Nella gestione e correzione del colore, Photoshop permette ancora di fare interventi molto più precisi e scientifici. Tuttavia, la versione 4 di Lightroom ha introdotto una nuova funzione che gli fa fare un passo avanti.

La Curva di viraggio (che solitamente si usava solo per controllare il contrasto) ora permette di agire sui singoli canali RGB (rosso, verde e blu) per aumentarne o ridurne la presenza. Puoi usare questa funzione per:

• rimuovere dominanti,
• correggere il bilanciamento del bianco,
• aggiungere effetti creativi di divisione toni (come il cross processing).

Tutti i dettagli nel video:

Se non vedi il video, vai a questo link: Come correggere e gestire i canali colore RGB in Lightroom.

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Qualche tempo fa ho realizzato un lungo reportage per Tarros, un’azienda che si occupa di trasporti navali, dalla gestione degli ordini al trasporto su ruota fino al carico dei container. Il fascino di un porto che lavora è qualcosa che difficilmente si può spiegare se non l’hai provato.

In teoria c’è solo del “brutto”: mezzi in manovra, polvere e rumore, gru sul bordo del mare e la costa coperta dal cemento. Ma tutti questi elementi messi insieme, legati dal lavoro dell’uomo, creano un ambiente ricchissimo di spunti e molto attraente per il fotografo.

A scuola si studiava che le le più importanti città sorgono sul mare o lungo fiumi navigabili: il porto è legato agli inizi dell’attività umana e il suo sviluppo è lo sviluppo dell’intraprendenza di una società.

Verso la fine del lavoro, pubblicato in uno splendido libro, si presenta la necessità di un’immagine evocativa dello spirito dell’azienda . Ero molto colpito dal clima positivo che si respirava in tutti gli ambienti lavorativi e così proposi una semplice, grande foto di gruppo di tutti i dipendenti. L’idea fu subito accolta con entusiasmo nonostante le difficoltà organizzative, si trattava di bloccare fisicamente l’operatività di tutto il terminal, quindi si poteva fare solo in una brevissima pausa a metà giornata con ritmi molto complicati.

E tutto peggiora quando aggiungo che lo scenario migliore sarebbe stato un muro di container con le persone disposte sopra come sopra degli spalti. E qui vengo… gentilmente insultato. Ma le cordiali battute dello staff organizzativo si fermano quando l’amministratore delegato viene a conoscenza del progetto e… fissa subito la data! 

I tempi, come sempre, sono strettissimi e subito partono i preparativi, bisogna confermare la data in base al meteo incastrandola tra gli arrivi delle navi; liberare il piazzale prescelto e costruire il muro di contenitori esposti a favore di luce.

Il giorno fatidico, con un occhio fisso sulle previsioni, bisogna far salire le persone a scaglioni stando ben attenti alla sicurezza. La scena è divertente: si usa una gru apposita con un enorme “cestello/ascensore” che trasporta le persone sul tetto dei container.

Man mano che arrivano i partecipanti, una squadra di persone mi aiuta a disporre il gruppo nel miglior modo possibile fino a quando tutto sembra pronto. Non sto a raccontare l’ansia che ho addosso: una sola possibilità e pochi minuti a disposizioneper fotografare trecento persone sparse in una scenografia veramente inusuale.

Non c’è possibilità di controllare la luce per i tempi ridotti, altrimenti si sarebbe potuto approntare un set di vari flash comandati in remoto, cosa comunque molto difficile e costosa all’epoca. Scelgo una giornata con previsioni di leggera nuvolosità, il cielo coperto aiuta ad ammorbidire i contrasti.

Al momento buono però solo il cielo sullo sfondo è coperto, di fronte al gruppo si aprono le nuvole e la luce è troppo dura ma non si può aspettare oltre. Fortunatamente Lightroom, che all’epoca non usavo, mi aiuta oggi a controllare bene il risultato (benedetto file raw!… ancora qualcuno si ostina a non usarlo?!?!).

Questo è il file grezzo: vedrai subito che nella fretta e nel trambusto una bella ditata è scappata ai controlli preliminari e crea un bel flare proprio al centro dell’immagine. Ricordo che quando vidi i risultati sul computer quasi mi prese un colpo!

Ovviamente nel displaysotto il sole non si notava nulla: vi hanno mai detto di non fidarvi del display ma imparare a controllare tutto prima di scattare? E’ un buon metodo di lavoro (il mio!)  ma se qui avessi avuto uno degli splendidi monitor delle reflex attuali forse avrei risolto il problema direttamente in fase di scatto… bastava un panno per le ottiche con molto lavoro risparmiato al computer.

Dopo le correzioni nel pannello base dove aggiusto esposizione e applico “chiarezza” 

Ed ecco la foto dopo aver sistemato il difetto centrale con un pennello localizzato di dimensioni adeguate

Queste sono le impostazioni del pennello

Un piccolo trucco per velocizzare il tuo lavoro: quando apri un lo strumento pennello devi azzerare le impostazioni precedenti e reimpostare le nuove. Per eseguire la prima operazione in un solo click premi ALT e la voce “effetto” in alto a sinistra diventa “ripristina”. Cliccando su quella voce i cursori si azzerano tutti contemporaneamente. 

I valori del vecchio pennello e l’azzeramento dei cursori: nota la voce “effetto” nel primo pannello e la voce “Ripristina” nel secondo dove tutti i cursori sono tornati ai valori di partenza:

Attenzione: questo “ripristina” è diverso dal pulsante in basso a destra che compare stabilmente nel pannello: con quel “ripristina” riporti semplicemente l’immagine allo stato iniziale prima dell’applicazione del pennello; con la scorciatoia presentata invece azzeri soltanto i cursori di impostazione dello strumento!

Applico la riduzione del rumore ed ecco un particolare del prima/dopo alla fine delle regolazioni

Ho usato un 12-24 SIGMA, con discreta caduta di luce ai bordi, dal pannello “correzione lente” vado in “profilo” e seleziono l’ottica usata: ecco il risultato 

Ecco la differenza tra il raw grezzo e il file sviluppato

Non sto scherzando, ma se comunque vuoi sapere qualcosa di più su questo libro, soprattutto su come ti può aiutare, continua a leggere.

Cosa imparerai da questo libro

La mente del fotografo è l’ideale seguito de L’occhio del fotografo di Michael Freeman. Volendo semplificare, è un libro sulla composizione, ma in realtà è un testo molto articolato che tratta il problema, che tutti condividiamo, di come rendere le tue foto belle ed efficaci.

L’occhio del fotografo, pur affrontando la materia in maniera quasi accademica a tratti, aveva un tono generalmente pratico. “La mente del fotografo”, come suggerisce il titolo, è un libro decisamente più concettuale, quindi un po’ più astratto anche se ciò che insegna ha evidenti ricadute pratiche.

Lo scopo complessivo è quello di analizzare in maniera più profonda e sofisticata il modo in cui un fotografo pensa ad una foto prima di scattarla ed il modo in cui un osservatore interpreta una foto mentre la guarda. Discorsi di questo tipo sono difficili da mettere nero su bianco perché hanno aspetti legati al lato artistico, alla soggettività, alla sensibilità personale, alla percezione e ai processi mentali di un fotografo. Secondo me, come vedrai, Freeman è riuscito a renderli utili e digeribili.

La mente del fotografo è suddiviso in tre parti principali. La prima tratta l’intento, lo scopo che c’è dietro una foto. I suoi capitoli affrontano questi temi:

• il soggetto, spesso identificato semplicemente con l’elemento a fuoco o in primo piano, mentre può essere un concetto, un luogo, va interpretato in base al contesto e a fattori esterni alla foto (il momento storico e il contesto sociale, ad esempio);
• il bello, quali sono le regole del bello nelle cose e le persone, come è possibile “ingegnerizzare” una bella fotografia;
• i clichet, come evitarli o come sfruttarli a proprio vantaggio, personalizzarli;
• nascondere parzialmente il soggetto per attrarre su di esso l’attenzione e dare un tono particolare alla foto.

La seconda parte riguarda lo stile personale, qualcosa che tutti vorremmo sviluppare ma che spesso sfocia nel manierismo. Freeman tratta anche lo stile nell’ottica di usare l’estetica della foto a fini espressivi.

In questa seconda parte vengono trattati:

• come gli aspetti visivi di una foto (ad esempio contrasto, nitidezza, colore) ne influenzano il messaggio,
• l’equilibrio della composizione,
• l’armonia delle proporzioni,
• come guidare l’occhio,
• l’uso delle contrapposizioni per dare significato al soggetto e alla composizione complessiva,
• vari stili grafici (dal minimalismo alle foto più chiassose)
• recenti tendenze e composizioni apparentemente disordinate ma in realtà molto efficaci.

La terza parte parla del processo, di come nasce la composizione di una foto. Le variabili che influiscono sulla composizione sono tantissimi: la luce, i colori, la posizione del soggetto, i suoi movimenti, la posizione di soggetti comprimari, lo sfondo, il punto di vista e così via.

Per far collaborare con successo tutte queste variabili di una foto efficace sarebbe bello non dover procedere casualmente, ma poter seguire un metodo. È difficile proporre un metodo esatto, ma Freeman cerca di dare delle linee guida su come procedere nel rifinire una composizione.

Emblematica è la storia della nascita di una foto. In essa, l’autore narra tutti i tentativi che ha eseguito prima di arrivare al risultato finale. Per ciascun tentativo spiega perché l’abbia scartato e cosa si aspetta invece dal tentativo successivo. In questo modo, puoi entrare nella testa del fotografo per capire quali meccanismi guidino le sue scelte.

In questo libro c’è molta teoria, a tratti anche filosofia, perché gli argomenti sono in fin dei conti astratti. Il rischio, in un testo del genere, è quello di lasciare il lettore con pochissime conoscenze spendibili nella pratica quotidiana della fotografia. Ma non è questo il caso.

Numerosi esempi corredano il testo. Ogni foto di esempio è commentata e spesso analizzata attraverso schemi sovrapposti all’immagine che ne spiegano i meccanismi e i retroscena.

Al termine di ogni argomento, Freeman propone una specie di riassunto, talvolta una lista di concetti principali, talvolta una specie di ricetta, per mettere in pratica ciò che ha spiegato. Trovi così, ad esempio, una lista degli elementi comunemente collegati alla bellezza (di un’immagine in generale, del corpo umano o di un volto) determinati da studi scientifici . Oppure trovi la lista dei fattori che identificano uno specifico stile fotografico.

Inoltre, ogni sezione è conclusa anche da una serie di termini da ricercare on-line per approfondire. Può trattarsi di correnti artistiche, titoli di libri, nomi di autori o tecniche.

Come puoi vedere, quindi, si tratta di un libro dedicato a chi vuole veramente apprendere. Non ci sono solo vaghi discorsi teorici ma tutti gli strumenti per mettere in pratica e migliorare il futuro della fotografia come strumento espressivo.

Per chi è questo libro

La mente del fotografo è assolutamente indicato se hai letto “L’occhio del fotografo” e ne hai appreso gli insegnamenti. Il passaggio tra i due è naturale e questo secondo libro porta effettivamente il discorso iniziato nel primo ad un livello più avanzato.

Ti consiglio questo libro anche se appartieni a quel gruppo di fotografi che hanno letto tutto lo scibile on-line sulla composizione, l’hanno metabolizzato e vogliono poter andare avanti. Il tipo di conoscenze contenute ne “La mente del fotografo” è quello che acquisisci solamente con l’esperienza oppure da un fotografo molto più esperto di te o in un workshop avanzato, sicuramente non in un corso base.

Quindi, in generale, “La mente del fotografo” è dedicato ai fotografi che non sono più principianti, che sono alla ricerca di un proprio stile personale, che vogliono ottenere di più dalle proprie foto esprimendo concetti e visioni in maniera potente.

Conclusioni

Avrai capito quanto io abbia apprezzato La mente del fotografo. È un libro che secondo me dovrebbe essere nella libreria di qualsiasi fotografo, proprio come il suo predecessore.

È anche questo un libro da studiare, probabilmente da leggere più di una volta, per incorporare pian piano i concetti imparati nelle tue fotografie. Anch’io probabilmente dovrò rileggerlo tra un po’, magari considerando di volta in volta la sezione che mi serve in quel momento.

Veramente, non trovo un motivo per cui non dovresti comprare “La mente del fotografo”. Non vi trovo neanche particolari difetti.

Quindi per acquistarlo con un paio di clic, usa il pulsante qui sotto:

Acquistando questo libro, mi aiuti a mantenere il sito attivo per gratuita. Percepirò una commissione senza gravare sul prezzo da te pagato. Non preoccuparti, non ti consiglio solamente per farci qualche soldo. Grazie mille!

Le lenti normali (o obiettivi normali) hanno invece in fotografia un posto speciale. Per alcuni fotografi sono in assoluto le preferite, quelle che non staccano quasi mai dal corpo macchina.

Dopo un po’ che hai cominciato a praticare la fotografia, non è difficile trovare qualche estremista del culto delle lenti normali che te ne consiglia caldamente l’uso. Ma che vantaggi hanno? Quando e a cosa servono? In fin dei conti, ti conviene usare una lente normale?

In questo articolo cerco di rispondere a questa domanda nel modo più utile possibile.

  by Vince Welter

Cos’è una lente normale?

Come per tante cose, in fotografia e non solo, esiste una definizione ufficiale di lente (o obiettivo) normale, che nella pratica viene comunque regolarmente disattesa. Ma per togliersela subito dei piedi, ecco la definizione di lente normale:

una lente normale ha lunghezza focale pari alla diagonale del sensore (la diagonale del fotogramma in una fotocamera a pellicola).

Ciò significa che in una fotocamera a pieno formato, una lente normale dovrebbe avere lunghezza focale pari a circa 43 mm. A te che sei una persona sveglia sorge spontanea una domanda: che razza di lunghezza focale è?

Solitamente, infatti, non trovi in commercio obiettivi con questa lunghezza focale. Infatti, su corpi macchina full frame di solito si arrotonda a 50 mm. Quindi, 50 mm è la lunghezza focale ritenuta normale sul pieno formato.

