran estallido y el vinilo aparece de nuevo en los indicadores de ventas anuales, y eso que en esas cifras no se incluyen el mercado de segunda mano ni la importación. Más de una tienda se quedó aquel año sin existencias… ¡de tocadiscos!

Pero es que en 2011 el vinilo aumentó un 40% con respecto a las ventas del anterior, mientras el formato digital por primera vez ha superado al físico y el CD comienza a entonar su propio réquiem. El álbum más vendido en vinilo el año pasado fue el Abbey Road, un disco que tiene más de cuarenta años. Y, aunque seguramente ha tenido algo que ver la reedición de la discografía de los cuatro de Liverpool, también es verdad que el comprador de vinilos suele buscar obras grabadas antes de la irrupción del CD.

No es que el vinilo como formato tenga unas ventajas mucho mayores que otros. Es que simplemente un disco grabado en los años 60 en un estudio analógico suena mejor y es totalmente fiel al sonido original reproducido en un formato también analógico. No tiene mucho sentido escuchar en vinilo un disco actual grabado con las modernas tecnologías digitales, al menos en lo que a la calidad de audición se refiere. A pesar de ello, lo cierto y verdad es que el CD no reproduce la onda original de sonido, sino que la mide X veces por segundo y la aproxima al valor más cercano de los que es capaz de representar. Mientras el vinilo puede tomar infinitos valores de forma continua, los valores que registra el CD están limitados, aunque para solventar este inconveniente -o quizá en un nuevo intento de conseguir que el consumidor vuelva a comprar discos que ya tiene- la industria discográfica ha intentado insertar en el mercado nuevos formatos como el SACD o el DVD-Audio, que tienen una definición y frecuencia de muestreo muy superior a la del CD.

Pero, al margen del debate sobre la calidad de sonido (cuyas diferencias son difícilmente apreciables sin el indispensable acompañamiento de un buen equipo de reproducción), lo que realmente aporta el vinilo y que ningún otro formato tiene es ese contacto “físico” con la música. Y no sólo por la propia dinámica de reproducción, que te exige dar la vuelta al disco y tocarlo, sino porque uno de los encantos más apreciados del vinilo es su tamaño, porque desde luego no es lo mismo tener portadas como In the Court of the Crimson King, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Ummagumma, Physical Graffitti, Black Sabbath o Bitches Brew en CD que en vinilo. Por una simple cuestión de tamaño, nada más. Esas portadas fueron concebidas para un tamaño en el que era posible observar muchos detalles o por el propio impacto de la imagen. Y esos son aspectos que se pierden en un tamaño menor.

Al menos una cosa está clara y es que el aumento de las ventas de vinilo, a pesar de su elevado precio medio, es revelador de los hábitos de consumo del aficionado a la música. A tenor de estos datos no parece muy real que el aficionado no quiera pagar por la música ni tampoco que se haya creado una “cultura de lo gratis” que va a hacer tambalearse los cimientos de la música y los artistas. El consumidor quiere pagar y lo hace, pero por un producto que le ofrezca algo que justifique el precio.

Las bandas noveles cada vez tienen mayor presencia en redes sociales o plataformas como Bandcamp y para una publicación como Musicópolis, en la que intentamos siempre dar espacio a grupos que empiezan, es una magnífica oportunidad de conocer a gente tan interesante como Sanford Alligator Band. Como tantas otras formaciones, su historia es la de un grupo de amigos que llevan ya unos cuantos años juntos, pero no fue hasta que consiguieron ganar un concurso cuando pudieron grabar su primer disco y realizar algunos conciertos por su comunidad. La banda la forman diez músicos, en la que las voces son uno de sus elementos esenciales.

