La fotografia nera non è così semplice da eseguire e per tale motivo non è corretto darla per scontato. Non è sufficiente procurarsi uno sfondo nero, ci vuole dell’altro e ci vuole tecnica.

Innanzitutto, al fine di conoscere e utilizzare al meglio tale ramo della fotografia, è opportuno applicare alcuni accorgimenti che si rifanno ad alcune “regole” della fotografia e che si estendono pertanto a più variegate esecuzioni fotografiche. Basti pensare alla fotografia macro, di moda e ritrattistica.

Le due regole o concetti su cui si basano questi rami della fotografia sono:

• La legge del quadrato inverso
• La gamma dinamica

Al fine di rendere lo sfondo completamente nero , bisogna prendere due accorgimenti:

• Calibrare la luce e posizionarla vicina al soggetto che si vuole ritrattare.
• Mantenere una certa distanza tra il soggetto e lo sfondo.

Come riportato prima, è noto che l’intensità della luce diminuisce notevolmente man mano che si allontana dalla fonte della luce. La separazione del soggetto dallo sfondo è quindi il modo migliore per scurire il fondo.

Inoltre, in base ai principi dell‘illuminazione fotografica, la luce si propaga in linee rette.

Nonostante voi abbiate uno sfondo nero che vorreste utilizzare nel ritrarre il soggetto della vostra foto, al momento dello scatto non appare nero. Perché ? Possono esserci varie motivazioni, ma la più plausibile è che ciò accade quando l’illuminazione del primo piano cioè del vostro soggetto principale e dello sfondo non sono ben differenziate. In sintesi, lo sfondo e il soggetto da ritrarre sono troppo vicini l’uno all’altro e finiscono per mescolarsi.

Questa situazione può accadere per vari motivi:

• Il primo piano e lo sfondo sono troppo vicini.
• La fonte luminosa ha troppa potenza e la sua direzione finisce per illuminare entrambe le aree.

 

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Pensate al vostro cibo preferito.
Adesso non avete l’acquolina in bocca?

Questo accade perché in ognuno di noi, avviene un’associazione di pensiero e immagini ogni volta che pronunciamo il nome di un piatto o ci passa semplicemente per la testa.

Cosa succederebbe se, mentre sfogliate una rivista, appare proprio sotto il vostro naso l’immagine del vostro piatto preferito ? E se invece siete indecisi su dove andare a cena fuori e notate il sito web di un ristorante che pubblica le foto dei loro piatti e non solo il semplice menù?

Il desiderio di assaporarli diventerebbe ancora più forte in quanto viene stimolato in maniera diretta uno dei nostri sensi più importanti : la vista.

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Vi mostrerò un modo semplice per affrontare le circostanze invasive (ma spesso gratificanti) di fare una fotografia quando il sole brucia luminoso direttamente verso la vostra fotocamera. Tutto questo viene fatto senza bisogno di filtri ed è facilmente realizzabile con qualche semplice lavoro in Photoshop.

Attenzione: Ricordate amici, le tecniche mostrate qui hanno lo scopo di aiutarvi a lavorare in condizioni affrontate quando si scatta verso il sole in relazione alle condizioni fotografiche comunemente incontrate. Esposizioni prolungate rivolte al sole possono danneggiare la vostra fotocamera e fissare intenzionalmente il sole in modo diretto danneggerà permanentemente i vostri occhi.

Scattare le tue immagini: fotografie al sole

Prima di tutto. Avrete bisogno di almeno due foto della stessa scena ma scattate con esposizioni diverse. Tenete a mente che due foto sono il MINIMO richiesto; una per gli elementi in primo piano e una per la luminosità desiderata del sole. A seconda della complessità e del contrasto della tua scena, è una buona idea (come ho fatto io qui) avere esposizioni aggiuntive per aiutare la tua immagine finale a sembrare realistica.

Se preferisci un effetto “starburst” prominente per il sole, è una buona idea usare un’apertura relativamente piccola (grande numero f) per almeno una delle tue immagini. Dato che fonderemo più foto insieme, è fondamentale che ognuna di esse sia il più possibile allineata. Quindi, ovviamente, usare un treppiede stabile è parte integrante del risultato della tua fotografia. Lo so, lo so… l’avete sentito mille volte.

Prova questo trucco

Prima di passare a come fondere effettivamente le nostre immagini insieme, voglio parlarvi di un trucco incredibilmente pulito per aiutarvi a ridurre il bagliore della lente e ottenere un risultato molto più pulito quando si scatta direttamente verso il sole. Avrete notato che una delle mie immagini ha un grosso pollice grasso proprio al centro dell’inquadratura? Questo non è un caso.

Ciò che ci permette di fare è bloccare i raggi di luce più diretti in modo da avere un buon posto per fondere il sole della nostra foto drasticamente sottoesposta. Non solo, ma aiuta a ridurre notevolmente (non sempre ad eliminare) gli artefatti di lens flare che comunemente fanno capolino in questo tipo di foto. Tutto questo avrà senso tra un secondo.

Combinare le fotografie al sole

Come sono sicuro che hai già notato, l’acquisizione effettiva delle foto di cui hai bisogno è un’operazione molto semplice. La magia sta nel modo in cui gestiamo quelle immagini in Photoshop. Possiamo portare le nostre immagini direttamente in Photoshop, o come preferisco io, lavorarle prima in Lightroom e poi scaricarle in Photoshop come livelli. Questo fa risparmiare tempo e rende le cose molto più facili, specialmente se lavorare in Photoshop è nuovo per voi. Assicurati di non ritagliare nessuna foto!

Aprire le immagini come livelli in Photoshop

Per aprire le tue immagini come livelli in Photoshop da Lightroom, assicurati che tutte le tue foto siano selezionate e poi fai clic destro su qualsiasi immagine. Seleziona “Modifica in” e poi scegli “Apri come livelli in Photoshop”.

Una volta lanciato Photoshop, vedrai tutte le tue foto presentate come livelli nel pannello dei livelli.

Disponi i livelli trascinandoli al loro posto. Ordina i livelli dove il sole ha bloccato con il pollice in alto. Procedere verso il basso per ordine di luminosità diminuita con l’immagine più scura in basso.

Allineamento automatico dei livelli

Anche se abbiamo fatto del nostro meglio per assicurarci che tutte le nostre foto siano composte in modo identico, è una buona pratica permettere a Photoshop di aiutare ad allineare i livelli. In questo modo, si adattano il più possibile per evitare disallineamenti. Fare questo è un gioco da ragazzi (umorismo di Photoshop) usando “Auto-Align Layers”. Assicurati che tutti i tuoi livelli siano selezionati con Ctl+click o Cmd+click (Mac).

Se hai un gran numero di livelli, un modo più veloce per selezionarli tutti sarebbe quello di evidenziare il livello superiore e poi Shift+clic sul livello inferiore (o viceversa). Una volta che tutti i tuoi livelli sono selezionati, seleziona “Edit” e poi “Auto-Align Layers”.

Lascia la proiezione di allineamento impostata su “Auto”.

Dopo che Photoshop ha finito di cucinare quei livelli per allinearli meglio, potresti notare un piccolo bordo perimetrale intorno alla tua immagine. Questo è dovuto al fatto che Photoshop sta allineando i livelli. Non preoccuparti; puoi ritagliarlo dopo.

Aggiungere maschere di livello

Avrai bisogno di incorporare maschere di livello in modo da poter dipingere dentro e fuori i nostri livelli mentre vai. Seleziona ogni livello e aggiungi una maschera cliccando sull’icona della maschera di livello. Non c’è bisogno di applicare una maschera al livello più basso della pila.

Mescolare i livelli per migliorare le fotografie al sole

Ora che abbiamo aggiunto le maschere a tutti i nostri livelli, è il momento di iniziare la miscelazione. Inizieremo con il cielo e rimuoveremo la cifra evidente dalla foto. Poiché la maschera di livello è impostata sul bianco, assicurati di dipingere con il nero. Se ti confondi, ricorda il vecchio adagio “il nero nasconde, il bianco rivela”.

Anche lavorare con questo piccolo numero di maschere di livello può diventare un po’ ingombrante. Ti consiglio di unire ogni livello con il successivo dopo aver finito di sfumare ogni porzione della tua foto.

Per unire i tuoi livelli completati, semplicemente evidenziali e usa la scorciatoia da tastiera Ctl+E (Cmd+E per Mac). Questo aiuta ad evitare qualsiasi conflitto con le tue maschere. Unisci i tuoi livelli come necessario in base alle tue foto particolari.

Dopo ogni fusione di livelli, assicurati di aggiungere una maschera di livello al livello risultante.

Alla fine dovrebbero rimanere due strati.

È qui che le cose possono diventare un po’ difficili perché probabilmente avrai a che fare con la fusione delle tue esplosioni di stelle con un cielo circostante più scuro. Prenditi il tuo tempo. È una buona idea impostare il tuo pennello su una portata bassa di 10-15 e l’opacità su circa 15 per iniziare. Poi costruisci gradualmente l’effetto. Un pennello morbido è sicuramente richiesto.

Con solo un po’ di fusione, abbiamo combinato con successo le nostre quattro immagini del tramonto. Prima di lasciare Photoshop, sono andato avanti e ho rimosso quei pochi fiocchi di polvere così come i rimanenti artefatti di lens flare che sono riusciti a sfuggire al mio pollice. Dopo aver salvato le modifiche e chiuso Photoshop, la foto appena miscelata verrà rimandata a Lightroom per il ritaglio e qualche ritocco finale.

Fotografare al sole: in conclusione

Ci sono diversi modi per aggirare lo scatto direttamente al sole per ottenere delle belle foto (ovvero quando si fanno fotografie al sole). La maggior parte coinvolge vari filtri e un attento posizionamento.

Con un po’ di conoscenza di base di Photoshop, è possibile rinunciare all’attrezzatura extra e ottenere risultati che sono probabilmente altrettanto buoni o migliori dei metodi fotografici più tradizionali.

Questo è particolarmente utile se vi capita di usare una macchina fotografica che ha una gamma dinamica non proprio spettacolare. Certo, non si dovrebbe vedere questa tecnica come un sostituto per la pratica di solide tecniche fotografiche, ma invece, fornisce un modo per noi di portare facilmente a casa la foto che vogliamo alla fine della giornata.

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Ora, le ragioni per usare questa tecnica sono ancora valide, ma gli strumenti e i metodi per schivare e bruciare sono molto più facili oggi. Infatti, è possibile fare un efficace dodging and burning nella maggior parte dei programmi di post-processing, incluso Lightroom.

Scaviamo quindi nel cosa, nel perché e nel come del dodging and burning in Lightroom – e vi mostriamo come questa tecnica può migliorare le vostre foto.

Una lezione di storia

Lightroom” di Adobe è una punta di cappello al luogo in cui le foto venivano fatte nei tempi passati, la camera oscura. Avevo una camera oscura improvvisata in un angolo del mio garage e ricordo le taniche e i vassoi di sostanze chimiche puzzolenti, lavorando nel bagliore arancione di una luce di sicurezza, sviluppando i negativi e facendo le stampe. Era un processo laborioso e per il quale non c’era un “annullamento” quando si commetteva un errore.

