Filosofia de Repartição

A verdade dói

2015-04-23T15:46:00.000-07:00

Levou um tapa na cara assim que falou aquilo.

- Você vai aprender a me respeitar, moleque.

- Mas, mãe, eu só disse que você anda chata pra caralho. É verdade! Olha aí o tapa pra com--

E mais um bofetão, nem bem terminara a frase. No maior estilo Dona Florinda. Ficou sem entender o porquê de ter sido tão sincero com a mãe, assim de repente.

- E, João Guilherme! Não quero ouvir mais um pio! Sai da minha frente.

Era sério aquilo. Poderia lhe trazer problemas. Geralmente, falava a verdade pra provocar, ferir, magoar. Era assim que funcionava, não é? O tal do "jogar na cara". A verdade como carta na manga. Mas, por outro lado, dita assim sem segundas intenções, abria uma série de novas possibilidades.

E foi tentar na escola também.

- Professora, eu não fiz a lição porque acho matemática uma bosta.

- Então, Leonardo, que tênis de gay pobre é esse seu aí.

- Vanessa, cala essa voz desgramada sua, que ninguém é obrigado a ouvir.

- Tia Lurdes, lava a mão antes de me dar o salgado, que eu não sei onde você tava enfiando ela.
- Sim, eu gosto do Rodrigo Constantino.

Aquilo tudo tava bem divertido, uma sensação boa de liberdade e potência. Cada vítima de suas verdades tinha as próprias mentiras para se preocupar. Ninguém tinha armas o suficiente para revidar. Ou talvez fossem seus 1,70 metros, no auge da explosão hormonal, que botassem certa banca.

E continuou assim o dia inteiro. Até que encheu o saco. Precisava de desafios maiores, mais adrenalina. Talvez enfrentar alguma resistência, testar reações. Foi para a sala do diretor.

- Então, dr. Emival... Tô num humor especialmente bom hoje, dai queria pedir pro sr. não incomodar as aulas hoje. Não aparecer nas salas dando aviso, nem nada. É ruim pra desgraça, ninguém gosta, e não ajuda nada.

O diretor encarou o adolescente, meio incrédulo.

Depois da diretoria, ainda abordou o Roberto bedel, fez uma reclamação contra a turma da limpeza na coordenação e bombardeou alguns alunos novatos que jogavam bola no pátio. Atirava verdades cada vez mais recheadas de palavrões e inconveniências, sem calcular preço ou impacto.

No fim do dia, cansado mas satisfeito, dobrou o corredor rumo ao portão da saída. Já planejava o dia seguinte, distribuiria dardos despretensiosamente venenosos logo cedo pela padaria. Percorreria pontos de ônibus, drogarias, faria um tour pela cidade pra sentir a reação de estranhos. Conquistaria grandes aglomerações - cinema, shopping, estádio de futebol. Quem sabe, algum estúdio de televisão. Por fim, atacaria a própria família. A fronteira final.

Antes de chegar ao fim do corredor, entretanto, num canto especialmente escuro, levou uma gravata por trás. Não viu quem era, mas um sujeito gordo cheirando a vicky vaporub o jogou no chão e chutou suas costelas. Levou diversos socos no estômago e no rosto. Sentiu a cusparada quente no rosto. Pisando na sua mão, o gordo camuflado aproximou-se do ouvido do garoto:

- Então... seu porra! Tu é um desgraçado filho da mãe. Tá se achando bonito demais? Tu é um escroto. Ninguém precisa das suas verdades não. Enfia um pouco de educação nessa sua bunda fedorenta e tenha mais respeito pelos outros. Senão amanhã vai apanhar de novo.

A sombra obesa sumiu no corredor.

João Guilherme catou o que restou da dignidade no chão e foi embora pedir desculpas para a mãe.

O Vinil

2015-04-22T15:40:00.002-07:00

Quando eu era criança, acho que ali pelos 8 ou 9 anos, me lembro bem de ficar namorando por horas e horas a capa do LP do "Jiban - O Policial de Aço" que rodava no toca-discos. Também me lembro da minha mãe colocando o Edson Cordeiro pra cantar com a Cássia Eller ("Como assim? A voz fina é de um homem? E a grossa, de uma mulher?"). O Jordy com o "cococi, cocoçá", e a turma da xuxa nos aniversários. Vinil comandava.

Veio o CD. Curiosamente, o primeiro lugar que teve aparelho toca CDs lá em casa foi no carro. O aparelho para dentro de casa era caro demais! E os primeiros CDS comprados, coletâneas do Bach, Mozart e Vivaldi. Seguidos da trilha sonora dos Cavaleiros do Zodíaco. O toca discos foi sendo deixado de lado, mas só lembro de os meus pais doarem o aparelho uns 5 anos depois. A fita K-7 e os walkmans duraram mais, por causa do preço e por serem, durante um bom tempo, as únicas mídias graváveis.

A verdade é que, apesar de o toca-discos ter ido embora, os bolachões continuaram guardados. E, vez ou outra, esbarrando num deles, eu ficava me lembrando daqueles refrões do Jiban, Jaspion e Xuxa. Como é que aquilo produzia som? Quanta diferença para o som límpido e cristalino do MP3. Hoje, ainda temos música direto da nuvem, masterização própria para o iTunes, coisa fina.

Dai, ali pra 2006 mais ou menos, invoquei com LP de novo quando, passeando pelos "pregos" de Campinas com meu pai e meu irmão, vimos um cara vendendo um aparelho Phillips completo por R$80,00. Aquilo era acessível até para mim, bolsista estagiário da Defensoria Pública. Levamos pra casa.

Ressuscitei os velhos bolachões - e olha que tinha bastante coisa bacana, aprazível a ouvidos mais amadurecidos, já que a turma da Xuxa e o Jordy soavam, agora, bem fracos (menos pela idade do que pelas guitarrinhas metal-melódicas). Cavouquei uns Deep Purples, John Lennons e Miltons Nascimentos da minha mãe... eu lembrava do Kraftwerk também. Não achei o do Edson Cordeiro.

Uns tempos depois, atravessei a Rua 4 um dia com a Marina e achei muita coisa boa a R$10, R$15. Comprei a discografia do Guns, o Black Album do Metallica, mais da metade dos discos do Lobão. Legião Urbana. Engenheiros quase tudo também. A Marina pegou uns do U2. Preço de banana! Levei muita coisa boa pra complementar a discoteca. E, como o preço era muito bom, dava pra conhecer algumas coisas novas tb, arriscar porcarias. Peguei um duplo da Madonna muito bom - The Immaculate Collection. Mas ainda tava naquele lance de saudosismo e preço baixo.

Até que em 2010, em São Paulo, visitei a loja da Baratos Afins, na Galeria do Rock, e aí a coisa subiu de nível. Eu nem sabia que existia, mas comprei um LP do B.B. King LACRADO! Nunca antes tocado. Aquilo parecia uma máquina do tempo, direto para os anos 80. Acho que morri nuns R$50,00, também por causa do B.B.King, mas muito mais pela curiosidade de tirar o lacre de um LP em plenos anos 2010. Um ano depois, arrematei pelo mesmo valor o "Exile On Main Street" dos Stones, duplo mas usado, na feira livre do MASP. Devagarinho, aquilo ia virando mania.

Casei e juntei minha coleção com a da Marina - que, na verdade, eram coleções dos meus pais e dos pais dela. E hoje, já fiz uma lista de uns 30 discos que quero adquirir - clássicos - pra compor minha estante. De preferência, lacrados (na verdade, depende mais do bolso do cliente).

Sabe qual o problema? Uma galera redescobriu o vinil também, por motivos diversos. Virou meio modinha - sem querer desmerecer ninguém. E como a industria do vinil parou lá nos anos 80, o maquinário é o mesmo, a produção bem pífia, o preço subiu demais! Com as 50 pratas que eu paguei no B.B.King, hoje, eu não consigo nem um usado do Roberto Carlos. Outro dia, vi alguns álbuns usados do Capital Inicial a $100 lá no "Páginas Antigas", no centro - os mesmíssimos discos que eu tinha manuseado a $15 há 5 anos atrás.

Mas e aí? Vinil é melhor que CD? A modinha se justifica?

O fato é que a mídia digital traz o som convertido de bits, dados. Por mais cristalino que seja, dizem que não possui o “espectro” auditivo completo, seria um som mais frio. O vinil, por sua vez, seria um som mais quente. A agulha, em contato com os sulcos do vinil preto, produziriam o som completo, sem lacunas (o que valorizaria, dentre outras coisas, os graves originais). Quase que como um instrumento musical em si mesmo. O mais próximo possível do som gravado originalmente em estúdio. Na teoria.

Argumentos prós e contras não faltam. E eu fico me perguntando: E DAÍ?

Acho chato pra caramba que a maioria das coisas virem times de futebol. Não bastasse a encheção de saco da política (“A culpa não foi minha, eu votei no Aécio” dãããã), agora gostar de vinil significa renegar o CD. E curtir MP3 significa rechaçar todo o anacronismo dos bolachões. Torcidas organizadas pra todo lado.

Acho que o meio - digital ou analógico - continua sendo meio. Transmitem sensações diferentes e, por isso mesmo, devem complementar-se (de preferência, que não se tornem o fim em si mesmos). É impossível botar o vinil pra tocar no carro, a caminho do trabalho. Na minha opinião, a ocasião é perfeita para uma playlist selecionada, diretamente do smartphone ou do pendrive. CDs foram feitos para carros! Igualzinho ao primeiro toca CD da minha família. O trajeto é curto, o tempo nem tão longo, a atenção precisa estar dividida... e dá pra ouvir só as faixas preferidas, se for o caso.

Por outro lado, o vinil traz a sensação de obra completa. É para ser ouvido sem pressa, sem a necessidade de pular de faixa - cada uma em seu lugar, com antecessoras e sucessoras. Olhando o encarte, acompanhando a letra… ou mesmo em estado de absoluta contemplação - do tempo, dos instrumentos musicais, da mixagem. Escutar "Muros e grades", do Engenheiros, é fenomenal. Mas sacar ela no contexto que é o "Várias Variáveis" faz a coisa mudar de panorama. O mesmo caso de "Division Bell", do Pink Floyd, com todas aquelas transições de faixas. O que não tira o prazer de ouvir "High Hopes" isoladamente, do primeiro ao último sino. Mas são prazeres diferentes.

Sim, até dá pra fazer isso com o CD também. Mas qual foi a última vez que você fez isso? E a questão aqui vai além do que seja “útil” ou “possível” fazer. Eu tô falando do quê que te dá prazer. Você prefere tomar vinho no copo americano, ou na taça de cristal? Aquele chopp fica melhor no copo plástico, ou na caneca gelada?

Ainda tem toda uma discussão sobre os prós e contras do que o Steve Jobs fez com o mercado fonográfico, aquele lance de comprar músicas separadas faixa a faixa, a modernização do conceito de “singles”, as paradas musicais virtuais… E o vinil com isso. Mas isso é questão pra outra hora.

Uma História de Duas Cidades

2014-07-21T19:33:00.002-07:00

É engraçado como, assim como pessoas, também cidades que param no tempo parecem carregar o peso dos anos. As agonias de questões mal resolvidas, dramas, melancolia e tudo mais... As "poleis" respiram como nós.

Voltei a Anicuns há uns meses atrás, onde morei quando tinha uns 11 ou 12 anos de idade. Saí de lá triste, melancólico, porque a cidade parecia abandonada! Não abandonada de gente, mas abandonada das pessoas que moravam lá quando eu também morava. Os prédios e casas eram os mesmos de 18 anos atrás, mas sem escolas funcionando, academias, vizinhos, vendedores, professores. Eram fantasmas de concreto. Pouca coisa mudou em todo esse tempo - talvez pela proximidade de Goiânia (cerca de 1 hora de carro). Não sei.

E essa semana, voltei a Posse, onde morei quando tinha 10 anos. Apesar de todos os dramas pessoais de conhecidos meus que viviam aqui, a cidade não parou. Dá pra reconhecer muita coisa de 19 anos atrás, mas as vendinhas viraram supermercados! As escolas se desenvolveram! Ruas novas, praças novas, prédios novos! Lotes antes baldios agora ostentam pizzarias, escritórios. Existe gente crescendo e fazendo as coisas diferentes por aqui. A cidade parece jovem, atlética, bem disposta! É uma cidade com personalidade própria, que não precisa da minha infância para existir - talvez, ao contrário de Anicuns. Eu moraria aqui hoje, tranquilamente (exceto pela distância de quase 600 km de Goiânia). Pelo meu sentimento quando fui a Anicuns, imaginei que, quando voltasse a Posse, me sentiria bem pra baixo. Pelo contrário! Bate uma saudade boa da infância - bicicleta, goiaba, acampamentos, futebol, a sequencia mágica da TV Cultura (Os Anjinhos, Castelo Rá-Tim-Bum, O Mundo de Beakman e Doug/Tim Tim). Mas não vi fantasmas.

Ainda bem porque, pelo "timing", não seria uma boa hora para se apegar ao passado.

Dia Brasileiro do Rock

2014-07-13T09:47:00.001-07:00

13 de Julho, Dia Mundial do Rock.

Combinaram esse dia porque o primeiro Live Aid foi organizado em Londres nessa data, em 1985, com o objetivo de arrecadar fundos para o combate à fome na Etiópia. Mas deu tanta gente bacana, tanta banda foderástica, que o significado foi ampliado. Elvis Costelo, Sting, Bryan Ferry e David Gilmour, U2, Dire Straits, Queen, The Who, Zeppelin, Clapton, B.B. King, Elton John, Paul McCartney, Keith, Mick e Ronnie dos Stones... O Phill Collins lançou que a coisa deu tão certo, que aquele poderia até ser considerado como o dia mundial do rock. Deu a dica.

Junta-se a isso o fato de que a primeira apresentação dos Rolling Stones, no n. 90 da Wardour Street de Londres (o lendário Marquee Club), foi realizada na madrugada do dia 12 para o dia 13 de julho de 1962. Depois da deixa do Phill Collins, a galera toda não achou nenhum pouco ruim cravar a bandeira na data. Peso não faltava.

Agora, o interessante é que quem decidiu isso tudo não foi o Phill Collins, nem ninguém dos Rolling Stones. Ali no início de 1990, duas rádios do segmento rock paulistano (a 89 FM e a 97 FM - esta última, nos dizeres absolutamente fundamentados do Kid Vinil, atualmente traidora do movimento) resolveram jogar as palavras do Collins na pista pra divulgar suas programações e a coisa pegou!

Sim, senhoras e senhores! O Dia Mundial do Rock é criação brasileira! O "contra" disso é que só é comemorado no Brasil, hehe. A maioria dos outros países simplesmente ignora a data e não separa qualquer ocasião para celebrar os nossos heróis.

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Nessa mesma data, comemora-se o primeiro gol na história das Copas do Mundo, pelo jogador francês Lucien Laurent, o primeiro álbum do Sinatra e a segunda brasileira Miss Universo. No Brasil, ainda celebra-se nessa data o dia do Engenheiro de Saneamento, o nascimento do Estatuto da Criança e do Adolescente e do João Bosco.

Dia cheio!

=> Kid Vinil no Whiplash: http://whiplash.net/materias/news_861/111549-kidvinil.html

AC/DC sem o Malcom... será que dá liga?

2014-07-10T13:41:00.000-07:00

Quando eu ouvia falar em AC/DC, há uns 10 anos atrás, a única coisa que vinha na minha cabeça eram as calças atochadas do Bon Scott. Eu não conhecia quase nada - não sabia nem que Highway To Hell era deles, para ser bem sincero. Já conhecia uma boa parte da obra dos Rolling Stones, Led Zeppelin, Guns, Iron, Black Sabbath, e etc e tal... mas minha virgindade com esses australianos durou mais do que o recomendável.

