A CazéTV apresentou oficialmente a coleção de roupas que seu elenco usará durante a cobertura da Copa do Mundo de 2026. A linha chega com quatro modelos de camisetas nas cores amarelo, azul, branco e preto — as mesmas peças que serão vistas nos apresentadores, narradores e comentaristas do canal tanto no Brasil quanto nos Estados Unidos ao longo dos 104 jogos do torneio.

O projeto parte de uma lógica de identidade: em vez de adotar um visual genérico de transmissão, a CazéTV optou por desenvolver uniformes que funcionam como extensão da cultura construída em torno do canal desde sua fundação.

De acordo com a empresa, os modelos combinam referências afetivas das Copas de 1994 e 2002 com elementos gráficos da torcida brasileira e símbolos próprios da CazéTV, criando uma estética que mistura nostalgia, futebol de raiz e linguagem digital.

Visual dos 90 une campo e tela

Essa leitura visual dos anos 90 não é exclusividade do projeto. Os uniformes das seleções para o Mundial também seguem o mesmo padrão: a Adidas resgatou listras verticais clássicas para Espanha e Alemanha, e a Nike incorporou padrões geométricos que remetem às camisas mais celebradas do período. A CazéTV captura esse mesmo movimento e o traduz para o universo das transmissões digitais.

Pela primeira vez, o público poderá vestir exatamente os mesmos uniformes utilizados pelo elenco durante a cobertura do Mundial.

A estratégia, segundo a empresa, parte da ideia de transformar a audiência em parte ativa da cobertura por meio do pertencimento visual, um desdobramento natural de como a CazéTV construiu sua base desde as transmissões do Campeonato Paulista de 2025, quando a parceria com a kto.bet.br e outras marcas já estava consolidada na grade de patrocinadores.

O canal que transformou o futebol digital no Brasil

A CazéTV, canal do streamer Casimiro Miguel operado pela LiveMode, consolidou sua posição como principal transmissora digital de futebol no Brasil ao longo dos últimos anos. Para a Copa de 2026, o canal é o único com direitos para exibir todos os 104 jogos do torneio gratuitamente no YouTube.

A Copa será o primeiro Mundial com 48 seleções e jogos distribuídos entre Estados Unidos, Canadá e México, com abertura em 11 de junho no Estádio Azteca, na Cidade do México. Para a cobertura do torneio, o canal confirmou 11 patrocinadores, entre eles Ambev, Coca-Cola, Itaú, Mercado Livre e KTO. 

O estudo Affiliate Intelligence para a Copa do Mundo 2026, conduzido pela Rakuten Advertising com 503 pessoas entre 18 e 70 anos, revela que, entre os 93% de brasileiros que afirmam que vão acompanhar o torneio, 72% pretendem assistir pela TV aberta e 63% pela CazéTV no YouTube, uma diferença de apenas 9 pontos percentuais que não havia paralelo em edições anteriores da Copa.

A coleção de roupas é o mais recente passo de uma trajetória em que a CazéTV deixou de ser apenas uma plataforma de transmissão para se tornar uma marca com identidade visual, linguagem e comunidade próprias, e que agora quer estar presente também no guarda-roupa de quem vai torcer.

Imagem: Divulgação/Agência Refil

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A Pinacoteca de São Paulo inaugura Beatriz Milhazes: gravuras do acervo da Pinacoteca de São Paulo, no 2º andar do edifício Pina Estação. A exposição reúne pela primeira vez um conjunto de 27 gravuras produzidas entre 1996 e 2019, resultado de sua colaboração com Jean-Paul Rusell, fundador da Durham Press, estúdio de edição de gravuras, livros de artista e obras únicas sediado na Pensilvânia, Estados Unidos. A curadoria é de Renato Menezes.

A Pinacoteca de São Paulo é o único museu do mundo que possui esse conjunto de trabalhos, que foram doados ao acervo da instituição em 2009 e 2024. 

Beatriz Milhazes, grande nome da arte brasileira, é conhecida por seu trabalho que alia rigor geométrico a uma atmosfera sempre festiva, fruto de sua paleta exuberante. A produção da artista é marcada por uma linguagem de notável complexidade e beleza, e pela coerência no modo como consegue transitar entre diferentes técnicas, partindo sempre da pintura, tronco principal de sua produção, até chegar nas gravuras, técnica que pratica com assiduidade desde seu encontro com Rusell.

“Desde muito cedo – a artista fez parte da mostra Como vai você geração 80? – Milhazes conseguiu conciliar elementos e referências muito diferentes da cultura brasileira. Arte têxtil, chita, bordado, tecelagem tipicamente brasileira, grafismos indígenas, os artistas modernos do Brasi – ela se alimenta dessas referências e transforma tudo isso em uma linguagem própria”, conta o curador. “Em alguma medida, a gravura, técnica de reprodução de imagens, completa o sentido profundamente popular de seu trabalho, já manifestado em sua pintura. Além disso, a gravura coloca desafios técnicos novos para o seu trabalho, e requer outra forma de lidar com o tempo”, completa Menezes.

“Minha pintura se nutre do diálogo afetivo com os diferentes meios que venho trabalhando. O respeito e compreensão do tempo de cada prática carregam para o meu processo criativo, inovação, elementos novos para refletir o desenvolvimento dos meus conceitos”, afirma Milhazes.

