Guitar Fiero - Curso Online GRATUITO de guitarra eléctrica para novatos

> Lotus 2012 Teaser... ¿Pero que pinta aquí un equipo de F1?

2012-02-03T10:49:00.003+01:00

Me ha encantado, simplemente...
A ver cuando vemos guitarras eléctricas Ferrari de fibra de carbono y clavijeros soplados. Pastillas con efecto suelo, etc...

> ( BIO ) Mick Thomson / Jim Root (Slipknot)

2012-02-01T09:54:00.000+01:00

Los dos guitarristas de Slipknot, Mick Thomson y Jim Root van a compartir este humilde espacio dedicado a las Bios de los más grandes. No es que no se merezcan un espacio propio pero me ha parecido más apropiado y más divertido hablar de ellos en conjunto, como guitarristas de Slipknot, aunque, como ya veremos, tengan otros proyectos.

Mick Thomson & James Root en una foto promocional. Mick usa una Ibanez Signature
Y Jim una clásica Telecaster de Fender.

Uno podría pensar que estos dos "endemoniados" son unos parte cuerdas de un grupo que solo sabe "hacer" el bruto. Para los que entendemos un poco de éste mundillo sabemos que nada más lejos de la realidad.
Los que logramos apreciar los acentos de los riffs y de los punteos, así como de las técnicas que ejecutan estos dos maestros, reconocemos que son grandes guitarristas... Muy grandes.

Me sigue pareciendo brutal escuchar el último directo y lo desgarrador de los armónicos que suelta a diestro y siniestro... EN UN DIRECTO!!! Puede sonar exagerado, pero hay guitarristas que no tienen cojones a soltar armónicos uno detrás de otro y clavarlos todos.

La fuerza, la garra, la velocidad y potencia que imprimen con sus Riffs, más complejos que a lo que nos tienen acostumbrados otros grupos (Desengañate, Before I Forget no son 2 acordes) son perfectamente mezclados con rapidísimos solos y con fraseos, diría que hasta dulces.

No soy muy de listas de mejores pq todos tenemos la nuestra, pero, pej. Los lectores de Guitarra Total eligieron a Mick como tercer mejor guitarrista de la historia.

En una lista formada por Artistdirect.com, “The Six-String Titans of the Twenty First Century: Best Modern Guitarists List” James Root y Mick Thomson fueron nombrados como dos de los mejores guitarristas del siglo XXI por el álbum “All Hope Is Gone” de 2008.

Y para mayor reconocimiento, Mick fue elegido mejor guitarrista del año por sus compañeros de profesión.

Mick Thomson... con máscara puesta, claro!!

Mickael "Mick" Gordon Thomson (nacido el 3 de noviembre de 1973) también conocido como # 7, es un músico estadounidense, más conocido por ser el guitarrista rítmico de la banda de metal alternativo, Slipknot.

Comenzó a tocar la guitarra a los 16 años de edad. Antes de tocar en la banda, Mick era profesor de guitarra en una escuela local de Des Moines, Iowa, dio varias clases de guitarra junto a otros virtuosos como Oz Fox (Stryper). Esto echa por tierra la típica imagen de "ese" que aporrea una guitarra sin tener apenas idea de 5 acordes.

Antes de participar en Slipknot, Thomson estuvo en la banda Bodypit con antiguos miembros de la banda Slipknot Anders Colsefni, Donnie Steele y el difunto bajista Paul Gray. Como la segunda guitarra en Slipknot, se conoce a Mick por tener el tatuaje con la palabra 'SEVEN' (siete) a su brazo izquierdo, que fue hecho por Matt Kiley, y la palabra 'Hate' en el cuello de su guitarra B.C. Rich Warlock. Pero eso era antes, pq como hemos visto, Mick ha fichado por Ibanez, que ha desarrollado sus Custom para el emblemático guitarrista.

En el álbum Vol. 3: Subliminal Verses, Mick y Jim finalmente añadieron solos de guitarra en el álbum, a diferencia de los 2 álbumes anteriores, porque el productor Ross Robinson de Slipknot piensa que la adición de solos de guitarra no era conveniente. Thomson tiene una fascinación por los asesinos en serie. Sobre el tema Thomson ha dicho:

"Si yo fuera un asesino famoso, me gustaría tener algunas características de la personalidad de algunos de ellos, como Albert Fish y Ed Gein. Pero yo no soy una persona violenta por naturaleza. No me jodas, y todo irá bien."

Mick tiene una serie de tatuajes en su cuerpo: tiene la palabra "嫌恶" en su brazo derecho (que significa "detestan" y "disgusto" en mandarín y "odio" en japonés), la palabra "siete" en su antebrazo izquierdo , un "demonio tratando de violar a un ángel" en el hombro (en realidad obras de arte de banda de death metal Inmolation del primer álbum, Dawn of Possession), en su otro hombro un tatuaje de Paul Booth, un cruz invertida en su parte superior, "Slipknot" va por su pantorrilla derecha, y el signo zodiacal de Escorpio en su pantorrilla izquierda.

La primera mascara de mick era de hockey, pero luego Mick la cambio por máscara de metal porque se considera un hombre frío y rudo (las primeras versiones de su actual mascara eran cuero pintado de gris).Su segunda máscara era de facciones cómicas y era parecida a su primera mascara de hockey, es curioso ver aquella fusión de carecterísticas, como es posible en el video Spit it Out. Como dato extra su mascara vendría a significar odio (Hate en inglés, palabra escrita en todo el equipo del guitarrista. Él dice que su mascara actual es un exito y que no la va a cambiar por un largo rato.

Mick usa sus propias guitarras, en Slipknot e Iowa usaba su guitarra personalizada B.C. Rich Warlock negra que tenia "HATE" en el cuello de la misma. Durante Vol. 3: (The Subliminal Verses) dejo de usar su guitarra B.C. Rich y empezó a usar otra guitarra propia una Ibanez Mtm-1 que es roja con "SEVEN" en el cuello . Para All Hope Is Gone solo usa la Ibanez, pero ahora en varios colores como blanco, verde, azul, rojo, negro, plateado, etc. Como se puede ver en "Making of All Hope is Gone". Sus amplificadores son Rivera y tienen un 7 en la bocina, haciendo referencia a su número en Slipknot.

James "Jimmy, Jim" Donald Root (Des Moines, Iowa, Estados Unidos; 2 de octubre de 1971) es conocido por ser el guitarrista principal de la banda Slipknot y Stone Sour. Actualmente es uno de los guitarristas más reconocidos del mundo por su gran técnica, rapidez, versatilidad y dominio del instrumento. Las revistas Guitar World, Kerrang, Revolver y Rolling Stone le otorgaron en el 2008 el título de "Guitarrista del año" por el buen trabajo realizado en el álbum All Hope Is Gone de Slipknot.

Fue ganador del Grammy con Slipknot en la categoría de Best Metal Performance por la canción Before I Forget en el año 2006 y ha tenido 6 nominaciones mas con Slipknot y otras 3 más con Stone Sour en esta misma categoría. También ha tocado como músico de sesión para artistas como Sid Wilson, (DJ de Slipknot) y Jonathan Davis (vocalista de Korn). Tiene una altura de 1, 98 m, convirtiéndolo en uno de los guitarristas más altos de la historia. Está casado con la cantante y modelo italiana, Cristina Scabbia de la banda Lacuna Coil, desde diciembre del 2008.

Nació el 2 de octubre de 1971 en Des Moines, Iowa, comenzó en el mundo de la música gracias a sus padres, su padre era un granjero y guitarrista integrante de una banda imitadora de The Beatles y The Rolling Stones y su madre era pianista de un teatro.

Creció escuchando esta música; compartía con su primo una gran afición por el disco Master of Reality de Black Sabbath (que curiosamente salió a la venta 3 días después de su nacimiento), por este hecho comenzó su afición por el metal al mismo tiempo que con 10 años empezó a tocar la guitarra a través de su padre y el piano por su madre, y se integró a una banda de jazz donde conoció a Miguel Adalberto.

Durante su juventud tocó en bandas como Deadfront, Anal Blast (donde también estaban Paul Gray y Joey Jordison) y Atomic Opera. También trabajó como impresor y repartidor. En 1995 se integró a Stone Sour después de una audición que pasó sin problemas. Tiempo después se integró a Slipknot, y dejó Stone Sour, cuando se terminaba de grabar el disco Slipknot, ya que el guitarrista "Josh Brainard" dejó la banda. James solo tocó en la canción Purity pero esta canción fue sacada del disco, por problemas con el derecho de autor ya que la canción fue inspirada en una historia que vio Corey en Internet. Posteriormente grabó el disco Iowa en 2001.

Durante el tiempo en que Slipknot estuvo en hiato, James y Corey Taylor regresaron a Stone Sour. En el 2004 volvieron a Slipknot, posteriormente regresaron a Stone Sour en el 2006 para luego volver a Slipknot en el 2008 con el fin de grabar y promocionar el disco All Hope Is Gone; volvió a Stone Sour junto a Corey Taylor a principios del 2010 para preparar el nuevo disco de Stone Sour Audio Secrecy el cual ya está listo y salió a la venta el 7 de septiembre del 2010, en este mismo momento se encuentra en el trabajo de promoción y giras del mismo habiendo tocado ya en escenarios y festivales importantes que tuvieron lugar en el 2010 como el Download Festival, el Rock am Ring, el Rock im Park, Graspop, Gods of Metal y una gira europea junto a Avenged Sevenfold.

Luego de la muerte del bajista de Slipknot, Paul Gray, quien falleció debido a una sobredosis accidental de morfina el 24 de mayo del 2010, James admitió sentirse muy lamentado pero en la rueda de prensa que realizaron los demás miembros de Slipknot junto al hermano y la esposa de Paul, no dijo nada debido a que admitió haberse sentido muy triste y apenado luego de la terrible situación, aun así afirma que Paul siempre estará en su corazón y que fue como un hermano para el durante los más de 10 años en los que ha estado con Slipknot.

Cuando se integró a Slipknot, tenía una máscara que sólo dejaba ver su pelo corto en esa época, para el álbum IOWA, James usó una máscara de bufón asiático, con la cara blanca y toques grises, un pico en la barbilla y dos estrellas rojas clásicas en esos bufones (que diseñó como cicatrices), tenia una viga y un remache en la frente, que le daba un aspecto mas tétrico y sádico, dándole un toque más violento con un cierre en la boca, como varias de las otras máscaras de la banda.

Para el álbum Vol. 3: Subliminal Verses, usó una máscara totalmente blanca, con el mismo concepto de bufón, pero sin el pico en la barbilla ni las vigas. Ahora tenía los rombos rojos más grandes (que son como 2 cicatrices), y uno de ellos se le unía con los labios, los cuales son negros, y con un cierre en medio. Ésta máscara es un poco más humana que las anteriores que usó. La máscara del disco All Hope Is Gone es casi igual a la anterior, solo que los rombos son negros.

> Guitarras de leyenda. Ibanez Jem

2012-01-31T09:43:00.000+01:00

Como su propio nombre indica, la Jem es una creación de la marca Ibanez.
Empezó a producirse en 1986 con la estrecha colaboración de Steve Vai. De hecho fue co-diseñada por el mismo Vai con los designers de Ibanez.

Vai es su principal usuario y el icono de una guitarra, que es sí misma es un icono. No tiene tanta solera como lo puedan tener las Fender o Gibson de turno, pero es uno de esos guitarrones que te dejan sin aliento.

Entre la vejez de las más clásicas y la juventud de las más modernas se encuentra nuestra adolescente Ibanez Jem... La solera de las mayores con la fuerza de las jóvenes.

Lo primero que llama la atención en todas las Jem es su ya clásica asa a modo de agarradera. No sabría si definirla como asa o como puño americano, pero le da un acento especial al cuerpo de la Jem.

Las formas son más perfiladas con respecto a los estilos más clásico de Stratocaster. Es, por decirlo de alguna manera, más afilada.
El golpeador es puntiagudo en sus extremos, muy a lo SG y se integra perfectamente con la forma de la guitarra.

Algo que me llama muchísimo la atención es el clavijero. Para mi gusto es un acierto total. Compensado, bonito, con caracter. No apunta arriba o abajo, como Jackson, pej, no tiene un corte exagerado como algunas Dean... es un clavijero sobrio pero radical. Muy al estilo de la guitarra.

Sobre los colores, pues tantos como gustos, y si tenemos en cuenta lo extravagante del personaje que las diseña os podéis imaginar la cantidad y calidad de los diseños.

Motivos florales en algunos mástiles, gráficos imposibles... Es para echarle horas y horas disfrutando de los diseños de ésta joven.

Tuve la suerte de colgarme una y probarla. Me metí en una tienda de guitarras de Madrid y la tenían colgada. Lógicamente me hice el interesado y pedí que me dejaran probarla.
Algunas tiendas (la mayoría que se precien) tienen una habitación para que pruebes sus productos.
Que parezca que eres una máquina, me decía a mi mismo. Que gustazo el hecho de colgármela... y es que cae muy bien, esta muy bien compensada... Coño!!! La han hecho para mi o que??.

Enchufé en el ampli... a ver... que toco para que parezca que sé algo??
Bien, Tornado of Souls de Megadeth... un poco de She wolf como si probara cabalgadas y terminar con el solo (que como no se me da mal aparenta) y... Oh!!! You´ll never walk alone!!!

Unos Riffs y unos minutos después... Quiero una!! NECESITO UNA!!!
Te gusta Megadeth, eh?... Muy atento el chico de la tienda!! :)

Antes de seguir os invito a que flipéis un poco... así, por que si.

JEM7V (Enlaza con la web oficial del modelo)
Este modelo es el que Steve Vai usa generalmente en sus conciertos. Es el modelo más conocido, su producción comienza en 1993. Como características principales tiene los trastes 21 al 24 "escalopeados" y hardware dorado. Está basado en las guitarras "Evo" y "Flo", las guitarras más utilizadas por Vai.

JEM77 (Enlaza con la web oficial del modelo)
Floral Pattern 2 Este modelo fue introducido en el año 2010. Su diseño está basado en el primer FP (Floral Pattern). Como características principales posee el antiguo estilo de ensamble Cuerpo-Mástil (llamado "Cutaway Heel") que no se utilizaba en los modelos JEM desde el año 2004, además de un diseño único en cada una de las guitarras fabricadas de éste modelo.

JEM 10
Este modelo fue creado con ocasión del décimo aniversario del lanzamiento del modelo en 1997, pero su producción empezó en 1996.El Ibanez JEM10TH es una serie JEM modelo de la guitarra y el modelo de la firma del guitarrista norteamericano Steve Vai. Fue lanzado en 1996 para conmemorar el 10 º año de la serie Ibanez JEM. Las características especiales son las de aluminio grabada golpeador y superposición de cabezal y pearloid y vinculante de abulón y embutidos. Todos los modelos JEM10TH tener un único número de serie grabado en el golpeador. Se afirma que sólo se hicieron 852, aunque los mayores números de serie no existen. Otras características incluyen características típicas JEM como un cuerpo de tilo, pastillas DiMarzio Evolution y un trémolo Lo Pro Edge.

JEM90HAM
Hecha por el 90º Aniversario de Hoshino. Las características son casi las mismas de las del modelo JEM10; ambas comparten la misma madera, pastillas y tremolo. De las 831 JEM90HAM, 72 fueron comercializadas por Ibanez en los Estados Unidos.