Il flusso di lavoro standard della camera oscura andava più o meno così:

1. Caricare la pellicola (pellicola in fogli per i “banchi ottici” più grandi, pellicola in rotoli per le fotocamere più piccole)
2. Effettuare tiri in campo
3. Ritornare alla camera oscura e, nel buio totale o usando un sacchetto di pellicola, mettere la pellicola in una vasca di sviluppo
4. Sviluppare la pellicola in una serie di bagni chimici in più fasi (sviluppare, risciacquare, fermare il bagno, risciacquare, fissare, risciacquare, Photo-Flo, risciacquare, asciugare)

A questo punto, avresti i tuoi negativi, che erano pellicole con luci e ombre invertite (e colori se stavi usando una pellicola a colori). Le foto erano stampe; non si potevano visualizzare le immagini sullo schermo di un computer.

(Più tardi vennero le pellicole invertibili, “diapositive” che erano ancora una resa fisica della foto ma in grado di essere mostrate con un proiettore).

A questo punto del flusso di lavoro della camera oscura, si arriva alla parte di schivatura e bruciatura.

Si mettevano i negativi in un ingranditore – una specie di proiettore che illuminava l’immagine negativa su un pezzo di carta fotografica.

(Tutto questo veniva fatto nella camera oscura sotto una “luce di sicurezza”, che ti permetteva di vedere il tuo lavoro perché il colore arancione non avrebbe esposto la carta fotografica).

Ora, dovevi decidere quanto tempo era necessario per esporre la carta fotografica alla luce al fine di fare una corretta esposizione. Spesso si creava una “striscia di prova”, una stampa in cui si creava una successione di esposizioni incrementali (mostrata sotto). Naturalmente, anche questa doveva essere sviluppata in una serie di bagni chimici.

Infine, sareste pronti a fare la vostra stampa. Mettete un pezzo di carta fotografica sotto l’ingranditore, impostate il vostro timer per la durata di esposizione che avete stabilito, premete Start, ed esponete la carta alla luce dell’immagine negativa proiettata.

Ma aspettate! E se volessi che alcune parti dell’immagine siano più scure e altre più chiare?

Bene, la quantità di tempo in cui la carta è stata esposta alla luce determinava quanto fosse scura l’immagine.

Quindi, se si usava uno strumento per bloccare la luce da porzioni dell’immagine durante l’esposizione proiettata o, in una seconda esposizione, si esponevano porzioni selezionate della carta a più luce, si schiarivano o scurivano selettivamente parti della stampa finale.

Il termine per bloccare selettivamente la luce della carta fotografica è “schivare”, e il termine per esporre aree della carta fotografica a più luce è “bruciare”.

Certo, è stata una lunga storia solo per spiegare questi termini chiave, ma dovete sentire il dolore solo un po’. Immaginate di fare tutte queste cose, poi sviluppare la carta fotografica, spendere tempo e denaro, solo per scoprire che la vostra stampa non è venuta come speravate. Frustrante, vero?

Schiarire e scurire

Con la fotografia digitale è molto più facile, più economico e più sicuro. Nessun prodotto chimico, nessun lavoro al buio, e forse la cosa migliore di tutte, la possibilità di sperimentare, annullare e replicare i risultati finiti con facilità.

Così, mentre sentirete ancora parlare di schivare e bruciare in Lightroom (così come in Photoshop e nella maggior parte degli altri programmi di editing digitale), e gli strumenti sono ancora etichettati come tali, sostituiamo qualcosa di più facile da capire:

Schivare = Alleggerimento.

Bruciare = scurire.

Perché schivare e bruciare?

Quando usiamo i cursori in Lightroom per regolare la nostra immagine, stiamo lavorando con controlli “globali”. Questi applicano uniformemente l’effetto a tutta l’immagine.

Per esempio, aumentate o diminuite il cursore Exposure, e l’intera immagine diventerà più chiara o più scura.

Quello che potremmo voler fare è controllare selettivamente porzioni dell’immagine, rendendo alcune aree più scure e altre più chiare. Una delle ragioni principali per fare questo è che gli spettatori tendono a guardare prima le porzioni più luminose di un’immagine, concentrandosi meno sulle aree più scure.

Quindi, per enfatizzare e de-enfatizzare porzioni della nostra immagine, potremmo volerle schiarire o scurire selettivamente.

(Ricordate, schiarire = sfumare e scurire = bruciare).

Il metodo “rapido e sporco

Schivare e bruciare in Lightroom può essere complicato – ma può anche essere molto semplice, ed è quello che discuterò in questa sezione.

Ecco come funziona:

1. Porta l’immagine che vuoi modificare nel modulo Develop di Lightroom. Esegui le regolazioni globali che vuoi usando i cursori.
2. Selezionare lo strumento Pennello di regolazione. Fate doppio clic sulla parola “Effetto” per azzerare tutti i cursori. Per prima cosa, lavoreremo sulle aree che vogliamo schiarire (dodge) nell’immagine.
3. Ora “carichiamo” il pennello. Nel pannello di base, trascinate il cursore Exposure fino a circa +1.0. Impostate Feather, Flow e Density a 100. Questo probabilmente creerà un effetto eccessivo, ma renderà più facile vedere cosa state facendo. Potete sempre ridurre la luminosità più tardi abbassando il cursore Exposure.
4. Scegli un’area dell’immagine che desideri schiarire e inizia a dipingere su di essa con il pennello. Vedrai l’area diventare più chiara. Lavora solo su un’area. Quando hai dipinto su tutte le sezioni desiderate, torna al cursore Esposizione e trascinalo su o giù per ottenere la quantità finale di luminosità che desideri. Clicca su Done quando hai finito con quest’area.
5. Per lavorare su un’altra area dell’immagine, clicca nuovamente sul Pennello di regolazione (che aggiungerà un nuovo “perno”) e ripeti i passi spiegati sopra. Poiché le regolazioni con i cursori influenzeranno tutto ciò che viene fatto tramite quella regolazione “pin”, si avrà più controllo se si lavora su più aree più piccole, piuttosto che schiarire più aree tutte in una volta in modo da essere costretti ad applicare lo stesso grado di schiarimento (dodging) a ciascuna.
6. Per scurire aree dell’immagine, puoi usare la stessa procedura, anche se dovrai trascinare il cursore Exposure in direzione negativa ( -).

Con il Pennello di regolazione e il cursore Esposizione, puoi schiarire (dodge) e scurire (burn) selettivamente le aree della tua immagine.

Funziona, ma forse ti piacerebbe affinare un po’ le tue abilità, che è ciò di cui si occupano le prossime sezioni:

Strumenti del mestiere

Quando parliamo di schivare e bruciare in Lightroom, abbiamo tre strumenti che possiamo usare:

• Pennello di regolazione
• Filtro radiale
• Filtro graduato

Questi strumenti ti permettono di selezionare delle aree della tua immagine dove puoi applicare schiariture e scurimenti.

Il pennello di regolazione

Il pennello di regolazione in Lightroom ti permette di “dipingere” selettivamente l’area della foto che vuoi influenzare. Potrebbe essere utile pensare a come si controlla un aerografo piuttosto che un normale pennello.

È possibile apportare diverse modifiche al Pennello di regolazione, tra cui:

• Dimensione: Cambia la dimensione del pennello. Ruota la rotella del mouse, usa i tasti parentesi destra e sinistra o usa il cursore.
• Piuma: Cambia quanto è duro il bordo del pennello e quanto rapidamente l’effetto cade. Usa Shift mentre giri la rotella del mouse, Shift e i tasti di parentesi insieme, o il cursore Feather.
• Flusso: controlla quanto velocemente l’effetto viene applicato con ogni colpo di pennello. Usa il cursore per regolare il flusso, o con il Pennello di regolazione selezionato, cambia il flusso con i tasti numerici sulla tastiera. L’uso di più tratti costruirà l’effetto.
• Densità: Controlla l’opacità massima dell’effetto del pennello. Per esempio, se il Flusso è a 100 ma la Densità è a 50, un colpo di pennello applicherà l’effetto al 50% di opacità.

Il filtro radiale

Il Filtro radiale funziona un po’ come il Pennello di regolazione – ma piuttosto che permetterti di dipingere in modo casuale, le tue regolazioni sono limitate ad una forma circolare o ovale.

Potete controllare la dimensione e la forma del filtro radiale e potete anche sfumare i bordi. Inoltre, puoi controllare se l’effetto avviene all’interno o all’esterno del cerchio.

Spesso uso il filtro radiale con la casella Invertita selezionata (così solo l’interno del cerchio è interessato), e poi regolo la forza del filtro con i cursori Esposizione e Piuma. Puoi creare quello che sembra essere un riflettore e usarlo per schiarire selettivamente (dodge) aree della tua immagine.

Alcuni altri suggerimenti per lavorare con il filtro radiale:

1. Tenere premuto il tasto Shift quando si trascina fuori il filtro radiale per vincolarlo a un cerchio
2. Usa le “maniglie” in alto, in basso e ai lati per trascinare il filtro radiale in altre forme ovali
3. Una volta che il filtro radiale è stato creato, spostate il cursore appena fuori dalla forma finché non vedete la freccia a due punte e poi trascinate per ruotare la forma
4. Ottieni un altro “riflettore” da usare su un’area diversa facendo clic con il tasto destro del mouse su un perno di Filtro radiale creato in precedenza, scegliendo Duplica, e poi trascinando il nuovo Filtro radiale nel prossimo posto in cui vuoi lavorare.

Il filtro graduato

Il filtro graduato può anche aiutarti a schiarire e scurire aree selettive della tua immagine, ma in modo più graduale.

Anche se potresti non pensare immediatamente al filtro graduato come a uno strumento di schivatura e bruciatura, il concetto è lo stesso: puoi usarlo per scegliere quali aree della tua immagine sono interessate. Sebbene sia un argomento separato, la combinazione del filtro graduato con la maschera di gamma in Lightroom può fornire un metodo molto potente di schivare e bruciare selettivamente, motivo per cui ti suggerisco di leggere anche sulla maschera di gamma.

La vignetta

Una vignetta è usata per scurire o schiarire i bordi della tua foto. Quando viene usata per scurire i bordi della cornice, una vignetta mette più attenzione sul centro, sulle aree più luminose dell’immagine, e aiuta a dirigere l’osservatore verso il centro della foto.

L’opzione Post-Crop Vignetting si trova sotto la scheda Effects nel modulo Lightroom Develop.

Dietro la maschera

Tutti gli strumenti che usi per schivare e bruciare selettivamente – il Pennello di regolazione, il Filtro radiale o il Filtro graduato – stanno tutti applicando “maschere” al tuo lavoro, controllando come e dove l’effetto viene applicato.

Spesso, può aiutare a vedere esattamente dove sono applicate le maschere.

Quando scegliamo per la prima volta uno dei nostri strumenti di schivata e bruciatura e cominciamo a lavorare con esso, Lightroom creerà un “pin”, un indicatore che mostra che un effetto è stato applicato.