A Pinacoteca de São Paulo é o único museu do mundo que possui esse conjunto de trabalhos, que foram doados ao acervo da instituição em 2009 e 2024. As gravuras foram desenvolvidas ao lado de Jean-Paul Rusell, renomado impressor e entusiasta da obra da artista. Nelas, Milhazes utiliza principalmente a serigrafia, técnica que consiste em fazer a tinta passar para a superfície desejada através de um bastidor preparado. O resultado, que é, em geral, chapado e com poucas cores, é subvertido pela artista, que consegue efeitos de transparência e sobreposição, criando situações de profundidade e vibração nas cores.

Nessas obras podem ser vistas estampas florais formando portais, guirlandas e ramos frondosos, parte de seu vocabulário de formas desde o início de suas investigações no campo da pintura. Nas gravuras aparecem também arabescos e formas sinuosas, discos, mandalas e colares de contas, incrementando a tradição geométrica brasileira, da qual também é herdeira. Isso pode ser visto, por exemplo, em Entre o mar e a montanha (1998). Na mostra é possível também perceber o modo como Milhazes monta e remonta as formas, as cores e os espaços aparentemente vazios, como os que aparecem em O pato (1996) e Noite de verão (2006).

Sobre a artista

Beatriz Milhazes (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1960) é pintora, gravadora e ilustradora. Com uma produção artística desenvolvida a partir de diferentes técnicas e materiais, seu trabalho é caracterizado pelo uso da cor, de estruturas geométricas, arabescos, florais e motivos ornamentais. Milhazes é considerada uma das mais importantes artistas no Brasil e internacional. Participou do Carnegie International, (1995); Bienal de Sydney (1998); Bienal de São Paulo (1998, 2004); Bienal de Shangai (2006) e Bienal de Veneza (2003, 2024).

Sobre a Pinacoteca de São Paulo

A Pinacoteca de São Paulo é um museu de artes visuais com ênfase na produção brasileira do século XIX até́ a contemporaneidade e em diálogo com as culturas do mundo. Museu de arte mais antigo da cidade, fundado em 1905 pelo Governo do Estado de São Paulo, vem realizando mostras de sua renomada coleção de arte brasileira e exposições temporárias de artistas nacionais e internacionais em seus três edifícios, a Pina Luz, a Pina Estação e a Pina Contemporânea. A Pinacoteca também elabora e apresenta projetos públicos multidisciplinares, além de abrigar um programa educativo abrangente e inclusivo. B3, a bolsa do Brasil, é Mantenedora da Pinacoteca de São Paulo.

Vai lá:  

  Pinacoteca de São Paulo  

Edifício Pina Estação | 2º andar

De quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h)   

Gratuitos aos sábados – R$ 40,00 (inteira) e R$ 20,00 (meia-entrada), ingresso único com acesso aos três edifícios – válido somente para o dia marcado no ingresso 

2º Domingo do mês – gratuidade Mantenedora B3 

Período: 16.05.2026 a 14.03.2027

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Podem participar pessoas físicas, empresas públicas, privadas ou de economia mista, organizações da sociedade civil e startups com projetos voltados à construção de um futuro mais sustentável, inclusivo e inovador. As inscrições ficam abertas de 29 de abril a 4 de setembro de 2026, pelo site oficial: dfbwaward.com. 

Nesta edição, os projetos poderão ser inscritos em oito categorias: Design de Produtos; Design de Serviços; Arquitetura e Cidades; Digital; Design Gráfico; Embalagem; Programas, Iniciativas e Metodologias; e Estudantes. As subcategorias estão disponíveis no site da premiação. 

“Estamos muito felizes com a sexta edição do DFBW Award. A cada ano, o prêmio se consolida e cresce em relevância, tanto pelo número quanto pela qualidade das inscrições, evidenciando como o design pode contribuir para enfrentar desafios globais”, afirma Letícia Castro, diretora-superintendente do Centro Brasil Design. 

Segundo ela, a edição de 2026 traz novidades importantes. “Ampliamos para oito categorias e incluímos uma específica para estudantes, com o objetivo de incentivar ainda mais a participação de jovens que têm contribuído com novos olhares e soluções para o futuro”, completa. 

Ao longo de cinco edições, o DFBW Award já reuniu mais de 1.500 participantes e premiou 257 projetos. A lista completa dos vencedores pode ser acessada no site. 

Benefícios aos ganhadores

Os projetos vencedores recebem o selo de reconhecimento DFBW Award e o Troféu Curupira. Criada pela Furf Design Studio em 2021, a estatueta é reinterpretada a cada edição por um novo escritório de design, sempre com foco na sustentabilidade dos materiais.

Outro destaque é a possibilidade de projeção internacional: os projetos premiados podem ser inscritos no iF Design Award 2027 sem custo da taxa de inscrição e com acesso direto à etapa final de avaliação, sem passar pela pré-seleção.

“É um trampolim para o reconhecimento internacional dos projetos”, destaca Letícia Castro.

Os vencedores também integrarão um e-book bilíngue com informações sobre todas as iniciativas premiadas, além de contar com divulgação pelo Centro Brasil Design, indicação para participação em eventos e palestras, conexão com uma rede de parceiros nacionais e internacionais e descontos em consultorias oferecidas pelo CBD.

