Ma cosa ci aspetta nel prossimo futuro? quali sono le caratteristiche che vedremo comparire nei nostri smartphone nei prossimi anni…e quanto ci vorrà perché gli smartphone soppiantino (se sarà ovviamente possibile) le reflex digitali o anche le mirrorless? Certo, probabilmente sarà impossibile soppiantarle in ambiti molto specifici, ma cosa dire dei fotografi più “generici”, o anche i milioni di amatori che scattano centinaia e migliaia di foto?

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È necessario un mirino, uno schermo di messa a fuoco o uno schermo elettronico per puntare la fotocamera e comporre. per puntare la fotocamera e comporre, e un dispositivo di misurazione della luce, di solito incorporato, per misurare la luminosità di ciascun soggetto. L’esposimetro tiene conto della sensibilità alla luce del materiale su cui si sta registrando l’immagine e legge o imposta automaticamente una combinazione appropriata di apertura dell’obiettivo e velocità dell’otturatore. Con la conoscenza e l’abilità è possibile modificare queste impostazioni per ottenere gli effetti desiderati o compensare le condizioni che ingannano l’esposimetro.

Il percorso chimico

Se avete utilizzato una fotocamera film, la fase successiva sarà l’elaborazione del film. Un filmato correttamente esposto differisce da un filmato non esposto solo a livello atomico – minuscoli cambiamenti chimici che formano un’immagine invisibile o “latente”. I prodotti chimici per lo sviluppo devono quindi agire sul film al buio per amplificare l’immagine latente in qualcosa di molto più sostanziale e permanente alla luce normale. Queste sostanze chimiche vengono applicate sotto forma di liquidi; ogni soluzione ha una funzione particolare quando viene utilizzata sul film appropriato. Nella maggior parte dei film in bianco e nero, ad esempio, la prima soluzione chimica sviluppa le aree colpite dalla luce in grani di argento nero. Segue una soluzione che dissolve (“fissa”) le parti non esposte, lasciando queste aree come film chiaro. Il risultato, dopo il lavaggio e l’asciugatura, è un negativo in bianco e nero che rappresenta le parti più chiare del soggetto come scure e le parti più scure come grigio chiaro o trasparente.

Una procedura simile, ma con soluzioni chimicamente più complesse, viene utilizzata per elaborare i film a colori in negativi a colori. I film su diapositive a colori richiedono più fasi di lavorazione. Prima si usa uno sviluppatore negativo in bianco e nero; poi il resto del film, invece di essere normalmente fissato, viene sviluppato a colori per creare un’immagine positiva in argento nero e coloranti. Alla fine si ottiene una diapositiva a colori con immagine positiva e colorata.

Stampa dei negativi. La fase successiva della produzione è la stampa o, più spesso, l’ingrandimento. L’immagine su film viene inserita in un proiettore verticale chiamato ingranditore. L’obiettivo dell’ingranditore forma un’immagine, di qualsiasi dimensione, su carta fotografica sensibile alla luce. Durante l’esposizione, la carta riceve più luce attraverso le aree trasparenti del vostro film che attraverso le parti più dense. L’immagine latente che la carta porta con sé viene poi elaborata con soluzioni chimiche del tutto simili a quelle necessarie per il film. Ad esempio, un foglio di carta in bianco e nero viene esposto al negativo del film in bianco e nero, quindi sviluppato, fissato e lavato in modo da ottenere un “negativo del negativo”, ovvero un’immagine positiva – una stampa in bianco e nero. La carta a colori, dopo l’esposizione, viene sottoposta a una sequenza di sviluppo, sbiancamento e lavaggio per formare un negativo a colori di un negativo a colori. Altri materiali e processi consentono di ottenere stampe a colori da diapositive.

Una caratteristica importante della stampa (oltre alla possibilità di modificare le dimensioni dell’immagine e di produrre molte copie) è la possibilità di regolare e correggere la ripresa. Le parti indesiderate vicino ai bordi possono essere ritagliate, modificando le proporzioni dell’immagine. Le aree scelte possono essere rese più chiare o più scure.

Lavorando a colori è possibile utilizzare un’ampia gamma di filtri colore per ingrandimento per “mettere a punto” il bilanciamento dei colori della stampa o per creare effetti. Con l’esperienza si possono anche combinare parti di diverse immagini in un’unica stampa, formando immagini in parte positive, in parte negative e così via.

