Film Fiction

El Conjuro es “lo mejor” del cine de terror entre la escasa propuesta del género.

2013-08-25T07:41:00.001-07:00

Como les he comentado antes uno de mis géneros cinematográficos favoritos es el de terror y todo lo que se deriva de este. Hoy en día en México las cintas de horror son las más rentables, independientemente de que título sea, hasta la película más mediocre triunfa. En estos tiempos donde toda fórmula se desgasta hasta el cansancio con interminables secuelas y tramas poco originales es casi imposible que una historia de terror se buena, ante esta ola de churros se hablaba mucho de El Conjuro, cinta que ha triunfado tanto en taquilla como en crítica, me pareció lo mejor que se ha visto en el género en algunos años.

La película está basada en la historia real de la familia Perron y sus encuentros sobrenaturales en su casa de Rhode Island. Ed y Lorraine Warren, investigadores de renombre en el mundo de los fenómenos paranormales, son llamados por una familia aterrorizada por una presencia oscura en una granja aislada. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se encontraron atrapados en el caso más terrorífico de sus vidas.

El que diga “lo mejor” no significa que sea una obra maestra, se infló mucho con tantas alabanzas, eso suele pasar después de no haber nada bueno durante años en el género. El Conjuro tiene muchos puntos a favor, comenzando por su excelente fotografía que te transporta a los años setenta, acompañada de una correcta banda sonora. El reparto destaca por la excelente interpretación de Vera Farmiga, quien como una vidente sufrida y madre protectora expresa su temor al toparse con un demonio como el que nunca se habían encontrado, lo acompaña un Patrick Wilson plano y una Lili Taylor en madre temerosa pero muy correcta.

La secuencia inicial es lo mejor de la película, contar la historia de la muñeca Anabelle y como asechaba a las dos enfermeras dentro de su departamento le dio un despegue increíble a la película, la muñeca es realmente tétrica.

Sí, reitero, técnicamente está bien hecha y hay un par de recursos --casi siempre sonoros-- que funcionan y que, incluso, pueden llegar a sorprender a alguien -y digo alguien- pero tengo que decirlo: es un tanto predecible, y no me refiero a que el argumento sea simple -que lo es-, sino a que las terroríficas herramientas que el director ha decidido utilizar son un puro y simple refrito de todo lo que se ha visto ya en los últimos años.

La parte final se disfruta como lo más tenebroso y parte de lo rescatable de la película, todo gracias a la grandiosa dirección de James Wan, quien ya se ve más cómodo detrás de cámaras y muestra mayor fluidez en su trabajo.

Es lo más rescatable de los que va del año dentro del género, pero no me parece la obra maestra que muchos presumen. Entretenida lo es, bien hecha está, pero me dejó un sin sabor. Seguro se van asustar, esperarán con ganas la secuela y la posible saga de los expedientes Warren.

Diego Sahagún

Titanes Del Pacífico: la reina absoluta del verano y del género kaiju.

2013-07-14T12:22:00.000-07:00

Del Toro complace a los niños internos, sin insultar la inteligencia de los adultos en que se convirtieron.

El cine nació como una meta clara, entretener, a lo largo de los años su finalidad ha sido relativa, ya que se utiliza para documentar sucesos que aquejan a la sociedad por medio del género documental, de igual manera, el séptimo arte se ha ido abriendo hacía la ciencia ficción y la animación, contando mediante el género historias fantásticas sobre otros mundo e inclusive el futuro. Cualquiera que sea el género, la finalidad de las películas es hacer pasar un buen rato de entretenimiento cualquiera sea el género. Guillermo Del Toro es un director más que conocido en el mundo y en México, sobra decir que es el creador de cintas clave de la última década a nivel mundial y era de esperarse que el gordito con lentes trajera una de las cintas que entran perfectamente en el concepto de ENTRETENIMIENTO, Titanes Del Pacífico.

Cuando legiones de monstruosas criaturas, denominadas Kaiju, comienzan a salir del mar, se inicia una guerra que acabará con millones de vidas y que consumirá los recursos de la humanidad durante interminables años. Para combatir a los Kaiju gigantes diseñan un tipo especial de arma: enormes robots, llamados Jaegers, que son controlados simultáneamente por dos pilotos cuyas mentes están bloqueadas en un puente neural. Pero incluso los Jaegers proporcionan poca defensa ante los incansables Kaiju. A punto de la derrota, las fuerzas que defienden a la humanidad no tienen otra elección que recurrir a dos insólitos héroes: un ex piloto acabado (Charlie Hunnam) y un aprendiz que todavía no se ha puesto a prueba (Rinko Kikuchi). Ambos se unen para traer a un legendario pero al parecer obsoleto Jaeger del pasado. Juntos, son la última esperanza de la humanidad frente al Apocalipsis que se avecina.

Luego de algunos años de rechazar películas, Del toro, se tomó su tiempo para escribir la cinta que sería la carta de amor para todas esas cintas, ánimes y cómics llenos de monstruos gigantes que nos divirtieron en la infancia –Godzilla, Tiburón, Mazinger Z y algunos ánimes más--. El contexto es sencillo y todo se explica perfectamente en el prólogo de la cinta, en el abismo del océano se abre una puerta que conecta a la tierra con otro mundo, el cual está lleno de monstruos gigantes que comienzan hacer de las suyas en el planeta. Las únicas expectativas ante una película como esta es simplemente entretenerte, lo cual Titanes del Pacífico logra gracias a sus grandiosas secuencias de batallas entre colosos –por favor paguen un poco más y vayan a disfrutarla en una sala IMAX 3D, vale la pena--, esas batallas que alguna vez vieron en series o caricaturas cobran vida como siempre debieron de ser --con permiso Transformers--, Guillermo tenía claro cómo tendría que ser una batalla entre gigantes, los Jaegers se mueven como debería moverse un androide y los Kaiju actúan como deben hacerlo. Lo que todo niño soñó alguna vez, Del toro supo como trasladarlo a la pantalla sin caer en lo Michael Bay, logrando que cualquiera que guste de la ciencia ficción se quede asombrado, el director mexicano le habla a nuestro niño interno para hacerlo resurgir durante más de dos horas.

Pacific Rim es sin duda la película que se lleva el verano, imposible que las películas que estar por venir logren lo que hace Pacific RIm, que independientemente de su cuidado visual y su gran manufactura, Titanes… es un relato honesto realizado para los infantes que no se preocupaban por encontrarle errores a un guión, ni por buscar una excelente actuación, cada pieza del titán está muy ad hoc al género.

Pero como amante del cine, es inevitable dejar pasar el asunto de la historia, los protagonistas Idris Elba y Rinko Kikuchi tienen una entrañable historia y lo mejor de las actuaciones dentro de la película, en especial la actriz oriental quien entrega una de las mejores escenas que hacen honor al género kaiju proveniente de su país. La música está al nivel de los titantes al igual que el sonido.

Reitero, la dirección de arte es detallada y repleta de homenajes a los monstruos más emblemáticos del género, uno de los kaiju evoca a Tiburón, otro tiene rasgos de Godzilla y como era de esperarse, el mexicano hizo distinción a Lovecraft con un monstruo marino que recuerda a Cthulhu su criatura favorita. Las máquinas no están perfectamente brillantes, lucen desgatadas, al igual que luciría un tanque de batalla.

Lo malo de la cinta es que en ciertas historias pretende profundizar mediante la tragedia de uno de los protagonistas, Carlie Hunnam, quien es completamente plano y su historia no termina por cuajar. También la comedia que es característica del director se siente incómoda y sosa, el profesor no termina de convencer y los chistes de Ron Perlman no funcionan del todo por el ritmo colosal de la historia.

Del Toro complace a los niños internos, sin insultar la inteligencia de los adultos en que se convirtieron. Titanes del Pacífico es la película que todos esperábamos que hubiera sido Transformers, si no la hubiera dirigido Michael Bay, lo mismo pasa con lo que hubiera sido Godzilla si no la hubiera arruinado Roland Emmerich. Pacific Rim es colosal y fiel al estilo del director, es un madrazo de entretenimiento. Imprescindible.

Diego Sahagún

P.D. Hay escena post créditos.

Iron Man 3: cumple en cine, insatisfacción geek.

2013-05-02T20:18:00.001-07:00

Las películas de Marvel se han vuelto uno de los platillos fuertes cada año y cada verano en la cartelera mundual, generalmente tienen buena pinta y era de esperarse que Iron Man en su primera trilogía –creo que seguirán más cintas del hombre de acero-- preparara algo asombroso para un nuevo comienzo. Me ha gustado a secas. Simplemente sufrí de la maldición de “altas expectativas”.

El descarado y brillante empresario Tony Stark/Iron Man se enfrentará a un enemigo cuyo poder no conoce límites. Cuando Stark comprende que su enemigo ha destruido su universo personal, se embarca en una angustiosa búsqueda para encontrar a los responsables. Este viaje pondrá a prueba su entereza una y otra vez. Acorralado, Stark tendrá que sobrevivir por sus propios medios, confiando en su ingenio y su instinto para proteger a las personas que quiere.

Debo reconocer que la película es sumamente entretenida, mi parte no geek salió completamente satisfecho, sin embargo, como buen fan de Iron Man, en mis tiempos de niño tuve la oportunidad de leer muchos cómics y también un poco crecidito, por lo que esperaba la gran aparición de “el mandarín”, el némesis de uno de mis héroes favoritos. Con este contexto fue que mi parte “geek” salió completamente decepcionado.

Iron Man luce perfectamente bien, excelente historia –para los que no conocen mucho a los personajes del cómic—un grandioso reparto y buena dirección; además de grandes dosis de acción lo que dan como resultado un buen rato de entretenimiento. Ahora, el guión se vio un tanto más serio, lo cual me pareció perfecto luego de la era post Avengers, ya que tenían que moderarse con el villano para que el espectador no se preguntara el por qué de no llamar a sus amigos Los Vengadores; llevando a realizar una historia más pegada a la realidad --¿alguien dijo Osama Bin Laden?--con ciertos toques de thriller político, eliminando completamente los podres sobrenaturales que posee originalmente “el mandarín”. No le hago el feo al desarrollo de la historia, pero cuando vean la película entenderán el punto –de mi insatisfacción--, no le encuentro mucho sentido el que hubieran “utilizado” de esa forma al némesis del hombre de hierro, la cosa funcionaba igual si metían a cualquier otro personaje, en ese momento la película siento que perdió el encanto para mi lado amante del cómic y todo gracias a que sin tener poderes, como ya lo habían anunciado, durante la presentación de los vídeos terroristas del villano pintaba para ser un completo “malote”, cosa que no sucede por ningún lado. Me sentí violado.

Dejando a un lado mi lado frustrado la cinta funciona por sólo tres actores: Robert, Gwyneth y Pearce. Downey es Iron Man y eso jamás se lo van a quitar por mucho tiempo, Paltrow por lo que aporta en esta cinta tenía que resaltar, les aviso, ella no sólo es damisela en peligro; por último, Guy Pearce entrega uno de los mejores villanos que han sido llevados a la pantalla grande del universo Marvel.

La película tiene dos escenas clave que son especialmente emocioanes: la que se ha visto en el trailer, la destrucción de la mansión Stark y la parte final con todo el armamento de Tony. En verdad, en esos momentos se tomarán del asiento por la adrenalina.

Aunque es la más seria de la trilogía, abunda el sentido del humor, propio del personaje de Robert Downey Jr. mientras la banda sonora de esta tercera entrega tiene mucho más nivel que la de las dos antecesoras. Bryan Tyler sabe potenciar las escenas de acción con la música.

Tiene un comienzo flojo, sin embargo, la cinta se acomoda después del tropezón. Los amantes del Iron Man de las películas lo amarán, los del cómic…se sentirán un poco defraudados por el desperdicio de personaje --¿Por qué aceptó Sir Ben Kingsley?--, pero todo eso no demerita el buen rato que te pasas en el cine. Por cierto, da lo mismo si la ven en tercera dimensión o versión normal, el 3D no aporta mucho como pasara en películas como Avatar o The Avengers. Entretenida.