El Ibanez JEM90HAM es una serie JEM modelo de guitarra eléctrica y modelo de la firma del guitarrista norteamericano Steve Vai . Se trata de un modelo de edición limitada en honor del 90 aniversario de la Hoshino Gakki empresa matriz en 1998. La cantidad es de 759 en todo el mundo. Las características incluyen un cuerpo de tilo con un acabado especial con textura, un diapasón de ébano, pastillas DiMarzio, y el trémolo Lo Pro Edge. Junto con el JEM90HAM, especial John Petrucci , Joe Satriani y Paul Gilbert modelos fueron puestos en libertad por el aniversario Hoshino.

JEM2KDNA
La característica más notable es el color, ya que Steve Vai agregó su sangre a la mezcladora de colores en la pintura. La relación de pintura y sangre es de 8:1 según los pintores de estas guitarras: Darren Michaels y Darren Johansen. Alrededor del mundo hay exactamente 300 guitarras.

JEM20TH
En el 2007 Ibanez anunció el vigésimo aniversario de las guitarras JEM. Esta guitarra es transparente, pero al elevar el tono se encienden los LEDs verdes haciendo que brille de adentro hacia afuera.

Es flipante verla brillar en la oscuridad.
Yo me volví loco cuando me trajeron mis púas glow que brillan en la oscuridad... pues imaginaros este guitarrón.

Nuevos modelos 2012
Jem 70V
Jem555
UV777

> Como tocar "Be Yourself" (AudioSlave) by GuitarFiero

2012-01-29T21:27:00.000+01:00

Estas son las tabs que doy por válidas
y las que utilizo para enseñaros a tocar
el tema en la vídeo lección...
OK?

Como tocar "Be yourself" de AudioSlave by Guitarfiero.

NOTA IMPORTANTE!!
Cuando empecé a grabar la vídeo lección me dí cuenta de que algo fallaba, no se, el sonido no se parecía mucho, que digamos, al original. Era más grave.

Me puse con unas nuevas tablaturas que fueran más fidedignas de lo que encontré en Songsterr y edité las que podéis ver en éste post.

Aún así, dejo las antiguas por si alguien quiere probarlas, echar un vistazo con otras afinaciones, etc. Pero aviso, las tabs utilizadas en el vídeo son las primeras que véis en el post, las de la imagen más grande.

Me flipa éste grupo. Hay muchos que se han colgado la etiqueta de supergrupos al estar formados por grandes músicos iconos de sus respectivas bandas. En la mayoría de los casos, el resultado ha sido una nefasta conjunción de individualidades mostrando su poderío personal sin llegar a elaborar grandes temas que queden en el recuerdo.

Sin embargo, AudioSlave es una nota aparte. Ya no por su aplastante éxito comercial y de crítica.

Estas tabs son las primeras que colgué
Cuando empecé con a vídeo lección
no me convencieron y las cambié por
las que tenéis más arriba.
Aún así las dejo.

En mi opinión, AudioSlave no tiene un tema que se pueda considerar flojo. No hay individualidades. A pesar de las rencillas que terminaron disolviendo ésta banda, eran, en cada uno de sus trabajos, un grupo, y eso se hace notar.

En ésta ocasión aprenderemos a tocar el primer Single del Disco "Out of exile".
He pillado las tabs que más me han convencido y le vamos a pegar un repasito al tema para ver como lo podemos hacer accesible a todos.

Para afinación estandar... lo de siempre...
Que os sirva...
Que os guste.

> Megadeth - Behind the Scenes of Public enemy No.1

2012-01-27T13:23:00.000+01:00

Como una simple curiosidad para pasar 5 minutillos de vuestras vidas os dejo éste "Behind the Scenes" del último single de Megadeth "Public enemy #1".

> Dreamtheater Colección de Guitar Pro

2012-01-27T12:49:00.000+01:00

Actualizado 27/01/2012

Anteriormente os subia songbooks que encontraba por internet y los podiais descargar en varios formatos como .pdf o .doc.

En algunos casos, la calidad de los mismos era nefasta, faltaba contenido, etc.

En otros casos, los enlaces simplemente habían desaparecido. Por eso he decidido subir los temas en formato .gp? (Guitar Pro) de ésta manera siempre serán legibles, imprimibles y nos resultará más fácil tener la lista actualizada.

El Guitar Pro es un programa de pago, pero hay un programa similar y compatible que es completamente gratuito. Hablo de TUXGUITAR y te lo puedes descargar desde AQUÍ.

COLECCIÓN GUITAR PRO DREAMTHEATER

> Slayer. Colección de Guitar Pro/ Tux Guitar Tabs

2012-01-25T14:33:00.000+01:00

Actualizado el 25/01/2012

Ya sabéis como va el rollo, no?

Lo que hago es meterme en las web de archivos de Guitar Pro y hacer una selección de los más descargados y los mejor valorados.

De ésta manera os evito mucha paja y mucho archivo basura.

Antes lo subía a Megaupload pero ya sabéis como está el tema, así que tengo que rehacer todo el trabajo para resubirlo a mi iCloud.

Es 100% legal, así que trankilos...
Guitarfiero.como no solo es legal, es 100% Gratuito, a ver quien puede decir lo mismo??.

Pues nada, que aquí os dejo la colección Guitarfiero.com de las tabs de Slayer para Tux Guitar y Guitar Pro.

DESCARGA AQUÍ Partituras de Slayer

> Machine Head. Colección de tabs de Guitar Pro/ Tux Guitar

2012-01-23T13:39:00.001+01:00

Machine Head se suma a nuestra lista de archivos Guitar pro.
Próximamente...

Como me han hecho la "p#tad@!" con el tema de Megaupload, las nuevas colecciones de archivos de Guitar Pro están tardando un poco, pq tengo que rehacer todo el trabajo (resubir a un servidor nuevo y volver a enlazar).

Pero a los más fieles no quería haceros esperar más, así que aquí os dejo la selección de archivos .gp de Machine Head.

Anteriormente os subia songbooks que encontraba por internet y los podiais descargar en varios formatos como .pdf o .doc. En algunos casos, la calidad de los mismos era nefasta, faltaba contenido, etc. En otros casos, los enlaces simplemente habían desaparecido.

Por eso he decidido subir los temas en formato .gp? (Guitar Pro) de ésta manera siempre serán legibles, imprimibles y nos resultará más fácil tener la lista actualizada.

El Guitar Pro es un programa de pago, pero hay un programa similar y compatible que es completamente gratuito. Hablo de TUXGUITAR y te lo puedes descargar desde AQUÍ.

COLECCIÓN GUITAR PRO MACHINE HEAD

> Colección de ejercicios para Guitar Pro/ Tux Guitar

2012-01-22T19:45:00.000+01:00

Post actualizado el 22/01/2012
Imagen linkada desde kittyshare.blogspot.com

Enlace Corregido!!!
En ésta ocasión he recopilado una colección de ejercicios para Guitar Pro/ Tux Guitar.

Hay muchas colecciones por ahí dando vueltas, es cierto, pero pocas están organizadas así.

Según estilos, técnicas, escalas, arpegios... es una compilación de varias colecciones donde pordemos dar "una vuelta" a través de estos ejercicios por todos los estilos y técnica.

Sinceramente, es un archivo imprescindible.
El índice es el siguiente:

EJERCICIOS
704 ejercicios para guitarra
Ejercicios de Bajo
Ejercicios de Blues
Ejercicios de Country
Ejercicios de digitación...
Ejercicios de improvisación
Ejercicios de Jazz
Ejercicios de técnica avanzada
Ejercicios de Violín
Ejercicios de Heavy Metal
Ejercicios de Rock n´ Roll
Ejercicios Warm up

FRASES
Frases de Country
Frases de Guitarra (Estilos)
Frases de Swing
Frases de Funk
Frases de Rock

TÉCNICAS
Acordes
Sweep
Escalas y arpegios
Shredding
Slide
Tapping

OTROS
Ejercicios Heavy Competitios
Ukelele (Hawaiian Guitar)

Para descargar el archivo es suficiente con que hagas click en el siguiente enlace.

COLECCIÓN DE EJERCICIOS GUITAR PRO/ TUX GUITAR

> Colección Megadeth de Guitar Pro/ Tux Guitar

2012-01-21T23:09:00.000+01:00

Actualizado el día 21/01/2012. Incluye los temas del disco "Th1rt3en"

Una colección más que queda actualizada. En ésta ocasión, además de lo que ya teníamos, incluimos los temas del penúltimo disco "Endgame" y del último disco "Th1rt3en". Además he añadido los temas más y mejor valorados y un archivo con el "Rust in peace" completo. Y como nos han jodido con el tema de Megaupload lo subimos a ZShare.

Si, Tabs de "Th1rt3en" incluidas :)

Anteriormente os subia songbooks que encontraba por internet y los podiais descargar en varios formatos como .pdf o .doc.

En algunos casos, la calidad de los mismos era nefasta, faltaba contenido, etc.

El Guitar Pro es un programa de pago, pero hay un programa similar y compatible que es completamente gratuito. Hablo de TUXGUITAR y te lo puedes descargar desde AQUÍ.

COLECCIÓN GUITAR PRO MEGADETH

> AC/DC Song books para descargar!!!

2012-01-21T10:48:00.000+01:00

No voy a entrar a comentar el cierre de Megaupload ni sus consecuencias porque para lo que me interesa me parece perder el tiempo. Lo que si, es que a mí me han jodido, pq aquí tenía metidas las tabas de Guitar Pro.

Así que a rehacer todo ese trabajo...
Aún así, pido disculpas por las molestias y comunico que ya estoy en ello.

Anteriormente, os subia songbooks que encontraba por internet y los podiais descargar en varios formatos como .pdf o .doc.

En algunos casos, la calidad de los mismos eran nefasta, faltaba contenido, etc.

El Guitar Pro es un programa de pago, pero hay un programa similar y compatible que es completamente gratuito. Hablo de TUXGUITAR y te lo puedes descargar desde AQUÍ.

COLECCIÓN GUITAR PRO AC/DC

> Dave Grohl Master Class. Como tocar "The Pretender" y "Rope"

2012-01-20T10:32:00.001+01:00

Extraido de guitarworld.com os dejo ésta vídeo-lección entrevista con Dave Grohl, lider de Foo Fighters, donde nos habla sobre el proceso de grabación del disco Echos, Silence, Patience and Grace .

En la primera parte nos enseña a tocar "The pretender"...
Parte 2: "Rope" habla sobre la escritura de Dave "Rope", el primer sencillo del nuevo álbum de Foo Fighters, Perdiendo la Luz, y revela un sorprendente álbum de Led Zeppelin favorito.

Y de paso os dejo ésta vídeo lección de propina!!!

> Como tocar "Hard as a Rock" (AC/DC) by GuitarFiero

2012-01-17T09:53:00.002+01:00

Tabs imprimibles de
Hard as a Rock.
Ya sabéis como va, no?

Como tocar Hard as a Rock (AC/DC) by GuitarFiero

Hard as a Rock es una canción y un sencillo de la banda australiana de hard rock AC/DC.
Es el primer single del álbum de estudio Ballbreaker, lanzado en 1995 y se convirtió en su segundo Nº1 en la la lista Rock Tracks Albums, después de "Big Gun", lanzado en 1993.

Las actuaciones en vivo de la canción se incluyen en el DVD de AC/DC, No Bull (de los cuales una versión de audio se encuentra en la edición australiana de Stiff Upper Lip) y Stiff Upper Lip Live y también aparece en el DVD recopilatorio Plug Me In, lanzado en 2007.

Es un tema sencillito que nos va a servir para aprender un par de acordes un poquito más complicados de lo que hemos visto hasta ahora.

Además veremos el juego que puede dar acompañar notas com una cuerda al aire (en el primer Riff)
Para afinación estandar... lo de siempre.

Que os sirva...
Que os guste...

> Colección de tabs en Guitar Pro/ Tux Guitar de Offspring

2012-01-15T11:09:00.000+01:00

Como ya sabéis, lo que hago es seleccionar los archivos más y mejor votados de internet para hacer éstas colecciones.

Y una más para completar la selección!! He recopilado la colección de archivos de Guitar Pro de Offspring...del que poco a poco irenmos aprendiendo a tocar sus temas, ya que es un buen grupo para los más novatos.

Offspring es rápido y divertido de tocar. Como ya sabéis hacen Punk Californiano... aunque ocn los años han tocado bastantes palos.

Como sabéis, intento que todo el material posteado sea gratuito, por lo que, si necesitáis un programa para poder disfrutar de estos archivos, os recomiendo TuxGuitar.

En la sección software podéis encontrar un post del programa desde donde, además, lo podréis descargar, como ya he dicho, de manera gratuita.
O mejor aún... haz click aquí para descargártelo.

Uno más para la colección.

Descarga las tabs de Offspring desde ~~Megaupload~~ ~~ZShare~~ haciendo click aquí.

> Como tocar "Run to the Hills" (Iron Maiden) by Guitarfiero

2012-01-13T23:15:00.000+01:00

No es por estas cosas por las que nos
apasiona Iron Maiden...
Pero ayuda ¿eh? ;)

Otro de los éxitos que hicieron grande al padre de la criatura.

Como tocar "Run to the Hills" de Iron Maiden con guitarra.

(Con que si no?)

No es casualidad que este temazo haya sido escrito y compuesto por Steve Harris.
Harris es el miembro de la banda que más se implica en la composición de los temas (reconocido por todos los miembros de la banda) y el 90% de los éxitos de Maiden han sido compuestos por el Hammer (como se conoce a los hinchas del West Ham United).

Esta canción, la primera del álbum Number of the Beast (a quien no le suena?) editado el 29 de Marzo de 1982 trata sobre la conquista de los indígenas americanos por parte de los colonialistas Ingleses...

Como siempre adjunto las tabs
imprimibles para que no os falte
de nada, click, imprimir...

Ya sabéis como terminó la historia no?. Es uno de los himnos de la banda por lo poderoso de la voz de Dickinson.

Lanzado como sencillo del álbum, fue el primero grabado con el "nuevo" cantante de la banda, Dickinson, que sustituía al no menos carismático pero menos profesional Paul DiAnno.

Calificada en el puesto 27 de 40 de la lista de mejores temas del Metal desarrollada por VH1.

Vamos a ver una versión "accesible" para que todos podamos disfrutar de éste temazo.

Como ya sabéis tenéis una colección de tabs del grupo en la sección tabs para guitar pro y tux guitar, aún así os pongo el enlace a Songsterr para que no tengáis que estar buscando.

>>RUN TO THE HILLS<<
Para afinación estandar, os digo lo de siempre.
Que os sirva...
Que os guste...

> ¿Está muriendo el Rock n´Roll?

2012-01-13T11:01:00.002+01:00

Acabo de leer una entrevista que la magazine Billboard (la encargada de las famosas listas de ventas) a hecho a Dave Grohl, (Nirvana, Foo Fighters, Probot).

Dave es un tío que habla claro. Se lo puede permitir ya que palabra solo tiene una, es sincero con el mundo y consigo mismo. Es uno de los músicos más destacados y respetados por todo lo que a aportado a este mundo.

