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The Plumber, de Peter Weir. Tanto con tan Poco

2011-08-07T12:27:00.004-04:30

Originalmente realizada para televisión, The Plumber (Australia, 1979), es una muestra sui generis de la polivalencia de Peter Weir, un director tan interesante como inclasificable.
Con los recursos justos, The Plumber cuenta la historia de Jill, una académica devenida en ama de casa, que se ve forzada a recibir los servicios de Max, el aparente plomero de la administración del edificio, quien día tras día hará de su presencia una experiencia aterradora para Jill, tanto a nivel profesional (porque terminará destrozando el baño de su casa, convirtiéndolo en un laberinto de tubos y goteras) como en lo vivencial, al llevarla a límites emocionales que la desequilibrarán al punto de tener que contravenir sus convicciones morales para intentar librarse del agobiante extraño.

Esta historia puede parecer absurda para todo aquel que no haya tenido que sortear los servicios de un plomero o, peor aún, tener que debatir o defender ante su mujer la impericia, osadía o improvisación de estos profesionales. La mía le tiene una especial animadversión a Tato, mi plomero de confianza, y siempre me pide que llamemos a otro; le revienta que lo solicitemos por una cosa, el goteo de un grifo por ejemplo, y el sujeto acabe desmontando el lavabo, las llaves o haciendo un recambio de todo el aparataje del inodoro. El plomero siempre se excusa diciendo que las tuberías son viejas, que la presión es muy fuerte o que los repuestos no son como las de antes. Yo trato de entenderlo un poco, pero no puedo decir lo mismo de mi media naranja.

De una premisa tan trivial como esta parte The Plumber, un film sin merodeos, que de entrada se adhiere a los códigos del suspense (música de ritmo monótono, primeros planos insinuantes, un personaje de corte siniestro: guantes de cuero negro, chaqueta, pantalones raídos) y, que asumiendo una óptica adecuada y necesariamente femenina, transmite el agobio, indefensión y asombro que la irrupción de un inesperado e indeseado extraño produce en el hogar. Además en un hogar pequeño burgués.

Y aquí quizás esté la clave de la película. El sujeto es un atorrante, arribista, tosco y, por si fuera poco, pésimo como fontanero (en un par de días destroza el minúsculo baño). Si su interlocutora fuese un ama de casa de una zona popular no habría historia: el tipo hubiese sido insultado y golpeado el primer día y ya, a otro lado con sus herramientas y su cháchara. Pero la protagonista es una académica en plan hogareño, tratando de adaptarse al papel de esposa casera mientras da término a su tesis. Su "educación" no le ha preparado para sobrellevar el trato con tipejos sagaces e impredecibles como el plomero en cuestión. Y, esa misma semana, tampoco encuentra mucho respaldo en su esposo, enfocado en la atención a unos colegas extranjeros que pueden procurarle un ascenso y traslado a Suiza.
El gran mérito de Weir radica en lograr una pieza de humor negro, donde para el espectador común todo parece rozar el absurdo, sin embargo hay una historia interna acerca de los miedos femeninos al abuso masculino y, dentro de este, el desconocimiento de los códigos de expresión y de comunicación entre gente de clases distintas, un enfrentamiento que termina por sacar a relucir lo peor de una protagonista que transcurre toda la historia como víctima y termina convertida en insensible victimaria. El resumen podría ser: "el sueño de la razón produce monstruos" o "no somos todo lo buenos que podemos ser mientras seamos capaces de temer a tanto".
Película breve, de discurso efectivo y fluido, donde se aprecian bien las preocupaciones narrativas y estilísticas de Weir, atraído por el substantivo de las acciones, por los personajes comunes pero de potencia vital impertinente y por esos escenarios cotidianos donde asistimos, con frecuencia y sin notarlo, a lo excepcional.

The Plumber, Australia 1979
Duración: 76 min.
DIRECTOR: Peter Weir
GUIÓN: Peter Weir
MÚSICA: Rory O'Donoghue, Gerry Tolland
FOTOGRAFÍA: David Sanderson
REPARTO: Judy Morris, Ivor Kants, Robert Coleby, Candy Raymond, Henri Szeps, Yomi Abioudan, Beverley Roberts, Bruce Rosen, Daphne Grey, Meme Thorne, David Burchell, Paul Sonkkila, Pam Sanders, Rick Hart
PRODUCTORA: The Australian Film Commission / Channel Nine / South Australian Film / TCN

Peter Weir (Sidney, 1944) es un reconocido director, autor de obras indispensables como Witness (1985), The Year of Living Dangerously (1982), Dead Poets Society (1989) o Picinic at Hanging Rock (1975).

Hereafter: La Otra Vida de la Vida

2011-01-21T11:30:00.002-04:30

Lo que se experimenta en ese lapso inmediato y posterior a la muerte, le sirve a Clint Eastwood como detonante para ahondar en la incertidumbre y soledades de tres personajes principales, disímiles y distanciados: una periodista francesa que muere por unos segundos y visiona el más allá, un niño inglés que pierde a su hermano gemelo en un dramático accidente y un psíquico americano agobiado por la capacidad de poder establecer contacto con los muertos. Todos individuos condicionados y traumados por episodios o vivencias cercanas a ese estado preternatural, en el que se ha detenido la vida. Pero cada uno con un acercamiento distinto a este hecho inmaterial: la periodista, desde el cuestionamiento racional y el desconcierto y preocupación que esto genera en su vida, el niño desde el dolor por la pérdida y la necesidad de contactar a su ser querido para sobrellevar una cotidianidad que ha quedado vacía. El psíquico, inmerso en un penoso silencio, intentando despojarse de un don que considera le impide llevar a cabo una vida normal y placentera.
Pero a Eastwood no le interesa especular demasiado con insondables; su búsqueda se centra en aquello que puede reflejar con concreción: en lo humano, en el más acá, en la vuelta de tuerca vital que (les) sigue a quienes han "tocado" o vislumbrado ese lugar de tranquilidad, de sombras, voces y brillos difusos. Se trata de un renacer en esta misma vida, gracias al contacto con esa otra dimensión. Porque el tema de Hereafter (USA, 2010) es, en realidad, la manera en que el amor se puede manifestar, desarrollar y vincular en personas cuyo convencimiento y conciencia de la muerte les impide acercarse a las nociones elementales de lo que significa vivir.

La lectura principal que se desprende, entonces, es que la vida y la muerte parecen estar en todas partes, en cada instante, indisolublemente ligadas, pero lo importante no radica (sólo) en hacer conciencia de estas, sino en poder sobrellevar este incontrolable e inabarcable conocimiento, porque sino la anulación está a la vuelta de la esquina.
No deja de ser un curioso trabajo de Eastwood, a quien quizás el haber rebasado las ocho décadas, le ha deparado no nuevas preocupaciones, pero sí nuevos caminos para explorar aquello que esconde y palpita en el interior de lo humano, las emociones, motivaciones e incertidumbres desde una óptica más metafísica y fraccionada. No hay cuestionamientos especiales a lo espiritual o religioso en este film, se ocupa con inteligencia y ritmo e intriga (irregular por momentos, aunque sin decaimiento) en acercarnos una visión menos traumática y más complaciente de ese episodio inevitable que nos está esperando al final del camino.
Se trata de una película para paladear, que invita a involucrarse más que a meramente entretener (algo que, sin embargo, logra). Hay una ventana abierta al espectador que, con seguridad, algunos denostarán y otros se animarán a atravesar; posee un dejo extraño, una atmósfera que se mantiene y excede la pantalla y que lo mismo puede molestar o sacudir. Se devanea con ligereza y atrevimiento entre un discurso cuidadosamente elaborado y minucioso en las acciones, pero también con cierto coqueteo hacia soluciones fáciles, aunque no desarticuladas ni torpes. Una película que habla de vida, de muerte y de amor, ese misterio esperanzador que nos mueve con vacilaciones hacia un lado y otro, pero que, al final, como en el film, nos deja con la sensación de que lo valioso y necesario está siempre por aparecer, en esta vida o en la próxima.

Hereafter (USA, 2010)
Director: Clint Eastwood
Guión : Peter Morgan
Música: Clint Eastwood
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Matt Damon, Cécile De France, Lyndsey Marshall, Bryce Dallas Howard, Jay Mohr

Exit Through the Gift Shop

2010-12-12T12:50:00.060-04:30

Desde hace un tiempo, y sin proponérmelo, he ido atenuando la admiración desmedida que sentía hacia aquellos individuos cuya labor creativa me había inspirado o influenciado. Esto no quiere decir que ahora desdeñe los actos de talento o las expresiones intelectuales (ni tampoco a los artistas y creadores), todo lo contrario, pienso que para valorar la expresividad de la que somos capaces, es conveniente descontextualizarla (en cierta manera) del motor que la genera, del sujeto que le da forma. En pocas palabras, quedarnos con lo relevante: la obra, no el (nombre) que la impulsa, el culto (si vale la expresión) sería para la creación y nunca para el hacedor.
El arte es un misterio. Es tanto la imaginación, técnica y proceder ejecutado por un sujeto que lo organiza en un hecho estético o conceptual, como una acumulación de saberes, un legado interminable (cultura, tradición) que se digiere y decanta en un objeto "apreciable". Es tan inexplicable como la vida misma. Lo vemos, lo tenemos, lo estimamos y agradecemos algunas veces, cuando nos revela, nos conforta con algún indicio, alguna fórmula para comprender o sentir mejor este enigma que nos lleva a levantarnos cada día en busca de aquello que nos oculta su significado. Sin embargo, a pesar de que el individuo transforma la idea en un hecho, el origen de la energía que le alienta continua siendo insondable.
Vivimos una época en la cual el culto a la personalidad se ha convertido en un valor en sí mismo. La exhibición de la persona resulta de mayor interés (por lo mediático), que el propio evento creativo detrás del individuo. Hoy en día los límites del escenario se han diluido prácticamente, pero aunque el show puede estar en cualquier rincón, no parece suceder lo mismo con el arte ¿o sí?. Una de las grandes conjeturas que nos legó el siglo XX ha sido, precisamente, la idea de que el arte es una noción en continuo (re) ajuste, siempre en búsqueda de su significado. Y es en este juego de entidades e identidades (y excentricidades) entre las que se debate Exit Through the Gift Shop (Reino Unido, 2010) un singular divertimiento tan cinematográfico como rupestre.

Film inspirado y (aparentemente) realizado por Banksy, para más señas el archiconocido artista más desconocido del planeta, un creador cuyo delineador más representativo es su propia obra, detrás de la cual sólo hay un nombre y un montón de suposiciones.

Exit Through the Gift Shop describe el viaje de Thierry Guetta, un poco talentoso videoasta aficionado, obsesionado con el registro absoluto (en video) de todo cuanto acontece a su alrededor, algo que realiza de manera nada selectiva hasta que el arte callejero despierta su interés y decide enfocar su atención en grabar a los principales exponentes de esta disciplina en buena parte del mundo. Al involucrarse de lleno en este medio, se entera de la existencia de Banksy, el más famoso pero, así mismo el más secreto de todos cuantos se dedican a este modo de expresión. Durante un tiempo Guetta emplea todos sus medios para ponerse en contacto con el inescrutable creador, pero todos sus intentos resultan infructuosos: Banksy no cuenta con un nombre, una dirección o número de teléfono conocido. La única manera de acceder a él es a través de su discreta red de conocidos. Sin embargo, los pocos que pueden tener algo de información, se rehusan rápidamente a suministrársela. Pero, un día, sin que Thierry Guetta lo sospeche o convoque, el propio Banksy es quien llama a su puerta, lo que deviene en una estrecha colaboración durante un largo período de tiempo y una significativa amistad que lanzará al intrascendente y torpe videoasta hacia un inimaginable derrotero artístico.

Exit Through the Gift Shop se inscribe dentro de un discurso documental que rápidamente es puesto bajo sospecha pero, oh paradoja, no en tela de juicio. Una figura en sombras y con voz modificada se nos presenta como Banksy y nos aclara que el film partió del interés de Thierry Guetta en su obra, pero que ahora se ha convertido en una película de Banksy sobre Thierry Guetta (quien acabará autoproclamándose Mr. Brainwash), una verdad indiscutible que se constata a medida que avanza la narración. Un relato que nos inserta en la vida y motivaciones de una serie de talentosos artistas callejeros, de diferentes nacionalidades, mientras configuran y ejecutan sus obras en lugares tan dispares como Los Angeles, París, Londres o la Franja de Gaza. Pero también una historia que nos revela un tanto de la fascinante cultura urbana actual mediante la irreverencia y visiones de sus protagonistas más secretos. Todo esto animado por un halo de humor que discurre con fluidez por todo el film, volviéndolo tan atractivo como entretenido pero, aún más, sin perder una pizca de su impulso y motivación más pura: un punto de reflexión acerca del estado actual de las cosas, desde la visión de un artista que se mira a sí mismo a través de la óptica que todos los demás tienen de él mismo, pero ni siquiera de él, sino del nombre que está asociado a él, a lo que representa esa "marca" para los demás, para quienes le observan en la calle, para los medios y, cuándo no, para el omnipresente mercado... en este caso, el mercado del arte.
Película elemental, me gustaría decir que de visionado obligatorio para cualquier amante del cine, pero al menos sí para ser observada y debatida por todo aquel que desarrolle o esté cerca del proceso creativo (sea cual sea su medio) y no esté ausente de sus cuestionamientos. También para todo el que quiera descubrir un poco más de esos pictóricos y libres rincones urbanos que se apalancan en los múltiples soportes expresivos (una pared, una ventana, una pila de bloques, una cabina telefónica) y que tanto pueden hacernos meditar o congraciarnos con un mundo cada vez más repleto de edificios y publicidad por doquier, pero más vacío y predecible. Un mundo que nos ha vuelto más iconoclastas que nunca, a la manera en que profetizó Baudrillard: no (sólo) de los que destruyen cuadros, sino de los que elaboran un sinfín de imágenes donde no hay nada que ver.