A questo punto, se hai studiato il crop factor, sai come calcolare la lunghezza di un obiettivo normale su una fotocamera con sensore più piccolo. Devi dividere 43 mm per il crop factor della tua fotocamera

Su una Nikon, che ha crop factor pari a 1,5, la lunghezza focale di una lente normale risulta essere lievemente superiore ai 28 mm. Questo vale ovviamente considerando 43 mm come lunghezza normale sul pieno formato.

Se invece consideri il 50 mm come lunghezza focale normale di partenza, allora, ad esempio, sulle Nikon con sensori APS-C l’equivalente si attesta appena sopra i 33 mm. Per questo la maggior parte dei produttori di obiettivi ha in catalogo un obiettivo 35 mm.

Nell’uso comune, inoltre, le lenti normali sono tipicamente obiettivi a focale fissa. Quindi, solitamente, non chiami normale un obiettivo zoom che copra la lunghezza focale normale.

Quali sono i vantaggi di una lente normale?

Prima dell’avvento degli obiettivi zoom, era tipico che le fotocamere venissero vendute in abbinamento a obiettivi fissi di lunghezza normale. Perciò, storicamente, le lenti normali hanno caratterizzato le opere di molti fotografi famosi, uno su tutti Henri Cartier-Bresson.

Ma chi al giorno d’oggi preferisce e consiglia lenti normali non lo fa solo per nostalgia dei bei tempi. Vediamo quali sono gli effettivi vantaggi di questo tipo di obiettivi.

Normalità della visione (della prospettiva)

Molte foto scattate con un 50 mm su una full frame hanno un aspetto tranquillizzante, sembrano familiari. Questo accade perché una lente normale conferisce alla scena una prospettiva molto simile a ciò che vede l’occhio umano (in parole poverissime).

Al contrario, obiettivi grandangolari e teleobbiettivi dilatano o comprimono la prospettiva, creando effetti distinguibili e diversi da ciò che vediamo normalmente. Ciò, non significa, ovviamente, che una lente normale sia più “giusta”, ma semplicemente che permette di creare immagini più vicine al reale.

Per assurdo, proprio questo è il motivo per cui alcuni fotografi, ad esempio David duChemin, preferiscono invece lunghezze focali grandangolari e tele. Essi infatti preferiscono creare immagini che abbiano un aspetto diverso da ciò che possiamo vedere quotidianamente ad occhio nudo.

Questo è un vantaggio che ha qualsiasi obiettivo impostato sulla lunghezza focale normale, sia esso zoom o a focale fissa. Se invece consideriamo, come da consuetudine, che le lenti normali siano tutte a focale fissa, troviamo altri vantaggi. Eccoli.

Qualità ottica superiore

Le lenti a focale fissa sono più semplici internamente degli zoom e quindi garantiscono immagini di qualità migliore. Parlo soprattutto della nitidezza.

Spesso, per uguagliare la qualità di una lente fissa di medio livello serve uno zoom di fascia alta.

Aperture estremamente ampie

Di base, gli obiettivi a focale fissa permettono di raggiungere aperture massime più ampie rispetto agli obiettivi zoom. Quando la lunghezza focale è normale, le aperture massime diventano ancora più ampie. Il Leica Noctilux-M 50 mm si spinge fino a f/0.95.

Ma anche senza raggiungere questi casi estremi, sia Nikon che Canon offrono un 50 mm con apertura pari a f1.2.

Come ho già spiegato più volte su questo sito, aperture così ampie hanno due principali vantaggi:

• permettono di creare immagini con una porzione sfocata molto ampia,
• rendono possibile fotografare in condizioni di luce estremamente scarsa.

Infatti, ogni stop di apertura corrisponde a una quantità doppia di luce catturata dalla fotocamera. Un obiettivo con apertura pari a f1.8 fa entrare più del doppio della luce rispetto a uno che può raggiungere al massimo f2.8.

Bellissimo bokeh

Bokeh è il termine che gli inglesi usano per indicare lo sfocato, anche se viene dal Giappone. Il bokeh delle lenti normali è spesso molto bello. Ciò è legato a caratteristiche costruttive diverse rispetto agli zoom.

Peso e ingombro veramente ridotti

Entra in un negozio di articoli fotografici e confronta ad occhio un 35 mm o un 50 mm con uno zoom o anche un obiettivo a focale fissa non standard. Ti risulterà subito evidente quanto l’ingombro dei primi due sia più ridotto.

Se poi provassi a montarli sul corpo macchina alternandoli con uno zoom o ad esempio un tele fisso, ti accorgeresti di quanto siano più leggeri.

Le lenti normali sono quindi molto indicate per chi ha bisogno di muoversi molto con la fotocamera in mano e vuole minimizzare la fatica.

Inoltre, il loro peso ridottissimo rende molto più facile stabilizzare l’immagine. Lenti pesanti aumentano il rischio di micromosso, perché è difficile tenerle ferme.

Come puoi leggere in Fondamenti della street photography, ciò che rende più visibile ed evidente una fotocamera non è di per sé il corpo macchina ma l’obiettivo. Prova a fare street photography con un 70-200 f2.8 e ti accorgerai di come sia impossibile passare inosservato.

Un 35 o un 50 mm, invece, aumenta di pochissimo il volume complessivo della fotocamera, come raccontano molti fotografi, e passa praticamente inosservato.

Il miglior rapporto prezzo prestazioni

Ho appena sottolineato quanto le lenti normali siano di buona qualità. Vista anche la semplicità dei componenti interni, esse sono anche più economiche da produrre.

Ciò vuol dire che alla fine anche il loro prezzo risulta più basso. Sia Canon che Nikon hanno in catalogo un 50 mm f1.8 attorno ai 100€. Non è difficile trovare anche i 35 mm ad un prezzo inferiore ai 200€.

Certo non si tratta di obiettivi regalati, ma confrontati con la media degli obiettivi di qualità, questi sono prezzi estremamente economici.

Per quali generi sono più indicate le lenti normali?

I pregi che ho appena descritto rendono le lenti normali particolarmente indicate per alcuni generi fotografici.

Prima di tutto, esse sono molto comuni nella fotografia di ritratto. In particolare ti conviene usarle per ritratti a figura intera, busti o mezzibusti.

Se ti avvicini troppo al viso del soggetto, introdurrai delle distorsioni spiacevoli. Si tratta delle stesse distorsioni che puoi ottenere con un grandangolare, solo meno accentuate.

In secondo luogo, le lenti normali si prestano molto a street photography e reportage. La natura documentaristica di questi generi fotografici beneficia della prospettiva normale, realistica, data da queste lunghezze focali. Inoltre, questi generi richiedono una certa invisibilità da parte del fotografo che, come dicevo sopra, è più facile ottenere con obiettivi così poco ingombranti.

Questo tipo di lenti è anche utile per la fotografia in viaggio, che effettivamente condivide alcuni requisiti con la street photography. Infatti, lenti leggere ti permettono di muoverti con maggiore agilità stancandoti di meno quando sei in giro tutto il giorno.

Inoltre, le ampie aperture ti permettono di fotografare in condizioni di luce critiche, come spesso accade durante i viaggi (pensa ad esempio alle chiese o alla fotografia di sera).

Parzialmente, le lenti normali si prestano anche alla fotografia di paesaggio, ma non puoi aspettarti Le prospettive estremamente espanse di un ultragrandangolare, o alla fotografia di gruppo, tipica di cerimonie e feste.

Quali modelli di lenti normali scegliere?

Se dopo aver letto questo articolo ti sei convinto che una lente normale fa per te, ecco alcuni modelli che ti consiglio di tenere d’occhi. Come accennavo, si tratta di obiettivi economici che puoi acquistare abbastanza a cuor leggero.

Sono anche poco ingombranti e quindi non ti costringeranno a cambiare zaino o borsa fotografica:

• Canon EF 50mm/1:1,8 II, la scelta di base per tutti i Canonisti,
• Canon EF 50mm f/1.4 USM, per chi vuole fare il salto di qualità e ha una fotocamera Canon,
• Nikon AF-S 50mm f/1.8G, il 50 mm per i possessori di Nikon della serie DXX00 (D3000, D5000, D7000, ecc…), su queste ovviamente diventa un medio tele,
• Nikon Af 50mm F/1.8 D, il 50 mm più economico Nikon, non ha messa a fuoco automatica sulle macchine della serie DXX00,
• Nikon 50 mm F1.4G Af-S , salto di qualità per i Nikonisti,
• Nikon 35 mm f/1.8G AF-S DX, la lente normale per i sensori APS-C su Nikon,
• Canon EF 35mm F2.0 , la lente normale per i sensori APS-C su Canon.

Si tratta di una coppia di ebook veramente utili a chi vuole superare le paure e le difficoltà tipiche di questo genere fotografico e creare foto che abbiano significato. Per approfondirlo, ti consiglio di leggere la mia recensione: Anche la street photography si può imparare, ecco la guida.

Con questo articolo ti voglio comunicare che è attivo il programma di affiliazione per “I fondamenti della street photography”. Ciò vuol dire che, se vuoi, puoi consigliare e promuovere questo ebook e guadagnare una commissione per ogni copia venduta.

Ti interessa? Continua a leggere.

Cos’è un programma di affiliazione?

Potrebbe essere che tu non lo sappia, visto che in Italia siamo indietro a riguardo. Semplicemente, si tratta di un programma che ti permette di promuovere un prodotto o servizio e di guadagnare una percentuale prefissata ogni volta che una persona la acquista passando attraverso di te.

Nel nostro caso, funziona così:

• ti iscrivi al programma di affiliazione,
• ricevi un link da usare per promuovere l’ebook,
• inserisci il link sul tuo sito o sui social network o dovunque ritieni valido,
• se una persona clicca sul link e poi completa l’acquisto dell’ebook viene registrata una vendita da parte tua,
• alla fine del mese, le commissioni accumulate ti vengono pagate.

Ovviamente, c’è modo e modo di vendere prodotti in affiliazione. Per essere il più efficace possibile, ti conviene leggere l’ebook, scrivere una recensione sincera e condividerla con persone a cui effettivamente interessi.

Solitamente, piazzare il link in un posto a casaccio, proponendolo a persone dagli interessi totalmente diversi, porta pochissime vendite, anche nessuna.

I dettagli del programma di affiliazione

Ti ho spiegato il meccanismo generale di questo e altri programmi di affiliazione. Ecco le caratteristiche specifiche del programma di affiliazione per “I fondamenti della street photography”:

• la commissione è pari al 40% (equivalente a 7,6€ per ogni ebook venduto a prezzo intero),
• il programma di affiliazione viene gestito attraverso il sito e-junkie,
• le commissioni maturate vengono pagate all’inizio del mese sul tuo conto Paypal da James Maher, l’autore dell’ebook,
• non c’è un minimo di commissioni da accumulare.

Periodicamente, potrebbero essere disponibili dei codici sconto di durata limitata di cui ti informeremo.

Ti interessa?

Se hai deciso di iscriverti al programma di affiliazione, prima di tutto devi avere un account Paypal, è necessario per ricevere i pagamenti. Il passo successivo è cliccare su questo link.

Da lì puoi procedere, è facile. Se preferisci una guida, segui questo video:

Se non vedi il video, vai a questo link: Come iscriversi al programma di affiliazione per “I fondamenti della street photography”.

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• far conoscere il nome dell’autore a scopo promozionale,
• far conoscere il nome del sito dell’autore,
• dichiarare il copyright,
• limitare il rischio che ti rubino le foto.

In Lightroom è facile creare una firma (detta più specificamente filigrana) ed applicarla automaticamente alle foto in fase di esportazione. Puoi sia usare un testo che una grafica, ad esempio il logo del tuo sito e del tuo studio fotografico.

Impara come usare le varie opzioni in questo video tutorial:

Se non vedi il video, vai a questo link: Come firmare le foto in Lightroom.

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In questo tutorial vedremo:

• Che cos’e’ un Profilo Colore?
• Perche’ e’ indispensabile calibrare e profilare il monitor?
• Cosa significa “What You See Is What You Get”?

Seguimi su questo terreno non sempre facile da comprendere, sono sicuro che lo troverai utilissimo!

Ecco il video:

Se non vedi il video, vai a questo link: Da RAW a Master #14.

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La rivista in questione si chiama Photograph, è in inglese, ed è una delle ultime iniziative della casa editrice on-line Craft And Vision, di cui ho già recensito diversi ebook.

È appena uscito il terzo numero e, in verità, l’ho seguita già dal primo numero. Allora, perché non te ne ho parlato prima? L’avevo messa in secondo piano perché so che molti hanno difficoltà con l’inglese e per questi la rivista sarebbe stata di poco interesse.

Però, dopo tre numeri secondo me splendidi, oltre che utili e ricchi d’ispirazione, penso valga la pena di lottare un po’ con l’inglese per poter godere di una risorsa così efficace e a buon prezzo. Ecco quindi cosa puoi trovare su Photograph e cosa ne penso.

Come si presenta

Siccome una pubblicazione di questo tipo per molti è una novità, ti spiego in pratica di cosa si tratta.

È una rivista trimestrale, quindi ogni anno escono quattro numeri. Ogni numero è un file PDF di circa 110-120 pagine.

Il formato della pagina è orizzontale, adatto agli schermi dei computer e soprattutto ai tablet, che godono ormai di una enorme diffusione. Viste le numerose foto a colori, ma soprattutto le generose dimensioni delle pagine, non ti consiglio di provare a leggere Photograph su un Kindle o un altro ereader. Le dimensioni ridotte dello schermo ti costringerebbero a zoomare e spostarti qua e là sulla pagina, vedendone solo una piccola parte alla volta.

La scelta di questo formato è funzionale al ricercato impatto grafico della pubblicazione. Le pagine hanno un design curato e ospitano foto spesso grandi oltre che ad alta definizione.

I contenuti

Trattandosi di una rivista e non di un libro su un tema specifico, ogni numero tratta di molteplici argomenti non legati tra loro, come in qualsiasi altra pubblicazione periodica cartacea. In ogni numero, comunque, trovi una serie di rubriche fisse, ciascuna con il suo tema.