Dai que nem fiquei constrangido quando, algum tempo depois, meu amigo Daniel Rodrigues me corrigiu, dizendo que quem tinha criado todos aqueles riffs fabulosos era o Malcom, não o Angus (eu achava que o Angus fazia tudo na banda). A gente fica de olho só no baixinho vestido de colegial, DESTRUÍNDO a Gibson SG, e esquece de reparar no outro baixinho tímido, mas com um potencial de destruição tão grande quanto. Tire o Malcom, e você tira os trilhos onde a Locomotiva Angus apita.

Daí que o AC/DC oficialmente declarou essa semana que finalizou os trabalhos de gravação do próximo álbum, ainda sem nome definido. Sem o Malcom.

Já é um pouco intrigante a banda ter conseguido continuar suas atividades desde que ele anunciou seu afastamento, no início do ano... Pra falar bem a verdade, nessa bagunça de informações desencontradas - de um lado, a imprensa decretando o fim do AC/DC, de outro, alguns membros da equipe deixando vazar a possibilidade de uma nova turnê em 2014 - o que eu consigo ver é Angus, Cliff e Phil totalmente silenciosos, imersos nesse clima melancólico pós-Malcom. Não é como se ele tivesse morrido, mas pôxa! Pro cara ter pedido demissão daquilo que foi seu projeto de vida, podemos temer por algo ruim.

Enquanto isso, Brian Johnson parece ser o único empolgado. Talvez um pouco além da conta. Vai saber.

Todo mundo sabe que quando Bon Scott (vocalista original) morreu, a contratação do Brian pareceu loucura - até que o quinteto ressurgiu com o excepcional "Back In Black". Estavam de volta, mas vestidos de preto. Os sinos batendo de modo fúnebre na abertura de Hells Bells, como num cortejo, finalizavam a homenagem a Bon. Mas dai agora o Brian aparece todo empolgado, dizendo que quer colocar o nome do novo álbum de "Man Down"? De um mau gosto tremendo. E, a meu ver, deixa a dúvida sobre as reais intenções do Johnson.

Não que o AC/DC tenha que parar. Dizem que o Steve Young, sobrinho dos irmãos Young, conseguiu suprir um pouco a lacuna deixada nas guitarras base. Mas daí para querer explorar a dor da família Young, criando essa pseudo-homenagem de mau gosto, como se o cara já estivesse morto? Vamos ver o quê que vira.

Torço para que o AC/DC não vire o projeto de um cara só, e que o Brian não contraia a famigerada LSD - Lead Singer`s Disease. Poucos se salvaram até aqui.

Link da notícia na Revista Rolling Stone Brasil:http://rollingstone.uol.com.br/noticia/acdc-conclui-gravacoes-do-novo-album/

Sobre "I Want You (She's So Heavy)", dos Beatles

2014-07-03T18:56:00.000-07:00

Depois que o rótulo de "Reis do iê-iê-iê" pegou, os Beatles poderiam muito bem ter vivido e sobrevivido o resto de suas vidas apresentando suas baladas marcantes, suaves, inocentes, com pouca variação instrumental. Se hoje existe uma galera que faz isso, sobrevivendo de beijos no ombro, camaros amarelos e a porcaria toda, imagina no caso deles, que haviam criado o suficiente para refazer o curso da história musical - ainda que, analisados hoje, hits como "Love me Do" e "She loves you" pareçam fracas em letras e arranjos. Eram figurinha batida nos #1 de rádios do mundo todo.

Mas o mais legal é que, rebelando-se contra a própria tendência que criaram, o quarteto de Liverpool se reinventou por diversas vezes. Em 1969 , a dupla Lennon-McCartney lançou essa coisa maravilhosa chamada "I Want You (She's So Heavy)", última faixa do Lado A (ou, como dizem alguns, 'Lado Lennon' - em contraposição ao Lado B/McCartney) do disco "Abbey Road", que ainda tinha "Come Together", "Something" e "Here Comes The Sun" (para não mencionar "Golden Slumbers" "Carry That Weight" e "The End"). Imagina gravar um disco desses!!

Essa canção abriu os trabalhos de gravação do disco que marcaria a última vez em que John, Paul, George e Ringo estiveram juntos em um estúdio.

Especificamente sobre "I Want You", existe, implícito na letra, forte influência de Yoko Ono e de heroína - ambas em início de relação com John Lennon. O resultado é considerado como a primeira música de heavy metal de todos os tempos - mas dá pra sacar também um bom punhado de rock progressivo e até uns fiapos de grunge à la Pearl Jam.

Escutando até o fim, incomoda muito a parada abrupta antes do fim. Incomoda mesmo! Tipo, "parou por quê, meu?" Causou polêmica na época, mas a edição final foi feita assim de propósito pelo Lennon (Ele teria pedido pra cortarem exatamente aos 7 minutos e 44 de música. Mas há quem diga que o rolo de gravação acabou, e ficou por isso mesmo), o que de certa forma reflete as ideias meio esquisitonas e inovadoras que pairavam.

Slash incluiu os riffs dessa música entre os 10 melhores de todos os tempos, segundo suas influências.

Lennon nos vocais principais. The Beatles, ladies and gentlemen.

I Want You (She's So Heavy)

Lennon / McCartney

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad, babe
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad, babe
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

She's so heavy
heavy, heavy, heavy, heavy

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad, babe
I want you
You know I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

Yeah, she's so heavy
heavy, heavy, heavy, heavy

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad, babe
I want you
You know I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

She's so"

Pois é... Pra quê?

2014-06-25T17:38:00.000-07:00

A Copa do Mundo chegou e, com ela, conforme previsto, a onda de protestos. Uma das poucas coisas em que não houve atraso. É engraçado notar que o brasileiro geralmente protesta da mesma forma que torce. Como o futebol é o esporte com mais força no país, acaba identificando-se, em cada manifestante, um torcedor apaixonado. De longe, ouvimos gritos de “ÔÔÔ, o Joaquim julgou! O Joaquim julgou!” ou “Arranja outro deputado pra votar na nossa linha”, “Fulano Ladrão! Porrada é a Solução!”. Rimas pobres, entrosamento momentâneo, ausência de profundidade. No fim, claro, xingam o juiz - ou a Presidenta - mandando-o ir para algum lugar obsceno.

Mais do que falta de criatividade e desrespeito, isso evidencia um ato falho desconcertante.

A mentalidade brasileira, quando se trata de discussão política, ainda beira o infantil. Não é à toa que o Romário hoje é deputado, o Sílvio Santos cogitou a carreira política (e, de acordo com as pesquisas da época, prometia dar trabalho na disputa presidencial) e que Ayrton Senna ganharia qualquer eleição fácil, para qualquer coisa a que se candidatasse. Ou que, mais recentemente, muita gente queria ver o Ministro Joaquim Barbosa como chefe do Executivo – sem perceber que ele já era um dos três maiores líderes da nação. Somos o país da novela e do futebol. Nossos pontos de vista se dividem entre os a favor do herói e os contra o vilão. Time nosso, contra time adversário. E se resume a isso: um “maniqueísmo jardim de infância”. O lado bom é santo e deve ser presidente do país (seja ele carteiro, escritor, jogador de futebol, piloto de F-1 ou apresentador de programa de auditório). O lado mau é o de quem discorda (nunca é o seu!), e deve morrer, ir para o inferno, ir tomar em algum lugar (ou ser xingado de reacionário, esquerdinha, coxinha, “direitona”, marginal, vândalo, etc – o que quer que essas palavras signifiquem, na cabeça de quem xinga). Não existe meio termo e isso, infelizmente, acaba com qualquer discussão.

Não que não existam motivos para críticas e manifestações. Principalmente em se tratando de Copa do Mundo. Análises superficiais sobre todo o processo que envolveu desde a escolha do Brasil como sede até a festa de abertura, no dia 12 de junho, em São Paulo (e, muito provavelmente, englobará a festa de encerramento também), já escancaram uma série de amadorismos por parte do governo - em todas as esferas - e de entidades privadas responsáveis pelo evento. O protesto é sempre cabível. Mas existe um milhão formas de se protestar. E exatamente por isso, acho grave o ato falho do povo brasileiro: dentre um milhão de formas, escolheram os gritos do futebol. Tá na cara que, se for só assim, não vai dar em nada.

No jogo de estreia da Copa, por exemplo, escolheram xingar a Presidenta. O jeito mais chulo, sem-razão e abarrotado de senso comum que existe: a falta de educação. Num estádio superfaturado, onde morreram 8 operários por falta de segurança no desempenho dos trabalhos – segurança essa que faltou por ganância ou comodismo de empresas privadas – centenas de pessoas que provavelmente sonegam seus impostos, defendem a violência contra fiscais de trânsito e trombadinhas e cortaram fila pra entrar mais cedo no estádio gritam, estapafurdiamente, desaforos inócuos a uma pessoa que, independentemente de partido, classe social ou sexo é um semelhante. Mais do que isso, xingaram a Chefe do Poder Executivo do nosso próprio país. A questão esbarra em aspectos institucionais que passam muito longe da percepção de quem xingou: existe, disfarçado no ato, uma insubordinação à própria organização política do país, uma ofensa a princípios democráticos conquistados à muitas custas. E o fato de as mesmas bocas que cantaram o hino nacional apaixonadamente alguns minutos atrás, chorando junto com Júlio César e David Luiz, serem protagonistas de tais impropérios escancara o quanto estamos perdidos em nossas reivindicações.

O brasileiro não sabe, ainda, distinguir um argumento racional e verossímil da birra clássica do “quero e não posso ter”. Um comportamento infantil, de quem ainda precisa aprender a lidar com a frustração eventual, inerente a processos democráticos, para tentar influir de maneira positiva – ainda que radical, vez ou outra – na vida política do país. Por enquanto, o que vimos foi um chilique maciço de pessoas vergonhosamente mandando a chefe do executivo ir tomar em algum lugar, do mesmo jeito que fazem os torcedores de um time de futebol que sofre pênalti. Enquanto for assim, estaremos sempre na atitude passiva de torcedores sem educação e o juiz vai continuar mandando no jogo.

Para encerrar o assunto sobre MÚSICA SERTANEJA (parte final)

2014-01-31T10:54:00.000-08:00

É interessante como não existe um estilo musical mais maltratado do que o sertanejo, no Brasil.

Um pseudo-sertanejo, falso, raso e mal feito foi desajeitadamente colocado como continuação daquele antigo, tradicional, ofuscando-o.

Se formos parar para pensar, de certa forma aconteceu isso com todos os estilos, no decorrer dos tempos. Porcarias sempre existiram, sempre vão existir, dentro de qualquer gênero musical que seja. Mas, a meu ver, a situação da música sertaneja é um pouco pior. Minha preferência é o rock, de maneira que me doem os ouvidos quando ouço uma banda como o Restart aparecer na televisão, dizer que tem influência de Black Sabbath, ganhar um prêmio qualquer de “Revelação Rock” e sair gritando “O rock não morreu” no microfone (Nessa hora, o Lobão parece ter acertado... O rock errou. E feio!). Mas ninguém acredita nessa baboseira – vendam eles quantos milhões de discos quiserem. O rock praticamente nunca foi marginalizado – sempre teve uma atitude rebelde, anti-sistema, o que é diferente. Mas, em qualquer lugar do mundo, o rock tem o seu espaço garantido.

Já com o sertanejo, a situação é diferente. O estilo sempre brigou com gêneros urbanos. Nunca teve o devido reconhecimento e, por vezes, foi taxado de brega, antiquado (porque, sejamos honestos: na maior parte das vezes era mesmo). Enfim, brigou bastante para conquistar seu espaço e, quando estava em vias de conseguir, foi ofuscado por uma farsa. Playboys apropriaram-se do palco e o crescimento do gênero autêntico ficou estagnado – ou foi desviado de modo bem troncho.

Veja a linha de evolução das coisas, a meu ver:

1. Anos 1920 - Começou com as Folias de Reis, depois Cornélio Pires oficializou a entrada no mercado.

Tonico e Tinoco - Pioneiros

2. Anos 1940 - Passa Tonico e Tinoco, Pena Branca e Xavantinho e a consolidação das grandes duplas de raíz. Lá com a turma do Tião Carreiro, a coisa deu uma profissionalizada, com a melhoria das vozes e adição de mais instrumentos.

3. Anos 1960 - Milionário e José Rico deram uma “embregada” na coisa, exaltando o lado “dor de cotovelo”, dando ares de música mariachi com bolero (aqui, aparece uma curva suave na trajetória do estilo). Vêm Mato Grosso e Mathias, João Mineiro e Marciano, etc.

4. Anos 1970 – O sertanejo adota uma postura mais moderna. Sérgio Reis, Renato Teixeira e Léo Canhoto e Robertinho trazem influências do MPB e do rock, metaforizando, de certa forma, a inserção do homem do campo na cidade.

5. Anos 1980 – Chitãozinho e Xororó, no início dos anos 80, pegam carona no lado brega e deixam a marca inevitável das vozes em falsete (aquele alarido que incomoda o ouvido em “Evidências”). Começamos a ver o aumento da separação entre cantores e compositores, bem como a supervalorização das regravações. Pela primeira vez, a segunda voz se torna efetivamente secundária (na música caipira de raiz, dupla era dupla. Não havia distinção de importância de vozes).

6. 1985 - Metade dos anos 80, entra Leandro e Leonardo, com novos falsetes e a supervalorização da dor de cotovelo (curva acentuada nos trilhos da evolução). Inauguração da arena do “Os Independentes”, em Barretos, e a explosão da cultura western/country no meio sertanejo.

7. Anos 1990 - Inicio dos anos 90, vem a turma o Zezé di Camargo e Luciano e Chrystian e Ralf, pra eternizar os “Amigos” e marcar de vez, em nossas almas e ouvidos, o poder das vozes em falsete. Entram as calças jeans atochadas. O Sertanejo ganha de vez a Globo.

8. 1995 - Metade dos anos 90, o estilo “embrega” de vez. Aparecem as primeiras músicas “zoeira”, com César e Paulino, Guilherme e Santiago, “Enrosca, enrosca” e o tira e põe de carros nas garagens das vizinhas. O estilo, que já era marginalizado, toca praticamente só nas rádios AM de ônibus coletivos e vira sinônimo de decadência. (ladeira abaixo na evolução. O sertanejo respira por aparelhos).

9. 1999 - Fim dos anos 90, Bruno e Marrone começa a tocar no carro dos playboys. As orelhas dos empresários do ramo se levantam. O estilo volta a parecer economicamente viável. A mudança do público gera um rebuliço enorme. Os nomes de dupla antigos saem de moda e as duplas começam a adotar nomes urbanos. A Festa do Peão de Barretos começa a voltar a ficar chique.

10. Anos 2000 - Victor e Léo, Edson e Hudson, Fernando e Sorocaba, João Neto e Frederico, dentre diversos outros, consolidam a música sertaneja entre faixas etárias mais jovens, inserindo o gênero como obrigatório nas baladas. Existe uma explosão de duplas pelo Brasil afora. A temática das músicas é praticamente sobre relações amorosas. A criatividade some, e tanto as músicas quanto os nomes de duplas começam a se repetir, em combinações óbvias (Victor e Neto, Léo e Frederico, etc). O quadradinho mágico das trastes do violão (Bm, G, D, A e derivações) entra de cabeça para o circuito. O público cada vez mais jovem inspira a denominação de “sertanejo universitário” ao estilo – em contraposição ao “sertanejo tradicional” ou “de raiz”.