Exit Through the Gift Shop (Reino Unido, 2010)
87 min.
Director: Banksy
Guión: ?
Música: Geoff Barrow
Reparto: Documentary, Thierry Guetta, Banksy
Productora: Coproducción GB-USA; Paranoid Pictures

The Social Network: Las Múltiples "Caras" de lo Social

2010-12-03T21:29:00.049-04:30

Era una historia hecha a la medida de David Fincher, quizás el realizador que en los últimos quince años ha mostrado más preocupación por los matices ocultos de la identidad humana, por la multiplicidad de rostros que se disimulan tras el entramado social que la realidad tiende y organiza frente a nuestras miradas. Curiosamente la identidad enfocada con frecuencia desde una agudeza intelectual que colinda peligrosamente con la perturbación analítica y la fragilidad emocional. Y siempre con una inquietud recurrente: el juego de poder y el poder como juego, pero visto como energía consumidora de humanidad, como detonante de soledad.
Con estas características Fincher ha construido buena parte de sus personajes esenciales, como el culto y moralista psicópata John Doe, de Se7en, suerte de asesino litúrgico que desde las sombras intenta revelar el verdadero rostro de quienes le persiguen mediante un tira y recoge dialectal. En un orden similar puede inscribirse el millonario Nicholas Van Orton de The Game, un hombre inmerso en un insólito y aterrador juego que más que poner en peligro su vida, termina revelándola, dejando en evidencia todas sus carencias. En Fight Club las licencias son mayores, pero las búsquedas no se extravían demasiado: el protagonista se inserta en una disparatada y onírica interacción con el etéreo y mental Tyler Durden, más un evento que un personaje, como también lo parece el inasible y no menos "juguetón" asesino de Zodiac, que termina recreándose en múltiples rostros, en una sospecha sin fin. Todos personajes tan inteligentes y licenciosos como distanciados de su emotividad, al borde entre la villanía y la caricatura.
Mark Zuckerberg, la imberbe figura de su más reciente película, The Social Network (USA, 2010), no sólo no renuncia a estas cualidades, sino que las incrementa y proyecta al borde de lo inverosímil. Aquí David Fincher, articula con mayor énfasis y fluidez el tema del poder y sus derivaciones, el juego y la soledad que éste conlleva. Pero, sin paradoja alguna, sin recurrir a brillantes y obsesos asesinos, a delirantes caracteres mentales, a millonarios obnubilados en sus falencias. Le son suficiente una pandilla de ególatras y soberbios ratones de universidad, para patear la mesa y cuestionar el estado actual de las relaciones y valores humanos de toda una generación inmersa en una desaforada carrera hacia el vacío narcisista.
A pesar de que The Social Network es un film restringido a lo biográfico, no quiere decir que en su recreación se limite a lo estrictamente real; la rapidez con que Fincher nos avasalla las acciones, las decantaciones mentales, la frenética discursiva, hace pensar en súper héroes y villanos de cómic persiguiendo el control de la humanidad. Y quizás haya poco de broma o de disparate en esto. El ambiente, las situaciones y los personajes arañan lo ficticio, como en las mejores fábulas: son tan auténticas que resultan difíciles de creer. El Boston de comienzos de 2000 y sus niños malcriados y súperdotados pueden parecer tan antipáticos y repudiables como inconcebibles.

The Social Network recrea los eventos y motivaciones que orbitaban en la pequeña comunidad universitaria de Harvard, en los primeros años de la década, cuando Mark Zuckerberg crea la mundialmente conocida red social Facebook, convirtiéndose en un tris en el multimillonario más joven del planeta. Una suerte de Ciudadano Kane mimado y en pantuflas.
Pero acá no hay grandes hazañas, ni sudor, ni búsquedas apasionadas de criterios para lograr fortuna ni temperamentos férreos, aunque sí muy pocos escrúpulos. Lo que abunda son intrigas básicas, resentimientos simples, bajísima estatura moral y apatía emocional. La teatralidad de Zuckerberg es nula, su chispa vital inexistente. Es un personaje que se manifiesta a través de lo que genera y reproduce en quienes configuran su entorno, pero que no bulle en su corporeidad. Baste decir que el contexto de Zuckerberg roza en lo patético, no hay vínculos afectivos, todos los personajes se mueven por posturas, por caprichos. La energía, pasión y altivez de William Randolph Hearst se echa en falta en Zuckerberg, espécimen clásico de su época, de nuestra época, donde no hacen faltas grandes gestas sino una simple idea (o el robo y perfeccionamiento de una) para echar a andar una mecánica financiera que abruma y puede indignar por igual.
Ignoro si Fincher habrá tomado como referencia el Kane de Orson Welles, pero apenas salí de la función no he podido evitar los paralelismos: El sensacionalismo mediático que explotó Hearst (y que aún sufrimos) tiene mucho que ver con la frivolidad que se le endosa al Facebook de Zuckerberg, un espacio en el que se alienta a exhibir y ostentar, preocupaciones mayores de nuestros tiempos y consecuencia directa y resultado natural del "invento" de Hearst.
Ahora, en cuanto a lo técnico y visual, si Welles tuvo que romper pisos para lograr esos grandes contrapicados que incrementasen la energía y tamaño de su Ciudadano Kane, Fincher apela a una cámara más a ras y con gusto "picado" para aminorar aún más la estatura moral y humana de un Zuckerberg grandilocuente eso sí, pero disminuido y perdido en una búsqueda de poder en la cual no parece convencido y que sólo incrementa aún más la soledad que termina abrumándolo.
Los 120 minutos de duración no tienen desperdicio. No falta ni sobra ningún plano, el guión es perfecto, la música ideal, el casting y las actuaciones totalmente destacables. Jesse Eisenberg logra lo imposible: volver atractivo un personaje sin rasgos, configurar un maniquí intelectual inexcrutable. Justin Timberlake, como el incontenible Sean Parker, fundador de Napster, sencillamente me sorprendió.
Me da la impresión que David Fincher ha firmado una obra imprescindible, una "cara" admirable y reprochable de la dinámica actual y que, mirada desde lejos y con el pasar de los años, describirá con mucho tino a los hombres e intereses que han demarcado esta época, para bien o para mal.

The Social Network (USA, 2010)
120 min.
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Aaron Sorkin (Novela: Ben Mezrich)
MÚSICA: Atticus Ross, Trent Reznor
FOTOGRAFÍA: Jeff Cronenweth
REPARTO: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Joseph Mazzello, Max Minghella, Rashida Jones, Brenda Song, Rooney Mara, Malese Jow, Trevor Wright, Dakota Johnson, Aaron Sorkin

Sí es Otra Tonta Película Venezolana

2010-10-24T08:37:00.004-04:30

Para empezar, decir que La Hora Cero no aporta nada nuevo al cine venezolano, por el contrario es un bulto más a una pila argumental repetida y desgastada hasta la saciedad: Criminal carismático como motor desencadenante de un acto vil y desproporcionado (una violación, un robo, un secuestro) que intenta (siempre intentando) hacer reflexionar sobre algún tema particular (la violencia misma en la mayoría de casos), pero que detona en una disparatada historia donde el chiste fácil y vulgar termina convirtiéndose en el eje de la acción, disolviendo cualquier propuesta concreta que se haya podido sugerir.
El principal problema de La Hora Cero es el registro: divaga durante todo el metraje entre su propia definición de discurso: pretende ser una película de acción con contenido y drama social, pero con diversión y entretenimiento ligero, algo que termina siendo un pastiche sin forma, donde absolutamente nada de lo que sucede es creíble. Y no porque lo expuesto en el film no sea fácilmente extrapolable a la realidad: las huelgas, los secuestros, los policías tontos, los malandros simpáticos son expresión diaria de crónicas periodísticas y, como ya he dicho, de reiterativos guiones venezolanos. El tema es que la articulación de estos eventos se torna lamentable desde la mera circunstancia del proceder, alcance y desenlace de sus personajes “dentro de los eventos que les acontecen a ellos mismos”, un tópico llamado verosimilitud, indispensable en cualquier medio expresivo, llámese cine, teatro, títeres, etc. Lo que sucede se aprecia como un batiburrillo de sketches televisivos grandilocuentes, orquestados para hacerlos parecer una historia que gracias, eso sí, a un montaje solvente, logra avanzar a duras penas.
Que La Hora Cero supere técnicamente a la mayoría de filmes venezolanos (sin tampoco llegar a niveles nada extraordinarios), no deja de ser un valor, al menos, para reconocer (aunque tampoco creo que amerite demasiada relevancia: Hay buenos encuadres, una eficiente propuesta de narración visual). Pero sí es penoso que se circunscriba y adopte e incremente los mismos vicios y calamidades argumentales, ausencia de ideas en manejo de personajes, puesta en escena (la tarantinada de la escena de todos los sujetos apuntándose con los revólveres da tristeza), ausencia de control interpretativo (salvo Erich Wildpret en algunos momentos y Laureano Olivares, el resto del reparto no sobrevive a una mueca facial) y los giros, además de previsibles, no son las palancas que hacen avanzar la historia, sencillamente pretenden justificarla y dotarla de ilación.
¿Qué si me reí? Sí, claro, como con dos o tres chistes. ¿Me sobresaltó, inquietó o conmovió? Nada. ¿Qué decía la reflexión final de La Parca? ¿Qué el cine venezolano qué? Ah sí, que sigue en huelga, en la misma hora cero de siempre.

La Hora Cero (Venezuela, 2010)
DIRECTOR: Diego Velasco
GUIÓN: Diego Velasco, Carolina Paiz
MÚSICA: Freddy Sheinfeld, Gabriel Velasco
FOTOGRAFÍA: Luis Otero
REPARTO: Zapata 666, Steve Wilcox, Albi De Abreu, Marisa Román, Alejandro Furth, Laureano Olivares, Erich Wildpret, Ana María Simón, Beatriz Vásquez, Tatiana Mabo, Antonio Cuevas

Los monstruos de la niñez

2010-07-24T08:06:00.004-04:30

¿En que momento de nuestras vidas aprendemos a controlar nuestras emociones? ¿Alguna vez logramos hacerlo? O simplemente aprendemos a ocultarlas en el subconsciente.

De cualquier forma, la infancia tiene un papel importante en como los seres humanos manejamos las emociones en la adultez. Siempre es recordada como la edad de los juegos despreocupados pero también puede distinguirse la dificultad que implica comprender por primera vez el cúmulo de sentimientos que conforman nuestras personalidades desde esos primeros años.

La película “Where the wild things are” (Donde viven los monstruos) esta basada en el libro homónimo escrito por Maurice Sendak y cuenta la historia de Max, un niño que, luego de discutir con su madre, escapa de casa y se adentra en un mundo creado por su imaginación donde habitan criaturas salvajes capaces de acompañarlo en todas sus travesuras.

En su tercer largometraje, Spike Jonze se separa de Charlie Kaufman, quien había escrito los retorcidos guiones que complementaban y resaltaban el estilo hilarante con el cual había destacado Jonze en su temprana carrera como director de videoclips. Sin embargo, el director utiliza el estilo desenfadado para recrear esa niñez, que muchos olvidan.

Lo primero que destaca de la cinta es la capacidad de trasladar a la audiencia a esa edad en la que todavía se es muy joven para controlar todos los sentimientos pero ya se es consciente de la difícil tarea que implica canalizarlos.

El guión consigue un retrato de Max, el niño protagonista, como pocas veces se ha hecho en cualquier medio. Un niño real, no el alter ego infantil con el que se acostumbra representar a cualquiera que por ser menor de edad pareciera ocupar su mente en juegos, sin querer entender lo que lo diferencia de los demás miembros de su familia.

En cada acción, pueden observarse la rabia, el miedo y la necesidad de ser aceptado en un grupo con la cual deben lidiar la mayoría de las personas mientras crecen. De tal forma, destaca la actuación del protagonista y la capacidad de Spike Jonze como director de niños.

El diseño de producción, encargado de materializar los decorados salvajes, el diseño de las criaturas y los efectos visuales, gracias a los cuales cobran vida los rostros de los monstruos, sumergen al espectador en un mundo mágico pero creíble.

La utilización de trajes, en lugar de efectos computarizados, proporciona una cercanía adicional a cada una de las criaturas que representa los sentimientos de Max. Adicionalmente, el trabajo de doblaje de las voces de las bestias es impecable y suma a la verosimilitud y fuerza de estos personajes, tan profundos y entrañables.

“Where the wild things are” no es una película fácil que busca agradar al público y adultos para pasar el tiempo. En su lugar, muestra las relaciones que se construyen entre padres, hijos y hermanos. Los conceptos que unen a una familia y que luego pueden ocasionar su ruptura.

Cada momento que Max vive en la isla, constituye un aprendizaje, una reflexión. El advenimiento de una madurez tan contundente como irreversible. Nos hace recordar esos momentos que parecerían eternos y se convirtieron en efímeros. Que parecían inofensivos pero capaces de marcarnos, ya sea para bien o para mal, a lo largo de los terrenos salvajes de la vida.

Ficha Técnica:

Titulo original: Where the Wild Things Are

Año: 2009

Duración: 101 min.

País: Estados Unidos

Director: Spike Jonze

Guión: Spike Jonze, Dave Eggers (Libro: Maurice Sendak)

Compositor: Carter Burwell, Karen O

Cinematografía: Lance Acord

Elenco: Max Records, Catherine Keener, James Gandolfini, Catherine O`hara, Forest Whitaker

Kick-ass

2010-07-24T07:51:00.006-04:30

¿Cuantas personas han deseado en algún momento tomar la justicia por sus manos y establecer un nuevo orden social? No hace falta ser un joven saturado con comics, películas y videojuegos para entender un impulso justiciero.

La película “Kick-Ass”, basada en el comic homónimo de Mark Millar, utiliza este fundamento como excusa para que un par de jóvenes, una niña y su padre intenten llevar a cabo lo que solo parece posible en la ficción, convertirse en superhéroes y acabar con los mafiosos que dominan la ciudad.

No es la primera vez que se pretende analizar la posibilidad de la existencia de los superhéroes en la vida real. Diversos artistas del medio han jugado con esas posibilidades, hasta el punto de crear verdaderas obras maestras como “Watchmen”, que también tiene su versión cinematográfica, o “The Incredibles” del estudio animado Pixar. Incluso se ha podido reseñar una tendencia de enmarcar a los héroes tradicionales, como Superman o Batman, en un ambiente mas “creíble” para las audiencias contemporáneas.