Diego S.

Lazos Perversos y el excelente traslado de Corea a Hollywood.

2013-04-13T13:18:00.001-07:00

Hollywood suele ser el camino final tanto de un actor o un director, en el caso de este último, llegar a la industria del cine que domina al mundo es para poder expandirse y mostrar tu trabajo a cada rincón del mundo. Guillermo Del Toro, Ang Lee y Michael Haneke han sido algunos de los directores que han dado su paso a Haollywood, unos de forma más discreta, otros, simplemente ya son constante en el cine mundial. Park Chan Wook es un coreano que saltó a la fama por su trilogía de “La Venganza”, pero la cinta que lo posicionó dentro de los estantes de las cintas de culto fue: Oldboy, cinta perfectamente realizada que gracias a su exquisita historia y sus inteligentes vueltas de tuerca lograron ponerlo en los ojos del mundo. Era inevitable que luego de su éxito, Park Chan Wook no quisiera tocar las mieles del éxito en la industria cinematográfica; Stoker o Lazos Perversos, es su salto a Hollywood y su primer cinta en inglés.

Cuando India Stoker (Mia Wasikowska), una adolescente algo excéntrica, pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un trágico accidente de coche el día en que cumple 18 años, su vida se hace añicos. El impasible comportamiento de India oculta profundos sentimientos que sólo su padre comprendía. Cuando Charlie (Matthew Goode), el hermano de su padre, aparece por sorpresa en el funeral, decide hacerse cargo de ella y de su inestable madre (Nicole Kidman). Aunque al principio desconfía de su encantador y misterioso tío, pronto se da cuenta de que tienen mucho en común.

Muchos de los directores que se trasladan a trabajar fuera de su tierra, suelen perder su toque, ya sea por la barrera del idioma o porque no tienen todo el control creativo dentro de la historiam sin embargo, al coreano le pasa todo lo contrario. Lazos Perversos es un thriller sólido y lleno de misterio.

Al momento de leer la sinopsis de la película, sencillamente no sabes que esperarte, el guión realizado por Wentowhort Miller –así es, el protagonista de Prision Break—mete intriga de una manera magistral, ya que los personajes están credos y delineados para hacer el misterio parte fundamental de ellos. Sabes todo lo que está pasando, pero en tu cabeza tratas de descifrar lo que podría ocurrirle a los protagonistas, quienes hacen un trabajo excepcional. Mia Wasikowska y Matthew Goode, estremecen y encantan con la mirada y sus estremecedores gestos, Goode, es el personaje que me perturbó demás, esos ojos en todo su esplendor me mantenían temeroso de lo que podría pasar con alguno de los miembros de la familia; Mia por otro lado, hizo a la perfección un personaje oscuro y solitario, de esos que alguna vez quiso hacer Tim Burton en sus películas habituales, pero sin la entrega y talento que maneja Wasikowska.

La atmósfera creada por el director es claustrofóbicamente erótica, un ejercicio estético brillante, acompañado por un sonido insistente que acentúa la tensión de este thriller psicológico de forma gradual conforme se acerca el momento del desenlace. Una serie de guiños nos recuerdan a la antes mencionada Oldboy, esa forma de apretar el lápiz en la mano, nos hace asomar una sonrisa nerviosa, un preparatorio estudiadamente improvisado de lo que se avecina. Impecable fotografía que alterna una gran variedad de planos, encuadres y juegos de luces. Un trabajo magnífico pero que no está a la altura de los pasados trabajos de su realizador.

Diego S.

No es que ignore a Nicole Kidman, pero su trabajo es intrascendente, no es malo pero queda opacada completamente por los otros , cabe resaltar que la Kidman cada vez más pierde gesticulación por abusar del botox.

Posesión Infernal. El camino que deberían seguir los futuros remake.

2013-04-08T20:49:00.002-07:00

Ya hubo remake de: Viernes 13, Hallowen, La Profecía, Masacre En Texas y viene en camino el remake de Carrie; a este paso era inevitable que Evil Dead tuviera uno tarde o temprano, ya que en su tiempo fue la sensación del cine serie B y el creador de la fórmula de los adolescentes acechados en un lugar solitario. Posesión Satánica logra posicionarse como un buen remake que dignifica a su mentora.

Cinco amigos se alojan en una cabaña de Tenessee para así poder ayudar a una de los jóvenes, que se encuentra en rehabilitación por drogas. Estar sin sus drogas convierte a la chica en una persona agresiva, lo que llevará a sus amigos a no darse cuenta de que en realidad esta poseída por demonios que fueron desatados al leer el Necronomicon...

Por allá en el inicio de la década de los ochentas, para ser preciso, en el año 81, un novato director preparaba su ópera prima, eligiendo el género de terror para su primer película. Sam Raimi se llamaba el director, luego de estrenar la cinta de bajo presupuesto y protagonizada por puro actor desconocido, Evil Dead fue un rotundo éxito y punta de lanza del cine de terror. Ya son más de tres décadas desde que salió aquella cinta y ha servido de inspiración para muchas cintas de género. Ahora, Posesión Infernal regresa de la mano de un director novato que se estrenara con un cortometraje de ciencia ficción, el uruguayo, Fede Álvarez. El director latino refresca la historia y le quita toda la esencia del cine serie B, el presupuesto se nota, al igual que el mando de las cámaras.

El director y los guionistas –Diablo Cody y el propio Sam Raimi—trabajaron en una idea más “congruente”, para comenzar le desaparecieron el tono de comedia –aunque tiene sus momentos--, por otra parte, justificaron la historia de una forma más aterrizada; el grupo de jóvenes está en la cabaña para aislar a una de ellas por su problema con las drogas, lo que hace que realmente suena razonable el que permanezcan dentro del lugar más apartado de la civilización, al igual que, no huyan cuando comienzan a pasar sucesos sobrenaturales.

El gore está más presente que nunca y es un punto por el cual los amantes de la sangre en el cine quedarán satisfechos, su huzo es desmedido por las múltiples mutilaciones. Lo mejor es que la cinta carece de CGI y en su lugar todo es todo es de manera “artesanal”. En momentos la atmósfera me recordó a Anticristo de Lars Von Trier, húmeda y llena de neblina, tenebrosa.

Quizás uno de los detalles de la cinta es que al contrario de la original, esta versión carece de un personaje carismático como lo fuera Bruce Campbell, inclusive hay personajes de más, --¿Alguien recuerda un diálogo de la rubia?—que simplemente no recuerdas que existen hasta que se mutilan, sin embargo, la única que podría resaltar es la drogadicta, sus ojos son quienes le ayudan para parecer una demente –Al parecer así los tiene, pero es la más relevante--.

Aún así, Posesión Infernal no es sólo un buen remake, que sabe lo que es, y lo aprovecha a su favor, en una película que hará las delicias de los amantes de la original, que suelen ser los primeros que se tiran de los pelos cuando sus obras se ven nuevamente versionadas. También es una de las mejores muestras de cine de género que nos ha llegado desde Estados Unidos en los últimos años, una obra realmente terrorífica, que además no escatima en usar el "torture porn" hasta límites que deja a Saw como un juego de niños, esta cinta se acerca más al cine francés que nos llegó los últimos años, lo cual usa de forma inteligente, no buscando únicamente la provocación con él, si no añadiéndolo a la historia como un elemento de verdadera estupefacción, apoyándose para intentar sustentar ese horror. Si todos los remakes que llegan tuvieran el poder que tiene Posesión Infernal, de admirar y respetar la obra original, y además salirse de los límites y marcar su camino con tal inteligencia, creo que todos estaríamos encantados de que hicieran remakes de cualquier película, esperemos que ésta empiece a marcar el camino. Muy recomendable.

Diego S.

P.D. para los fans de la cinta original es recomendable que se queden hasta el final de los créditos, tendrán una agradable sorpresa.

Seis Sesiones de Sexo. La perspectiva inexplorable de los discapacitados.

2013-04-05T09:10:00.000-07:00

La curiosidad por el sexo en el ser humano es natural, todo comienza a cierta edad en la que las hormonas comienzan hacer lo suyo; comento esto porque, Seis Sesiones de Sexo, trata precisamente de eso, la curiosidad por el sexo en una persona discapacitada.

Mark O'Brien (John Hawkes), un poeta y periodista tetrapléjico y con un pulmón de acero que decide que, a sus 38 años, ya es hora de perder la virginidad. Con la ayuda de su terapeuta y la orientación de un sacerdote (William H. Macy), Mark se pone en contacto con Cheryl Cohen-Greene (Helen Hunt), una profesional del sexo.

Se aplaude que un guión que podría haber sido completamente predecible termine por resultar todo lo contrario, Ben Lewin, quien dirige y escribe, realiza un trabajo excepcional al evitar tópicos que suelen relacionarse a este tipo de historias de superación –olvídense de la dificultad de encajar en la sociedad y esas cosas típicas de este tipo de historias--, el director sabe de lo que quiere hablar: la necesidad y la exploración del sexo en una persona completamente inmóvil. El partir de un tema prácticamente “virgen” hacen de la película un momento agradable.

De este modo La curiosidad por el sexo en el ser humano es natural, todo comienza a cierta edad en la que las hormonas comienzan hacer lo suyo; comento esto porque, Seis Sesiones de Sexo, trata precisamente de eso, la curiosidad por el sexo en una persona discapacitada.

De este modo entendemos que lo que se nos pretende mostrar es el sexo como aspecto tan delicado como importante, reflejo de gran parte de nuestros miedos y traumas personales. Por supuesto que O'Brian desea tener sexo, pero más allá del puro deseo carnal –muy presente -- lo que este busca en realidad es conocerse a sí mismo, descubrir su personalidad y aceptar su humanidad. Así lo entendemos en las bellas escenas en las que él y Hunt exploran mediante el tacto su cuerpo inmóvil, momento en que O'Brian descubre un abanico de sensaciones nuevas para él, es decir, un conjunto de emociones que no se sabía capaz de sentir.

Cabe resaltar que las partes de sexo resultan sumamente tiernas y cero explícitas, en gran parte, a las espléndidas actuaciones de la dupla protagonista; Hawkes entrega una interpretación hecha para premios y Hunt, su mejor actuación en años y que la pone de vuelta en el mapa.

Otro aspecto que trata Seis Sesiones…es la religión, que realmente no se toca como se pensaría al unirla con el sexo, si no qué, juega una función de desahogo y una vía de escape.

No es esta una obra maestra, desde luego, pero si es una digna y remarcable película que nos hace salir de la sala con una sonrisa en la cara sin trucos ni sensiblería. No hay que entenderla como una reflexión sobre la discapacidad, sino como un planteamiento sobre la vida y el papel que nuestra sexualidad tiene en ella, estrechamente vinculada a nuestra paz y serenidad emocional. Recomendable.

Diego S.

Nosotros Los Nobles. Nosotros los entretenidos.

2013-04-01T18:35:00.000-07:00

En pocas ocasiones una película mexicana con etiqueta de blockbuster me llama la atención, no es que sea malinchista, ya que suelen ser copias mal hechas de alguna película horrible de Hollywood. Nosotros Los Nobles es una cinta que tiene una premisa sencilla y sólo busca entretener, no es lo mejor del cine mexicano, pero, el alma son los personajes centrales.

Cuando Germán Noble (Gonzalo Vega) - un manipulador y poderoso empresario - se da cuenta que los haraganes de sus hijos -- Javi (Luis Gerardo Méndez), Bárbara (Karla Souza) y Charlie (Juan Pablo Gil) -- están tirando sus vidas por la borda, decide fingir la quiebra de su empresa para darles una lección, haciéndoles creer que todas sus propiedades fueron embargadas: los deja sin coches, celulares y tarjetas de crédito, los lleva a vivir a un vecindario pobre, los hace cambiarse de apellido y cortar contacto con todos sus amigos para salir adelante haciendo algo que ninguno de ellos había hecho antes... trabajar.