C’è un controllo per scegliere quando un pin sarà visualizzato, quali pin sono attivi e dove la maschera è stata applicata. Potete anche scegliere il colore della maschera per aiutarvi a vederla meglio durante la modifica. Tieni premuto Shift, e ogni volta che tocchi il tasto “O”, la maschera scorrerà tra i suoi colori disponibili: rosso, verde, bianco e nero. Usa il colore che ti aiuta a vedere meglio dove stai lavorando.

Regolazione fine

Anche una volta che hai creato un effetto di schivata o bruciatura, ci sono modi per raffinare ulteriormente le aree selezionate.

Diamo una rapida occhiata ad alcuni di essi.

• Pennello di regolazione: se hai bisogno di cancellare porzioni della tua maschera, attiva la sovrapposizione in modo da poter vedere cosa stai facendo (premi il tasto “O”). Tieni premuto il tasto Alt (Opzione su Mac), e il segno “+” al centro del perno del pennello cambierà in un segno “-“. Continua a tenere premuto il tasto Alt e cancella le parti della maschera che non vuoi.
• Filtri radiali e graduati: Dopo aver applicato una maschera radiale o gradiente, clicca sulla parola Pennello (in cima al pannello di regolazione). Poi tieni premuto il tasto Alt/Option in modo che il simbolo diventi un segno “-“. Infine, elimina con il pennello le porzioni della maschera radiale che non vuoi.
• Maschera automatica: Selezionando questa casella aiuterà il Pennello di regolazione a trovare i bordi e può aiutarvi a mascherare selettivamente le aree.

Usare l’istogramma

Una caratteristica dell’istogramma è la capacità di mostrare qualsiasi ombra o evidenziazione tagliata. Tocca il tasto “J”, e se le ombre sono tagliate saranno mostrate in blu, mentre le luci tagliate saranno mostrate in rosso.

Utilizzando gli strumenti che abbiamo già discusso, si può essere in grado di “salvare” tali aree schiarendole o scurendole selettivamente.

Ci potrebbero anche essere immagini in cui si vuole intenzionalmente oscurare o sbiancare delle aree. Il tasto “J” vi mostrerà qualsiasi ritaglio, poi potrete schivare o bruciare le aree che desiderate oscurare o sbiancare.

Complessare la luce

Quando stavo imparando a usare Lightroom, ho passato parecchie ore a guardare i video su Youtube del fotografo francese Serge Ramelli. Usava spesso il termine “complessificare la luce” quando parlava di schivare e bruciare, e quando parlava di come si poteva usare la schivata e la bruciatura per rendere le immagini più interessanti. Vi suggerisco di dare un’occhiata ad alcuni dei suoi tutorial.

Meno è più

Un buon chef sa che un po’ di sale può migliorare il sapore di un piatto, ma troppo può rovinarlo. Un buon photo editor impara che qualsiasi manipolazione di un’immagine deve essere sottile, migliorando l’immagine senza attirare l’attenzione su di sé.

Dopo una sessione di dodging e burning, è una buona idea allontanarsi dallo schermo per un po’, poi tornare e rivedere l’immagine. Se non lo sapessi, sospetteresti che delle aree siano state schiarite o scurite con le tecniche di dodging e burning?

Penso che scoprirete spesso che – specialmente quando imparate – avrete bisogno di abbassare un po’ i cursori per rendere gli effetti più sottili.

La tecnica e l’estetica

Come in tutta la fotografia, ci sono due lati per schivare e bruciare.

In primo luogo, c’è il lato tecnico, che richiede l’apprendimento degli strumenti e delle tecniche di dodging e burning in Lightroom.

L’altro componente è estetico; devi capire come vedere artisticamente la tua immagine e decidere dove schivare e bruciare per dirigere meglio l’occhio del tuo spettatore verso e attraverso l’immagine.

Il lato tecnico richiede studio per imparare gli strumenti. Il lato estetico richiede contemplazione e pratica artistica.

Schivare e bruciare in Lightroom: Conclusione

Ci sono molti programmi di photo-editing, strumenti e tecniche per schivare e bruciare le tue foto.

Alcuni fotografi possono preferire Photoshop, Luminar, ON1, Corel PaintShop Pro, o una qualsiasi delle decine di altre scelte. Quindi sentitevi liberi di scegliere la vostra arma.

Ma renditi conto che nessuno ti chiederà quale strumento hai usato per migliorare la tua immagine. Padroneggiate lo strumento che scegliete e maneggiatelo bene. Per me, schivare e bruciare in Lightroom è uno strumento per aggiungere fascino alle mie foto.

L'articolo Schivare e bruciare in Lightroom: Una guida completa proviene da Fotografare in Digitale.

Cos’è la “vera” macro?

Molti produttori di obiettivi indicano che il loro obiettivo ha “capacità macro” e potrebbero anche mettere la parola “macro” sull’obiettivo. Questi obiettivi ti permettono effettivamente di mettere a fuoco da vicino il tuo soggetto. Tuttavia, nel vero senso del termine, una foto macro è quella in cui la dimensione dell’immagine registrata sul sensore della fotocamera è della stessa dimensione (o più grande) dell’oggetto fisico fotografato – un rapporto di ingrandimento 1:1 o superiore.

Ecco un esempio pratico: una moneta da 50 centesimi di euro ha un diametro di 24,25 mm. Il sensore di una fotocamera digitale full-frame misura 24mm x 36mm. Quindi, scattata con un vero obiettivo macro su una fotocamera full-frame, l’immagine non ritagliata qui sotto rappresenta un rapporto d’ingrandimento 1:1 o una vera fotografia macro. Su una fotocamera con sensore crop dove il sensore è 14,9×22,2mm (Canon) uno scatto 1:1 di un quarto riempirebbe più che bene il fotogramma. Quindi, se l’obiettivo che stai usando non può mettere a fuoco abbastanza da riempire l’inquadratura con 50 centesimi, potrebbe essere un obiettivo close-up ma non è una vera macro. Non fatevi ingannare dalle immagini ritagliate. Un’immagine può essere ritagliata più stretta nell’editing, ma questo da solo non la rende una foto “macro”.

Ha importanza? No, non molto. Il divertimento è avvicinarsi al soggetto. Abbastanza vicino da vedere cose che non potresti essere in grado di vedere ad occhio nudo. Che si tratti di una “vera macro” potrebbe non avere importanza, a meno che non si stia partecipando a un concorso in cui sono ammessi solo scatti macro. Quanto vicino puoi arrivare dipende dall’attrezzatura che hai. Quanto vicino è abbastanza vicino? Beh, questo è un giudizio artistico.

Alcune precauzioni prima di iniziare con il reverse lens

Ogni volta che si toglie l’obiettivo dalla fotocamera digitale si espone il sensore e l’interno alla polvere. Per questa procedura toglierai il tuo obiettivo. Se non stai mettendo un altro obiettivo (invertito) sulla fotocamera, usa un copricorpo per tenere fuori la polvere finché non sei pronto.

Quando metti l’obiettivo inverso sulla tua fotocamera, sappi che anche la parte posteriore con i suoi controlli associati, i pin di connessione, l’elemento posteriore e così via saranno esposti. Usate un tappo posteriore quando non state lavorando con il vostro set-up. Pratica le stesse precauzioni che usi per quanto riguarda la polvere e tutto andrà bene.

Opzioni macro

Ci sono diversi modi per fare foto macro.

Questi includono:

1. Un obiettivo Macro dedicato – Il più semplice ma il più costoso
2. Tubi di prolunga o soffietto che aumentano la distanza tra l’obiettivo e il sensore
3. Lenti d’ingrandimento (diottrie) messe davanti a una lente esistente
4. Invertire un obiettivo sulla fotocamera – Questa è la tecnica che insegneremo qui.

Quali lenti funzionano per l’inversione (reverse lens)?

Quasi tutte le lenti possono funzionare per questa tecnica, comprese quelle che di solito usi sulla tua fotocamera digitale. Vuoi vedere? Togli l’obiettivo dalla tua macchina fotografica, tienilo indietro e stretto al corpo macchina, accendi la macchina fotografica e avvicinati – molto vicino a un soggetto. Muoviti molto leggermente verso e lontano dal soggetto per mettere a fuoco. La ghiera di messa a fuoco ha poco impatto.

Puoi vedere questa tecnica mostrata in numerosi video online e mentre può darti una macro in un pizzico, non è molto pratica. Cercare di tenere la fotocamera con una lente allentata e regolare la messa a fuoco potrebbe andare bene se sei sul campo e non hai niente di meglio, ma non è certo ottimale.

Noterete anche che una volta che scollegate l’obiettivo dalla fotocamera, non avrete più il controllo dell’autofocus o dell’apertura. La fotocamera può mostrare un vuoto dove il f/stop sarebbe tipicamente. Ho visto la tecnica in cui si imposta il diaframma con l’obiettivo sulla fotocamera, si preme il pulsante di anteprima della profondità di campo e poi si scollega l’obiettivo, così il diaframma rimane fisso su quell’impostazione. Giusto… strano al massimo. Vi insegniamo come farlo nel modo giusto.

Hai una vecchia lente di una macchina fotografica a pellicola?

Se sei un vecchio come me, ti ricordi della pellicola. Potresti anche avere la tua vecchia macchina fotografica a pellicola e qualche obiettivo per essa in giro. In caso contrario, gli obiettivi per la macchina fotografica a pellicola sono a buon mercato nei negozi di pegni, online, o anche alle vendite in garage. Per questa tecnica, la marca dell’obiettivo o il tipo di attacco non ha importanza, dato che non collegherete l’obiettivo alla macchina fotografica nel modo usuale. Quasi obiettivo funzionerà, purché abbia le filettature per i filtri sulla parte anteriore.

Gli obiettivi che ho usato con la mia vecchia macchina fotografica a pellicola Pentax ME Super sono un obiettivo Pentax 50mm con un anello del filtro da 49mm e uno zoom Vivitar 28-105mm con un anello del filtro da 72mm. La cosa da ricordare quando si usano obiettivi invertiti è che più ampia è la lunghezza focale, più vicino si può arrivare al soggetto. Un obiettivo zoom ti dà una “macro variabile”.

La ragione principale per cui i vecchi obiettivi per macchine fotografiche a pellicola funzionano meglio per questo è che, a differenza della maggior parte degli obiettivi digitali, hanno anelli di controllo del diaframma sull’obiettivo. Non avrete il controllo del diaframma dalla fotocamera, quindi averlo sull’obiettivo è perfetto.

Impostare il tutto per usare le lenti inverse (reverse lens)

È qui che entra in gioco il “pensiero all’indietro”. Per montare il tuo obiettivo sulla tua fotocamera hai bisogno di attaccarlo all’indietro. Devi usare un adattatore con filettature maschili da un lato e il tipo di attacco corretto per la tua fotocamera dall’altro.

Nel mio caso, ho usato un attacco Canon EOS per poter attaccare l’obiettivo alla mia Canon. Ho comprato due adattatori Reverse Ring, uno con una filettatura da 72mm su un’estremità e un attacco Canon EOS sull’altra. Il secondo, con filettature da 49mm e un attacco Canon EOS dall’altro. I miei sono anelli Fotodiox a buon mercato, a $7.95 US ciascuno per il 49mm, e 72mm da Amazon. Le cose da ricordare quando si acquistano questi è quello di ottenere la dimensione corretta della filettatura del filtro e il tipo di montaggio della fotocamera.