Se presentó en Madrid diciendo que los Foo Fighters era la mejor banda de Rock que ha tocado en Madrid (bueno, que por aquí han pasado unos tal AC/DC, Rolling Stones, Bruce Springsteen...) pero se lo admitimos... Es dueño de uno de los estudios de grabación más importantes del planeta, es uno de los mejores baterías del mundo aunque en los Foo sea guitarrista y vocal... en fin, si me pongo a hablar de sus proyectos como Probot, no paro, así que vayamos a lo que quería comentar a partir de su entrevista.

En la misma, asegura que el panorama musical actual no difiere mucho del que había en 1991 cuando Nirvana explotó en éxito. La cuestión es, ¿se vende poco por el impacto de la piratería en internet o hay más motivos?.

Según Dave, se vende poco por que los discos son una mierda. Habla sin tapujos del éxito de Adele con sus discos "21" más vendido del 2011 y su album "19" que fue el más solicitado.
"Si todos los álbumes fueran como el de Adele se venderían más discos", sentencia. Y esto lo dice un artista que mantiene, disco tras disco, sus números de ventas (casi me atrevo a decir que los aumenta).
"El disco de Adele es un fenómeno porque es jodidamente bueno y es real"... y es por eso por lo que se vende. "Imagina que todos los discos que salieran tuvieran la calidad del de Adele, ¿no crees que se venderían más?" (Zas!! en toda la boca!!). Y es que en mi opinión, la industria discográfica se ha subido al carro del icono rápido que nos llene los bolsillos con un disco.

Si haces un repaso a las listas, ¿¿que hay de los grupos que vendieron "algo" hace 10 o 20 años??.
De esos solo quedan los que eran realmente profesionales y no los Vanilla Ice de turno que aprovecharon un momento concreto con una canción concreta, se forraron, recogieron y se fueron.

Como dice Dave "pregunta a los chicos de AC/DC a ver si el Rock n´ Roll está muerto."
AC/DC también está en la red y también es víctima de la piratería y aún así ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo. Y no es por la "marca" del grupo, es porque cada disco de AC/DC es un disco de calidad... son buenos de cojones.

Pero no. Los sellos discográficos cogen un grupo de chavales a los que les ponen las típicas pintas de turno. Los visten como a payasos sin personalidad y les "clavan" los temas "1,2,3..." que han de tocar... una reiteración de acordes que pretenden ser innovadores. De cada estilo, cada discográfica pretende sacar el grupo insignia de ese estilo de música.

Con nombres y apellidos. Se puso de moda rapear el heavy Metal y empezaron a salir bandas tipo, P.O.D, Ill Niño, Linkin Park, Limp Bizkit, Evanescense... y a partir de ahí imitadores y más imitadores con algún ramalazo cogido de aquí y de allí... ¿¿que tienen que aportar esos grupos?? Un disco, dos a lo sumo.
Cuando surge un estilo nuevo son los precursores los que triunfan simplemente porque son los que se han arriesgado, porque son auténticos y tienen personalidad, los demás suelen llegar tarde y mal, y eso las discográficas no lo entienden. Hay que reconocer que de toda esa basura sale alguna canción que vale la pena, pero, ¿comprarte un disco de mierda solo por una cancion?... internet.

Que malo es no hacer autocrítica.
Nadie se pregunta porque grupos como Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax... (fíjate, los big four que crearon el Thrash) mantienen sus ventas. Es muy sencillo, tienen personalidad, pero no solo eso. Es gente involucrada en su trabajo que no lo hacen por la "pasta". Siempre han buscado algo más, lanzar un mensaje, romper normas establecidas, ser rebeldes. Cojo los últimos discos de Megadeth y aprecio evolución, no comercialización. Se nota que son discos trabajados desde el sentimiento, desde el esfuerzo, siguen una linea personal que define el propio Dave, y lo mismo pasa con Metallica, Slayer, Anthrax... que mantienen o incluso aumentan sus ventas.

¿¿Entonces, que es lo que dice la industria discográfica que esta muriendo??
Todo esto es cuestión de "pasta" y su manera de hacer las cuentas es la siguiente.
Los usuarios de internet (así, generalizando, con dos cojones!) han descargado un millón de canciones. De ese millón de canciones, 900.000 son basura que duran un mes en tu ordenador y de las otras 100.000 es seguro que más de una las tengamos en CD´S originales (lo que se conoce como descargarte una copia de seguridad que es más cómodo que extraer el cd). Si "bloquean" ese tráfico, dejaremos de descargarnos esas 900.000 canciones, pero es que tampoco las compraremos pq sabemos distinguir entre lo que es basura comercial y lo que es auténtico Rock, por lo que el dinero que se saque la industria discográfica será exactamente igual... O TAL VEZ MENOS!!! porque muchos usuarios (yo incluido) utilizamos internet para conocer esos grupos y si nos convencen, otro disco más que venden.

Así que, yo ya me he quedado agusto escribiendo este artículo. Si alguien de la industria lo lee solo añadir... Haga autocrítica, sea original y no haga tanto caso de Alejandro Sanz ni fauna del estilo.
Haga caso de los rockeros y sea original. Un ejemplo, uno de los discos de más éxito de Radio Head se distribuyó a través de internet y se forraron "con la voluntad" que era lo que costaba el disco.
Trent Reznor, (NIN) que para el que no lo sepa, entre otras cosas ha ganado un Oscar, a regalado discos a través de su web... y el tío no es pobre, pero no están intentando colar cintas de gasolinera como éxitos mundiales y no cuela, y piensan que no cuela por la piratería de internet.

Fdo: Dave "Fiero" López.

> Los Record Guinnes de Guitarra (algunos de ellos)

2012-01-11T20:23:00.003+01:00

Logotipo de la Fundación World Record Guinnes
encargada de verificar y notificar todos los records
mundiales sean de la categoría que sean.

De casi cualquier cosa que se os ocurra se puede optar por entrar en el libro Guinness de los Records y una disciplina como la guitarra no va a ser menos.

A continuación vemos algunos de los records conseguidos por y para este instrumento.

Espectaculares, curiosos, graciosos...
La guitarra es todo un mundo en si y en cualquier rincón del mundo ha de estar presente.

El guitarrista más rápido del mundo.
En 2008 Tiago Della Vega hizo su intento por entrar en el famoso libro de los records y lo consiguió, demostrando así ser la persona más rápida del mundo en toda la historia "pulsando" o tocando una guitarra. El vídeo es espectacular ya que incrementa poco a poco la velocidad de ejecución para terminar en 320 bpm... flipo.

El tema utilizado para este record es un fragmento de la ópera El Zar Saltán conocido como El vuelo del moscardón compuesto por Rimski-Korsakov.

Pero todo record está para ser batido, así que en 2011 se le acabó el reinado:

Por que al ver lo visto, el amigo del vídeo que viene a continuación, Jhon Taylor, se puso a darle a las cuerdas para superar dicho record.

Cuando ves el vídeo te dan ganas de partirle la guitarra en la cabeza... la tuya claro, pq se te quitan las ganas de seguir tocando (A ver, abro este paréntesis para explicar que este comentario es con todo el cariño y todo el respeto, que hay gente corta de comprensión)

Pero no acaba ahí la cosa, pq ya sabéis la tendencia del hombre de demostrar quien es el macho alpha, por lo que aquí hay pique. Antes de nada aclarar que no se quien de los dos es más rápido porque la información que encuentro en internet es algo confusa, pero por lo que he leido, Tiago Della Bella batió el Record nuevamente en Octubre de 2011.

La clase on-line más larga.Otro de los records mundiales referentes al tema ya lo comentamos en éste guitarfiero.com cuando el pasado marzo 2011 Steve Vai batió el record de la clase maestra on-line más larga de la historia. Lo logro en colaboración con la Berkelee College of Music con la que comparte proyectos.
Vai ofrecio una clase online gratuita en la que dará un repaso a su técnica y se centrará en como un guitarrista puede desarrollar y mejorar su técnica y forma de tocar en general.

Mayor número de guitarristas tocando al mismo tiempo.

El evento tuvo lugar en el centro histórico de Wroclaw, Polonia - una ciudad que ha asumido el título de "Guitar Wroclaw City" - un título que parece merecido.

Hasta el alcalde, Rafal Dutkiewicz, no solo se ha volcado con el proyecto desde sus inicios en 2003 si no que además fue una de las 6436 personas que ayudaron a batir dicho record.

El record en cuestión consistió en tocar el tema "Hey Joe" de Jimmy Hendrix a la vez, logicamente, pero no se quedó ahí la cosa ya que aprovechando se tocaron un par de temillas más como era de esperar.
El impulsor/ fundador del evento fue (y es ya que es un programa educativo) Steve Morse (Deep Purple).
Aparte de los presentes fisicamente en el evento, hubo participación on-line de grandes guitarristas repartidos por todo el globo. Uno de sus objetivos, aparte del de batir el record guinness es el de conseguir proclamar el día 01 de Mayo como "Día Mundial de la guitarra".

Más tiempo (continuado) tocando la guitarra.
El guitarrista dublines Dave Browne rompió el Guinness otorgado al guitarrista que esté durante más tiempo tocando la guitarra. Nuestro amigo estuvo nada más y nada menos que 5 días.
Pero parad a pensar una cosa, nuestro amigo tocó 1372 canciones... el prenda se sabe 1372 canciones!!
Como buen dublines el record lo batió en un pub (no es coña) y estuvo en concreto 114 horas y 20 minutos.
Las reglas establecen que podía parar 30 segundos entre canciones (para mirar tabs?) y 40 minutos cada 8 horas.
A ver, parar 40 minutos después de 8 horas puede hacerte pensar que no es para tanto el record... pero después de 5 dias!!?? Yo flipo!! Ah!! y sin ayuda de guitar pro.

Record Guinnes de Guitar Hero
Annie Leoung es una estrella entre un billón, ya que esta hottie posee el record mundial de puntuación con una canción del video juego Guitar Hero 3 con el tema Through the fire and flames. Hizo 789349 puntitos... joder, hay que tener vicio no?

Ya se que esto no va con el mundillo de las seis cuerdas pero al menos es curioso, no?
Es que encima la amiga no está mal... en fin, os la dejo con un temazo de Megadeth (Sweeting Bullets)
Una cosa... a que molan las guitarras!?

Por cierto... NO TIENE NI PUTA IDEA DE TOCAR UNA GUITARRA DE 6 CUERDAS!!!
Pero aún así ya es una tia famosa y está haciendo una pasta con el tema del Guitar Hero!!

> ¿Que cuerdas le pongo a mi guitarra?

2012-01-07T23:48:00.000+01:00

Sé que la foto parece que no viene al caso.
Pero la he sacado del foro de Ernie Ball.
Así que algo tendrá que ver...
¿No?

Hay diferentes tipos de cuerdas y una de las características que las diferencia es el calibre Calibre (Gauge). El tipo de la cuerda depende de su corte transversal y por eso es su numeración, esta se refiere al diametro y esta medido en milipulgadas (milesimas de pulgada).

Mientras mas grueso el diametro mas pesada la cuerda.
Las cuerdas mas pesadas requieren de mas tension para dar el tono y como consecuencia se necesita hacer mas presión al tocar.

Eso si, las cuerdas mas pesadas producen un tono mas fuerte y mas grueso (si a tu instrumento le cambias cuerdas de diferente calibre de las que tienes, podría ser necesario ajustar la altura de las mismas para que te sea mas facil tocar, y a su vez evitar ese rasgueo llamado buzzing que se escucha a veces al subir y bajar de un traste a otro y deberas ajustarlas de acuerdo a tu estilo de musica y comodidad para tus dedos.

Para hacer éste artículo práctico vamos a ver unos pocos supuestos e indicaremos el tipo de cuerda que más se adapta a cada caso. Al mismo tiempo veremos las características de las cuerdas.

Por lo general, el calibre de la guitarra se indica con el tamaño de la cuerda 1 y en algunos casos con el de la 1+6. y veremos que es, por ejemplo, 0.9.

Nosotros utilizaremos cuerdas de acero que las hay de varios tipos, con revestimiento, niqueladas, coloreadas, con trenzados especiales para evitar roturas.

Toda esta tecnología depende de la marca. así que os recomiendo que las vayáis probando y comprobéis con cual os encontráis más cómodos.

CASO 1. Nuestra primera guitarra

Por lo general, cuando te compras una guitarra nueva, ésta viene con unas cuerdas 0.10.
Digamos que es un estandar. Es aconsejable que le cambiemos las cuerdas a las guitarras que nos compramos porque no sabemos cuanto tiempo han estado "a la sombra" sin que nadie las utilice, no sabemos las condiciones ambientales que han tenido, el cuidado que han tenido con ellas...

Pero claro, somos novatos y cambiar las cuerdas no es lo que más nos apetezca, así que seguimos con esas.
Dentro de los calibres más normales se encuentra también el 0.9 y el 0.11... Lo digo porque tarde o temprano se nos partirá una cuerda y tendremos que cambiarla... y si se lo vas a decir a tu amigo que te las cambie, que se tire el rollo y te las cambie todas.

Como te imaginaras después de haber sacado un pequeño cayo en los deditos de tu mano, el calibre influye en la presión que debemos hacer sobre la cuerda, así como en la fuerza para marcar los bends, etc.

Desde que cambié las cuerdas de mi guitarra me pasé a un calibre 0.9 y ahí me quedo. He probado otros calibres pero es con este con el que me siento cómodo. A lo mejor tu tienes más fuerza en los dedos o los tienes "jamoneros" y prefieres un calibre más grueso, por eso lo de probar.

Por lo que ya he contestado al...
...CASO 2. Ya tenemos experiencia.

Para este caso lo dicho, prueba varios calibres antes de lanzarte a por uno en concreto. Ten en cuenta el tipo de música que haces y tus características físicas. Digamos que si te cuesta apretar con fuerza, hacer tensión y tocas un estilo melódico te tienes que tirar por los calibres más suaves (hay un 0.7 pero es demasiado debil para mi gusto) así que coge un 0.9 que es suave pero te sirve para (casi) todo.

Por el contrario si eres un tio con dedos grandes, mucha fuerza en las manos y/o tocas un metal más pesado, quédate con las 0.10 o pasa a las 0.11.

CASO 3. Tocamos Nü Black Death Gore Funeral Metal más bruto que una garrota.

Como hemos indicado al principio, el calibre de la cuerda influye en la tensión de la misma para alcanzar la nota. Lo que quiere decir que con un calibre 0.13, para alcanzar el tono e (pej) deberíamos tensionarla una barbaridad y no exagero al decir que nuestro mastil sufriría.

Pero para afinaciones más bajas tipo Slipknot es un calibre que viene perfecto por varias cosas.
Lo primero, como os habréis imaginado es que podemos bajar 2 y 3 tonos la afinación y la tensión es correcta. No se nos queda colgando la cuerda como las tetas de una octogenaria.

Prueba a hacer eso con un calibre menor y no podrás más que estirar las cuerdas.
Además ese grosor nos da para hacer mucho el bruto. Golpea todo lo que quieras que para partir eso...
Lo único que los punteos, bends y demás tendrás que hacerlo en las cuerdas bajas pero... ¿que problema hay si tocamos lo que tocamos?

SOBRE MARCAS, TIPOS MODELOS...