Sin embargo, muchos de esos intentos no buscan una expresión verídica de la historia, sino mas bien revestir de familiaridad a estos personajes o, en el peor de los casos, arrebatarle sus cualidades mas profundas, que en la mayoría de los casos resultan muy complejas para un público masivo.

El mundo ha sufrido una revitalización de la parodia, como puede verse en la mayoría de las expresiones artísticas. La pintura, música y literatura utilizan referencias a obras y géneros preexistentes para lograr una mayor conexión con el receptor de dichas experiencias.

El cine también ha utilizado la parodia para transmitir sus historias. Mientras algunos realizadores utilizan referencias contemporáneas como ayuda humorística y encadenamiento a la actualidad, otros han tomado referencias a otras películas para crear un nuevo producto, como puede verse en la mayor parte de la filmografía de directores como De Palma o Tarantino.

En el caso de “Kick-ass”, Matthew Vaughn utiliza todas las versiones posibles para darle mayor efecto. Desde el principio, los personajes aluden en sus conversaciones a películas anteriores o series actuales, pero también, Nicolas Cage apunta con su interpretación a la famosa personificación de Adam West en la serie Batman de los años sesenta.

Cabe destacar que Vaughn no se limita a las referencias dentro del texto, sino que además utiliza la narrativa audiovisual a su favor. Mientras los personajes utilizan YouTube y MySpace para comunicarse, existe una secuencia entera dedicada a homenajear el estilo visual de los videojuegos de acción en primera persona, donde el jugador adquiere el punto de vista del avatar que personifica y que lo ayuda a satisfacer esos deseos, como tan pocas veces sucede en la vida real.

De esta forma, el director logra sumar su película a otras como “Shaun of the Dead” o “Hot Fuzz” de Edgar Wright, en las que la línea entre parodia y homenaje se fusionan. Como un uróboro, los personajes plasmados y por momentos criticados en la cinta, aquellos jóvenes atiborrados de cultura pop y sedientos por darle utilidad, son los primeros que consumirán la película y sumaran nuevas referencias a sus enciclopedias.

“Kick-ass” es una obra totalmente imbuida en un tiempo y por ello logra, con una eficacia pocas veces expuesta en la mayoría de las películas, divertir y entretener a lo largo de su metraje, siempre y cuando el espectador haya sido capaz de dejar a un lado las valoraciones morales de lo proyectado en el celuloide.

Critica y homenaje se disfrazan para tomar en sus manos la rienda de una industria que se muestra cada día mas incapaz de producir nuevas ideas, y arremeten contra las convenciones de trama con la misma fuerza que una niña de 11 años, cuyo cerebro ha sido lavado por un maniático, hasta el punto de acabar con toda una familia de la mafia y quedar fijada en la mente de un público hambriento como un icono cultural.

Ficha Técnica:

Titulo Original: Kick-Ass

Año: 2010

Duración: 117 min.

País: Estados Unidos

Director: Matthew Vaughn

Guión: Jane Goldman, Matthew Vaughn (Comic: Mark Millar)

Música: Ilan Eshkeri, Henry Jackman, John Murphy, Marius De Vries

Director de Fotografía: Ben Davis

Elenco: Aaron Johnson, Nicolas Cage, Mark Strong, Christopher Mintz-Plasse, Chloe Moretz, Elizabeth McGovern

The Wire

2010-05-20T23:53:00.013-04:30

"La cumbre absoluta de todo lo que he visto es sin duda The Wire. Es la serie de televisión más impresionante que se ha hecho en los Estados Unidos, posiblemente la serie de televisión más impresionante, a secas."
Alan Moore

"Cualquiera de los capítulos de 'The Wire' es tan bueno o mejor que cualquiera de las películas presentadas a los Oscar"
Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly

El fin último de todo arte es reflejar (comprender qué es) la realidad. Y no sólo en aquella creación anclada en búsquedas o pareceres sociológicos, sino en toda manifestación que intente concebir y analizar el lugar que ocupa el individuo con respecto a su entorno, o la misma génesis y condición de este espacio en función de lo que le da sentido. “Yo soy yo y mi circunstancia” nos ha legado con claridad Ortega y Gasset. Somos lo que somos por nuestro medio y gracias, y a pesar, de éste. Cualquiera de los personajes de The Wire (USA, 2002-2008) podría atestiguar con sus acciones, con sus diálogos, con sus visiones, que este precepto es, además de verdadero, invariable.
Como expresa con entusiasmo el célebre autor Alan Moore (entre muchísimos otros), hablar de The Wire es hablar de un hito, de una obra inmensa, casi inabarcable a la hora de pretender evocarla. Porque a pesar de que The Wire no aborda otra cosa que la interminable pugna entre quienes intentan (o creen) hacer el bien y aquellos que procuran evadir los esquemas planteados por los primeros, sus signos se transfieren a tantos ámbitos que resulta cuando menos complicado intentar iniciar esa exploración, sin sentir que lo más importante se queda en el tintero.
En nuestro mundo no se trata de qué o quiénes tienen la razón, sino de cómo se imponen unos a otros bajo lo medios que conocen y que consideran válidos (no necesariamente legales). De manera que casi todos estamos prácticamente con un pie en terrenos del otro bando, no existen buenos o malos, sino causas necesarias y principios a defender o descubrir. Esta debe ser la premisa de The Wire, una serie de televisión que ha reflejado a fuerza de puro talento y fina percepción, este acontecer diario, universal.
Situada en Baltimore, en la periferia de las glamorosas y espectaculares ciudades americanas, los sucesos son desencadenados por la conformación de una unidad de investigación policial que intentará desentrañar el complicado negocio del narcotráfico en los barrios negros. Para esto dispondrá de una inteligente “Escucha” que procurará descifrar el laberíntico manejo de la droga y sus consabidas consecuencias. Hasta aquí todo parece ya visto una y mil veces, pero la manera en que son tratados todos estos episodios es lo que singulariza y define a The Wire.

Aquí no hay grandes presupuestos, ni tecnología ni espléndidas oficinas ni impecables detectives. Estamos en el centro y sufrimiento de toda la burocracia gubernamental posible. La misma selección e integración de la unidad pasa por preferencias nepotistas unas y desdeñosas otras, la habilitación de la oficina es forzosa e improvisada, la autorización de la “Escucha” debe sortear caminos irregulares y no pocas veces adulantes. Pero gracias a las búsquedas y logros y desaciertos de este pequeño departamento de investigaciones, tendremos acceso a las vidas y realidades más diversas: desde el pequeño jíbaro, pasando por la identificación de la estructura y niveles del negocio de la droga: los soldados, los adictos consumidores, los jefes y la inalcanzable y prácticamente invisible cabeza de toda la organización. De aquí se conectará con los grandes jerarcas policiales y gubernamentales, quienes entienden que en el “juego” todos se necesitan y la mano de unos, con frecuencia, lava la de los otros, buenos y malos diluidos en un solo saco. Y aquí no acaba todo… Cada uno de estos personajes, además de aportar sus pareceres, miedos y expectativas en función de esta particular lucha, también nos lleva a sus mundos personales donde descubrimos otras historias y personajes que poco a poco irán saliendo a flote e interactuando con otros que, progresivamente, definirán nuevos rumbos dramáticos. Como la vida misma, hoy nos movemos en un sitio de la ciudad, en un año estaremos en otro con otras personas e, irremediablemente, sin que lo intuyamos terminamos con quien menos creemos, asociados o enemistados con un destino que antes creíamos imposible.

En 60 capítulos, en 5 temporadas y sin salir nunca de Baltimore, en The Wire se plantean las preocupaciones fundamentales de la sociedad urbana moderna: La legalidad, expresada como una guerra indefinida entre lo marginal y lo justo, entre lo mediático y lo verdadero; Los mecanismos del poder, bien desde la óptica de quien lo ejerce con legitimidad (y no necesariamente con probidad) y quien maneja los hilos desde las sombras; La educación, que fomenta valores y antivalores, que genera o induce individuos óptimos hacia distintas ramas de la legalidad y el poder; El espacio mediático, como antipoder y como escenario donde discurre una variante de la realidad que lo mismo acongoja, acorrala, distrae y dispersa. Todo esto, como ya he dicho en un principio, ambientado en una elíptica y consistente lucha entre paladines y malhechores, consecuentes con sus habilidades y causas.
Dotada de una precisión técnica que asombra y extasía, con un ritmo análogo a la estructura de sus acciones (cuando la historia se estanca, también los personajes, cuando la investigación fluye, los eventos se desencadenan vertiginosamente). No hay efectismos ni golpes de giro forzados, en The Wire los sucesos van como la vida misma, a veces acelerados, en ocasiones pausados, pero sin perder interés jamás. Creo que se debe, en parte, a la atrayente y variada gama de personajes, en cada uno de los cuales podemos ver reflejado parte de lo que somos como individuos: en lo estimable, en lo feroces, en lo dubitativos…
El detective Jimmy Mc Nulty, a la cabeza, entusiasma y aturde por igual, en ocasiones consentimos su impertinencia, en otras despreciamos sus métodos, pero casi siempre estimamos su empuje. De Bunk, apreciamos su humor e impecable postura; de Kima, su convicción y fortaleza; Al callado y reflexivo Lester es imposible no querer tenerlo como compañero; A Ellis y Herc provoca matarlos a cada instante, pero terminan resultándonos simpáticos, de una manera distinta a como se nos transforma “Prez”, que de patético termina cautivándonos su etapa educadora. Y todas estas contradicciones y encantos, sólo en el minúsculo departamento policial, sin contar al personaje más discordante y atrayente de todos: Omar Little, en parte Robin Hood, en parte Terminator, en parte desalmado asesino, provisto de una moral tan elástica, pero fascinante, deviene en el carácter de convicciones más precisas y consistentes.

Pero no puedo dejar de sentirme mezquino haciendo este recuento porque en realidad lo que aporta cada personaje es vital para el desarrollo dramático de la historia, por más corta que sea su aparición, por más escasa que sea su línea de diálogo, el aporte será, de costumbre, meritorio. Y aquí reside otra de las grandes virtudes de The Wire, en el modo de expresarse sus intérpretes y en el discurso que articulan, con el énfasis puesto en lo relevante, desde el slang callejero de los jíbaros, pasando por la discordia urbana de los policías, la pesadumbre del adicto o la frescura insoportable de la dirigencia política. Diálogos y actuaciones medidas, sin excesos, establecidas en escenarios convincentes con una estética sustentada en el registro rústico de la realidad. Todo convenientemente pensado por certeros directores de la talla de Brad Anderson, Timothy Van Patten o Peter Medak (entre otros) y orquestado por el genio de David Simon, quien concibió la línea argumental en un trabajo periodístico propio, de cuyos personajes reales extrajo gran parte de los caracteres que luego darían vida a la serie, para lo cual se acompañó de la brillantez de guionistas de la talla de George Pellecanos, Edward Burns o el recientemente fallecido Richard Price.
Como colofón (y no menos importante) The Wire cuenta con una banda sonora ajustada a sus balances, con mucho y auténtico hip hop, pasando por sonidos acústicos, jazz, piezas griegas y una notable inclinación a la experimentación que parte desde la múltiple “Way Down in the Hole” (pieza única de entrada de la serie, versionada en cada temporada de manera distinta por músicos diversos, entre quienes destaca nada más y nada menos que Tom Waits).
Una obra imprescindible, repleta de energía, inteligencia y talento, con lecturas tan mixtas como las que la vida misma nos ofrece, siempre dependiendo de lo que la óptica y el tiempo nos permitan descifrar. No es la realidad, es cierto, pero cómo nos sacude su parecido.
Una muestra importante de que una buena parte del mejor cine se está transmitiendo por televisión.

The Wire (USA, 2002 – 2008)
Duración: 60 Min. (Apróx. Cada Capítulo)
Director David Simon (Creador), Ernest R. Dickerson, Joe Chappelle, Edward Bianchi, Steve Shill, Timothy Van Patten, Clark Johnson, Daniel Attias, Brad Anderson, Clément Virgo, Rob Bailey, Elodie Keene, Agnieszka Holland, Christine Moore, Alex Zakrzewski, Peter Medak, Anthony Hemingway
Guión : David Simon, Edward Burns, George Pelecanos, Richard Price, Dennis Lehane, Rafael Álvarez, Joy Lusco Kecken, David Mills, William F. Zorzi
Fotografía: Uta Briesewitz
Reparto: Dominic West, John Doman, Idris Elba, Michael K. Williams, Frankie Faison, Larry Gilliard Jr., Wood Harris, Deirdre Lovejoy, Wendell Pierce, Lance Reddick, Andre Royo, Sonja Sohn, Aidan Gillen, Clarke Peters, Robert Wisdom, Seth Gilliam, Domenick Lombardozzi, Jim True-Frost, James Ransone,
Productora: Emitida Por La Cadena HBO

Momento de Luchar y Acompañar a Jafar Panahi

2010-05-19T21:39:00.017-04:30

El realizador iraní Jafar Panahi está pasando por momentos difíciles. Desde el 1 de marzo pasado se encuentra encarcelado miserablemente por la sencilla razón de intentar "montar" un documental sobre la brutal represión que el gobierno de Ahmadinejad acometió contra los manifestantes opositores durante las revueltas postelectorales del pasado año. Ni siquiera porque lo ejecutó, sino porque, según el gobierno, tuvo intención de hacerlo.
Castigado injustamente y acorralado en una pendenciera cárcel, prácticamente incomunicado y con temor por su familia, no le ha quedado otra reacción que someterse a una huelga de hambre que considera indefinida hasta tanto no se cumplan sus peticiones, que no son otras que el cese del brutal asedio que ha relatado: "El sábado por la noche varios agentes atacaron la celda 56, nos obligaron a mí y a mis compañeros a salir al patio sin ninguna ropa y nos mantuvieron al fresco durante una hora y media. El domingo por la mañana, me llevaron a la sala de interrogatorios y me acusaron de filmar dentro de mi celda, lo cual es absolutamente falso. Entonces me amenazaron con encerrar a toda mi familia también y enviar a mi hija a un centro de detención inseguro en Rajaie Shahr".
El coraje de Panahi ya se ha visto reflejado en su obra, pero no mediante actos desafiantes, sino a través de una fina sensibilidad y un profundo interés en las causas sencillas del acontecer humano, reflejando con inteligencia los matices que componen ese complejo tapiz que es la sociedad iraní, de la que, lamentablente, su gobierno sólo se empeña en legarnos la peor parte pero que, más allá del fundamentalismo y terror político, es una población dotada de una historia cultural incomparable y un poder reflexivo que gracias a los Panahi, Kiarostami, Majidi, Mambalmaf y más, aún es mucho lo que, en positivo, resta por aportar.
Las palabras (sus palabras) que he leído hoy me han erizado por lo emotivas y desgarradoras, pero también por lo estimulantes que resultan. Sí, dentro del muchas veces desolador mundo en el cual vivimos, todavía hay lugar para los compromisos, pero no las endebles obligaciones políticas o religiosas, sino el compromiso vital con lo que se ama, para lo cual se vive, con el arte de ejercer conciencia a diario, la verdadera "causa" artística, la única.
Panahi no se ha promulgado por Alá ni por un sector político, lo ha hecho por el cine, así de simple, por el ideal de la disciplina en la que confía: "Juro por el cine en el que creo, que no voy a cesar mi huelga de hambre hasta que se cumplan mis peticiones".
En condiciones deplorables de confinamiento, maltratado y hostigado, sus palabras no se refieren a una fe pasajera, sino a un edicto cultural. El cine vive, Panahi es su profeta. Mi corazón y pensamiento están con él.
Quizás no sea mucho, pero en este enlace se puede hacer una mínima petición exigiendo la liberación de este noble realizador, ejemplo de integridad y partidario fiel y agradecido de este bellísimo y discutido arte que es el cine.