Sono disponibili per Canon, Nikon, Sony, Pentax, Panasonic, e molti altri tipi di attacco per fotocamere.

La meccanica della creazione delle tue macro – un approccio passo dopo passo per far funzionare il tutto

Montare l’obiettivo

Avvita l’adattatore alla filettatura del filtro dell’obiettivo e poi monta l’obiettivo (all’indietro, ovviamente) sulla fotocamera. Scegli l’obiettivo che vuoi considerando quanto ingrandimento vuoi – Le lunghezze focali più corte ti permettono di avvicinarti al soggetto con più ingrandimento, le lunghezze focali più lunghe ti permettono di essere più lontano dal soggetto.

Con i miei obiettivi, il 50mm Pentax prime dava poco più di un rapporto 1:1. Lo zoom Vivitar 28-105mm a 28mm era quasi un rapporto 2:1. A 105, era più un “close-up” piuttosto che un obiettivo macro e intorno ai 70mm era 1:1.

Utilizzare un treppiede

L’ingrandimento della macro amplifica notevolmente qualsiasi movimento della fotocamera e, con una profondità di campo molto limitata, cercare di lavorare a mano libera sarà frustrante, se non impossibile. Se c’è vento, anche le riprese all’esterno probabilmente non funzioneranno.

Selezione del soggetto

La profondità di campo con questa tecnica sarà minima, a volte solo pochi millimetri. I principianti potrebbero voler iniziare con soggetti con una profondità minima e fotografarli, in modo che si trovino nello stesso “piano focale” della fotocamera. Francobolli, monete, banconote o altri oggetti piatti sono ottimi, soprattutto quando si sta imparando la tecnica.

Illuminazione

Spesso sarai molto vicino al tuo soggetto e nella tua stessa luce. Vorrai anche usare aperture più piccole per ottenere una maggiore profondità di campo, riducendo ulteriormente la luce. Diventa creativo con il modo in cui illumini il tuo soggetto.

Impostazioni della fotocamera – Utilizzare la modalità manuale

Sarete in grado di controllare ISO e velocità dell’otturatore, ma non l’apertura. Ricorda che è sull’anello dell’obiettivo.

Apri l’anello di apertura fino in fondo mentre metti a fuoco. Muovi la fotocamera o il soggetto con piccoli incrementi per mettere a fuoco (la ghiera di messa a fuoco non avrà molto effetto). Se stai usando uno zoom, puoi usare la funzione di zoom per aiutarti a mettere a fuoco. Se la tua fotocamera ha il Live View, usa quello. Usa la funzione di zoom di Live View per ingrandire l’immagine e controllare la messa a fuoco critica. Altrimenti dovrai usare il mirino. Inoltre, ricorda che l’autofocus non funziona qui e quindi gli schermi LCD dove tocchi per mettere a fuoco non ti aiuteranno.
Ferma l’obiettivo con la ghiera dei diaframmi una volta che hai messo a fuoco. I diaframmi più piccoli (come al solito in tutta la fotografia) danno una maggiore profondità di campo.

Di solito, nella fotografia macro, si fa fatica a ottenere una maggiore profondità di campo! Sappi anche che man mano che abbassi l’obiettivo, le cose diventano più scure. A volte è difficile regolare la ghiera del diaframma senza urtare leggermente la messa a fuoco, quindi preparati a rimettere a fuoco.

Fari i tuoi scatti

Scatta, “scimmiotta”, regola l’esposizione e ripeti. Per controllare l’esposizione, la regolazione della velocità dell’otturatore sulla fotocamera dovrebbe essere la più semplice. Aspettatevi di fare TANTI scatti, facendo aggiustamenti man mano che andate per ottenere quello “scatto perfetto”. La fotografia macro può essere “complicata”, quindi abituati.

Vai al livello successivo

Se decidi che ti piace la fotografia macro e vuoi rendere le cose un po’ più facili e precise, potresti voler investire in un Focus Rail. Monta questo dispositivo sul tuo treppiede e monta la tua fotocamera su di esso. Usando un sistema di ingranaggi sottili e manopole di regolazione, puoi muovere la tua macchina fotografica in piccoli incrementi. La macro è un gioco di movimenti millimetrici e ottenere un controllo più preciso può essere di grande aiuto. Salendo ancora di più, si possono acquistare binari molto sofisticati, alcuni con movimento motorizzato e controllato dal computer. Se sei pronto per questo, è meno probabile che tu usi la tecnica delle lenti invertite. Sono abbastanza soddisfatto della mia guida di messa a fuoco Macro Neewer che costa meno di 60 euro.

Impilamento della messa a fuoco

A volte di più è meglio, giusto? Quando non si riesce a ottenere abbastanza profondità di campo con uno scatto, fare più scatti (ognuno messo a fuoco in un punto leggermente diverso) e combinarli in fase di editing per ottenere una profondità di campo frontale, può essere la risposta. Photoshop ha capacità di focus-stacking e per un principiante è un buon punto di partenza. Quando si è pronti a immergersi profondamente nel focus stacking, programmi come Helicon Focus o Zerene Stacker sono quelli che usano i professionisti.

Ho un amico nel nostro club fotografico che ha deciso di perseguire la fotografia macro in grande stile. Ha acquistato una guida di messa a fuoco motorizzata e programmabile, un bell’obiettivo macro, soffietti, tubi di prolunga, e poi usa Zyrene Stacker per assemblare quelle che sono spesso decine di immagini in un’unica macro spettacolare. Al momento sono felice di usare le mie lenti per macchine fotografiche a pellicola montate al contrario, (anche se ho acquistato anche un obiettivo macro Tamron 90mm dedicato).

Conclusione

Una delle attrazioni della fotografia è che ti insegna a vedere e poi a condividere attraverso le tue foto, cose che la gente normalmente non nota o vede. La fotografia macro fa un ulteriore passo avanti, aprendo un piccolo e incredibile mondo di dettagli. Il trucco macro dell’obiettivo inverso è quello che ti permette di dare uno sguardo a questo nuovo mondo con una spesa minima. Spero che lo proverai!

L'articolo Fotografia Macro “Reverse Lens” – Come fare foto macro con il “Backward Thinking” proviene da Fotografare in Digitale.

1. Togliere il vetro e pulire lo sfondo

E’ il primo dei Consigli per fotografare opere d’arte anche se è quello meno applicabile, specie se fotografate opere in musei o mostre. È importante togliere l’opera d’arte dal vetro prima di scattare le foto, perché i riflessi e i riflessi non sono affatto benvenuti. Nel caso in cui non si voglia davvero rimuovere il vetro, si possono comunque ottenere delle immagini di qualità delle opere d’arte, ma bisogna fare molta attenzione al posizionamento delle luci e ai possibili riflessi.

Un’altra cosa molto importante nella fotografia di opere d’arte è lo sfondo. Non dovreste usare alcuno sfondo disordinato o multicolore. Sia le opere in 2D che quelle in 3D possono essere appese o appoggiate su uno sfondo semplice – può essere bianco, nero, grigio, beige o qualche colore pastello neutro.

2. Scattare all’aperto e all’ombra

Per fotografare le opere d’arte è necessaria una luce morbida e uniforme e questo è possibile in diversi modi, sia con la luce naturale che con quella artificiale. Il modo più semplice per ottenere questo tipo di luce è quello di posizionare l’opera d’arte all’esterno, all’ombra. Assicuratevi di evitare la luce diretta del sole, perché creerà delle ombre dure!

3. Assicuratevi di scattare in piano e dritto

Se state fotografando un’opera d’arte in 2D, come un dipinto, ricordate che sparare ad angolo crea una distorsione prospettica ed è qualcosa che dovete evitare. Dovreste sempre riprendere un’opera d’arte in 2D direttamente! Quando si tratta di opere d’arte in 3D come le sculture, avete più libertà di sperimentare con varie angolazioni.

Oltre allo scatto completo di un’opera d’arte, dovreste anche scattare foto di dettaglio, soprattutto se state girando un pezzo grande e complesso. Le opere d’arte più grandi spesso hanno aree interessanti che possono essere facilmente trascurate o ignorate nell’inquadratura completa.

4. Trovare le impostazioni ideali della telecamera

Non c’è spazio per gli errori quando si tratta di impostazioni della fotocamera nella fotografia artistica. La vostra immagine deve essere il più pulita possibile senza molto rumore e anche perfettamente a fuoco. Ciò significa che si dovrebbe utilizzare l’ISO di base della fotocamera, ad esempio 50 o 100.

Poiché volete che la vostra foto sia il più nitida possibile, iniziate con l’apertura di f/8 e regolatela di conseguenza. Questa apertura (f/8) è il punto in cui la maggior parte degli obiettivi dà il meglio di sé. Dovreste anche evitare qualsiasi tipo di distorsione grandangolare e utilizzare obiettivi con una lunghezza focale di 50 mm o superiore.

Infine, siate consapevoli dell’importanza di un corretto bilanciamento del bianco e prendete un’immagine di una scheda grigia in modo da poter impostare il bilanciamento del bianco in un secondo momento in fase di editing.

Utilizzare ISO bassi per ridurre al minimo il rumore dell’immagine

Per ottenere l’aspetto più pulito, spegnere l’impostazione Auto ISO. Poi scegliete l’ISO più basso, che di solito è 100.

Un’impostazione più alta, come 1600, è eccellente per scattare in condizioni di scarsa illuminazione, ma darà risultati sgranati. Non è adatto per la riproduzione di opere d’arte. Soprattutto perché la precisione e la nitidezza del colore sono molto importanti!

Passare all’apertura stretta per risultati nitidi

Sappiamo che l’utilizzo di un’ampia apertura come f/1,2 o f/1,4 crea una profondità di campo poco profonda. Non è un gran problema quando si fotografano le immagini, dato che la tela è piatta.

Tuttavia, sarebbe comunque ideale scegliere un diaframma stretto come f/11 o f/16. In questo modo, è possibile garantire che anche i dettagli più piccoli rimangano nitidi.

Per garantire che il valore del diaframma non cambi, selezionare Priorità di apertura del diaframma.

Utilizzare il bilanciamento del bianco e la gestione del colore per una rappresentazione accurata

La maggior parte delle fotocamere digitali ha un controllo del bilanciamento del bianco (WB) sul corpo macchina o all’interno del suo menu. L’utente può selezionare le impostazioni da nuvoloso a soleggiato e da flash a tungsteno. Hanno anche la possibilità di scegliere l’auto o l’opzione personalizzata in base all’illuminazione della scena.

Molte variabili influenzano il bilanciamento del colore in ogni fase del processo. L’uso di WB personalizzate durante le riprese è un primo passo facile per gestire il colore dell’immagine.

Un Color Checker è un pratico strumento per la gestione del colore se si cerca un risultato ancora più accurato. Dispone di pannelli di vari colori che potete usare come riferimento per correggere il vostro WB. Dovreste anche calibrare il vostro monitor. Controllate gratuitamente la qualità del colore, il contrasto e la luminosità del vostro monitor su questo sito.

Questi passaggi sono piuttosto cruciali per rappresentare veramente le qualità di un’opera d’arte.