Esto es como las zapatillas, todos tenemos nuestras preferidas. Yo he probado Dunlop, Ernie Ball, Blue Steel de Dean Markley... éstas últimas son con las que más contento estoy, pero tened en cuenta de que es una opinión personal, a lo mejor a vosotros os va otro tipo de cuerda.

Como en todo, las cuerdas también tienen su tecnología (lo había mencionado)?
Y cada marca tiene sus patentes. Recubrimientos especiales para ganar en resistencia y flexibilidad, trenzados extrafuertes para evitar que se partan, tratamientos especiales para alargar su vida.
Todo eso está muy bien, pero lo más importante es que vosotros os sintáis a gusto con vuestra guitarra.

Las marcas más solicitadas son, como ya he dicho, Ernie Ball, Dunlop, Dean Markley... y como curiosidad os aconsejo que echéis un vistazo a las Aurora Strings, ya que las hacen de colores.

Ésta tabla nos dará una idea del tipo de calibre que pordemos encontrar

Calibres Nylon Strings (Para acústicas): (pulgadas)

.028     .032     .040     .030     .035     .043
  e        B        G        D        A        E
 1st      2nd      3rd      4th      5th      6th

Calibres Silk & Steel Strings: (same order)

.011     .014     .023     .028     .038     .047

Calibre Steel Strings(same order)

Extra Light   .010   .014   .023   .030   .039   .047
Light         .012   .016   .025   .032   .042   .054
Medium        .013   .017   .026   .035   .045   .056
Heavy         .014   .018   .027   .038   .048   .059

Calibres para guitarras de 12 cuerdas Light Gauge Steel Strings (estandar)

.010  .010    .014  .014   .023  .009    .030  .012   .039  .018     .047  .027
 1st   2nd     3rd   4th    5th   6th     7th   8th    9th   10th     11th  12th

> Lección de acordes. Mayores I/II

2012-01-05T12:38:00.000+01:00

Ya sois varios amigos los que me habéis pedido que haga algunas vídeo lecciones sobre acordes.
Como marcarlos, como y cuando ejecutarlos, como enlazarlos.

Lógicamente son unos cuantos como para resumirlo en uno o dos posts y ya sabéis que a mi me gusta explicarlo claro y poco a poco para que todos lleguemos.

Así que voy a dividirlo en varios post y voy a empezar como es lógico por los 7 tonos mayores. (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si)... más tarde veremos sus menores, los medios tonos de ambos...

Me he apoyado en las ilustraciones del ChordBook de Jamorama ya que es gratuito y como esto es sin ánimo de lucro no hay problema. Por cierto, os lo podéis descargar, como ya comenté en otro post, desde aquí.

He preparado ésta imagen para que os sirva de guía y para que lo tengáis todo a mano.

Como veis los acordes se marcan con los dedos "x" en las posiciones "x".

Lo que voy a hacer en la vídeo lección será un repaso a estos acordes, os daré algún consejito que otro a la hora de ejecutarlos y veremos un par de trucos para pasar de unos a otros.

Todo esto nos servirá para futuras vídeo lecciones sobre temas de diferentes tipos de música, saldrá una curiosa vídeo lección que ya tengo en mente y para mucho más.

Como siempre, que os guste, que os sirva...

Y por el momento, paciencia que lo estoy preparando.

> Como tocar "Hells Bells" (AC/DC) By GuitarFiero

2012-01-04T21:12:00.000+01:00

Tabs imprimibles de "Hells Bells".
Ya sabes... click y... bla, bla, bla...

La primera del año va a ser para AC/DC.!!

Como tocar "Hells Bells" en guitarra.

Hells Bells (Campanas del infierno) es la primera canción del álbum Back In Black(1980), primer disco después de la muerte de Bon Scott, y primer disco en el cual Brian Johnson es el cantante.

La canción comienza con cuatro campanadas y entra con el ya famoso Riff inicial de Angus Young. Eventualmente empiezan a aparecer Malcolm Young, con una segunda guitarra, el bajo de Cliff Williams y la batería de Phil Rudd.

La canción fue escrita como homenaje para el ex cantante de AC/DC(ya fallecido),Bon Scott.
La canción aparece también en el álbum Who Made Who.

Después del ataque terrorista del 11 de septiembre, el tema figuró en la lista de canciones inapropiadas post 9-11, distribuida por Clear Channel. Ya sabéis... las gilipolleces Yankees...

Tambien es usada como himno por el FC St. Pauli (equipo de futbol aleman).
Para afinación estandar.

Que os sirva...
Que os guste...

> Guitarras de Leyenda. Gibson LesPaul

2012-01-03T11:32:00.000+01:00

Al igual que pasó con la Stratocaster, las LesPaul de Gibson superaron la etiqueta de "modelo" para convertirse en un estandar.

Cinco modelos presentan ésta LesPaul. Hay algunas cosas que no entiendo como esas pinturas de guerra
a lo fútbol americano, pero bueno, supongo que de lo que se trata es de crear una metafora
con la mayor característica de ésta guitarra... las curvas.

Ya no es necesario pensar en Gibson cuando hablamos de un modelo LesPaul (o Paula en algunos círculos, una traducción un tanto libre, pero bueno). Todas las marcas trabajan sus adaptaciones del cuerpo de guitarra eléctrica con más solera de la historia.

Salpicada (Gibson) por la polémica en los últimos años, por usar maderas nobles protegidas por varios países en la creación de sus LesPaul de gama alta, el universo que rodea a esta preciosa es infinito y no para de crecer.

Fue creada a inicios de 1950 por Ted MacCarty y el guitarrista Les Paul (más famoso por su creación instrumental que musical). Cosas del marketing, dejó de construirse a eso de 1960 en detrimento de la también legendaria SG. El por qué de ésta decisión es que Fender se estaba llevando todo el mercado con su Stratocaster.

Gibson volvió a fabricarla (y no dejó de hacerlo) en 1968. Como no, modelos hay mil y las variaciones son infinitas.

Se trata de una guitarra de cuerpo macizo —sin caja de resonancia— generalmente de caoba y con una tapa convexa de arce, cuyo acabado puede ser tanto en colores opacos como en otros traslúcidos que permiten ver las vetas de la madera.

El mástil, encolado, lleva inserta un alma regulable y está rematado por un diapasón de 22 trastes, que suele ser de palo rosa. Incorpora dos fonocaptores o «pastillas» de bobinado doble o «humbuckers» y un puente Tune-O-Matic sin palanca de vibrato, todos patentes de la propia fabricante del instrumento. Estas características generales se ven alteradas en algunos modelos, tanto por parte de Gibson como por algunos de sus usuarios.

Origen La Gibson Les Paul debe su nombre al guitarrista Lester William Polfuss, conocido artísticamente como Les Paul. El instrumento fue resultado de su trabajo conjunto con el equipo del inventor y presidente de Gibson Guitar Corporation, Ted McCarty.

Les Paul, en su época era un músico pionero en las técnicas experimentales de grabación, había construido ya en 1941 un extraño prototipo de guitarra eléctrica de cuerpo macizo conocido como «The Log» («El leño»). Para que os hagáis a la idea era una especie de Jean Michelle Jarre en el mundo de la guitarra. Lejos de ser un purista siempre quiso innovar y revolucionar el mundo musical, tanto en sus ritmos como en sus instrumentos. Si de aquello no salía una guitarra era lo de menos, habría creado un instrumento nuevo.

Su intención era solucionar los problemas de acople y de duración de las notas, habituales en las guitarras de cuerpo hueco y provocados por su caja de resonancia. Conseguido un permiso para utilizar los talleres de Epiphone, adosó las dos mitades del cuerpo de una guitarra de la marca a un tablón de madera de pino, sobre el que estaban montados el mástil, el puente, el cordal, y dos fonocaptores; el tablón procedía del poste de una cerca, el mástil pertenecía a una guitarra Gibson, los fonocaptores y circuitos se fabricaron a partir de las piezas de un teléfono y un reloj, y las dos mitades de la Epiphone se añadieron solo para que el instrumento resultara menos chocante. El prototipo se considera de hecho como el primer modelo desarrollado a partir de la guitarra española —para entonces ya existían modelos basados en la guitarra hawaiana— y se conserva en el Museo y Salón de la Fama del Country en Nashville.

«El leño» sería utilizado por Les Paul tanto en sus actuaciones en directo como para sus grabaciones de estudio con otros artistas como Bing Crosby o The Andrew Sisters. En 1946, Les Paul se puso en contacto con la firma Gibson —recién adquirida por Chicago Musical Instruments— y presentó su instrumento con la propuesta de fabricar una guitarra de cuerpo macizo. Maurice H. Berlin, entonces presidente de la compañía, rechazó con sorna la idea de Les Paul refiriéndose a su prototipo como «esa escoba».

En 1950, el lanzamiento al mercado de la Telecaster, primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo, con enorme éxito, hizo que los responsables de Gibson cambiaran de idea y se plantearan responder a la competencia de Fender con un modelo de alta gama siguiendo la tradición de la firma, para lo que contactaron de nuevo con Les Paul en 1951.

Así que empieza la producción de la leyenda.

El resultado fue la aparición de la Les Paul Standard Goldtop en la primavera de 1952, primera de las guitarras producidas por Gibson con la denominación «Les Paul».

El cuerpo de la guitarra estaba construido en caoba y rematado por una tapa convexa y maciza de arce, lo que le daba un aspecto similar al de los violines y a las tradicionales guitarras «arch top» popularizadas por Gibson, tal y como propuso Maurice Berlin, luthier de la firma, mientras que el acabado en oro que daba nombre al modelo se debe al propio Les Paul.

El mástil, encolado, incluía un alma regulable y marcadores incrustados en los trastes del diapasón.19 Los dos fonocaptores eran los habituales «P-90» de bobinado simple o «single coil» fabricados por Gibson desde 1946. Sin embargo, el diseño de este primer modelo, todavía muy bisoño, acumulaba muchos problemas que hacían de él un instrumento incómodo de tocar.

Su autoría es muy discutida, ya que según el propio Ted McCarty, la aportación de Les Paul se limitó a la elección del color, a la forma trapezoidal del cordal, y a estampar su firma en el clavijero al objeto de incrementar las ventas. Pero éstas resultaron muy inferiores a las de otros modelos de cuerpo semi macizo que ya comercializaba la firma, como la Gibson ES-150 —enfocada al blues— y la Les Paul Goldtop estuvo a punto de ser retirada del mercado. El siguiente modelo, la Les Paul Custom, apareció a principios de 1954 cuando Les Paul, insatisfecho con el anterior, consiguió imponer sus mejoras.

Se modificó el ángulo del mástil y se rebajaron los trastes; el cordal se sustituyó por otro cilíndrico; y se instaló un fonocaptor «Alnico» junto al mástil, en lugar de uno de los «P-90». El color negro, elegido por Les Paul para el acabado, le ha hecho ser conocida popularmente con el sobrenombre de «Black Beauty». Durante ese mismo año, las Gibson Les Paul comenzaron a ser equipadas con el nuevo puente Tune-O-Matic. Dado que tanto la Goldtop como, especialmente, la Custom, eran dos modelos de muy alto coste, Gibson optó en los años inmediatamente siguientes por introducir una gama más económica de guitarras Les Paul destinada a los principiantes, con un acabado más sencillo y una electrónica menos sofisticada.

Así, apareció la Les Paul Junior (1954) con tapa plana y un solo fonocaptor; la Les Paul TV (1954), cuyo nombre y acabado —natural, en color mostaza— fueron señaladas como una alusión explícita a su directa competidora, la Fender Telecaster; y la Les Paul Special (1955), con el aspecto de la Les Paul TV pero equipada con dos fonocaptores. A partir de 1958, todos estos modelos sufrirían un cambio destacado en su apariencia, como era el añadido de un segundo «cutaway», por encima del mástil, para favorecer el acceso a los trastes más altos; continuarían fabricándose hasta 1960, cuando finalmente el nuevo diseño daría lugar a un cambio de nombre en el modelo, abandonándose temporalmente la denominación «Les Paul». Ese <<cutaway>> es el "bocado" de las SG. Vamos, que las SG son LesPaul "mordidas".

En 1958 apareció la Les Paul Standard. Con ella se introdujo una modificación fundamental en el modelo, al incorporar los primeros fonocaptores de bobinado doble o «humbuckers», que reducen las interferencias y el ruido frecuentes en los fonocaptores «single coil». El ingeniero Seth Lover desarrolló el invento para Gibson en 1955, pero la patente no fue concedida hasta 1959, de modo que las primeras unidades se comercializaron con la inscripción «Patent Applied For», cuyas siglas (P.A.F.) han dado nombre a los fonocaptores del período 1958 a 1959, y por extensión a las guitarras Les Paul Standard que los incorporan —posteriormente, éstos seguirían siendo fabricados por la propia Gibson bajo el nombre Burstbucker o suministrados por otras empresas especializadas—.

Además, el grosor del mástil fue rebajado, y se adoptó el color «Cherry Sunburst» para el acabado del cuerpo; de ahí que se utilizara con frecuencia el nombre de Les Paul Standard Cherry o Les Paul Standard Cherry Sunburst para designar a esta guitarra, considerada como uno de los modelos más perfectos de entre las guitarras eléctricas de cuerpo macizo jamás fabricados.30 Como ocurre con todas las variantes de la Les Paul introducidas hasta entonces, la Les Paul Standard dejó de producirse en 1960 en favor de la nueva Gibson SG, de modo que el número de unidades producido en su primera etapa es muy reducido en comparación con las fabricadas a partir de 1968, y se han convertido, al margen de su calidad sonora, en piezas de coleccionista con carácter de inversión más que instrumentos musicales.

Las ventas de la Les Paul comenzaron a caer en 1960 debido a la competencia de marcas como Fender, en especial con su modelo Stratocaster, con un doble «cutaway» que permitía alcanzar los trastes más altos sin dificultad, disponía de una eficiente palanca de trémolo, era mucho más ligera y además, mucho más barata. En respuesta, en 1961 Gibson modificó el modelo de la Les Paul reduciendo el grosor del cuerpo y añadiendo el «cutaway» superior, por encima del mástil.

Además incorporó una palanca de trémolo Vibrola sobre el puente Tune-O-Matic. Estas modificaciones se hicieron sin el conocimiento de Les Paul, que cuando advirtió estos cambios, se negó a que el modelo llevara su nombre; oficialmente, por el problema de los derechos de autor en pleno proceso de su divorcio de Mary Ford, pero era evidente que no le gustó nada el nuevo diseño. De modo que Gibson tuvo que retirar en 1963 la marca Les Paul del clavijero y sustituirla por la denominación simple SG, abreviatura de Solid Guitar o guitarra de cuerpo macizo. Éste sería el nuevo estándar de las guitarras eléctricas Gibson, hasta la reintroducción en el mercado de las Les Paul Standard, Les Paul Custom y otros modelos a partir de 1968, aunque la Gibson SG no dejó de fabricarse y continúa haciéndose en la actualidad.

Los guitarristas que han rasgado las cuerdas de ésta preciosidad son incontables.
Se hace una lista en la wikipedia que os voy a "pastear" aquí para que os hagáis una idea.