Jafar Panahi (Irán, 1960), ha sido reconocido con importantes premios como la Cámara de Oro en Cannes y el Círculo de críticos de Nueva York, por El Globo Blanco; el León de Oro de la Mostra de Venecia en 2000 por El círculo y el Oso de Plata en la Berlinale de 2006 por Offside. Parte de su situación actual de persecución se debe a que en las elecciones presidenciales de junio pasado, apoyó al líder opositor, Mir Hossein Musavi.

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Shutter Island

2010-03-13T21:19:00.018-04:30

Enfermiza, insana, laberíntica y, creo que perjudicial, son algunos de los adjetivos que se me vienen luego de presenciar esa turbia exploración de los nebulosos intersticios de la mente humana que es Shutter Island, en donde el inagotable Martin Scorsese se muestra extraordinariamente afinado, lo que ya de por sí suena, redundante, a palabras mayores.
En 1954 el agente del FBI Teddy Daniels es enviado a investigar la extraña fuga de una prisionera de una institución mental de máxima seguridad ubicada en la alejada y tenebrosa Isla Shutter. No hay explicación posible a la huída, ya que la celda ha permanecido cerrada y todos los lugares posibles de escape vigilados. Hasta acá todo parece poseer las características conspirativas del clásico enigma de la habitación hermética, y es de esperarse deducciones y pesquisas hábiles como en el famoso cuento de Gastón Leroux, el Misterio del Cuarto Amarillo. Pero a medida que el agente Daniels se involucra en la investigación los obstáculos van minando sus esperanzas de solución, enervando sus ímpetus y obligándolo a tomar decisiones cada vez más inciertas que van confinándolo a un cerrado círculo de posibilidades donde no puede confiar en nadie, salvo en las misteriosas indagaciones que progresivamente va descubriendo en sus lóbregos y duraderos sueños, constantes alternativas a sus plúmbeos recuerdos de la segunda guerra mundial, en donde fue testigo y ejecutor de atrocidades que, ahora, en esa suerte de destierro promovido en la isla Shutter se confunden con su duelo por la pérdida de su esposa y con una serie de insólitas memorias y revelaciones que poco a poco terminarán involucrándolo en una incomprensible telaraña de eventos y delirios persecutorios en apariencia orquestados por las propias autoridades de la isla y de sus mismos superiores.
Estamos en el mismísimo border line entre la enajenación y la cordura, en el panorama incierto de lo inexplicable, en la búsqueda desenfrenada de caminos hacia ninguna parte. Shutter Island es, sin duda, una de las mejores exploraciones (y recreaciones) de los recónditos escenarios de la mente humana, de la locura a secas.
Es extraño ver un film como este en una sala comercial atiborrada de gente que, a pesar de la insondable y críptica profusión de imágenes en forma de ensoñaciones violentas (que articulan una narración enigmática, oscura y difícil para el gran público), permaneció silente y cauto, no sé si aturdido y confuso o hipnotizado y alerta como me ocurrió a mí, prisionero entusiasta de esta adictiva obra artística y psicológica en aparente formato de thriller policial. Obra maestra, con elocuentes guiños al suspense de Hitchcock y a la diáfana textura psíquica de Bergman (no podía faltar Max Von Sydow), dotada de una cinematografía impresionante, una propuesta narrativa exquisita y explorativa, con actuaciones solventes y fascinantes atmósferas.
Cine en su estado puro, con las virtudes de lo clásico y la irreverencia de una vanguardia merecida.

Shutter Island (USA, 2010)
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Laeta Kalogridis (Novela: Dennis Lehane)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch, Ted Levine, Christopher Denham

Web Oficial de Shutter Island

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¿Alicia en cuál País...?

2010-03-13T00:04:00.010-04:30

De Alicia no es mucho lo que tengo para decir, salvo que es poco lo que me gustó o acaso nada. Ha sido un sufrimiento el transcurso del film y, finalmente, una enorme decepción.
La dirección artística, bien, sin mucho que condenar, pero igual sin demasiado para celebrar. La estética guarda cierto toque Burton, pero pierde relevancia en el hecho de que el propósito que la alienta es inútil, sin esencia. Este es el principal problema, la historia es un desatino desde la secuencia inicial, y desde ahí lo que hace es tropezar intentando encontrar un ritmo, una dirección que nunca logra alcanzar porque todo se diluye en una enorme carencia de ideas que es reemplazada por acciones convencionales retratadas hasta el hastío en productos tipo Narnia o Harry Potter, convirtiendo a la maravillosa Alicia de Lewis Carroll en un panfleto hollywoodense, sin más rasgos que un maniqueo accionar sin profundidad y sin aliento. El sólo hecho de citar a Carroll es ya un insulto, porque aparte de la inserción en la madriguera y algunas anécdotas varias, las similitudes con la obra literaria son nulas, el personaje de Alicia es plano, sin interés, sin búsqueda, contrario a la niña inquieta e irreverente original para quien la exploración es un impulso inevitable, como su caída a la madriguera donde todo lo que le ocurre es un viaje iniciático a través del cual incrementará su percepción y vitalidad emocional e imaginativa gracias a la interacción con los disímiles, peculiares y dominantes seres de ese mundo exultante en el que se involucra. Nada más lejos de lo logrado por Burton en el film, donde los eventos se suceden sin causa y sin objetivo determinado, en el cual los personajes son súbitas marionetas prestas a desenvolverse caprichosamente al designio no ya de la historia, sino de apenas la escena o la secuencia.
Las adaptaciones siempre son peligrosas porque pueden despertar muchos recelos en espectadores que buscan cierta fidelidad con el argumento original, sobre todo si éste es literario y, como en este caso, extremadamente notorio. Pero aquí el problema no es sólo que Alicia se convierta en una guerrera degolladora de dragones para luego terminar convertida en una arpía capitalista, al frente de un negocio naviero, no, si se tratase de una parodia sería hasta divertido, pero gracia es lo que echo en falta en esta película, ni desfachatez ni ironía, nada, el baile del Sombrerero al final da tristeza. Una ausencia total de conexión con la esencia de la maravillosa Alicia en el País de las Maravillas. Ni siquiera la conocida versión de Disney estuvo tan alejada del espíritu original. Por lo menos ha debido tener otro título.

Alicia en el País de las Maravillas (USA, 2010)
DIRECTOR: Tim Burton
GUIÓN: Linda Woolverton (Novela: Lewis Carroll)
MÚSICA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA Dariusz Wolski
REPARTO: Mia Wasikowska, Michael Sheen, Johnny Depp, Christopher Lee, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Stephen Fry, Alan Rickman, Crispin Glover, Matt Lucas

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Invictus: Una Clase de Liderazgo

2010-02-12T17:46:00.040-04:30

Lo menos que se puede decir de Clint Eastwood es que es un director peculiar, con una mirada poco variable pero que, curiosamente, en escasos ángulos logra atrapar todo aquello que debe interesar para tornar accesible una historia, por más compleja que pueda ser. No es de esos tipos inquietos animado a explorar rutas novedosas, mucho menos internarse en madrigueras insólitas en busca de escenarios maravillosos. No, lo de él es lo clásico, la vía principal que lleva al destino esperado, un recorrido que no necesariamente es rutinario o carente de riesgos ni, mucho menos, privado de emociones y valía.
Invictus (USA, 2009) se pasea por un trayecto de características similares, en donde lo indispensable para Eastwood sigue siendo lo que se narra y, hiperpotenciado dentro de este convincente parámetro, los personajes que insuflan aliento a la vorágine dramática y ofrecen su imagen al acontecer cinematográfico, esencia primordial de este arte.
Invictus recrea uno de los momentos más insospechadamente relevantes de la historia política moderna, enmarcado en la renaciente Sudáfrica de mediados de los años noventa, en donde la ascensión al poder del ex convicto Nelson Mandela suponía el fin del terrible régimen del Apartheid y hacía prever el surgimiento de una fuerte reivindicación no desprovista de venganza en contra de ese sector de la sociedad que había administrado el destino de la nación (los blancos afrikáners) con tanto desprecio y crueldad hacia el resto de la población negra y mestiza. Pero contrario a lo que esperaban y demandaban sus partidarios, Mandela no asume el gobierno con ánimo revanchista sino con una entera disposición a unificar a sus coterráneos en función de objetivos comunes, para lo cual, con enorme visión de estadista, se aprovecha de la influencia que ejerce el deporte en la masa, en particular el rugby, para echar a andar un quijotesco cometido: ganar la copa mundial de rugby. Algo que se ve cuesta arriba, con un selección diezmada por escisiones internas y condenas públicas. Mandela decide apoyarse en Francois Pienaar, capitán de los Springbooks (nombre del equipo nacional de rugby), para insuflarle de modo subrepticio su entusiasmo e ideales, que no son otros que hacer de Sudáfrica, una sociedad reconciliada y capaz de echar a andar, sin mezquindades, su propio destino.
Lo que se desarrolla en Invictus pasa obligadamente por la fortaleza y matices de sus dos figuras substanciales, mutuos protagonistas - antagonistas, sin los cuales ninguna acción tiene fundamento ni avance hacia el prolongado clímax y nada sorpresivo desenlace. Y en esto se refleja una vez más la eficacia de Eastwood para mantener creciente interés y expectativa sobre acontecimientos que ya desde el inicio intuimos cómo se desencadenarán (si es que por casualidad, además, no hemos leído The Human Factor, la exitosa novela de John Carlin en la cual se inspira el film, o si no hemos revisado un poco los sucesos medianamente recientes de la república Sudafricana).

La rica dimensión de los protagonistas se nutre de múltiples afluentes: una casi perfecta definición de motivaciones dramáticas en clara correspondencia con la realidad histórica, una responsable y firme manera de caracterizar en botas de dos equilibrados trabajadores de la expresión corporal (Matt Damon y Morgan Freeman) y un balanceado ritmo entre imagen (lo que vemos desarrollarse) - interpretación (lo que percibimos y sentimos de esas imágenes) - fuera de campo (lo que no vemos, pero intuimos tiene lugar y además de "probar" nuestras certezas, también deja margen a la "posibilidad", que es lo que permite que permanezcamos atentos a la narración y que esta avance, a pesar de lo irreversible de sus giros.
Pero esta solidez técnica e intelectual para proponer el interesante recorrido cinematográfico no tendría interés suficiente si no se enmarcase en la estimable raíz emocional que alienta a los personajes a dar forma y peso a los sucesos que recrean. El mayor mérito de Eastwood radica en saber otorgar a los personajes una admirable altura moral en dosis justa, sin sobredimensionar sus cualidades, manteniéndolos vigentes y sujetos a la tierra, sin exagerar su heroicidad. El Mandela de Invictus es un afable político e incansable trabajador, dotado de una visión y sensibilidad incomparable, pero también prisionero emocional de su activismo, algo que lo priva de mayores conexiones personales como las que son imposibles mantener con su propia familia. En contraposición, Francois Pienaar es un personaje doméstico que ignora y descree de su potencial como adalid de una posible convocatoria nacional en torno a un deporte y una selección que gran parte de la ciudadanía negra aborrece por representar los gustos de la población blanca. En este enrarecido ambiente las dos personalidades se elevan por encima de las incongruencias propias y recelos externos, para asumir una amistad soportada en un compromiso recíproco hacia las responsabilidades que cada uno lleva a sus espaldas: Pienaar, consolidar un liderazgo dentro de un equipo irreverente y disgregado; Mandela, sumar las energías de una nación enconada y dispersa, alérgica entre sí misma, dispuesta a implosionar de un momento a otro. Es acá donde la figura del presidente supera las expectativas y salta de la pantalla fulgurando al espectador con su espíritu conciliador y tolerante. Es casi del reino celestial imaginar a un individuo que ha sido vejado durante casi treinta años de injusta prisión, confinado a un minúscula celda y a trabajos forzados, salir a la calle a tenderle la mano a sus verdugos, sin un ápice de represalia. De verdad sería angelical, si no fuese porque el propio Mandela ve que en ello (en la venganza) no hay futuro político y social para su nación. El desagravio personal es egoísta y vano, no generaría más que nuevas hostilidades y un ciclo interminable de conflictos. Una actitud que añoro sea imitada por todo aquel que tenga en sus manos la responsabilidad de dirigir y administrar cualquier sistema de organización, desde una junta vecinal hasta, por supuesto, una nación. Aquí tenemos mucho para aprender y reflexionar.
Invictus no es, de seguro, de las obras más destacables de Clint Eastwood (tampoco de los mejores performances de Morgan Freeman), pero ninguno desluce, concentrados en realizar con eficiencia y contenido lo que mejor saben hacer: Cine. Un Eastwood o un Freeman promedio está por encima de lo que pocos pueden siquiera aspirar a lograr alguna vez en una cinta.
Transcribo parte del pequeño discurso que dirige Mandela al comité deportivo negro que pretendía cambiar el nombre de los Springbooks para acertar un duro golpe a la moral de los blancos, a lo que el presidente se opone respondiendo lo siguiente: "...Déjenme decirles por qué no (debemos cambiar el nombre). En Robben Island, en la prisión de Pollsmoor, todos mis carceleros eran Afrikáners (blancos). Por 27 años los estudié, aprendí su lenguaje, leí sus libros, su poesía... Tenía que conocer a mi enemigo antes de que pudiera imponerme sobre él ¿Y nos impusimos, verdad? Todos aquí nos impusimos ¿Verdad?
Pero ¡Nuestro enemigo ya no es el Afrikáner! Ellos son nuestros compañeros sudafricanos, son nuestros compañeros en democracia. Y ellos adoran a los Springbooks. Si los sacamos (a los Springbooks) los perdemos, les demostramos que somos lo que ellos temían. Tenemos que ser mejores que eso. Tenemos que sorprenderlos, con misericordia, con circunspección y generosidad.
Sé todas las cosas que se nos negaron, pero éste no es momento para celebrar una venganza mezquina, es el momento de construir nuestra nación usando cada ladrillo disponible, aún si ese ladrillo viene envuelto en verde y dorado (colores de los Springbooks)".