5. Portate un treppiede

Poiché le vostre fotografie devono essere perfettamente nitide, è meglio evitare qualsiasi possibilità di scuotimento della fotocamera. Per ottenere immagini il più nitide possibile, utilizzate un treppiede, uno sgancio per cavi o un timer per la macchina fotografica. Anche se l’illuminazione sembra ideale e le vostre mani sembrano super ferme, dovreste comunque affidarvi a un treppiede, perché anche il minimo tremolio può essere problematico quando si tratta di fotografie di opere d’arte e di prodotti.

6. Consigli per fotografare opere d’arte: Occhio alla luce

L’impianto di illuminazione standard per la fotografia di opere d’arte piatte utilizza due luci identiche. È possibile posizionarle a 45° su ogni lato davanti al quadro.

Queste due luci devono corrispondere in potenza o in uscita ed essere alla stessa distanza dal centro dell’opera d’arte. Questo metodo di illuminazione fornisce un lavaggio uniforme della luce senza ombre. Una luce annulla le ombre proiettate dall’altra.

Un’installazione come questa richiede uno spazio abbastanza grande per allontanare le luci dall’opera d’arte. Se sono troppo vicine, potreste vedere abbagliamenti sui bordi del vostro quadro. Provate a spostare le luci più lontano per ridurre l’abbagliamento o usate un obiettivo con lunghezza focale più lunga (80 – 100 mm). In questo modo la fotocamera si allontana dal soggetto e aiuta ad eliminare il riverbero.

Potete far rimbalzare le luci sulle pareti laterali neutre o su massicci pezzi di schiuma bianca. Oppure potete diffonderle attraverso materiale bianco per un aspetto più morbido e ridurre il riverbero.

E se la vostra opera d’arte si trova dietro il vetro? Potete eliminare i riflessi usando il nucleo di schiuma nera davanti all’obiettivo della macchina fotografica.

Cercate di non mescolare le vostre fonti di illuminazione. Se si spara all’interno con luci artificiali, bloccare le finestre. Se usate la luce naturale delle finestre, spegnete le luci delle stanze.

L’uso dell’illuminazione artificiale offre risultati coerenti. Inoltre, è più facile regolare il bilanciamento del bianco in seguito. La luce naturale, tuttavia, cambia continuamente in qualità, luminosità e temperatura del colore.

Tuttavia, molti artisti ottengono grandi risultati fotografando le loro opere con la luce naturale. Questo metodo funziona al meglio all’interno di una stanza luminosa con finestre e pareti di colore neutro. Oltre a questo, si dovrebbe anche avere abbastanza spazio per allestire un treppiede a diversi metri di distanza dall’opera d’arte.

7. Preparare la scena prima dello scatto

Iniziate appendendo la vostra arte su una parete di colore neutro. Il bianco, il grigio o il nero spesso funziona. D’altra parte, scattare in una stanza con pareti dai colori vivaci può alterare l’equilibrio cromatico della vostra foto.

Posizionando l’arte in un orientamento verticale è più facile avere un’illuminazione equilibrata in modo uniforme in tutta l’opera, soprattutto se la vostra fonte primaria proviene da un lato. È quindi possibile ruotare la foto in post-produzione per ottenere il corretto orientamento.

Se l’opera ha un filo per l’inquadratura, appenderla ad un’altezza comoda e verificare che sia piatta contro il muro. Se necessario, utilizzate dei distanziatori in cartone o in gommapiuma dietro ogni angolo. In questo modo, l’opera d’arte è appesa parallela al muro.

Utilizzare un livello per verificare che l’opera sia verticale. Poi sistemate la vostra macchina fotografica, in modo che l’altezza dell’obiettivo corrisponda al centro dell’opera d’arte. Prendete un metro per tenere tutto dritto, non fissatelo a occhio.

Un robusto treppiede è essenziale per foto nitide e per una squadratura precisa dell’opera d’arte. Utilizzate uno sganciatore per cavi, un blocco dello specchio o l’autoscatto per eliminare tutti i movimenti della fotocamera.

Controllate di nuovo il livello sullo schermo della vostra fotocamera per vedere se è anche parallelo alla parete di ripresa. Quando sia il dorso della fotocamera che la grafica sono paralleli l’uno all’altro, la prospettiva dovrebbe essere vicina a quella corretta. Anche la distorsione sarà minima.

Avvicinatevi il più possibile, lasciando solo una piccola quantità di spazio intorno ai bordi della vostra opera d’arte. Potete ritagliare questo spazio più tardi.

Potete tenere le stampe in posizione attaccando un grande e sottile foglio di metallo alla vostra parete. Poi usate dei piccoli magneti di terra agli angoli della fotografia. Rimuovere i magneti di terra in seguito nella post-elaborazione.

Potete anche appoggiarle su una tavola rigida inclinata contro il muro e poi parallelizzare la macchina fotografica a questa tavola. Questo metodo funziona se le stampe sono tutte della stessa dimensione. Se le dimensioni variano molto, allora è molto più facile squadrare il lavoro mantenendo tutto su un piano verticale.

Consigli per fotografare opere d’arte: Considerare la direzione come la qualità della luce

Utilizzate la luce della finestra come fonte primaria? Allora posizionate un grande pezzo di schiuma bianca sul lato opposto della finestra accanto al dipinto. In questo modo la luce della finestra rimbalza indietro per bilanciare il lato più scuro dell’opera.

Potete controllare la texture variando la distanza della lavagna bianca dall’opera. Oppure si può anche regolare la distanza dell’opera rispetto alla finestra.

Date un’occhiata al diagramma e ai campioni qui sotto per un’impostazione dell’illuminazione che mostri più texture in un dipinto. Notate dove cadono le ombre nell’immagine a destra. In questo modo si capisce da dove proviene la luce (in questo caso, la parte superiore).

Ho ruotato il dipinto sul suo lato, e l’illuminazione più forte proveniva dal lato sinistro. In post, ho poi riportato l’immagine all’orientamento corretto. Penso che le ombre sembrino più naturali su questo soggetto se l’illuminazione sembra provenire dall’alto.

Utilizzare un cartoncino grigio per catturare i colori in modo accurato

L’inserimento di un cartoncino bianco o grigio in una delle vostre foto vi dà un punto di riferimento noto. Potete utilizzarlo nel vostro editor di immagini per ripulire qualsiasi getto di colore presente.

Se usate un ‘contagocce’ per leggere vari toni nel vostro editor di foto, i colori neutri avranno letture numeriche RGB uguali. Per esempio, il bianco puro è 255 255 255 255; il grigio medio neutro è circa 120 120 120 120 mentre un grigio molto scuro potrebbe leggere 50 50 50 50.

Il punto è che sono vicini allo stesso valore che indica che non è presente alcuna colata di colore. In teoria, quando i colori neutri sono neutri, anche altri toni saranno più precisi.

Scattate una foto dell’intera opera d’arte e controllate che l’esposizione sia corretta. Il modo migliore per farlo è utilizzare l’istogramma nella fotocamera. Di solito, premendo Display in modalità Revisione, l’immagine viene visualizzata.

L’istogramma è una visualizzazione della gamma tonale della foto. Dovrebbe essere approssimativamente centrato su un normale soggetto tonale. È possibile utilizzare l’istogramma nel programma di modifica delle immagini per controllare l’esposizione e il contrasto durante il lavoro.

Controllare la messa a fuoco e scattare dettagli di precisione

Ingrandisci la foto al 100% sullo schermo della fotocamera o del computer. Controllare la messa a fuoco al centro e in tutti e quattro gli angoli. Controllate che l’inquadratura sia il più possibile quadrata. È possibile utilizzare lo strumento ritaglio o prospettiva per leggere regolazioni e squadrature.

Considerate di avvicinarvi per uno scatto dettagliato piuttosto che ritagliare o ingrandire l’immagine complessiva. In questo modo otterrete una maggiore nitidezza e mostrerete i dettagli del vostro lavoro. Spesso è anche un requisito per partecipare a mostre o concorsi in galleria.

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Realizzare uno sfondo bianco: la costruzione

Quando ci concentriamo su un oggetto molto specifico, l’ultima cosa che si desidera è uno sfondo pieno di distrazioni. Lo studio fotografico permette di controllare ogni singolo aspetto dell’immagine, ed è lì che uno sfondo bianco è particolarmente utile. Infatti questo, con qualche luce posizionata con cura, contribuisce davvero al raggiungimento di grandi risultati. Quello che vogliamo costruire è molto semplice: una superficie liscia e bianca, senza angoli e spigoli. Uno sfondo da Still Life, insomma.

Scegliere i materiali e pianificare con attenzione

Taglio e misura

Realizzare uno sfondo bianco: montare la base

Montare il retro sulla base dello sfondo bianco

Aggiungiamo un po’ di supporti al fondale bianco

Realizzare uno sfondo bianco: Il cartoncino bianco

L’ultima parte è molto semplice: mettete il cartone sul telaio e tenetelo in posizione. Per fissarlo usate dei perni o delle puntine da disegno. Occhio a non bucare il cartone, fissateli di lato sulla struttura di legno, SOLO nella parte alta e bassa della struttura: in questo modo potremo facilmente togliere il cartone senza danneggiarlo. 

Dato lo spessore del cartone, questo si adagerà sulla sul telaio senza piegarsi: il gioco è fatto!

Ora non vi resta che personalizzarlo: aggiungete magari dei supporti laterali per le lampade (o usate delle lampade a gancio come quelle da pochi euro dell’Ikea), aumentate le dimensioni della struttura, rendetela pieghevole per riporla!

A proposito: se voleste realizzare uno sfondo nero, non dovete altro che comprare un cartoncino nero…il processo non cambia di una virgola

La guida all’uso del fondale bianco

Il segreto del successo di un negozio online è fare una buona prima impressione, e niente lo fa meglio di una fotografia dei prodotti di buona qualità. Quando si tratta di creare elenchi di prodotti per il tuo negozio online, la fotografia del prodotto su sfondo bianco può fare una differenza enorme per i tuoi tassi di conversione.

Secondo Shopify, “il 50% degli acquirenti online pensa che le foto dei prodotti siano più importanti delle informazioni sul prodotto, delle recensioni e delle valutazioni”. E non ci vuole un esperto per capire perché; quando si fa shopping online, le foto dei prodotti sono l’unico modo in cui un acquirente si fa un’idea di ciò che stai vendendo.

La fotografia dei prodotti è vitale sia per il marketing on-site che off-site, dato che le foto giocano un ruolo chiave nel processo di decisione d’acquisto dei tuoi acquirenti. Non solo le foto dei vostri prodotti vengono viste sul vostro sito, ma anche nelle vostre campagne PPC, come gli annunci eCommerce di Google e gli annunci dinamici dei prodotti di Facebook, e nei vostri post sui social.

Ci sono due tipi principali di fotografia di prodotto: in-context (o fotografia di lifestyle) e immagini di solo prodotto.

Le foto di lifestyle sono quelle foto che mostrano i tuoi prodotti mentre vengono utilizzati, mentre le foto di solo prodotto sono foto pulite del tuo prodotto, scattate su uno sfondo bianco.

Perché la fotografia di prodotto su sfondo bianco?