Entre los usuarios que popularizaron el modelo se encuentran: Jimmy Page de Led Zeppelin, Duane Allman de The Allman Brothers Band, Bob Marley, George Harrison, John Lennon y Paul McCartney guitarristas solistas de The Beatles,Robert Fripp de King Crimson, Billy Gibbons de ZZ Top, John Fogerty, Gary Moore o Carlos Santana. Eric Clapton también popularizó su uso, aunque hoy día se le identifica más con la Fender Stratocaster.

En el glam rock de la década de 1970, también destacó su uso, gracias a Mick Ronson de David Bowie, Ace Frehley ex-guitarrista líder de KISS, Adrian Fisher³⁵ y Trevor White³⁶ de Sparks, Johnny Thunders y Sylvain Sylvain de The New York Dolls, Marc Bolan de T. Rex, o Mick Mars de Mötley Crüe.

Zakk Wylde con algunas de sus LesPaul customizadas.
Creadas en exclusiva para el... Signature Zakk.

Algún tiempo después apareció el punk rock, y estos modelos siguieron siendo usados ampliamente, tal es el caso de Steve Jones de Sex Pistols (quien adquirió la guitarra dejada por Sylvain Sylvain), Mike Ness de Social Distortion, Billie Joe Armstrong de Green Day , Mick Jones de The Clash (Junior Double Cutaway, modelo regular y Customs), Johnny Thunders continuando su carrera con The Heartbreakers, Steve Diggle de Buzzcocks (Goldtop de 1953 y aparentemente una Junior Double Cutaway), Vini Reilly de The Nosebleeds (antes de ser conocido en The Durutti Column) (Jimmy Page Signature). Por fotos se puede observar que otros más la usaron, como en el caso de Steve New de The Rich Kids (luego tocaría paraIggy Pop), quien en una foto del grupo estaba sosteniendo un modelo Les Paul Double Cutaway,³⁷ y en el de Slimy Toad, guitarrista de Johnny Moped, quien aparece agarrando un modelo Les Paul Goldtop en la foto que aparece en la parte trasera del sencillo de este grupo, No One.³⁸ .

Entre los que cuentan con un modelo propio, se encuentran Slash (Gibson Slash Les Paul Appetite for Destruction), o Zakk Wylde.

Otros usuarios habituales son: Izzy Stradlin, Charlie Burchill de Simple Minds, con una Gibson Les Paul Standard;³⁹ Paul Landers de Rammstein, Christofer Johnsson de Therion, Randy Rhoads, Snowy White, Kirk Hammett y James Hetfield deMetallica, Ray Toro y Frank Iero de My Chemical Romance , Rob Barrett de Cannibal Corpse, Saúl Hernández de Jaguares ,Joe Perry y Brad Whitford de Aerosmith, Mike McCready y Stone Gossard de Pearl Jam, o Buckethead, que usa una muy modificada, con pastillas de alta distorsión, carátula completamente blanca y dos Killswitch. En el rock en español, esta tambien Gustavo Cerati, usa una Les Paul en su ultima gira.

Logicamente esta lista está incompleta ya que podríamos añadir tantos nombres como guitarristas hay en el mundo, pero sirve para que os hagáis una idea de la versatilidad de la LesPaul.

El pesado cuerpo de la Les Paul está formado en la mayoría de los modelos por una base de dos piezas de caoba, que le dan un timbre cálido y denso, y una tapa de arce tallada, que aporta mayor definición al sonido.

Otra particularidad es el mástil, que parece encolado en vez de ser atornillado como los modelos Fender. Éste es también de caoba, y puesto que se trata de una madera porosa y relativamente blanda, presenta un perfil cercano al de una guitarra española, mucho más grueso y cuadrado que el de una stratocaster, por ejemplo. Esto también hace que el mástil sea el punto débil de la guitarra: es muy difícil sustituir un mástil encolado, y la caoba puede romperse con más facilidad que el arce empleado en otros mástiles.

El sonido de la Gibson Les Paul es lleno y con predominio de las frecuencias medio-graves. Esto, junto a la mayor duración de la nota(sustain) que proporciona el conjunto de sus elementos (bending, debido a que su mástil es más corto que el de otras guitarras) la han hecho muy popular entre los guitarristas del rock clásico, y es una de las guitarras más vendidas desde la invencion de la guitarra electrica.

Los acordes suenan bien empastados, y las líneas melódicas presentan un carácter oscuro y cálido que señala la filiación original del modelo a un famoso músico de jazz. Una desventaja es que los trastes más agudos son difíciles de alcanzar, en comparación con otras guitarras que tiene un recorte. Esto se debe a la anchura del cuerpo. Y otra diferencia también notable es el puente fijo, es lo que le da más "sustain" pero reduce la posibilidad de crear sonidos y efectos diferentes, a diferencia de una guitarra con un puente Floyd Rose. Aunque estas dos características han sido contrarrestadas con la Les Paul Axcess, que tiene un rebaje al final del mastil para llegar a los últimos trastes y un puente floyd rose, aparte de otras innovaciones.

> Guitarra (?) Misa Digital... ¿Cuerdas en una guitarra?

2011-12-28T09:59:00.000+01:00

Sara, una de las personas a las que más admiro, me ha hecho llegar
a través de facebook un enlace de un juguetito que tiene
la pinta de ser muy divertido.

Kitara Misa Digital

¿Cuerdas para una guitarra? parece una pregunta un poco estúpida, pero después de ver esto es como si el mundo de la guitarra se hubiera quedado atrás.

Pero no os engañéis que yo, para ciertas cosas soy muy clasiquero.
El caso es que os voy a hablar de un instrumento que, de forma física es igual a cualquier guitarra eléctrica pero cuyos principios fundamentales (y no fundamentales) de funcionamiento son extremadamente opuestos.

Lo único parecido es que el mástil va dividido y las "cuerdas(?)" también son seis. La guitarra Misa digital es un instrumento de experimentación nueva, similar a una guitarra eléctrica en forma, pero con una interfaz diseñada para el control fácil e intuitiva de audio digital.

Los pedidos para Europa y América Latina se hacen a través de su web oficial Misa Digital y los precios
son de 959$ para la Digital guitar y de 3,249€ para la edición limitada de aluminio sólido.

La vista de nuestra amiga es espectacular... muy llamativa

*Extraido de Misadigital.com
La mayoría de los músicos de hoy usan algún tipo de síntesis de audio o de muestreo en su música. Prácticamente cualquier tipo de sonido que pueden ser creados usando estos métodos. Tradicionalmente, los teclados de piano digital han sido el instrumento dominante para el control de estos sonidos en tiempo real en un entorno musical.

En Misa, le ofrecemos un nuevo instrumento que que no sólo une técnica de la guitarra tradicional (o una simulación de ella) nos permite experimentar con sonidos digitales utilizando nuestras técnicas clásicas de interpretación. Consiguiendo una experiencia que no podríamos alcanzar con nuestras guitarras clásicas.

El Kitara Misa consta de tres componentes principales:
un diapasón completo, una pantalla multi-touch y un sintetizador polifónico a bordo con los sonidos y efectos.

El mástil de la Kitara tiene 24 trastes, pero en lugar de ir segmentados los trastes estos van divididos por botones. Cada botón es un traste de "x" cuerda.
Toca notas al tocar en la pantalla. La posición y el movimiento del contacto determinar cómo se genera y se procesa el sonido.

Para pedidos en America del Suer y Europa hay que hacerlo
a través de su página web.

Puede aplicar una serie de efectos digitales, incluyendo distorsión, delay y modulación, y puede controlar estos efectos a través de la interfaz de pantalla táctil.

Puedes guardar sonidos como presets, y se puede intercambiar archivos predefinidos en línea. Puede asignar un sonido a las seis cuerdas, o asignar diferentes sonidos a diferentes cadenas. El Kitara puede controlar los dispositivos compatibles con MIDI también. Todo es configurable. Se ejecuta Linux y de código abierto.

Digital vs. Electric

Estamos obsesionados con la guitarra digital. Pero también nos encanta la guitarra eléctrica, y hemos aprendido lo que es bueno y lo que es capaz. Algunas de sus cualidades más importantes y características se derivan del hecho mismo de que la guitarra eléctrica está hecha de madera y cuerdas.

Una cuerda de guitarra es "bonito" -, porque el sonido generado proviene de la vibración misma de la cadena, lo que interfiere con el flujo magnético y la inducción de un voltaje eléctrico, que se amplifica.

¿Por qué quieres emular eso? Es la perfección. Es naturaleza en estado puro. Es en el dominio analógico. No teníamos la intención de la Misa digital de guitarra para reproducir una guitarra tradicional.

Las guitarras eléctricas son ideales para la música eléctrica. La música digital es una historia diferente. Guitarras tradicionales por su propia naturaleza tienen limitaciones en el contexto de la música digital. Para crear un sonido que tenga que pulsar una cuerda, para que el sonido en su punto más intenso es siempre el comienzo de las agallas.

La mano izquierda controla qué notas tocar, y la mano derecha controla cuándo tocar las notas y la intensidad de las notas. Los efectos pueden ser insertados en la cadena de señal, pero por lo general son los pedales que hace que la experiencia de los efectos de controlar inconexos de lo que sus manos están haciendo.

La forma y el tamaño de la Kitara Misa Digital es
prácticamente el mismo que el de una guitarra eléctrica común.

Además, sólo se puede controlar realmente un pedal a la vez. Incluso en el caso (raro) que los controles están montados en la guitarra, la mano tiene que cambiar entre las cuerdas y los controles. Esto puede estar bien si sólo vas a usar los efectos de vez en cuando, pero cuando cada nota que toques las necesidades de los controles establecidos de manera diferente - buena suerte con eso. La música electrónica no se puede jugar eficazmente con dichas limitaciones.

En la música electrónica, el timbre (o color) del sonido puede ser transformado en un número infinito de formas. Una guitarra para dar cabida a esto, la mano derecha necesita un mayor control de las cadenas sólo arrancar. ¡Tienes que ser capaz de controlar los elementos del sonido, tales como mantener, de paso, un filtro o cualquier parámetro de sintetizador de otros, de una manera que no tiene limitaciones físicas. Este fue el proceso de pensamiento en el diseño de la Misa Kitara.

No hay cuerdas de este instrumento. La mano derecha no arrancar las cadenas, que controla el sonido.Así que no se pueden comparar los Kitara a las guitarras acústicas y guitarras eléctricas. Los diferentes instrumentos, para diferentes formas de arte, de música diferente. Esta es la música electrónica.

Para que nos entendamos...

> Queridos Reyes Magos: Guía de compra GuitarFiero.com

2011-12-25T15:24:00.001+01:00

Querida Rock Mama Noel:

En éstas fechas todos estamos pendientes de la carta a los Reyes.
Qué pedir o que regalar se convierte en el caballo de batalla de tantos...

Y quien dice reyes magos dice
Rock Mama Noel!!
(Es que no sabía como meter la foto de una chica sexy en el post... Ya sabéis, el sexo vende.)

Me he decidido a escribir este post por si a alguien le sirve como un pequeño rayo de luz que guíe sus pasos en ésta encrucijada.

Claro esta que un instrumento musical es un buen regalo, así que vamos a ver una pequeña guía para que no os perdáis en este mundillo, ya seas alguien que va a pedir su primera guitarra eléctrica o alguien que quiere regalar una.

Vamos a dividirlo en tres segmentos. Uno que rondará los 1000 €, otro más económico de 500 y la opción más barata basada en los ya famosos Starter Kit.

El equipo se compondrá, logicamente, de guitarra, amplificador, cables etc, y pedal multiefectos.

Partiremos de la base de ser nuestra primera guitarra y así enfocaremos nuestra carta, por lo que no vamos a buscar guitarras raras de formas extrañas ya que correremos el riesgo de equivocarnos.
Buscaremos algo más estandar basado en formas Strato, Les Paul o SG.

Lo primero y que más inversión a de llevar es la guitarra.
Para la opción de 1000 €, nuestra guitarra se llevará más de la mitad del presupuesto.
Esto es así porque por un módico precio podemos encontrar buenos amplis que cubran nuestras necesidades.

Os propongo tres guitarras.

Gibson LesPaul Studio Faded Limited WCCR

La primera es una Gibson LesPaul Studio Faded Limited WCCR que encontraréis por un precio que ronda los 650€. Sería una guitarra para un público algo "calmado". Rock clásico, blues, Jazz... pero no os engañéis ni os sorprendáis si de sus cuerdas oís salir el metal más pesado.

Es una guitarra clásica, bonita... y si, para empezar es un guitarrón de escándalo.

Es más, es un buen regalo para aquellos que ya tengan un nivel avanzado es éste mundillo pq no se le va a quedar pequeña a nadie.

Para ésta guitarra mi elección es un ampli Fender FM212R de 100 watts con 2x12" y tres canales.
Se ajusta a la perfección a todas nuestras necesidades y el hecho de que sea combo implica que lo tenemos "todo en uno" y solo nos tendremos que preocupar de enchufarlo a la red y a la guitarra.

Tiene potencia de sobra para que nuestros vecinos nos odien e incluso para tocar con nuestro amigo bateria. Su precio está en unos 220 €.

Y como pedalera multiefectos pillaría una Vox Tonelab ST con pedal de expresión que nos servirá para transformar el sonido de nuestro ampli en cualquier ampli que se nos ocurra. Su precio, 170 €.

ESP LTD modelo Viper 300Fm STBC.

Manteniendo el ampli fender, por que me encanta y me sirve para el siguiente modelo de guitarra, opto por un modelo SG de la marca ESP LTD modelo Viper 300Fm STBC.

Me gusta por que tiene unas lineas más agresivas que la clásica SG de Gibson y tiene una diferencia que la hace bastante más llevadera, y es que no termina en canto recto, si no que está perfilada, esto hace que apoyar el brazo sobre su cuerpo sea más cómodo.

Una guitarra muy rockera... parecida a la que "calza" Angus Young (AC/DC) y el color es una pasada.
Otro regalazo. Su precio ronda los 580 €.

Para ésta guitarra recomiendo un pedal Digitech RP355. Realmente éste pedal se lo recomiendo a todo el mundo ya que yo tengo el RP250 y me va de vicio. Su precio ronda los 200€ y da un juego increible. La comunidad y el soporte que ofrece Digitech no hace más que crecer. Puedes programar los presets que te bajas de su web (gratis) y sonar como los "Guitar Legends" y además puedes crear tus propios presets pq viene con un software increible. Además trae pistas de batería grabadas para que practiques sobre ellas.

Mi tercera opción viene con la pedalera ZOOM G3 con sus pantallas digitales, con una configuración casi infinita y un sonido espectacular. Tiene un fallo gordo, y es que no tiene pedal de expresión, por lo que lo tendríamos que comprar aparte. Todo el conjunto nos saldría por unos 220 €.

Puedes grabar fondos de bateria para tocar sobre ellos. Grabar loops de guitarra de hasta 40 segundos para hacer tus composiciones. Trae un software completísimo... Es el compañero ideal para el ampli que propongo. Y no es otro que un Marshall MG101 CFX. Con este pequeñin podremos hacer ruido, mucho ruido. No os engañéis, no es un ampli de concierto, pero nos podría sacar de un apuro si tenemos que dar uno en una sala. 100 watts, 4 canales analógicos, 2x12" altavoces, efectos... (Puedes mezclar 2 efectos al mismo tiempo) Es un combo, por lo que va todo en el mismo pack.