Invictus (USA, 2009)
Director: Clint Eastwood
Guión: Anthony Peckham (Libro: John Carlin)
Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Julian Lewis Jones, Adjoa Andoh, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Leleti Khumalo

The Cove

2010-02-10T19:19:00.018-04:30

A veces da mucha vergüenza pertenecer a la especie humana. El egoísmo, la estupidez o la simple apatía de la que somos capaces suele rebasar las cotas mensurables. Nuestra torpeza histórica es evidente, hinchada de guerras, discriminación e injurias entre nosotros mismos. Aún continuamos en esto, cuando no en un campo abierto y atrincherados, sí con parecido fragor en la trivialidad de una dicotomía laboral, en una disyuntiva vecinal, en un enfrentamiento interminable con el presente. Las causas son tema de otro debate.
El problema es que ya no nos basta con atentarnos mutuamente, hemos invadido y abrumado todos los escenarios más allá de los meramente humanos. Nuestra crueldad parece no encontrar límites biológicos y, como de costumbre, el ensañamiento es mayúsculo hacia aquellos seres más desvalidos.
Hace un tiempo me topé con el documental Earthlings (USA, 2003), de Shaun Monson, triste retrato de la desafección con la cual el humano ha disminuido su relación con las demás especies a una simple extensión de su inefable ánimo inquisidor, convirtiendo a esos "compañeros terrestres" en mera carroña alimenticia, juguetes científicos o distorsionados artefactos de tortura para el más condenable entretenimiento. El término Earthling (compañero de planeta) es propicio reivindicarlo; no somos los únicos y mucho menos los mejores. Algo que queda constatado, con estupor, con vergüenza, en el célebre documental The Cove (USA, 2008), de Louie Psihoyos.
A pesar de que The Cove, a diferencia de Earthlings, se circunscribe a una única especie, su alcance es mucho más efectivo y punzante, debido a los múltiples recursos cinematográficas que complementan su linea argumental; la defensa de la especie animal más admirada luego de los primates y los cánidos: los delfines.

The Cove parte del encuentro, en la ciudad de Taiji, Japón, entre Louie Psihoyos y Ric O'Barry, el otrora entrenador de delfines en la famosa serie de TV Flipper, convertido ahora en activista emblemático pro defensa de estos admirables animales.
El filme está narrado con el ritmo de un policial, manteniendo un suspense constante y un solapado e irreverente humor que contrasta con el dramatismo del tema que aborda, pero que lejos de distraer el objetivo, logra incrementar su interés.
Por un lado teje el día a día de O'Barry, enfrentado al acoso inquebrantable de las autoridades japonesas, pero también lo vincula al esmerado accionar del equipo de Psihoyos inventando los más insólitos y creativos métodos (instalar cámaras camufladas de piedra, colocar micrófonos submarinos mediante rigurosidad de espías) para registrar la matanza que año tras año se lleva a cabo en la Caleta de Taiji, de tal manera de poder acercar ese crimen al mundo y sensibilizarlo ante el horror que se desarrolla allí con mísera alevosía, hacia unas de las especies más luminosas con quienes tenemos fortuna de compartir hogar.
Las imágenes y sonido capturados no son fáciles de digerir, nos muestran a pescadores convertidos en viles matones inclementes extasiados por, el literal, baño de sangre que inunda la pantalla en una exacerbado rito que ni la cinta más gore se atrevería a verter jamás.
Pero lo más patético y lamentable no es que unos pocos brutos atenten a mansalva contra estos animalitos indefensos, sino el panorama que se da puertas adentro, en los escenarios de discusión global, donde los buenos oficios parlamentarios de Japón (entiéndase compra de conciencia barata) pueda adherir a un cúmulo de complacientes seudonaciones como algunos países del caribe y otros, como el cercano Ecuador, a suscribirse a un pliego que favorezca la matanza indiscriminada de ballenas (y entre éstas, por supuesto, los delfines).
The Cove nos involucra en esta irrenunciable historia, con la elocuencia y sutileza que potencia el mejor cine y también con fuerza y brutalidad nos persuade a través de sus fustigantes imágenes, a garrotazos nos sensibiliza, como si no pudiésemos entender de otra forma que estamos equivocados, que no es necesario que la sangre llegue al río (o al mar) para recapacitar sobre lo que somos y sobre lo que representan todos nuestros "compañeros de planeta" en esta dinámica vital que no cesa.

The Cove (Usa, 2009)
Dirección: Louie Psihoyos
GUIÓN: Mark Monroe
MÚSICA: J. Ralph
FOTOGRAFÍA: Brook Aitken

Más información en la Web Oficial del Film

*The Cove se ha acreditado más de 40 importantes premios internacionales y está nominado al Oscar 2010 en la categoría de Mejor Largometraje Documental.

American Movie, el Verdadero Sueño Americano

2009-11-29T10:04:00.021-04:30

American Movie es un documental de 1999, que retrata con minucia el proceso de creación y realización del cortometraje de terror Coven, a manos de su director Mark Borchardt, un anónimo y autodidacta director que, con anhelos y ánimos sin límites, pretende llevar a cabo su sueño: convertirse en un célebre director de grandes filmes. Pero Mark no está muy cerca de Hollywood y no dispone de solvente financiamiento ni de un crew y cast muy preparado. Para costearse el proyecto debe recurrir a su inagotable verbo y energía para convencer a su seudoconvaleciente tío Bill (un jubilado que vive en un trailer) de que se convierta en el productor ejecutivo, suministrándole unos 3000 dólares de sus ahorros. Como equipo técnico y talento, Mark contará con el apoyo incondicional de su grupo de amigos yonkies y de... su madre, una paciente ama de casa que se tornará en operador de cámara y gaffer o lo que sea que Mark necesite.
Mark Borchardt no es el aparente hombre común que sueña con dirigir grandes filmes, es, en relidad, un perfecto personaje de celuloide, con todas los atributos dramáticos necesarios para hacer girar la rueda argumental de un apasionante film. Y esto es lo que logra identificar Chris Smith (el director de este particular documental) en Mark y en su equipo "técnico" de espontáneos y entusiastas secuaces. La vehemencia de Mark hacia el propósito anhelado y el ímpetu con el cual anima a sus coterráneos hacia una empresa inverosímil, da chispa a los sucesos que configuran su "historia" (su vida) y quebranta las miserias del grupo de amigos y familiares con quienes comparte "roles", y que participan como adeptos espectadores (más que como crew) de esa insospechada película que con furor, proyecta Mark, a diario, en las frías y apocadas calles de Menomonee Falls, un pálido y seudomarginal suburbio americano (de esos que Hollywood suele privarnos, en favor de aquellos asépticos y radiantes donde todo es verde y sol).

Es precisamente allí, en ese rinconcito de Wisconsin, donde se teje y evidencia la realidad del sueño americano, la cara opaca de las luces y el glamour con el que constantemente se inunda al resto del mundo.
Mark no es sólo un locuaz y aparentemente talentoso individuo en pos de un inmenso sueño; es también un reflejo de aquello que la sociedad americana deja de consentir y que a falta de mejores soluciones, abandona a su suerte. La American Way también puede ser una ruleta rusa. Pero Mark está empeñado en jugársela a toda dar.

El mayor valor de este documental no reside, creo, en recrear las argucias de una serie de personajes excéntricos y empobrecidos, sino precisamente en lo contrario: a través de sus excesos y aparentes delirios, quedan en evidencia los intersticios de la vida común, el leit motiv del americano medio, empeñado en dejarse ser en medio de la evasión analgésica de la cerveza, las drogas o la televisión. Lo que propone Mark Borchardt en medio de este triste panorama es, al menos, orientar las sutilezas demenciales de esa vida sin ruido, en un auténtica película americana, sin importar que la duración de la misma (cuyo rodaje se alarga por más de tres años) implique prácticamente la quiebra económica que no sólo repercute en él, ya que a mitad de documental descubrimos con enorme perplejidad y no poco terror (en la etapa de rubor del documental) que Mark no es un solitario e inocente irresponsable, sino que detrás de sus labores nihilistas de director anónimo, debe lidiar con la manutención de un hogar con tres pequeños niños. Pero sus intermitentes oficios de sepulturero y aseador parecen ser suficientes para evitar un descalabro mayúsculo.

Se trata de un film sorprendente, gracioso, mágico y hasta cierto punto inverosímil. Claro, en lo que de inverosímil tiene la vida misma. Con producciones como estas llegamos a comprobar que muchas veces no hay nada más fantástico que la realidad. Porque a pesar de la veracidad que inunda la pantalla, todo su aliento proviene de la ficción, esa insospechada materia que da vida a las ideas y a los sueños. Y Mark Borchardt, como Segismundo, podría acompañarlo en estos célebres y hermosos versos:

"..
Yo sueño que estoy aquí
destas prisiones cargado,
y soñé que en otro estado
más lisonjero me vi.
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño:
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son."

American Movie (USA, 1999)
Director: Chris Smith
Guión: Chris Smith
Música: Mike Schank
Fotografía: Chris Smith
Reparto: Documentary, Mark Borchardt
Productora: Civilian Pictures / Bluemark Productions

American Movie fue galardonada en 1999 con el Gran Premio del Jurado de Cannes.
En 2004 The New York Times la incluyó en su lista de las Mejores 1000 Películas de Todos los Tiempos.

La Escalera de Jacob: Directa Paranoia al Edén

2009-10-27T22:21:00.006-04:30

Según La Biblia, La Escalera de Jacob es el acceso que emplean los ángeles para entrar y salir del cielo. Jacob la avistó en un sueño y los exégetas han resumido variadas interpretaciones, una de las cuales plantea que el propio Cristo sería la metáfora de esta escalinata: el enlace directo al Paraíso entre lo humano y lo celestial.
Y son los sueños o un único e indivisible sueño (sus entradas y salidas, sus devenires e incomprensiones) el tema que aborda con misterio y sorna, el extrañísimo film de 1990 Jacob’s Ladder; un intrincado viaje por los enigmas de la mente y emoción humana, sus anhelos y controversias, sus peligros y divisiones. Un paraíso orbital en donde el cielo es el único destino válido, pero para alcanzarlo se debe primero transitar por un enrarecido ambiente trascendental en donde lo incierto es la constante y única posibilidad.
Guardando algunas correspondencias temáticas con la inestimable Johnny Got His Gun (Dalton Trumbo, 1971), La Escalera de Jacob abandona la dureza realista del film de Trumbo (sin renunciar del todo a su dimensión crítica) para “ceñirse” a las nebulosas y rabiosas profundidades del acontecer psíquico. Sin duda, al pensar en historias perturbadoras e inquietantes, hay que ubicar a este oscuro y empolvado film del irregular (aunque siempre interesante) Adrian Lyne, en un lugar privilegiado.

Jacob Singer (Tim Robbins) es un excombatiente de Vietnam atormentado con delirios reiterativos, con demonios que lo acosan tanto en la vigilia como en el sueño, volviendo indefinible la línea que separa a ambos estados. Se deviene entre el día a día que comparte con Jezebel (Elizabeth Peña) y la nostalgia por su antiguo matrimonio y por la pérdida de su pequeño hijo. Pero estas certezas se intercalan con recuerdos, ensoñaciones e instancias de la guerra, que terminan confluyendo en su percepción de la realidad, tornando insoportable la determinación de un criterio correcto para la definición de sus fases vitales. El pasado y el presente se confunden con lo inasible de las sensaciones, pensamientos y ficciones que se proyectan más allá (¿más acá?) de los límites de lo meramente representable y creíble. Nada de lo que le acontece está validado por un referente sólido que le remita seguridad, salvo cuando se contacta con excompañeros de guerra y descubre que él no es el único que sufre las terroríficas visiones. En este punto el film encuentra una nueva orientación y cambia, sin fractura, de género, dirigiéndose hacia caminos propios del thriller convencional, pero esto no pasa de ser una dimensión más de la proclama cinematográfica de Adrian Lyne que busca, en esta misma exploración de géneros, perfecta sintonía con la complejidad dramática que postula.
El éxito de Lyne reside en alternar registros y discursos (drama familiar, tragedia bélica, terror psicológico, thriller policial), logrando mantener de una manera fatigante (fascinante, y sin extenuar) la situación de locura permanente. Pero de locura sin confirmación, la única y exclusiva demencia que sólo padece (sólo vive) quien la genera y lleva consigo.
Gracias a una direccionalidad dramática ejemplar (que tiende hacia objetivos que intuimos pero ignoramos) y al persistente, pero justificado, giro argumental (que lo mismo tira hacia derroteros mayores de la telaraña mental de Jacob, como del atavismo bélico e institucional que produce esos monstruos individuales) los nudos de la historia se lían y desatan con fluidez y originalidad. He aquí el valor inobjetable de esta producción, su singularidad sin extravagancia, su ritmo cautivante y su discurso hipnótico.
No es gratuito el vínculo entre belicismo e insania e irrealidad, esa sensación de no pertenecer a nada concreto, de que todo, absolutamente todo, puede revisarse y permearse por las ópticas más disímiles y entreveradas. Esta es precisamente la impresión latente en el transcurso del metraje: perplejidad y fluctuación acerca de la dirección del drama que, por momentos, se nos presenta esclarecedor en cuanto a las situaciones que experimenta el protagonista, pero con esa misma irradiación nos lleva por trayectorias que aturden y encantan. Porque la atmósfera general, el color, iluminación y la sinuosa música de Maurice Jarre, refuerzan con efectividad los propósitos discursivos del film, completando una llamarada estética verdaderamente invaluable.
Una película para ver y debatir, que no se agota en su intuitivo e inesperado final, que más que cerrar el círculo de Jacob, introduce al espectador en el auténtico principio de incertidumbre cinematográfico: el de trascender la narrativa de la pantalla. Esto es El Cine, el que emociona y deleita al público, pero que también propone y deja tareas pendientes por resolver y descubrir más allá de las butacas y la feria.