Sanford Alligator Band se autodenominan “los supervillanos del soul” y a modo casi de himno han compuesto un tema ad hoc, Soul Villains, en el que ya nos advierten que “lo han intentado hacer mejor pero no han podido”. Toda una declaración de intenciones que tiene también su reflejo en el tema que da comienzo al álbum y que es uno de los más conseguidos, Funky Revenge, al más puro estilo del soul-funk de los setenta. Aunque la mayor parte del disco es en inglés, también encontramos momentos reservados para nuestra lengua, como en Gimme The Money, que tiene un excelente inicio gospel y un fragmento hacia la mitad donde cantan en castellano. I Am Not In Love se acerca más al pop, pero el soul de Gladys Night y Dionne Warwick regresa pronto con I Try. I’m Yours, Baby nos recuerda a los mejores tiempos del gran Stevie Wonder y su Songs In The Key Of Life. In Soul We trust, un juego de palabras con la famosa leyenda del dólar y lema nacional estadounidense “In God We Trust”, ha sido la elegida acertadamente como carta de presentación, aunque este trabajo no escasea en singles potenciales.

Siguiendo los cánones que marcaron clásicos como Stevie Wonder, Aretha Franklin, Curtis Mayfield, Booker T. Jones, Quincy Jones o Patti Labelle, esta nutrida formación valenciana ha conseguido elaborar un primer trabajo fresco y con unos cuantos temas muy, pero que muy pegadizos. Además, frente al resurgir del soul y otras bandas que se ocupan más de otras vertientes, ellos han elegido un soul-funk que aún no tenía representantes en nuestro país. Muy atentos a los siguientes pasos de estos muchachos.

Sanford Alligator Band – Gimme the Money en Bandcamp

Sanford Alligator Band en facebook

Todas las fotos promocionales en Flickr

Más vídeos de Sanford Alligator Band en su canal de youtube

Un muchacho que, con tan sólo 29 años, ha conseguido los premios de la Asociación de Periodistas de Jazz al mejor trompetista y mejor artista novel del año es alguien a quien hay que escuchar. Excepto What’s New, un tema de Johnny Burke y Bob Haggert que fue popularizado por el enorme Clifford Brown en su álbum With Strings, todas las composiciones son propias.

La banda está formada por el pianista Gerald Clayton, Harish Raghavan en el bajo, el batería Justin Brown y el saxofonista Walter Smith III. En otros títulos este no es un factor esencial, pero aquí la banda es la protagonista y no actúa como mero acompañamiento del intérprete principal. Y ese es uno de los grandes aciertos de este trabajo, porque ya desde el comienzo, con Confessions to my Unborn Daughter y Jaya, se nota esa complicidad entre el saxo y la trompeta. La belleza tranquila de Henya está cargada de un romanticismo sincero y casi cinematográfico. Un tema que tiene una magnífica continuación en With Love, después del swing de Far But Few Between. Ayneh (Cora) y Ayneh (Campbell) están dedicadas a la madre de Ambrose y tienen mucho de Henya, una simlitud ya esbozada en un título escrito al revés.

Un tipo al que habrá que seguir después de un trabajo como este, en el que da rienda suelta a un free jazz lleno de R&B y soul en sus armonías. Para concebir un trabajo así el señor Akinmusire ha debido someterse a una profunda reflexión personal a través de la cual ha conseguido deshacerse de tics, influencias y modas porque, si algo se percibe con total claridad durante todo el álbum, es una personalísima visión del jazz. Ambrose tiene algo de aquellos trompetistas que, sin dejar de lado la técnica, no se perdían en ella. Tiene una emotividad sincera, una pasión oscura. Tiene eso que muchos aficionados no encuentran en el jazz contemporáneo.

Ambrose Akinmusire – When the Heart Emerges Glistening en Spotify

Ambrose Akinmusire – When the Heart Emerges Glistening
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En 2001 esta londinenses de ascendencia india sorprendió mucho más allá de la reducida escena de músicas del mundo con su álbum Salt Rain. Desde entonces la tradición tamoul (un pueblo del sur de la India) ha estado presente en su música, a la que ha aderezado con influencias africanas, funk o blues. Sus siguientes trabajos, con pequeños cambios, siguieron en por el mismo camino. Pero ha sido ahora, con este Vel, cuando Susheela Raman se adentra por completo en la cultura familiar y consigue una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India.