Su precio está en unos 325€ por lo que nos quedan unos 450€ más o menos para nuestra guitarra.
Así que optaremos por la clásica Fender Standar Stratocaster 2011 en un blanco virginal.

Me encanta ésta guitarra. Que decir de ella?.
La todo terreno, vale para todo. Una guitarra que nunca quedará relegada. Siempre tendremos tiempo para ella. El cuerpo más reproducido, el más famoso. Joder, si es la que usa Eric Clapton...
Hablar sobre una Fender Stratocaster es perder el tiempo, pásate por una tienda y pruebala.

El precio de éste modelo es de 450€ (Es mi elección personal).

Pero resulta que no sabemos si nos va a gustar tocar la guitarra o la persona a la que le vamos a hacer el regalo se va a cansar pronto.

Por lo que hacemos una elección más económica.
Simplificando las cosas optaremos por un pedal sencillo. El mismo para los tres casos y un ampli todo terreno, el mismo para los tres casos.

El pedal será un resultón Digitech RP155. El único defecto es que no viene con pedal de distorsión , pero no pasa nada por que, de ser necesario, se lo podríamos pinchar después.
Las características son casi las mismas que hemos visto anteriormente con el RP355 y su precio no llega a 100€.

Para el ampli me he decidido por un Bheringer V-AMPIRE LX 110. por que es un ampli potente para su precio ya que desarrolla 45 watts, por dos speakers de 10" Buguera. Muy adecuado para hacer Heavy pero que resulta un ampli todoterreno. Además lleva un frontal en rojo superchulo :D
Además podemos enchufarle nuestro iPod y tocar sobre el.

Y lo mejor, solo cuesta 100€, por lo que nos quedan 300€ para comprarnos una guitarra.

Para este rango de precio mi elección es la Cort Aero 11 BC.
Tiene unas curvas espectaculares. :D

Y empezamos por una Epiphone LesPaul Studio Deluxe LTD que la encontramos por 255€
Es una variación "barata" de la Gibson LesPaul que hemos visto anteriormente.

La segunda opción es una digna Epiphone SG G-400 al más puro estilo Angus Young que nos sale por 250€.

Y la tercera opción (no tienen pq ir en este orden) es una Cort Aero 11 BC.
Con cuerpo tipo Stratocaster. Ésta es mi elección personal. Tal vez sea el modelo más "heavy" de las tres por lo que deberéis tener en cuenta a quien se la regaláis.

Pero por este precio es un auténtico Guitarrón.

Aunque resulta que el regalo se lo hacemos a un niño de 8 a 12 años y ni siquiera sabemos si le va a gustar, así que optamos por un combo en el que venga todo.

Podemos tirar por las que tengan dibujitos, las hay de Hello Kitty, de Bob Esponja, porque a lo mejor la guitarra queda colgada en la pared de la habitación y al menos así decora.

Pero si queremos regalar un combo "serio" yo me tiraría a por:

a) Fender Squier Affinity Strat Set que vale 198€ y lo trae todo de la marca Squier (Marca barata de Fender) Ampli de 15w, Guitarra Squier, correas, cables, púas...
b) Harley Benton HBS-SET... Más económico que el anterior con guitarra modelo SG por 122€
c) Ibanez GRG121 EXJ... La opción más cara. Es la mejor guitarra de las tres opciones pero el peor ampli (o por lo menos el más pequeño) 245€

> Como tocar "Efilnikufesin (N.F.L.)" (Anthrax) by GuitarFiero

2011-12-23T11:44:00.000+01:00

Tabs imprimibles de N.F.L
De Anthrax!!

Como tocar "Efilnikufesin (N.F.L.)" (Anthrax)
Una canción curiosa de Anthrax.
"Efilnikufesin" significa, al revés, Nise Fukin Life.
Habla sobre la adicción a las drogas del cómico Jhon Belushi y su posterior muerte de una sobredosis accidental.

Estadounidense comediante, actor y músico, más conocido como uno de los primeros miembros del reparto de la NBC muestra de comedia Saturday Night Live . Él era el hermano mayor de James "Jim" Belushi .

Para afinación estandar ya veréis como es divertida de tocar.
Como siempre os dejo las tabs imprimibles.

Que os sirva...
Que os guste...

> ( BIO ) Jimmy Page (The Yardbirds, Led Zeppelin)

2011-12-21T10:03:00.001+01:00

Es uno de los Guitar Legends por excelencia.
Encumbrado a dios de la guitarra
por méritos propios.

Jimmy Page, OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista de rock conocido por haber sido uno de los líderes del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos.

"Deja de tocar la guitarra un día y lo notarás tú.
Deja de tocarla dos días y lo notará tu maestro.
Deja de tocarla tres y empezará a notarlo el público"

Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, Queen, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker.

En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.
Infancia y adolescencia Jimmy Page es hijo único de un empleado administrativo, James Page, y de una secretaria y enfermera, Patricia Elizabeth Gaffikin.
Nacido en Heston, una antigua villa devenida en suburbio del Gran Londres, ubicada en la zona occidental. Cuando Jimmy contaba con ocho años de edad, en 1952, su familia se mudó a Epsom, otro suburbio del Gran Londres, ubicado en el sur, donde recibió sus primeros contactos con la música. A los 12 años, Page consiguió su primera guitarra, y aunque tomó algunas clases con este instrumento, es en su mayoría un músico autodidacta.

Entre sus primeras influencias destacaban Scotty Moore y James Burton, ambos guitarristas de rockabilly y que habían tocado anteriormente con Elvis Presley y Johnny Day, colaborador de The Everly Brothers.

En 1957, contando Page con 13 años, apareció por primera vez en televisión en un programa de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, tocando el tema "Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More". La afición de Page por la guitarra era tan grande que solía llevar su instrumento al colegio, siendo confiscado la mayoría de las veces. Aunque Page estaba interesado por las ciencias, llegando a recibir una oferta de trabajo como asistente de laboratorio, decidió dejar sus estudios para comenzar una carrera musical, y después de varios intentos, Page consiguió entrar a formar parte de una banda de rock, The Crusaders, que contaba con el vocalista Neil Christian. Su estancia en esta banda se extendió durante más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que no le impidió seguir dando conciertos, aunque decidió dejar aparcada momentáneamente su carrera musical para sumergirse en su otra pasión, la pintura, por lo que se matriculó en el colegio de arte de Sutton, en Surrey.

Mientras era aún un estudiante, Page improvisaba a menudo en el Marquee Club de Londres con guitarristas como Jeff Beck (a quien conocía desde los once años), Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner. En una de estas sesiones, John Gibb, miembro del grupo The Silhouettes, le pidió su ayuda para grabar una serie de sencillos para el sello discográfico EMI, pero no fue hasta que recibió una oferta de Mike Leander cuando pudo trabajar enteramente en estudios de grabación.

Su primera misión como músico de sesión fue grabar junto con Jet Harris y Tony Meehan el single "Diamonds", que alcanzó el número uno en las listas británicas en 1963. Después de diversos y breves trabajos con algunos de los músicos del naciente panorama del rock en Gran Bretaña, Page alcanzó una moderada fama como músico de sesión.
Durante esta etapa, Page fue conocido como "Little Jimmy" para no ser confundido con Big Jim Sullivan, apodado simplemente "Big Jim". Como guitarrista preferido del productor Shel Talmy, Page acabó trabajando con grupos como The Who o The Kinks gracias a los encargos que Talmy recibía.

Entre los grupos y artistas entre los que trabajo Page como músico de sesión se encuentran The Rolling Stones, Van Morrison, Marianne Faithfull, Dave Berry o Brenda Lee, además de The Who y The Kinks, con los que trabajó gracias al apoyo de Talmy. Se rumorea que Page participó en un alto porcentaje del total de grabaciones realizadas entre los años 1963 y 1965, cerca del 60%, aunque hay fuentes que indican que este porcentaje oscila entre el 50% y el 90%.

En 1965, Page entró como productor en el sello Immediate Records gracias al mánager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham. Gracias a este nuevo cargo, Page tocó y produjo canciones de John Mayall, Nico, Chris Farlowe, Twice as Much y Eric Clapton, y entró en una breve relación sentimental con la compositora y cantante Jackie DeShannon.

Además, trabajó como músico de sesión en el álbum Love Chronicles, de Al Stewart en 1969, y en el disco debut de Joe Cocker, With a Little Help from My Friends. Aunque Page grabó temas con multitud de músicos, muchas de estas sólo pueden encontrarse por medio de bootlegs, editadas junto con varias canciones inéditas de Led Zeppelin.

En 1964, Page recibió una oferta para reemplazar a su amigo Eric Clapton en The Yardbirds, aunque la rechazó como muestra de lealtad hacia su amigo. Un año después, Clapton se fue por deseo propio de los Yardbirds, y Page recibió una nueva oferta como miembro de dicha banda, que Page declinó para continuar con su lucrativa carrera como músico de sesión y porque no estaba preparado para salir de gira con un grupo, por lo que recomendó como reemplazo de Clapton a su compañero y amigo Jeff Beck, con quien había trabajado anteriormente.

El 16 de mayo de 1966, el baterista Keith Moon, el bajista John Paul Jones, el teclista Nicky Hopkins, Jeff Beck y Jimmy Page grabaron el tema "Beck's Bolero" en los estudios IBC de Londres. Esta experiencia le dio a Page la idea de formar un supergrupo con Jeff Beck, junto con la base rítmica de los Who: John Entwistle al bajo y Keith Moon a la batería, aunque la falta de un vocalista pleno y los problemas contractuales congelaron el proyecto.

Unas semanas después de este fallido proyecto, Page volvió a recibir otra oferta para formar parte de los Yardbirds que aceptó esta vez, por lo que entró en el grupo en calidad de bajista en sustitución de Paul Samwell-Smith, aunque acabó desempeñando el rol de guitarrista líder junto con Jeff Beck después de que Chris Dreja se trasladase a la posición de bajista.

Sin embargo, el gran potencial musical del grupo se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de éxito musical, así como por los conflictos internos. Fueron estos conflictos los que provocaron la marcha de Jeff Beck de la formación, dejando el grupo en un cuarteto. El primer álbum con Page como guitarrista principal fue Little Games. Este disco recibió críticas mixtas, mientras que no alcanzó las cotas comerciales que se le atribuyeron en un principio, alcanzando el puesto número 80 en el Billboard. Aunque las grabaciones del grupo se orientaban claramente hacia un sonido muy comercial, sus actuaciones eran mucho más experimentales debido a la ascendencia blues de sus composiciones.

Después de la marcha en 1968 de Keith Relf y Jim McCarty, Page, que quería realizar los conciertos pendientes de la banda en Escandinavia, reclutó al vocalista Robert Plant, al baterista John Bonham y al bajista y teclista John Paul Jones para formar un nuevo grupo, que Page nombró como The New Yardbirds pero que sería poco después renombrado como Led Zeppelin. Este nombre fue tomado por Page a causa de un chiste que había contado Keith Moon en la sesión de grabación del tema "Beck's Bolero", en el que decía que la banda caería como un "zeppelin de plomo" (en inglés Lead Zeppelin). Posteriormente, el mánager de la banda, Peter Grant, acortaría el nombre hacia Led Zeppelin para evitar errores de pronunciación con "Lead Zeppelin".

La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años '70, y de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores.

Precursor en tanto... aquí con su SG de doble mástil.

El riff rápido y orientado hacia el heavy metal de "Communication Breakdown", una canción que aparece en el trabajo debut de Led Zeppelin, homónimo, está considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de "Heartbreaker", tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años '80. Además, el solo de guitarra de "Stairway to Heaven", compuesto y tocado por Page, está considerado por los lectores de varias revistas musicales como el mejor solo de la historia, mientras que el propio Page fue nombrado guitarrista del año cinco veces seguidas por la revista Creem durante la década de los '70.

Por último, Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca.

Para la composición y grabación de la mayoría de las canciones de Led Zeppelin, Page usó varias guitarras Gibson Les Paul con amplificadores Marshall. Page también empleó guitarras Fender Telecaster durante la grabación de Led Zeppelin I y para grabar el famoso solo de "Stairway to Heaven". En cuanto a sus amplificadores, sus marcas más utilizadas, aparte de Marshall, fueron Vox, Orange y Fender.

Además de la guitarra eléctrica, Page también utilizó guitarras slide, guitarras con pedales de acero (un tipo de guitarra eléctrica que se toca con un artilugio de acero en vez de con los dedos y se posiciona de manera horizontal), guitarras acústicas y pedales de efectos (Chorus, Wah-wah, Flanger, etc).

Por su parte, Page es también famoso por ser uno de los primeros en utilizar un arco de violoncello para tocar la guitarra en las canciones "Dazed and Confused", "How Many More Times", y en la introducción de "In the Evening".

Esta técnica la aprendió durante su etapa como músico de sesión, aunque no fue el primer guitarrista en utilizar un arco de cello, ya que Eddie Phillips, del grupo The Creation realizó esta experiencia antes que Page. En una entrevista a la MTV, Page afirmó que extrajo esta técnica al ver a su compañero David McCallum, Sr. (padre del actor David McCallum), también músico de sesión, hacer lo mismo con su guitarra y un arco de cello. En algunas canciones de la banda, Page solía utilizar un theremin, además del pedal Wah-wah para realizar algunos efectos con su guitarra.

Page está acreditado como uno de los artífices de hacer llegar al estudio nuevas técnicas de grabación, que desarrolló durante su etapa en Led Zeppelin.

A comienzos de la década de los '60, los productores musicales británicos solían emplazar los micrófonos justo delante de la batería y de los amplificadores, lo que originaba un sonido ligeramente defectuoso apreciable en muchas grabaciones de aquella década. Page comentó en una entrevista a la revista Guitar World que los sonidos de la batería en aquella época sonaban como cajas de cartón. En cambio, Page apoyaba las técnicas de grabación de la década de los '50, especialmente las desarrolladas en el estudio Sun.

En la misma entrevista a Guitar World, Page dijo que el proceso de grabación solía ser una ciencia, y que los ingenieros tenían un lema: distancia igual a profundidad. Llevando este lema al límite, a Page se le ocurrió la idea de colocar un micrófono adicional a una determinada distancia del amplificador y grabar después en equilibrio con los dos. Al adoptar esta técnica, Page se convirtió en uno de los primeros productores británicos en grabar el sonido de ambiente de una banda.

Para la grabación de varias canciones de Led Zeppelin, como "Whole Lotta Love" o "You Shook Me", Page empleó la técnica de la reverberación, que se cree fue empleada por primera vez por Page durante su paso por The Yardbirds, más concretamente en la grabación del tema "Ten Little Indians".

Consiste en escuchar el eco antes del sonido original, en lugar de escucharla después, obtenido colocando la pista grabada del eco antes de la pista del sonido original durante el proceso de grabación y mezclado de la canción. Para este efecto también colocaba micrófonos al fondo de la sala de grabación para que el sonido llegara más débil, creando así nuevas atmósferas musicales.

Además, en la grabación de "When the Leeve Breaks" colocó la batería de Bonham en el hueco de una escalera, y en "Since I've Been Loving You" se puede incluso escuchar el chirrido del pedal del bombo de la batería por lo cerca que estaba el micrófono de ella.