Jacob's Ladder (USA, 1990)
Duración: 115 Min.
Director: Adrian Lyne
Guión: Bruce Joel Rubin
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Jeffrey Kimball (Aka Jeffrey L. Kimball)
Reparto: Tim Robbins, Elizabeth Peña, Danny Aiello, Matt Craven, Macaulay Culkin, Jason Alexander, Pruitt Taylor Vince, Ving Rhames
Productora: Carolco Pictures

Adrian Lyne (Reino Unido, 1941), es un exitoso realizador. Entre sus filmes se pueden citar "Flashdance", "9 1/2 Weeks", "Fatal Attraction" o "Indecent Proposal".

Enlaces Relacionados:
Johnny Got His Gun

Public Enemies

2009-08-29T08:18:00.005-04:30

El hombre es capaz de generar inspiración, ya sea a un círculo cerrado de amigos, de profesionales, a grupos de personas más amplios o incluso a una sociedad entera hasta formar parte de su cultura y tradición.

¿Cuáles son las características que hacen de un ser humano, un hito dentro de un determinado pueblo? No existe una lista taxativa, porque siempre estará a merced de las necesidades de y circunstancias temporales. Mientras que para algunos, la bondad y la solidaridad pueden considerarse fundamentales, otros preferirán admirar el profesionalismo, las capacidades técnicas y el buen desempeño en el trabajo.

Durante la Depresión de los años 30, muchas actividades delictivas se profesionalizaron, las mafias adquirieron un poder especial y los ladrones comenzaron a aplicar técnicas de asalto especiales. John Dilinger fue un ladrón de bancos, y así se presentaba sin ningún tipo de vergüenza.

“Public Enemies” recuerda el tiempo en el que Dilinger acaparó los medios de comunicación después de haber sido acuñado como enemigo público por J. Edgar Hoover, el primer director del FBI y el trabajo realizado por el escuadrón de la policía encargado de atraparlo, dirigido por el agente Melvin Purvis.

El director de la cinta, Michael Mann, se sumerge de nuevo en la dinámica existente entre ladrones y policías. Entre sus obras mas citadas se encuentran “Heat” (recordada por contar con la presencia de Robert De Niro y Al Pacino como antagonistas), “Colateral” y “Miami Vice”.

Entre los temas que repite Mann en su filmografía se observa el de la dificultad que representa conciliar la vida profesional, ya sea de ladrones o de policías, con la vida cotidiana.

El Dilinger que Mann dibuja en la pantalla comparte con Neil McCauley de “Heat”, la búsqueda de una pareja compatible con su profesión, representando la imposibilidad del amor para ser realmente exitoso.

Por otro lado, se acerca al Vincent, interpretado por Tom Cruise en “Colateral”, con respecto a su capacidad de vivir el presente, en una eterna improvisación. Para Dilinger no existe un futuro, solo la vida rápida y concentrada del instante.

La actuación de Johnny Depp, como el personaje principal, se aleja de los excentricismos esperados por otros directores como Tim Burton (“Sweeney Todd”, “Edgard Scissorhands”, y la próxima a estrenarse “Alicia en el País de las Maravillas”) o de la exitosa aventura de “Piratas del Caribe”. De esta forma, encarna un papel con sutileza, sin grandes demostraciones, pero con una fuerza interna especial que contagia toda la cinta otorgándole el peso que en otras ocasiones ha olvidado.

La ganadora del Oscar, Marion Cotillard interpreta al interés romántico de la historia, la joven recepcionista que necesita la protección y seguridad, seducida por la franqueza de Dilinger. El resto del reparto, entre los que destacan Christian Bale y Billy Crudup, cumplen a cabalidad con las exigencias de un director tan meticuloso como Mann.

Salta a la vista la cinematografía, debido a la utilización de video digital. Mann ha sido uno de los pioneros en la utilización de video de alta definición como medio para rodar películas. “Colateral” fue una de las primeras películas en las que la estética proporcionada por el video digital no pretendía emular la película cinematográfica.

El video en alta definición utilizado en esta película permite un acercamiento nunca antes visto. El nivel de detalle que proporciona sitúa al espectador en cada escena, los close-ups extremos lo llevan a rozar la piel de los personajes. Mann no esconde las acciones de estos personajes tras el halo protector de un color añejo o el brillo que generalmente recubre las producciones hollywoodenses de época, sino que lleva al espectador a ese momento histórico, con una destreza técnica, digna de aquellos a los que retrata.

Estos enemigos públicos conformaron una parte de la historia americana, dieron forma al sistema policial que se desarrollaría hasta el presente, expresaron el deseo de muchos ciudadanos de superarse e independizarse económicamente. Se constituyeron en leyendas urbanas, y se retroalimentaron con las figuras que el cine construyó basándose en sus hazañas.

En momentos parece una idealización, pero es mas bien, la materialización de ideas que se encontraban en lucha durante una época de grandes dificultades. Como sucede siempre, la historia se repite, se vive y se vuelve a contar.

Ficha Técnica:
Título Original: Public Enemies
Año: 2009
Duración: 140 min.
País: Estados Unidos
Director: Michael Mann
Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman (Libro: Bryan Burrough)
Compositor: Elliot Goldenthal
Cinematografía: Dante Spinotti
Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Channing Tatum, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff.

El Entretenimiento como fin, o El Fin del Entretenimiento

2009-08-23T22:11:00.008-04:30

Cada vez que tomo el control de la tele y comienzo el habitual zapping me convenzo más de que el fin último de los medios, de todo medio, es el entretenimiento. Las horas que pasamos en casa frente a la caja mágica no tienen otro propósito que la distracción, así el corte del programa implique formación educativa, revelación documental o información. Los canales de noticias promueven la idea de “verdad” y “veracidad”, con el mismo énfasis que en los de deportes la “fidelidad” y la “emoción” repercuten como gran gancho. Pero al final de cuentas ningún medio registra ganancias por determinar realidades, sino por fomentar adicciones y acólitos. El rating es la panacea mediática y la confrontación, la pugna, la fatalidad resultan los estimulantes infalibles.
Por otro lado, la mayoría de veces, la transmisión de noticias internacionales no tiene una repercusión natural en el predio local, sin embargo la asumimos de esta manera.
En circunstancias reales lo que le sucede a un birmano no impacta verdaderamente en mi cotidianidad, salvo para despertar una anécdota mental o para transitar una aburrida sobremesa con un comentario baladí. Del mismo modo, los infortunios de un venezolano operan en un rigor parecido para un inglés. No me atrevería a decir que el interés en el acontecimiento global sea lo mismo que el despertar de una conciencia global porque, en los días que corren, me parece que las noticias se miran como quien observa películas: nos impactamos, las discutimos y, finalmente, las disfrutamos y olvidamos. Puro entretenimiento.

Es cierto que los medios tienen mucho poder, mucha influencia en el conglomerado público en el que impactan, pero el espectador no es del todo inocente, también suma una gran responsabilidad y quizás la búsqueda de noticias emocionantes (tanto las penosas como las alegres) viene estimulada por una imperiosa necesidad de acción que la persona común se ha acostumbrado a demandar. El por qué me gusta tal o cual programa, este u otro noticiero, se define en las propias carencias o expectativas que como individuo poseo (algo como lo que sucede con las diversidad de tendencias en géneros cinematográficos: a algunos les gusta el terror, a otros una comedia romántica, etc.) De manera tal que la construcción de una noticia pasa exactamente por los mismos devaneos que la elaboración de un drama ficcionado.
Esto lo sabía perfectamente Wallace Souza, el otrora productor y conductor de Canal Livre TV, un programa brasileño de investigación criminal que reflejaba con rigor documental los sucesos más notorios que ocurrían en el lejano puerto amazónico de Manaus. Pensando en su audiencia, en la sed de sangre y violencia de ésta, Wallace no escatimó en sortear la ley para ofrecer el entretenimiento virtual que ameritaban sus espectadores reales, de tal modo que fraguó una gran red de asesinatos (con esbirros sostenidos cuales productores de campo) que procurasen el rating necesario y la “sana” dispersión de los televidentes brasileños.

Ahora ¿peco de rudo si considero a Souza un poco menos hostil que su auditorio? Al fin de cuentas, el adagio mediático reza que los artistas, los productores y los presentadores se deben a su público (a las exigencias de éste)… Entonces, si se demanda sangre y persecución real ¿Cómo condenar a Wallace por querer satisfacer a su masa? Podríamos aplicar esta misma premisa al quehacer político y el resultado será similar, aunque más lamentable es cierto. Los venezolanos lo padecemos a diario: la noticia va un paso más allá del entretenimiento, implica adhesión al emisor. La figura política y el medio son generadores de noticias, ambos entretienen y distraen por igual, cada vez más alejados de su escenario y ocupación natural. Pareciera un nivel ulterior a la farándula. Gracias al prestigio y popularidad que le deparó su programa, Wallace Souza pudo convertirse en diputado (con la mayor votación de su estado), escaño que momentáneamente le provee la inmunidad necesaria para evadir los juicios que han empezado a aflorar, debido a la captura de uno de sus mercenarios que confesó las minucias del “Tras Cámaras” de Canal Livre TV.
Los medios no buscan la verdad, qué duda cabe, aspiran a la seducción, como todos los poderes, como todos los humanos. Y en esto no debe leerse condena alguna, siempre y cuando como sociedad, como especie, vayamos reconociendo este hecho, de lo contrario la distorsión se irá acrecentando.
La manipulación existe en el día a día, en el hogar, en la oficina, en el evento urbano. Sucumbir o no depende de nuestra entereza como ciudadanos. Si podemos ser manejados por un medio o por un individuo, es porque al final de cuentas necesitamos esta conducción, la imperamos, porque en nuestra rutina no sabemos sortear estas influencias. Vivimos una dependencia mediática de la misma manera que el adepto no puede abandonar su video juego favorito. Se trata de carencias del mundo real que busca saciar en el escenario virtual.
A falta de anécdotas vitales diarias, de episodios que consideremos remarcables, recurrimos a la actualidad constante que aseguran los canales informativos para obtener una “palabra” que nos permita circular en pensamiento o comunicación en nuestro radio de actividad social.

En 1983, David Cronenberg realizó, en clave ciencia ficción, Videodrome, film inquietante como pocos: el protagonista descubre fortuitamente la señal de una televisora clandestina y “real” en la cual se transmiten horribles y verdaderos actos criminales que fascinan al espectador y, sin notarlo, terminan controlándolo, superando sus límites físicos y mutándose, en una extraña amalgama, con el ente mediático.

De 1996 es Tesis, de Alejandro Aménabar, efectiva película en donde el personaje principal (una estudiante de periodismo que basa su tesis en la violencia mediática) se ve presa de una aterradora red de realizadores snuff (películas de asesinatos reales). Con sutileza Amenábar nos muestra la fascinación que produce la violencia en todo espectador, incluso en el más precavido.
No deja de perturbarme las conexiones entre las ficciones de la Real TV de Videodrome y el argumento de Tesis con la realidad del Canal Livre TV brasileño.
La información es disfrute, dolorosa a veces, triste en otras, emocionante y necesariamente insólita, como debería ser la vida, como quizás lo sea. ¿Veremos lo que viene o nos verán a nosotros? ¿En qué lado de la tele estaremos cuando topemos con los próximos Wallace Souza de nuestra historia?

Canal Livre Tv (Brasil)
Producción: Wallace Souza

Videodrome (Canadá, 1983)
Dirección y Guión: David Cronenberg
Música: Howard Shore
Fotografía: Mark Irwin
Reparto: James Woods, Deborah Harry, Sonja Smits, Jack Creley, Peter Dvorsky, Les Carlson, Lynne Gorman
Productora Universal Pictures / Cfdc / Famous Players / Filmplan

Tesis (España, 1996)
Director: Alejandro Amenábar
Guión: Alejandro Amenábar & Mateo Gil
Música: Alejandro Amenábar & Mariano Marín
Fotografía: Hans Burmann
Reparto: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Miguel Picazo, Xabier Elorriaga
Productora Las Producciónes Del Escorpión S.L.

Paranoid Park, de Gus Van Sant

2009-07-18T14:10:00.018-04:30

Creo que el Gus Van Sant que más me atrae es el que se asoma con sensibilidad y poco morbo a la intimidad del adolescente americano. Buena parte de su filmografía está dominada por dramas que giran en torno a las relaciones (y reacciones) de jóvenes con carencias afectivas, sexuales y sociales. Si se hiciese un retrato de la juventud americana utilizando los filmes que Van Sant ha legado, el retablo sería bastante desalentador.
En Paranoid Park (USA, 2007), Van Sant vuelve a introducirse en el complejo universo de la juventud americana, en los "marginados" con privilegios, no ya víctimas de una nación que los oprime sino productos de una sociedad que los ignora. Ya no se trata de los caminos subterráneos de la prostitución y homosexualidad de My Own Private Idaho, o la manipulación mediática generadora de monstruos en To Die For. Van Sant enciende la cámara exactamente al final de su celebrada Elefant.
Alex es un chico pausado, silencioso e introspectivo, sin otro signo de rebeldía que su necesidad por ausentarse de un hogar disrruptivo. Jared, su mejor amigo, lo invita al Paranoid Park, un circuito de skate donde sólo tienen cabida las patinetas, las frustraciones y el sudor: “un lugar donde tienes la impresión de que, por muy mal que estés, siempre habrá alguien en una situación peor que la tuya".