La apertura del álbum es espectacular porque, tras una pequeña introducción –Zero City-, llega Raise Up. Una auténtica barbaridad de voces, en la que cuenta con la pasión de Kutle Khan, sobre una base rítmica agitada y nerviosa. Es casi imposible no rendirse a este disco después de un comienzo como este. Pero no queda aquí la cosa, porque el nivel se mantiene durante todo el álbum. La percusión de tabla de Daga Daga da paso a unos minutos más pausados con la preciosa Magdalene, Eighteen Floors y Paal, que sorprende con un final muy épico. Vel Undu pone el punto más optimista antes de llegar a una de las composiciones más “occidentales”, Fools. Y, como en los grandes discos, al final encontramos algunas de las piezas más logradas, como Ennapane, que combina magistralmente las percusiones con la guitarra de Sam Mills, y Cargo, que retoma de nuevo los ambientes más etéreos de temas como Orfea.

Vel aporta con respecto a todo lo que Susheela Raman comenzó hace más de diez años una furia y una pasión que apenas se vislumbraba antes. La intensidad con la que reinterpreta la tradición musical tamoul es impactante y, para colmo, mantiene todo aquello que la hizo grande con Salt Rain. Su mejor trabajo hasta la fecha.

Susheela Raman – Vel en Grooveshark

Susheela Raman – Vel
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Este año la banda sueca cumple veinte años y para celebrarlo editarán nuevo disco, Set Fire to it All. Un buen momento para dedicarles una pequeña retrospectiva de una de las carreras más sólidas e inspiradas del rock & roll actual.

Con Sulo a la cabeza de todo, la formación ha ido cambiando con cada disco, rodeándose siempre de algunos de los mejores músicos del panorama nórdico, como Stevie Klasson (Hanoi Rocks, Johnny Thunders), Mattias Bärjed de The Soundtrack of Our Lives, Randy Bachman de Bachman-Turner Overdrive o Robert Dahlqvist (The Hellacopters), entre otros. Pero Diamond Dogs fue formada originalmente por el cantante Sulo y el guitarrista Anders Lindström. Después de un par de años de tocar en pequeños clubs y una primera grabación titulada Blue Eyes Shouldn’t be Cryin’, editan su primer trabajo en 1994, Honked!, que no obtiene el impacto esperado. En aquel año Seattle aún era la capital mundial en lo que a música se refiere, la explosión del rock escandinavo aún no había tenido lugar y los sonidos setenteros no pasaban por su mejor momento a nivel de popularidad.

Aquel sobresaliente trabajo es actualmente poco apreciado incompresiblemente por algunos de los miembros de la banda y eso que tenía algunos rasgos muy notables, como las voces femeninas o el tratamiento de los teclados, que más tarde no tendrían continuidad. Suele suceder en muchas ocasiones, sobre todo a la hora de dedicarse al rock & roll, que la frescura y la pasión que aparecen en un primer disco puede diluirse en posteriores trabajos. Y, a pesar de la enorme calidad de sus siguientes discos, si de algo andaban sobrados Diamond Dogs en este primer álbum era de esa frescura que tantas veces se hace complicado encontrar.

En 1996 editan el que durante mucho tiempo ha sido el trabajo más complicado de encontrar del grupo, Need of Ammunition, y un año después se separan. Al poco tiempo, el sello discográfico Feedback Boogie les pide un par de grabaciones para solventar algunos compromisos que habían quedado pendientes. El resultado fue un álbum, As Your Green Turns Brown y un EP, Among the Non Believers, absolutamente excepcionales y que consiguen un cierto reconocimiento en Europa. Y es aquí donde la banda comienza realmente a adquirir peso, sobre todo con la aparición de uno de sus mejores trabajos en 2002, Too Much Is Always Better than Not Enough. Poco antes habían editado un EP, Short Player, que contiene un total de seis temas, cinco originales y una versión del Connection de The Rolling Stones.

En 2003 aparece That’s the Juice I’m On, un curioso recopilatorio de descartes, inéditas y alguna versión alternativa, como Throw All Away. Al año siguiente la banda inicia una nueva etapa sin Stevie Klasson y el álbum Black River Road. Para muchos este es el comienzo del declive y el definitivo afianzamiento de Sulo como principal creador del sonido de la banda. Aunque en aquel disco la ausencia de Klasson quedaba bien compensada por el peso de Nick Royale y Robert Dahlqvist.