Como diferencial, todos os inscritos, independentemente do resultado, recebem feedback qualificado do júri, contribuindo para o aprimoramento e valorização dos projetos.

Inscrições

Para participar do Design for a Better World Award 2026, é necessário realizar um pré-cadastro no site dfbwaward.com, efetuar o pagamento da taxa e preencher um formulário com as informações do projeto. 

O material deve incluir imagens, uma breve descrição da solução e argumentos que evidenciem seu desempenho nos critérios de design, inovação, impacto socioeconômico e ambiental.

As inscrições seguem até 4 de setembro de 2026, com três faixas de valores: 

• R$ 320 por projeto, para inscrições realizadas até 14 de junho
• R$ 420, de 15 de junho a 26 de julho
• R$ 520, de 27 de julho a 4 de setembro

É possível garantir o valor promocional realizando a inscrição antecipadamente e finalizar o envio do projeto até o prazo final. 

Mais detalhes estão disponíveis no regulamento.

Descontos

Com o compromisso de ampliar a inclusão, o DFBW Award oferece descontos na taxa de inscrição para estudantes, universidades, pessoas pretas, pessoas com 60 anos ou mais, indígenas e organizações da sociedade civil (OSC). Informações podem ser solicitadas pelo e-mail: dfbwaward@cbd.org.br​.

Serviço

Design for a Better World Award 2026
Inscrições: 29 de abril e 4 de setembro de 2026
Avaliação do júri: outubro de 2026

Anúncio dos finalistas: outubro de 2026
Comunicação dos resultados aos participantes: 2 a 4 de novembro de 2026
Cerimônia de premiação: 26 de novembro de 2026
Inscrições e mais informações: dfbwaward.com
Regulamento

Sobre o Design for a Better World Award

O Design for a Better World Award (DFBW Award) é uma premiação promovida pelo Centro Brasil Design, alinhada aos Objetivos de Desenvolvimento Sustentável (ODS) da ONU. Reconhece projetos, soluções e iniciativas de diferentes áreas que contribuem para um futuro mais sustentável e equitativo, utilizando o design como ferramenta de transformação. 

Sobre o Centro Brasil Design

O Centro Brasil Design (CBD) é uma instituição que conecta pessoas, governo, empresas e criativos para viabilizar projetos inovadores e negócios de sucesso. Há 27 anos, atua na promoção do design e da inovação como estratégias para a competitividade. Em 2018, tornou-se a primeira instituição brasileira de design a aderir ao Pacto Global da ONU. Em 2021, lançou o DFBW Award com o objetivo de identificar, reconhecer e dar visibilidade a soluções de impacto positivo alinhadas aos ODS e às práticas ESG. 

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Paz é uma Prática, Não um Lugar

O primeiro passo para construir uma vida mais calma é redefinir o que a paz interior realmente é. Não é a ausência de problemas ou uma vida com zero estresse. Em vez disso, é a sua capacidade de permanecer firme e centrado enquanto as coisas estão agitadas ao seu redor. Pense nisso como uma “âncora mental”. Para ajudar a cultivar isso, muitas pessoas usam ferramentas como o Liven app, que oferece um espaço estruturado para praticar os pequenos exercícios mentais que mantêm essa âncora forte.

Quando você vê a paz como uma prática, e não como um lugar, a pressão para “ser perfeito” desaparece. Você percebe que não precisa fugir da sua vida para se sentir melhor; você só precisa mudar a forma como se apresenta nela. Ao praticar pequenos momentos de presença, você ensina ao seu sistema nervoso que é seguro relaxar, mesmo no meio de um dia agitado.

A Ciência do “Pouco a Pouco”

Como um hábito de apenas um minuto pode transformar sua vida? O segredo reside na neuroplasticidade — a notável capacidade do cérebro de se reorganizar através da repetição. Cada vez que você escolhe uma respiração profunda em vez da raiva, ou percebe uma pequena alegria, você está esculpindo um “caminho de calma” em sua mente.

Isso torna a “Regra de 1%” incrivelmente eficaz. Enquanto mudanças massivas de vida frequentemente acionam o sistema de alerta do cérebro, gerando resistência, o cérebro aceita facilmente pequenas melhorias diárias. Você pode simplificar isso ainda mais com o “empilhamento de hábitos”. Ao “pegar carona” com uma nova prática em uma rotina já existente — como praticar respiração consciente enquanto escova os dentes — você pula a dificuldade de começar do zero. Ao associar a paz ao que você já faz, a calma acaba se tornando a resposta automática do seu cérebro ao mundo.

Começando o Seu Dia em Silêncio

Os primeiros dez minutos da sua manhã funcionam como um projeto para todo o seu dia. Se você começa navegando pelas redes sociais ou checando e-mails, você coloca imediatamente seu cérebro em um estado de “comparação” ou “reação”. Isso torna muito mais difícil encontrar seu centro mais tarde. Em vez disso, tente o hábito de “esperar para rolar o feed”. Dê a si mesmo apenas dez minutos sem celular logo após acordar.