Alex no es muy buen skate, pero comienza a asistir con frecuencia, el ritmo, el movimiento lo extasían como quien se conmueve ante el más hermoso paisaje. Una noche, en plan de juerga con un nuevo amigo, se ve involucrado por error en el atroz asesinato de un vigilante. El dolor de Alex, sus pasos, sus movimientos a partir de este instante, es lo que Van Sant asume como discurso y preocupación fundamental. Todo sin siquiera incluir al entorno de Alex. Lo que observamos es un singular "paseo" en patineta a través del desasosiego, la inoperancia y la deriva.
Van Sant construye la realidad de Alex como un estado laberíntico donde la fantasía y el dolor se fusionan postulando una nueva estructura mental-emocional: la apatía. Lo que une a los jóvenes que retrata en Paranoid Park no es su "comunión" en torno al espacio que los congrega, sino ese insólito desinterés por la nada, por lo invariable del transcurrir. Alex es un adolescente sin deseos, sin aspiraciones, es una suerte de “filósofo” de la inconsciencia, en un continuo éxtasis hacia el imponderable.
Van Sant se esmera en proyectar la óptica de su protagonista; lo que vemos resulta ser la mirada prolongada, ralentizada, de Alex. Los planos poseen una enigmática y nerviosa belleza, pero el trabajo de dirección y fotográfico no es un artilugio, ni un “efecto”, es simplemente la larga captura entre pestañeos de toda una generación orbitando de un lado a otro, en un eterno vaivén como la oscilación de un skate en un túnel sinfín, repleto de aire y sin explicaciones.

Paranoid Park (USA, 2007)
DURACIÓN: 85 min.
DIRECTOR: Gus Van Sant
GUIÓN: Gus Van Sant (Novela: Blake Nelson)
MÚSICA: Ludwig Van Beethoven, Nino Rota, Elliott Smith
FOTOGRAFÍA: Christopher Doyle, Kathy Li
REPARTO: Gabe Nevins, Taylor Momsen, Jake Miller, Dan Liu, Lauren McKinney, Scott Green
PRODUCTORA: Coproducción USA-Francia; IFC Films / MK2 Productions / Centre National de la Cinématographie (CNC)

Raw Deal. Virtudes fílmicas, (des) virtudes humanas

2009-07-11T11:01:00.008-04:30

Drama oscuro y singular, firmado por el maestro Anthony Mann. Aunque de argumento simple y venial, sus eventos transcurren aventados por el mismo frenesí que el espíritu interno de los personajes le insuflan. Unos personajes malsanos y erráticos, que rozan el patetismo.
Joe, un malhechor que cumple condena en prisión, se escapa gracias al impulso de un jefe mafioso y a la ayuda de Pat, su incondicional amante que, en la huída, rivalizará con la joven y hermosa Ann, a quien Joe secuestra con la intención de convertirla en su luminoso objeto de deseo. Pero el escape, que Pat confía les augure un futuro en libertad en otra tierras, en realidad se torna revanchismo para Joe, cuyo aliento es dominado por la sed de venganza y sin medir consecuencias, se abalanza hacia sus enemigos con voluntad y sin cálculo. En medio de este ajetreo, Ann, misteriosamente, termina enamorada de este tipo cruel, carente de rasgos sentimentales.
Obra apasionante e infeliz por igual, ejemplo perfecto del mejor cine negro, con una belleza de encuadres y tonalidades, una aterciopelada y enfermiza narración femenina que permite a los hechos devenirse con sensualidad y no poco morbo, una música hiriente y oportuna y otros tantos silencios y oscuridades dibujan una historia melancólica sin principio ni final feliz. Triángulo amoroso, policías y hampones tras la misma cacería; un film que se pasea a ratos en road movie por rutas sinuosas, en madrugadas y anocheceres sin fin. Una película que acontece sin luz solar, por rincones húmedos y mohosos, henchida de lo más triste y grotesco del alma humana.

En la secuencia que incluyo se puede valorar la escala de los diálogos y el voice over, en correspondencia con el ritmo del montaje, la exquisitez de planos y tonalidades y la mimética orquestación de fondo.

Raw Deal (USA, 1948)
Director: Anthony Mann
Guión: John C. Higgins, Leopold Atlas (Historia: Arnold B. Armstrong, Audrey Ashley)
Música : Paul Sawtell
Fotografía: John Alton (B&W)
Reparto: Dennis O'keefe, Claire Trevor, Marsha Hunt, John Ireland, Raymond Burr, Curt Conway, Chili Williams, Regis Toomey, Whit Bissell, Cliff Clark
Productora: Edward Small Productions. Distribuida Por Eagle-Lion Films

Anthony Mann (USA, 1906-1967), firmó títulos notables como He Walked by Night, Railroaded!, T-Men y The Man from Laramie. Especialmente identificado con el Cine Negro.

Esto saldra en la pagina al pulsar leer mas

La Ola, a propósito de Autoritarismo

2009-07-05T09:34:00.008-04:30

La Ola es una exitosa película alemana del pasado año 2008 que aborda, en su temática, lo sencillo que puede resultar la manipulación de un grupo de personas en torno a los designios y/o caprichos de un líder (como sabemos, esquema básico de todo gobierno autoritario).
Un profesor de secundaria que enseña la cátedra Autocracia, interroga a sus alumnos sobre las posibilidades de que, en la Alemania actual, se pueda repetir un régimen de estas características, donde un hombre domina a sus anchas sobre el resto de la población. Los alumnos responden con escepticismo, convencidos de que tal sistema ya no tendría cabida entre ellos, dada la dinámica de la vida moderna y las libertades y potencialidades de que gozan.
El profesor propone un experimento para demostrar la factibilidad o no de un gobierno de este tipo entre ellos, en el transcurso de las clases. Con sutileza les alienta a descubrir los beneficios que la unión, la disciplina y el respeto a las órdenes del líder pueden producir en la dinámica de los integrantes. Los jóvenes se entusiasman y en este accionar, que se inicia como una broma, terminan involucrados con convicción, con fe, en ese proyecto que (partiendo de ese pequeño instituto) cambiará el destino de su nación ¿Les suena?. Poco a poco comienzan a segregar a aquellos que se alejan de la clase y, en clara labor proselitista, se animan a ganar voluntades, a sumar a otros alumnos (se trata de una cátedra electiva). El profesor propone cambios cada vez más pronunciados, la utilización de un nombre, un lema, un uniforme, por ejemplo, mientras los alumnos suman otras identidades como un saludo, un logo (con el que invaden el entorno), etc.
La Ola (Die Welle, Alemania, 2008), de Dennis Gansel, está basada en la novela homónima de Todd Strasser, que a su vez está inspirada en un experimento llevado a cabo por un profesor de nombre Ron Jones en una escuela secundaria de Palo Alto, California, en 1967.

Sin ejemplos a la mano para revelar el por qué los ciudadanos alemanes habían permitido o tolerado la exterminación de sus semejantes judíos y de otros grupos, Jones recurrió a una serie de recreaciones simples (orden, aquiescencia) que pronto ganaron el estímulo de sus alumnos en torno a un movimiento que llamó “La Tercera Ola” y se encargó de persuadirlos de que revolucionaría al mundo. Antes del quinto día el experimento ya se le había escapado de las manos y fue obligado por sus superiores a abandonarlo. El caso es tan delicado que es poco lo que ha salido a la luz pública desde entonces, salvo las notas que dio a conocer el propio Jones años después. El feedback de los alumnos ha sido prácticamente nulo.
Ahora, si bien el argumento (tanto del caso como del film) me es caro y atrayente, por esto mismo me creé ciertas expectativas que, de antemano, esperaba se cubriesen. Como venezolano, como sudamericano, la temática es todo menos ajena y mucho menos fantástica.
El principal problema que exhala la estructura del film es su verosimilitud: la transformación de los personajes no es del todo creíble. El quórum no lo facilita, tampoco la acelerada dinámica del montaje. La mayoría de los chicos son tontos (o actúan como tales), irreflexivos y sin expectativas. Y los pocos que comparten cierta estatura intelectual son unidimensionales y carecen de seguimiento dramático. Entonces lo que proponía el experimento real, de Ron Jones, se pasa por alto.
El interés psicológico, social y antropológico del argumento se diluye en meras anécdotas, convirtiéndose por momentos en una peliculilla de gángsterismo estudiantil del tipo El Sustito o Al Maestro con Cariño (con el perdón de esta última). Los matices del experimento se diluyen, desdibujados en la propia dispersión de los personajes y sus fines, en especial del profesor, quien se “pierde” en buena parte del metraje y de quien cada vez sabe menos. El desenlace resulta efectista y vacío.
Pero la conclusión final, que el film no logra formular de un modo convincente, es, si en sociedades avanzadas, de libertades y satisfacción social comprobadas, aún es posible generar satrapías, qué quedará entonces para países pobres, en donde las aspiraciones y frustraciones de sus habitantes son más fáciles de confundir y manipular. ¡Creo que no es necesario dar ejemplos sobre esto!

Die Welle (Alemania, 2008)
Dirección: Dennis Gansel
Guión: Dennis Gansel y Peter Thorwarth
Productor: Christian Becker
Música : Heiko Maile
Fotografía: Torsten Breuer
Montaje: Ueli Christen

Charles Laughton, el Más Grande de los Actores!

2009-07-01T21:17:00.015-04:30

A continuación transcribo un extracto de la biografía de Billy Wilder, en la que el director austríaco se refiere con no poca admiración al trabajo y legado del inmenso actor Charles Laughton, a quien debemos, además, la dirección de una sola película: La Noche del Cazador (Usa, 1955), la pesadilla más hermosa jamás filmada. Obra maestra proscrita por años, su fracaso y condena inicial contribuyeron al decaimiento anímico de Laughton y lo persuadió de continuar su carrera tras cámara (aunque no disminuyó su demanda interpretativa). Hoy, 1ero. de julio se cumplen 110 años de su nacimiento. El siguiente texto es una memoria de Wilder, que bien recrea la relación de amistad y admiración que los unía, pero también representa un fragmento de esa extraña dinámica de trabajo que sobrellevaban.

"..., sigo afirmando que para mí Charles Laughton fue el mejor actor. En 1957, durante el rodaje de Testigo de Cargo, todas las tardes a las seis nos sentábamos juntos, decidíamos qué escena rodaríamos al día siguiente, y establecíamos su desarrollo. Después Laughton entraba en mi despacho y mientras tomábamos juntos una copa me decía:
"-La escena que queremos rodar mañana me parece que es muy importante. Tengo este monólogo. Y se me ha ocurrido una idea. ¿Qué te parece si...? -Y empezaba a representarme esa escena. Brillante.
"Cuando terminó le dije:
"-Bien, lo haremos así.
"Y después de una pequeña pausa Laughton me dijo:
"-De todas formas, creo que...
"Y de nuevo empezaba a interpretar la escena. Esta vez era una versión completamente distinta pero todavía más convincente.
Y cuando terminó me preguntó:
"-¿O deberíamos hacerlo así?
"Yo dije:
"-Así está muy bien. Mañana la rodaremos de esta manera.
"Y no exagero, esto se repetía hasta que me había interpretado veinte versiones de una escena y todo sin cambiar ni una sola palabra del texto. Cada una de sus interpretaciones era una versión más enriquecedora -o por lo menos, una interesante variante- con respecto a la anterior, hasta que le dije:
"-Bueno, evidentemente, esta es la mejor solución y es la que vamos a rodar mañana definitivamente. No la olvides.
"A la mañana siguiente, antes de que empezáramos a rodar, se me acercó, me llevó aparte y me dijo:

"-Esta noche se me ha ocurrido algo más, he pensado otra cosa, creo que podría ser todavía más efectiva.
"Me la representó y tenía razón, era todavía mejor. Laughton podía hurgar en su talento como un niño feliz en una caja de juguetes llena a rebosar.
"Naturalmente, también puede ser terrible cuando un actor durante el rodaje se te acerca y de pronto tiene una idea. No te has esforzado durante meses escribiendo un guión para rechazar de entrada lo elaborado con tanto esfuerzo a causa de una tontería espontánea. Pero en el caso de Laughton esto era completamente distinto. Laughton era un caso afortunado del actor que constantemente está a pleno rendimiento., que constantemente está en un estado de máxima tensión y excitación interpretativa. Y a partir de todo este desbordamiento me ofrecía sus versiones. Esto es lo más bonito que le puede pasar a un director.
"Es mucho más frecuente encontrarse con el otro extremo: es decir, con el actor que es tan modesto, tan tímido, que no aporta nada de sí mismo. Y a un actor de este tipo, primero hay que encenderlo.
"Claro que el modo de interpretar de Laughton también suponía peligro. Como director había que estar muy alerta para poder frenarlo a tiempo, porque constantemente iba to the hilt, lo que significa que clavaba la espada hasta la empuñadura en su papel. Cuando alguien está tan temerariamente dispuesto a llegar hasta el extremo, hay que vigilar que no se estrelle. Pero para eso está el director. De todo lo que Laughton me proponía, con frecuencia tenía que quitar hasta el setenta por ciento, porque a menudo era demasiado.
(...)
"Cuando cinco años más tarde, en 1962, empecé a planear Irma La Dulce, quise tener para el tercer papel protagonista, el del encargado del bistrôt Moustache, a Charles Laughton. Pero Laughton en aquella época ya estaba marcado por la muerte. Tenía cáncer. Poco antes de su muerte me recibió en su casa. Estaba sentado a la sombra, se había maquillado de un tono rosado y cuando me acerqué se levantó y se me acercó charlando, como si aquel hombre gordo, con el rostro arrugado, quisiera demostrarme con su agilidad lo recuperado que estaba. Interpretaba el papel del hombre sano o convaleciente a la perfección... con demasiada perfección. Lo hacía de un modo casi exagerado. Quería hacerme creer que al cabo de poco tiempo volvería a estar en situación de interpretar el papel del encargado del Moustache. Lo que realmente me demostró fue su inmensa fuerza de voluntad. El admirable egoísmo de un actor que quiere actuar a cualquier precio. Fue su mejor papel. Poco después murió."

Extraído del libro Nadie es Perfecto, Billy Wilder con Hellmuth Karasek, Editorial Mondadori, 1993.