Nosotros Los Nobles no busca encontrar la nueva comedia del cine mexicano, su trama es sencilla y no pretende más de lo que promociona. Si bien no está perfectamente hecha, la película tiene un gran acierto, los actores “juniors”. Ellos son los que hicieron que la película me atrajera para palomear un rato, creí que me terminaría aburriendo, pero resultó todo lo contrario. Karla Souza y Luis Gerardo Méndez están muy simpáticos en el papel de “la fresa” y “el mirrey”, ninguno de los dos busca profundizar o tratar de ir más allá de los clichés, sencillamente, se dejan llevar por los personajes y se nota como lo disfrutan.

Cada uno de los “niños bien” tienen bien delineados sus diálogos, ya que, se nota que el director y actores conocen a las tribus urbanas en las que se basan, los comentarios resultan familiares para todos los que hemos tenido amigos cliché –“Me puedes decir porque se están llevando las cosas como si estuviéramos en Venezuela” uno de los comentarios que me hicieron morir de risa.

Tiene su detalles, la fotografía me pareció en momentos estilo videohome, además, la dirección de arte en general pareció de telenovela –inclusive he visto novelas con mejor vestuario--.

Independientemente de sus detallitos, Nosotros Los Nobles se disfruta para palomear un momento, me eché unas buenas carcajadas y me terminaron por simpatizar los “niños bien”. Lo mejor es que por fin vi a uno de los “mirreyes” sufriendo trabajando como la "prole" ¿Alguna vez lo habían pensado o deseado? Yo sí.

Diego S.

Metal y Hueso: La difícil barrera de los sentimientos.

2013-03-16T13:49:00.002-07:00

Las historias de amor en el cine están plagadas de clichés, todas plantean un mundo rosa donde al final todo tiene que salir perfecto; la hermosa mujer por fin encuentra a su príncipe azul y todo sale perfecto. Soy un tanto grinch y no disfruto mucho las historias de esta manufactura, me simpatizan más las historias apegadas a la realidad. Metal y Hueso es un gran ejercicio de una historia de amor compleja y realista, acompañada de dos personas sumamente dañadas e imposibilitadas de decir lo que sienten.

Ali se encuentra de repente a cargo de Sam, su hijo de 5 años que apenas conoce. Sin dinero y sin amigos, deja el norte de Francia y busca refugio en casa de su hermana en el Sur. Ali encuentra trabajo como guardia de seguridad en un club nocturno local. Una noche, después de apagar una pelea, conoce a Stéphanie, una mujer hermosa y segura de sí misma. Le deja su número pero ella es una princesa y él un pobre tipo. Un día, después de un terrible accidente, Ali recibe una llamada inesperada de parte de Stephanie. Cuando la ve de nuevo, ella está en una silla de ruedas…

Los protagonistas de la cinta desconocen de su existencia. Para Ali (Matthias Schoenaerts) la implicación y el compromiso son valores por descubrir; apenas siente afecto por su hijo, al que a la primera encarga a una hermana con la que sólo comparte sangre. Siendo el objetivo de apuestas en peleas callejeras consigue desprender la adrenalina precisa para mantenerse vivo. Quien también necesita el contacto con otro tipo de animal es Stepanhie (Marion Cotillard), una domadora de orcas, que verá mermar su seguridad tras sufrir un accidente. Tras un fortuito encuentro, la joven decide aliarse con el destino e introducir a Ali en su vida.

El director, Jacques Audiard, entrega una exquisita dirección, logra que el espectador no se hunda en la tragedia de sus personajes, nos muestra el barranco pero nunca nos suelta y lejos de regodearse en el sufrimiento invita al espectador a aprender a vivir con límites pero sin generar piedad. Esmerándose por ver la botella medio llena. Es aquí precisamente donde merece el mayor de los aplausos. Por ello, no son aleatorios los cegadores destellos de luz que se suceden a lo largo de la cinta. Funcionan como una conseguida metáfora. El empleo de la luz es mimado por su director y muy necesario en una cinta de tal calibre. Podíamos estar en el fondo del pozo, ahogarnos en la desgracia, bajar al infierno que supone una rehabilitación, Pero no., Audiard golpea fuerte, sin miramientos, y luego deja que la herida vaya sanando de forma natural, sin ningún vendaje.

El poder de la técnica adquiere en Metal y Hueso un matiz relevante. Cada plano está estudiado al milímetro y no por ello pierde frescura. Como tampoco la pierde la actriz principal de este tenebroso relato, Cotillard es sinónimo de credibilidad., su mejor papel inclusive que la actuación que le dio el Oscar. La francesa aporta una interpretación contenida, dura, real, portando todo el dolor que le cabe y vaciándolo en el espectador que irremediablemente lo siente en carne viva. A Marion no se le puede reprochar absolutamente nada, no menos a Schoenaerts. El actor mimetiza con su personaje, la rudeza que se requiere la consigue desde la primera secuencia logrando una evolución natural hasta el último plano. Cabe resaltar la increíble escena donde una canción ñoña y meramente comercial como la de Firework de Katy Perry, toma otro sentido y todo gracias a la señorita Cotillard, me partió el corazón en ese momento.

Rust and Bone (Por su nombre en inglés) nos acerca a un Audiard más intimista pero sin bajar el listón de la dureza a la que nos tiene acostumbrados. El cineasta francés demuestra aquí de forma verosímil que los sentimientos pueden suponer una barrera más complicada de superar que la física.

Diego S.

Los Juegos del Destino o cuando encuentras a tu media naranja.

2013-02-28T19:42:00.002-08:00

He aquí otra de las nominadas y ganadoras de los premios Oscar del 2013, Los Juegos del Destino es la nueva película de David O. Russell, quien ya pisó los mismos premios en 2011 con El Peleador (ganando 2 de 7) y en esta ocasión aspiró a ocho galardones: mejor película, director (Russell), actor (Bradley Cooper), actriz (Jennifer Lawrence, Muy merecido su premio), actor secundario (Robert De Niro), actriz secundaria (Jacki Weaver), guión adaptado (Russell otra vez) y montaje.

¿De qué va Los Juegos del Destino? Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas.

Como se puede deducir por su argumento Silver Linnings Plabook --título original en inglés-- es una comedia romántica, no una al estilo de Mujer Bonita o cualquiera de Jennifer Aniston -por mencionar alguna-, tira más hacia el cine independiente que su realizador/guionista está acostumbrado a hacer, un David O. Russell al que nunca le he prestado mucha atención tras ver en su momento la irregular I Heart Huckabees (2003), hasta hoy.

Película de personajes raros, diálogos inteligentes, humor punzante y con bastante ingenio, con un enfoque coral -todos los personajes se encuentran bien delineados- y realista, con un tono agridulce gran parte de metraje -debido a los problemas que sufren los protagonistas-, evitando en sus dos primeros actos los clichés de la comedia romántica norteamericana... pese a que acaba por caer en ellos en un final donde no faltan muchas emociones, una competencia de baile, alguna frase mentora para el recuerdo de un esplendido Robert De Niro, y un final feliz que no difiere mucho del que podemos encontrar en las película citadas en el anterior párrafo protagonizadas por Julia Roberts o la Aniston.

El hecho de que los cuatro protagonistas principales estén nominados a los premios Oscar indica por donde va su labor, cada uno encarnando personajes bien presentados, caracterizados y cada uno con sus peculiaridades. Bradley Cooper es un torrente de emociones que consigue transmitir su bipolaridad, la magnética Jennifer Lawrence es la mejor actriz de su generación y lo demuestra , un supersticioso Robert De Niro recuperado para el buen cine; una preocupada Jacki Weaver cierra el cuarteto de nominados que desde hace más de 12 años nunca se había nominado a una cinta en las cuatro categorías principales de actuación –por mencionar alguna, Reds (1981)--

Como mi afición al cine es igual a la que tengo por la música, decir que en Los Juegos del Destino la banda sonora es de alto voltaje. A la composición de un excelente y más contenido que de costumbre Danny Elfman, sumar la aportación de bandas como Alt-J, Eagles of Death Metal, Stevie Wonder, Bob Dylan & Johnny Cash, Jessie J, Led Zeppelin, The White Stripes y Frank Sinatra.

Pocas veces los Oscar han sabido apreciar tan bien los puntos fuertes de una película con sus nominaciones, pues la cinta opta a todas las categorías que hacen de ella un sobresaliente largometraje.

Diego S.

Django Sin Cadenas: un buen reciclado de lo ya hecho por Tarantino.

2013-01-19T15:09:00.000-08:00

Cuando hablamos de Quentin Tarantino, hablamos de todo un rockstar del cine. Tarantino está al nivel de Tim Burton –hablando de popularidad--, tiene todo su estilo marcado y cada proyecto que se anuncia crea gran expectativa. El director de culto ha sabido hacerla dentro del cine, guiones irreverentes, extrema violencia y baldes de sangre por doquier. Sus historias forman parte del selecto grupo que se denominan de culto. Luego de Bastardos Sin Gloria, Tarantino estuvo escribiendo una historia que se desarrolla dentro del género western, género que ama y que lo llevó a ser director de cine. Django Sin Cadenas fue una buen reciclaje por parte del director del director y sus ya conocidos elementos.

Dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana (1861-1865), King Schultz (Christoph Waltz), un cazador de fugitivos alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo negro Django (Jamie Foxx) dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el malvado propietario de la plantación "Candyland".

Tarantino siempre ha tenido una fórmula a lo largo de toda su carrera, y es simple, siempre nos da lo que nos agrada. Un héroe dañado por un villano muy malvado y gracioso, jode constantemente a nuestro personaje principal, pero al final nuestro héroe logra su cometido de una manera espectacular –cada quien tiene su momento de lucidez--.

Aclarando la esencia en cada una de las historias de este genio, el director se embarca dentro de uno de los géneros con los que creció, el spaguetti western. No sale tan librado como al principio hubiera creído –pero me gustó mucho--. La primera parte de la película fue la que más disfruté, pero la sentía desenfocada; Tarantino va hilando la relación entre el Dr. Schultz y el esclavo, Django, que al final es la plataforma para lucir a su ahora musa, Christoph Waltz, quien entrega un personaje más que correcto en un simpático cazarrecompensas que te va seduciendo a lo largo de la cinta, sin embargo, el personaje principal no tiene su momento de lucimiento como se hubiera pensado, y es ahí, dónde un personaje secundario hace a un lado al protagonista.

En la segunda parte de la historia es donde se cae, el personaje que había seducido a la audiencia se tropieza y se muestra completamente irregular, Django se ve de nueva cuenta desvanecido al aparecer Leonardo Di Caprio, quien en momentos su actuación me recuerda a Robert De Niro en sus buenos tiempos.

Algo que me agrada del cine de Quentin ha sido su grandiosa violencia justificada y descarada, en esta ocasión el “chisme” que se había armado respecto a los actores que renunciaron debido a la gran violencia que esta manejaba, me hacía pensar que el tema de la esclavitud se prestaba para algo más gráfico –debo admitir que adoro la violencia desmedida—y golpes y miembros por todas partes, pero, resultó todo lo contrario, me pareció haber percibido un cambio en la naturaleza de la violencia característica de Tarantino, y por momentos, y aunque parezca mentira, he sentido la contención del cineasta en escenas que podrían haber sido mucho más crudas, todo ello sin salirse del marco de la brutalidad a que dio pie la esclavitud en los Estados Unidos. Para ser sincero, me decepcionó la falta de violencia explícita.

Debería de estar hablando de Django, el protagonista de la cinta, sin embargo, Jamie Foxx no hace mal su trabajo pero es simplemente un personaje que al parecer no encariñó tanto a su creador, como lo hizo con sus secundarios – Tarantino ama a los villanos--, simplemente no resalta y muestra nula química con su damisela en peligro.