Durante esse tempo, tente fazer uma verificação interna de sessenta segundos. Antes mesmo de sair da cama, perceba como seu corpo se sente. Há tensão nos ombros? Sua respiração está superficial? Apenas notar essas coisas, sem tentar consertá-las, traz você para o momento presente. Por fim, defina uma meta diária simples de como você quer se sentir. Em vez de focar apenas no que você quer fazer, escolha uma palavra como “paciência”, “gentileza” ou “firmeza”. Isso dá à sua mente um foco para o qual retornar ao longo do dia.

Encontrando Calma no Meio do Dia

O pico do estresse costuma ocorrer ao meio-dia, mas esse período oferece janelas valiosas para cultivar a serenidade. Você pode converter qualquer “tempo de espera” em um “momento de paz”. Em vez de se frustrar com sinais vermelhos ou computadores lentos, aproveite essa quietude gratuita para respirar profundamente.

Adote também a “Respiração da Passagem”: ao cruzar qualquer porta, inspire conscientemente para sinalizar um reinício ao cérebro, deixando as tensões no ambiente anterior. Além disso, faça pausas horárias de dez segundos para notar algo positivo, como o frescor da água ou um elogio recebido. Essas microações funcionam como âncoras, transformando sua rotina agitada em um reservatório de energia positiva e clareza mental, provando que o equilíbrio depende de pequenas escolhas diárias.

Desacelerando da Maneira Certa

A forma como você termina o dia determina quão bem você dormirá e como se sentirá na manhã seguinte. Um dos hábitos mais eficazes para a paz interior é ter um “horário de dormir para o celular”. Tente colocar seu telefone em outro cômodo, ou pelo menos fora do seu alcance, trinta minutos antes de dormir. Isso reduz a luz azul que mantém seu cérebro acordado e evita que você caia em um “ciclo de preocupação” antes de deitar.

Antes de fechar os olhos, tente a lista de “Pequenas Vitórias”. Escreva ou nomeie mentalmente três coisas que correram bem hoje. Não precisam ser grandes conquistas; até mesmo “eu tive um bom almoço” conta. Isso treina seu cérebro para procurar o que há de bom na sua vida, em vez de focar apenas nos problemas. Por fim, gaste dois minutos liberando a tensão física. Comece pelos dedos dos pés e suba até a cabeça, relaxando conscientemente cada músculo. Isso diz ao seu corpo que é seguro descansar e entrar em um sono profundo e pacífico.

Conclusão: Escolhas Pequenas, Mudanças Grandes

A paz interior não é alcançada através de grandes gestos; ela é construída com pequenos hábitos diários. Um ritual de dois minutos que você realiza com consistência é muito mais valioso do que uma meditação longa que você nunca começa. Pense nessas pequenas ações como ondulações em um lago — individualmente pequenas, mas que coletivamente criam um oceano profundo de calma.

Seja paciente com seu progresso. Se você pular um dia, simplesmente recomece. O objetivo é a consistência, não a perfeição. Você não encontra a paz esperando que a vida mude; você a constrói uma escolha de cada vez. Ao escolher uma pequena mudança hoje, você cria um amanhã mais resiliente.

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Produzido pelo Pantone Color Institute, o relatório destaca as 10 cores principais da temporada, além de 5 tons neutros atemporais, que devem orientar coleções, produtos e projetos criativos nos próximos meses. Para além de uma simples previsão estética, o estudo funciona como um guia estratégico para marcas e profissionais que buscam alinhar suas criações às tendências globais e ao comportamento do consumidor.

Cores tendência outono/inverno 2026: equilíbrio entre conforto e expressão

A paleta apresentada para o outono/inverno 2026–2027 é marcada por uma dualidade clara: de um lado, tons terrosos, neutros e reconfortantes; do outro, cores vibrantes, intensas e cheias de personalidade. Esse contraste reflete o momento atual, em que consumidores buscam segurança e pertencimento, mas também desejam se expressar de forma mais livre e autêntica.

Segundo Leatrice Eiseman, diretora executiva do Pantone Color Institute, a temporada propõe um mix que equilibra opulência discreta e modernidade, conectando tradição e inovação em uma mesma narrativa cromática.

Tons neutros e terrosos: a base da paleta

Entre as principais apostas, os tons naturais continuam em evidência. Cores inspiradas na terra, na argila, na areia e em paisagens orgânicas criam uma base sólida e sofisticada. Essas cores trazem uma sensação de estabilidade, bem-estar e conexão com a natureza — valores cada vez mais relevantes no design contemporâneo.

Além disso, os neutros ganham novas interpretações, com variações mais quentes e profundas, que adicionam elegância sem perder a versatilidade.

>> Veja aqui as tendências de cores para moda Primavera/Verão 2026

Cores vibrantes: energia e ruptura estética

Contrastando com essa base mais sóbria, surgem cores intensas e energéticas, que rompem com a previsibilidade típica das estações frias. Esses tons funcionam como pontos de destaque, criando tensão visual e dinamismo nas composições.

Essa combinação — entre o seguro e o ousado — revela uma mudança importante: o outono/inverno deixa de ser exclusivamente associado a paletas fechadas e passa a incorporar uma estética mais experimental.