En 2006 tenemos Up The Rock, que forma junto con It’s Most Likely (2008), los dos trabajos menos apreciados por los seguidores de la banda. Si bien es cierto que no son tan completos como los anteriores, seguían incluyendo un buen número de grandes temas, como Down In The Alley Again, Acting Singles, Cold Blue Summer o Ladies & Gents. Casi al mismo tiempo que It’s Most Likely la banda edita uno de sus trabajos más interesantes, Cookin’, con cinco versiones de Sam Cooke y que contaba con la colaboración de Nick Royale de The Hellacopters (inmenso en Keep Movin’ On) y Spike de Quireboys en el enorme final de Good Times. Un EP que se hace demasiado corto y es que Diamond Dogs consiguen hacer el mejor rock & roll desde el mejor soul.

A finales de 2010 en algunos países y a comienzos de 2011 en otros aparece sin hacer mucho ruido The Grit & The Very Soul, su mejor trabajo en muchos años, con un Sulo ya totalmente equiparado a la banda. La portada ya dice mucho y, para colmo, en muchos sitios el álbum apareció no como un trabajo de Diamond Dogs sino directamente de Sören “Sulo” Karlsson. A quienes se hayan adentrado un poco en la discografía en solitario del cantante, el álbum seguramente les haya recordado en muchos momentos a discos como Hear Me Out o Just Another Guy Tryin’. Pero, dejando de lado estas cuestiones, lo cierto es que el giro hacia un sonido más acústico les ha sentado enormemente bien. En su reseña del disco, el compañero Carlos Ayllon decía “un nuevo concepto musical que tiende hacia el folk (…) y olvida, o mejor dicho, deja de lado la faceta más rockera de Diamond Dogs” y “es que además de ser un disco honesto, The Grit and The Very Soul es un álbum que desprende tranquilidad, sosiego, y que te va embaucando desde el primer hasta el último corte. Desde ‘April Fool’ hasta ‘Green Shamrock Shore’ pasando por ese día de fiesta en la granja que es ‘Greetings for Isaacs Hill’; por el remozado que hacen de una cara B de The Smiths: ‘Please. Please, Please Let Me Get what I Want’; por la animada ‘Last of the Lovers’; o por la emotiva ‘Absolutely No. 1′“.

Independiente de los continuos cambios en la formación y el gusto personal de cada uno por unos u otros músicos la verdad es que los suecos han sabido construir una carrera muy personal y una discografía que incluye algunos de los títulos fundamentales de la primera década del siglo XXI. Y es que, hablar de Diamond Dogs, más que con ninguna otra banda, es hablar de The Faces, Mott The Hoople, T. Rex, Lynyrd Skynyrd y tantas otras bandas clásicas del rock.

Selección de Diamond Dogs en Spotify

Diamond Dogs
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Era un secreto a voces que España estaría en la lista de países que The Cure iba a visitar. Su confirmación para el festival portugués Optimus Alive dejaba la puerta abierta para que tocasen en el FIB o BBK Live (los tres coinciden el mismo fin de semana). El que al final se ha llevado el gato al agua ha sido el BBK Live.

Lo que pocos esperaban es que hubiese una fecha más, y además tan alejada de mediados de julio. Y es que Smith y los suyos también deleitarán a los asistentes del Primavera Sound. En esta gira, que no viene con ningún nuevo disco bajo el brazo, se encargarán de revivir sus grandes éxitos y de conmemorar el veinte aniversario del álbum Wish, que contenía el mítico “Friday I’m in love” (álbum por otra parte algo denostado por ciertos sectores de fans y crítica).

A la espera de nuevas novedades, enero es un buen mes para dar cabida a grandes discos que, por un motivo u otro, se nos habían pasado por alto. Este es uno de ellos y además es imperdonable que no haya aparecido antes aquí. Y no es que estos señores hayan grabado un trabajo especialmente diferente, no. Siguen sonando como siempre y apenas se apartan de su línea. Pero es que eso, en formaciones como esta, siempre es una buena noticia. The Blind Boys of Alabama se dedican ahora a remozar su sonido con una pizca de country y para ello fueron hasta Nashville y han contado con la colaboración de gente como The Oak Ridge Boys, Hank Williams Jr., Vince Gill o Willie Nelson, entre otros.