11. 2008 - Luan Santana aparece como uma mistura de Sandy & Júnior com Amado Batista: a quebra efetiva no padrão de duplas, demonstrando a viabilidade do cantor solo. Acompanhado por Gusttavo Lima, Eduardo Costa, Cristiano Araújo, Paula Fernandes, Michel Teló, dentre outros. O público abrange idades ainda mais precoces.

12. Atualidade - A falta de criatividade chega ao ápice. A temática aborda festas, esbórnia, cachaça e um sem número de onomatopéias (tchu tchu, tchererê, parapapá, etc). Exceto pela sanfona, não existe mais nenhum elemento em comum com o antigo gênero. As regravações são apenas de excertos das antigas canções – falta paciência para cantar tudo.

Logicamente que os movimentos paralelos sempre existiram. Sérgio Reis, que saiu da Jovem Guarda para se dedicar à musica sertaneja, continua gravando e fazendo shows. Almir Sater e Renato Teixeira, apesar de meio sumidos, continuam na ativa (o filho do Renato, Chico Teixeira, inclusive, se lançou no mercado em 2011, com a proposta de resgatar o sertanejo de raiz). Milionário e José Rico e os sertanejos urbanos também.

Mas percebe-se que todos eles estão à margem de todo o processo. Foram endeusados e engessados na parede do tempo. Os sertanejos da atual geração possuem verdadeira devoção a esses antigos ícones, desde que estes não se intrometam. Ou, quando interagem, a sensação é a de que pertencem a categorias distintas. Chitãozinho e Xororó cantando com Luan Santana, é como Roberto Carlos cantando com Jorge Aragão, ou como Dinho Ouro Preto dividindo o palco com Mart'nália. Guardadas as devidas proporções e o devido respeito a quem merece, claro.

Villa Mix - o Templo "Sertanejo"

O sertanejo definitivamente não é um gênero que eu aprecio. Mas sempre respeitei os artistas e as obras pertencentes a esse estilo. Sem dúvida nenhuma, fazem parte da cultura nacional, da nossa identidade. Mas é fácil constatar que o que hoje se produz em larga escala não passa de um embuste. É necessário respeitar sempre a liberdade de escolha de quem gosta. Mas não venha me empurrar como sertanejo, que eu não compraria nem se fosse mesmo.

E vamos falar sobre essa tão maltratada MÚSICA SERTANEJA (parte 06)

2014-01-31T10:47:00.000-08:00

Atualmente – Gusttavo Lima

O Pedro Henrique, amigo meu que tem certas informações privilegiadas, um dia me disse: “Anota ai, o próximo nome de sucesso da música sertaneja vai ser Gustavo Lima”. Acho que, no início, escrevia com um “t” só (o que já escancara a intenção de que colocou essa letra extra ai). Dai ele ofereceu cds grátis do tal Gustavo e de outros tais Humberto e Ronaldo. Cds estes que recusei, educadamente. Menos de 6 meses depois, Gustavo Lima e Humberto e Ronaldo eram a sensação no Faustão.

Na época, o sertanejo universitário já estava bombando, o cenário parecia abarrotado de artistas meia-boca. A afirmação dele me soou pretensiosa, principalmente porque eu achava que não cabia mais tanta coisa ruim no mundo. Mas coube.

Nem existe muita coisa a ser dita sobre esses artistas da nova geração. Exceto que são fruto pura e simplesmente de artimanhas mercadológicas de empresários do ramo. Tudo bem que os caras são até talentosos, mas a verdade é que isso não conta muito para ganhar dinheiro, nesse caso. Em poucos meses, qualquer dupla (ou artista) que contrate um bom empresário pode estourar nas rádios – vide o tal Israel Novaes, uma verdadeira LÁSTIMA (inclusive de talento).

Diz que é sertanejo

Por esse motivo, a velocidade de produção de hits tem que ser alta. Afinal, o importante é chegar logo na mídia. Ter música pronta pra ser lançada no Carnaval, no Caldas Country, no Villa Mix. Não interessa se é boa ou ruim. Entra ai, inclusive, a importância das onomatopéias: fáceis de fazer, mais fáceis ainda de decorar.

Nem precisa lembrar que, a essa altura, a temática e o instrumental já estão totalmente dissociados da música caipira de raiz. Aliás, esses caras que estão ai nem se interessam tanto pelas raízes assim. Não fazem questão de usar as roupas características, de tocar viola e sanfona, de falar sobre elementos do campo. Nem de cantar fazem questão – sobram playbacks. A segunda voz, geralmente, é fraca – está ali só para caracterizar a configuração visual de “dupla”.Quando existe.

Dá uma olhada na beleza que é essa letra:

Balada Boa (Tchê Tchê Rê Rê)

(Gusttavo Lima)

Eu já lavei o meu carro

Regulei o som

Já tá tudo preparado

Vem que o reggae é bom

Menina fique à vontade

Entre e faça a festa

Me liga mais tarde,

Vou adorar, vamo nessa

Gata me liga

Mais tarde tem balada

Quero curtir com você na madrugada

Dançar, pular

Até o sol raiar

Gata me liga mais tarde tem balada

Quero curtir com você na madrugada

Dançar, pular

Que hoje vai rolar

O Tche Tche Rere

Tche Tche Rere

Tche Tche Tche Tche

Gusttavo Lima e você

O Tche Tche Rere

Tche Tche Rere

Tche Tche Tche Tche

Gusttavo Lima e você

(Repete)

Se você me olhar vou querer te pegar

E depois namorar, curtição

Que hoje vai rolar

Gata me liga

Mais tarde tem balada

Quero curtir com você na madrugada

Dançar, pular

Até o sol raiar

(2x)

O Tche Tche Rere

Tche Tche Rere

Tche Tche Tche Tche

Gusttavo Lima e você

O Tche Tche Rere

Tche Tche Rere

Tche Tche Tche Tche

Gusttavo Lima e você

Cara, não adianta. Não me convence.

Principais artistas do período: Gusttavo Lima, Luan Santana, Paula Fernandes, Michel Teló, Humberto e Ronaldo, Maria Cecília & Rodolfo, Thiago Brava, Lucas Lucco, Israel Novaes

E vamos falar sobre essa tão maltratada MÚSICA SERTANEJA (parte 05)

2014-01-31T06:18:00.000-08:00

2000 – Bruno e Marrone

No meu universo, o sertanejo universitário começou com um professor do ensino médio. Não foram os estudantes, muito menos universitários. Esse professor meu de física da oitava série estava desenvolvendo um trabalho de laboratório e precisava de alunos que se voluntariassem a ajudá-lo durante as aulas. Eu era um desses. Um dia, quando fui colocar os materiais das aulas no porta malas do carro dele – pipetas, beckers, calculadoras científicas e toda essa parafernália - o professor soltou essa: “Sei que você é do rock, então vou colocar um som especialmente pra você”. E bombou um Bruno e Marrone, no último volume.

Confesso que aquilo me causou certa vergonha. Alheia e própria. Mas me chamou a atenção o fato de ele ouvir aquilo sem constrangimento. Quer dizer, Zezé, Chitão e Leonardo ainda eram bregas. Mas Bruno e Marrone, não! O sertanejo havia começado uma invasão abrupta e devastadora nos carros de playboy (inclusive nos professores playboys)!

Exatamente! Bruno e Marrone são os culpados pelo sertanejo universitário. Se tiver que jogar pedra na casa de alguém, é na deles. As grandes produções sertanejas, com músicos de primeira linha e orçamentos altíssimos já existiam, claro – os chitões que começaram. Mas, de maneira bem interessante, a elitização do sertanejo foi iniciada com a gravação do "Acústico Ao Vivo" do Bruno e Marrone, em 2001 - justamente o que meu professor colocou pra tocar. (Vale uma menção honrosa, também, a dupla Rio Negro & Solimões, que em 1998 inseriu a batida tecno na música “De São Paulo a Belém” e instalou a ambiguidade em nossos ouvidos.).

Aliás, ressalte-se que antes desse acústico, os próprios Bruno e Marrone só faziam sucesso entre as classes mais baixas, desde 1994. São eles os responsáveis por um fenônemo até então inédito: ficaram famosos antes de saírem na mídia de massas. Os primeiros álbuns que gravaram se tornaram bastante populares entre os vendedores de disco pirata. A pirataria foi a grande aliada da dupla – que vendia milhares de álbuns sem nunca ter ido sequer no programa do Túlio Isac (Ganhooooouuuuuuu!).

Esse foi o vírus

Para coroar, em 1999, a dupla participou de um especial para uma rádio em Goiânia. Esse especial vazou e foi comercializado clandestinamente como “Bruno e Marrone Acústico”. Vendeu milhões em todo o Brasil. O sucesso foi tamanho que a gravadora resolveu oficializar o disco, e o lançou com uma qualidade superior no mesmo ano. Vendeu outras mais de 500.000 cópias.

No ano seguinte, veio o Acústico Ao Vivo, com o lançamento do DVD do show. E, com ele, a consagração definitiva, porque paralelamente, surgiam os primeiros aparelhos de DVD automotivo – apenas nos carros dos playboys. Como não era moda o lançamento de shows em vídeo, a única coisa que a playboyzada tinha para ouvir e ver nos carros era o som do momento – Bruno e Marrone Acústico (tá, esse fim foi por minha conta – mas explica muita coisa).

O fato é que, depois disso, a coisa se espalhou igual a notícia ruim. Surgiram diversas duplas novas, a maioria lançando a carreira com discos acústicos e ao vivo, acompanhadas de DVD. Inclusive hoje é fácil achar na rua propagandas de duplas totalmente desconhecidas convidando para a gravação do DVD oficial. O modelo de mercado foi mudado e essa nova estratégia se tornou comum. Afinal, o custo de se gravar um show e lançá-lo como disco é infinitamente menor do que a produção do álbum em estúdio, já que a própria plateia, ao pagar ingresso, financia a obra.

A Saudade é o Prego

(Nilma Pinóchio)

Deu um arrocho no peito

Eu fiquei apavorado

São Paulo ficou pequena

Um lugarzinho abafado

Peguei a Via Anhanguera

E a coisa ficou pior

Quando passei em Campinas a

Dava pena dava dó

No trevo de Americana

Pensei, não vou agüentar

De Limeira até Araras

Fui chorando sem parar

Uma parada em Leme

Dei um alô a platéia

Foi lá em Pirassununga

Que eu tive uma boa idéia

E parar em Ribeirão

Tomar um chopp gelado

E lá eu passei em Franca

Comprei uma bota invocada

E na festa de Barretos

Cheguei muito apaixonado

A saudade é um prego

Coração é um martelo

Fere o peito e dói na alma

E vai virando um flagelo (4x)

De Uberaba à Uberlândia

Fui contemplando a beleza

Dando um tapa na saudade

Ouvindo moda sertaneja

Cidade de Araguari

O meu pranto era prova

Fui curar minha ressaca

Nas águas de Caldas Novas

Tem coisas que a gente pensa

Coração fica doente

Pensei na Lua-de-mel

Na Pousada do Rio Quente

E no Trevo de Morrinhos

Chorando igual criança

Se encontra-la em Goiânia

Eu vou cheio de esperança

E se na linda Goiânia

Eu não encontrar niguém

Amanhã bem cedo eu sigo

Com destino à Belém

Vou até no fim do mundo

Mas quero encontar meu bem

A saudade é o prego

Coração é o martelo

Fere o peito e dói na alma

E vai virando flagelo (4x)

Principais artistas do período: Bruno e Marrone, Rio Negro e Solimões, Guilherme e Santiago, Marcos e Léo, João Bosco e Vinícius, César Menotti e Fabiano, Jorge e Mateus, Victor e Léo, Fernando e Sorocaba, Marcos e Belutti, João Neto e Frederico, Cristiano Araújo, Eduardo Costa.

E vamos falar sobre essa tão maltratada MÚSICA SERTANEJA (parte 04)

2014-01-30T10:14:00.000-08:00

1980 e 1990 – Chitãozinho e Xororó, Leandro e Leonardo, Zezé Di Camargo & Luciano, Chrystian & Ralf

Fivelas sobrando

Eu me lembro da primeira vez em que vi o Leandro e Leonardo. No Faustão. Aliás, bem provavelmente, era a primeira vez em que ELES FORAM ao Faustão. Eu devia ter uns... sei lá... 4 ou 5 anos. A memória é bem vaga. Mas me lembro da sensação estranha de pensar: “espera ai! Esses caras não são a dupla sertaneja. A dupla é aquela do cara de cabelo esquisito e voz fina”. No auge da minha ignorância infantil, a única dupla que existia era Chitãozinho e Xororó – e só podia ter uma dupla. Depois que ouvi os novatos cantando, me conformei: “Ah bom, também tem voz fina”.

Os falsetes desesperados (aquelas vozes esganiçadas) entraram para o hall da fama do sertanejo no início dos anos 80, com o José e Durval (aliás, só fui descobrir que esse era o verdadeiro nome dos chitões em um filme dos Trapalhões – claro que passei a meia hora seguinte rachando de rir). Até então, existiam vozes finas e bem postadas, mas essa voz esganiçada (e que só faz sucesso desse jeito aqui no Brasil) era novidade até então. Iniciava-se a era dos 'mullets' também... esse tipo de cabelo que o McGyver, Daniel-San e mais um monte de personagens oitentistas colocaram em voga – e que a turma do sertanejo abraçou com entusiasmo.

Chitãozinho e Xororó foram a dupla de vanguarda na televisão brasileira. Foram os grandes responsáveis pela popularização maciça da música sertaneja – mas de uma forma que, já nessa época, deveria deixar de se chamar “música caipira”. Foram eles os primeiros a virar arroz de festa na Globo, principalmente como cantores nas músicas tema de novela. Também foram os principais responsáveis por começar a utilizar a guitarra com solos, no maior estilo heavy metal, na introdução das músicas – o que resultou numa mistura pra lá de cafona, bastante comum até a metade dos anos 90. Ouça a introdução de “Wasting Love”, do Iron Maiden, e a de “Toma Juízo”, do Zezé Di Camargo, ou “Entre Tapas e Beijos”, do Leandro e Leonardo. A premissa é a mesma: notas de guitarra em dueto, com intervalos musicais de terça. Não sei quem pensou nisso primeiro, mas a ideia definitivamente não foi boa.

Depois dos pais da Sandy e Júnior (hahaha, high five!), vieram Leandro e Leonardo, lá pra 1985, aproximadamente. Se a temática anterior já havia aproximado de modo bem meloso das estórias românticas, os irmãos plantadores de tomate do interior de Goiás terminaram de empurrar o carro pela ribanceira. Introduziram certo elemento erótico/sensual, com músicas de teor levemente picante. De qualquer forma, letras como “Tira essa roupa molhada / quero ser sua toalha /e o seu cobertor” ainda estavam bem longe do que hoje é considerado sexy (meu amigo, pega um Mr. Catra pra ouvir... Ou melhor, não!).

Olha a cabeleira do Zezé

Logo em seguida, no início dos anos 90, veio a onda Zezé Di Camargo e Luciano (ele, o Zezé, já havia tentado o sucesso com vários irmãos – Camargo e Camarguinho, Zazá e Zezé – e até carreira solo). Em relação à dupla de tomateiros, houve um sensível aumento de qualidade, tanto em conteúdo quanto musicalmente. O bolero entrou de sola, e a dupla dos camargos chegou a gravar com Julio Inglesias – e em espanhol!

Pasmem.