All’inizio di ogni numero ci sono alcuni portfolii di fotografi veramente bravi. Per ciascun fotografo vengono mostrati alcuni scatti, appunto il suo portgolio, e poi è presente un’intervista. Già queste interviste dimostrano, secondo me, l’elevato valore di questa pubblicazione.

Anche se le domande non sono tantissime, esse riescono a sollecitare risposte che colgono aspetti interessanti e stimolanti del lavoro del fotografo. Può trattarsi ad esempio di particolari scelte stilistiche, di aneddoti che hanno segnato il suo modo di fotografare o di cenni a tecniche particolari. Sono dettagli che ti raccontano qualcosa di peculiare del fotografo, che puoi prendere come esempio, sprone e ispirazione.

Le altre rubriche all’interno della rivista riguardano:

• riflessioni filosofiche sull’essere fotografi e creativi, al di là della tecnica,
• lezioni sulla composizione,
• consigli su come sfruttare la luce naturale,
• storie di fotografi che hanno avuto successo grazie alla creatività,
• tecniche di fotografia in studio,
• il prima e il dopo del processo di ritocco di una foto,
• la stampa fotografica,
• nozioni di base sull’uso della fotocamera,
• recensioni di equipaggiamento.

Ciascuno punto in questa lista corrisponde proprio ad una rubrica, un articolo. Ogni numero di Photograph include anche un lungo articolo in evidenza di argomento libero.

Per esempio, nel terzo numero è presente il racconto di una recente spedizione del fotografo umanitario David duChemin in Africa per un progetto di ritratti delle tribù locali su sfondo bianco. Un racconto con alcuni dettagli tecnici ma da cui soprattutto imparare gli aspetti più profondi del lavoro di un fotografo.

Come è tipico del marchio Craft And Vision, grande attenzione è posta agli aspetti creativi ed artistici. Non mancano gli articoli sulla tecnica e sull’equipaggiamento, ma questi vengono trattati come mezzi al servizio della creatività, non temi da approfondire fini a se stessi.

Gli autori degli articoli sono gli stessi degli ebook pubblicati dalla casa editrice. Perciò, la scrittura è estremamente piacevole: chiara, scorrevole, ispirata.

Conclusione

Probabilmente hai già intuito cosa penso di Photograph. Ho sempre apprezzato le produzioni di questa casa editrice e questa rivista non è da meno. Anzi, la quantità e la qualità dei contenuti di ciascun numero la rende migliore anche di certi ebook sulla fotografia.

Inoltre, c’è il piacere tipico legato alla lettura di una rivista. Articoli su vari temi che danno spunti variegati su molti aspetti della fotografia.

Come dicevo all’inizio, purtroppo noi italiani siamo estremamente indietro con la conoscenza dell’inglese. Se fai fatica a comprenderlo, non ti conviene acquistare questa rivista, c’è molto materiale da leggere.

Comunque, come tutti i testi settoriali, gli articoli tecnici sono facili da capire, una volta che hai imparato la terminologia fotografica in inglese.

In generale, però, pubblicazioni come queste sono un’ottima motivazione per imparare almeno quel minimo di inglese necessario a leggerle e fare propri i concetti.

Il singolo numero costa 8$, circa 6€ al cambio attuale. Un prezzo di per sé molto basso visti i pregi che ti ho descritto.

Inoltre, puoi stipulare un abbonamento annuale, che include quindi quattro numeri, al prezzo di 24$, circa 18€ al cambio attuale. Quindi, con l’abbonamento hai un numero in regalo.

Per acquistare l’ultimo numero della rivista, clicca qui. Dalla stessa pagina potrai anche cliccare sul pulsante “Subscribe” per iscriverti all’abbonamento attuale.

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Comprando questa rivista, mi aiuti a mantenere attivo e gratuito questo sito. Percepirò infatti una commissione senza gravare sul costo da te pagato. Non preoccuparti, comunque, non te la consiglio solo per guadagnarci qualcosa, ma perché l’ho apprezzata veramente.

Ti serviranno ad evitare alcune problematiche tipiche di questo tipo di fotografia ma anche a spingerti oltre con idee originali, per non creare le solite foto di fiori.

Bella l’aria aperta, ma attenzione al vento

  by kaybee07

Immagina una bella giornata primaverile di sole, finalmente hai tempo di uscire in cerca di fiori di campo da fotografare e magari hai anche un nuovo obiettivo macro da provare. E com’è piacevole questa deve brezza che ti blandisce la pelle.

Trovi il primo fiore e ti avvicini a pochi centimetri, grazie al tuo nuovo obiettivo macro. E comincia l’incubo. Quella lieve brezzolina è sufficientemente forte da scuotere rabbiosamente il tuo povero soggetto a destra e a manca. È impossibile inquadrarlo correttamente e non parliamo della messa a fuoco.

Infatti, la distanza ravvicinata riduce di molto la profondità di campo. In più, vuoi un sacco di sfocato e quindi usi un apertura ampia. Così, la parte a fuoco è molto ridotta e il movimento del fiore impedisce di mirare precisamente il punto che vorresti a fuoco.

Non è un’esagerazione, è una situazione in cui ti troverai molto spesso. Ci sono comunque diverse soluzioni.

Primo, puoi fare da scudo con il tuo corpo, per riparare il fiore dal vento. È la soluzione più facile, ma non è la più efficace.

Innanzitutto, potresti non essere semplicemente in grado di bloccare interamente l’aria. Perciò, il soggetto continuerebbe a muoversi, soprattutto in conseguenza a sporadiche folate più forti.

La seconda idea è quella di portare il fiore in un luogo più al sicuro dal vento. Ciò implica strappare il fiore, quindi non è un soluzione molto apprezzata se ami particolarmente l’ambiente. Anche perché i fiori che vuoi fotografare di solito sono belli e strapparli diventa ancora più un peccato.

Una soluzione più tecnica consiste nell’usare qualche accessorio per schermare il vento. Potresti per esempio avere con te un riflettore. Indipendentemente dalla dimensione del fiore, il riflettore sarà abbastanza grande da bloccare completamente il vento, finché non cambia direzione.

Certo, a questo punto la difficoltà più grande diventa tenere in posizione il riflettore e fotografare allo stesso tempo. A questo scopo puoi usare un treppiede per sostenere la fotocamera ed avere quindi le mani libere per gestire il riflettore.

Ovviamente, non ti serve per forza un riflettore, qualsiasi oggetto rigido è adeguato. Il riflettore però è anche flessibile e molto leggero, quindi più comodo (qui trovi un esempio di riflettore a buon prezzo).

Non esagerare con il sole

  by code poet

Il sole diretto non è la luce migliore. Come spesso accade, la luce diretta del sole, soprattutto nelle ore centrali della giornata, è troppo dura, crea un contrasto troppo forte e ombre troppo nette che non si addicono alla delicatezza dei fiori.

Alla domanda: “qual è la luce migliore per fotografare i fiori?”, posso dare due veloci risposte:

• la luce in una zona d’ombra all’aperto, anche quando il sole è alto nel cielo,
• in una giornata nuvolosa, con il cielo uniformemente coperto,
• durante la golden hour.

Sono le tre opzioni che funzionano bene per molti altri soggetti, come ad esempio le persone nei ritratti.

Ricordati anche che, se non trovi una zona d’ombra, è facile creare un’ombra sufficientemente grande da coprire il fiore. Lo puoi fare con il tuo corpo, con il corpo di qualcuno che ti può assistere, usando una superficie sufficientemente grande come una riflettore. Tra l’altro, spesso i riflettori 5 in 1 includono anche un diffusore, molto utile quando fotografi di fiori.

In tutti e tre i casi qui sopra, può sorgere qualche problema se la luce è troppo scarsa. Sia in ombra che durante le ore iniziali e finali della giornata, la luce disponibile non è fortissima.

Come vedevamo nell’articolo precedente sulla fotografia ai fiori, spesso conviene usare valori elevati di apertura per garantire una sufficiente profondità di campo. Perciò, la luce potrebbe rivelarsi non sufficiente per garantire valori di ISO bassi e tempi di posa sufficientemente corti.

Se non c’è vento e stai usando un treppiede, puoi tranquillamente allungare di tempo di esposizione. Il fiore per fortuna sta fermo se nessun agente esterno interviene.

Altrimenti, sarai costretto ad alzare l’ISO oppure ad usare il flash, almeno come luce di riempimento.

Se la luce naturale non basta, c’è sempre il flash

  by the justified sinner

Sul flash potremmo dilungarci parecchio, ti do solo qualche spunto.

Se possiedi solamente il flash incorporato sulla fotocamera, cerca il più possibile di evitarlo. Fotografando i fiori torna utile solo come luce di riempimento. Ciò significa che lo puoi impiegare solo come debole lampo per schiarire le ombre e garantire un soggetto fermo quando la luce non è sufficiente.

Il vantaggio, in questo caso, è che le foto sono scattate da molto vicino, quindi la luce del flash riesce a investire il soggetto nella sua interezza senza creare antiestetiche zone buie. Per usarlo come schiarita, spesso è sufficiente lasciare il flash in automatico.

In presenza di luce ambientale forte, il lampo del flash sarà automaticamente molto debole e farà il suo dovere. In certi casi potrebbe essere necessario impostare una compensazione del flash negativa.

Il flash esterno è sempre un’idea migliore. Alcuni modelli di flash, come il mio Nikon SB-700, hanno la testa inclinabile verso il basso per illuminare soggetti molto vicini. L’ho usato in diverse occasioni e ha effettivamente funzionato.

La soluzione ottimale, però, è quella di usare il flash separato dalla fotocamera. Puoi procurarti dei trigger radio ma, visto che il soggetto è molto piccolo, è sufficiente un cavo che può procurarti per qualche decina di euro (qui trovi qualche esempio).

Staccando il flash dal corpo macchina, puoi decidere agevolmente la distanza e la direzione. Come punto di partenza considera un’angolazione di 45° verticalmente e orizzontalmente, per emulare la luce del sole.

Ricordati che la diffusione della luce dipende dalla dimensione relativa della sorgente di luce rispetto al soggetto. Quindi, visto che il fiore è un soggetto piccolo, puoi tenere il flash molto vicino e usare una potenza ridotta per avere comunque una luce diffusa.

Inoltre, puoi procurarti un flash macro o un flash anulare, ma di questi non ho esperienza.

Sole alto e niente flash, come faccio?

  by John_Kent

Se il sole è alto, non hai il flash e non hai possibilità di trovare una zona d’ombra o di creare l’ombra, c’è ancora un’opzione. Puoi usare il fiore per schermarti dal sole e creare anche uno scatto originale.

Ecco come fare:

• posizionati rasoterra, puntando il fiore dal basso verso l’alto,
• scegli un punto di vista tale da frapporre il fiore tra l’obiettivo ed il sole,
• esponi per il fiore (come spiego in questo articolo),
• se il cielo risulta troppo bruciato, sotto espone un po’.

Così facendo, potresti ottenere anche una foto molto bella in cui la posizione del sole rispetto al fiore crea attorno ad esso un’aura luminosa.

Effetti speciali acquatici

  by Bruno. C.

Nelle foto macro in generale e sicuramente anche nelle foto ai fiori, la presenza di qualche goccia d’acqua, magari resa brillante della luce solare, è sempre un gradito optional. Ma per averla devi per forza aspettare la pioggia?

Ovviamente no. È sufficiente un piccolo spruzzo, di quelli che spesso abbiamo a casa, per schizzare un po’ d’acqua sui fiori. Il risultato è assicurato.

Se poi vuoi spingerti oltre, puoi fotografare l’acqua mentre viene spruzzata, magari usando un tempo di posa lungo. Così otterrai uno scatto più dinamico e anche originale.

La natura ti delude? Vai dal fioraio

  by marcp_dmoz

Se abiti in città e fai fatica a raggiungere un luogo che presenti di fiori interessanti, ma anche se vivi in campagna e non trovi niente di valido, il fioraio è sempre un’opzione da tenere in considerazione. È un consiglio che ho trovato la prima volta sul Libro della fotografia digitale di Scott Kelby.

Dal fioraio trovi fiori molto belli che puoi scegliere con calma. Li puoi portare a casa ed arrangiare come preferisci, scegliendo lo sfondo, la luce, evitando il vento e potendo eventualmente giocare con gli schizzi d’acqua a piacimento.

Non serve comprare un intero mazzo di fiori, basta comprare ciò che ti serve, quindi la spesa non sarà comunque elevata.

Bellezza decadente

  by _marmota

In questo articolo e in quello precedente mi sono implicitamente sempre riferito ai fiori vivi, belli e colorati. Se vuoi essere originale e porti anche una sfida un po’ più impegnativa, ricordati che fiori secchi e anche in putrefazione possono fornire soggetti molto interessanti.

È anche un modo per riciclare fiori che hai a casa e che ormai sono da buttare.

Il bianco e nero funziona anche per i fiori

  by Auntie P

Siamo tutti d’accordo che uno degli aspetti più belli dei fiori è il colore, anzi i colori. Ciò non vuol dire che la conversione in bianco e nero stoni su una fotografia di un fiore.

La morbidezza e la delicatezza della superficie di un fiore, la sua sinuosità e le sfumature si prestano ottimamente ad una conversione in bianco e nero ben fatta.

Soprattutto se hai trovato una bella luce diffusa, una conversione poco contrastata, in cui si apprezzino i passaggi graduali da una sfumatura all’altra, porterà probabilmente risultati molto belli.

Hai qualcosa da aggiungere?

In questo articolo e nel precedente sulla fotografia ai fiori ho messo un po’ di carne al fuoco e condiviso diversi consigli che trovo utili ed efficaci. Tu hai qualche esperienza come foto ai fiori?

Se hai consigli da condividere mi piacerebbe vederli nella sezione dei commenti qui sotto.

E’ passato molto tempo, circa un anno e mezzo, da quando io ed Alberto ci siamo scambiati le prime idee circa una rubrica in cui valutare criticamente le foto dei lettori di FotoComeFare.

Nel tempo la struttura dei vari post è “maturata” fino a trovare, nell’ultimo periodo, uno schema abbastanza fisso. Per quanto mi riguarda è stato un esperimento appagante ed interessante, se abbia avuto successo lo lascio decidere a chi mi ha letto con curiosità in queste 33 puntate.