El resultado es embriagador de nuevo. Desde la inicial Take the High Road, con un comienzo que consigue levantarte de la silla en el primer minuto, hasta The Last Mile of the Way, algo más pausada, el álbum consigue acaparar toda nuestra atención. Las colaboraciones, aunque de grandes nombres, se acoplan perfectamente a la personalidad de la banda, sin restarles un ápice de protagonismo. Lee Ann Womack, por ejemplo, aporta el condimento perfecto en I Was a Burden. En la tradicional Have Thine Own Way, Lord Jamey Johnson consigue dar la intimidad y profundidad que el tema requiere antes de llegar su emotivo final.

Take the High Road consigue hacernos disfrutar de nuevo del talento de estos señores y, como en otras ocasiones, es una buena excusa para ahondar aún más en su discografía más allá del conocido y memorable There Will Be a Light con Ben Harper, para encontrarse con grandes discos como Marching Up to Zion, Spirit of the Century o Down in New Orleans.

The Blind Boys of Alabama – Take The High Road en Spotify

Con unos meses de retraso nos enfrascamos ahora con el último trabajo de uno de los cerebros de Gov’t Mule y una de las piezas clave en el resurgir de Allman Brothers a finales de los 80 y principios de los 90, con discos como Seven Turns o Shades of Two Worlds. El señor Haynes se aparta un poco del rock de Gov’t Mule para adentrarse en terrenos más soul y funk, aunque siempre con un cierto toque blues. Además, la formación es impresionante: el bajista George Porter Jr., Raymond Weber en la batería; Ron Holloway al saxo tenor y los teclados de Ivan Neville y Ian McLagen. Sumemos la inmensa voz y personalidad de Ruthie Foster, que además de tener una discografía tremendamente interesante ha colaborado con gente como Eric Bibb, y tenemos una combinación excepcional.

Por momentos nos encontramos con sonidos que van desde Eric Clapton hasta Buddy Miles o Booker T. Jones y desde el comienzo, con el tema que le da título, quedan claras todas esas influencias. Eso sí, con uno de esos riffs marca de la casa Haynes. River’s Gonna Rise es una de las composiciones más interesantes de este trabajo, junto con la magnífica Hattiesburg Hustle, con un cierto aire a los últimos trabajos de Solomon Burke. También hay espacio para momentos más lentos y gospel, como con Everyday Will Be Like a Holiday o Your Wildest Dreams. Es posible que en ciertos momentos el nivel decaiga un poco, pero llegar al final tiene su recompensa con Save Me, donde Haynes canta sobre el amor y la pérdida acompañado de un piano con un sonido que rememora otros tiempos.

La fuerza y la rabia que encontramos en las guitarras de Warren Haynes en Gov’t Mule no tienen aquí cabida. Sin embargo, su voz sale ganando en este pequeño desliz hacia el R&B, emergiendo atronadora, potente y cargada de emoción. Pocas veces le habíamos escuchado de esta forma. No es lo mejor de su discografía, pero desde luego es un buen giro y una excelente oportunidad de escuchar a uno de los mejores compositores de rock de los últimos años en otra de sus facetas.

Warren Haynes – Man in Motion en Spotify

Muchísimos artistas internacionales han pisado nuestros escenarios, desde pequeños conciertos con poca asistencia hasta otros que completaron el aforo de grandes recintos, pero para llegar a ser uno de los mejores conciertos del año es necesario haber convencido al equipo de redacción de musicópolis. Queremos compartir con vosotros las bandas que nos regalaron grandes noches y que no debéis perderos la próxima vez que nos visiten. Estos son los mejores conciertos internacionales del año 2011 para musicopolis.es:

1- Imperial State Electric – Sala Heineken (Madrid)

2- The Delta Saints – Sala Boite (Madrid)

3- Scott Matthew – Teatro Lara (Madrid)

4- Marah – Sala Heineken (Madrid)

5- Street Dogs – Gruta 77 (Madrid)

6- Mr. Big – Sala Custom (Sevilla)

7- Roger Waters: The Wall – Palacio de los deportes, (Madrid)

8- Foo Fighters – Palacio de los deportes (Madrid)

9- John Grant – Teatro Lara (Madrid)

10- ZZ Top – La Riviera (Madrid)

Estos han sido los mejores conciertos internacionales del año para Musicópolis, ¿nos hemos dejado fuera tu mejor concierto del año?, ¿hemos sobrevalorado a algún artista?, ¡no olvides dejar un comentario con tus impresiones!.