Interessante notar que, mesmo após a regravação da Maria Bethânia para o hit “É o amor”, do Zezé e Luciano, o estilo sertanejo remodelado à cidade ainda manteve-se à margem da sociedade. Nem mesmo o drama das mortes de João Paulo (1997), da dupla João Paulo e Daniel e de Leandro (1998), acompanhados em rede nacional, alavancaram o sucesso sertanejo às elites. Aliás, a Globo chegou a criar um especial - “AMIGOS” - somente com apresentações sertanejas, mas ainda assim as duplas conseguiam atingir, majoritariamente, apenas as classes C e D. Estive presente em um show do Zezé (não me pergunte o porquê) na Praça do Trabalhador, em Goiânia, e deu bem para reparar isso. Um público gigantesco! Mas pouca (ou nenhuma) gente das classes mais altas. Sertanejo, até metade pro fim dos anos 90, ainda era considerado “música de empregada” ou “de cabaré”. De certa forma, bom para a indústria fonográfica, claro! Mas isso não significava, necessariamente, a inclusão definitiva do gênero. (Pergunte a qualquer um o que achava do “Sabadão Sertanejo”, do SBT. Decadência total.)

Nessa época, “música caipira”, “sertanejo de raiz” e “moda de viola” já eram termos bem comuns para diferenciar os 'sertanejos-falsete' daqueles que foram a raiz do gênero.

Menção honrosa para Chrystian e Ralf – que terminaram de consolidar a moda country no sertanejo urbano – e Sandy e Junior, uma tentativa solitária e bem sucedida de inserir os elementos do gênero no meio infantil.

Desculpe, mas eu vou chorar

(Gabriel César Augusto)

As luzes da cidade acesas

Clareando a foto sobre a mesa

E eu comigo aqui trancado

nesse apartamento

Olhando o brilho dos faróis

Eu me pego a pensar em nós

voando na velocidade

do meu pensamento

E saio a te procurar

nas esquinas

em qualquer lugar

e as vezes chego a te encontrar

num gole de cerveja

E quando vem a lucidez

estou sozinho outra vez

E então volto a conversar

com minha tristeza

Vou chorar, desculpe mas eu vou chorar

Não ligue, se eu não te ligar

Faz parte dessa solidão

Vou chorar, desculpe mas eu vou chorar

Na hora em que você voltar

Perdoe o meu coração.

Tinha uma vizinha, lá no Parque das Laranjeiras, que atormentava a gente todo santo dia, encerando o chão da casa (no século passado, passavam cêra no chão das casas para brilhar mais!) e cantando essas preciosidades ai. Trauma até hoje.

Principais artistas do período: Chitãozinho e Xororó, Leandro e Leonardo, Zezé Di Camargo e Luciano, Chrystian e Ralf, Gian e Giovani, João Paulo e Daniel, Rick e Renner, Roberta Miranda, Chico Rey e Paraná, João Mineiro e Marciano, Gilberto e Gilmar, Nalva Aguiar, Trio Parada Dura, Almir Sater.

E vamos falar sobre essa tão maltratada MÚSICA SERTANEJA (parte 03)

2014-01-29T08:51:00.001-08:00

1970 – Sérgio Reis

Serjão cantando "Coração de Papel"

Se você escutar a música “Coração de Papel” (que já foi até música tema de novela da Globo), vai achar que é sertaneja. Talvez pelo tema. Mas, inegavelmente, pela voz do Sérgio Reis. Essa música

foi um estouro na época da Jovem Guarda, em 1967. Música de ricos, anti-comunistas. Mainstream total, por incrível que pareça.

E o Serjão veio a mudar de gênero no início dos anos 70, passando para o time dos caipiras. E mudando de estilo, a meu ver, mudou a própria evolução da música também. Imortalizou canções como “Menino da Porteira”, “Chalana”, “Pinga Ni Mim” e trouxe um ar de modernidade para as músicas. De repente, ouvir sertanejo não era tão fim de carreira assim. Afinal, há pouco tempo atrás, torcia-se por duetos do Sérgio com Roberto Carlos, Vanderléia.

Com a ascensão de Milionário e José Rico e outras duplas mais melódicas, o estilo sertanejo tornou-se um pouco mais audível, menos repetitivo. Sérgio Reis e os artistas da época investiam em novos instrumentos, novas técnicas, nova temática. Saiam as violas, entravam sanfonas, teclados, percussão. A dupla Léo Canhoto e Robertinho chegou a introduzir a guitarra elétrica em suas músicas, no final da década de 1960. Tudo isso ocasionou uma grande popularização do cancioneiro caipira.

Renato Teixeira e Sérgio Reis, 2010

Com a popularização, novos artistas tiveram espaço. Artistas com propostas diferentes, mantendo a ligação com o campo. Surgiu Renato Teixeira, por exemplo. Artista mais refinado que, frequentemente, flertava com a MPB. Influenciou Almir Sater, que nessa época tomava lições de viola com Tião Carreiro e se lançaria na década seguinte. (Sater e Teixeira acabaram virando grandes parceiros musicais).

Em entrevista à Revista da RBA (Rede Brasil Atual - SP), em 2011, Renato conta:

"Até 1970, a música brasileira era bem dividida. Bossa nova, samba, nordestina, boleros. E a música caipira estava encerrando um ciclo genial. Nesse momento, o Sérgio Reis, a dupla Léo Canhoto e Robertinho e eu começamos a mexer com essa música. Minha influência do caipira vem de Monteiro Lobato, Tarsila do Amaral, Mário de Andrade e Guimarães Rosa. E Léo Canhoto e Robertinho mostraram que a dupla não precisava ser só aquele modelo tradicional, que podia ser o que vemos e ouvimos hoje com Chitãozinho e Xororó. Aí o terreno ficou fértil."

A questão que ficou escancarada na época e que deveria se tornar mais clara nos dias de hoje era uma só: é possível fazer música caipira de qualidade e com viabilidade comercial.

Romaria

(Renato Teixeira)

É de sonho e de pó, o destino de um só

Feito eu perdido em pensamentos

Sobre o meu cavalo

É de laço e de nó, de gibeira o jiló,

dessa vida cumprida a só

Refrão

Sou caipira, Pirapora Nossa

Senhora de Aparecida

Ilumina a mina escura e funda

O trem da minha vida 2x

O meu pai foi peão, minha mãe solidão

Meus irmãos perderam-se na vida

Em busca de aventuras

Descasei, joguei, investi, desisti

Se há sorte eu não sei, nunca vi

Me disseram porém que eu viesse aqui

Pra pedir de romaria e prece

Paz nos desaventos

Como eu não sei rezar, só queria mostrar

Meu olhar, meu olhar, meu olhar

Curiosidade: “Romaria” se destacou tanto que diversos artistas de estilos variados já a regravaram. A versão da Elis Regina, de 1977, ganhou projeção internacional.

Principais artistas do período: Sérgio Reis, Milionário e José Rico, Rolando Boldrin, Leo Canhoto e Robertinho, Renato Teixeira, Gino e Geno

Referência: http://www.redebrasilatual.com.br/revistas/63/entrevista

E vamos falar sobre essa tão maltratada MÚSICA SERTANEJA (parte 02)

2014-01-28T08:43:00.002-08:00

1960 – Tião Carreiro e Pardinho

A primeira vez que eu vi a imagem do Tião Carreiro, fiquei totalmente surpreendido. Foi numa capa de CD pirata, comprado nesses postos de beira de estrada, quando eu tinha uns 14 anos. Eu já conhecia várias músicas desde muito pequeno, já que meu pai e o tio Jomar sempre foram fãs e só trocaram as fitas K-7 pelos CDs (e hoje, pelo iPod). Mesmo assim, era estranho ver que aquele vozeirão pertencia ao cara de Black Power e bigodão mariachi.

E é estranho que, até atualmente, na era do You Tube, eu ainda não tenha visto um vídeo decente sequer de uma performance dele com o Pardinho. O cara é um ícone do gênero. Junto com Tonico e Tinoco, Pena Branca e Xavantinho, e outros ícones, são a Elis Regina, o Cazuza do sertanejo. A dupla com o Pardinho lançou mais de 300 músicas. E é muito raro vermos homenagens, reportagens ou programas especiais dedicados a eles na televisão ou mesmo na internet. O que me leva a crer que não se trata de artistas: trata-se do gênero.

É evidente que o sertanejo é um gênero musical desprezado, marginalizado. Ainda que Luans Santanas e Cesar Menottis apareçam no Faustão todo domingo e disputem o Medida Certa no Fantástico, o fato é que, para ganharem acesso às massas, os artistas atualmente tidos como sertanejos se distanciaram bastante das raízes. E, a meu ver, nada confirma mais essa marginalização ao estilo do que a completa ausência de menção a Tião Carreiro e Pardinho na nossa cultura popular – ainda que suas vozes continuem presentes nos churrascos de família e no som dos automóveis de nossos tios. Ainda que exaustivamente regravados pela pleiboizada que ocupa espaço na TV e no rádio.

Cara de Mau

Tião Carreiro entra numa época em que a música caipira começa a sofrer suas primeiras adaptações para entrar, de maneira tímida, no circuito de massas. Antes acompanhados apenas por violas, tocadas pelos próprios cantores, artistas como Cascatinha e Inhana, Irmãs Galvão e, um pouco mais à frente, Milionário e José Rico dedicam um pouco mais de atenção à qualidade de suas vozes. Permitem-se serem acompanhados por percussões discretas e violões. No auge do brega, alguns incorporam trompetes e teclados. A figura dos cantores também é valorizada, incorporando ares da cultura western e country americana - chapéus escandalosos, cintos, espora e fivelas nada discretos.

Apesar de se tornarem mais conhecidos, a música caipira (e, nessa época, ainda era considerada “sertanejo de raiz”) ainda estava à margem. A temática ainda era a vida no campo, as estórias de amor e de morte, porém com uma leve tendência ao romantismo e aos elementos da cidade.

Destaque para “Boneca Cobiçada”, de Palmeira e Biá, com letra bastante ousada para a época (“Teu corpo não tem dono / Teus lábios têm veneno”). Aliás, a esse respeito, é importante dizer que ainda se dava bastante valor aos autores da música, originalmente. Via de regra, quem criava, cantava.

A Vaca Já Foi Pro Brejo

(Tião Carreiro/Lourival dos Santos/Vicente P. Machado)

Mundo velho está perdido

Já não endireita mais

Os filhos de hoje em dia já não obedece os pais

É o começo do fim

Já estou vendo sinais

Metade da mocidade estão virando marginais

É um bando de serpente

Os mocinhos vão na frente, as mocinhas vão atrás

Pobre pai e pobre mãe
Morrendo de trabalhar
Deixa o coro no serviço pra fazer filho estudar
Compra carro a prestação
Para o filho passear
Os filhos vivem rodando fazendo pneu cantar
Ouvi um filho dizer
O meu pai tem que gemer, não mandei ninguém casar

O filho parece rei
Filha parece rainha
Eles que mandam na casa e ninguém tira farinha
Manda a mãe calar a boca
Coitada fica quietinha
O pai é um zero à esquerda, é um trem fora da linha
Cantando agora eu falo
Terreiro que não tem galo, quem canta é frango e franguinha

Pra ver a filha formada
Um grande amigo meu
O pão que o diabo amassou o pobre homem comeu
Quando a filha se formou
Foi só desgosto que deu
Ela disse assim pro pai: “quem vai embora sou eu”
Pobre pai banhado em pranto
O seu desgosto foi tanto que o pobre velho morreu

Meu mestre é Deus nas alturasO mundo é meu colégio
Eu sei criticar cantando, Deus me deu o privilégio
Mato a cobra e mostro o pau
Eu mato e não apedrejo
Dragão de sete cabeças também mato e não alejo
Estamos no fim do respeito
Mundo velho não tem jeito, a vaca já foi pro brejo

Principais artistas do período: Tião Carreiro e Pardinho, Tonico e Tinoco, Cascatinha e Inhana, Irmãs Galvão, Irmãs Castro, Sulino e Marrueiro, Palmeira e Biá, o trio Luzinho, Limeira e Zezinha, José Fortuna, Pena Branca e Xavantinho, Milionário e José Rico (no início de carreira), Liu e Léo, Jacó e Jacozinho.

E vamos falar sobre essa tão maltratada MÚSICA SERTANEJA (parte 01)

2014-01-27T11:05:00.001-08:00

1929 – Cornélio Pires

Cornélio Pires é considerado como o criador da música caipira. O interessante é que ele não era cantor, nem caipira! Tinha formação em jornalismo, era escritor e pesquisador da cultura folclórica brasileira – primo do Orígenes Lessa.

Cornélio Pires

Seu foco, durante muito tempo, foi a “cultura caipira”, e chegou a escrever mais de vinte livros sobre o tema. Peregrinava pelo interior de São Paulo para sorver dessa fonte. Nessas andanças, apaixonou-se pela música caipira original, ligada às tradições circenses e à religião.

Sim, religião!! Como uma boa parte dos elementos da cultura brasileira, também a música sertaneja teve sua origem aí. As primeiras “modas de viola” surgiram nos grupos das Folias de Reis – pequenos grupos que visitavam as casas das pessoas para rezar e cantar, na véspera de natal. As músicas, acompanhadas de viola, tinha rimas e evocavam trechos da bíblia, bençãos aos donos da casa e de abrigo ou comida.

E o Cornélio conseguiu, em 1928, que a indústria fonográfica registrasse essas canções, com suas devidas adaptações (como a redução do número de pessoas e a diversificação da temática).

Com a possibilidade de exploração comercial, o gênero iniciou sua expansão. Geralmente, as modas (palavra portuguesa que designa “canto” ou “melodia”) eram cantadas em duas vozes (em intervalos musicais de terças), acompanhadas por viola (tocada ou ponteada/solada). As duplas criavam estórias de amor e de morte, críticas ao governo e à sociedade, chegavam a esboçar certo engajamento social – ainda que instaladas no campo (por exemplo, "A Revolução Getúlio Vargas" e "A Morte de João Pessoa", composições gravadas por Zico Dias e Ferrinho, em 1930). Os “causos” famosos invariavelmente ganhavam sua versão musical. Nessa época, surgiram os “desafios”, em que as duplas, tal qual repentistas, revezavam-se com outras duplas na criação das letras. Quem não conseguisse, perdia o desafio. O foco era totalmente no conteúdo das músicas. A qualidade das vozes ou diversificação de instrumentos ficavam totalmente em segundo plano.

Peito Sadio

(Zé Carreiro e Carreirinho)

Foi as quatro horas da manhã, meu cachorro de guarda latiu
Levantei para ver o que era, e vesti meu casaco de frio
Então vi que chegou um mensageiro, amuntado num burro turdio
Apiou e me disse bom dia ! E o bolso da baldrana ele abriu
Uma carta o rapaz me entregou e de novo amuntou e na estrada sumiu.

Dei a carta pro meu irmão ler, ele leu e me olhando sorriu,
“É convite pra nós ir na festa, vai haver um grande desafio”.
O meu pai já correu no vizinho, foi chamar o vovô e o titio
Nós cheguemo a pular de contente, lá em casa ninguém mais dormiu.
Pra quebrar aqueles campeonato nem com sindicato ninguém conseguiu.

Violeiro que mandou o convite, moram lá do outro lado do rio
Eles pensa que nós não vai lá, mais nós semo cabôco de brio
A peteca aqui do nosso lado, por enquanto no chão não caiu
Quando nós cheguemo no catira, os mais fraco na hora sumiu
Só cantemo moda de campeão e os tal que era bom nem se quer reagiu.

Perguntei para o dono da festa “onde foi que o senhor conseguiu
Esses tal violeiro famoso, que as moda de nós engoliu?”
O festeiro ficou pensativo, e mordeu no cigarro e cuspiu.
“Vocês são dois cabôco batuta, quem falou, pode crer, não mentiu”
Teve algum que cantar experimentou, mais o peito faiô e a voz não saiu.