I miei impegni lavorativi, i miei nuovi progetti che vedranno la luce già a partire da maggio, mio figlio che ormai ha tre anni e giustamente occupa molto del mio tempo libero, la famiglia e la casa… sono tante le ragioni ad avermi fatto pensare più volte a terminare questa bellissima esperienza. Ma la verità è che fino a poco tempo fa pensavo che avrei creato un disservizio ai tanti che inviavano la loro foto confidando in un consiglio.

Frequentando il nuovo forum di FotoComeFare, ed in particolare la sezione di critica fotografica, mi sono accorto di quanto la comunità sia cresciuta, non solo numericamente ma anche qualitativamente, al punto da riuscire a fornire a sé stessa ottime osservazioni e consigli mirati, rimanendo sempre in un clima amichevole e collaborativo.

Avete iniziato a camminare con le vostre gambe, sono molto felice per questo. Certamente continuerò a passare sul forum, per quanto possibile continuerò a godermi le vostre fotografie (alcune davvero belle ed emozionanti) ed a commentare quando sentirò di poter dare il mio contributo. Come avrete notato infatti, ognuno di noi è invitato a commentare le foto altrui soprattutto fornendo argomentazioni ed evitando frasi banali (“bellissima”, “che emozione”).

Se una foto emoziona, è giusto (sia per l’osservatore che per il fotografo) scriverne il motivo, se non piace è corretto elencarne i difetti. Cosi facendo, la comunità continuerà a crescere.

Fino alla prossima collaborazione con Alberto (i buoni rapporti portano sempre, prima o poi, ad altri esperimenti) non mi resta che salutarvi ed augurarvi sempre una buona luce.

Per chi nel frattempo volesse rimanere in contatto con me è il benvenuto sulla mia pagina Facebook https://www.facebook.com/EDZphotography dove posterò le prossime iniziative, spedizioni, foto…

Alla prossima!

Emi

Da Alberto: grazie mille ad Emiliano che con la sua collaborazione e le sue critiche sempre precise e ricche di consigli ha reso più interattivo e utile questo sito. Spero veramente che avremo altri modi per collaborare, compatibili con i suoi impegni.

Intanto, se desideri ricevere critiche costruttive alle tue foto, il posto in cui è andare è senza dubbio la nuova sezione di critica foto sul forum. Già in molti hanno condiviso i loro scatti e ricevuto commenti veramente utili.

Dario Vanacore ha appena percorso un tratto di fiume molto difficile che culmina con una cascata di oltre 20 metri di altezza. Nessuno lo aveva ancora fatto.

Ovviamente si stappa una bottiglia dopo la preparazione durata molti mesi. E lo sponsor, produttore della canoa utilizzata, vuole qualche immagine, oltre a quelle del gesto sportivo, per gli articoli che faranno il giro delle riviste specializzate in tutto il mondo. 

In realtà non è previsto un vero e proprio shooting pubblicitario: l’idea è quella di realizzare un breve reportagedel “backstage” dell’impresa. Quindi comincio a scattare dal giorno prima, durante il viaggio in furgone, documento le fasi di preparazione, l’allestimento del campo nel luogo dove passiamo la notte, il risveglio e le ultime fasi di concentrazione prima dell’impresa. Voglio trasmettere la tensione che, tra una battuta e l’altra per sdrammatizzare, si respira concretamente man mano che ci si avvicina al momento decisivo.

Tutto va per il meglio e all’uscita dal fiume sappiamo di trovarci nei pressi di un vecchio famoso complesso abbandonato: sono le acciaierie di Terni, famose anche per essere state location per il “Pinocchio”  di Benigni. In realtà sarebbe vietato ma un’occhiata dall’esterno mi presenta una scena interessantissima: un enorme spazio vuoto e abbandonato, completamente buio con dei tagli di luce durissima che filtra da alcune finestre rotte.

Non resisto e convinco Dario ad entrare (in realtà non ci vuole molto!). Dopo alcune immagini generali usate per il video gli chiedo immediatamente di posizionarsi sotto lo “spot” naturale che illumina il centro della fabbrica.

La luce non è semplicissima e devo svolgere un po’ di regia: chiedo al canoista con il mezzo in spalla di mettersi in modo che la luce colpisca la metà del viso rivolta alla macchina, disegni bene il kayak e lasci vedere il logo dello sponsor. Non è proprio una situazione da beauty ma ben si adatta al soggetto: se noti, sotto il casco i capelli sono ancora bagnati, Dario è proprio appena sbarcato ed è uscito dal fiume carico come una molla dell’adrenalina accumulata. 

Lo sguardo è interessante: trasmette tutta l’energia dell’atleta ma si percepisce già un’addolcimento per lo “scarico” che arriva necessariamente dopo un’impresa così difficile e attesa.

L’ombra in terra completa la composizione: riempiendo  il buco di luce in terra equilibra la scena dando un’andamento diagonale all’inquadratura.

Gli elementi sono abbastanza centrali ma la pagaia impugnata con gesto quasi marziale (e non è un caso…alla fine per il  canoista è l’arma migliore!) cade all’incirca sulla linea del terzo sinistro. Il corpo è rivolto in senso leggermente opposto allo sguardo e la torsione che ne consegue per guardare in macchina danno energia alla scena, che altrimenti risulterebbe troppo statica.

Il rosso della canoa stagliato nel buio è molto efficace: compaiono soltanto tre colori, il rosso, il nero e il bianco del casco e della luce. 

Togliere è spesso uno degli strumenti più potenti della tua composizione: eliminare elementi di disturbo, scegliere solo pochi colori, semplificare, sono attitudini che si acquisiscon con il tempo e si possono allenare. 

Osserva le foto dei grandi maestri: sempre si riscontra la presenza di pochi elementi ben organizzati. E’ una caratteristica di quasi tutte le più famose immagini che conosci.

Prova a fare questo esercizio: comincia a navigare in rete (magari su questo sito… i grandi classici sono sempre i migliori maestri!) e “controlla” quante volte si trova questo procedimento.

Ora guarda le tue foto migliori con occhio critico: vedrai che probabilmente le più riuscite sono quelle più semplici.

Prova ad inviare la tua foto preferita su questo argomento, quella dove maggiormente si riscontra l’esercizio di semplificazione della composizione.

Proveremo ad analizzarla insieme.

• garantire un aspetto corretto,
• aggiungere effetti creativi ma realistici,
• rafforzare l’efficacia comunicativa dei tuoi scatti.

Però, le parti più tecniche della gestione del colore possono essere ostiche da imparare e tediose da usare.

Ecco perché torna molto utile un videocorso come Tecniche avanzate di correzione del colore. Già dall’introduzione, si prefigge lo scopo di insegnarti ad ottenere risultati di qualità elevata nel tempo più breve possibile (per ridurre il tedio e dedicarti a cosa più divertenti).

In questa recensione ti spiego come raggiunge tale scopo.

Cosa imparerai da questo corso

Tecniche avanzate di correzione del colore è un videocorso che affronta a tutto tondo la gestione del colore in Lightroom e Photoshop.

In poche parole ti insegna a:

• regolare il colore in Lightroom come lo preferisci, da un punto di vista estetico, “ad occhio”,
• controllare i colori in Photoshop in maniera precisa, scientifica,
• usare gli strumenti appresi per correggere gli errori, dare alle foto esattamente l’aspetto che vuoi, modificare i colori in maniera creativa.

L’ultimo punto secondo me è fondamentale. Il titolo del corso menziona la “correzione del colore”, ma non insegna solo a correggere gli errori (ad esempio rimuovere una dominante). Piuttosto, insegna a controllare e modificare nel minimo dettaglio i colori di una foto in maniera veloce e professionale.

Puoi quindi certamente usare le conoscenze acquisite per rendere i colori di un’immagine scientificamente corretti (serve ad esempio nella fotografia di prodotti per i cataloghi). Ma soprattutto puoi usarle per cambiare l’aspetto di una foto a tuo piacimento in base ai tuoi scopi.

Puoi renderla più calda, più fredda, più triste, più scura, più luminosa e così via. Puoi sostituire i colori e ricolorare interi oggetti. Ecco qui sotto alcuni esempi delle foto trattate.

Ma andiamo a vedere più in dettaglio i contenuti.

La prima mezz’ora è dedicata a Lightroom. Come accennavo sopra, Lightroom è da usare per una correzione più estetica, “ad occhio”. Questo non vuol dire che non sia utile, ovviamente.

La correzione del colore in Lightroom è da creare per ottenere un’immagine che ti piace, modificandola ad occhio. Per questo scopo va benissimo. Se vuoi una gestione scientifica, numerica del colore, devi passare a Photoshop.

Questa prima mezz’ora è comunque sufficiente e mostrare tutti i vari strumenti da usare in Lightroom per la gestione del colore.

La parte di Tecniche avanzate di correzione del colore dedicata a Photoshop è decisamente la più lunga, dura quasi 2 ore.

All’inizio, viene usato lo spazio colore RGB (quello in cui la foto viene scattata). Per prima cosa, impari a rimuovere le dominanti, o aggiungerle a scopo creativo, per correggere l’immagine.

Poi, impari la gestione del colore vera e propria, ovvero la modifica di luci e ombre, della saturazione e le correzioni selettive del colore. Il limite dell’RGB è che non puoi modificare la saturazione dei colori senza toccare anche la luminosità.

Per questo, si passa allo spazio colore LAB ed è qui che si comincia a ballare.

LAB permette di controllare separatamente luminosità e colori. In questo modo, non solo la gestione dei colori è più precisa, ma è anche estremamente più veloce.

In questa seconda parte, gli argomenti trattati (tutti legati allo spazio colore LAB) sono:

• eliminazione precisa o aggiunta di dominanti,
• impostazione del punto di bianco e di nero,
• alterazione separata di luminosità e colori attraverso le curve sui diversi canali,
• sostituzione del colore di un oggetto in una foto e mascheratura ultra rapida attraverso le opzioni di fusione,
• aumento del volume attraverso aggiunta di un livello colorato,
• aumento del dettaglio agendo solamente sul canale della luminosità attraverso le curve.

Risulta evidente, dopo questa parte centrale del corso, quanto LAB sia potente, facile da usare e veloce nel raggiungere i risultati desiderati.

L’ultimo quarto d’ora circa si torna allo spazio colore RGB per mostrare alcune operazioni che LAB non permette di fare.

La prima è una tecnica particolare che permette di cambiare il tono dell’immagine (ad esempio aumentandone il contrasto o rendendola più chiara o più cupa) attraverso lo strumento Applica Immagine. Si tratta di uno di quei trucchi da esperto che aiuta a rendere più efficace un’immagine con pochi clic del mouse.

La seconda tecnica invece serve per convertire l’immagine in bianco e nero in maniera diversa dal solito. Qui si usa lo strumento calcoli di Photoshop per lavorare su specifici canali e creare un bianco e nero personalizzato. Anche in questo caso, una scorciatoia difficilmente conosciuta dai non addetti ai lavori per creare rapidamente immagini in bianco e nero di carattere.

Ma è meglio questo corso o Cromie Perfette?

Qualche tempo fa avevo recensito un precedente videocorso di FotografiaProfessionale.it, sempre riguardante la correzione del colore: Cromie Perfette. Se l’hai già seguito o vuoi capire quale dei due scegliere, è lecito chiedersi quale è meglio.

Se già possiedi Cromie Perfette, sappi che una sua parte è ripresa in Tecniche avanzate di correzione del colore, perché quest’ultimo è inteso come un corso a sé stante. Una metà del nuovo corso, comunque, è composta di contenuti completamente nuovi. Tra questi, le due tecniche spiegate alla fine e l’uso degli oggetti avanzati, per un ritocco più agile e veloce.

Se invece non hai Cromie Perfette, senza dubbio tra i due ti consiglio di scegliere questo nuovo corso. Le basi ci sono tutte ed in più le tecniche avanzate sono veramente di prima classe.

Conclusioni

Tecniche avanzate di correzione del colore è un corso che mi ha veramente soddisfatto, anzi direi entusiasmato.

La parte su Lightroom è completa e realistica: ti dice esattamente per cosa basta Lightroom e per cosa invece devi passare a Photoshop. Poi, ovviamente, ti mostra in maniera esauriente cosa puoi fare con Lightroom.

La parte su Photoshop riesce nell’intento iniziale indicato dal docente: insegnare tecniche per la gestione del colore che permettano risultati di alta qualità in poco tempo.

L’uso appropriato dello spazio colore LAB, combinato con gli oggetti avanzati, si dimostra veramente un’arma segreta per la correzione e la modifica creativa del colore. La parte in cui viene modificato con pochi clic il colore di un’automobile ne è una dimostrazione più che efficace.

Se per te la gestione del colore si ferma ad ottenere una foto che ti soddisfa esteticamente, ti basta Lightroom e soprattutto questo corso non ti serve.

Se invece vuoi imparare il controllo preciso, scientifico, del colore per rendere le foto corrette e controllare in maniera esatta le trasformazioni dei colori, senza dubbio questo corso soddisferà i tuoi desideri.

Unico avvertimento, riuscirai a seguire facilmente Tecniche avanzate di correzione del colore solo se hai già le basi di Photoshop CS6. Devi sapere cosa sono e come si usano livelli, filtri, oggetti avanzati e i vari strumenti. Se non li conosci, ti consiglio il corso completo su Photoshop CS6, ecco la recensione: Preparati: imparerai finalmente ad usare Photoshop CS6 come si deve.

Per acquistare il corso, in versione download o dvd, clicca su questo link.

Ti troverai su una lunga pagina. Trovi il pulsante per l’acquisto verso il fondo.

Modalità di pagamento e consegna

Puoi pagare con bonifico bancario, Paypal, carta di credito o PostePay:

Come per tutti i corsi di FotografiaProfessionale.it, esiste anche la versione in DVD, ma è più costosa e non ne vedo la convenienza.

Se acquisti questo videocorso, percepisco una commissione che non grava sul prezzo da te pagato. Aiuterai così a mantenere questo sito attivo e gratuito. Grazie infinite anticipatamente.