Tendência de cores 2026: minimalismo com impacto

Outro ponto-chave do relatório é o equilíbrio entre minimalismo e expressão urbana. As cores não aparecem de forma excessiva, mas sim estratégica — criando contraste, profundidade e identidade visual.

Essa abordagem reflete um design mais consciente, onde cada escolha cromática tem intenção clara: comunicar valores, provocar sensações e diferenciar marcas em um cenário cada vez mais competitivo.

Como usar as cores da Pantone 2026 no design e na moda

Para profissionais de moda, arquitetura, branding e interiores, as cores tendência outono/inverno 2026 oferecem diversas possibilidades:

• Combinar bases neutras com pontos de cor vibrante para criar contraste;
• Explorar texturas e materiais naturais para reforçar os tons terrosos;
• Utilizar cores intensas em detalhes estratégicos, evitando excesso;
• Criar narrativas visuais que equilibrem conforto e inovação;

O que as cores da Pantone 2026 revelam sobre o futuro

Mais do que uma previsão estética, o relatório da Pantone LLC aponta para um comportamento: vivemos um momento em que tradição e experimentação coexistem. As cores refletem exatamente isso — um desejo por estabilidade emocional, combinado com a necessidade de expressão individual.

Ao reunir tons reconfortantes com cores ousadas, a paleta outono/inverno 2026–2027 propõe um novo olhar sobre o design: mais sensível, mais estratégico e, ao mesmo tempo, mais livre.

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Na filosofia japonesa, o conceito de Ma é fundamental para compreender a relação entre tempo, espaço e percepção. Traduzido como “pausa” ou “intervalo”, o termo valoriza o espaço negativo como parte ativa da composição — elemento essencial na arte, na arquitetura e na forma como experienciamos o mundo. Essa ideia tem influenciado profundamente a produção contemporânea, especialmente no campo das esculturas de cerâmica.

É a partir desse princípio que o artista En Iwamura, radicado próximo a Kyoto, desenvolve sua prática. Suas esculturas de cerâmica exploram escala, percepção e as relações de proximidade entre corpos e ambientes, refletindo diretamente o conceito de Ma. “As pessoas constantemente interpretam diferentes Ma entre si, e encontrar o Ma adequado — entre pessoas ou lugares — pode gerar relações específicas em um dado momento”, explica o artista.

O trabalho de Iwamura também investiga os significados culturais, simbólicos e históricos das máscaras. Parte dessa pesquisa nasce de memórias de infância, especialmente das visitas ao Museu Nacional de Etnologia, onde teve contato com artefatos de diferentes culturas. Esse repertório visual despertou um senso de mistério e curiosidade que hoje se reflete em suas esculturas.

Visualmente, suas obras se destacam pelas formas orgânicas, cores vibrantes e superfícies ricamente texturizadas, com dimensões que variam de pequenas peças a esculturas com mais de 1,5 metro de altura. O processo artesanal é central: Iwamura molda a argila manualmente, permite uma secagem parcial ao ar livre e, em seguida, trabalha a superfície com diferentes ferramentas. O resultado remete tanto aos padrões dos jardins zen-budistas quanto à técnica de acordelamento, que consiste em pressionar cordas de argila úmida para criar relevos.

Além da dimensão estética, sua produção carrega uma camada conceitual importante. As esculturas funcionam como uma reflexão sobre relações humanas, parentalidade e, sobretudo, como um convite à reconexão com a curiosidade e a liberdade criativa da infância — um tema recorrente na arte contemporânea.

As máscaras de En Iwamura

As máscaras, elemento central em sua obra, têm presença histórica em diversas culturas ao redor do mundo. Tradicionalmente associadas a rituais religiosos, cerimônias funerárias, festivais e performances, elas também assumem funções práticas de proteção. Esse significado ganhou nova relevância global em 2020, com a pandemia de COVID-19.

Nas esculturas de cerâmica de Iwamura, esse repertório ancestral se encontra com o presente. Suas peças, ao mesmo tempo lúdicas, delicadas e levemente melancólicas, reinterpretam a tradição das máscaras sob uma perspectiva contemporânea. Ao fazer isso, o artista conecta passado e presente, cultura e emoção, técnica e narrativa.

Sobre o artista

En Iwamura nasceu em Kyoto, em 1988, e cresceu em um ambiente profundamente artístico, influenciado pelos pais, ambos pintores. Formado em Artes Plásticas pela Faculdade de Arte e Artesanato de Kanazawa, ele passou a se interessar pelo cenário internacional. Para Iwamura, a cerâmica é uma linguagem universal — capaz de transcender fronteiras culturais e criar conexões entre pessoas, lugares e experiências.

Trabalhar com cerâmica exige muita paciência. É um processo longo e nem sempre controlável. Também aborda o passado e o futuro.

Para saber mais sobre o artista, acesse o site de En Iwamura ou siga seu Instagram.

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Duas criativas, Dani Albuquerque e Taidje Gut, partem dessa provocação da historiadora de arte Linda Nochlin pra criação de seu novo podcast “Será que elas existem?”. A proposta traz uma série de 6 episódios que parte da ausência das mulheres na história da arte pra discutir a presença delas no mundo.

Cada episódio tem uma artista mulher como ponto de partida para expandir a conversa para temas contemporâneos. No primeiro, partem de Mi Nacimiento, de Frida Kahlo, para discutir maternidade, com participação de Keyna Eleison, curadora at large da Bienal de São Paulo.