As viola nós faz de encomenda, nosso peito é tratado e sadio,
Já cantemo três noite seguida e as moda nós não repetiu.
Quem repete é relógio de igreja e o triste cantar do tiziu
E agora com essa vitória, inda mais nossa fama subiu.
E vocês não deve discutir, se viemos aqui, foi vocês quem pediu.

(Essa, com meu tio Marquinho cantando, é uma pérola! Hahaha)

...

Gilby Clarke no Bolshoi Pub

2013-11-18T11:03:00.001-08:00

14/11/2013 - Goiânia/GO

Qualquer pessoa que trabalhe com Axl Rose, em algum ponto, chega à inevitável conclusão: “Esse cara quer que eu seja empregado dele”. E com Gilby Clarke não foi diferente. Até porque ele era, efetivamente, músico contratado do Guns'n'Roses no período em que tocou com Slash e companhia, entre 1991 e 1994.

Clarke substituiu Izzy Stradlin nas guitarras bases (que eram brochantemente ligadas alguns decibéis abaixo das guitarras solos de Slash) após esse último decidir pelo seu desligamento do Guns, de forma misteriosa até para os próprios membros da banda. Em sua autobiografia, Slash conta que Izzy, um dos que mais usava drogas durante as turnês, em certo ponto sumiu e não compareceu mais aos ensaios. Telefonou depois para Axl, dizendo que estava fora da banda. Ele mesmo, Stradlin, disse posteriormente que, uma vez que houvesse largado as drogas, enxergou a bagunça que era sua vida com o Guns, e decidiu se afastar. Isso da metade para o fim de 1991. Retomou contato com os antigos bandmates apenas de uns anos pra cá. Enfim.

Em meio ao rebuliço dos fãs mais radicais, Gilby assume seu posto. A fase ficou marcada no clipe de “Don't Cry”, em que um cartaz com os dizeres “Where's Izzy?” aparece discretamente na tela. Axl, nas turnês do “Use Your Illusion”, o apresentava como sendo “Gilby Clarke...the man with the new corvette”.

Por falar em “Use Your Illusion”, essa foi a grande sorte de Gilby. Ter substituído Izzy no curso da turnê mundial e no auge do sucesso da banda o tornou um rosto conhecido em frações de segundo. Ele é o cara que aparece em todas as filmagens do famoso show no Tokyo Dome, no Japão, eternizado em uma das raras apresentações do Guns em qualidade de som e imagem superiores. Praticamente todo o resto é bootleg ou essa depressão de banda que é atualmente, com a empresa Axl Inc.

Ou seja, Gilby foi apresentado, conhecido e eternizado em grande estilo. O segundo cara dos lenços (o primeiro, obviamente, é o Steven Tyler). O cara do corvette novo.

No dia 14/11, ele voltou ao Brasil para uma série de 4 apresentações. De Los Angeles, desceu direto em Goiânia, no Bolshoi Pub, para passar o som.

Quando eu cheguei, antes da “abertura dos portões”, não tinha ninguém na porta do pub. O preço do ingresso a R$110,00, somado ao início do Festival Vaca Amarela no Martim Cererê (bandas boas a preços justos), e a tensão pré-Caldas Country que esvaziou a cidade contribuíram também para o esvaziamento do show. Uma pena. Alguns minutos depois das 21h30, vi Andria e Ivan Busic (os irmãos Dr. Sin que acompanham Gilby na turnê brasileira e que dispensam apresentações) saírem pela porta principal, após a passagem de som. Desci os olhos pro celular pra comentar com a galera do WhatsApp e, quando levanto novamente, o cara tá na minha frente, ainda de mala em punhos. Isso mesmo, o cara do corvette novo. Arrebentado pelas horas de vôo, blazer amassado, cabelos ensebadamente rock'n'roll, óculos de sol aviador quando o sol já havia sumido há, pelo menos, 4 horas... Cara, isso é estar na estrada.

E foi heroico ver aquele sujeito destruído por mais de 12 horas de vôo subir no palco empunhando sua Les Paul Goldtop historicamente surrada e enfrentar pouco mais de 200 pessoas ansiosas por vê-lo, tratando-as como se fossem o Tokyo Dome lotado, de outros anos. Pelo menos foi assim na primeira música – por ironia, “Wasn't Yesterday Great”. Depois de alguns “urrul” da plateia, ele caiu na real de que não estava nos fantásticos e apertados pubs de Hollywood. Aquilo era Goiânia do pé rachado.

Depois da primeira, veio “Black”, um clássico da sua carreira solo. Aliás, músicas dessa fase sobraram. Muita gente foi para ouvir Guns'n'Roses - e se decepcionou, porque ele tocou só “It's So Easy” e a batidíssima “Knocking on Heavens Door”, que nem é do Guns, diga-se de passagem. Knocking, pra mim, é como Pais e Filhos da Legião, Come As You Are do Nirvana, Another Brick In The Wall do Pink Floyd. Músicas fantásticas, mas que não refletem a profundidade obra da banda e viraram gigantescos “arroz com feijão”. No caso do Gilby, hits como “Cure me... or kill me”, “Tijuana Jail”, “Motorcycle Cowboys” (da fase do Kill for Thrills) e “Be Yourself” (do Rockstar Supernova), verdadeiras peças do Hollywood HardRock farofa de raiz, permanecem de lado sem o seu devido valor. Ele tocou todas, para uma plateia morna. Me excluo dessa.

Mas o pior foi quando ele disse “Now, I'll play a song of a great band. The band who inspired me. Do you know The Rolling Stones?” ou algo nesse sentido. Uma música dos Stones! Que isso! Casa abaixo era o mínimo. Mas o que se ouviu foram alguns aplausos isolados, no máximo um “urrul!” que surpreendeu ao próprio Gilby. E mandou ver “It's Only Rock'n'Roll (but I like it)”. E mais tarde, antes de começar Dead Flowers (também dos Stones), mandou essa “Do you want more Stones? Oh, come on, I'll play whatever the fuck I want”.

"Anybody out there?"

Performances fantásticas dos irmãos Busic e do próprio guitarman. Apesar da plateia, o show seguia ótimo. A parte patética veio na própria “Knocking On Heavens Door”. Cantando a versão do Guns, ele pediu participação da plateia no coro final. E a cada vez que não era 100% correspondido (ou seja, quase sempre), ele mandava pérolas. De primeiro, disse “Oh my god! You sounded like angels!”. Da segunda, mandou “This night will be amazing!”. Na terceira, falou “I've never heard something like this before. Admit it! You've been practicing!”. Era de morrer de rir, por falta de outra palavra mais trágica. A culpa não foi dele.

Por fim, encerrou com “Tijuana Jail”, dizendo que mal espera para voltar a Goiânia novamente para agitar as coisas. Voltou rapidamente para o encore, tocou “Alien” e sumiu para o backstage. Impressionante é que, pelo que li por ai, o show no Bolshoi parece ter sido bem melhor que o de Uberlândia, São Paulo e Rio de Janeiro.

De qualquer forma, Gilby é um cara impressionante. Respira, vive, veste, exala rock'n'roll. É um legítimo rockstar, um guitar hero, e de uma simpatia invejável. Mesmo com uma plateia pouco receptiva, com o cansaço da estrada e numa cidade desconhecida pra ele, conseguiu fazer um show memorável. Um setlist de 11 músicas, com pouco mais de 1 hora de duração, mas que, pra mim, valeu cada minuto (e começou pontualmente! Ao contrário de certa Maria Gadu, que no mesmo dia e horário deixava a plateia esperando 3 horas pelo início do show no Centro Cultural Oscar Niemeyer). Gosto de pensar que esses caras são história viva. Em maior ou menor grau, participaram da formação do que conhecemos hoje como rock'n'roll. São os Napoleões, Getúlios e Joanas D'Arc do meu estilo favorito – e ainda existem, respiram por ai.

E ainda faturei uma palheta!

14/11/2013 0h00 – Goiânia/GO, Bolshoi Pub

SETLIST:

1. Wasn't Yesterday Great

2. Black

3. It's Only Rock 'n' Roll (But I Like It) (cover dos Rolling Stones)

4. Motorcycle Cowboys (música do Kill for Thrills)

5. Be Yourself (música do Rock Star Supernova)

6. It's So Easy (música do Guns N' Roses)

7. Cure Me ... Or Kill Me ...

8. Knockin' on Heaven's Door (música do Bob Dylan, versão do Guns N' Roses)

9. Dead Flowers (cover dos Rolling Stones)

10. Tijuana Jail

Bis:

11. Alien

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Sobre “Drinking Buddies"

2013-11-02T23:10:00.000-07:00

Eu adoro filmes de diálogo. É aquele filme em que não há muita ação, e em que a trama se desenrola basicamente em cima de relacionamentos - que, obviamente, se expressam nas falas dos personagens. O exemplo clássico é a trilogia do Richard Linklater (Antes do Amanhecer, Antes do Pôr-Do-Sol e o mais recente, Antes da Meia-Noite), em que os protagonistas Jesse e Celine desfilam com seus dramas pelas ruas de cidades européias, remexendo conceitos (e preconceitos) dos telespectadores. Adoro esse tipo de filme porque, apesar de aparentemente sem ação, por incrível que pareça eles conseguem, geralmente, ir mais a fundo em questões fundamentais do que outros filmes que se propõe a tanto.

Assisti hoje a “Drinking Buddies”, que não foi lançado no Brasil ainda (e, portanto, até a presente data, não possui nome oficial em português - mas que poderia ser traduzido livremente como “Parceiros de copo”) e, infelizmente, não deve entrar no circuito principal. Talvez você o encontrará apenas em cinemas dedicados a filmes de arte e/ou de pequeno orçamento, videolocadoras especializadas ou na internet. Também se encaixa muito bem nessa categoria de “filmes de diálogo”.

Decidi assisti-lo depois de vê-lo figurar numa lista de melhores filmes de 2013, supostamente elaborada pelo Quentin Tarantino. Tarantas este que também é fã assumido de diálogos bem elaborados (o que, pensando bem, acaba dando um pouco mais de credibilidade à mencionada lista de filmes - que ainda conta com “Gravidade”, “Kick-Ass 2”, “É o fim” e o “Antes da Meia-Noite” do Linklater).

O filme é muito bom. Não espere chorar, ou morrer de rir, porque essa não é a proposta (apesar de a maioria dos sites da internet classificá-lo precipitadamente como comédia romântica ou drama).

Escrito e dirigido por Joe Swanberg, trata-se da estória de Luke (o divertidíssimo Jake Johnson, da série 'New Girl') e Kate (Olívia Wilde, tentando - e conseguindo - se desvencilhar da imagem de mulher durona que cristalizou com outras atuações), colegas de trabalho em uma pequena fábrica de cerveja. Os dois são grandes amigos, que adoram tomar cerveja juntos e jogar sinuca no bar Empty Bottle com o restante do pessoal da cervejaria. E a partir da tensão sexual existente entre os dois, a trama se desenvolve, já que ambos estão comprometidos: Luke tem planos de se casar com Jill (Anna Kendrick) e Kate namora Chris (Ron Livingston), um produtor musical, há 8 meses.

Sorrateira e ardilosamente, o diretor nos instiga a olhar tudo pelo ângulo de romances melosos à la Nicholas Sparks, fazendo com que esperemos ver, a qualquer momento, Luke e Kate se entregarem aos beijos um do outro. A questão é que, o que impossibilita que eles fiquem juntos é o fato de terem, cada qual, seus próprios amores. Dai começa a complicação - mais para nós, espectadores, do que para os próprios personagens: torcer por eles é, também, torcer pelo fim de seus romances atuais ou, o que é pior, desejar assistir a uma traição. Chegamos a ser "brindados" com um deslize de Jill e Chris, o que levaria qualquer espectador a pensar: “Pronto! Olha ai! Eles deram motivo! Agora é só terminar e partir pra cima!”.

Mas acontece que Joe Swanberg não queria um filme sobre amores impossíveis, contrariando o vício da platéia nesse tipo de gênero. Ele queria justamente dizer que há mais possibilidades entre um homem e uma mulher. “Drinking Buddies” (e não “Drinking Lovers”) trata sobre a amizade e a construção de seus limites. Suas responsabilidades, seus riscos e sua perfeita compatibilidade com o amor.

Não quero aqui ficar contando filme, o que acabaria com a discussão - e com o prazer de quem ainda não o assistiu. Mas se você for assistir (ou rever), basta reparar que os protagonistas formam, por si mesmos, uma dicotomia interessante para entender a ideia central: Luke, aparentemente, nunca teve dúvidas quanto à natureza da relação deles e é fundamental no processo de construção dos limites dessa relação (e ainda quebra o estereótipo de que homem só enxerga mulher pelo viés sexual); Kate, a parte mais vulnerável, diante das dúvidas que advém de seu relacionamento amoroso com Chris, aparece como contraponto, responsável pela incerteza e pelo “E se…”. Com base nisso, a amizade se fortalece.

O interessante é que a maioria das resenhas e críticas que li sobre o filme tendem a induzir o espectador a olhar pelo lado romântico de toda a estória. “Nada como cerveja para embaçar os limites da amizade” e por ai afora. Um certo apelo comercial. A meu ver, não entenderam nada. “Drinking Buddies”, muito mais que isso, quebra o clichê do grande amor e mostra o quanto é legal ter, também, um bom parceiro de copo. Transmite uma vontade louca ao espectador de chamar Kate e Luke (e Jill, por que não?) para o Empty Bottle e pagar a rodada de chope pra todo mundo. Pelo menos essa foi a vontade com que fiquei.

Um filme simples. Mas que trata de questões profundas com inteligência e bom humor. Como todo bom “filme de diálogo”.

ALGUMAS CURIOSIDADES:

-> Joe Swanberg não escreveu os diálogos completos dos personagens. Entregou aos atores e atrizes o esqueleto das cenas e os instruiu a improvisarem, a fim de criar o clima certo de descontração. A maioria das cenas é fruto de trabalho e estudo dos próprios artistas. Com isso, ele queria evitar, principalmente, cair na previsibilidade que as comédias românticas geralmente inspiram.

-> Em grande parte das cenas, os atores e atrizes realmente estão bebendo cerveja.

-> Swanberg teve a ideia para o filme após receber de aniversário um kit de cervejas artesanais feito por uma cervejaria independente. A partir dai, quis escrever uma estória sobre conflitos adultos, mas que tivesse sempre uma abordagem divertida, apesar de séria.

-> O filme foi rodado numa cervejaria independente real de Chicago, chamada Revolution. Lá, existe uma funcionária que realmente se chama Kate, e que foi a base para Joe construir sua personagem.

-> Jake Johnson escolheu deixar seu personagem com uma barba bem espessa, o que daria um ar mais real a Luke.

Trailer:

Depois de nove anos... (The Office Finale)

2013-05-23T08:04:00.002-07:00

Eu já disse anteriormente, quando estava escrevendo sobre a despedida do Steve Carell (e de seu personagem, Michael Scott) de The Office, que episódios de despedida são arriscados. Por mais que o humor esteja presente, dar adeus nunca é fácil. E, se foi difícil dizer tchau a um personagem (ainda que este seja MICHAEL SCOTT!), o que dizer de todo um mundo, com seus dramas, características e carismas construídos no decorrer de 9 anos!

Muita gente não gostou do último episódio de The Office. Julgaram-no incoerente com o clima da série, excessivamente meloso, focado em lados distorcidos dos personagens, enfim, em uma palavra: frustrante. A meu ver, uma análise rasa.

A despedida de The Office não aconteceu apenas no último episódio. Em meio a constantes questionamentos sobre os rumos da série após a saída de Carell/Scott, diante da atemorizante queda de audiência (de 8 milhões para pouco mais de 4 milhões de espectadores nos EUA), o elenco e os produtores viveram as últimas duas temporadas sob a constante ameaça de cancelamento súbito, sem a oportunidade de desfecho da trama. Assim, quando restou claro que a 9ª temporada seria a última, toda ela foi dedicada a desconstruir, de maneira gradual, aquele mundo tão singular.