• Fanno risaltare i tuoi prodotti: Il vantaggio di scegliere un colore di sfondo significa la coerenza del negozio; il bianco offre la maggiore continuità per quanto riguarda l’aspetto dei prodotti di diversi colori e stili. Inoltre, se vuoi mostrare i tuoi prodotti con la minor quantità possibile di distrazioni, gli sfondi bianchi sono il modo migliore per farlo.
• Offrono più versatilità per tutti i canali di marketing: Se hai un budget limitato, vuoi assicurarti che le foto dei prodotti che scatti possano essere usate anche nel tuo marketing. Per esempio, con le campagne di Google Shopping, le foto dei tuoi prodotti possono avere solo sfondi bianchi, grigi o leggermente colorati per essere mostrate. O se decidi di diventare un venditore multicanale e includere Amazon come marketplace, uno dei loro requisiti di immagine è che gli sfondi siano bianchi puri (RGB 255, 255, 255).
• Le foto con sfondo bianco sono più facili da modificare: Quando si tratta di scattare e modificare le foto dei prodotti da soli, gli sfondi bianchi tendono ad essere molto più facili per i principianti per creare foto di prodotti impressionanti.
• È più facile passare dal bianco al colore: Ci sono stati molti post nell’ultimo anno che hanno cercato di far vergognare gli sfondi bianchi. Ma la verità è che, anche se vuoi aggiungere una macchia di colore alla tua esposizione di prodotti andando in giallo neon nel tuo sfondo, devi iniziare con un buon sfondo che sia facile da modificare. Il più facile per i principianti è il bianco.

Ora che sappiamo perché la fotografia di prodotto su sfondo bianco è la scelta migliore per le immagini di soli prodotti dell’eCommerce, passiamo alla creazione di linee guida per la fotografia, all’attrezzatura necessaria per la fotografia di prodotto e a come scattare e modificare le foto dei tuoi prodotti.

Perché e come creare una linea guida per la fotografia di prodotto

Prima di diventare felice con la macchina fotografica, è necessario elaborare un piano d’azione. In termini di fotografia di prodotto, questa è la tua linea guida per la fotografia. Perché facciamo questo prima? Perché il nostro obiettivo è quello di creare un look and feel coerente per il nostro marchio eCommerce. Questo non solo aiuterà a costruire una forte presenza del marchio, ma trasuderà qualità.

Questa linea guida è dinamica e ci lavorerai mentre scatti le prime foto, fino a quando non avrai finito di modificarle secondo i tuoi standard. Ciò che vuoi tenere traccia e includere nelle tue linee guida sono:

• Software di editing e impostazioni
• Impostazione dell’illuminazione, angoli del prodotto e distanze tra la fotocamera e il prodotto
• Saturazione generale dell’immagine
• Tavolozze di colori generali
• Lunghezza focale
• Dimensione e dimensione dell’immagine
• Rapporto di spazio bianco intorno ad ogni prodotto

Creare una linea guida da seguire ti aiuterà a garantire che tutte le foto che scatti abbiano un aspetto coerente e mantengano dimensioni e scala simili. Ti farà anche risparmiare molto tempo man mano che il numero di nuovi prodotti aumenta.

Quale attrezzatura di base per la fotografia di prodotto dovresti usare?

Gli strumenti indispensabili per la fotografia di prodotto su sfondo bianco sono i seguenti:

Light Box / Tenda luminosa

Le scatole luminose sono scatole trasparenti che permettono alla luce di concentrarsi attraverso, ma attenuano la luce diretta. Il vantaggio di questo è che fornisce impostazioni di illuminazione coerenti, eliminando la possibilità di troppe ombre.

È possibile ottenere scatole di luce che vengono con luci incorporate o se si dispone di un po’ più di budget, è possibile ottenere il softbox, dove si aggiunge la propria illuminazione (che è quello che vi consiglio). Il vantaggio di quest’ultimo è che un sacco di quelle scatole luminose a LED pronte tendono ad essere sul lato piccolo, che è limitante, e si ha molto meno controllo sulla vostra illuminazione.

Ecco alcune delle marche di light box più popolari (la maggior parte inclusive delle luci di illuminazione):

• Havox
• Godox
• Amazon Basic
• Neewer
• Fositan
• Samtian

Tavolo still life

Questo può essere un tavolo, una sedia, o qualsiasi superficie piatta al 100% in casa tua su cui scattare. Se stai usando la luce naturale, vuoi assicurarti che sarai in grado di posizionare il tuo tavolo da ripresa o lo stand vicino alla finestra (fonte di luce). Ovviamente se avete seguito la prima parte di questo articolo su come realizzare uno sfondo bianco, ne avete già uno bello e pronto!

Luci e lampadine

Poi, avrai bisogno di luci e lampadine a pinza. Se non stai usando la luce naturale (di cui parleremo più avanti), questa sarà la tua fonte di luce primaria e avrai bisogno di tre di queste. Raccomandiamo lampadine da 100 watt per le luci a pinza o l‘equivalente a LED.

Treppiede

Puoi scattare senza un treppiede, ma se vuoi essere sicuro di mantenere le tue foto coerenti in termini di distanza, illuminazione e angoli, ti consiglio di investire in uno. Un buon treppiede per la fotografia di prodotto avrà le seguenti caratteristiche:

• Livella incorporata
• Regolazione dell’orientamento
• Regolabilità dell’altezza
• Stabilità
• Carico utile (che il tuo treppiedi possa sostenere il peso della tua fotocamera e dell’obiettivo più pesante)

Macchina fotografica o smartphone

Uno dei pezzi più importanti dell’equipaggiamento è la tua macchina fotografica. Se hai uno smartphone con un’ottima fotocamera, non c’è bisogno di investire in una DSLR.

Software di fotoritocco

Infine, avrai bisogno di un software di fotoritocco per apportare quelle importanti modifiche alla foto dopo il tuo scatto. Ci sono molti software di fotoritocco gratuiti e a pagamento e piattaforme online là fuori. La scelta tra loro dovrebbe essere basata sul tuo budget, la tua comodità, le specifiche del tuo PC/Mac e le tue esigenze fotografiche. Alcuni dei principali software o piattaforme di editing includono:

• Photoshop
• Lightroom
• GIMP

Come fotografare prodotti su uno sfondo bianco

Fase 1: Scegliere l’illuminazione

Il primo e più importante passo è scegliere l’illuminazione. Scegliere la luce giusta fin dall’inizio significa meno tempo e meno sforzo nella fase di editing. Hai due opzioni di luce quando scatti le tue foto di prodotti al telefono: luce naturale o luce da studio.

Luce naturale

La luce naturale è una buona opzione se hai un budget ridotto e non stai usando una light box. Infatti, ci sono molti fotografi professionisti che preferiscono la luce naturale a quella da studio, quando possibile. Ma richiede un po’ di lavoro e una curva di apprendimento un po’ più lunga.

Dovrai assicurarti di avere abbastanza luce, ma di non scattare alla luce diretta del sole, perché questo creerà delle ombre, cosa che non vuoi.

Il modo migliore per scattare con la luce naturale è mettere il tuo tavolo di ripresa vicino a una grande finestra che porta molta luce (indiretta) in una stanza. Puoi usare un panno bianco o della carta per coprire la finestra per filtrare e ammorbidire la luce. Si vuole anche assicurarsi di scattare nel momento più luminoso della giornata

Luci da studio

Se hai un po’ più di budget per la tua fotografia di prodotto, vale la pena di investire in una buona illuminazione e in un soft light box, di cui abbiamo parlato nella sezione attrezzatura fotografica. Con il tuo soft light box, avrai bisogno di due o tre luci a clip o a morsetto con lampadine potenti.

Hai bisogno di un minimo di una luce per agire come luce di riempimento (controluce) e una come luce chiave, che è posizionata nella parte anteriore e laterale della tua scatola. Avrai poi bisogno di giocare con gli angoli e le distanze della luce fino ad avere una distribuzione uniforme della luce e delle ombre.

Non importa quale soluzione di illuminazione sceglierai, il tuo obiettivo è assicurarti che la parte superiore, i lati e il prodotto siano tutti ben illuminati e che abbiano tutti lo stesso tono d’ombra che illuminerai dopo, o che non abbiano alcuna ombra. La chiave qui è la coerenza della luce in tutto.

Fase 2: Impostare lo sfondo

Sia che tu stia usando la luce naturale e un fondale o un light box o una tenda, vuoi assicurarti che il tuo materiale di sfondo sia impostato con una spazzata. L’idea è quella di assicurarsi di non avere angoli acuti o imperfezioni dietro il prodotto.

Fase 3: allestisci il tuo prodotto

Una volta che l’illuminazione e lo sfondo sono a posto, è il momento di posizionare il prodotto. Devi assicurarti di mettere il tuo prodotto davanti al tuo sfondo (prima della spazzata) e al centro della tua superficie. Inoltre vuoi assicurarti di averlo posizionato, o il tuo light box, su una superficie stabile e piatta.

Non dimenticare i piccoli dettagli quando posizioni i tuoi prodotti. Le regolazioni più piccole possono fare o rompere una foto. Per esempio, se stai fotografando una bottiglia con un’etichetta, devi assicurarti che l’etichetta sia centrata al 100% rispetto alla fotocamera.

Fase 4: Preparare il treppiede

Hai le tue luci, il tuo sfondo e il tuo prodotto. Ora è il momento di montare il treppiede. Il motivo per cui un treppiede per fotocamera o smartphone è così importante è che assicura una messa a fuoco e una profondità costante. È molto meglio spostare leggermente il prodotto che spostare la macchina fotografica. Inoltre, mentre scatti, essendo su un treppiede la tua macchina fotografica sarà abbastanza stabile da utilizzare i tempi di posa possibili per garantire che tutto il tuo prodotto sia ben a fuoco.

Fase 5: Assicurati che le impostazioni della tua macchina fotografica siano giuste

Il passo successivo è testare le impostazioni della tua macchina fotografica e ottenerle nel modo giusto. Dovrai modificarle per assicurarti di aver ottenuto le migliori foto possibili. Ecco i nostri migliori consigli per le impostazioni della fotocamera:

• Dimensione dell’immagine: Seleziona la dimensione dell’immagine più grande e le opzioni di dimensione del file che la tua fotocamera o il tuo telefono hanno.
• Flash: Assicurati che il flash sia spento.
• Obiettivo: Per quelli di voi che usano le DSLR, è meglio non usare lenti grandangolari perché questo distorcerà i vostri prodotti.
• ISO: Più alto è l’ISO, più luminosa sarà la foto. Tuttavia, più alto è il numero ISO, più distorta (rumorosa) sarà la tua foto. Se stai usando un’illuminazione da studio, imposta il tuo ISO al minimo – 100.
• Qualità: Imposta la qualità dell’immagine al massimo.
• Apertura: F8-F11 ti darà la migliore profondità di campo. Troppo largo (f2.8 o 4.5) e non tutto il tuo prodotto sarà a fuoco.
• Velocità dell’otturatore: più piccolo è il numero, più luminosa sarà la tua foto. Tuttavia, poiché questa impostazione rende la fotocamera sensibile al movimento, richiederà un treppiede o potrebbe risultare in immagini sfocate.
• Bilanciamento del bianco: Raccomando ai principianti di impostare il bilanciamento del bianco su Automatico.
• Filtri: Evita di usare filtri digitali o filtri per la luce della macchina fotografica perché questo potrebbe distorcere i veri colori del tuo prodotto.
• Timer: per eliminare la possibilità che le foto siano sfocate, usa l’autoscatto della fotocamera.