Led Zeppelin se separó en 1980 después de la muerte del baterista John Bonham por ahogamiento en su propio vómito después de una borrachera en una de las casas de Page. Aunque Jimmy intentó formar un grupo llamado XYZ contando con ex miembros de Yes, su regreso a los escenarios aconteció en 1983, cuando dio una serie de conciertos para combatir la esclerosis múltiple, en honor del bajista de Small Faces, Ronnie Lane, a quien le habían diagnosticado la enfermedad poco tiempo antes.

Un vídeo del concierto en Londres de 1983 fue publicado en 1984 con dos canciones compuestas por Page que habían aparecido en la banda sonora de la película Death Wish II con Steven Winwood en la posición de cantante. Además, el vídeo muestra una improvisación en escena del tema "Layla" junto con Jeff Beck y Eric Clapton, conformando ellos tres el trío de guitarristas que formaron parte alguna vez de The Yardbirds. En el concierto en el Madison Square Garden de Nueva York, el vocalista fue Paul Rodgers, futuro vocalista de The Firm y antiguo miembro de Free y Bad Company.

Durante esta serie de conciertos, el aspecto de Page era enfermizo y débil, ya que, según el libro Hammer of the Gods, Page había dejado su adicción a la heroína después de siete años. Posteriormente, Page se juntó con Roy Harper para grabar un disco, llamado Whatever Happened to Jugula?, y participar en ocasionales conciertos, en los que predominaba un estilo acústico y orientado hacia el folk acompañando a grupos como The MacGregors o Themselves. En 1984, Page grabó un disco con el ex vocalista de Led Zeppelin y antiguo compañero suyo, Robert Plant, bajo el nombre de The Honeydrippers. Además, se unió a Paul Rodgers para componer y grabar dos discos bajo la denominación de The Firm. El primer álbum, The Firm, alcanzó el puesto número 17 en la lista de pop del Billboard con exitosas canciones como "Radioactive" o "Closer", y superó el millón de ventas en los Estados Unidos.

The Firm fue seguido de Mean Business, no tan exitoso como su antecesor, por lo que sus miembros decidieron abandonar el proyecto.1 A The Firm le siguieron varios otros proyectos. Page volvió a trabajar como músico de sesión para The Rolling Stones, Graham Nash, Box of Frogs y Robert Plant. Además, editó su propio álbum en solitario, Outrider, y realizó una colaboración con el vocalista David Coverdale en el disco Coverdale-Page. También colaboró en la grabación de las bandas sonoras de las películas Death Wish II y Death Wish III, editadas en 1982 y 1985 respectivamente. Los miembros supervivientes de Led Zeppelin se reunieron en 1985 para un concierto del Live Aid con Phil Collins y Tony Thompson alternándose en la batería. Sin embargo, los continuos problemas de Page con las drogas y la mala calidad de su guitarra Les Paul hicieron que la banda considerase la mala calidad de esta actuación, negándose a que apareciesen fragmentos de su concierto en el DVD editado para celebrar el 20 aniversario de Live Aid.

Un año después, en 1986, Page se reunió temporalmente con sus ex compañeros de The Yardbirds para interpretar algunas canciones del disco Strange Land, de Box of Frogs. Led Zeppelin se reformó el 14 de mayo de 1988 para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40 aniversario de Atlantic Records, con Jason Bonham ocupando el puesto de su padre en la batería. En 1994, Page y Plant se reunieron para grabar un concierto de la serie "Unplugged" de la cadena MTV. El especial, renombrado como Unledded, contó sin la participación de John Paul Jones y fue uno de los programas más exitosos de la cadena. En octubre del mismo año, la grabación salió al mercado bajo el nombre de No Quarter, cuya reedición en 2004 contó con el nombre de No Quarter Unledded. Debido al éxito de la gira de presentación de No Quarter, Page y Plant grabaron un disco juntos en 1998, que se publicó con el título de Walking into Clarksdale. El Salón de la Fama musical británico incluyó a Led Zeppelin en 1995, lo que se convirtió en la segunda inclusión de Jimmy Page dentro de este Salón, ya que tuvo el mismo honor en 1992, cuando The Yardbirds obtuvieron la misma calificación.

También en 1998, Page colaboró con el rapero americano Puff Daddy para grabar una versión de "Kashmir" para la banda sonora de Godzilla. La canción, titulada "Come with Me", fue interpretada por sus dos autores en el Saturday Night Live. 1999 vio la gira de Page con el grupo The Black Crowes, y 2001, la aparición del guitarrista junto con Fred Durst (vocalista de Limp Bizkit) y Wes Scantlin (guitarrista de Puddle of Mudd) para interpretar en directo la canción "Thank You" en la gala de los premios MTV europeos en Fráncfort del Meno. En 2005, Page fue galardonado con la Orden del Imperio Británico en reconocimiento de su trabajo como embajador de caridad en Brasil, y nombrado hijo predilecto de la ciudad de Río de Janeiro. Un año después fue introducido en el Salón de la Fama del Reino Unido de Música del Reino Unido junto con el resto de los miembros de Led Zeppelin, siendo su segunda inclusión en este Salón después de que The Yardbirds consiguiesen su lugar en 1992.

Jimmy Page y Robert Plant

En la presentación por televisión del acto, aparecieron varios personajes del mundo de la música alabando el trabajo de Page seguidos de un corto discurso del protagonista. Después de ello, Wolfmother interpretó el tema "Communication Breakdown" en directo. El 10 de diciembre de 2007 dio lugar en el estadio O2 Arena de Londres un concierto de Led Zeppelin, contando de nuevo en la batería con Jason Bonham, hijo de John Bonham. El concierto congregó a más de 20.000 personas en el estadio londinense. El 24 de agosto de 2008 participó, como representante de la delegación británica de Londres 2012, en la ceremonia de clausura de los Juegos de Pekín 2008. Tocó el tema "Whole Lotta Love", que fue interpretado conjuntamente con Leona Lewis. Pendiente de distribución en España el documental “It might get loud” (2008) de Davis Guggenheim, que reúne a Jimmy Page con otros dos virtuosos de la guitarra - The Edge de U2 y Jack White de The White Stripes y The Raconteurs - en el que cada guitarrista revela las influencias que marcaron sus respetivos estilos. Presentado en el Festival de Cine de Toronto, el documental incluye canciones inéditas y una jam session de los guitarristas.

Jimmy Page está casado con Charlotte Martin, ex novia de Eric Clapton.
El matrimonio tiene una hija llamada Scarlett Page, respetada fotógrafa fruto de una relación anterior.
Page tiene otro hijo, llamado James.

En 1972, Page adquirió "The Tower House", una casa gótica comprada a Richard Harris y diseñada para sí mismo por William Burges. Burges poseía una labrada reputación dentro de la arquitectura gótica en el siglo XIX.

Desde mediados de la década de los '70 hasta 2004, Page vivió en The Mill House situada en Windsor, Inglaterra. En este hogar, antigua propiedad del actor Michael Caine, murió el baterista John Bonham. También desde mediados de la década de los '70 hasta mediados de la de los '80, Page obtuvo Boleskine House, antigua residencia de Aleister Crowley en la que se rodaron algunas escenas del documental de Led Zeppelin, The Song Remains the Same.

A comienzos de la década de 1970, Page poseía una librería de ocultismo en Londres, llamada "The Equinox Booksellers and Publishers" ("Vendedores y editores del equinoccio"),3 que tuvo que cerrar debido al escaso tiempo del que disfrutaba Page a causa del estallido de popularidad de Led Zeppelin. La librería publicó el libro The Goetia, de Aleister Crowley, en su edición de 1904.

Sin embargo, lo que más relaciona a Page con el ocultismo es la inclusión en la portada del disco Led Zeppelin IV de cuatro símbolos que representaban a cada uno de los miembros de la banda. Durante los conciertos de presentación de este trabajo, Page solía salir a escena con símbolos del zodíaco bordados en sus ropas junto con uno de los símbolos del disco, nombrado popularmente como "ZoSo".

Esto llamó la atención de muchos fans de la banda y alimentó su curiosidad. Aunque el símbolo en sí sigue siendo un misterio, se sabe que tiene su origen en Ars Magica Arteficii, un grimorio de 1557, cuyo autor es J. Cardan, en el que se identifica al símbolo de "ZoSo" como satánico. Previamente, algunas especulaciones apuntaban a que la procedencia del signo podría haber surgido de un libro llamado Zos Speaks, de Austin Osman Spare, distribuido por Page en su antigua librería. Otra teoría afirmaba que "ZoSo" podría derivar de un estilizado 666, o del Cábala. Sin embargo, se acepta mayoritariamente la teoría del grimorio como la verdadera, por lo que es probable que las otras dos sean incorrectas.

También se ha expuesto que la creación del signo es simplemente un garabato de Page sin sentido específico. El guitarrista nunca ha declarado nada al respecto del significado del signo. El logotipo de Swan Song, la compañía fundada por Led Zeppelin en 1974 para editar sus trabajos discográficos, consiste en una figura de Apolo, dios griego de la luz y la razón, aunque es a veces malinterpretada como si fuese una imagen de Ícaro, quien murió abrasado por volar demasiado cerca del Sol, o de Lucifer, un ángel caído que fue expulsado del Cielo y que se convirtió posteriormente en Satanás. La representación de Apolo está basada en un cuadro de William Rimmer, Evening: Fall of the Day, de 1869.

Por su parte, el diseño interior del disco Led Zeppelin IV está basado en una carta del Tarot, llamada "El ermitaño". Page se transforma en este personaje durante la película The Song Remains the Same. Page fue, además, invitado a escribir la banda sonora del corto cinematográfico Lucifer Rising rodada por otro admirador de Aleister Crowley, el director Kenneth Anger. A su vez, Page permitió que se rodasen algunas escenas de la película en The Tower House, su residencia en Londres. Como resultado del proceso de composición de la banda sonora del corto, Page escribió únicamente 23 minutos de música, algo que a Anger le pareció insuficiente, diciendo que Page había tardado tres años en escribir sólo 23 minutos de música.

El director cargó en declaraciones contra Page, diciendo que tenía "un lío con la Dama Blanca (en referencia a la cocaína)", que era "un ocultista pretencioso", y que estaba tan enganchado a las drogas que era incapaz de terminar el proyecto. Page respondió arguyendo que había terminado todas sus responsabilidades, y que incluso ayudó a Anger a terminar la película prestándole su propio material de grabación. Las composiciones de Page fueron reemplazadas en la película por la obra de Bobby Beausoleil, un familiar de Charles Manson y un asesino convicto que compuso la banda sonora desde su estancia en prisión. La grabación de la banda sonora no editada de la película compuesta por Jimmy Page fue editada en edición pirata por algunos fans de la banda en el sello Boleskin House Records el 19 de junio de 1987. Se rumorea que el inicio de la canción "In the Evening", que aparece en el disco In Through the Out Door de Led Zeppelin, fue extraído de esta banda sonora inédita, aunque la mayor parte de la banda sonora fue incluida para la composición de la correspondiente a Death Wish II.

El propio Jimmy Page ha admitido su adicción a las drogas durante la década de los '70. En una entrevista a la revista Guitar World en 2003, Page dijo: "No puedo hablar acerca de los demás [en referencia al resto de los miembros de la banda], pero para mí las drogas fueron una parte integral de todo, desde el comienzo hasta el final".

Durante el año 1973, la droga más utilizada en el seno de Led Zeppelin era la cocaína, teniendo a Page, John Bonham, Peter Grant (mánager del grupo) y Richard Cole (mánager de las giras del grupo) como principales consumidores. Después de la gira por Estados Unidos de ese año, Page le dijo a Nick Kent:

"Oh, todo el mundo se ha pasado del límite un par de veces. Sé que yo lo hice y, para serte honesto, no me acuerdo muy bien de mucho de lo que pasó".

En 1976, Page comenzó a consumir heroína introducido por Richard Cole, quien reconoció que él y Page habían estado usando la droga durante la grabación de Presence ese año. Page admitió poco después que era un adicto a la droga y comenzó a fumar intensamente como método para abandonar su adicción. Hacia el año 1977, la adicción de Page estaba comenzando a afectar a su capacidad para tocar la guitarra, como puede apreciarse en las ediciones pirata de sus conciertos durante ese año. Las drogas también afectaron a su aspecto físico (perdió bastante peso durante su etapa de adicción) y psicológico, ya que comenzó a aislarse paulatinamente de Robert Plant y del resto de miembros de Led Zeppelin.

Durante las sesiones de grabación de In Through the Out Door en 1978, el peso de las composiciones recayó en la figura de John Paul Jones, ya que la adicción de Page a la heroína provocó numerosas ausencias del estudio de grabación durante largos periodos de tiempo. El guitarrista dijo haber superado su adicción a comienzos de la década de los '80. En una entrevista en el año 1988 a la revista Musician, Page se ofendió cuando el entrevistador notó que su adicción a la heroína había estado asociada a su nombre, e insistió: "No soy un adicto, muchas gracias".

Portada de la revista Total Guitar en la que entrevistan
a nuestro admirado Page.

No puede ser más sincero. Durante la promoción de su álbum Presence, el guitarrista de Led Zeppelin, JimmyPage, concede una de sus entrevistas más francas. The Yardbirs, Led Zeppelin, su estilo, su éxito ..., no deja piedra por mover.

Entrevista a Jimmy Page.
Guitarra Total Nº67 (32-36)

El contexto: 1977 En 1977, los integrantes de Led Zeppelin eran dioses. Para la promoción de Presence, su álbum recientemente publicado, hicieron una gira por Estados Unidos en su propio jet. Esta entrevista con Jimmy Page se hizo en ese mismo avión, así como en la habitación de su hotel y en otros momentos en que le entraron ganas de hablar. Nunca ha sido muy aficionado a la prensa; sin embargo, se sentó durante varias horas varios días y reveló los secretos de su sonido y los misterios musicales que rodean al grupo. Su próximo álbum, In Through the Out Door de 1979, sería el último.

¿Que fue lo primero que te animó a empezar a tocar?
Escuchar el rock and roll de los primeros tiempos y darme cuenta de que estaba pasando algo que los medios de comunicación ocultaban, que es lo que ocurría entonces. El disco que me hizo desear tocar la guitarra fue Baby, Let's Play House de Elvis Presley. Quería formar parte de ese ambiente porque tenía mucha vitalidad y energía.

¿Cuando conseguiste tu primera guitarra?
A los 14 años tyenía una Grazzioso, una copia de la Stratocaster; luego tuve una Strato auténtica. Después tuve una Gibson Black Beauty con la que hice todas las sesiones de los 60. En aquella época no tocaba nada correctamente, sólo conocía unos cuantos solos; pero aprendí mucho comprando discos. Estaba influido por los más obvios: Scotty Moore, James Burton, Cliff Gallup (que era el guitarrista de Gene Vincent), Johnny Weeks. Luego empecé a escuchar a los guitarristas de blues Elmore james y B.B. King.
Mis habilidades interpretativas y mi repertorio aumentaron con el trabajo de estudio. Mi estilo tenía que ser muy versátil, porque por ejemplo, hacía una película por la mañana, tocaba en un grupo de rock por la tarde y hacía una canción de folk por la noche. Fue una disciplina de aprendizaje genial que me dio la oportunidad de desarrollar estilos diferentes.