Como se sabe, a premissa da série é a de que estamos assistindo a um documentário feito sobre um escritório representante de vendas de papel e seus funcionários. No início, nos parece um documentário pronto e acabado. Mas, no decorrer dos anos, por diversas vezes fomos surpreendidos ao percebermos que, na verdade, o documentário ainda está sendo rodado. Testemunhamos tomadas sem edição e conversas dos funcionários com membros da equipe de filmagem, entrevistas interrompidas. Isso trouxe a visão do telespectador para fora da moldura que o documentário fictício queria impor, ampliando nosso conhecimento sobre a vida “real” dos personagens. O que deu a eles uma dimensão totalmente nova e mais humana.

Por outro lado, passados nove anos no ar, foi o gancho encontrado pelos produtores do show para iniciar a transição final e construir o desfecho. Cada vez mais, o enquadramento dado pelo documentário foi sendo colocado de lado, deixando à vista a vida real dos funcionários. O efeito foi o de que nos acostumamos de tal forma a observar a vida e rotina daquelas pessoas que, a partir de certo momento, o documentário em si passou a ser insuficiente. Fomos invadidos por suas vidas, seus dramas e anseios. A moldura, inevitavelmente, começou a cair.

A primeira vez em que isso aconteceu de maneira impactante foi com a despedida de Michael Scott. Após 7 anos de convivência, assistimos ao adeus de Scott, e às lágrimas de Carell. Em diversos momentos, não sabíamos dizer se estávamos vendo um chefe dizendo adeus a seus funcionários, ou um ator se despedindo de seus colegas de elenco. Curiosamente, a desconstrução do clima de documentário foi feita de tal forma que, além de ampliarmos o foco para as vidas pessoais dos funcionários da empresa de papel, também começamos a conhecer uma pontinha de sentimentos também dos atores e atrizes. Eles próprios, em entrevistas de bastidores, confirmam a ambiguidade. Que, aliás, foi estabelecida propositalmente. As lágrimas que vimos foram reais (John Krasinski, o Jim, inclusive conta que, antes da sua cena final com Carell, chorou de maneira “vergonhosamente abundante”, em suas próprias palavras).

A partir de então, muitos dizem que o show perdeu qualidade. Obviamente, a ausência do carisma de Steve mudou bastante o clima dos episódios. Mas a ideia inicial da série, que poderia ser resumida em “Como seria trabalhar para o pior chefe do mundo?” (e que comprou para si mesmo uma caneca com os dizeres “Melhor chefe do mundo”), mudou bastante no decorrer das temporadas, e personagens, antes secundários, ganharam uma dimensão bem maior. As crianças de Michael Scott cresceram e ganharam pernas maiores. Com a sua saída, o grande desafio do elenco era continuar sustentando aquele mundo sem sua grande estrela. Quem captou a dimensão desse mundo percebeu que eles conseguiram. Dwight, Jim, Pam, Stanley, Kevin, Oscar, Angela e todos os novos personagens que entraram no decorrer dos anos (Erin!) também tinham seu carisma e acompanhá-los, em suas vidas pós-Michael, continuou sendo tão divertido quanto antes.

Na 9ª e última temporada, a desconstrução do mundo-documentário entrou em ritmo acelerado. A fusão dos personagens com a realidade foi aumentando com o tempo. Um dos momentos mais significativos ocorre quando percebemos que um dos câmeras, membro da equipe de filmagem do documentário, está apaixonado pela Pam. Seu jeito de focalizá-la quando está sozinha, demonstrando introspecção e cumplicidade com seus dramas pessoais, de início nos surpreende. Por fim, conhecemos o rosto desse câmera, que se envolve pessoalmente com a Pam, ao comprar uma briga dela.

Incidentes como esse permeiam todo o último ano. Frequentemente vemos equipamentos de filmagem aparecerem, mãos e pés de membros da equipe de filmagem, conversas entre eles e os funcionários do escritório. Por vezes, soa como puro desleixo daqueles que, durante nove anos, acompanharam, por trás das lentes, as aventuras vividas por aqueles funcionários. Resta evidente o fato de que, de maneira inquestionável, eles também fazem parte do show. Principalmente representando a nós, telespectadores. E a apresentação do documentário pronto ao público e à critica, que acontece em algum momento entre o penúltimo e o último episódio do show, coroa a transição para o “Finale”, um episódio especial de 50 minutos, em que o documentário em si deixa de ser importante. O foco vira-se todo para aos personagens (e, novamente a ambiguidade) e artistas. Risos e lágrimas fictícios e reais se confundem. O que vemos, fora da moldura imposta pelo documentário são colegas de trabalho se despedindo. Seja esse trabalho um escritório representante de vendas de papel, seja ele um set de filmagens.

O Finale

Esse episódio final foi, sem dúvida, o mais emocional de todos. E não poderia ser de outra forma. Afinal, é disso que tratam as despedidas.

Cronologicamente, se passa um ano após o penúltimo episódio (e a exibição do documentário final). Passamos a conhecer, pouco a pouco, onde foi parar cada personagem. Mas o grande mote do episódio é o casamento de Dwight e Angela.

Jim, escolhido como padrinho, está organizando a despedida de solteiro. O que, aliás, já nos traz a primeira surpresa agradável. Após anos pregando peças em Dwight, Jim reconhece a importância do amigo e decide pregar apenas “peças boas”. Na primeira, ele leva o noivo e seus amigos para um campo, onde oportuniza a Dwight dar um tiro de bazuca (um de seus sonhos). Em seguida, Jim leva todos para um jantar reservado, onde é a vez de apresentar uma stripper ao amigo. Dwight não entende muito bem o sentido da coisa, e a “pegadinha do bem” acaba sem o efeito desejado. Por fim, a noitada termina no bar do Kevin. Com isso, a pegadinha do Jim foi forçar as pazes entre o dono do bar e o noivo, que não se falavam desde que Dwight despediu Kevin.

Nos momentos anteriores à celebração do casamento, a última peça que Jim prega em Dwight. E um dos melhores momentos do episódio. Com os olhos úmidos, Jim confessa ao noivo que não pode ser seu padrinho. Mas que providenciou um substituto. Nesse momento, Dwight olha para a porta, onde Michael está parado. Emocionado, diz “Michael! I can't believe you came!”. Ao que ele responde “That's what she said”. Com mais uma de suas olhadas para a câmera, Jim fala “Best prank ever." Deixei sem tradução, porque perderia o sentido da piada completamente.

Foram poucas as aparições de Michael durante o episódio, e menos ainda suas falas. Mas foi o suficiente para matarmos um pouco da saudade que o personagem deixou. Em sua última fala, olhando para Jim, Pam, Dwight e Angela, diz de maneira ao mesmo tempo carinhosa, ingênua, emocionada e bem-humorada: “Me sinto como se todas as minhas crianças tivessem crescido e então se casaram umas com as outras. É o sonho de qualquer pai.”

E conforme o tempo de vídeo vai passando, sentimos que os nove anos de série estão chegando ao final. A última fala de Andy Bernard (Ed Helms) resume o sentimento nostálgico das últimas cenas. “Queria que houvesse uma forma de saber que estamos vivendo nossos anos áureos, antes de eles terem terminado”.

O pós-festa de casamento, no armazém do escritório, reúne os funcionários pela última vez em seu ambiente de trabalho. Curiosamente, percebemos vários membros da equipe real de produção do seriado misturados ao elenco. Inclusive o produtor executivo, Greg Daniels, infiltrado na foto oficial final. A ficção toma rumos à sua fusão inevitável com a realidade, o momento no qual deixará de existir.

Discretamente, os funcionários começam a deixar o armazém e caminhar para a sede do escritório, onde farão sua reunião final em reservado. Cada qual em seu cantinho de origem, sua mesa, o lugar onde pertenceram pelos últimos nove anos. Novamente, torna-se ambíguo e difícil dizer onde terminam os personagens e começam os artistas que os interpretam. Ali, reunidos e embalados pela bonita canção de Creed Bratton (escrita por ele próprio), reconhecem a importância de todo o tempo que passaram juntos, e do quão maravilhoso, apesar de entediante e cansativo, foi trabalhar na Dunder Mifflin por todo esse tempo. Creed resume bem: “Não importa como você chegou lá, ou onde foi terminar. Seres humanos têm esse dom milagroso de fazer de qualquer lugar o seu lar”. E ali, terminava o lar daqueles personagens/artistas. Agora, cada um toma seu rumo.

No fim das contas, o grande barato de The Office (tanto a versão britânica original quanto a americana) foi conseguir transformar a rotina maçante e entediante de um escritório comum em algo engraçado e peculiar de se ver. No decorrer de nove anos, assistimos pessoas comuns se transformarem em personagens carismáticos, com suas características inconfundíveis. E as vimos transformar seu ambiente de trabalho em seus lares, colegas de trabalho em companheiros de vida. E se aproximaram de nós justamente por isso. É o que todos nós fazemos, todos os dias de nossas vidas.

Na última cena, todos deixam o escritório. Pam é a última. Retira da parede o quadro com uma pintura que fez da faixada do prédio, há vários anos atrás. “Há muita beleza nas coisas comuns.” escutamos sua voz. “Não é esse o objetivo de tudo isso?”

Dave "Fucking" Grohl - SXSW 2013

2013-03-18T17:08:00.001-07:00

Todos os anos, em Austin, Texas, EUA, ocorre o Festival South by Southwest, onde milhares de pessoas se reúnem para discutir música e cinema.

Esse ano, o convidado para fazer o discurso de abertura do evento (keynote) foi, nada mais, nada menos, que Dave Grohl.

E, como um cara fodão que já revirou o mundo da música e que, de modo discreto, mas extremamente corajoso, acaba de dar seus primeiros passos também no mundo do cinema, ele falou sobre algo que a maioria se esquece quando pensa em ingressar no mundo das artes - o elemento humano.

Fiquem agora com as palavras sábias desse que, na minha opinião, é o maior músico da atualidade.

Compensa cada segundo.

(Valeu, Lorena!!)

Para quem é fã de Homem-Aranha

2012-12-14T20:13:00.000-08:00

Quando saiu "O Espetacular Homem-Aranha" nos cinemas, eu já não estava muito empolgado para ir assistir. Os trailers antecipados bem que tentaram ajudar, mas essa estória de reboot da série assim, do nada, sem dar um tempo de a antiga trilogia decantar, não estava com cara de que iria dar certo.

E o trocadilho barato e pronto com o nome do diretor - Marc Webb - não ajudou muito.

Hoje, enfim, assisti ao filme. Nem me dei ao trabalho de gastar dinheiro para alugar ou comprar. Baixei do Pirate Bay. E eu estava certo. O filme é uma porcaria.

A Gwen Stacy de Emma Stone

Tá, tudo bem que existem vários pontos positivos. Sally Field encarnou bem o jeitão da Tia May, e a Emma Stone está fantástica como Gwen Stacy - apesar de eu discordar completamente dessa pagação de pau para ela. Tudo bem, ela é uma ótima atriz. E é até gatinha. Mas, pô, não vamos exagerar! Existem várias outras loiras gatíssimas por ai a fim de encarnar a primeira namorada "pra valer" do Peter Parker. De qualquer forma, é um zilhão de vezes melhor que a Kirsten Dunst como MJ.

As sequências de luta e ação do filme também são boas. Mas são piegas demais, cheio de sentimentalismo barato, em uma grande parte delas. Eu ficava me perguntando toda hora: Pra que que enfiaram essa porcaria de alinhamento de guindastes no meio da rua? Dava pra passar sem essa forçação.

Mas o principal: as lutas estão mudas. MUDAS! Cadê aquela enxurrada de piadas infames do Aranha, irritando até mesmo os vilões mais casca-grossas, disparadas no meio de chutes e pontapés? Por mim, é igual fazer um filme do Popeye sem espinafre. Os filmes com o Tobey Maguire também pecaram nesse sentido. Mas achei que fossem corrigir neste. Não corrigiram.

Mas fora essas comparações inevitáveis com a história original das HQs do amigão da vizinhança, o filme em si é ruim. Algumas cenas são forçadas demais (como a chuva artificial que cai durante o sepultamento do Capitão Stacy), outras não possuem sequência lógica (alguém sabe onde foram parar as algemas que prendiam Peter, na cena em que o Stacy descobre a identidade dele?)... Aliás, fizeram Nova York inteira descobrir a identidade secreta do teioso. Ele não parava de tirar a máscara!

A descoberta dos poderes sobrenaturais, após a picada da aranha, é uma das partes mais legais da narrativa original. O filme do Sam Raimi soube explorar esse trecho de maneira fantástica. No do Webb, a coisa se desenrola de forma tensa, atropelada. Não dá pra curtir.

O desenvolvimento do uniforme e as primeiras aventuras também seguem com o mesmo defeito. Ao meu ver, fruto de uma adaptação mal-feita. A participação do Peter em torneios clandestinos de luta livre, utilizando um uniforme improvisado, é uma parte CLÁSSICA e OBRIGATÓRIA em qualquer filme ou HQ que fale da origem do Aranha. Pecado mortal.

Enfim...

Já confirmaram a sequência. Sabe-se que o diretor e os roteiristas escolheram um dos arcos mais importantes da história dos quadrinhos para produzir o filme: A Morte de Gwen Stacy. E eu tenho quase certeza de que vão detonar com a estória. Uma pena.

Vamos torcer por bons personagens. Mary Jane já está confirmada no segundo filme. Faço das palavras do Judão (Blog do Judão) as minhas: POR FAVOR, façam a primeira aparição dela ser igual à dos quadrinhos. NÃO MUDEM, eu imploro.

Aliás, a pergunta que permanece: Por que os cretinos dos roteiristas não seguem a historia original? É tão difícil assim? Precisa retalhar o script?

Homem-Aranha continua esperando um filme à altura. Por enquanto, os filmes já lançados só comprovam que o Sam Raimi é muito mais fã do Aranha do que o Marc Webb.

Caldas Country é mais rock'n'roll que o Pablo Kossa

2012-11-26T12:09:00.001-08:00

Mick Jagger, até hoje, diz que um dos episódios mais nefastos da história dos Rolling Stones foi o evento ocorrido em Altamont, na Califórnia, em 1969.

No dia 6 de dezembro daquele ano, os Stones promoveram um mega concerto em Altamont Speedway, um autódromo no meio do deserto, com entrada livre para quem quisesse ir. A ampla divulgação nas rádios da época levou cerca de 300 mil pessoas ao local, bem mais do que a quantidade esperada pelos organizadores.

Na programação, além do grupo de Mick Jagger e Keith Richards, ainda estava prevista a aparição de Jefferson Airplane, The Flying Burrito Brothers e Grateful Dead. A segurança ficou por conta do bando de motoqueiros Hell's Angels.

Dizem que os Angels foram contratados diretamente pelo produtor dos Stones, para realizar unicamente a segurança do grupo, não do evento todo. O pagamento, só o dinheiro da cerveja.

A bagunça foi enorme. Imagine só que o público recorde do Rock In Rio, em 2001, com o show do Red Hot Chilli Peppers, foi de 250 mil pessoas. Com a organização do Medina, numa Cidade do Rock construída especialmente para o evento. Agora imagine, em 1969, aproximadamente 300 mil pessoas no meio do deserto da Califórnia, com a segurança feita pelos Hell's Angels! Os caras usaram as próprias motos como barricada para conter o público à frente do palco. Só podia dar rolo.