Punto y aparte para la escena del Ku Kux Klan, el exquisito soundtrack y el cameo de Jonah Hill y Franco Nero.

La película pudo ser mejor si les restáramos una hora menos – dura casi las tres horas--, pero aún así, disfruté la cinta como he disfrutado cada una de las historias del señor Quentin, tiene sus detalles como los antes mencionados y un buen reciclado de lo ya hecho por el director, aunque considero que no era para ser nominada al Oscar como Mejor Película. Entretenida.

Diego S.

P.D. Silencio total cuando se exhiben los "dotes" de Jamie Foxx.

Amour: la forma menos idealizada del amor.

2013-01-17T19:40:00.000-08:00

Amour es puro horror, pero también es puro amor.

Michael Haneke es un director austriaco que se ha mantenido en una línea cinematográfica sumamente tensa, todos sus demonios los vuelca en cada una de sus impecables cintas. Funny Games mancha un excelente retrato familiar con algo de violencia, La Pianista es un retorcido retrato de una mujer sumamente perturbada; Haneke es un genio que te ataca psicológicamente, jamás será todo tan gráfico como se podría pensar. Michael Haneke es de los mejores directores contemporáneos, con Amour no hace otra cosa que reafirmar su excelente e impecable filmografía.

Georges y Anne, los ochenta cumplidos, son dos profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija también se dedica a la música, y vive en Londres con su marido británico. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo está paralizado. El amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

El director nacido en Munich no se empeña en horrorizarnos a nivel visual, pero si al nivel sentimental. Es un auténtico genio del terror, del terror psicológico. Basta con contar un drama sencillo y cotidiano para convertirlo en una película sombría, dolorosa y siniestra, pero de una belleza inusual.

Haneke es inigualable. Creo que es el único director del mundo que consigue horrorizarme y emocionarme en una misma película, porque Amour es puro horror, pero también es puro amor --valga la redundancia--. Pocas veces he visto una historia de amor tan veraz, pura y auténtica como la de esta película. En el amor del mundo de Haneke no hay besos, ni abrazos, ni sexo, hay cariño, afecto, comprensión, sensibilidad y apoyo en las buenas y en las malas, y sacrificio. Él muestra el amor de forma menos idealizada, más realista y, quizá, más efectiva. Así es el verdadero amor.

Cada una de las 5 nominaciones al Oscar las tiene bien ganadas. La academia debería de ser justa y reconocer el excelente trabajo de cada uno de los involucrados en esta asombroso e íntima historia. Los veteranos actores, Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, están sencillamente impresionantes, cosa que se debería haber reconocido a la dupla de actores, sin embargo, posiblemente ninguno de los dos obtenga el premio –tomando en cuenta que a Trintignant ni se encuentra nominado--.

Técnicamente la cinta es muy del estilo del director, muy europeo. Planos largos, profundos y austeros. Guión sencillo pero que sólo un genio como Haneke puede convertir en obra de arte, el director ha vuelto a dar en el clavo, ha deslumbrado con una historia preciosa a la par que saca los monstruos más retorcidos de su cabeza. Una de las mejores películas de uno de los mayores genios cinematográficos de nuestro tiempo.

Diego S.

Lo peor del cine en 2012

2013-01-04T15:09:00.000-08:00

La siguiente lista está integrada en su mayoría por películas de terror, sin embargo, los primeros lugares están en dichas posiciones debido a la gran decepción que fueron para su servidor, tienen muchos detalles grandiosos, pero su historia me pareció una completa bazofia.

[REC 3]

Teniendo dos secuelas, una resultó ser maravillosa, otra simplemente gustó; REC 3 no aportó nada como secuela –realmente está situada a la par que la primera—salvo su grandioso maquilla y hacer notar que a los directores les está cayendo muy buen dinero por la excelente dirección.

La novia kick ass

Silent hill 2: La Revelación- Silent Hill Revelation

Silent Hill La Revelación tiene una historia incoherente, dado que es la continuación directa de la cinta estrenada en 2006, no se encuentra una conexión estable respecto a la anterior, el cambio de nombre por parte de la protagonista, el regreso a la vida de la pequeña y la muerte de la madre jamás lo explican de lleno, todo no tiene un porque, todo sucede porque si. Pésima secuela.

???????

Actividad paranormal 4- Paranomal Activity 4

¿Hay algo nuevo que decir sobre una historia que se repite hasta el cansancio?

¿En la siguiente entrega utilizarán el nuevo Xbox?

El Cuervo: Guía para un asesino- The Raven

Con elementos de ficción y verdaderos, la cinta dirigida por James McTeique se queda corta para los seguidores de Poe, en primera instancia por la falta de creatividad a la hora de mostrar cada una de las muertes de sus distintos cuentos, que quizá para los que no conocen la obra literaria del escritor pueda ser un tanto brusca e inclusive evocarles a cintas contemporáneas como El Juego Del Miedo, sin embargo, para los amantes del autor sólo llegó a ser una cinta llena de referencias al autor.

Atinada la caracterización de Cusack

Terror en Chernóbil- Chernobyl Diaries

Lo único por lo que fui a ver la cinta es por mi pasión por “ver” Chernóbil en una cinta de terror, ya que considero que es un lugar con todo para realizar una cinta de género.

¿La chilindrina en drogas?

Esto es Guerra- This Means War

Pocas han sido las comedias románticas que me han dejado con un buen sabor de boca o por lo menos me entretienen, cuando fui a ver Esto es Guerra, sólo quería comer palomitas y ver una fórmula trillada dentro del género, sin embargo, no disfruté ni las palomitas ante tan mala película. Actuaciones pésimas, una historia mal hecha y un Tom Hardy…guapo, siendo esto último lo único disfrutable.

sólo por Hardy This Means War no fue lo peor.

Blancanieves y el Cazador- Snow White and The Huntsman

Kristen “pésima” Stewart es sinónimo de mala película y cada que le dan un protagónico es para atraer a la “manada” de fans de Crepúsculo y no por su grandioso talento. ¿Quién creyó en verdad que la sosa de Stewart es más hermosa que Charlize Theron?

¡¿A quién se le ocurrió que Kristen Stewart es más bella que yo?!

Sombras Tenebrosas- Dark Shadows

Dark Shadows lejos de ser tenebrosa, no podría resultar más convencional. Es una supuesta comedia de terror en la que el terror hace reír y la comedia da miedo, para ser sincero, estoy siendo generoso. Al estar ambientada en los 70’s, el diseño de producción ansía meter suficientes referencias de la década para evocar aquella época --tanto sonoras como visuales--, pero en cambio, es tal el abuso --y el mal uso--de estas referencias, que la traslación queda carente de credibilidad. Aun así, Burton se ha caracterizado por tener buen vestuario y una estética impecable, aquí no es la excepción. Esta es la prueba de que Tim Burton estaba estancado creativamente.

La dupla Burton-Deep tiene que romper.

El Caballero de La Noche Asciende- Tha Dark Knight Rises

Sonaba magistral el hecho de incluir a Bane como el villano principal de la última entrega de Batman, ya que así sería sorprendente para la audiencia que no está muy familiarizada con el personaje y tendría la oportunidad de crear a un villano perfecto después de lo sucedido con The Joker. Nolan quería quitar el mal sabor de boca que años atrás había dejado el Bane de Shumacher a los fanáticos del hombre murciélago, sin embargo, en la tercera entrega el villano no brilla en lo absoluto como se creía. Tom Hardy interpreta a Bane como cualquiera lo hubiera hecho, realmente no resulta relevante debido al difícil personaje enmascarado, cualquiera pudo haber hecho lo que hizo Hardy ya que no tienen ninguna carga interpretativa, sólo habla y da órdenes, que al final queda en la trillada frase ‘mucho ruido, pocas nueces’. Jamás me había aburrido tanto en una película, se me hizo eterna y una decepción total.

¿Eso fue el cierre?

Después de Lucía

Una de las peores películas ganadoras en Cannes. Cinta inflada con el buzz de los premios que al final resultó ser una cinta olvidable, plana, incoherente y aburrida. Una película pretenciosa que parece más un episodio de Mujer Casos de la Vida Real dirigido por un imitador de Carlos Reygadas.

sólo hablarán de ti por lo mala que es.

Lo mejor del cine en 2012

2012-12-31T09:43:00.000-08:00

Como cada año les dejo mi lista personal sobre lo mejor del cine del 2012. Este año me sorprendió toparme con varios blockbusters dentro de mi lista. Antes ya había publicado lo mejor del primer semestre, por lo tanto, están incluidas las mismas cinco pero en distintos lugares al completarse con el resto de las cintas del segundo semestre.

10.-Prometeo- Prometheus

Me considero fan del género de ciencia-ficción desde hace años y como a muchos seguidores de este género la película de Alien: El octavo pasajero encabeza nuestra lista de pelis favoritas. Ridley Scott creo que no ha hecho nada mejor desde entonces, pero aun así, es un director al que siempre le doy una oportunidad cada vez que estrena cinta nueva.

Prometheus no ha sido una excepción, desde que supe de ella mis ganas iban aumentando, y debo decir tras verla, que como película de ciencia-ficción es buena, entretiene pero lamentablemente no llega ni por asomo al suspenso y el terror de Alien.

El argumento plantea preguntas universales, ¿De dónde venimos?, ¿Cuál es nuestro origen?, o ¿Por qué estamos aquí?, a las cuales intentan dar respuesta un grupo de científicos que viajan en la nave que da nombre a la película, siguiendo un mapa estelar grabado en diferentes lugares de nuestro planeta y de culturas muy distantes en espacio y tiempo.

La historia engancha desde el principio, pero sin llegar a ser muy original, el guión no está del todo trabajado, dejando varios cabos sueltos, o como yo lo veo, incógnitas para que el espectador las interprete a su manera. Aunque la mayoría de la trama queda bien atadita, se te queda una espina al final, esperando algo más, una explicación, un porqué...aunque conociendo a estos de hollywood nos las darán en una segunda parte.

9.-Los Vengadores-The Avengers

Los Vengadores es el perfecto objeto blockbuster del deseo entre el equilibrio geek-friki-cómic y la simpatía del espectador de cine comercial. Puro entretenimiento que actúa como si fuera consciente de encontrarse en un circo de tres pistas, con ritmo vibrante, mientras se sabe reír de sí misma pero también de disfrutar con lo que hace.

Whedon parece encarnar a un cinéfilo Ojo de Halcón que se ha metido en una cabina telefónica con cientos de películas y cómics de superhéroes y ha sabido reinventarlas en una sola para armarse y vestirse con ella. Ahora él es el nuevo superhéroe, el cielo lo pone el espectador. Las palomitas de maíz y las gafas en 3D tienen un nuevo salvador recorriendo y surcando el firmamento. Más allá de Marvel y el centrifugado emocional, más allá de los renglones y la imaginación de un buen puñado de viñetas, más allá de cientos de vuelos fallidos previos… Los Vengadores llega para marcar la línea que el resto tendrá que superar. Y créanme, es demasiado elevada, está simplemente ya en otro universo.

8.- Las Ventajas de Ser Invisible- The Perks Of Being a Wallflower

Me tomó tiempo asimilar la historia debido a que me vi reflejado en varias ocasiones con alguno de los tres protagonistas, tengo que admitir que no esperaba mucho de la cinta debido a su reparto, cosa que me hacía pensar que sería un churro adolescente, resultó todo lo contrario. Disfruté cada una de las actuaciones, amé el glorioso soundtrack que trajo lo mejor de los ochentas y me hizo recordar mi adolescencia. Las Ventajas de Ser Invisible es inspiradora a pesar de su intensidad, es dramática sin ser sensiblera, logra hacernos sonreír mientras vemos la transformación de Charlie, los espectadores sonreímos mientras él entiende que no necesita encajar en el mundo de todos, que basta con poder encontrar el sentido de su propia vida y contar con el apoyo de sus pocos, pero verdaderos amigos. Una obra que trata los problemas de la vida, y que si bien se sitúa en una etapa de la existencia humana, nos sentimos identificados con la historia no solo porque todos fuimos muy jóvenes, sino también porque los problemas son comunes a todas las edades.