Anche se un fiore è bello, non è automatico farne una bella foto. In questo articolo, 8 consigli per fare foto di fiori degne di essere stampate, incorniciate e appese alle pareti di casa.

Pensa come un fiore

Vale quando devi fotografare i bambini, quando fotografi gli animali e vale anche quando fotografi i fiori: fotografarli dall’alto in genere non funziona, devi abbassarti. Ciò vuol dire, soprattutto nel caso dei fiori, praticamente distenderti per terra.

Guarda le foto in questo post, osserva attentamente le foto di fiori più belle e ti accorgerai che tutte sono state fotografate da un punto di vista molto ribassato.

  by aussiegall

In questo modo, puoi fotografare il fiore di profilo, una scelta molto comune, ma anche dal basso verso l’alto, riducendo l’eventuale affollamento dietro di esso.

Certo, questa non è una regola scritta nella pietra. Puoi anche fotografare i fiori dall’alto verso il basso, ma in ogni caso dovrai avvicinarti e quindi abbassati.

Fotografa da vicino

  by wtl photography

Anche questa regola vale per molti soggetti in molti generi fotografici e ancor più quando fotografi di fiori. Non sono solo soggetti “di bassa statura” ma sono anche soggetti di ridotte dimensioni. Ciò significa che, per riempire adeguatamente l’inquadratura (che è sempre una buona abitudine), devi andare molto vicino ai fiori.

Per questo, ti conviene usare un obiettivo macro, con cui puoi avvicinate fino a pochi centimetri dal soggetto. Se proprio non hai un obiettivo macro, fai attenzione alla distanza minima di messa a fuoco dell’obiettivo che vuoi usare. Un teleobiettivo potrebbe stuzzicarti, data la sua capacità di ingrandimento, ma potrebbe avere una distanza minima di messa a fuoco troppo elevata.

Fai anche attenzione al fatto che avvicinandoti riduci drasticamente la profondità di campo. Così facendo, aumenti di molto lo sfocato (che è una cosa buona per vedremo tra) ma aumenti anche molto il rischio di sbagliare il punto di messa a fuoco.

Attenzione allo sfondo

Quando fotografi i fiori nel loro ambiente naturale, non hai il controllo su ciò che li circonda e che potrebbe entrare nell’inquadratura. Non è raro trovare foto in cui il fiore in primo piano è bellissimo, magari anche la luce è ottima, ma lo sfondo rovina tutto, come qui sotto (a proposito, leggi questo articolo sull’importanza dello sfondo).

  by Luca Uccelli

Una volta trovato il fiore giusto e l’inquadratura giusta, dedica un po’ di tempo a esplorare l’intera inquadratura facendo attenzione gli elementi che potrebbero togliere importanza al fiore. Potrebbero essere oggetti dello stesso colore del fiore, che andrebbero a competere per l’attenzione dell’osservatore, oggetti di un colore che non sta bene con quello del fiore, oggetti semplicemente brutti, ad esempio artificiali, che non hanno niente a che fare con la foto, e così via.

Se gli elementi di disturbo non possono essere rimossi fisicamente, tre sono i modi principali con cui puoi migliorare la situazione:

• cambia punto di vista orizzontalmente o in verticale,
• un fortissimo sfocato, così gli oggetti sullo sfondo si ridurranno a macchie indistinte,
• uno sfondo artificiale, ad esempio un pannello colorato (o un secchio nero, come in questo caso).

  by Il conte di Luna

Meno è meglio

Senza necessariamente dover finire nella fotografia minimalista (che comunque è molto interessante e anche di moda) ricordati che più cose metti nella foto, più cose competeranno per l’attenzione dell’osservatore. Guarda che confusione nella foto qui sotto.

by Luca Uccelli

Quindi, cerca di non includere troppi altri fiori, piante, insetti o quant’altro nella tua immagine. Fotografando da vicino e avendo cura dello sfondo sei già a buon punto, perché riduci tantissimo il numero di cose presenti nell’inquadratura.

Adorabile sfocato

  by p1ndar0

Scrivevo sopra che è meglio fotografare da vicino i fiori ed un effetto collaterale di ciò è la scarsa profondità di campo. Quindi, facilmente fotografando i fiori ti trovi ad avere molto sfocato.

Questa, per fortuna non è solo una conseguenza inevitabile ma è anche un risultato auspicabile. Generalmente, le foto di fiori funzionano molto meglio se un’ampia porzione è sfocata.

Questo accade principalmente perché i bei fiori solitamente hanno colori molto interessanti e sfocandoli essi danno vita a macchie colorate che ricordano quadri impressionisti.

Se la distanza ravvicinata e la lunghezza focale non ti garantiscono sufficiente sfocatura, ricordati di usare valori bassi per l’apertura. Probabilmente, questo non sarà necessario. È più facile che tu ti trovi a dover aumentare l’apertura perché lo sfocato è troppo.

Alla ricerca della nitidezza

Certo, lo sfocato è bello, ma se è troppo, alla foto mancherà un punto interesse, essa sembrerà una macchia indistinta in cui l’occhio non sa dove guardare.

Perciò, fotografando i fiori da vicino, sarai probabilmente costretto ad aumentare il valore dell’apertura (come dicevo sopra). Potresti doverlo aumentare parecchio, come si fa nella fotografia macro. E cosa succede a questo punto?

Usando un’apertura meno ampia, riduci la quantità di luce che entra nella fotocamera. Con valori molto alti, da f/11 in su, la luce disponibile potrebbe non essere abbastanza. A questo punto dovrai usare la luce artificiale, o aumentare il tempo di posa, introducendo nuove difficoltà.

La messa a fuoco di un cecchino

  by Adrian Dreßler

Avendo solo una piccola parte dell’inquadratura non sfocata, un’altra difficoltà nel fotografare i fiori sta nel fatto che è difficile mettere a fuoco con precisione. In altre parole, è difficile mettere a fuoco esattamente il punto che desideri.

Come in un ritratto il punto da mettere a fuoco è l’occhio, anche in una foto ai fiori ci sarà un punto preciso da mettere a fuoco, che dipende dalle caratteristiche del fiore scelto. Se questo punto preciso non è esattamente fuoco, la foto sarà da buttare.

In questo genere di foto, quindi, ti può tornare spesso utile la messa a fuoco manuale. Certo, non è una soluzione facile. Mettere bene a fuoco in manuale richiede allenamento (quindi, prima cominci meglio è) ma soprattutto è reso difficile da alcuni modelli base di reflex che hanno un mirino troppo piccolo e troppo buio.

La messa a fuoco manuale può essere facilitata dall’uso del live view in combinazione con l’anteprima della profondità di campo. Consumerai più batteria, ma sarà decisamente più facile azzeccare il punto di messa a fuoco.

Un’altra volta, il treppiede è il tuo migliore amico

Il treppiede è sicuramente un accessorio ingombrante, soprattutto se ne vuoi uno che faccia bene suo lavoro. Ed è decisamente più bella l’idea di passeggiare per i campi con solamente la tua fotocamera in mano, invece che ostacolato da un grosso Manfrotto professionale.

Però, nella fotografia ai fiori, può fare la differenza tra tornare a casa a mani vuote o con una bella foto. Ciò dipende dalle difficoltà di cui parlavo sopra, legate in genere al fatto di dover fotografare da vicino.

Il treppiede ti aiuta tantissimo nei casi in cui devi allungare il tempo di posa per avere l’esposizione corretta quando usi un’apertura meno ampia. Eviti così di fare foto mosse.

Inoltre, torna utile anche in combinazione alla messa a fuoco manuale. Con una ripresa ravvicinata, il più piccolo movimento modifica di molto la messa a fuoco. Con il treppiede il movimento della fotocamera viene annullato.

Siamo nel vecchio carrozzone da circo che uso da due anni come sala di posa itinerante: posizionato in una piazza centrale serve da studio per ritrarre chiunque volesse partecipare al progetto. La città è La Spezia, da cui poi parto per Trento, Genova, Cagliari, Sassari e altri centri minori. Nell’arco di vari mesi costruisco un archivio di oltre diecimila persone.

Di questo ritratto mi ricordo ogni particolare. E‘ il pomeriggio tardo di un autunno appena accennato. Non c’è luce artificiale, lo studiolo ambulante riceve una bella luce diffusa dalla porticina laterale. L’interno dipinto di bianco contribuisce ad ammorbidire l’illuminazione. Unica scenografia è la poltrona.

Il ragazzino sale con il nonno, gelato in mano da bravo nipote. Si fanno una foto insieme, lui seduto quasi come è ora, il nonno sul bracciolo della poltrona. Lo sguardo del ragazzino è molto intenso, è timido e un po’ forzato dal vecchio. Temporeggio, faccio due chiacchiere perchè possa terminare il gelato e quando vedo che siamo ormai a tiro, gli chiedo di farsi una foto da solo.

Il nonno è contento: quando il nipote si sistema meglio sulla poltrona lo invita a tirarsi su e sorridere. Intervengo prendendo “le difese” del ragazzo e spiego al nonno che nulla è peggio in un ritratto del sorriso forzato a comando. Parliamo ancora un attimo senza rivolgere la parola al ragazzo finchè capisco che, per noia o per rassegnazione, ha mollato le difese e si appoggia tranquillo allo schienale.

Ancora il nonno chiede “come deve mettersi, cosa deve fare”: rispondo di guardare semplicemente la macchina. Ed ecco quello che aspetto: incrocio due occhi da adulto che sembrano accondiscendere al gioco dei grandi, quelli “veri”.

Dal punto di vista tecnico non c’è molto da dire, uso la mia prima macchina digitale, senza la quale questo lavoro non avrebbe potuto esistere. Una focale equivalente ad un 28mm mi permette di avvicinarmi al soggetto senza esagerare con l’accelerazione della prospettiva.

Di postproduzione… neanche l’ombra, a parte la conversione in bianco e nero: incredibile a dirsi ma… scatto in jpeg. All’epoca non ero consapevole delle potenzialità del RAW, un file che si apre con difficoltà e solo con il software proprietario. Mi sembra quasi che ci sia solo lo svantaggio della pesantezza del file.

Amo la relazione che si crea, anche solo per un attimo, con il soggetto fotografato. Mi piace guardare negli occhi le persone, cosa che mi riesce più facilmente da dietro la macchina fotografica. Non sono un tipo estroverso: lo schermo del mirino, anziché separarmi dal soggetto, mi aiuta a creare un legame: quando tutto va per il meglio, il corto circuito segnala lo scatto efficace.

La testa leggermente inclinata e la serietà dello sguardo attraggono i miei occhi anche ad anni di distanza. Quando guardo questa foto mi convinco che il ridere in fotografia sia una difesa: interrompe la comunicazione soggetto-fotografo-osservatore.

Forse questa foto è falsa, questo ragazzino potrebbe non essere così malinconico come sembra. La fotografia crea una persona nuova , non la descrive. La figura del piccolo uomo, oggi sarà maggiorenne, non è lì a farsi riprendere ma è lui che osserva te che guardi la foto.

La magia è la sensazione di avere davanti una persona, non la sua raffigurazione. Sai che non è vero, ma è come se lo fosse: non si spiega perché, altrimenti, non riesci a fare a meno dell’immagine di chi ami.

La fotografia rende presenti le persone al di là del tempo. Questo sfasamento tra attualità e tempo passato produce la malinconia che spesso ti assale guardando vecchie foto.

Adori sfogliare i vecchi album di famiglia o li fuggi per non vedere il tempo che passa. Che rapporto hai con le tue vecchie foto?
Noti che molti usano foto di anni prima per presentarsi sui social network: cosa ne pensi?

In questo tutorial vedremo:

• Cosa fare di un file privo di Spazio Colore incorporato?
• Cosa vuol dire Assegnare uno Spazio Colore e Convertire a uno Spazio Colore?
• Come faccio ad essere sicuro di incorporare lo Spazio Colore in ogni immagine?

Seguimi su questo terreno non sempre facile da comprendere, sono sicuro che lo troverai utilissimo!

Ecco il video:

Se non vedi il video, vai a questo link: Da RAW a Master #13.

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Mostrandoti 14 foto diverse voglio spiegarti quanti e quali approcci diversi si possano avere all’interno di questo genere fotografico. Non bisogna per forza fotografare estranei per strada, da vicino, con una lunghezza focale corta.

Trovi infatti foto astratte (o quasi), foto con il flash, foto in bianco e nero, foto a colori, teleobiettivi medi e lunghi e molto altro.

Ecco allora il video (questa volta è un po’ più lungo).

Se non vedi il video, vai a questo link: esempi di street photography. 

Ecco i link alle immaginie presentate nel video:

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Se come me ami la street photography, ti consiglio di comprare l’ebook I fondamenti della street photography. Per leggere la mia recensione, clicca qui.

Se acquisti l’ebook, percepisco una commissione che non grava sul prezzo da te pagato. Aiuterai così a mantenere questo sito attivo e gratuito. Grazie infinite anticipatamente.

La street photography non è facile. Là fuori c’è un mondo in rapido movimento e serve tanta pratica per essere in grado di catturarlo bene.

Comunque, non si tratta solo di pratica. Ogni fotografo di strada esperto ha una scatola di trucchi che lo aiutano a rendersi la vita più facile sulle strade. Qui sotto ci sono alcuni dei miei “segreti”, su cui penso non sia stato scritto a sufficienza.

Non sono solo trucchi tecnici, ma consigli per aiutarti a scovare contenuti eccellenti per le tue foto, in modo che esse risultino interessanti e potenti.

Mona

1. Smetti di muoverti

Tratti un’uscita dedicata alla street photography come una bella passeggiata attraverso la città? Non c’è niente di sbagliato in ciò, certo, ma è veramente difficile camminare, dedicare completa attenzione e allo stesso tempo catturare foto di strada di qualità.

Ti ritroverai spesso fuori posto quando accade qualcosa di importante ed è molto più facile che si accorgano di te mentre cerchi di metterti in posizione. Infine, le persone solitamente si muovono nella direzione opposta alla tua, quindi può essere difficile rallentare il tuo movimento abbastanza da ottenere uno scatto nitido mentre inquadri correttamente. Per fare tutto questo in movimento devi avere molta coordinazione.