E quando deu o rolo, morreu gente. Várias pessoas foram pisoteadas, muita gente tomou porrada dos motoqueiros, uma grávida (o que ela tava fazendo num show dos Stones, em 69, para 300 mil pessoas?) levou uma garrafada na cabeça e foi internada com traumatismo craniano e quatro homens morreram, dentre eles, Meredith Hunter, um produtor musical controverso. Esfaqueado até a morte por um dos Angels.

A confusão foi parcialmente documentada no filme “Gimme Shelter”, lançado em 1970. Dá pena ver a cara de Richards e companhia assistindo às cenas da confusão, no videotape. O mundo do rock parou, aturdido com o poder de mobilização que possuía. E que podia ser mortal.

Era o auge da Era de Aquário. Aproximadamente 4 meses antes, entre os dias 15 e 18 de agosto, a primeira edição do Festival de Woodstock tinha balançado os conceitos morais e musicais da sociedade da época. Enfim, vivíamos a época mais rock 'n' roll da humanidade. Desfilavam, por Londres e Nova York, Hendrix, Joplin, Jagger, Richards, Lennon, Dylan, no ápice de suas criatividades. Marilyn Manson ainda usava fraldas.

Não é papo de saudosista, até porque eu nunca vivi naquela época. Mas as drogas (na maioria absoluta dos casos, maconha e haxixe) eram muito mais fracas (e mais naturais). Cientificamente comprovado. O sexo e a música eram utilizados como forma de chamar a atenção para a parte boa, saudável e produtiva da vida – o oposto da guerra (física e ideológica). Faça amor, não faça guerra.

E dai, de repente, abro a internet e vejo um texto com o título “Caldas Country é mais rock'n'roll que você”. (Por Pablo Kossa – disponível em http://www.aredacao.com.br/colunas/21436/pablo-kossa/caldas-country-e-mais-rock-n-roll-que-voce). Praticamente um jargão, repetido em tom de brincadeira por qualquer um que visse as fotos inusitadas que rodaram pela internet após o evento em Caldas Novas. E reciclado pelo Pablo Kossa.

Vivemos numa época em que o enfrentamento a determinados valores é feito por puro modismo. Ou pra polemizar. É 'cool' questionar a esmo. Enfrentar os pais, esfregar sua preferência sexual na cara dos outros (principalmente os héteros). Não se sensibilizar com a morte ou o prejuízo alheios. Mostrar que é bem resolvido na vida e dono da própria bunda. E postar tudo no twitter.

A falta de educação impera em todos os lugares. E o que vemos são crianças mimadas, que não aceitam 'não' como resposta. Mentes pueris em corpos sarados. Não curtem música. Curtem algum barulho que abafe, temporariamente, algum pouco bom senso existente e os deixe fazer bagunça em paz. E estão dispostos a pagar por isso.

Ai surge o Caldas Country. Com todo o respeito a alguns poucos artistas que se apresentam por lá (sim, porque a maioria é um bando de aproveitadores de onomatopéias): Não se iludam. Ninguém está lá para escutar vocês.

Sem os pais por perto, o bonde da criançada apronta na cidade. O que vemos é diversão de criança mimada: violência gratuita, birra, prostituição em alta, estupros. Morte, sexo explícito, um zoológico a céu aberto. Vemos a selvageria, a regressão da condição humana a patamares mínimos, sem a baliza da civilidade. E o principal: sem objetivo. Diversão a todo custo. Até agora não consigo entender o que levou um cara a destruir o próprio carro. Subiu em cima, sambou, pulou, quebrou vidros e, por fim, ateou fogo. Uma brincadeira de mais de R$40.000,00.

E ai, vem um texto me dizer que o Caldas Country é mais rock'n'roll que eu. Para mim, o autor não entende nada de rock.

Qualquer pessoa sabe (ou precisa saber) que o rock, de modo geral, é um tipo de atitude, de pensamento de vida, aliado à música. É questionamento constante, inconformismo. Vontade de liberdade, diversão, prazer. É o desafio a valores vigentes. Rebeldia. Tudo regado a amplas doses de consciência política, social, individual. Ainda que fale de amor.

Quer identificar a essência rock'n'roll em alguma coisa? Postura. Analise o contexto da obra, a paisagem, a pintura maior. Geralmente, o rock é do contra, e tem excelentes motivos para tanto. Desde o questionamento social de Bob Dylan, até o inconformismo individual de Kurt Cobain. E não se esqueça da música, pelo amor de Deus. Música.

Preciso falar sobre Caldas Country? Mesmo? Não vou nem dizer que ali, ninguém sabe o que quer, ou onde quer chegar. Só quer o prazer. E não há música. Sim, ela está tocando! Mas ninguém ouve. Não vou citar a violência gratuita que deixaria qualquer “Glimmer Twins” se esquecerem dos Hell's Angels. Não vou citar os atos de sexo banal praticados explicitamente, na frente de câmeras de smartfones, para afirmar sabe-se lá o quê, para sabe-se lá quem.

O Rock é o desafio. É a luta contra a correnteza. O Caldas Country é apenas a confirmação de toda a falta de valores e de motivos que tomam conta de mais de uma geração. É a confirmação do que existe de mais podre na nossa sociedade e que, um dia, há de passar. É a própria correnteza, em si.

O Rock é a rebeldia contra Caldas Countrys.

Então, Pablo Kossa, ouça mais rock. Leia mais. E pare de falar asneiras. Ou então, tire o chapéu do armário e junte-se aos demais pseudo-rockers, lá em Caldas, ano que vem.

Qualquer pessoa é mais rock'n'roll que o Caldas Country.

Os Amarelinhos

2012-11-20T07:22:00.001-08:00

Poucacoisa me intriga mais do que o ódio mortal que a sociedade, emgeral, nutre pelos agentes da AMT – Agência Municipal de Trânsito,aqui em Goiânia. Sim, esses caras de boné preto, camisas amarelaschamativas e bloco de notas na mão.

Marronzinho canetando

Em SãoPaulo, os famosos “marronzinhos” (lá, o uniforme deles émarrom) assumem um aspecto até divertido. Lógico que também sofremcom uma dose de raiva, mas é mais leve. São quase figurasfolclóricas. É difícil ver um na rua e não falar “Olha lá omarronzinho”. Aqui, geralmente as pessoas falam “olha lá o FDP”.

Tudo bemque essas figuras polêmicas estejam inevitavelmente associadasàqueles boletos que chegam pra você pagar, de vez em quando, com onúmero da placa do seu carro. Multa é mesmo um dinheiro gasto deforma inútil. Mas, convenhamos: geralmente, você está mesmoerrado! Passou um farol vermelho, estacionou em lugar errado, etc. Sea multa é injusta, existem meios de se contestar a penalidade,apesar do trabalho árduo. Então, coloque a mão na consciência e,em vez de xingar o cara que te multou, xingue sua própria falta debom senso.

Quando euvejo alguém chamando um “Amarelinho” de “FDP”, pra mim,aquela pessoa assinou a confissão de mau motorista. “Sim, eu pioroo trânsito da minha cidade e detesto esses caras vindo me cobrar”.Automaticamente, nutro uma pequena antipatia (pelo xingador, claro).

Nãosejamos inocentes, obviamente: existe corrupção por parte de muitosdesses agentes e, na minha opinião, pouca coisa é mais nojenta queo tal do “cafezinho”. Seria um motivo justo para chamar os carasde “FDP”, exceto por dois detalhes: primeiro, não são todos oscaras que fazem isso; segundo, o crime vem em duas mãos. Ele cobra,mas você topa pagar. Corrupção é de quem solicita e de quem paga.E o Batalhão de Trânsito da Polícia Militar é tão corruptoquanto, mas não sofre o mesmo ódio por parte da população.

Por outrolado, sabe-se que a nossa cidade tem uma das piores engenharias detrânsito do país! Falta lugar pra estacionar, os congestionamentosse multiplicam, a falta de paciência transborda! Nessa hora, écomum achar justificativas mais do que fortes para furar uma fila,ultrapassar pelo acostamento, parar em local proibido e colocar aculpa na falta de estrutura. Rapaz, aquele aeroporto é uma coisaabsurda! Existem apenas quatro vagas de carro para desembarque, oresto é tomado pelos taxistas da cooperativa local. Uma bagunça.Vale dizer que uns 80% do caos ali na área é provocado por essestaxis. Vira uma corrida louca para pegar passageiro, para não perderlugar na fila, que os caras saem fazendo manobra de filme paratrabalhar. E nisso, o trânsito vai para o brejo. Motivo pra perder apaciência, não falta.

A questãoé a seguinte: Se você fizer a sua parte, o trânsito melhora e vocênão precisa chamar o agente da AMT de FDP. Parece clichê (erealmente é), mas é verdade! Mesmo que falte estrutura, dirija bem!Respeite sua faixa de tráfego! Estacione apenas em locais permitidos(quando não der, pague o estacionamento!). Pense no coletivo! Dêseta! Use os instrumentos que seu carro tem!

Agora, ocúmulo é a pessoa reclamar que tem agente da AMT atrás da árvore,se escondendo para aplicar multas. MEU AMIGO, VOCÊ ESTÁ COM MEDO DE QUÊ? Já viu alguém levar multa por usar cartão de estacionamento?Por parar no sinal vermelho? Por usar cinto de segurança? Radareletrônico de controle de velocidade e outros tipos de fiscalizaçãoeletrônica devem ser, por lei, identificados e devidamentesinalizados. Mas o agente não é obrigado a colocar uma faixa na ruadizendo que vai multar não. Já existe a placa ali dizendo que éproibido estacionar. Existe um semáforo dizendo que, no vermelho, éproibido passar. Todos devidamente identificados. Se você escolheburlar a regra EXPLÍCITA, já está fazendo errado e já estáoficialmente concorrendo a uma multa. Sem chororô.

Claro queexistem situações excepcionais: uma vez, colocaram um radar móvelde fiscalização eletrônica, sem sinalização, numa via onde avelocidade padrão era 60km/h. O radar pegava a partir dos 40km/h.Não precisa nem dizer que, logo logo, colocaram sinalização nolocal, justamente por que as multas eram totalmente irregulares. Masisso foi exceção.

Então,no meio de todas essas considerações, levando em conta que nóssomos praticamente os únicos responsáveis pelo trânsito, eupergunto: Por quê todo esse ódio dos “Amarelinhos”?

Os carasnem andam armados. Provavelmente, devem ser os agentes públicos quemais apanham, no exercício de suas funções. Garanto que, em 99,99%dos casos, de forma injusta.

Faça asua parte. O telefone da central de atendimento da AMT é:0800-646-0118. Se vir algo errado no trânsito, ligue. Quase sempre,os caras resolvem.

ps.: Concorda? Discorda? Quer descontar toda a sua fúria? Deixa seu comentário ai embaixo.

Quanto pesa a Felicidade?

2012-06-19T05:55:00.002-07:00

O debatede questões relacionadas à preservação e restauração do meioambiente e à melhoria da qualidade de vida e do bem estar social é um dos principais objetivos da Conferência das Nações Unidas SobreDesenvolvimento Sustentável, a Rio +20, que acontece de 13 a 22 dejunho, aqui no Brasil.

O tema deuma das conferências me chamou bastante a atenção. Trata-se dadiscussão sobre um novo indicador sistêmico, a Felicidade InternaBruta (FIB), que começa a ser adotado em alguns paísesdesenvolvidos, com o apoio do PNUD (Programa das Nações Unidas parao Desenvolvimento).

O FIB foidesenvolvido e adotado, primeiramente, no Butão, um pequeno país doHimalaia (inevitável pensar em centenas de piadas prontas etrocadilhos sobre a felicidade interna do Butão, etc, etc, mas, porfavor, vamos tentar nos concentrar no tema, ok?). Em 1972, o reibutanês Jigme Singye Wangchuck elaborou o novo tipo de indicadorpara contestar as acusações de que seu governo ia mal e a economiade seu país crescia de forma medíocre. Seu objetivo era mostrarque, quase sempre, a economia é insuficiente para medir o progressode uma nação (atualmente, através do PIB – Produto InternoBruto). E começou a chamar a atenção da comunidade internacional.

Apesar deaparentemente subjetivo e ligado a um estado de espíritoextremamente individual (a felicidade), o FIB não se mede apenasperguntando se o cidadão está feliz. Na verdade, para sua aferição,faz-se uma pesquisa referente a 9 áreas do desenvolvimento humano,por meio das quais chega-se a um número final indicativo.

Essasnove dimensões, passíveis de aferição, são: bem-estarpsicológico, saúde, uso equilibrado do tempo, vitalidadecomunitária, educação, cultura, resiliência ecológica,governança e padrão de vida. Critérios, portanto, bem objetivos eque podem ser analisados individualmente pelos governos de um paíspara tentar elevar o seu FIB.

Dessamaneira, o progresso que antes costumava-se medir pelo PIBdiversifica-se em outras áreas, tão importantes quanto a econômica,provendo um panorama mais completo. A renda, tanto familiar quandoindividual, passa a ser apenas um aspecto de uma das nove áreas –o padrão de vida.

Relativamenteà renda, engraçado notar que, após aplicações efetivas ouexperimentais do FIB como indicador em diversos países (Canadá,Inglaterra, Tailândia e até no Brasil, em testes feitos no RioGrande do Sul, São Paulo e núcleo rural de Brasília), constatou-seo oposto do que diz o ditado: Dinheiro traz felicidade, sim! Masapenas até certo ponto. Por meio de pesquisas, ficou claro que afelicidade está indissociavelmente ligada ao conforto e satisfaçãode necessidades, principalmente as básicas, mas que, apósdeterminado patamar de renda, ela passa a não mais influir naqualidade de vida dos indivíduos. Em alguns casos, atrapalha outrasáreas (como o uso equilibrado do tempo ou a vitalidade comunitária,por exemplo) e traz prejuízos.

De formageral, é interessante notar que o FIB é um meio muito mais completode se avaliar o crescimento de uma nação. E, aos cidadãos, umindício de que os governantes realmente prestam atenção àsnecessidades da população. Vamos torcer para que o Brasil adote, emcaráter definitivo, esse tipo de índice. Sem dúvida, seria um dosprincipais ganhos dos brasileiros advindos com a Rio + 20.

FONTES:

Wikipedia: http://pt.wikipedia.org/wiki/Felicidade_Interna_Bruta

ABRIL: http://planetasustentavel.abril.com.br/blog/riomais20/2012/06/13/felicidade-interna-bruta-e-o-novo-modelo-de-desenvolvimento/

ONG: http://www.felicidadeinternabruta.org.br/

BRODY DALLE, THE DISTILLERS e SPINNERETTE

2012-04-25T13:07:00.001-07:00

Bandas que você não pode deixar de conhecer

Brody Dalle faz parte de um seleto grupo de verdadeiras mulheres do rock'n'roll. Daquelas que, assim como Joan Jett, Courtney Love e Chrissie Hynde, adoram esconder seus olhos por trás de sombras carregadas, franjas compridas e arrebentam tudo quando sobem ao palco. Algumas, literalmente. Avril Lavigne até hoje deve ensaiar suas coreografias assistindo aos vídeos dessas figuras míticas no YouTube.

As performances violentas, os vocais roucos dignos de Janis Joplin e a postura aparentemente dura da líder do Spinnerette escondem uma figura sensível (Dalle declarou recentemente que não gosta de ouvir Adele, porque sempre que ouve “Rolling In The Deep” começa a chorar compulsivamente!).

Bree Leslie Pucilowski é australiana de Melbourne, nascida em 1 de Janeiro de 1979, ano em que seus compatriotas do AC/DC presenteavam o mundo com o álbum “Highway to Hell” (apesar de renegados pelo próprio país). Na infância, era fascinada com Cindy Lauper e os Beatles.