7.-Deseos Culpables-Shame

Shame es impactante, brutal. No es fácil explicarla con palabras. Una película que sacude al espectador desde el primer momento y desnuda los instintos más "guarros" del ser humano. Shame es una odisea de emociones desde su primer instante, consigue impregnar de un ambiente algo perturbador y melancólico una adicción al sexo que acorrala al protagonista.

Brandon es incapaz de iniciar una relación formal temiendo que todo se vaya a pique, que su instinto insano provoque repulsión de los demás. Sabe que necesita ayuda y que no se puede controlar.

Shame no utiliza el mero hecho sexual para ganar adeptos, sino que este planteamiento agiliza la labor del director en mostrar la parte más dañina de una persona y cómo en ocasiones se vuelve irreversible. El descenso a los infiernos de el protagonista está narrado con tanto acierto que nos arrastra por completo a experimentar su angustia.

La película es un drama psicológico exacto, sin acompañamientos innecesarios. No se detiene en ningún momento y cada escena está lograda con la precisión que requiere.

En esta impecable realización se echa de menos la nominación a los Oscar de Michael Fassbender como mejor actor protagonista y la de Carey Mulligan, que interpreta a su hermana (la cual tiene un peso importante en la cinta). El guión de McQueen también es superior y su dirección fantástica. Y por supuesto su banda sonora consigue atraer de manera eficaz la puesta en escena, haciéndola efectiva y eficaz (sobre todo en las escenas finales y el comienzo).

6.- Asesino del Futuro -Looper

Tenía años sin disfrutar de una película de ciencia ficción como tal, Asesino del Futuro me tenía al borde del asiento durante toda la cinta. Pero no sólo lo destacable de la historia, si no qué, su excelente guión, su grandioso cast y la reinvención de los viajes en el tiempo. Estamos ante una de las joyas del Sci-Fi de la década que comienza. Bruce Willis nos da su mejor interpretación en años y Joseph Gordon-Levitt se postula como uno de los grandes dentro de los blockbusters.

5.-Drive: El Escape- Drive

El sonido y la música es para esta película lo que su personaje principal es a la conducción.

Es una película que demuestra lo que es interpretar sin necesidad de hablar, enseña cómo crear un personaje principal con imágenes y sonidos, cómo contar sentimientos con primeros planos y miradas.

Drive no es sólo un espectáculo visual --que lo es--, cada motivo musical de la banda sonora puede ser extraído de la cinta --junto con sus imágenes-- dando como resultado un videoclip de calidad aplastante.

Tras verla tres veces puedo decir que entender las letras de la banda sonora le da un significado extra a la psicología del personaje y un brillo más intenso a la película.

4.- Argo- Argo

Como actor nunca nos ha terminado de convencer, como director, Ben Affleck sigue impactándonos y de qué forma. Argo, sencillamente es cine del mejor. Aunque el desenlace de la historia es el consabido final feliz de la historia real, Affleck consigue angustiarnos, jugar a su antojo con nuestras emociones como si fuese el mismo Alfred Hitchock encarnado en él. El manejo correcto de cada fotograma, incluso en los créditos finales acompañados de la musicalización precisa hace que uno no quiera irse de la sala de cine. Bravo por Ben quien se está haciendo de un nombre como director.

3.-Amor- Amour

Una cinta como pocas. Tuve la oportunidad de verla en “lo mejor del FICM” y sólo reafirmó mi gusto por el director austriaco, Michael Hanke. Amour es un retrato sincero y simplista sobre la vejez, enfermedad y la muerte. Un retrato honesto acerca del amor a largo tiempo y que dicta que al final el sentimiento puede seguir por años aunque las acciones digan lo contrario.

2.-Tenemos Que Hablar De Kevin

Si vamos hablar de robos de los Oscar, Tenemos Que Hablar De Kevin, estaría en primer lugar al quitarle la estatuilla a Tilda Swinton, la mejor actuación del año, así como la mejor película del primer semestre de este 2012. Las interpretaciones (realmente hay solo dos personajes importantes en toda la película) son brillantes. Tilda Swinton está mejor que nunca, y Ezra Miller aporta el carisma necesario. Dado que la cinta se centra en la introspección de estos personajes y tiende a evitar el morbo, el gore innecesario y los efectos de sonido, es a ellos a quienes hay que agradecerles que funcione tan bien. De lo que llevamos de año, ha sido una de las películas que más he disfrutado. Al principio los flashbacks están demasiado desordenados y eso desubica mucho, pero lo recupera finalmente. El final es tal vez un poco decepcionante, menos apoteósico de lo esperado, pero aún así, "We Need To Talk About Kevin" es una película con una fuerza psicológica suficiente como para recomendarla encarecidamente.

1.-Beasts of the Southern Wild

La cinta “indie” del año y la mejor para su servidor. Hay momentos en el cine que están llenos de magia, en los que los sentimientos y las emociones que nos hace sentir una película trascienden su existencia como hecho audiovisual y nos sentimos parte de la historia que estamos experimentando. “Beasts of the Southern Wild”, la historia—vista a través de los ojos de una pequeña niña—de una comunidad costera enfrentada a una tormenta inminente, está llena de esos momentos. No me extenderé tanto como debe de ser hasta que sea su estreno comercial, pero me conmovió de sobremanera es un filme hermoso y poético, me recordó a un poema triste y doloroso pero a la vez luminoso. Una de las grandes joyas del año acompañada de la revelación infantil de la década, Quvenzhané Wallis. Un gran debut para un joven director, Benh Zeitlin, que hay que seguirle la pista.

Moonrise Kingdom: la delgada linea de la madurez y la infancia.

2012-12-08T15:14:00.000-08:00

Hablar de Wes Anderson es hablar de un estilo definido y propio. El director texano ha sabido crear su propio universo al igual que otros directores, teniendo una serie de elementos que hacen identificar fácilmente una cinta de su autoría. Con Moonrise Kingdom sigue fiel a su fórmula por lo que los amantes del universo Anderson no quedarán decepcionados.

Años 60. La huida de dos jóvenes amantes de su pueblo natal lleva a sus familiares y amigos a salir en su búsqueda. Así, quedarán de manifiesto viejos rencores y ocultas relaciones románticas entre algunos de los personajes que participan en la búsqueda.

Es algo complicado discutir sobre una película de Wes Anderson, ya que con sólo ver una de sus cintas se conocen a la perfección los rumbos y la forma de manejarse que tiene el director en cualquiera de sus películas, así como, todos los elementos narrativos en común que tendrán cualquiera de sus historias -–la paleta de colores pastel, Bill Murray, Owen Wilson y Jason Schwartzman--. Lo cierto es que a día de hoy ha conseguido ser uno de los cineastas más carismáticos e identificativos del panorama actual. En el estilo de Anderson está su perfeccionista elaboración de planos en las que prima el equilibrio y la simetría en el encuadre, su trato del color, o sus cuidados travellings sumados a una banda sonora repleta de temas con aroma muy vintage y una score que parece ser la música que acompaña a un cuento de hadas. Lejos de hacer de esto una losa y que con el tiempo llegue a resultar repetitivo, Anderson va afianzando y exagerando cada vez más este estilo tan propio aumentándolo película a película con una estética que en momentos parece diluirse en la línea del dibujo animado, dudando a cuál de los dos mundos pertenece todo, lo real o lo fantasioso.

Dado que el cine del texano no es muy accesible para cualquier persona, el humor que Wes impregna a cada una de sus cintas es muy propio e íntimo, un sentido del humor que nunca nace del chiste si no que fluye a través del extravagante comportamiento de todos sus personajes, donde el gag visual resulta hilarante al juntarse con esa curiosísima puesta en escena.

En Moonrise Kingdom estamos ante una fábula y un mundo paralelo que se divide solamente por la edad, mientras la historia principal es la de la pareja de tórtolos escapando de sus familias –que en momentos parece ser la fantasía que alguna vez pensamos hacer cuando éramos chicos-- del otro lado se encuentra la historia de los adultos; dónde se narran cuestiones como la rutina de la vida, infidelidad, soledad y otros problemas personales. Anderson entre mezcló los problemas que suelen ser "cosa de adultos" con la imaginación de los niños; logrando tener un exquisito mundo compartido entre la adultez e infancia. Recordemos que las historias del director suelen ser protagonizadas por adultos descompuestos que parecen niños, y aquí no es la excepción, mientras los niños protagonistas realizan papeles más que correctos –aplauso para los primerizos Jared Gilman y Kara Hayward--, Bill Murray, Frances McDomard, Bruce Willis y Edward Norton actúan como unos verdaderos adultos patéticos y perdedores –todo es intencional, cada uno trabaja de manera maravillosa--.

La estética que posee Un Reino Bajo la Luna es una excelente dramatización perfecta de los años sesenta, inclusive, Anderson se tomó el tiempo necesario para elegir un reparto que tuviera la esencia de las películas de esa época, por nombrar a alguien, la protagonista parece sacada de una película setentera. Una dirección de arte perfectamente cuidada a detalle, acompañada de una excelente musicalización de chill out dirigida por Alexandre Desplant y colaborando superficialmente el talento emergente, Mark Mothersbaught –escuchen su composición dentro del soundtrack de Nick and Norah Infinite Playlist--.

Quizás el único pero de la cinta es que no es disfrutable para cualquier persona, de ahí en fuera, es un trabajo más que correcto para el director más reputado de la comedia americana. Imprescindible.

Diego S.

P.D. Lloré de la risa con el gang de lo pendientes de bichos.

The Master: un reparto de Oscar, una historia ambigua.

2012-11-17T18:23:00.002-08:00

Una historia que deambula y deja al espectador sin una trama definida.

Considerado por muchos uno de los grandes talentos en el cine contemporáneo, Paul Thomas Anderson, regresa después de su descanso de 5 años, luego del éxito de There Will Be Blood (Petróleo Sangriento) era obvio que su próximo trabajo traería muchas expectativas. The Master ha sido un regreso acertado, más no superior a su anterior trabajo.

Drama sobre la Iglesia de la Cienciología. Lancaster Dodd (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas.

Para ser sincero admiro el trabajo del director, desde su poderoso retrato setentero sobre la alineación del poder en Boogie Nights, hasta Magnolia, ese tejido de historias sobre el perdón y la redención, sin embargo, The Master me dejó insatisfecho, me quedé con una sensación de que le faltaba algo.

La cinta posee un excelente reparto, el problema no está ahí, la película tiene un enorme agujero argumental que mientras más avanza la historia se va perdiendo. ¿A qué me refiero con esto? The Master plantea muchas preguntas, pero no da respuesta a todo lo se exhibe, además de no tener un contexto claro. Vamos, llega un punto donde no sabes si The Master se trata sobre el visionado de la religión por un loco, o el retrato de las relaciones del poder; además, se podría agregar otro tópico que podría abordar la exploración de la mente de un obre obsesionado con el sexo. Pueden ser todos los temas, pero la trama tiene demasiadas ambigüedades ; es una obra que tiene una falta de orden y rigidez narrativa, que sólo se mantiene al –reitero—talento de actores, y aquí es donde posee su verdadero valor. El actor fetiche del director, Philip Seymour Hoffman, quien considero es un inmenso histrión y uno de los mejores actores de la actualidad, por otra parte Joaquin Phoenix da la mejor interpretación de su carrera, un personaje con un instinto animal adicto al sexo que mantiene una postura erquiga, Phoenix no sólo borda un personaje, se mete en él.