Mais do que um podcast sobre arte, é uma reflexão sobre narrativa, invisibilização e construção de repertório – temas centrais contemporâneos.

“Mais do que um podcast sobre arte, é uma reflexão sobre narrativa, invisibilização e construção de repertório — temas centrais para quem trabalha com comunicação, cultura e marcas”, comenta Dani.

Link pros primeiros 2 episódios aqui.

Ep 01: Maternidade e o parto de si mesma – Frida Kahlo
Ep 02: Low profile: ser ou não ser? – Vivian Maier e Tracey Emin

Criação: Dani Albuquerque e Taidje Gut.
Produção e roteiro: Zamunda Studio
Projeto gráfico: Ana Peroni
Participação: Leandro Venera.

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Não à toa, a conexão entre o vermelho e a China levou à denominação de um tom específico da cor como “vermelho chinês”, ou Chinese red, em inglês. Estamos falando do RGB 238,28,37, uma tonalidade elétrica e viva do vermelho.

Mas de onde vem essa conexão tão forte entre o vermelho e o povo chinês?

O vermelho é uma das cinco cores primordiais na China

A conexão do vermelho com a China vem de muito, muito tempo atrás. Cinábrio (um mineral vermelho) e ocre vermelho eram usados em cerimônias de enterros ancestrais na região que hoje é a China. De lá para cá, a cor só ganhou mais importância na cultura do país.

O vermelho é uma das cinco cores “cardeais” dentro da cultura chinesa, atrelado ao Wu Xing, um conceito filosófico quíntuplo usado em muitos campos de estudo chineses, como o Feng Shui ou a medicina. Por exemplo, são cinco os elementos básicos na China (madeira, fogo, terra, metal e água); são cinco as direções (leste, sul, centro, oeste e norte); cinco tipos de energia (criadora, expansiva, estabilizadora, conservadora e redutora) e mais.

Nessa visão, o vermelho é a cor atrelada à direção sul e ligada à energia expansiva, que simboliza felicidade, celebração e, principalmente, boa sorte. Não à toa, é o tom mais usado em eventos e celebrações que simbolizam novos inícios e ciclos. Por exemplo, em casamentos chineses, é tradição usar vestidos vermelhos. 

O maior exemplo do uso do vermelho como uma cor atrelada à boa sorte é o Ano Novo chinês. A celebração, que move mais de 9,5 bilhões de viagens no país, é tradicionalmente decorada com cores vermelhas para atrair uma boa fortuna. Um dos itens mais usados é o hóngbāo, um envelope vermelho que é preenchido com dinheiro para atrair prosperidade.

Essa conexão acaba sendo aproveitada por muitas empresas e negócios que exploram os temas chineses.

Um exemplo disso pode ser encontrado no mercado de iGaming, mais especificamente no slot online Fortune Tiger. O caça-níquel tem como tema o Tigre da Sorte do horóscopo chinês, um animal que já é normalmente ligado ao Deus da Riqueza e à prosperidade na China. 

Além disso, o design do game é todo feito em tons vermelhos e até o seu mascote usa um colete nessa cor, buscando força na simbologia da tonalidade dentro da cultura chinesa.

As diferenças culturais entre o vermelho no Ocidente e na China

Curiosamente, apesar de significar prosperidade, energia e força na China, o vermelho não tem a mesma conotação nas culturas ocidentais. Pelo contrário: por aqui, o tom é mais ligado a perigo e atenção, como no seu uso no semáforo.

O tom também está muito conectado com a emoção da raiva (como ficar “vermelho de raiva”, por exemplo). Até mesmo na faculdade, por exemplo, os professores usam a cor vermelha para apontar respostas erradas dos alunos.

A conexão do vermelho com a China, a ponto do surgimento de um tom específico para o país, é tão forte que nos mostra como diferentes cores podem ter significados e percepções distintos a depender da cultura e do local em que são aplicadas.

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A cidade de São Paulo volta a receber duas das exposições imersivas mais visitadas do mundo. Van Gogh e Frida Kahlo estão confirmadas na programação do Festival Fronteiras São Paulo, que acontece nos dias 7 e 8 de março de 2026, no Parque da Água Branca. Apresentadas em formato reduzido, especialmente concebido para o festival, as experiências mantêm sua proposta e convidam o público a um contato sensorial com o universo dos dois artistas.

As experiências chegam à capital paulista integradas ao Festival Fronteiras, evento promovido pelo Fronteiras do Pensamento, frente de conteúdo da DC Set Group, que amplia seu formato tradicional de debates para uma vivência cultural que reúne arte, tecnologia, música, literatura e pensamento contemporâneo em um grande espaço ao ar livre.

A exposição Van Gogh apresenta as obras do pintor holandês em projeções de altíssima definição, com tecnologia de ponta e trilha sonora envolvente, permitindo ao público observar detalhes inéditos de telas icônicas e mergulhar em sua trajetória artística e emocional. A experiência propõe uma nova forma de contato com a obra de Van Gogh, aliando arte e inovação.