Gracias por vuestro apoyo y esperamos teneros de nuevo por aquí en 2012. ¡Felices fiestas a tod@s!

Lista de temazos del 2011 en Spotify.

Lista de temas navideños en Spotify.

A la hora de elegir los mejores conciertos de artistas nacionales se puede ver como hay artistas que han recorrido muchos kilómetros este año, y de esta forma han podido convencer en diferentes conciertos a varios colaboradores de musicópolis en distintos puntos de nuestra geografía. Como todos los años, la variedad es la nota predominante en una lista para todos los gustos que no dejará a nadie indiferente. Estos son los mejores conciertos nacionales del año 2011 para musicopolis.es:

1- Guadalupe Plata – Sala Capitol (Santiago de Compostela)

2- Dos Bandas y un Destino – Sala Óxido (Guadalajara)

3- Txarrena – Joy Eslava (Madrid)

4- Depedro – Joy Eslava (Madrid)

5- Ainara LeGardon – Moby Dick (Madrid)

6- Rare Folk – Sala Malandar (Sevilla)

7- Motociclón – El Sol (Madrid)

8- Delorean – Rockitchen (Madrid)

9- Super Skunk – Barracudas (Madrid)

10- Raphael – Palacio de los Deportes (Madrid)

Estos han sido los mejores conciertos nacionales del año para Musicópolis, ¿nos hemos dejado fuera tu mejor concierto del año?, ¿hemos sobrevalorado a algún artista?, ¡no olvides dejar un comentario con tus impresiones!.

Gracias por vuestro apoyo y esperamos teneros de nuevo por aquí en el año próximo. ¡Felices fiestas a tod@s!

Lista de temazos del 2011 en Spotify.

Lista de temas navideños en Spotify.

Y si ayer os ofrecimos nuestra lista de los mejores discos nacionales del año ahora nos metemos con la lista de los mejores discos internacionales del año consultando de nuevo a nuestros redactores. La diversidad de géneros que tratamos en Musicópolis se ve reflejada de nuevo en una lista muy variada, en la que tienen cabida casi todos los estilos. La variedad de opiniones y gustos ha sido enorme y pocos han sido los discos que han copado mayores votos como los más representativos del año. Por eso, además de los que hemos considerado los 10 mejores discos del año 2011, hemos añadido unos cuantos trabajos que han sido muy bien valorados en nuestra redacción y no hemos querido pasar por alto.

1.- The Diamond Dogs – The Grit and The Very Soul

2.- The Black Keys – El Camino

3.- My Morning Jacket – Circuital

4.- Eileen Jewell – Queen of the Minor Key

5.- Bon Iver – Bon Iver

6.- Chuck Ragan – Covering Ground

7.- Joe Henry – Reverie

8.- Social Distortion – Hard Times And Nursery Rhymes

9.- Tom Waits – Bad As Me

10.- Anthrax – Worship Music

A continuación os apuntamos otros álbumes que han estado en las listas personales de nuestros redactores y entre los cuales esperamos y creemos que podéis descubrir discos muy interesantes:

En 2011 hemos publicado en Musicópolis casi 500 reseñas y más de 200 entrevistas y artículos, con el objetivo de manteneros informados de las novedades musicales más interesantes del panorama musical patrio e internacional, junto con reportajes especiales sobre diversas temáticas musicales. En este especial sobre los mejores discos del año queremos mantener esa línea e intentar, un día más, sorprenderos y descubriros artistas y álbumes de enorme interés. Esperamos que disfrutéis con estas líneas tanto como lo hemos hecho nosotros preparándolas y, por supuesto, que nos contéis vuestras impresiones: ¿nos hemos dejado algún álbum que debería estar?, ¿habéis descubierto algún disco interesante con esta lista? ¿Cuál sería vuestra lista? Además, este año podéis participar en nuestro concurso en el que sorteamos tres lotes de discos y votar el mejor disco del año.

Gracias por vuestro apoyo y esperamos teneros de nuevo por aquí en el año próximo. ¡Felices fiestas a tod@s!

Lista de temazos del 2011 en Spotify.

Lista de temas navideños en Spotify.