Cesó Michael Jackson. Su "Thriller" Continúa

2009-06-26T19:41:00.010-04:30

La noticia se regó y conmocionó al mundo entero. Apenas han pasado unas pocas horas y lo que al principio parecía otra tomada de pelo, al final tomó forma: sí, era verdad, El Rey ha muerto, salve.
Hemos pasado el día bailando sus canciones, en una suerte de oración desprovista de liturgias almidonadas.
Algunos se empeñan en continuar recordando sólo su faceta desdichada, de la cual nunca se llegó a comprobar nada y que sólo sirvió para vender tabloides sensacionalistas, enriquecer a un par de familias oportunas, rebanarle unos cuantos millones a MJ y oscurecer su imagen pública. Algo que no deja de ser paradójico porque su figura, la física e íntima, él se enfocó en aclarar hasta niveles donde el brillo se disipa. Su blancura última fue palidez vital, lamentablemente.
Por el contrario, su recorrido artístico es fulgoroso, disruptivo, iluminador y creativo. Fue un ser que nació de envión hacia el estrellato, saltándose su propia vida personal (que en secreto siempre añoró). Su carrera es una hermosa confirmación de lo que genera el talento, disciplina, energías y sensibilidad bien enfocadas.
Cesó un grande, qué duda cabe. Un tipo con debilidades y contradicciones como todos pero, para fortuna de sus seguidores, su legado supera con creces cualquier discusión en torno a su vida privada. Su presencia, música y bailes permanecerán. Así como sus vídeoclips que, con su irreverencia y convicción, logró elevar al grado de arte. Y por encima de todos, sin duda, Thriller, un chispazo que surgió de la cabecita de Michael (que él mismo pensó en financiar cuando ni la Sony ni nadie creía en semejante atrevimiento y que después de muchas vueltas MTV decidió costear), un proyecto inmenso que el pulso de John Landis transformó en una joyita, en una época en que no todo era válido, pero empezaba a serlo…

R.I.P. Michael: Ritmo, versos e imágenes por siempre.

Thriller (USA 1983)
Dirección: John Landis
Producción: George Folsey Jr.
Guión: John Landis, Michael Jackson
Reparto: Michael Jackson, Ola Ray
Duración: 14 min.
Presupuesto: $800.000

UP, Un Viaje a lo Mejor de uno Mismo

2009-06-15T20:08:00.004-04:30

No hay mejor época para echar a andar los sueños que esta, la de nuestro presente. Unos meses atrás refería Sobre los Giros y las Crisis que atravesábamos, de los cuales el cine, me daba la impresión, se estaba haciendo eco. Si no hemos tocado fondo, al menos ya llevamos tiempo transitando un período que parece de sincera revisión. Hay una suma que parece estar dando resultados (al menos en el universo cinematográfico): el hombre sueña pero se distrae con el rumbo prefijado, el hombre fracasa, descubre que no existen vías directas al éxito, el hombre se cuestiona y, finalmente, se entrega para alcanzar su sueño.
De los episodios cotuferamente cuestionadores de Michael Moore, pasamos a los pellizcos exultantes de Al Gore y a los (ya) rutinarios documentales anticalentamiento global. Por el lado de la ficción, la empalagosa comedia romántica accede cada vez más al mundo de los desencantos e, incluso, películas inofensivas como Enchanted (Kevin Lima, USA, 2007) o Yes Man (Peyton Reed, USA, 2008) proponen algunas interrogantes acerca de los (des)propósitos del mundo real.
En el imprescindible film noruego Den Brysomme mannen (The Bothersome Man, 2006) de Jens Lien, un hombre salido de la nada es invitado a vivir una rutina amable en una hermosa ciudad, con una mujer, un hogar, un trabajo y todas las necesidades y satisfacciones cubiertas, algo que termina resultando perturbador debido a lo invariable, súbito y poco emocional. El protagonista puede decir, con Kundera, que “La vida está en otra parte”. Lo mismo que, con su insólito viaje, nos sacude el señor Carl Fedricksen, personaje central de la fascinante UP (Pete Docter y Bob Peterson, USA, 2009), la última cinta de la célebre casa de animación Pixar en alianza con Walt Disney Pictures.

Fedricksen pasa de ser un niño tímido y soñador a un adulto consecuente y, por último, a un anciano amargado que ha visto cómo el sueño de explorar y vivir las aventuras añoradas en la juventud, se fue postergando por la avasallante dinámica de los días.
Nostálgico por no haber cumplido con esta meta (de la que era chispa importante su amada y fallecida esposa), Fedricksen se ve absorbido por la rutina que lo vuelve un ser cada vez más resentido, capaz de acciones reprochables hacia los demás. Hasta que un día, con el atrevimiento que ganan los años y la soledad, decide echar a andar la insólita travesía. Miles de globos le sirven para transformar su pequeña casa en una suerte de dirigible que le llevará hacia su anhelado destino: las cataratas Paraíso, en el confín del mundo. Pero el viaje lo tendrá que realizar en compañía de un inesperado tripulante: un simpático y eficiente niño explorador que, por equivocación, queda adherido a la cubierta de la particular nave.
A partir de este punto se sobreviene un largo y divertido periplo por paisajes asombrosos y situaciones contrastantes, dotadas de humor, ingenio y emotividad.
A pesar de que no rehuye de ciertos tópicos y tipologías del cine animado (El niño parlanchín atosigando al anciano ostracista y receloso, el ensueño del espectro natural versus el estancamiento urbano) el origen puramente emocional de UP permite que el delirante viaje que se fragua nunca decaiga (y nunca deje de asombrar), sino que por el contrario incremente su interés en la misma medida que las acciones se tornan más frenéticas. Porque, al final de cuentas, el film no trata de una insólita travesía en globo hacia un mundo remoto, sino de una suerte de purificación del ánimo ennegrecido por no (creer) haber cumplido las metas propuestas en la juventud. Aborda el reencuentro con la fibra más esencial del humano, la apertura a nuevos afectos (sin que esto signifique la renuncia a los vínculos del pasado).

Mención aparte al excepcional trabajo técnico de color y animación y muy especialmente a la hermosa y fiel recreación de los tepuyes guayaneses donde (quien hemos tenido la fortuna de haberlos visitado) podemos identificar sin dificultad las cumbres y recovecos del Roraima y el Kukenán, reflejadas con brío y esbeltez.
En UP tenemos una hermosa muestra de sensibilidad y acción, de colorido y vértigo, pero también de intimidad y pasión, de esperanza y alegrías. Un desinhibido canto a la excepción, a la posibilidad de que la vida, en efecto, siempre puede estar aguardándonos en otra parte, en un mundo, en un tiempo mejor.

UP (USA, 2009)
Duración: 96 min.
Dirección: Pete Docter y Bob Peterson
Guión: Bob Peterson
Música : Michael Giacchino
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures
Web Oficial: http://Disney.Go.Com/Disneypictures/Up/

Día de Confesiones y Chick Flicks

2009-06-08T20:05:00.011-04:30

Hace unos días el escritor Javier Marías manifestaba su asombro al enterarse de los hábitos dominicales de su amigo, el exitoso periodista y narrador, Arturo Pérez Reverte. La sorpresa era mayúscula porque había sido declarada por el propio Alatriste en su columna de opinión. Esto era precisamente lo que pasmaba a Marías, lo irreversible de toda confesión pública. No tenía nada en contra de los ritos vulgares, pero sí contra el acto de divulgarlos atrevidamente. ¿Qué idea se harían ahora los lectores al saber que su encumbrado ídolo suscribe rutinas triviales como desayunarse con crispies, leer revistas del corazón y revisionar filmes edulcorados como Las Cosas del Querer, de Jaime Chávarri?
La respuesta de Pérez Reverte fue una suerte de divertido encogimiento de hombros que remató con la frase “Tienes razón. Voy a llevar más ojo, me estoy amariconando”.
Lejos de prestarse a ánimos inquisitorios, Marías apelaba a la confesión de su amigo como pretexto para evocar, con cierta indulgencia, algunos de sus gustos más “impropios” y una que otra justificación (como que el gran poeta americano John Ashbery se entretenga en ocasiones con ridículas Chick Flicks de los cincuenta).
“Chick Flick” es una suerte de categoría cinematográfica en la que se cuentan aquellas películas que poseen contenidos empalagosamente graciosos y/o melodramáticos, cuyo propósito fundamental es despertar la fibra más cursi de las féminas. La clasificación posee una alta connotación peyorativa y, en nuestras calles, sonaría algo así como películas de jevitas, de mamis. La telenovela venezolana, que bebe del drama y la comedia más meliflua, es sin duda una versión auténticamente latinoamericana de las hollywodenses Chick Flicks que tanto apenan y entretienen por igual.

La meca californiana destina anualmente una enorme cantidad de recursos a la fabricación y reinvención de Chick Flicks. Se trata de filmes de no muy elevado presupuesto, fácilmente mercadeables y consumibles, por lo que su rentabilidad es con frecuencia bastante propicia. La carrera de figuras de la talla de Audrey Hepburn, Doris Day, Julia Roberts y más recientemente Reese Whiterspoon, se ha erigido gracias a esta especie de subgénero, del cual (hay que decirlo) también forman parte grandes obras cinematográficas.
En este enlace se puede revisar un curioso Top Ten de Chick Flicks publicado por Msn Movies. En filmsite, Tim Dirks propone, en un extenso documento, los 50 films más memorables en esta categoría.
Por supuesto, declararse aficionado de Sabrina (Billy Wilder), Thelma & Louise (Ridley Scott) o It Happened One Night (Frank Capra), por citar algunos de los filmes que se encuentran en los listados, no es algo que amerite un acto de contrición. Sin embargo, a diario nos encontramos en la programación de la TV con Chick Flicks recurrentes, exasperantes algunas y otras sencillamente irrenunciables. En mi caso, cada vez que me topo con Along Came Polly (Mi Novia Polly) de John Hamburg, 13 Going On 30 (Si Tuviera 30) de Gary Winick, ó 50 First Dates (50 Primeras Citas) de Peter Segal, se me hace muy difícil resistirme. Pero no sé si se trate de una confesión deshonrosa, porque al final de cuentas me parece que se trata de filmes divertidos, eficientes y, particularmente 13 Going On 30, interesantemente diseñados, a pesar de sus flaquezas argumentales y sus liviandades emocionales.

Hacia el final del artículo mencionado, Javier Marías se cuestiona con cierta aprehensión “qué hace que nos gusten cosas que sabemos que son mediocres o malas, y qué nos lleva a callar ese gusto”. Quizás con mucha distancia (o no) con este célebre autor, la mayoría de las personas, por más selectivos o corrientes que nos consideremos, siempre guardamos recelo hacia ciertas costumbres o gustos que, a pesar de considerarlos deficientes o cursis, igual nos atraen. A toda costa tratamos de esconder estas inclinaciones para evitar quedar expuestos ante el “mundillo” con el cual interactuamos. En un hilarante capítulo Jerry Senfield evitaba a toda costa someterse a una prueba de polígrafo por temor a que quedase expuesta su afición a Melrose Place.
Nadie es inmune a ese temor de quedar en evidencia, de franquear esos límites que, creemos, nos “condenarían” (por desfigurarnos frente a los demás o peor aún ante nosotros mismos). Posiblemente sea algo que necesitemos, esa óptica diversa que articula la complejidad de la existencia. Javier Marías refleja esta inquietud con bastante acierto: “Quizá todos necesitamos ser vulgares al menos un rato al día, y sentirnos masa, y en compañía abundante, para ayudarnos a entender el mundo y por tanto a nosotros mismos, que nunca somos tan distintos unos de otros.”

Enlaces sobre cultura Chick Flick:

Chick Flick's Kisses
Memorable and Great Chick Flicks
Top 10 Chick Flicks

Neighbours, de Norman McLaren

2009-05-27T22:45:00.004-04:30

El mundo no parece andar muy bien por estos días. Intolerancia, disputas entre países, amenazas de (una nueva) carrera nuclear, hambre, miseria, insatisfacción. Lo triste (y patéticamente reconfortante) es que si echamos una mirada al pasado veremos que la situación tampoco estuvo mejor.
El gran problema de nuestro planeta no es el calentamiento global, el deterioro medioambiental o la crisis económica. El gran "asunto" somos nosotros mismos, el mayor enigma a resolver, la causa de todos los males (aunque, afortunadamente, también la fuente elemental de soluciones).
El desafío histórico que debemos afrontar no es asimilarnos a ambiciosas ideologías o a proyectos políticos "trascendentales" que pregonan la reversión de esta lamentable realidad que a diario soportamos. Descreo de las causas masivas por deshonestas y arrogantes. La mayor gesta es aquella que se fragua en el día a día, con convicción, con tenacidad, con trabajo. Es la valentía de quien se enfrenta a la cotidianidad con herramientas nuevas pero con voluntad heredada e inquebrantable. Como la del realizador escocés Norman McLaren (1914-1987), insigne investigador y renovador de la animación cinematográfica.
McLaren pertenece a la estirpe de los trabajadores incansables, obsesionados con la creación y la (benévola) modificación de su entorno. Experimentador sensible y dedicado, su legado fílmico no sólo postula la maravilla técnica sino una sincera intención altruista, desposeída de rasgos panfletarios y enfocada en la transmisión de, más que ideas, paisajes de emoción y pensamiento, como el recreado y representado en Neighbours (Vecinos), el corto de animación que da pie a esta reflexión.
En apenas ocho minutos Norman McLaren logra retratar la estupidez humana, propagadora de envidia, intolerancia y, finalmente, enfrentamiento y odio. Una lección de sensatez configurada mediante un ritmo ingenioso y creciente que oscila entre la fascinación visual, una entretenida puesta en escena y un sabio (y contrastante) mensaje de hermandad. La musicalización también corrió por su cuenta, “pintada” directamente en la película (sonido sintético) con paciencia y mucho sentido de la cadencia sonora.
Neighbours es un hermoso documento visual, antibélico, bastante vigente para estas fechas en donde todo parece andar (continuar) muy mal. El noble legado de un hombre sencillo, empeñado en evocar belleza, emotividad y humanidad.

Neighbours (Canadá, 1952)
Guión, Música y Dirección: Norman Mc Laren
Productora: National Film Board of Canada (NFB)

Neighbours fue reconocido con los premios Oscar y Canadian Film Awards.