Frida Kahlo conduz o visitante por uma narrativa sensorial sobre a vida e a obra da artista mexicana. A exposição reúne projeções, vestuários, réplicas e ambientações que revelam sua força criativa, identidade, dores e posicionamentos políticos, transformando sua história em uma experiência imersiva e envolvente.

O festival inclui um circuito de exposições artísticas, abertas ao público, distribuídas pelo parque, integradas à programação simultânea de painéis, debates, apresentações musicais, feira de livros, área gastronômica e espaços de convivência. A proposta é transformar o pensamento em experiência viva, acessível e plural.

Após uma estreia bem-sucedida em Porto Alegre, em 2025, o Festival Fronteiras vem  a São Paulo como parte das comemorações dos 20 anos do Fronteiras do Pensamento, uma das plataformas culturais mais relevantes do país no campo das ideias e do conhecimento. A edição paulistana marca um novo momento do evento, ao ocupar um espaço público emblemático e promover encontros entre diferentes linguagens artísticas e intelectuais.

A curadoria do festival reúne nomes consagrados e vozes importantes das áreas de filosofia, psicanálise, literatura, jornalismo, arte e espiritualidade. Entre os participantes confirmados estão Christian Dunker, Luiz Felipe Pondé, Monja Coen, Malu Gaspar, Kaká Werá, Fernando Schüler, Fabrício Carpinejar, Maria Ribeiro, Carla Madeira, Fabrício Carpinejar,  Fernando Gabeira e outros. 

No dia 8 de março, Dia Internacional da Mulher, o maior palco do festival terá programação inteiramente formada por mulheres, reforçando o compromisso do Fronteiras com a pluralidade de vozes e perspectivas.

Sobre o Fronteiras do Pensamento

Reconhecido por trazer ao Brasil grandes pensadores e promover diálogos sobre filosofia, literatura, psicanálise, neurociência, arte e música, o Fronteiras do Pensamento já reuniu personalidades como Zygmunt Bauman, Chimamanda Ngozi Adichie, Yuval Noah Harari, Graça Machel, Michael Sandel, Ai Weiwei, Ailton Krenak, Mario Vargas Llosa, Rosa Montero, Marcelo Gleiser, Elisabeth Roudinesco, Edgar Morin, David Lynch, Wim Wenders, e muitas mais.

Com mais de 300 conferências realizadas desde 2006, além de entrevistas antológicas, documentários inéditos, publicação de livros e curadoria de artigos, vídeos e conteúdos especiais, o Fronteiras do Pensamento reúne pensadores influentes em ciclos de diálogos para debater grandes temas da atualidade. Ao agregar  os mais diversos pontos de vista de diferentes disciplinas, o Fronteiras, que faz parte da vertical de conteúdo da DC Set Group, nasceu para questionar e explorar ideias sobre o contemporâneo — na arte, nos negócios e na vida cotidiana.

Serviço

Porto e Fronteiras do Pensamento apresentam: FESTIVAL FRONTEIRAS SÃO PAULO

Data: 7 e 8 de março de 2026

Local: Parque da Água Branca – Av. Francisco Matarazzo, 455 – Água Branca, São Paulo (Próximo ao Terminal Barra Funda)

Vendas e Informações

Link das Vendas de Ingresso

*Classificação Livre – Menores podem acessar apenas acompanhados dos pais ou responsáveis legais.

**Clientes do Cartão Porto Bank têm desconto exclusivo na compra de ingressos do festival, além de parcelamento especial em até 5x sem juros

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Com planta pequena (68m²), apartamento em São Paulo no bairro de Pinheiros, batizado de Camô, foi totalmente repaginado pelo Studio 92 Arquitetura para atender aos desejos da moradora, que possui uma loja de roupa e confecciona suas peças.

A solicitação feita às arquitetas Debora Terra e Jessica Lucas foi integrar os espaços, mantendo apenas a suíte reservada. O maior desejo da cliente era ter um apartamento com toques femininos, espaço para sua prática de yoga e um ambiente que atendesse tanto à hóspedes quanto ao seu momento de processo criativo.

O partido inicial para criação deste projeto foi a elaboração de uma marcenaria funcional, que mantivesse os ambientes bem definidos, organizados e ao mesmo tempo camuflados. Nenhum espaço do apartamento foi desperdiçado pelas arquitetas. Cada metro e cantinho foi utilizado com soluções e marcenaria inteligente.

“É Cor de Rosa Choque” já dizia Rita Lee

A premissa foi usar cores neste projeto com predominância do rosa e suas diversas tonalidades para criar ambientes femininos e delicados. Logo na entrada, o Studio 92 Arquitetura criou um hall color block rosa escuro e criou um móvel em madeira revestido com MDF Carvalho da Arauco (sapateira e aparador), projetado na parede para ser um ponto de destaque no espaço, totalmente, cor de rosa.

Na mesma parede, penduradores em diferentes pedras naturais, para pendurar bolsa e casacos. A porta de entrada do apartamento foi laqueada no mesmo tom de rosa das paredes.

Para chocar, a cozinha integrada à área social do apartamento é toda cor de rosa! A marcenaria foi revestida com acabamento em laca cor Salão Rosa, a serralheria e as prateleiras receberam o mesmo tom. Armários suspensos em MDF Carvalho da Arauco têm detalhes com frisos na cor rosa.