Fase 6: Prendere le migliori immagini di prodotti eCommerce

Finalmente, sei pronto a scattare quelle fantastiche foto con sfondo bianco! Ecco i nostri migliori consigli per scattare le foto dei tuoi prodotti:

Scatti di prova

Prima di andare in città e diventare felice e scattante, fai alcuni scatti di prova prima di fotografare ogni nuovo prodotto per assicurarti che le impostazioni della fotocamera, l’illuminazione e la configurazione del prodotto siano perfette. Questo ti assicurerà di poter fare le regolazioni necessarie in anticipo e ti farà risparmiare un sacco di tempo di editing.

Non cancellare le immagini prima di averle viste al computer

Mentre stai scattando, non cancellare nessuna immagine dalla fotocamera finché non l’hai vista sullo schermo del computer. Molto spesso giudichiamo troppo in fretta sulla macchina fotografica e cancelliamo scatti fantastici. Guardando su uno schermo più grande, dopo le riprese, avrete un’idea migliore di quali immagini hanno il potenziale per essere modificate alla grande e quali dovrebbero essere cancellate.

Scatta un sacco di foto da diverse angolazioni

Mentre scatti, scatta più foto che puoi da diverse angolazioni del prodotto. Sposta il prodotto finché non ne hai fotografato ogni aspetto, per trovare il suo lato più creativo. Inoltre, avere diverse prospettive sul tuo sito web, come in uno dei miei negozi di abbigliamento per bambini preferiti, WeeSqueak, aiuta i tuoi clienti a vedere tutti i lati del prodotto che vogliono comprare.

Evidenzia i dettagli del prodotto

Le tue foto dovrebbero evidenziare tutte le qualità del tuo prodotto. Le persone dovrebbero essere in grado di farsi un’idea della consistenza, del design, della forma e della scala. Questo potrebbe significare mettere una moneta per mostrare le dimensioni o zoomare su certe texture o disegni che fanno brillare il tuo prodotto. Ricorda, le tue foto sono l’unica cosa che mostra ai potenziali acquirenti esattamente cosa stanno ottenendo.

Fai risaltare le caratteristiche del prodotto

Ricordati di mostrare le caratteristiche più attraenti del tuo prodotto. Se stai vendendo un portafoglio o una borsa, per esempio, vuoi mostrare una foto con la borsa chiusa e dell’interno del prodotto. Entrambe sono caratteristiche importanti che la gente considera quando compra un portafoglio.

Come modificare la fotografia di prodotto con sfondo bianco

Quando modifichi le tue foto vuoi assicurarti che siano luminose (l’esposizione è buona), che i colori siano brillanti ma comunque fedeli al tuo prodotto, che le macchie inutili o la polvere siano rimosse, che tu abbia ritagliato (inquadrato) bene i tuoi prodotti e che le tue immagini siano dimensionate correttamente per la piattaforma su cui le stai pubblicando.

• Rimuovere i bordi dello sfondo: La prima cosa che vuoi fare è ritagliare l’immagine in modo che tutti i bordi che mostrano la fine del tuo sfondo siano stati rimossi.
• Regolare la luminosità dello sfondo: Poi, vuoi schiarire il tuo sfondo in modo che sia bianco e luminoso invece che grigio e opaco.
• Ritoccare le macchie: Ora è il momento di eliminare le macchie. Questo significa cancellare qualsiasi fibra o polvere che si vede sullo sfondo o sui prodotti.
• Fai le regolazioni del colore: Regola la luminosità, l’esposizione e la saturazione della tua immagine per assicurarti che i colori siano brillanti, assicurandoti allo stesso tempo che corrispondano il più possibile alla realtà.
• Considera di aggiungere un’ombra: Una volta che il tuo sfondo è stato modificato e i tuoi prodotti sono brillanti, questo è il momento di aggiungere un’ombra al tuo prodotto, se necessario.
• Rimozione o modifica del colore dello sfondo: Una volta che la tua foto è stata modificata e perfetta, potresti cambiare il colore dello sfondo in questa fase se stai usando diversi sfondi per i banner di marketing
• Salvare e ridimensionare le immagini: Vuoi scattare e modificare alla massima qualità, e poi ridimensionare la tua foto modificata alle dimensioni di cui hai bisogno. Ogni piattaforma, mercato o tipo di campagna PPC ha le proprie linee guida. Quindi, quando salvi un’immagine, salvala all’interno del rapporto e delle dimensioni della piattaforma. Per esempio, con Shopify, il rapporto accettato è 1:1. Risparmia tempo salvando tutti i formati in una volta sola quando hai finito con la foto di un prodotto.
• Ottimizzare le foto per il SEO: Il passo finale è assicurarsi che le immagini siano state ottimizzate per il SEO. Questo significa nominarle correttamente e comprimere l’immagine finale in modo che non influisca sui tempi di caricamento della pagina

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Articolo originale: Photo Tuts+

Articolo aggiornato a Maggio 2021

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• Fai attenzione quando fotografi il sole! Guardare direttamente il sole – anche attraverso un telemetro – per un periodo di tempo prolungato può causare danni alla retina e, in casi estremi, può anche danneggiare il sensore della tua fotocamera. Un modo più sicuro è usare il monitor LCD della tua macchina fotografica per comporre il tuo scatto, ma non usarlo più del necessario.
• Prima del tuo appuntamento con quella grande palla infuocata nel cielo, vale la pena dare un’occhiata ai portfolio online dei tuoi fotografi di viaggio e di paesaggio preferiti per trovare un po’ di ispirazione. Come catturano le loro incredibili foto del tramonto?
• Controlla le previsioni del tempo prima di uscire; avrai bisogno di una visione chiara del sole. Ma se c’è qualche nuvola, non disperare: le nuvole possono aggiungere atmosfera e drammaticità alle foto del tramonto catturando colori diversi nella luce o creando silhouette nel cielo.
• Controlla in anticipo quando il tramonto avverrà quel giorno, in modo da poterti prendere del tempo per preparare il tuo scatto in anticipo. Spesso, le app per il meteo mobile indicano anche l’ora del tramonto prevista per il giorno, mentre le app per la fotografia di paesaggio più specializzate possono calcolare l’angolo preciso del tramonto, la lunghezza delle ombre e altre informazioni approfondite. Assicurati che l’obiettivo e il sensore siano puliti! Le condizioni di luce drammatiche metteranno a fuoco ancora più chiaramente i fastidiosi granelli di polvere e sporco.

In caso di dubbio, ricorda che il sole non deve necessariamente essere il fulcro della tua foto. Le migliori foto al tramonto mostrano gli effetti del tramonto sugli oggetti vicini, o sul paesaggio circostante, utilizzando l’illuminazione satura al suo pieno potenziale.

24 foto tramonti di cui innamorarsi

le fotocamere per le foto tramonto

Chi sta cercando di investire in un nuovo corpo macchina o sistema potrebbe chiedersi quale sia la migliore fotocamera per i tramonti. La buona notizia: Praticamente qualsiasi macchina fotografica digitale che offre il controllo manuale sulle impostazioni della fotocamera sarà in grado di fare un lavoro abbastanza buono per catturare foto al tramonto!

Ci sono, tuttavia, alcune caratteristiche che rendono alcuni modelli le migliori fotocamere per la fotografia di paesaggio. Quando si tratta di foto al tramonto, la cosa più importante da tenere a mente è la gamma dinamica, che si riferisce alla quantità di dettagli che una fotocamera può catturare sia nelle aree chiare che in quelle scure di un singolo fotogramma. Un’ampia gamma dinamica ti impedirà di ottenere un’immagine gonfiata con buoni dettagli nelle aree più scure (o, al contrario, un’immagine scura e sottoesposta con buoni dettagli nelle aree più chiare).

Alcuni modelli di fotocamere elogiati per la loro grande gamma dinamica includono la Canon EOS R, la Sony A7 e la Nikon D850. Per altri modelli, controlla questa lista delle migliori fotocamere fisse per la fotografia di paesaggio.

Le impostazioni della fotocamera per fare foto tramonti

Quando si tratta di fotografia al tramonto e di scattare foto tramonto, le impostazioni e la tecnica sono molto più importanti del possedere un’attrezzatura specializzata (una buona notizia per i principianti e per i fotografi attenti al budget). Le impostazioni della fotocamera per i tramonti (comprese le impostazioni della DSLR per i tramonti) generalmente comportano la massimizzazione della profondità di campo e la considerazione della luce brillante del sole che splende nella fotocamera rispetto ad altre preoccupazioni come la velocità dell’otturatore.

Usa la modalità di priorità dell’apertura della tua fotocamera, soprattutto se hai appena iniziato a scattare foto al tramonto. (La priorità di apertura si trova di solito girando la ghiera delle impostazioni della tua fotocamera su “A” o “Av”). In termini di base, la priorità di apertura ti permette di impostare l’apertura, e la fotocamera cambierà automaticamente la velocità dell’otturatore per te. Puoi (ovviamente) anche usare l’impostazione manuale della tua fotocamera.

Apertura

Imposta un’apertura alta (tra f/11 e f/16) per ottenere la maggiore profondità di campo possibile e mantenere la maggior parte della scena a fuoco. Scattare con un’apertura alta può anche creare un bell’effetto starburst nella tua foto del tramonto.

ISO

Tieni l’ISO il più basso possibile per evitare la granulosità. Tieni presente, però, che potresti dover alzare l’ISO man mano che il sole cala e la scena diventa più fioca per mantenere alto il numero di f-stop.

Bilanciamento del bianco

L’impostazione automatica del bilanciamento del bianco generalmente funziona bene, anche se potresti voler sperimentare le impostazioni luce del giorno, nuvoloso o anche ombra per far emergere diverse tonalità nell’immagine: in questo modo puoi ottenere immagini del tramonto più gialle, viola, rosate o rosse.

RAW vs. JPEG

La quantità di dettagli nelle foto del tramonto rende questa un’opportunità privilegiata per scattare in RAW.

Messa a fuoco

Alcune fotocamere hanno difficoltà a mettere a fuoco in condizioni di luce estrema; se è questo il caso, potresti provare a passare alla messa a fuoco manuale.

Esposizione

Potresti voler abbassare l’esposizione della tua foto al tramonto in modo che la scena non sia completamente rovinata dall’intensa luce del sole. Questa tecnica può anche essere usata per creare immagini con una silhouette drammatica – controlla la nostra guida alla fotografia di silhouette per un how-to più specifico.

GLi obiettivi per i tramonti

Non hai necessariamente bisogno di un obiettivo specializzato per scattare una grande foto al tramonto – molti fotografi di paesaggio hanno ottenuto ottimi risultati con un semplice obiettivo in kit – ma ogni tipo di obiettivo porterà qualcosa di nuovo alla tua fotografia al tramonto.