Brody Dalle

Nunca foi muito família e, inevitavelmente, tendo sua adolescência coincidido com a ascensão do movimento punk, logo foi parar nas ruas. Aos treze anos de idade, já usava drogas. Chegou a experimentar heroína, mesma época em que começou a tocar guitarra.

Ainda em Melbourne, participou da Rock'N'Roll High School, um movimento feminista do rock australiano e, a partir dai, ninguém mais segurou. Aos 16, fundou sua primeira banda, a punk Sourpuss. Em turnê com essa banda, conheceu Tim Armstrong, vocalista do Rancid (o cara era 13 anos mais velho que ela, que mentiu a idade. Em 1997, aos 18, depois de desmentir a fraude ao Armstrong, acabaram se casando).

Courtney Style

No fim dos anos 90, Brody foi para Los Angeles com Tim. Na Califórnia, em 2000, adotou o sobrenome do marido e fundou outra banda, The Distillers, com um sucesso bem maior que a antecessora. Chegaram a ter uma participação marcante no Festival Lollapalooza. Grande parte do sucesso, entretanto, veio com comparações inevitáveis a Nina Hagen, PJ Harvey e ao Hole, de Courtney Love (que não atravessava uma boa fase, apesar de terem faturado o Grammy do ano por “melhor voz de rock em dupla ou grupo”. Courtney acabou anunciando o fim da banda em 2002).

O Distillers lançou três álbuns, The Distillers (2000), Sing Sing Death House (2002) e Coral Fang (2003). Todos excelentes álbuns, diga-se de passagem. À época, arrebatou milhares de fãs, com sua pegada punk e a rouquidão afinada característica de Brody.

Com o tempo, o sucesso maior e a liberdade de criação, aos poucos o Distillers foi revelando um lado criativamente mais ambicioso de Dalle. Aliás, isso reflete a própria história da banda, que no segundo disco possuía apenas 2 membros da formação original e, no terceiro, apenas a própria Brody.

Em 2003, Tim e Brody se divorciaram. Depois de ser conhecida por inúmeros pseudônimos (Bree Robinson, Bree Joanna Alice Mayer, Bree Joanna Alice Robinson e Brody Armstrong), abandonou o sobrenome do ex-marido e passou a chamar-se apenas de Brody Dalle (em homenagem à atriz Beatrice Dalle, do filme Betty Blue).

Depois de quase 4 anos sem lançar material novo com o Distillers, e ansiando novos rumos na criação, Brody iniciou um projeto paralelo com o guitarrista Alain Johannes (Queens of The Stone Age e Eleven). No começo, era para as duas bandas coexistirem. Mas em 2006, para desespero de milhares de fãs, foi anunciado o fim do Distillers.

Dalle e Johannes: Queens of Distillers

Menos de um ano depois, na metade de 2007, o público soube do projeto paralelo com Johannes, e os fãs órfãos voltaram a ter esperanças. Em março, ao mesmo tempo em que se casava com Josh Homme (o multi-atarefado vocalista do Queens of The Stone Age e Them Crooked Vultures, baterista eventual do Eagles of Death Metal e aparecido em diversos outros projetos paralelos), anunciava o início do Spinnerette.

Aliás, o Spinnerette (assim como o Them Crooked Vultures de Homme) foi considerado uma agradável surpresa no mundo dos super-grupos de rock. Além de Brody (que foi do Distillers) e Alain (guitarra no Queens of The Stone Age e no Eleven), sua formação contou com Tony Bevilacqua (do The Distillers) e Jack Irons (Red Hot Chilli Peppers, Pearl Jam e Eleven).

À época, a vocalista declarou que o “Spinnerette não é uma banda, sou eu e qualquer músico com quem eu quiser trabalhar no momento”. Mas já com o lançamento do primeiro single, Valium Knights, em 08/08/2008, ficou claro que Alain Johannes era mais do que um guitarrista “trabalhando com ela no momento”. Em dezembro de 2008, o EP Ghetto Love (com 04 novas músicas) confirmava a influência criativa decisiva do músico.

Capa do primeiro álbum

Em 2009, o lançamento do primeiro (e até hoje único) álbum da banda, o homônimo Spinnerette, mostrava uma aproximação leve com o som eletrônico, mas mantinha o peso punk do Distillers. Os fãs não estavam mais órfãos! São 13 faixas que compõem um daqueles raros álbuns de se ouvir inteiros, sem pausar, de cabo a rabo.

Eu, particularmente, acho “The Walking Dead”, “Driving Song” e “A Prescription For Mankind” das melhores músicas que já ouvi na vida. Estão entre minhas favoritas. Sem deixar de lado, claro, a fantástica “All Babes Are Wolves” (que me introduziu à banda! Valeu, Hugo chefoso!) e “Impaler”.

Aparentemente, a banda tem privilegiado apresentações ao vivo (fantásticas, a propósito) do que produção em estúdio. Desde o lançamento do primeiro álbum, não foi revelado qualquer material novo (exceto participações esporádicas de Brody em músicas do Queens of The Stone Age e Transplants).

Recentemente em seu twitter, Brody Dalle revelou que está em estúdio produzindo o possível segundo álbum do Spinnerette. Alain Johannes, entretanto, informou que Dalle está tão convicta de suas ideias que as gravações “estão mais para um trabalho solo”. Talvez por conta disso, não leve o nome da banda. Além disso, o guitarrista Tony Bevilacqua não estava nas guitarras durante os ensaios, e Hayden S assumiu as baterias. A história do Distillers parece se repetir. Por enquanto, ainda não há previsão de quando o lançamento do novo material ocorrerá.

O importante é sabermos que Brody Dalle está na ativa. Ela não considera seus filhos com Josh Homme (Camille Homme, de 6 anos e Orrin Ryder, de 5 meses) como empecilho e logo deve voltar aos palcos, com áudio novo ou não.

Enfim, para quem curte o bom rock'n'roll, é imprescindível que se conheça a turma da Brody, independentemente de quem seja essa turma.

O aclamado director Liam Lynch produziu o vídeo de lançamento da música "Ghetto Love", faixa principal do EP de mesmo nome, que o Spinnerette lançou em 2008.

FONTES:

Blog Tenho Mais Discos Que Amigos:
http://tenhomaisdiscosqueamigos.virgula.uol.com.br/2012/03/26/por-onde-anda-brody-dalle/

Site oficial:
SpinneretteMusic.com/

Wikipedia Brasil:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Spinnerette

Wikipedia US:
http://en.wikipedia.org/wiki/Brody_Dalle

Brincando de bandido

2012-03-21T14:09:00.000-07:00

Torcida organizada é sempre tema polêmico.

        Freqüentemente confundida com crime organizado, tráfico de drogas e uso ilícito de armas, são elas movimentos sociais legítimos, cujo fim primeiro é apoiar, de forma organizada, os times de futebol a que estão ligadas.

        A união organizada e apaixonada em torno de um único objeto cria um vínculo tão forte entre seus membros que a coisa acaba bagunçando, quando uma parte de seus participantes acham as arquibancadas pequenas para seus propósitos e o movimento estende suas atividades para além de seus fins originais.

        A falta de controle sobre os membros da massa organizada (fruto de diretorias fracas, desorganizadas e autoridades públicas incompetentes) dá margem à entrada de todos os tipos de pessoas no grupo, criando clima propício ao desenvolvimento de atividades ilícitas: O chamado crime organizado para fins de tráfico, uso ilícito de entorpecentes e de armas e a violência indiscriminada contra membros de torcidas rivais.

        Obviamente, a incompetência do Poder Público e a falta de caráter da imprensa distorcem a realidade, criando um monstro de sete cabeças que não existe. A população execra o movimento legítimo e é onde surge a falsa confusão entre torcida organizada e crime organizado.

        Qualquer pessoa inteligente percebe que, nem todo membro de torcida organizada é criminoso. E que atividades criminosas ligadas às torcidas organizadas nem sempre (aliás, quase nunca) expressam o pensamento das diretorias destas torcidas. Eu disse “nem sempre”. Há casos em que isso invariavelmente ocorre, infelizmente.

        O fato é que membros de torcida organizada geralmente sofrem de uma carência por atenção e poder, seja em virtude do seu lugar de origem, seja em virtude do tratamento que recebem do poder público, seja pela embriaguez causada pela falsa sensação de poder que um grupo grande e organizado propicia. Uma imensa maioria de policiais, em qualquer parte do mundo, sofre do mesmo mal (basta ver a infindável quantidade de abusos cometidos por policiais). Alguns chamam de corporativismo. Eu chamo de carência. A sensação de que se é invencível, intocável. E se alguém enfrentar, meus companheiros me dão suporte. Então, bora pra porrada.

        Esse lado obscuro da torcida organizada, ao contrário do que todo mundo prega, constitui um tipo de crime “desorganizado”. Frequentemente é um crime pelo crime. O criminoso é de ocasião, apenas pela adrenalina do momento. Não há estrutura organizada para movimentar dinheiro, angariar fundos, disputar mercados, como nos morros cariocas. E justamente por ser desorganizado, esse tipo de crime se torna o mais perigoso e o mais difícil de ser combatido.

        Grande parte desse tipo de criminoso compõe-se de jovens (ou até mesmo crianças) que gostam de brincar de bandido. Gostam da adrenalina de correr da polícia, de disputar territórios (para que fins mesmo?), de exibir armas que não lhes pertence, de perpetrar agressões gratuitas contra quem quer que ostente motivos de times rivais. Enfim, crimes banais, perpetrados por mentes vazias, sem um objetivo maior. E a dificuldade em combater esse tipo de criminalidade reside justamente no fato de não haver motivo aparente para sua existência.

        O motivo, mais escondido, está onde ninguém quer procurar: falta de emprego, de educação (familiar e escolar). De se suprir a carência demandada, com atenção e dedicação do poder público e da família. Certamente, teremos torcedores e policiais melhores. E todo mundo vai querer participar de uma torcida organizada (porque sabe que crime organizado é outra coisa).

ps.: Não concorda? Deixe sua opinião nos comentários!!

Na Velocidade da Informação

2012-01-13T08:14:00.000-08:00

Feliz 2012, prezados leitores que, vez ou outra, passam por aqui! Geralmente, bebedores de cafezinho de repartição, hehe! (eu confesso que não sou muito adepto desse tal cafezinho).

Primeiro assunto do ano!

No interior (e na capital, há muito tempo atrás), dizem que notícia ruim corre rápido. Hoje em dia, qualquer notícia corre rápido, basta que seja um pouquinho interessante. Ou se for fofoca. Ou, dependendo, se formar uma frase que tenha sentido. Quem é usuário frequente da internet sabe do que eu estou falando.

Florinda Meza - Assassinada pelo Twitter

Os responsáveis pela rede social do “Twitter” se auto-definem como uma estação de rádio virtual. Por ali, as notícias voam numa velocidade altíssima. Para se ter uma ideia, em certa tarde do ano passado, uma apresentadora de TV mexicana veiculou em seu perfil no twitter a notícia de que a atriz Florinda Meza, responsável pela personagem Dona Florinda, do seriado Chaves, havia falecido. Em menos de meia hora, o assunto já havia se tornado um dos mais comentados no mundo! O nome dela estava entre as palavras mais mencionadas, no mundo inteiro. E, em pouco menos de vinte e quatro horas, a própria atriz (através do perfil de twitter de seu filho, Roberto Gomes Fernandez), divulgou nota dizendo que estava bem! Vivinha da silva.

Veja aqui a reportagem do Site Canal 8 

(http://www.sitecanal8.com/noticias_ripflorindafail.html)

Esse caso ilustra bem a velocidade da informação nos dias de hoje, com a popularização das redes sociais. Em pouco menos de 40 minutos, o mundo inteiro ficou sabendo que uma atriz dos anos 80 havia falecido, e nesse mesmo prazo, a própria atriz desfez a mentira! Alguém diria que isso seria possível nos anos 80? Ou anos 90? Até hoje, tem gente acreditando que o homem não foi à Lua.

A evolução tecnológica tem sido direcionada a esse fluxo de informação. Afinal de contas, nossa vida é informação! Qual a sua idade, qual seu endereço, suas preferências profissionais, pessoais, culturais, sexuais... são dados valiosíssimos na mão de quem sabe o que fazer com eles. E ter acesso a eles não significa necessariamente invasão de privacidade. Isso porque, exatamente por ser valiosa, a informação vira moeda de troca: grandes empresas organizam e direcionam o fluxo a você que, em troca, utiliza suas preferências para acessar propagandas e anúncios comerciais, estes últimos, os grandes provedores financeiros de todo o sistema.

Nesse contexto, podemos notar dois sentidos em direção aos quais os novos dispositivos tecnológicos (smartphones, televisores, computadores, notebooks, videogames) e as atuais ferramentas de software (Twitter, Google, Facebook, Yahoo!) estão se desenvolvendo: promover acesso à maior quantidade possível de informação disponível na rede – o que vem sendo feito desde os primórdios da internet e, ainda nos dias de hoje, é valorizado; e organizar da melhor forma possível esse acesso pelo usuário interessado, de maneira a satisfazê-lo em sua pesquisa da maneira mais rápida ou, principalmente, da forma mais individualizada (e pessoal) possível – o que começa a se tornar prioridade nos últimos anos.

Grandes empresas como a Google e o Yahoo!, portanto, já não se contentam com a quantidade de respostas dada a uma pesquisa feita por seus usuários. Isso não têm se enquadrado mais no conceito de “pesquisa completa”. De agora pra frente, a corrida por uma boa ferramenta de buscas passa pelo perfil individual de quem faz a pesquisa. O usuário mora em Goiás? O usuário gosta de futebol? O usuário é filho único? São informações que passarão a influir no tipo de resultado obtido. Se eu, que sou torcedor do Goiás, pesquisar pela palavra “futebol” em uma ferramenta dessas, o retorno deverá priorizar notícias, dados, estatísticas sobre o futebol em Goiás, jogadores contratados pelo meu time, resultados de campeonatos regionais, e assim por diante. Enfim, resultados que se adequem ao meu perfil de usuário.

Da mesma forma, sistemas operacionais de televisores, smartphones e notebooks/computadores estarão cada vez mais amoldados às preferências de utilização de seu usuário. Comandos (e reconhecimento) de voz passarão a ser um recurso comum. Para se dar um exemplo, o assistente pessoal Siri, disponível nos novos iPhone 4S, da Apple, não faz a simples cognição da voz de quem fala. Ele interpreta o que o usuário pede, provendo um resultado mais exato ao que foi solicitado. Caso o usuário peça uma ligação para a mãe dele, a Siri pedirá para o usuário dizer quem é a mãe dele. Depois dessa vez, a assistente associará automaticamente, todas as vezes em que for solicitada, a pessoa referida como mãe do usuário. E assim por diante.

Dessa maneira, o que vemos é uma tendência de, cada vez mais, desenvolverem-se utilitários singulares, com características particulares, ou que obtenham o perfil único de seus utilizadores, para prover um acesso mais completo e preciso ao gigantesco número de informações que circulam na internet.

E nessa área, preparem-se para a enxurrada de lançamentos em 2012. Vai ser produto atrás de produto, cada um com recursos mais fantástico que outro. Reconhecimento facial, sensores de movimento, conexão de alta velocidade (internet 4G)! iPhone 5, iPad 3, iOS 5.1 (e, quem sabe, 6), Windows Phone, Windows 8, enfim!

O objetivo utópico, logicamente, é o de que, um dia, cheguemos ao acesso unicamente via pensamento. A velocidade e a precisão de um comando mental será capaz de movimentar um sistema intuitivo a tal ponto que será difícil distinguir o que é mais rápido: a velocidade do pensamento, ou a velocidade da informação. Se é que não serão a mesma coisa.