¿Tuviste que tocar la guitarra acústica durante tu período de músico de sesión?
Si. Y te tienes que enfrentar a ello enseguida, porque es lo que se espera de ti. Entonces tocaba la Gibson Black Beauty Les Paul Custom. En aquel momento no fui consciente de que era la primera persona en tener una. Simplemente me parecía que sonaba bien. Usaba un ampli pequeño Supro que tuve hasta que alguien lo destrozó. Intentaré conseguir otro. Es como un ampli Harmony y todo el primer álbum lo hicimos con él.

¿Hubo alguna pausa en tu carrera musical?
Si, dejé de tocar durante un par de años y asistí a la escula de Bellas Artes; en mi tiempo libre me concentraba en tocar blues. Iba al club Marquee de Londres y tocaba los jueves con el grupo que tocaba en los descansos. Fue entonces cuando conseguí el trabajo como músico de estudio. Me encontré en una encrucijada: ¿el arte o la música? Bueno dejé de ir a Bellas Artes porque empecé más en serio con la música. Pero entonces Stax Records empezó a influir en la música con sus metales y sus arreglos orquestales y la guitarra se quedó al margen. No me di de lo oxidado que estaba hasta que conseguí una sesión en Francia y casi no podía tocar. Pensé que era el momento de irse y me fui.

¿Dejaste de tocar?
Durante un tiempo trabajé en mi propio material, luego fui a un concierto de The Yardbirds en Oxford. Keith Relf (cantante solista) estaba muy borracho, decía: "Que os jodan" por el micro y se caía sobre la batería. Era una noche anárquica y genial, así que fui a su camerino y se lo dije. Pero la discusión continuó y de resultas, Paul Samwell-Smith (bajista) dejó el grupo. Esto lo puso en un aprieto porque aún tenían compromisos y fechas de gira, de modo que dije: "Bueno, ya tocaré yo el bajo".
Al final se decidió que Chris Dreja tocaría el bajo y Jeff Beck y yo haríamos las guitarras solistas dobladas. Luego vino la cuestión de la disciplina. Si se van a tocar riffs y patrones con las guitarras solistas dobladas, hay que tocar las mismas cosas. Bueno, Jeff Beck no es el guitarrista más disciplinado del mundo, pero cuando está en forma es probablemente el mejor.

¿Qué recuerdas de tus primeros días con The Yardbirds?
Nuestras sesiones de grabación eran bastante caóticas. Hacíamos una canción, pero no sabíamos muy bien lo que era. Hacíamos una toma y, sin oírla siquiera, Mickie Most (productor) nos gritaba que pasásemos a la siguiente. Todo se hacía muy deprisa y así es como suena. Fue este tipo de situaciones lo que condujo a ese estado mental general y la depresión de Relf y Jim McCarthy (baterista), y al final se disolvió el grupo. Traté de mantener a la gente reunida, peor no hubo forma. En realidad, Relf pensaba que la magia del grupo había desaparecido cuando se fue Clapton (que tocó con The Yardbirds antes quer Jeff). Aunque yo creo que la mejor época de The Yardbirds fue la de Jeff.
A mí no me importaba el tipo de música que hubiera que tocar, quizás a causa de todo el trabajo de estudio que había hecho antes, no me importaba la dirección que tomara el grupo. Todo el mundo tenía talento musical, pero en aquel momento, los árboles no les dejaban ver el bosque.

¿Toca Beck el bajo en el álbum Over Under Sideways Down?
No. De hecho, en ese LP, The Yardbirds sólo lo llamaron para hacer los solos, pues tenían un montón de problemas con él. Había amenazado con marcharse y en los días malos se desquitaba con el público.
Jeff y yo hicimos el tema "Beck's Bolero" con Keith Moon (baterista). Nos dieron rienda suelta: una vez grabado, el productor Simon Napier-Bell despareció y nos dejó a Jeff y a mí con él. Sin embargo, en los créditos pone que lo escribió él, cuando de hecho fui yo. Soy yo quien toca la guitarra eléctrica de doce cuerdas. Beck hace las partes de slide y yo toco en torno a los acordes.

¿No fue esta formación la que luego sería Led Zeppelin?
Así es. Moonie quería dejar The Who, y John Entwistle (el bajista de The Who) también. Y el cantante iba a ser Steve Windwood (guitarrista y cantante de Traffic) o Steve Marriot (guitarrista y cantante de Small Faces). Al final, nos decantamos por Marriot. Nos pusimos en contacto con él y la respuesta nos llegó de la oficina de su representante (Don Arden, padre de Sharon Ousborne). Decía: "¿Qué os parecería quedaron sin dedos, chicos?" o algo por el estilo, así que abandonamos la idea del grupo. Creo que si hubiéramos seguido adelante, habríamos sido el primero de todos esos grupos como Cream. Pero no funcionó, aparte de "Beck's Bolero".

¿Qué equipo usabas con The Yardbirds?
Usaba un pedal Fuzztone, que copié virtualmente de "2000 Pound Bee" de The Ventures. Pero la caja no tenía nada que ver con la que me hizo Roger Mayer durante mi época de estudio. De hecho, fue él quien hizo todos los pedales de fuzz y octavadores de Hendrix. Creo que Jeff usaba bastante boost t ese tipo de sustain en la música. Hacíamos mil cosas con la realimentación, pero sólo tocábamos notas, no acordes.
Y usábamos amplis Vox AC30. Iban muy bien. Yo quería montar un grupo de cuatro, pero el kit de Bonzo suena tan fuerte que no se proyectaban muy bien sobre él.

¿Qué hay de las guitarras?
Con The Yardbirds usaba sobre todo una Fender, pero tocaba una Les Paul en un par de temas. Mi Les Paul tiene un ajuste central, una espacia de sonido de pastilla fuera de fase que Jeff no pudo conseguir en su modelo. Tambien usaba un modelo de Danelectro en los últimos tiempos y cuando tocaba "White Summer" en directo. Para éste tenía una afinación especial: la cuerda grave en Si, luego La, Re, Sol, La y Re. Es como una afinación modal; de hecho es una afinación de sitar.

¿Era "Black Mountain Side" (de Led Zeppelin) una prolongación de eso?
Sinceramente ese sonido no era del todo original, se había usado mucho en los clubes de folk. Fui la tercera persona en tocar ese riff. La afinación de "Black Mountain Side" era igual que la de "White Summer". En realidad, me temo que a esa Danelectro le di una buena paliza.

¿Qué guitarra usaste en en el primer álbum de Led Zeppelin?
Una Telecaster que me dio Beck. La modifiqué un poco. La pinté y le puse una lámina de plástico brillante debajo del golpeador que producía los colores del arco iris.

¿Suena como una Les Paul?
Sí, bueno. Recuerda que está procesada. Puedo sacar de la guitarra montones de sonidos. Todo viene determinado por el ampli y la colocación de los micros. Además, si subes la guitarra hasta elpunto de la distorsión, de forma que las notas se mantengan, suena como una Les Paul.
Para el primer álbum usé el amplificador Supro, y todavía lo uso. El solo de "Stairway to Heaven" salió cuando saqué la Telecaster, que no había usado durante mucho tiempo, la enchufé en el Supro, y me puse a tocar. Creé un sonido completamente diferente. Era una combinación muy buena y versátil.

¿Crees que tu forma de tocar cambió cuando te pasaste de la Telecaster a la Les Paul?
Sí, creo que sí. Tocar la Tele es toda una pelea, pero te ves recompensado. La Gibson tiene quizá un sonido más estereotipado, pero tiene un sustain precioso. Me gusta el sustain porque recuerda a los instrumentos con arco, todo ese campo en el que la gente está experimentado. Si lo piensas, todo tiene que ver con el sustain.

¿Usás alguna afinación especial en la guitarra eléctrica?
Siempre, normalmente las que yo mismo he creado, así que prefiero guardármelas para mí. Pero nunca son afinaciones abiertas. Las he usado, pero prefiero no usarlas porque así puedes hacer más acordes.

¿Cuándo fue la primera vez que tocaste la guitarra con un arco de violín?
Grabé con él por primera vez cuando estaba con The Yardbirds, pero saqué la idea de un músico de cuerda que conocí cuando trabajaba en los estudios. Probamos con el arco en la guitarra y enseguida conseguimos que funcionara. En aquel momento sólo usaba el arco, los otros efectos se me ocurrieron luego con el Wah-Wah y el eco.

¿En "Communication Breakdown", la guitarra suena como si saliera de una caja de zapatos, ¿Que hiciste?
Básicamente, lo grabé en un habitación pequeña y puse el micro a cierta distancia. Hay una máxima en grabación que dice "la distancia crea profundidad". La he aplicado mucho en mis técnicas de grabación, generalmente con el grupo, no sólo yo. La mayoría de la gente pone los micros justo delante de los amplis, pero yo también pongo uno detrás. De esta forma puedo equilibrar los dos y evitar los problemas de fase. Si se pusieran bien los micros, no habría que usar ecualización en el estudio. Pero todo el mundo se ha entusiasmado tanto con los ecualizadores que se ha olvidado la ciencia de la colocación de los micros. Ya no quedan muchos que la conozcan.

El solo de "I Can't Quit You, Baby" tiene un estilo como dejado pero increíblemente creativo ¿Cómo lo hiciste?
En ese tema hay unos cuantos errores, pero no son importantes. Siempre dejo los errores, no puedo evitarlo. El tempo de la partes de La y Si bemol está bien aunque pueda sonar desplazado. Pero hay un par de notas equivocadas, Hay que ser honesto con respecto a ello.

En el segundo álbum, Led Zeppelin II, el riff central de "Whole Lotta Love" era una frase muy elaborada y estructurada.
La trabajé mucho antes de entrar en el estudio. El resto lo hice en el estudio y le añadí efectos. En realidad, ese riff descendente lo hice con un slide metálico y luego le añadí el eco al revés. Creo que fui yo quien creó esa combinación. Algunos de los riffs que pueden sonar un poco raros tiene también algo de eco al revés.

Contanos cómo conseguiste el sonido de "Out on the Tiles"
Ese tema ilustra mi teoría de los micros, porque ese efecto no es más que el sonido ambiente. Básicamente hay un retardo en el sonido, que viaja de un extremo a otro de la habitación y lo conservamos. Creo que la idea de grabar consiste en tratar de capturar el sonido de la sala, la emoción del momento. Ésa es la esencia.

En "Tangerine" suena como si tocaras un pedal steel. ¿Es así?
Sí. Empecé a tocarlo en el primer álbum porque nunca antes lo había hecho y me gusta probar cosas nuevas. Saqué la idea de la forma de tocar de Chuck Berry.
También lo uso en "Your Time is Gonna Come", donde suena como un slide. En el primer álbum suena más desafinado porque no lo había montado bien.
También usé un banjo en "Gallows Pole" y en "The Battle of Evermore" toqué una mandolina. Bueno, rondaba por ahí, así empecé a tocarla.Ésto se remonta a los tiempos de estudio en los que estaba desarrollando una técnica. Al menos tenía habilidad suficiente para adaptarme.

¿Fue en el cuarto álbum cuando usaste la doble mástil por primera vez?
En realidad no usaba doble mástil por aquella época, pero tuve que comprarme una después para tocar "Stairway to Heaven". Tenía que usarla para hacer todas aquellas partes de guitarra. De hecho, después de aquello empecé a construir partes de guitarra armonizadas, como en "Ten Years Gone" y "Achilles' Last Stand".

¿Te exigió un nuevo enfoque?
Sí. Lo más importante de usar un doble mástil es el efecto que puedes crear cuando dejas que el mástil de doce cuerdas suene al aire, tocas en el mástil de seis cuerdas y las doce cuerdas vibran por simpatía.
Suena parecido a un sitar indio y he trabajado bastante con ese sonido. Utilizo esa técnica en "Stairway to Heaven", no en la versión del álbum sino en la película The Song Remains the Same. Es sorprendente, el doble mástil no vibra tanto como un sitar, pero aún así añade algo a la calidad sonora del conjunto.

¿Crees que tu interpretación en el cuarto álbum es la mejor que has hecho?
Sin duda, especialmente en lo que se refiere a coherencia y calidad de interpretación. Pero no sé cuál es mi mejor solo. Mi vocación es la composición más que ninguna otra cosa, construir armonías, orquestar la guitarra como un ejército, un ejercito de guitarras. Asegurarme que los instrumentos tienen suficiente registro y alcance de frecuencias, de modo que el oyente se comprometa totalmente. Es un proyecto difícil, pero para mí ahí está la gracia. "Stairway to Heaven", "Ten Years Gone" y "Achilles' Last Stand" son ejemplos de ello.
Cuando consigues un collage de, pongamos, cuatro de esos sonidos, la gente se siente atraída porque no lo han oído nunca. En eso estoy: pañuelos de sonido con intensidad emocional y melodía.

¿Crees que fuiste responsable de algún sonido de guitarra en concreto?
El periodista Nick Kent dijo una vez que pensaba que las partes de guitarra de "Trampled Underfoot" eran revolucionarias. Sinceramente, nunca se me había pasado por la cabeza que alguien pensara que lo eran, pero puedo explicar cómo se hicieron. Aquí también se trata del eco al revés y el efecto wah-wah. No sé hasta que punto soy responsable de los nuevos sonidos, porque en aquella época, cuando se publicó el primer álbum de Led Zeppelin, había muchas cosas buenas, como los grandes de la guitarra: Hendrix y Clapton. Fueron tiempos muy fértiles y fascinantes.

En la edición de colección de la revista Rolling Stone "Los 100 Mejores Guitarristas de Todos Los Tiempos" aparece como número 9.

En el número 55 de la revista Guitarra Total, "Los 100 Mejores Guitarristas", aparece en el 2do. lugar escoltando a Jimi Hendrix.

Clive Winston un personaje del juego Guitar Hero II de PlayStation 2 y Xbox 360 usa una vestimenta similar al dragon suit (traje de dragón) usado del 75 al 77 por Page, también cuando se utiliza la energía estrella el personaje empieza a tocar con un arco de violín.

En la versión de Xbox 360 uno de los logros en el juego es el de "Page and Plant Award" que se le otorga a 2 jugadores que pasen una canción con el 100% en modo cooperativo.

Guitarras

Guitarras eléctricas

1958 Gibson Les Paul Standard
1959 Gibson Les Paul Standard. Esta es su guitarra primaria y tiene varias modificaciones como el cuello es mucho mas delgado y las pastillas son "Burstbuckers" una de ellas sin la mica (que es la pastilla de atras). Esta guitarra fue un regalo del guitarrista de The Eagles, Joe Walsh.
1959 Danelectro 3021 AKA 59-DC. (Con la afinacion en Re).
1964 Fender Stratocaster. Usada en las grabaciones del álbum In Through the Out Door, y en 1979 en Knebworth en "In the evening"
1966 Fender Telecaster 1960-1965. Un regalo de Jeff Beck, esta guitarra fue repintada con un dragon psicodelico.
1971 Gibson EDS-1275 (Usada para tocar las versiones en vivo de "Stairway to Heaven" "The song remains the same" "Rain Song" entre otras).
1973 Gibson Les Paul
1978 Gibson Les Paul

Guitarras acústicas