No voy a demeritar los demás valores que tiene, ya que Paul T. Anderson sabe elegir a cada uno de los encargados de los aspectos técnicos en cada uno de sus trabajos –recordemos la banda sonora de Aime Mann para Magnolia por mencionar alguno—y en The Master no fue la excepción, Jhonny Greenwood --integrante de Radiohead-- vuelve tomar las riendas de la música y no lo hace mal, el problema es que la música le quedó grande al argumento de la historia y resalta más la música que las acciones en sí –no metas música que no va a la par con las situaciones, en ocasiones pretendía meter tensión en donde no lo había--. La hermosa fotografía es otro punto a resaltar, Mihai Malaimare Jr. Impregna a la película con un aire de nostalgia de los 50’s que están muy de moda, dándole una atmósfera complaciente y más que creíble.

The Master no es mala, Paul T. Anderson crea un película fallida donde la ambigüedad para muchos críticos ha sido un cierto, pero para su servidor ha sido una historia que deambula y deja al espectador sin una trama definida.

Diego S.

Argo un thriller adrenalínico con olor a Oscar.

2012-11-11T12:44:00.000-08:00

Personalmente, Argo es una de las cintas que me han puesto más ansioso que nunca, llegando al punto de morderme las uñas.

Warren Beatty ha sido de los pocos actores que sea han metido en más de un aspecto dentro de la producción de una película, el buen Beatty llegó a ser guionista, productor, actor y hasta director en una de sus películas, obteniendo por el Oscar a Mejor Director en 1981 por Reds. Ahora --y no es que compare al buen WB-- uno de los actores recientes que se ha unido a los "actores mil usos” es Ben Affleck, aquel actor que fue considerado en algún momento “peor actor” en los premios Razzie, se ha hecho de un estatus gracias a sus 3 películas. Argo, será la película que lo reafirme como una gran promesa como director y que de seguir así, podrá ser ganador de un Oscar a Mejor Director.

Argo nos lleva a 1979, a la conflictiva situación creada por el secuestro por parte de un grupo de iraníes de la embajada de los Estados Unidos en Teherán. Canadá y EEUU se verán forzados a unir fuerzas para conseguir infiltrarse en el país y rescatar a un grupo de diplomáticos atrapados tras el sitio. Ningún plan parece tener las suficientes probabilidades de éxito, y el “menos malo” que encuentran es introducirse alegando ser el equipo de rodaje de una película de ciencia ficción y camuflar a los diplomáticos como parte de los técnicos…

Ben Affleck reafirma su eficiencia como director, tras la acertada Gone, Baby, Gone y el éxito de The Town adaptando un hecho histórico real con Argo, su tercera película.

La credibilidad de lo que se narra viene tanto por un despliegue técnico (maquillaje, vestuario, diseño de producción, fotografía, bso, etc.) de alto nivel que nos ubica en la época de los hechos de una manera excelente, así como por una recreación de las vivencias de los afectados mediante las interpretaciones de su equipo protagonista estupenda, donde brillan actores en papeles secundarios como Alan Arkin y John Goodman, amén de un trabajo de casting, que sumado a la caracterización regala un sorprendente parecido entre las personas reales y los personajes creados en Argo.

Pero nada de lo enumerado podría ser efectivo traducido al cinematográfico lenguaje sin un guión que atrapa al espectador, que nos hace viajar por la historia mostrando el retrato político y humano sin cargar el ritmo de la acción y una dirección de gran calidad que termina por trazar que el mejor Ben Affleck es aquel que se ubica detrás de las cámaras.

Por alguna extraña razón lo más insípido de la película, es la historia independiente del papel de Affleck, nada de otro mundo si tomamos en cuenta que en su anterior cinta sucedió lo mismo; sin embargo, el actor se desenvuelve bien.

Argo es un filme adrenalítico, y no lo es, por su montaje visual o sonoro, sino por la tensión y el ritmo que nacen de una situación límite bien exprimida. La historia que al final todos sabemos en qué termina, resulta ser un vieja donde la conclusión no es el premio, si no qué, el desarrollo es lo disfrutable. Personalmente, Argo es una de las cintas que me han puesto más ansioso que nunca, llegando al punto de morderme las uñas.

Como diría el dicho “La realidad supera a la ficción”, y en este caso, la historia y la magia del cine se funden de una hábil manera creando un thriller de primera categoría. Recomendable para todos aquellos amantes de las películas “basadas en hechos reales” pero bien adaptadas, del thriller, y, en general, del buen cine. Interesante.

Diego S.

Cita de Sangre tiene la fórmula perfecta para los amantes del gore.

2012-11-04T09:45:00.000-08:00

Me he topado con un sinfín de películas gore que su único fin es destazar al por mayor a los personajes que aparecen en la cinta, Hostal ha sido de las historias que más he disfrutado por su carga de gore y su atractiva historia. Existen filmes que además de tener un exceso de sangre, entregan buenas historias justificando la gran carga de tortura humana; una de ellas es Mártires. Cita de Sangre película australiana del 2009 que se alzó con distintos premios en los festivales donde se presentaba, se disfruta como una buena propuesta de gore y una historia entretenida.

Brent, un joven de diecisiete años, rechaza una invitación de Lola, una de las chicas más apacibles de su instituto. Lo que no puede ni siquiera imaginar es que Lola y su padre lo secuestrarán y tendrá que luchar desesperadamente para sobrevivir a la macabra celebración que han preparado para él.

Cita de Sangre es una mezcla de Carrie, y Misery con brochazos de "torture porn", de la que como mucho se puede esperar algo pasable, pero si se deciden a verla comprobaran que estamos ante una interesante y vacilona función que aunque no nos cuente nada nuevo, divierte, incomoda y entretiene con la acertada mezcla de ingredientes que logra un tal Sean Byrne --opera prima, dirección y guión--, hay humor negro y macabro, sobresaltos, y truculencias en las singularidades y para proceder a la parte psicópata y el grandioso final.

El reparto está perfecto. Los protagonistas menos simpáticos lo bordan, sobre todo papi, que me recuerda al malvado cirujano de The Human Centipede. El protagonista se comporta tal y como esperamos tras su presentación, es coherente. La madre, que sin hablar transmite. Su novia, cumpliendo y regalando a los fans más jóvenes un par de minutos de erotismo que otros directores no consiguen, o no se atreven a mostrar. El amigo drogadicto y la gótica que sin aportar nada su historia realizan bien sus papeles. El personaje repulsivo de Lola el cual aplica todo lo perverso a la cinta, se define perfectamente durante el metraje: caprichosa, amorosa, egocéntrica, celosa, hedonista del dolor ajeno y consentida por un padre que no queda atrás, además de añadir la relación platónica-incestuosa que mantiene con su padre, peculiaridades que logran una psicópata disfrutable.

Así, todos y cada uno de ellos, piezas que encajan a la perfección, más allá de que a la historia debamos criticarle uno o dos momentos --nada para lo que es este género-- de dudosa credibilidad, el resultado es muy satisfactorio y no te deja esa sensación de estafa que sientes al ver el 85% de las películas de su tipo.

The Loved Ones, tiene la dosis perfecta de cada uno de los elementos de una cinta de gore, un gran psicópata, un buen protagonista, chichis y la duración perfecta. Disfrutable.

Diego S.

Las Ventajas de Ser Invisible y las personas que te ayudan a salir de tu terrible existencia.

2012-10-29T14:26:00.000-07:00

“¿Por qué la gente buena siempre se fija en la gente mala? Porque creen que es el amor que merecen”

Siento una terrible adicción por las cintas de corte independiente, la mayoría que transpira ese aire indie me suele enganchar. Recuerdo perfectamente cuando Donnie Darko me robó el corazón con su trama pesimista y sus entonces desconocidos protagonistas, además de su grandioso soundtrack; tiempo después apareció Juno, cinta que tomaba una historia que en manos de algún otro director hubiera sido lo que cualquiera hubiera pensado sobre una adolescente embaraza, sin embargo fue todo lo contrario, Juno, fue una bocanada de aire fresco en las cintas de comedia adolescente y qué además aportó uno de los mejores soundtracks que he escuchado. Podría seguirle así con el conteo de cintas de corte independiente, pero el punto es otro. Las Ventajas de Ser Invisible es la Juno del 2012.

La película se centra en Charlie (Logan Lerman) un jovencito que escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda temas como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que hacer frente a su primer amor (Emma Watson), el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental, mientras lucha por encontrar al grupo de personas a las que él pertenece.

Desconozco la obra en la que se basa la cinta, pero me da la confianza que el director Stephen Chbosky sea quien adapte su propia novela, ya que él sabe que es bueno dejar y qué eliminar para mantener la esencia del libro.

Lejos de tratarse de una cinta del montón sobre la soledad de un joven inadaptado, Las Ventajas…toma cada uno de los clichés de la obra y los hace completamente suyos, tomando una posición de empatía con cada uno de los personajes. Tenemos al inteligente inadaptado interpretado por Logan Lerman, quien realiza una actuación muy acertada, salvo que en ocasiones se pasa de inocente, sin embargo, Lerman toca fibras dentro de muchas personas –me inlcuyo-- que no necesariamente tuvieron que pasar por algo similar a él, sencillamente es algo que enmarca la soledad cuando entras a un nuevo círculo social, nueva ciudad o la típica nueva escuela, son las ganas de ser tomados en cuenta dentro de una sociedad y fuera de nuestras familias.

Emma Watson siempre será Hermione de Harry Potter, pero jamás se quedará opacada por ese papel, Watson fácilmente se deshace del papel que le dio la fama y nos da una actuación repleta de simpatía y llena de matices lo que nos dice que será una actriz sin encasillar –por alguna extraña razón me recuerda a Natalie Portman--. Apoyando al ‘perdedor’ protagonista aparece el simpático personaje interpretado por el grandioso, aterrador, fascinante, Ezra Miller, aquel muchacho que interpretó al demonio de mamá en Tenemos Qué Hablar de Kevin, se roba la película en cada toma que aparece, su personaje que reprime ante la sociedad su homosexualidad, no hace más que tomar a la ligera toda esa represión y rechazo para sacarlo de otra manera mediante bromas o ya sea, mediante su papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show; tenemos que mantener la atención en Miller, su carrera promete mucho.

Los personajes principales son personas que te puedes topar en cualquier lugar, personas que sólo buscan adaptarse a la sociedad y salir juntos todas las etapas de la vida, y este grupo de invisibles no es más que un grupo de rechazados que buscan su lugar dentro de la crueldad que implica en muchas ocasiones la escuela –bullying entre ellos--.

Anteriormente había dicho que Las Ventajas…es la Juno del 2012, y en efecto, su soundtrack tiene la misma condición y los mismos productores. Dentro de la excelente selección de temas se pueden escuchar a The Smiths con Aslepp, David Bowie con Heroes , New Order con Temptation y bandas tan indie como Galaxie 500. Un magnífico soundtrack por personas que tienen “un exquisito gusto musical” como diría Sam el personaje de Emma Watson.

En The Perks Of Being a Wallflower se tocan temas típicos de la adolescencia, las drogas tienen su momento, pero no es una prioridad, la exploración de la sexualidad también tiene su lugar sin ser el tema central, la baja autoestima y hasta el suicidio; la cinta incluye todo aquello que se encuentra en la cultura popular de la preparatoria para meternos en que lo invaluable de la vida son esas personas que encuentras en el camino y te sacan de los problemas; aquellos que te buscan en la mañana cuando la noche anterior les dijiste que desaparecieran, esos son los que sacuden tu aburrida existencia.

La cinta será recordada por su excelente cast y sus inmejorables frases que se quedan plasmadas por su simpleza e infinita verdad. “¿Por qué la gente buena siempre se fija en la gente mala? Porque creen que es el amor que merecen” le dice el maestro a Charlie el protagonista. O la emotiva frase de Ezra Miller al protagonista “ves cosas, entiendes, eres invisible” refiriéndose a la nula popularidad de Charlie.

Una cinta que no pretende dar respuestas a los temas de la vida, sino que, trata de exponer los temas para enfrentarlos con la sensibilidad requerida. Simplemente imprescindible.