Il trucco è di rallentare. Imponiti di fermarti per alcuni minuti dopo aver attraversato qualche isolato. Guarda cosa sta succedendo. I soggetti devono venire verso di te, non il contrario. Esplora i dintorni in dettaglio e aspetta che le cose si sviluppino davanti a te. Sarai sorpreso dalla quantità di eventi che accadono mentre tu sei semplicemente lì fermo in piedi.

Rucker Park

2. Fai attenzione agli occhi

Se vuoi migliorare la tua street photography (o i tuoi ritratti di strada) del 1000%, allora fai attenzione agli occhi delle persone. Le persone sanno essere veramente abili a nascondere le emozioni che possono trasparire attraverso i loro volti, ma gli occhi non mentono mai. Di questi tempi, vedo fin troppe foto di strada con sguardi vuoti. Cerca negli occhi di una persona quel barlume di emozione e ciò avrà un effetto rivoluzionario sulla tua fotografia.

In più, il contatto oculare diretto può essere estremamente importante. Crea una connessione potente con il soggetto.

Solitamente, cerco di evitare che si accorgano di me e così spesso non punto ad avere il contatto oculare. Talvolta, però, attendere che una persona guardi verso di te è esattamente ciò di cui una foto ha bisogno. La fotografia rimarrà comunque spontanea finché catturi il soggetto nel momento esatto in cui guarda verso di te e prima che sia in grado di reagire.

Death of a salesman

3. Concentrati sui dettagli

La street photography non consiste solo nel catturare strane giustapposizioni o far entrare il numero più alto possibile di persone o cose dentro una cornice elaborata. A dire il vero, è qualcosa che vedo fin troppo.

Spesso, è meglio semplificare le tue foto e cercare le ‘piccole cose’ – quei minuscoli assaggi di vita che tutti sembrano mancare. Osserva i dettagli: le mani di una persona, un’espressione, un indumento o un singolo oggetto inquadrato da molto vicino. Idee ed emozioni potenti possono essere ritratte attraverso la più semplice delle scene.

Sleeping in Zuccotti Park, Occupy Wall Street

4. Scatta a ISO 1600

Le fotocamere digitali odierne sono estremamente valide ad alti ISO. Se ti trovi sotto una luce intensa o stai fotografando oggetti immobili non ti serve avvicinarti a ISO 1600 , ma in tutti gli altri casi è una buona idea.

Io praticamente vivo a ISO 1600, 800 e 3200. Scattare con ISO alta ti aiuterà ad ottenere immagini più nitide, permettendoti di usare un tempo di posa più veloce ed un’apertura più stretta, consentendo ad una parte maggiore della scena di essere nitida. Se usi una fotocamera digitale decente, ti accorgerai presto che scattare ad alti ISO creerà un’immagine di qualità molto maggiore, nonostante la grana aggiuntiva.

Layers of the City, East Village

5. Trova scatti senza persone

La street photography è spesso associata erroneamente con l’idea di fotografare unicamente persone per strada. La street photography riguarda le persone o più specificamente la natura umana, ma non serve che le persone siano presenti nella scena. Là fuori c’è una quantità infinita di possibilità di fare foto di strada epiche senza persone. Devi solo cercarle.

Ma non confondere una fotografia di strada senza persone con un paesaggio urbano. Un paesaggio urbano è un normale scatto di un ambiente urbano, come un semplice scatto dell’Empire State Building. Le foto di strada, invece, dicono qualcosa sulla natura umana. Esse includono un messaggio.

Considera ad esempio Layers of the City. Questa fotografia rappresenta la natura mutevole di Manhattan ed in particolare il quartiere dell’East Village, che è al momento il quartiere che si sta imborghesendo più velocemente in città. La foto ritrae il progresso del quartiere da squallido ventre molle ad un futuro scintillante e sterile. Lo scatto dice qualcosa della natura umana e della natura delle città. Non è solo un banale scatto di un cantiere edile.

Noodletown, Chinatown

6. Scatta di notte con la luce artificiale

La notte è uno dei momenti più divertente e gratificanti per scattare sulla strada. In generale, trovo che le foto di strada di notte siano più potenti e d’atmosfera delle loro analoghe scattate durante il giorno. E non è necessario che usi il flash (anche se mi piace l’aspetto che dà il flash). Preferisco scattare senza flash perché amo l’aspetto colorato ed autentico delle sorgenti di luce artificiali e voglio avvantaggiarmi delle bellissime qualità di queste luci.

Il trucco per fare street photography di notte senza flash è di trovare zone illuminate e aspettare lì (e scattare a ISO 1600 o 3200). Sfrutta le brillanti insegne dei negozi e fermati vicino ai lampioni. Ne varrà la pena.

The last throes of paper

7. Come un buon vino

La street photography è come il vino; invecchia estremamente bene. Questa idea è qualcosa a cui devi fare attenzione quando fotografi.

Pensa a ciò che cambierà. Concentrati sulle tendenze attuali o sulle cose che non ci saranno tra 2, 3, 10 o 20 anni. Per esempio, guarda questo scatto del 2012 con cinque persone che leggono in metropolitana su supporti di carta. Non è in nessun modo la mia immagine preferita ma invecchierà estremamente bene.

Entro 3 anni, catturare un’immagine del genere potrebbe essere impossibile quando quasi tutti useranno gli e-reader o i loro telefoni. Questa idea rende quest’immagine molto più affascinante per me.

E questo è solo un piccolo esempio. La cosa eccitante sulla street photography è che per ognuno di questi sette “segreti” ce ne sono altre decine. Quali altri consigli e trucchi usi per migliorare la tua street photography?

Questo articolo è stato scritto da James Maher, autore de I fondamenti della street photography. Qui trovi la mia recensione.

La gestione del colore è un tema che tutti i fotografi digitali devono conoscere e approfondire prima o poi. Il momento in cui essa diventa necessaria è quando cominci a stampare le tue foto o a mostrarle su schermi diversi da quello del tuo computer.

Quante volte, infatti, ti è successo che i colori di una foto fossero splendidi sul tuo monitor e invece risultassero smorti sulla stampa?

Sapendo gestire il colore eviti questo problema. Come sta insegnando Giorgio Trucco proprio su questo sito, la gestione del colore è una scienza e quindi è possibile imparare le regole precise che la governano.

All’inizio, ovviamente imparare queste regole sembra una sfida titanica e un po’ noiosa. Se senti necessità di fare un po’ di chiarezza nella teoria e nella gestione del colore, credo troverai utile l’ebook oggetto di questa recensione.

Si intitola La teoria del colore. Continua a leggere per capire di cosa parliamo.

Cosa imparerai da questo libro

La teoria del colore può essere considerato come un manuale per comprendere gli aspetti scientifici e tecnici che regolano la teoria del colore. Inoltre, è anche una guida di riferimento per la terminologia e le sigle ad essa legate (gamut, spazio colore, CMYK,ecc…).

Non ci trovi quindi riferimenti a nessun programma di fotoritocco o per la stampa, nessun tutorial. Trovi spiegazioni, anche di concetti scientifici, esposte in un linguaggio estremamente colloquiale.

Ecco di cosa parlano i vari capitoli:

• la luce, con concetti di fisica che ne spiegano la natura e di anatomia che spiegano come noi la percepiamo;
• il colore, cos’è la sintesi additiva e sottrativa, cosa significa RGB e CMYK;
• la temperatura colore;
• la ruota del colore e gli schemi colore, da usare anche nella composizione fotografica;
• la percezione del colore, fattori soggettivi e oggettivi;
• i metodi colore, con la spiegazione dei vari metodi per rappresentare i colori in digitale (RGB, HSL, LAB);
• gestione del colore, attraverso i profili colore (per monitor e stampanti) e la spiegazione di pregi e difetti degli spazi colore sRGB, Adobe RGB e ProPhoto RGB;
• intenti di rendering, per la conversione di uno spazio colore in un altro (percettivo, saturazione, colorimetrico relativo e assoluto).

Come dicevo sopra, questi argomenti estremamente tecnici e le loro basi scientifiche vengono tutti trattati in maniera divulgativa e molto colloquiale.

La teoria del colore conta un centinaio di pagine, che però sono di formato piccolo, adatte ad un e-reader come il Kindle. Quindi in un meno di due ore lo leggerai per intero.

Conclusioni

Ho trovato questo ebook sicuramente utile per costruire le basi della teoria del colore. Una volta assimilati i concetti che esso spiega, sarà facile capire come si applicano nei vari programmi di post-produzione e fotoritocco.

Inoltre, lo puoi tenere a portata di mano come riferimento a cui tornare quando non ti ricordi cosa significhi un determinato concetto o termine legato alla storia del colore (e ce ne sono molti).

Come ho accennato sopra, non aspettarti però da questo testo le istruzioni su come usare Photoshop (o qualsiasi altro software) per la gestione del colore.

Nota positiva, La teoria del colore è disponibile nei formati PDF, EPUB e MOBI, quindi lo puoi leggere agilmente su qualsiasi tablet, computer o ereader (ad esempio il Kindle).

L’unico difetto che ho trovato sta nel prezzo. L’ebook è breve, la sua lunghezza è sufficiente per spiegare esaurientemente le basi della teoria del colore. Le informazioni presenti sono molto utili e spiegate bene. Però costa poco più di 20€, secondo me dovrebbe venire qualche euro di meno.

Per acquistarlo, clicca su questo link. Ti troverai su una lunga pagina, scorri fino in fondo e troverai il pulsante per acquistare.

Modalità di pagamento e consegna

Puoi pagare con bonifico o con Paypal:

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Cosa ci fa muovere per salire su un monte e portare a casa una foto?

La salita è faticosa, sudi, sei carico perché hai sempre paura di non avere l’obbiettivo giusto al momento giusto; quando ti fermi stai un’ora al vento e cominci a gelare; hai trasportato sulla schiena il treppiede ( quello pesante perché se è troppo leggero sulla neve con il vento non serve a nulla), provi ad usarlo, le mani ti gelano, non sei mai riuscito ad imparare a lavorare senza guanti (sì, ci sono quelli moderni e leggeri, con il buchino sotto i polpastrelli… hai provato a stare sottozero per ore con i guanti “bucati”?); quando scendi è già buio e devi camminare alla luce della torcia. 

Verrebbe da pensare che la cosa migliore è tornare in albergo e trovare una squisita accoglienza: traducendo, ti danno la cena anche alle dieci di sera!

La verità è che salire, salire, salire per vedere cosa c’è al di là della cresta è qualcosa di atavico e stampato nel dna di ogni uomo. Qualcuno lo fa fisicamente, altri buttano questa energia nelle attività più disparate, ma tutti abbiamo la necessità di uscire da noi stessi e scoprire il mondo. Per il fotografo si aggiunge la gioia di condividere quello che trova.

Ogni volta che sono davanti ad uno spettacolo della natura desidero fotografarlo per “giustificarmi”: voglio raccontare a mia moglie e ai miei ragazzi perché ho orari sempre contrari alla maggior parte delle persone, perché volontariamente mi procuro della fatica quando la norma è passare la vita a cercare di evitarla.

Chi non ha provato non può capire. E’ un invito a consumare scarponi per fotografare. Non è una nota romantica ma un preciso consiglio tecnico. Se  non bastasse il mio parer: Joseph Koudelka, non uno dei tanti, dice che i piedi (usati per camminare molto… ovviamente!) sono il miglior strumento di un buon fotografo. 

La sera di questo tramonto, giusto una settimana fa, mi trovo sul Monte Cavalbianco, nulla di “alpinistico” ma in posizione strategica all’interno del Parco Nazionale dell’Appennino Tosco-Emiliano: dalle sue pendici si dominano alcune delle vette più alte della zona.

L’inverno è stato generoso di neve e, nonostante la stagione inoltrata, tutto è ancora bianco. In realtà il bosco di faggi in basso è ormai spoglio, l’ultima nevicata è lontana, ma pensandoci bene non è un male: la zona scura serve ad evidenziare maggiormente il manto della vetta.

Sono partito con Nicola e Daniele, compagni di fotografia, e Fabrizio, guida del parco e profondo conoscitore dei luoghi e delle sue montagne. Nel pomeriggio il tempo si fa brutto, siamo indecisi se provare o meno: decidiamo di andare perché la salita è breve e, anche se il tempo buttasse al brutto, non saremmo in difficoltà. Inoltre c’è vento molto forte e la speranza  è che, come spesso accade, un’apertura insperata dell’ultimo momento regali la luce desiderata.

In effetti: saliamo nella nebbia ma più ci avviciniamo alla cresta sommitale, più il vento si fa sentire e cominciamo a notare degli squarci nel panorama. Ci fermiamo sotto la vetta perché le condizioni della neve non sono ottimali per le ciaspole e ci accingiamo all’attesa.

Pian piano cominciano a spuntare raggi di luce, si intravedono le vette circostanti. Alla fine il vento ha la meglio sulle nuvole ma…non troppo!

E’ la condizione ideale, il cielo terso non mi piace, quando c’è la giusta quantità di nuvole spesso arriva il tramonto più bello. Infatti andrà così (e in qualche futuro articolo ti farò vedere che cielo compare). Ma quello che più mi attira è vedere alle spalle questi prati di neve che si modificano, pennellati dal sole che si abbassa e dal cambiamento di temperatura colore della luce.

Questa è una delle prime immagini scattate (tutti i file sono “azzerati”, li vedi così come escono dalla fotocamera) 

poi la luce si scalda

 infine si abbassa ancora  e si ammorbidisce, scelgo un’inquadratura più stretta.

Bisogna aver la forza di attendere: luce è tutto. 

Post-produzione in Lightroom

Ecco come ho ottimizzato il file.