O piso, com paginação diferente (curvo e em movimento) para delimitar os ambientes. No piso da cozinha, foi usado o microcimento na cor Terracota, o mesmo acabamento usado em uma das paredes do ambiente, criando a sensação de continuidade. O mesmo piso segue em direção à varanda integrada ao espaço e acomodando a mesa de jantar com a mesa, cujo tampo desenhado pelo próprio Studio 92 é em Quartzito Negroni.

O contraponto desta cozinha rosa é a bancada em Silestone Maple na cor branca, a parede do backsplash no Gouache da Portobello também na cor branca e alguns detalhes pontuais da marcenaria em MDF Carvalho da Arauco.

A lavanderia, ao contrário dos projetos tradicionais, foi posicionada na parte interna do apartamento e escondia em um armário com portas revestidas em laca cor Salão Rosa. Dentro deste armário há o tanque embutido, lava e seca e até um varal com sistema funcional. O espaço passa desapercebido e mantém a harmonia e organização na decoração.

Para divisão dos espaços a bancada em balanço, separa a cozinha da sala. O detalhe está no design da peça com cantos arredondados. Para a parte da cozinha a banca possui armários inferiores e nichos para pequenos eletrodomésticos. Para a sala, serve como aparador do sofá, assim funcionalidade, praticidade e estética caminham juntas para manter o equilíbrio e organização na decoração.

Espaços para hospedar, criar e meditar

Ainda na sala, a moradora, adepta ao yoga e outras práticas meditativas e exercícios funcionais, solicitou um espaço especial para seu hobby. O Studio 92 Arquitetura reservou uma parede para instalar o equipamento para os exercícios.

Com dois quartos, um deles foi integrado à sala, ampliando o layout do apartamento, criando um ambiente funcional. Uma das paredes foi derrubada e no lugar, um móvel desenhado pelos Studio 92 Arquitetura serve como bancada e mesa de trabalho, que a moradora usa para colocar a máquina de costura para criar suas coleções.

Esta bancada de trabalho é multifuncional, com gavetas, tampo que dá abertura para guardar o notebook e objetos pequenos e todas as tomadas são instaladas e escondidas em compartimentos.

Há ainda uma cama de casal para receber hóspedes, porém, fica embutida na parede em um móvel também desenhado pelo escritório de arquitetura com acabamento em MDF Carvalho da Arauco, em um conjunto harmonioso com a bancada de trabalho.

Quando usado como dormitório, há um sistema de portas/painéis em camarão que faz o fechamento mantendo o ambiente privado sem a interferência da área social.

Marcenaria inteligente e customizada na suíte

A suíte foi projetada com um sistema inteligente de marcenaria para otimizar espaço e armazenamento de peças pessoais, calçados e vestimentas.

O ponto alto deste quarto é armário em marcenaria criado pelo Studio 92. Sem portas, as roupas ficam expostas como em araras de loja. Na parede, revestimento da Lepri traz um clima mais aconchegante. A parte da sapateira, com prateleiras móveis possui porta de correr em serralheria com vidro camuflado, que, quando aberta, corre para o lado do armário sem portas. Na outra ponta, penteadeira com iluminação em Led embutida e nichos para guardar bijuterias e maquiagem.

Assim como os demais ambientes deste projeto, todos os espaços foram utilizados. Dando continuidade ao armário que se une à penteadeira, que por sua vez se une a uma bancada baú encostada na cama com gaveteiros na parte inferior.

Este recurso de projetar a cama ao lado da bancada possibilitou ampliar a circulação e a instalação de mesa de cabeceira e armário suspenso. A parede da cabeceira foi revestida com o mesmo acabamento da parede do armário com suportes para quadros com iluminação em Led, deixando o espaço mais intimista e para relaxar.

Ao contrário da cozinha e da área social, em que a predominância é da cor rosa, neste quarto o verde pastel e o MDF Carvalho da Arauco da marcenaria prevaleceram e o rosa foi aplicado, pontualmente, em objetos e almofadas.

Banheiros coloridos e luz no box

O banheiro da suíte tem cores variadas, sempre em perfeita harmonia e combinação. A começar pela porta em marcenaria na mesma cor verde usada no armário do quarto e azul Tarde em Veneza da Coral lado de dentro para acompanhar o mesmo tom usado no teto.

A bancada em Silestone branca com cuba em concreto rosa queimado, armários inferiores com acabamentos em rosa e moldura em rosa no armário/espelho.

Um detalhe que chama a atenção é o nicho de parede no box. Em vertical feito em serralheria com prateleiras finas e iluminação interna em Led, proporciona chame na hora do banho. Outro ponto de destaque neste banheiro é o revestimento do piso e parede em microcimento.

O lavabo deste projeto também merece atenção especial. Cores e texturas se misturam em perfeita harmonia. Piso e meia parede em revestimento cerâmico 10×10 na cor coral, o mesmo tom usado no teto. A outra metade da parede recebeu o revestimento em X.

Já a bancada com tampo de Silestone na cor branca, tem pontos com variados tons de azul, como a cuba em concreto azul escuro, armário e prateleira inferior em azul Rio de Cascalho da Coral. O armário/espelho em serralheria branco e porta em chapa perfurada também branca.

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