Diego S.

Silent Hill 2 La Revelación, una secuela incoherente y poco trascendente.

2012-10-28T14:06:00.001-07:00

Las adaptaciones siempre han estado a la orden del día, novela que tiene éxito es casi seguro que lleve a la pantalla grande. Hollywood no sólo adapta novelas y juegos de mesa, desde hace años también le ha entrado a llevar vídeo juegos al cine; prueba de eso, Resident Evil, franquicia que ha sido la más prolífera en la meca del cine y que ya va por su sexta secuela. Silent Hill se estrenó hace seis años con resultados medianos por aprte de la crítica y los aficionados del juego. Ahora regresa con una secuela titulada, Silent Hill La Revelación 3D.

Cuando cumple 18 años, Heather Mason decide buscar a su padre. Las pesadillas que la acechan la conducen a la ciudad de la niebla eterna, donde acabará descubriendo el misterio de Silent Hill. Secuela de la película Silent Hill, basada en una saga de videojuegos homónima.

Los juegos de vídeo de survivor horror han sido desde los más exitosos en la historia, no por nada Resident Evil se ha mantenido ya con 5 películas, era más que obvio que después del éxito obtenido de la saga zombi Silent Hill se trasladara a la pantalla por el éxito del que goza la saga del pueblo de la niebla eterna. Las expectativas eran altas, sin embargo, la adaptación fue de mediana calidad y muchos de los fans se vieron decepcionados. Seis años le tomó a Lions Gate levantar el proyecto, tiempo, que posiblemente le haría bien a los guionistas para adaptar con mayor fidelidad la esencia del juego, no obstante, lo único bueno que había logrado la primer entrega se vio mermada por una cinta mediocre que entrega todo “peladito y en la boca”, cosa que no ocurría bajo el misterio que mantenía la primer parte.

La situaciones tétricas son pocas, Silent Hill le daba su momento de terror a cada uno de los demonios habitantes del pueblo, La Revelación, al parecer le quitó todo lo tétrico a los monstruos y sólo los metió de relleno –ver al verdugo pedalear el carrusel no tienen madre--. Por otro lado los efectos especiales lucen cero aterradores y poco realistas, sin duda el premio mayor a lo falso se lo lleva la batalla final de la película –cuando la vean me darán la razón--.

Cabe destacar la utilización de la música original del vídeo juego compuesta por Akira Yamaoka, guiño que se agradece a pesar de no encajar con la cinta en general.

Un guión flojo con diálogos rebuscados y personajes poco atractivos. Silent Hill 2 sólo vino a degenerar lo poco rescatable que tenía el inicio de la saga, dejando una terrible decepción para los amantes de la saga y del terror en general.

P.D. Esperaba una mejor escena con las enfermeras.

Diego S.

Después de Lucía, su gran logro: servirá como apoyo educativo para erradicar el bullying.

2012-10-18T20:42:00.000-07:00

Cinta inflada por el buzz de los premios y completamente olvidable.

El cine mexicano tuvo un estancamiento en la pasada década, para inicio de los 2000 aparecieron ciertos directores que marcaron una nueva etapa en el cine nacional. Carlos Reygadas es el mayor exponente de los últimos años, guste o no, el mexicano ha creado una escuela que le ha dado reconocimiento en un sinfín de festivales. Siguiendo el estilo de Carlos, Michel Franco presenta Después de Lucía, cinta que salió triunfante en Cannes en el aparatado “Una cierta mirada”.

Tras perder a su madre Lucía, la joven Alejandra (Tessa Ia) se muda junto con su padre Roberto (Hernan Mendoza), depresivo por la pérdida de su esposa, desde la costera Puerto Vallarta hasta la capital México D.F., intentando cambiar de vida en otro sitio lejano. En la capital ella es nueva en su colegio, donde pronto comienza a tener problemas. El padre tiene un nuevo trabajo. Pero empezar de nuevo siempre es complicado cuando se ha dejado tanto atrás.

Después de Lucía deja muy clara la postura que tendrá durante todo el metraje, una visión real de un acontecimiento tan familiar y planos cerrados que colocan al espectador a manera de voyeur.

El promocionar una película que ha recaudado premios en los festivales que se exhibe, siempre resulta una buena promoción, y aún más, cuando se trata de una película mexicana. La cinta de Michel Franco se ve altamente beneficiada por el premio obtenido en Cannes, además de sumarle la promoción por parte del gobierno de Calderón y la obvia nominación para representar a México en los Oscar. ¿Por qué comento esto? Todos estos factores crearon demasiadas expectativas –al menos a su servidor--; lo siguiente es más que obvio. Después de Lucía resultó ser una película cruda y muy cercana a muchos de nosotros –claro, todos nos hemos topado con un caso de bullying--, sin embargo, esa familiarización nos hace que todo sea tan predecible y sin ninguna sorpresa.

Alguna vez me he dicho a mi mismo que ante la falta de ideas y los interminables remakes “si me vas a contar lo mismo, mínimo esfuérzate en hacerlo con otras palabras”. Michel Franco cuenta una historia que se ha contado en infinidad de programas del corazón del duopolio televisivo del país, no arriesga en las situaciones ni en su estilo, simplemente se limitó a manufacturar una película hecha para ganar premios, lo mejor, lo logró.

Después de Lucía tiene el síndrome de “la película de terror sobre posesiones”, pretende evitar toda la obviedad con un final inesperado y que se siente demasiado forzado –y de risa--.

Sólo me limitaré a destacar el atinado reparto, cada personaje que te topas en la escuela está bien resuelto, las chicas populares, el guapo, el gordito buena onda y el payaso, pero sin dudarlo la protagonista es quien rescata la película, Tessa Ia, tiene un interesante desarrollo de su personaje que se quiebra al momento del acoso escolar, al principio te plantean a una jovencita que no sé ve afectada por la reciente muerte de su madre, que además, maneja una insolente relación contra su padre, el cual se ve severamente afectado por la pérdida de su esposa; para luego, de un momento a otro ser completamente destrozado por un puñado de adolescentes. El problema no es la actriz, quien reitero, realiza una más que acertada interpretación, el problema es del incongruente guión.

Después de Lucía no termina por ser moralista –cosa que se agradece-- ni en enjuiciar a sus protagonistas, esa labor la deja al espectador en su papel vouyerista, lo cual puede terminar en un debate al término de la película.

Michel Franco ha logrado algo: Después de Lucía será la cinta que servirá para proyectarse y educar a los estudiantes sobre el problema del bullying; de otra forma no trascenderá.

Diego S.

Asesino del Futuro, el brillo de la ciencia ficción.

2012-10-17T23:15:00.001-07:00

Looper no tiene como eje central el futuro, metafóricamente te dice, la importancia en la vida no sólo es lo que viene.

La ciencia ficción no ha sido de uno de los géneros favoritos, reconozco que hay joyas como la emblemática Blade Runner y la clásica de culto, Odisea 2001 de el buen Kubrick, pero en este rubro de la cinematografía se ha dificultado encontrar una favorita. Asesino del Futuro es la nueva cinta de Rian Johnson, director de la cinta de culto, Brick, que en esta ocasión presenta una historia futurista y de ciencia ficción con la que sigue una racha grandiosa en su pequeña filmografía. Quedé fascinado con Looper.

Como en 2072 los asesinatos están terminantemente prohibidos, las víctimas son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. El problema surge cuando Joe (Gordon-Levitt), uno de los Loopers, recibe desde el futuro un encargo muy especial: eliminarse a sí mismo (Bruce Willis).

No me apresuro al decir que Asesino del Futuro será la mejor cinta de ciencia ficción del año que está por terminar. Looper tiene grandes cosas por cuales destacar, su sólido guión, el gran reparto y su particular mundo futurista.

Estoy encantado con el guión porque, sacando un detalle que le impide la perfección, ha sido elaborado inteligentemente como un rompecabezas lleno de detalles correlacionados para que el espectador arme el acertijo; luego de la informativa primera media hora de la cinta y vaya organizando las piezas, sin embargo, cuando uno cree poder predecir lo que va a pasar, la historia te desbarata el rompecabezas con un cambio narrativo y te obliga a rearmarlo o simplemente a esperar el desenlace, que en todo caso es absolutamente insospechado.

El cast es más que sólido. Generalmente las cintas de acción contemporáneas se centran más en entrar en los estereotipos del macho que todo lo puede, explosiones, armas futuristas y persecuciones, Looper las tiene, pero no como los fans de las cintas clásicas de Bruce Willis, quién realmente se desenvuelve y entrega un papel convincente con la esencia que lo caracteriza. Joseph Gordon Levitt quien hace la versión joven de Willis, contrarresta la parte de Bruce, interpretando la parte dramática del personaje, además de actuar perfectamente al calcar gestos y movimientos del actor de Duro de Matar. Lo interesante de el dúo es que ambos complementan a una sola persona, y que explícitamente lanza un interrogante ¿Realmente al crecer nuestra ética mejora o se mantiene fiel a nuestras ideología jovial? Pero aún más importante, Looper es una cinta con corazón, ya que termina mostrando que el egoísmo es algo tan propio de la condición del humano, y que en Asesino… se vence a través de la redención por el amor más puro que puede existir entre humanos. Emily Blunt demuestra que está creciendo dramáticamente entregando a una mujer fuerte y protectora con su querido hijo Cid, quien pertenece al selecto grupo de los niños del demonio –no les diré porque, pero simplemente es un papel fundamental que interpreta perfectamente el niño Pierce Gagnon--.

Destaquemos la excelente ambientación, la cual me hace recordar al escepticismo futuro que hizo Children Of Men, y sus grandes similitudes al mundo actual, donde los ladrones y las mafias son quienes viven la buena vida, mientras la gente de bien está podrida en la pobreza. Lo futurista no sólo se ve en las máquinas del tiempo, sino que, la telequinesis aporta el suspenso y lo sobrenatural en algunas escenas –excelentes por cierto--.

Looper no tiene como eje central el futuro, metafóricamente te dice, la importancia en la vida no sólo es lo que viene, el pasado determina lo que serás en el futuro, mientras las acciones presentes determinaran tanto tu pasado y futuro.

Cabe destacar, que el escenario donde se deshacía de “los futuros” era en campos de siembra, y es curioso, ya que la siembra es un símbolo de trabajo, mientras trabajes bien la tierra y el producto se creará una buena cosecha, de lo contrario, todo puede terminar en la pérdida de la siembra. Excelente metáfora.

Looper es una excelente película de ciencia ficción, una joya. Desde sus magníficas interpretaciones y personajes, sus escenas de acción bien elaboradas, intensas y emocionantes, el tremendo y brillante guión, su contenido moral y dramatismo, su casi nula previsibilidad, hasta la ideal conclusión, que no hace más que cerrar con broche de oro una gran película. Imprescindible.

Diego S.

Frankenweenie, el regreso de un director que se creía muerto.

2012-10-16T19:05:00.000-07:00

Tim Burton entrega una de las cintas más personales y mejores cintas de su filmografía

Hay directores que han tenido un alcance mediático tan grande que se han posicionado ya en un estatus de rockstar, tal es el caso de Tim Burton, que a raíz de su Alicia, alcanzó a cada uno de los miembros de la familia. Hoy en día todo mundo sabe que ha hecho Burton y ubican perfectamente sus obras. Sin embargo, con sus últimos trabajos los cinéfilos han extrañado la época de oro , etapa donde surgieron cintas como: Ed Wood, El Joven Manos de Tijeras y El Gran Pez; con Frankenweenie, retoma su buen manejo del stop motion y las historias que lo hicieron LA sensación.

Frankenweenie está basada en el cortometraje homónimo que el propio Burton realizó en 1984. El experimento científico que lleva a cabo el pequeño Victor para hacer resucitar su adorado perro Sparky, lo obligará a afrontar terribles situaciones cuyas consecuencias son imprevisibles.