Qui ho appena applicato le regolazioni del pannello base (dopo aver pulito lo sporco del sensore): ho leggermente scaldato la temperatura per recuperare la luce calda in parte affievolita dall’aumento dell’esposizione

Applico un filtro graduato sul cielo per abbassare leggermente i toni  e scaldare ulteriormente la luce evidenziando il colore sulle nuvolette

Comparazione PRIMA/DOPO (usando il tasto”y” accedi direttamente alla vista comparata; con “maiuscolo/Y” alterni la vista delle due foto intere o spezzata)

Poi intervengo con il pennello di regolazione schiarendo alcune zone (con “o” si evidenziano le aeree interessate dall’intervento)

ed ecco il risultato

Ricorda che usando vari filtri con diverse impostazioni puoi ripartire da uno dei predefiniti oppure cliccando “alt” (su Mac) al posto della voce “effetto:” compare “ripristina”: se clicchi tutti i cursori si azzerano e puoi ripartire con una nuova regolazione senza trascinare tutto cursore per cursore! 

Infine, lavoro sui disturbi del file con il potentissimo pannello dei dettagli (una grande scoperta arrivando da Aperture!)

ecco il PRIMA/DOPO finale

Ovviamente, però, mi stavo basando esclusivamente su ciò che mi diceva la gente o su quello che leggevo su internet. Quindi non avevo ero realmente conscio di cosa mi avrebbe apportato avere un obiettivo piuttosto che un altro.

Iniziai con il mio 18-200 senza sapere che foto avrei scattato con 18 mm e che differenze ci sarebbero realmente state se l’avessi fatta a 100 o 200. Dopo un po’ assimilai i concetti di compressione delle distanze.

Passava il tempo, scattavo sempre più e, a poco a poco, riuscii a dominare diverse situazioni. Potevo, per esempio, comprimere o dilatare la percezione delle distanze tra gli oggetti. Dopo qualche mese affinai la tecnica ancora di più, riuscendo a fare qualcosa che per me era sbalorditivo: modificare, grazie allo zoom, i connotati di una persona!

Quando si scatta con una distanza focale bassa, le distanze sono dilatate. Aumentandola, questa distanza si riduce sempre più.

Per esempio, prova a fare una foto da vicino, ad una ragazza, a 18 mm. Poi allontanati e falla a 150 mm. Vedrai gli occhi e gli zigomi meno pronunciati e meno deformati che nel primo caso. Quando imparai a fare una roba del genere mi sono sentito un mago della fotografia…

Tutto questo discorso ovviamente non è stato fatto solo per raccontarti le mie sconvolgenti scoperte. È stato fatto per dirti che, se il tuo primo obiettivo copre delle distanze “nella media”, se hai voglia di provare qualcosa di nuovo, probabilmente dovresti orientarti su distanze più “estreme” proprio per provare a dominare nuove tecniche.

Ma io, come primo obiettivo avevo già focali fino a 200… Questo mi ha avvantaggiato per tre ragioni.

La prima economica, visto che ho saltato il punto in cui si passa dal 18-55 ad un qualsiasi altro obiettivo risparmiando soldi e tempo. La seconda è che, da subito, ho potuto giocare con molte focali provando e capendo molte cose, quindi ho guadagnato del tempo. La terza è la comodità, perché se avessi avuto un 18-55 e, successivamente, ne avessi comprato un altro, avrei dovuto star sempre lì a cambiare obiettivo e questo, soprattutto in vacanza (e con la gente che si lamenta), è un ulteriore rottura di scatole. Ma, inoltre, mi ha permesso di vivere la ricerca del secondo obiettivo da un altro punto di vista.

Quando decisi di migliorare il mio equipaggiamento mi misi a pensare a cosa davvero fosse necessario. Avevo bisogno di un obiettivo di miglior qualità, ma che coprisse le stesse distanze che già avevo (o almeno in parte)?

Quando vidi i prezzi degli obiettivi che potessero migliorare significativamente le mie foto decisi che non ero ancora abbastanza “esperto” per spendere quei soldi!

L’altra opzione era aumentare uno degli estremi delle distanze focali disponibili, ma da che lato? Distanze maggiori di 200 mm? Per fare cosa, mi chiesi. Immagino che, se si devono fotografare situazioni particolari in cui il soggetto è davvero lontano sono necessarie. Ma in questo caso parliamo di prezzi molto alti, almeno per aumentare il rango significativamente.

Pensai a qual’era il mio più grande bisogno. Con il mio obiettivo riuscivo ormai a fare quasi tutto e a non rosicare più per non avere la reale possibilità di fare certi tipi di foto, ma c’era una cosa che desideravo da tempo: volevo un angolo visivo ancora più grande! Sempre più grande! La soluzione era scendere al di sotto dei 18 mm.

Mi misi a guardare su internet esempi di foto scattate a 10 mm. Paesaggi urbani e naturali… ne rimasi innamorato. Uno di quegli obiettivi doveva essere mio!

La ricerca non durò molto. Una volta scartati gli obiettivi dai prezzi proibitivi, dovevo scegliere tra 3 o 4 elementi. Alla fine optai per quello che, secondo me, aveva il miglior rapporto qualità prezzo, cioè il Sigma 10-20.

Adesso, quando posso scattare a 10 mm, sono davvero felice!

Esposizione 0,002 sec (1/640)
Apertura f/4.0
Lente 10 mm
ISO 100

In questo tutorial vedremo:

• Come superare l’ambiguita’ dei valori RGB?
• Cosa sono gli Spazi Colore?
• Perche’ e’ fondamentale che siano incoporati in ogni fotografia?

Seguimi su questo terreno non sempre facile da comprendere, sono sicuro che lo troverai utilissimo!

Ecco il video:

Se non vedi il video, vai a questo link: Da RAW a Master #12.

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Ciao, mi chiamo James e sto guarendo dalla paura di scattare per strada.

Fotografo estranei da lungo tempo e mentre sono diventato molto più sicuro e sereno, talvolta mi sveglio ancora sentendomi come quando avevo appena iniziato.

Fotografare le persone per strada in maniera spontanea e da distanza ravvicinata può terrorizzarti, specialmente se sei naturalmente introverso come me. Il commento più tipico che leggo riguardo alla street photography è che le persone sono troppo timorose per provarla o che escono per provare e si bloccano.

Tutti ci siamo bloccati, tutti ci blocchiamo. La street photography è molto gratificante una volta che superi queste difficoltà, specialmente se sei introverso, ma il problema è che molte persone si fermano prima di aver imparato a superarle.

Quindi, se sei un principiante totale della street photography o non hai fatto molta pratica, quali sono le tecniche o il processo da seguire per aiutarti a superare le tue paure? In definitiva, il tempo e la pratica sono l’unico modo per farlo, ma ci sono molti passi che puoi fare per renderlo più facile subito dall’inizio.

Passo 1: prova i ritratti di strada

I ritratti di strada sono quei ritratti in cui  chiedi a qualcuno di ritrarlo per strada. È semplice, è rapido ed è facile. Oltre ad ottenere alcuni fantastici ritratti ed esperienza nella ritrattistica, è il modo migliore per diventare rapidamente a tuo agio con gli estranei per strada.

Comincia scegliendo qualcuno con un abbigliamento appariscente. Le persone che indossano vestiti appariscenti in genere vogliono essere viste e vogliono essere fotografate e sono ottime per cominciare. Poi, passa alle persone normali.

Ciò che scoprirai è come molte persone saranno veramente eccitate quando chiederai loro di ritrarle e questo ti farà sentire tranquillo riguardo a ciò che cerchi di fare. Diventerai il momento più interessante della loro giornata e la storia che racconteranno quando torneranno a casa.

Passo 2: scegli un posto e lascia che le persone vengano verso di te

Se cammini e ti muovi continuamente, non solo è difficile cogliere i momenti ma anche cambiare direzione e raggiungere il posto giusto di corsa, senza che si accorgano di te o tu ti senta in imbarazzo. Fare così ti fare sentire come se stessi invadendo lo spazio di qualcun altro.

Invece, scegli un luogo con un traffico intenso di passanti o uno sfondo interessante e aspetta che le persone vengano verso di te. In questo modo, i tuoi soggetti invaderanno il tuo spazio ed i ruoli saranno ribaltati. Ti sentirai molto più a tuo agio e sarà anche meno probabile che si accorgano di te.

Passo 3: usa un piccolo obiettivo grandangolare a lunghezza focale fissa

Amo gli zoom. Molte lunghezze focali differenti sotto le tue dita, per qualsiasi situazione fotografica potresti incontrare. Ma se hai paura della street photography, essi possono essere il tuo peggior nemico. Gli obiettivi zoom sono pesanti, ingombranti e grandi e sono l’elemento più evidente della tua fotocamera. Non è il grosso corpo macchina a farsi notare, è la lunghezza del tuo obiettivo.

Quando metto il 24-70 o il 70-200 sulla mia Canon 5D Mark II, ogni persona che passa vicino la guarda, che stia appesa al mio collo o la tenga in mano. Invece, quando ci attacco il mio leggero, piccolo obiettivo da 28 mm, la fotocamera semplicemente scompare. Le persone ci camminano vicino senza accorgersene anche se il corpo della 5D Mark II è piuttosto grande.

La differenza è incredibile e non solo sapere che le persone non si accorgeranno di te ti farà sentire più coraggioso, ma la velocità con cui sarai in grado di gestire la tua fotocamera ti renderà più audace.

Passo 4: scatta dal fianco e usa la messa a fuoco a zona

Scattare dal fianco significa fotografare senza guardare attraverso il mirino. È più facile da fare con una lente grandangolare leggera alla cui prospettiva sei abituato, cosicché tu possa inquadrare correttamente senza guardare.

Mettere a fuoco a zona, o pre-focalizzare ad una distanza specifica, è necessario per fotografare in questo modo ed è un argomento che necessità di un articolo dedicato. Puoi leggere di più a riguardo qui.

Ma scattare dal fianco non significa che dovresti puntare la fotocamera verso qualsiasi cosa e scattare a caso. È proprio l’opposto.

In genere scatto dal fianco con la fotocamera direttamente sotto il collo. È la stessa inquadratura che vedono i miei occhi, solo un pelino inferiore cosicché non sembri che sto facendo una foto.

Inoltre, se non ti trovi in una zona affollata, può aiutare tenere la fotocamera legata al polso lungo il fianco e fuori dalla vista finché non devi fare lo scatto. Ciò eviterà ce le persone si accorgano della tua fotocamera da lontano.

Passo 5: fingi di essere un turista che sta fotografando quello che sta dietro

Io lo faccio continuamente, in particolare quando ho individuato un posto che funziona e sto aspettando che le persone entrino nella scena. Prova a non guardare direttamente i soggetti e a far sembrare che tu stia fotografando ciò che si trova dietro a loro e un po’ a lato. Poi, dopo che hai fotografato quella persona, tieni la fotocamera ferma come se stessi ancora inquadrando ciò che si trova dietro di lei.

Continua a sorridere e sembra disorientato, come gli altri turisti. Le persone danno ai turisti molto spazio di manovra.

Talvolta non devi preoccuparti delle persone che stai fotografando ma delle altre dieci persone ferme al semaforo che ti stanno guardando. Per questo devi comportarti in maniera sicura.

Passo 6: sembra sicuro

Questo è il segreto per non farti notare. È veramente interessante come, quando sembri sicuro di te, come se sapessi ciò che stai facendo, allora le persone ti ignoreranno, anche se stai zigzagando lungo il marciapiede. È quando sembri impaurito ed esitante che le persone cominceranno a notarti, perché coglieranno il tuo nervosismo. Dopo tutto, se sembri nervoso allora devi stare facendo qualcosa di sbagliato, no? E se sembri sicuro di te allora devi stare facendo qualcosa di buono.

Anche se non ti senti a tuo agio, comportati in maniera sicura. Mostra un lieve sorriso d’intesa sul tuo viso.

Passo 7: scegli attentamente il tuo soggetto

Un vecchissimo adagio della street photography dice: “Stai attento a chi fotografi; potrebbe controbattere” (nota del traduttore, in inglese “Be careful who you shoot; they may shoot back.”, gioco di parole tra shoot-scattare e shoot-sparare).

Questo è probabilmente il consiglio più importante. Devi scegliere con cura i tuoi soggetti.

Se vedi qualcuno che pensi sia pericoloso, come un tossicodipendente o qualcuno con uno sguardo truce, allora non fotografarlo (a meno che la fotografia non sia la migliore della tua vita, nel qual caso fai qualsiasi cosa per averla). Se scegli attentamente i posti in cui fotografi, non dovrai preoccuparti troppo, perché sai che non finirai in una rissa. Le volte in cui verrai beccato si trasformeranno in discussioni amichevoli, in cui dici alle persone cosa stai facendo, fai loro vedere la fotografia con un sorriso entusiasta, dai loro il tuo biglietto da visita e offri loro di inviargliela.

La tua più grande paura diventerà immediatamente il miglior momento della giornata.

Esercizio bonus

Questo non è per tutti, ma se vuoi fare un grande passo per liberarti dalla tua paura, allora è quello che devi fare. Fai uno scatto spontaneo di qualcuno e mostraglielo. Offrigli di inviarglielo. Strappa via la paura come un cerotto.

Un attore di cui non ricordo il nome una volta mi raccontò la storia del momento più memorabile nella sua carriera. Fu la prima volta in cui fallì completamente sul palco di fronte ad un grosso pubblico. Aveva temuto per così tanto tempo che succedesse e avvenne senza preavviso, come accade per ogni attore ad un certo punto. Ciò che lo stupì fu che finì per essere un’esperienza liberante. Realizzò che non ne era morto e che non era stato nemmeno così tremendo e da quella volta la preoccupazione se ne andò, divenne più sicuro e in fin dei conti migliore nel suo lavoro.

Allo stesso modo, essere beccati mentre si fotografa qualcuno non è così male. Quindi liberati della paura, esci e fatti beccare.

Di che stai imparando la street photography. Le coppie che si abbracciano sono le persone migliori per farlo perché ameranno le foto che hai fatto loro e le vorranno. Molte coppie non hanno fotografie mentre si abbracciano e ameranno le tue.

Alcuni di questi consigli possono sembrarti facili e alcuni spaventosi da provare. Ricordati che tutti siamo partiti da un qualche punto e quelli che hanno avuto successo sono quelli che hanno continuato a uscire per strada e a provare a fotografare.

Non aspettarti che la paura se ne vada rapidamente e non mollare se non succede. Se un giorno ti senti estremamente nervoso allora quello è il giorno in cui devi forzarti ad uscire, quello è il giorno in cui farai le migliori fotografie di strada della tua vita.