Gli obiettivi grandangolari – un’aggiunta necessaria all’arsenale di obiettivi di qualsiasi fotografo di paesaggi – sono generalmente i più popolari tra i fotografi di tramonto, poiché catturano la più ampia quantità di area circostante nella tua foto al tramonto. Inoltre rimpiccioliscono il sole rispetto al resto dell’inquadratura, il che significa che il tuo scatto sarà meno influenzato da una gamma dinamica ristretta.

Un teleobiettivo farà l’opposto, facendo apparire il sole più grande, isolando una porzione più piccola del paesaggio, che può essere usato con grande effetto se vuoi mettere a fuoco una parte specifica della scena. (Tenete a mente che il teleobiettivo agisce come una lente d’ingrandimento, il che rende ancora più importante evitare di guardare direttamente il sole durante le riprese!)

Anche se alcuni trovano la lunghezza focale fissa degli obiettivi primari limitante per la fotografia di paesaggio, essi possono anche rendere le immagini incredibilmente nitide. Se si prova a sperimentare una silhouette o la fotografia di ritratto mentre si scattano i tramonti, un obiettivo principale trasformerà lo sfondo del tramonto in un bokeh meravigliosamente diffuso.

I filtri per i le foto tramonti

Se riprendi spesso il tramonto, i filtri possono essere un’aggiunta importante alla tua attrezzatura. Un filtro a densità neutra graduata, che va dallo scuro al chiaro in un modello di ombre, può aiutare ad aumentare la gamma dinamica in uno scatto al tramonto, scurendo il cielo brillantemente illuminato e lasciando che la fotocamera prenda abbastanza luce per assicurarsi che il resto del paesaggio sia esposto correttamente.

I filtri polarizzatori – generalmente utilizzati per rendere più profondo il colore e ridurre i riflessi – sono molto popolari tra i fotografi di paesaggio, ma alcuni esperti suggeriscono di toglierli prima di scattare un tramonto, sostenendo che non aumentano necessariamente il colore in una foto al tramonto e potrebbero causare bagliori di lente nella tua immagine.

I treppedi per le foto tramonti

Quando si tratta di fotografare il tramonto, i treppiedi – già uno degli accessori essenziali per i fotografi di paesaggio – sono assolutamente impagabili.

Quando scatti foto al tramonto, la tua attenzione sarà probabilmente rivolta a catturare i dettagli di una scena piuttosto che l’azione in rapido movimento, il che rende questo un momento perfetto per optare per la stabilità di un treppiede rispetto alla flessibilità dello scatto a mano (che in genere viene fornito con un grande lato di vibrazioni della fotocamera). Inoltre, un treppiede ti permetterà di giocare con le esposizioni lunghe, che sono particolarmente adatte per dare all’acqua un aspetto fluido ed etereo nelle foto di spiaggia al tramonto.

L’acquisto di treppiedi per la fotografia di paesaggio in genere comporta la ricerca di un equilibrio tra leggerezza (che mantiene la tua attrezzatura facile da trasportare) e pesantezza (che impedirà alla tua attrezzatura di volare via in una folata di vento improvvisa).

Dato che le spiagge e la fotografia al tramonto vanno di pari passo, potresti anche voler cercare qualcosa che possa gestire un po’ di acqua e sabbia. I treppiedi in fibra di carbonio, a differenza di quelli in metallo, sono resistenti alla corrosione; i fotografi hanno anche escogitato alcuni ingegnosi trucchi fai-da-te, come far scorrere il tubo in PVC del negozio di ferramenta sulle gambe del treppiede per proteggerle dalla sabbia e dai danni dell’acqua.

Insieme a un treppiede, potresti anche voler investire in uno scatto remoto per la tua macchina fotografica per avere un po’ più di stabilità a mani libere. I treppiedi sono essenziali per fotografare i paesaggi al tramonto, ma ricorda: i fotografi di paesaggio veterani mettono in guardia dal lasciare che al treppiede “crescano le gambe”. Una volta che hai alcuni scatti che ti soddisfano in una posizione del treppiede, prova a spostarlo un po’ tra uno scatto e l’altro e prova diverse angolazioni e punti di vista. Sentiti libero di sperimentare!

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Api – Il soggetto perfetto, senza uscire di casa

Vi ricordate il lungo Lockdown dovuto al COVID-19? Bene, in quel periodo mi sono divertito a fotografare le api. I risultati sono impressionanti, considerando che mi sono mosso dal divano di pochi metri, andando giusto sul mio balcone. E non ho dovuto nemmeno utilizzare attrezzatura particolare o dedicata: ho usato banalmente ciò che avevo sottomano…e non era un obiettivo macro.

La scelta di una lente per la fotografia delle api

È possibile utilizzare qualsiasi obiettivo per la fotografia delle api, ma per la migliore qualità, raccomando una lunghezza focale di 75 mm o più lunga che può mettere a fuoco entro circa due piedi o 60 cm. Qualsiasi obiettivo macro sarà più che buono, ma molti obiettivi standard possono anche mettere a fuoco abbastanza vicino. E se non ci riescono, si può sempre aggiungere un tubo di prolunga. Le lenti ingranditrici hanno vari punti di forza e trovo che la più debole (1 diottria) funzioni bene. Trovo anche che un tubo di prolunga da 16 mm possa essere efficace.

Anche se possiedo un superbo obiettivo macro 90 mm, preferisco fotografare più spesso le api con teleobiettivi da 200 a 300 mm con un tubo di prolunga, perché il risultato è un soggetto più grande sull’immagine dalla mia tipica distanza di due metri. Sono anche nitide quanto il mio obiettivo macro alle aperture più piccole che uso per la fotografia ravvicinata. La mia configurazione principale è costituita da una Sony A6400 dotata di uno zoom Sony e 18-135mm.

 flash

Inizialmente ho iniziato con la luce naturale, poi ho scoperto che un flash produceva risultati migliori per me, anche alla luce del sole. Ho usato prima il flash pop-up sulla mia fotocamera Sony A6400 APS-C, ma poi ho usato un flash esterno. Ho impostato la modalità flash della mia fotocamera per “riempire” e ho impostato il flash per TTL (Through The Lens). TTL automatizza il processo di esposizione regolando la potenza del flash per una corretta esposizione.

Impostazioni della fotocamera

La profondità di campo è sempre molto breve per la fotografia ravvicinata o la macrofotografia. Ad esempio, con un obiettivo da 100 mm a f16 e una distanza di due metri, la profondità di campo è di soli 20 mm. Quindi, avrete bisogno di piccole aperture. Ho eseguito dei test di risoluzione su un assortimento di obiettivi macro e standard e ho scoperto che sono tutti ugualmente nitidi a f16. A f22 la nitidezza è scesa a circa l’85% e a f32 (quando disponibile) la nitidezza è stata di circa il 70%. Ma io metto a fuoco tutte le mie foto in fase di editing, il che fa sembrare accettabili anche le foto a f32. Ora scatto soprattutto tra f16 e f22. Ho anche scoperto che il mio economico zoom 55-210mm era nitido quanto il mio celebre obiettivo macro 90mm a queste piccole aperture.

In termini di sensibilità, ho iniziato con ISO elevati, come il 3200, per consentire tempi di posa rapidi con diaframmi piccoli. Ma quando ho iniziato a usare il flash, ho scoperto che gli ISO molto bassi facevano sì che la luce del flash dominasse e congelasse il movimento. Anche la qualità dell’immagine era migliore a bassi ISO. Ma ISO molto bassi e piccoli diaframmi portano a flash potenti e tempi di riciclo più lunghi. Così a volte alzo il mio ISO da un minimo di 100 a 200 o 400, per ridurre i tempi di riciclo del flash. La maggior parte delle fotocamere produce una qualità d’immagine molto buona a ISO fino a 400 o 800. Dopo di che, un ISO più alto può portare a una notevole riduzione della qualità dell’immagine, a seconda del modello.

Tecnica per fotografare le api

Sto in piedi o mi siedo vicino a piante in fiore che le api visitano e aspetto che una di esse si accenda su un fiore. L’ape seppellisce immediatamente la testa nel mio fiore di salvia per alcuni secondi. Dopo aver sparato a molte api senza testa sono diventato più intelligente. Ho scoperto che se compongo e aspetto mentre la loro testa è sepolta, c’è un istante in cui ritirano la testa prima di volare via. È allora che premo l’otturatore. Ho scattato a mano, monopiede e treppiede. Tutto funziona perché il flash blocca la scossa.

Sensori e fotocamere per fotografare le api

Un importante parametro metrico del sensore è la spaziatura dei pixel. Qui ce ne sono alcuni:

• 20mp Micro Quattro Terzi = 300 pixel per mm
• 24mp APS-C = 256 pixel per mm
• Sony 61mp FF = 266 pixel per mm
• Canon 45mp R5 FF = 228 pixel per mm
• Sony 42mp FF = 220 pixel per mm
• Sony 24mp FF = 168 pixel per mm
• Canon 20mp R6 FF = 152 pixel per mm
• Sony 12mp FF = 119 pixel per mm

È possibile calcolare questo per qualsiasi telecamera dividendo il numero di pixel per la dimensione del sensore. Ad esempio, il mio sensore Sony A6400 è largo 6000 pixel e 23,4 mm. 6000 / 23,4 = 256 pixel per mm.

Si consideri un dato obiettivo che fotografa un’ape o un uccello ad una certa distanza, il che si traduce in un’immagine alta 1 mm sul sensore. Mantenendo queste condizioni costanti, l’immagine sarà alta 1 mm su tutti i sensori. Ma il numero di pixel dipenderà dalla distanza dei pixel soprastanti.

Quindi, anche se molti fotografi dicono che il Full Frame sia il migliore, i formati più piccoli come i quattro terzi o l’APS-C di solito producono una maggiore dimensione del soggetto (misurata in pixel) sul sensore, tranne che per i fotogrammi a piena risoluzione più alti come l’A7RIV. Anche se i pixel Full Frame sono spesso più grandi con un rumore inferiore rispetto alla maggior parte dei formati più piccoli, in genere fotografo uccelli e api in buona luce, dove il rumore è raramente un problema. Quindi, se state selezionando una fotocamera per “gli uccelli e le api”, i formati più piccoli o l’immagine full frame ad alta risoluzione possono funzionare al meglio per voi. Ma qualsiasi cosa abbiate, funzionerà.

Fotocamere bridge / super-zoom

Sono rimasto abbastanza sorpreso dai risultati ottenuti con una Nikon P900. Ero riluttante a provarla perché l’apertura più piccola è la f8. Questi esempi sono stati realizzati con uno zoom da 80 a 89 mm, il che si traduce in una profondità di campo di soli 2,3 mm a f8. Eppure le foto sono molto nitide. Ho usato un primo piano a una diottria, ma non è stato necessario, perché la fotocamera ha una modalità di primo piano che ti porta quasi altrettanto vicino senza il primo piano.

Questa fotocamera ha un piccolo sensore da 1/2,3, come la maggior parte degli smartphone, eppure ha fornito queste foto. Tutte sono state scattate con il flash incorporato e modificate proprio come ho modificato le foto della A6400. Questi risultati suggeriscono che le fotocamere con zoom a ponte o tascabili con sensori da 1/2,3 o “un pollice” possono funzionare molto bene per le api.

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