Burton no ha cambiado en estos casi 30 años –casi--, en el corto original se podía ver claramente lo que sería su cine, en 1984 le costó el despido de Disney porque su visión tétrica no era apta para el público infantil. Ahora es la misma empresa que lo despidiera quien toma su antigua historia. Burton regresa a su etapa que tanto echábamos de menos, y al parecer, la visión de aquel veinteañero no ha cambiado realmente mucho; ahora Frankenweenie es un producto totalmente apto para toda la familia, el problema de Burton en aquel momento fue adelantarse a su tiempo.

En esta adaptación sobre su propio material Burton no se ha limitado a estirar lo ya ha hecho, si no que a partir de lo su trabajo ha desarrollado una historia mucho más madura. El corto de Frankenweenie hablaba de cómo afrontar las perdidas a una temprana edad. Aquí Burton va un paso más allá, y sin olvidarse nunca de que en el fondo la historia no deja de ser una relectura de la obra de Mary Shelley –para los desubicados, la escritora de Frankenstein-- , la película se convierte en una bonita y triste oda al cine de terror clásico, llena de referencias a los monstruos clásicos, lanzada con una mirada nostálgica para aquel precioso blanco y negro.

Sólo podría destacar maravillas, tanto técnicamente como su excelente guión, Burton se ha proyectado tanto en sus películas, que al parecer Frankenweenie es parte de una etapa donde el mismo director se sentía extraño en un mundo dónde todo lo diferente era malo.

Burton cuenta una historia triste, bonita y melancólica, lo hace con mucho sentido del humor, sin olvidarse de sus característicos personajes secundarios como ese Edgar E. Gore que parece un hijo de Quasimodo, o llenando a la película de monstruos en su recta final de la forma más divertida y poco común, pero sin olvidarse nunca de que la historia principal es la historia de un niño incapaz de enfrentar la muerte.

Técnicamente está impecable, la cinta está manufacturada como una película de la época del cine mudo acompañada de la impecable banda sonora compuesta por su siempre fiel, Danny Elfman. Punto y aparte para el sountrack titulado, Frankenweenie Unleashed!, que no es más que una exquisita gamma de sonidos muy al estilo de Burton; Karen O se luce con el tema Strange Love.

Tim Burton entrega una de las cintas más personales y mejores cintas de su filmografía, una obra que nos habla de la retorno de un genio que muchos dábamos por muerto.

Diego S.

La Cabaña Del Terror, indiscutiblemente la mejor película de terror del año.

2012-10-06T10:34:00.001-07:00

The Cabin In the Woods come de The Evil Dead, se siente como Viernes 13, se ríe como Scream y termina con H.P. Lovecfrat.

Alguna vez por allá en el año 1996 surgió una cinta llamada Scream, dicha cinta fue la que trajo de regreso al cine slasher luego de un estancamiento terrible. Scream resaltó por su originalidad y su perfecta dosis de humor negro, poco terror y escasa sangre –al principio, después la sangre fue en aumento--; Scream trajo consigo una moda y un sinfín de copias queriendo emular su éxito. Nuestra moda actual es el regreso de found foutage que ya tiene su tiempo en carteleras. Para refrescar el terror, slasher, comedia y cine ochentero, aparece de la nada La Cabaña Del Terror, indiscutiblemente la mejor película de terror del año.

Cinco adolescentes se preparan para pasar el fin de semana en una remota cabaña, situada en un bosque, sin medios de comunicación con el exterior. En el sótano encuentran una extraña colección de reliquias y, entre ellas, un diario que habla de la antigua familia de psicópatas que ocupó la casa. Lo que no sospechan es que están siendo observados y que su vida corre peligro.

Una rubia zorra/tonta y su novio el atleta, el bromista o tonto, el inteligente y la inocente, clichés de muchas cintas que son atormentados por un asesino en serie o fantasma, para reinventar todos los arquetipos del género se necesitaba creatividad, Josh whedon logró lo que parecía imposible.

The Cabin In The Woods realiza un collage de todo lo que se ha venido contando en el cine de horror, prácticamente emplea todos los ingredientes teniendo como resultado una mezcolanza de géneros y una infinidad de referencias tanto cinematográficas como literarias, cosa que termina por desconcertar a muchos espectadores que no estén familiarizados con todo lo que se juega.

La Cabaña Del Terror es juguetona, simpática y sangrienta --por lo que a mí respecta es precisamente la vuelta de tuerca a los “trillados” géneros lo que me ha resultado más agradable--, la cinta es de las pocas que te dejan en la incertidumbre, conoces lo que está pasando pero al final te hace dudar en todo lo que ves. Simplemente la película sólo sigue su eslogan “crees que conoces la historia, crees conocer el sitio…piensa de nuevo”.

La película dirigida por Drew Goddard come de The Evil Dead, se siente como Viernes 13, se ríe como Scream y termina con H.P. Lovecfrat. The Cabin…complace a todos los fanáticos del género con: monstruos, zombis, asesinos, fantasmas…y un interesante cameo.

El guión, que aparentemente deja claro desde el principio lo que estamos viendo, no para de dar giros --algunos lo tildarán de caprichoso y por tanto lo tanto destrozarán-- que consiguen desconcertar y mantener la atención constante de principio a fin. Por su parte la dirección --la cual es más que digna-- no puede evitar la sensación de producto de serie b como consecuencia de un presupuesto modesto, pero un montaje de ritmo endiablado y una fotografía y música superiores a lo que es habitual en el género, todo esto hacen que la cinta se eleve notablemente.

Estamos ante una película que sin dudarlo en un par de años se volverá de culto, al nivel de toda la horda de cintas ochenteras. Aficionados del género, estamos ante la mejor película de terror de los últimos años, por favor, no la dejen pasar. Imprescindible.

Diego S.

Dredd 3D: Excelente 3D, fascinante adaptación y grandiosa película de acción.

2012-09-29T15:06:00.000-07:00

Dredd opta por un estilo ochentero y una atmósfera oscura que son más que aptas para una historia cruda y desarrollada entre los bajos mundos de las droga.

Los reboots están más que vistos hoy en día, no tiene que pasar ni una década para retomar la historia o los personajes, tal es el caso reciente de Spiderman. Hace más de 15 años se estrenó Dredd, estelarizada por Silvestre Stallone, cinta repleta de momentos cómicos y escasa violencia que no capturó nunca la esencia de una cómic violento y sumamente explícito, ahora después de algunos años y con la ayuda de la tecnología, Dredd, regresa en una adaptación fiel y repleta de acción.

En un futuro cercano, Norteamérica se ha convertido en un páramo asolado por la radiactividad. Una única y gran megalópolis se extiende a lo largo de la costa este: Mega City 1. Esta inmensa y violenta urbe cuenta con una población de más de 400 millones de personas, cada una de las cuales es un infractor en potencia. Los encargados de acabar con el caos e imponer el orden son unos individuos que actúan a la vez como agentes de la ley, jueces, jurados y verdugos. Al frente de ellos está Dredd (Karl Urban), una leyenda viva de la justicia que vive entregado por entero a hacer cumplir la ley. En una misión aparentemente rutinaria junto a Cassandra Anderson (Olivia Thrilby), una juez novata dotada de grandes habilidades psíquicas, se disponen a investigar un homicidio en un peligroso rascacielos de 200 pisos de altura, controlado por el clan de la despiadada Ma-Ma (Lena Headley). Pero al intentar arrestar a uno de los principales secuaces de Ma-Ma, ella cierra a cal y canto todo el edificio y ordena a sus hombres que capturen a los jueces. La lucha por la supervivencia, obligará a Dredd y Cassandra a actuar de manera implacable.

Dredd me ha gustado tanto que es muy posible que la vaya a ver de nueva cuenta; es una película que termina ganándote visualmente –ok, gracias Matrix-- desde el minuto uno y nos atrapa aún más con una historia directa y al grano, sin buscar sub tramas de relleno para aumentar la duración de la película y sin que se vuelva tediosa o aburrida. Todo lo contrario, la película no tiene ni un solo momento aburrido, no te da ni un respiro, no te deja relajarte, siempre pasa algo interesante, siempre hay algo que ver y eso no lo logra cualquier película.

El reparto encabezado por Karl Urban –lo recuerdo mucho por Barco Fantasma—y Olivia Thrilby –Sí la amiga-animadora de Juno—no son un Chris Evansa, ni un Christian Bale, sin embargo, resaltan por sus correctas actuaciones en especial Urban; quien entrega un personaje duro, inexpresivo, violento y que sólo vive y respira la ley, mientras Thrilby es la parte consiente y humana del dúo.Punto y aparte para una villana que sin mover ni un dedo logra caernos mal con gestos y miradas.

Es vital hablar de los dos puntos más fuertes de la película: el 3D y el sonido.

El 3D es el mejor que he visto hasta la fecha –la mejor manera de sacarle provecho a la cámara lenta-- , el hecho de que sea todo digital ayuda a un 3D que es espectacular; inunda la pantalla y la sala de cine con unas imágenes increíbles. El sonido es alucinante; te deja sin palabras, todo ello acompañado con una música que hace que te metas en la película y que sientas que estás en Peach Trees, nos acompaña todas las escenas, encajando en cada una de ellas con la música ideal.

Dredd opta por un estilo ochentero y una atmósfera oscura que son más que aptas para una historia cruda y desarrollada entre los bajos mundos de las droga, ¿El punto incómodo? La violencia explícita. Muchos en la sala se llegaban a tapar los ojos para evitar ver los cuerpos descuartizados y los chorros de sangre que salpicaban gracias al 3D, pero nada en Dredd es gratuito, la violencia se encuentra en su lugar, así como los ambientes coloridos en un programa infantil.

En definitiva, una gran película, que desde mi punto de vista hace que todo lo visto éste año por el mundo Marvel me parezca estúpido, rancio y repetitivo. Lo malo es que pasará sin pena ni gloria por cartelera.

Por úlitmo, un dato importante, Dredd costó cerca de 40 millones de dólares, lo que deja claro que se puede hacer una película de acción fiel al cómic y con gran calidad digital y 3D, entonces ¿Por qué hay grandes producciones de Hollywood como Batman o Battleship que teniendo un guión normalito y efectos buenos, tienen un presupuesto de 200 millones? No tendré la respuesta, pero dejo la incógnita en el aire.

Resumiendo, una gran película de acción, con efectos brutales y un 3D y sonido que son de lo mejor que he visto; el guion sin ser nada del otro mundo tiene más chicha de lo esperado. Es una gran adaptación del cómic y deja a la película de Stallone del 95 (de éste mismo personaje) en algo ridículo. Recomendable.

Diego S.

Top 5 Primer Semestre 2012

2012-08-13T10:35:00.000-07:00

Ya estamos en el octavo mes del año y a un mes de terminar la época veraniega de los blockbusters. En el primer semestre del año se estrenaron películas nominadas al Oscar, cintas comerciales que estaban siendo esperadas por miles de personas, el regreso de un grande de la ciencia ficción después de décadas y las típicas cintas de relleno que lo único que buscan es vaciar bolsillos. Palomeras, cumplidoras, entretenidas, churros, excelentes, se estrenó de todo; por eso, entre tanta variedad, daré mi top cinco de las mejores películas del primer semestre del 2012, osea de Enero a Junio.

5.-Prometeo

4.-The Avengers

3.-Shame

Brandon es incapaz de iniciar una relación formal temiendo que todo se vaya a pique, que su instinto insano provoque repulsión de los demás. Sabe que necesita ayuda y que no se puede controlar.

La película es un drama psicológico exacto, sin acompañamientos innecesarios. No se detiene en ningún momento y cada escena está lograda con la precisión que requiere.

2.-Drive

El sonido y la música es para esta película lo que su personaje principal es a la conducción.

Tras verla tres veces puedo decir que entender las letras de la banda sonora le da un significado extra a la psicología del personaje y un brillo más intenso a la película.

1.-Tenemos Que Hablar De Kevin