Dovresti avere uno scopo un pelino più elevato ogni volta che esci. Poi, un giorno, ti sveglierai e la tua paura se ne sarà (quasi) completamente andata.

Tradotto liberamente da: http://digital-photography-school.com/7-steps-to-get-over-your-fear-of-street-photography

Questo articolo è stato scritto da James Maher, autore de I fondamenti della street photography. Qui trovi la mia recensione.

Quando scopro che anche il suo era un progetto, le chiedo se vuole descrivercelo con un post. Mi sembra infatti di grande esempio per qualsiasi fotografo (e scoprirai perché leggendo).

Ecco qui il suo post. La ritrattistica di strada è un’ottima introduzione alla street photography, come viene spiegato in dettaglio nel doppio ebook “I fondamenti della street photography” (qui la recensione).

Prima di parlarvi del progetto ’8 Marzo’ è giusto presentarmi: sono Federica, 24 anni, vivo a Bergamo e dal 2010 studio fotografia. In questi anni mi sono dedicata soprattutto allo still-life e alla food photography, ma ultimamente mi sto dedicando al ritratto. Il progetto ’8 Marzo’ si collega proprio a questo mio ultimo interesse.

’8 Marzo’ è basato su un’idea all’apparenza semplice, ma impegnativa nella realizzazione, soprattutto se ci si trova in un paese straniero, di cui non si conosce bene la lingua e la cultura. L’idea generale è di fermare per strada gente sconosciuta e chiedere il permesso di far loro un ritratto.

Ma partiamo dall’inizio: a gennaio io e il mio ragazzo ci siamo trasferiti per motivi di lavoro a Oxford, in Inghilterra, e lì siamo rimasti per 3 mesi. In questo periodo ho cercato di assorbire il più possibile il mood e le ispirazioni locali per poi scattare, e ho trovato nelle persone i soggetti più adatti a questo scopo. Mi spiego con un esempio: in UK, anche a gennaio, la gente esce come se fosse primavera, fregandosene del freddo, della pioggia e del vento. Sono un po’ matti questi inglesi, ma, fotograficamente parlando, sono molto interessanti.

In questo arco di tempo, mi sono ritrovata spesso a passeggiare sola, con la mia macchina fotografica, per le strade del centro e ovunque vedevo donne serene, spensierate, con un’ insolita cura nello stile e nell’abbigliamento e sempre con qualche dettaglio british.

Non potevo lasciarmi sfuggire l’opportunità di fare loro un ritratto. Volevo portarmi a casa un po’ del loro umore, del loro quotidiano modo di essere e della loro individualità.

Così ho iniziato, ho notato questa ragazza con i capelli rosso fuoco, e mi sono lanciata! Eccola!

Lei è Emily, che dopo l’iniziale stupore si è dimostrata molto disponibile.

Forte dell’incontro con Emily, ho continuato, arrivando a contattare 26 ragazze in tutto. Di queste, 20 hanno accettato di farsi fotografare. Direi una buona media.

Per tutta la durata del progetto, non ho incontrato particolari problemi a proporre a queste ragazze di collaborare con me. O meglio, non potevo prendermi molto tempo per riflettere: quando le intravedevo, avevo pochi secondi per immaginarmi la foto finale e, se l’idea mi convinceva, questo mi dava la spinta per tentare.

Ecco Miranda

Preoccupata di essere senza trucco, ma, secondo me, perfetta così!

Ho voluto infatti creare un insieme eterogeneo di ragazze, in cui trovassero spazio quelle truccate e quelle struccate, le tinte e le naturali, le semplici e le vamp e così via. Mi interessava ottenere una serie di ritratti rappresentativi delle giovani donne inglesi.

 
La scelta dell’inquadratura frontale mi è stata chiara fin dall’inizio per diversi motivi: per le ragazze è stata la posizione più naturale da assumere, non le ha messe a disagio e mi ha inoltre permesso di mantenere una certa uniformità nella sequenza degli scatti.

Ho voluto sempre chiedere loro il nome perché, nei loro panni, mi sarebbe piaciuto che il fotografo sapesse almeno come mi chiamavo. Mi è sembrato un piccolo gesto di riguardo nei loro confronti.

L’intero progetto è stato eseguito con la mia Nikon D90 abbinata al 50mm, quasi sempre impostato su un’apertura di diaframma di 2.2. Volevo infatti ottenere scatti sempre luminosi e limpidi. Certamente, la scelta di scattare per la maggior parte durante giornate nuvolose, mi ha aiutato ad ottenere ritratti caratterizzati da una bella luce diffusa.

E ora veniamo al titolo del progetto. ’8 Marzo’: il giorno della festa della donna è la data in cui ho iniziato a pubblicare i ritratti sulla mia pagina Facebook, uno al giorno, per 20 giorni.

A progetto finito, posso dirmi soddisfatta, non solo dal punto di vista fotografico, ma anche personale, per aver avuto il coraggio di lanciarmi in questa piccola avventura e per tutti questi incontri!

Se volete vedere tutti i 20 ritratti, ecco il link alla gallery su facebook: http://goo.gl/PLRmL

Per seguirmi negli altri progetti:

Pagina Facebook: https://www.facebook.com/FedericaTanaPhotographer

Galleria Flickr: http://www.flickr.com/photos/fedillar/

Federica Tana

Questo progetto è un ottimo esempio di ritrattistica di strada. Puoi sfruttarla come introduzione alla street photography, come viene spiegato in dettaglio nel doppio ebook “I fondamenti della street photography” (qui la recensione).

Hai anche tu un progetto o un reportage da condividere? Vai alla pagina dei contatti ed inviami la tua proposta, sarò ben lieto di considerarla.

Essa però, rispetto ad altri generi fotografici, risulta spesso difficilmente identificabile. Non solo, come spesso accade, esistono diverse sfumature e diversi sottogeneri, ma molti tendono a confondere scatti quasi casuali fotografati per strada con immagini che veramente hanno un significato, artisticamente parlando.

Anche dal punto di vista tecnico e pratico, la street photography pone una serie di sfide del tutto particolari, uniche rispetto agli altri generi fotografici.

Ecco allora che torna utile una guida per mettere un po’ di chiarezza in questo campo. Una guida del genere l’ho trovata e si intitola I fondamenti della street photography. Essa non è solo una guida, ma anche una testimonianza appassionata del valore e della bellezza della street photography.

Cosa imparerai da questo ebook

Innanzitutto, chiariamo che ti sto parlando non di uno ma di due ebook, venduti in un singolo pacchetto. Il primo è appunto una guida alla street photography, il secondo raccoglie invece interviste a sei fotografi di strada esperti.

La guida

Il primo ebook conta circa 150 pagine ed è diviso in tre parti:

• concetti della street photography,
• questioni tecniche,
• editing.

La prima parte trascura per un momento gli aspetti tecnici e affronta in maniera molto completa quelli artistico/concettuali, ma anche pratici. Sono affrontate alcune tematiche cruciali come ad esempio la gestione della paura di fotografare le persone per strada (problema che a molti impedisce anche solo di cominciare a praticare la street photography), cosa rende grande una foto di strada, la pianificazione dello scatto (pensavi che fosse tutta improvvisazione?).

Oltre ad imparare tantissimo, da questa prima parte si capisce anche come l’autore abbia vissuto sulla propria pelle le difficoltà che insegna a superare e come si sia posto le domande a cui dà risposta.

Anche la seconda parte è molto approfondita. Essa affronta problematiche tecniche molto calde, come la scelta dell’attrezzatura, che nella street photography è resa difficile anche dalla necessità di essere invisibili, e delle impostazioni, che non solo permettano di fare belle foto ma anche di essere pronti a cogliere il momento decisivo.

L’autore evidenzia quali sono le sue preferenze in termini di attrezzatura e impostazioni della fotocamera, ma non manca di illustrare quali sono altre scelte valide da non scartare. Curiosa e utile è anche la sezione dedicata ai modi per tenere in mano la fotocamera in maniera da riuscire a fare foto decenti senza però farsi “beccare”.

La terza parte infine, parla di come selezionare le foto, in maniera da mostrare solamente le più belle, le più significative, come svilupparle in post produzione e come promuovere il proprio lavoro. Alcune delle cose contenute in questa parte conclusiva sono meno peculiari della street photography e valide in generale. In particolare, per quanto riguarda la post-produzione, ovviamente l’autore può dare solo una serie di consigli senza fornire una trattazione approfondita, che avrebbe chiesto una guida a sé stante.

Le interviste

Il secondo ebook di I fondamenti della street photography, dedicato alle interviste, è ben più che una simpatica aggiunta. È lungo un centinaio di pagine e tutte e sei le interviste servono a comprendere piuttosto in dettaglio gli aspetti tecnici e concettuali della fotografia di ciascuno degli autori intervistati. Ecco i loro nomi:

• Matt Weber,
• Blake Andrews,
• Richard Bram,
• Mike Peters,
• Jay Maisel,
• Dave Beckerman.

Per me è stato sorprendente quanto gli stili di questi fotografi siano differenti tra loro. C’è chi fotografa usando solamente lenti fisse a lunghezza focale molto corta e chi usa un obiettivo tuttofare su una full frame, chi fotografa le persone a New York e chi crea immagini quasi astratte in una piccola cittadina sconosciuta.

La vera forza di queste interviste, oltre comunque agli insegnamenti che puoi apprendere direttamente dalle parole dei professionisti, è quella di ispirarti e di insegnarti come sia sempre possibile fare street photography, basta volerlo, e a trovare il tuo stile. Non serve vivere in una grande città o possedere chissà quale equipaggiamento.

Conclusioni

Libri e ebook su qualsiasi genere fotografico riempiono le librerie online e offline. Di manuali sulla street photography, però, ce ne sono veramente pochi. Eppure, per certi versi, è un genere che esiste dagli albori della fotografia moderna. Sentivo proprio il bisogno di una guida come questa.

I fondamenti della street photography è proprio un ebook che ti consiglio: è in grado di dirimere molti dei dubbi tecnici  e pratici che tutti si pongono e chiedono continuamente sui forum, ma non trascura, anzi dà maggiore importanza, agli aspetti artistici che rendono la street photography un genere fotografico alla pari degli altri. In più, l’autore e i fotografi intervistati, con la loro passione e la loro esperienza, sanno regalare consigli e trucchi preziosi ma soprattutto sanno ispirare.

La street photography è un genere difficile, perché ti richiede di stare per strada, di fotografare le persone vincendo il timore delle loro reazioni, di essere sempre pronto. Dopo aver letto questo ebook avrai finalmente i mezzi e la motivazione per andare oltre a queste difficoltà che ti hanno sempre impedito di creare splendide foto di strada.

Il costo per i due ebook è di 19€. Per raggiungere la pagina web dell’ebook e acquistare, clicca qui: I fondamenti della street photography.

Modalità di pagamento e consegna

Puoi pagare con Paypal, carta di credito o PostePay:

Dopo aver pagato, potrai subito scaricare il file PDF e riceverai il link anche via email.

Se acquisti questo ebook, percepisco una commissione che non grava sul prezzo da te pagato. Aiuterai così a mantenere questo sito attivo e gratuito. Non preoccuparti, la recensione è comunque sincera. Grazie infinite anticipatamente.

Avevo recensito il libro originale, in inglese, e mi era piaciuto parecchio. Così ho contattato l’autore, James Maher, e mi sono proposto come traduttore. A lui l’idea è piaciuta e dopo qualche mese tempo di lavoro eccoci qui, l’ebook è pronto.

Una guida completa, ricca e veramente utile

Il genere della street photography è molto interessante, piuttosto di moda sul Web, ed è anche uno dei modi più genuini di fare fotografia. Prendi la fotocamera, cammini per le strade del tuo paese o della tua città e fotografi persone interessanti, momenti significativi, scene caratteristiche.

Molti sono i libri  fotografici dedicati a questo genere ma poche, forse nessuno, sono le guide, i manuali sulla street photography. Questo anche perché è uno dei generi più difficili da definire e quindi da sintetizzare attraverso contenuti formativi.

I fondamenti della street photography è una guida veramente completa che colma questa lacuna. Infatti, tratta la street photography a tutto tondo, con argomenti tra i quali:

la scelta dell’equipaggiamento (con un punto di vista molto aperto, senza preconcetti),

le impostazioni della fotocamera,

come passare inosservati,

l’individuazione e la scelta dei soggetti,

la gestione di condizioni di luce sfavorevoli ed imprevedibili,

la revisione attento delle foto, per mostrare solo i tuoi lavori migliori e così migliorare la tua fotografia.

Non solo una guida

A dire il vero, ti sto parlando non di un ebook ma di una coppia di ebook. Infatti, i fondamenti della street photography è venduto insieme a Conversazioni sulla street photography.

Si tratta di una raccolta di sei interviste a fotografi di strada molto esperti. Le interviste sono molto ben fatte, ricche di spunti e contenuti.

Ma soprattutto, i fotografi selezionati sono molto diversi tra loro: questa varietà rende impossibile non trovare tra di loro un esempio che si avvicini allo stile fotografico che fa per te. Trovi i tipici fotografi di strada attivi in una grande città, il fotografo che scatta in una piccola cittadina senza troppe persone, chi usa obiettivi a focale fissa, chi usa obiettivi zoom, chi usa lunghezze focali grandangolari, chi non riesce ad evitare il teleobiettivo e così via.

Sostanzialmente, capisci che la bella street photography si può fare in qualsiasi luogo, in qualsiasi modo e con qualsiasi soggetto.

Offerta lancio per un tempo limitato

Il prezzo intero per questi due ebook è di 19€ (ti assicuro che è più che onesto). Però, per due settimane a partire da oggi li trovi in offerta a 14€.

Quindi, hai tempo fino al 24 aprile per acquistare I fondamenti della street photography e Conversazioni sulla street photography a 14€. Per farlo, clicca su questo link: I fondamenti della street photography.

Se prima vuoi qualche informazione in più, ti consiglio di leggere la mia recensione, cliccando su questo link: recensione de I fondamenti della street photography.