Colore e bianco e nero. È necessario scegliere tra diversi tipi di film per la fotografia a colori o in bianco e nero (monocromatica). Dal punto di vista visivo è molto più facile fotografare a colori che in bianco e nero, perché il risultato è più simile a come il soggetto appariva nel mirino. Naturalmente, è necessario tenere conto delle differenze tra l’aspetto e la resa di una fotografia a colori. Ma questo è generalmente meno difficile che prevedere come i colori del soggetto si tradurranno in toni monocromatici. Il bianco e nero è visto come meno realistico, creando una distanza tra il “reale” e la sua rappresentazione, e per questo motivo piace a molti fotografi principianti e avanzati, essendo considerato, a torto o a ragione, più interpretativo e sottile.

Le pellicole, le carte e i processi chimici a colori sono più complessi del bianco e nero. Per questo motivo sono passati quasi cento anni dall’invenzione della fotografia prima che apparissero processi di stampa a colori affidabili. Anche allora erano costosi e laboriosi da usare, tanto che fino agli anni Settanta i fotografi hanno imparato il mestiere in bianco e nero per poi passare al colore: naturalmente ci sono eccezioni alla regola. Oggi praticamente tutti scattano le prime foto a colori. La maggior parte della complessità chimica della fotografia a colori è racchiusa nei film, nelle carte, nelle soluzioni pronte e nelle routine di elaborazione standardizzate dei produttori. È soprattutto nella stampa che il colore rimane più impegnativo del bianco e nero, a causa dei requisiti aggiuntivi di valutazione e controllo del bilanciamento del colore. Quindi, almeno in camera oscura, si scoprirà che la fotografia per via chimica è ancora meglio iniziare in bianco e nero.

Il percorso digitale

Se si utilizza una fotocamera digitale, sia essa una reflex o un cameraphone, l’immagine esposta viene registrata su una griglia di milioni di elementi sensibili alla luce di dimensioni microscopiche, normalmente più piccola di un fotogramma di 35 mm. Questo dispositivo è noto come CCD (charge-coupled device) e si trova in una posizione simile a quella del film all’interno di una telecamera.

Subito dopo l’esposizione, il CCD legge l’immagine catturata sotto forma di una catena di segnali elettronici chiamati file d’immagine, di solito in una piccola scheda di memoria digitale inserita nel corpo macchina, oppure direttamente sul “disco rigido” della fotocamera, o ancora su un CD o DVD. Le immagini possono essere visualizzate su un piccolo schermo della fotocamera e gli scatti indesiderati possono essere cancellati. Le immagini vengono successivamente scaricate dalla scheda o direttamente dalla fotocamera in un computer, dove vengono visualizzate sullo schermo di un monitor o direttamente sullo schermo di un televisore. Oppure possono essere scaricate direttamente su una stampante senza essere prima visualizzate su un computer. La qualità e le dimensioni delle stampe possibili con una fotocamera digitale dipendono in parte dal numero di megapixel disponibili. Più grande è la stampa che si desidera realizzare, più alto deve essere il numero di megapixel. Se si desidera solo visualizzare le immagini sullo schermo o inviarle via e-mail ad amici e parenti, una fotocamera da 1 o 2 megapixel è sufficiente. Per ottenere stampe di qualità fotografica fino a 10 × 8 pollici è necessaria una fotocamera da 3 o 4 megapixel. Per produrre immagini più grandi di 10 × 8 pollici è necessario disporre di una fotocamera da almeno 5 megapixel o superiore. Se si vendono le fotografie a una libreria di immagini, è necessario verificare i megapixel minimi richiesti, poiché possono variare da una libreria all’altra. Dopo il download o la cancellazione, la scheda può essere riutilizzata indefinitamente per catturare nuove immagini.

Nel computer possono essere caricati vari programmi di manipolazione delle immagini, che forniscono “strumenti” e controlli accanto all’immagine per ritagliare, alterare la luminosità, il contrasto o il colore e per effettuare molte altre regolazioni, effetti e grafica. Ognuno di essi viene selezionato e attivato muovendo e facendo clic con il mouse del computer o con una scorciatoia da tastiera: le modifiche all’immagine appaiono immediatamente sul display del monitor. I file immagine possono essere ‘salvati’ (memorizzati) nella memoria interna del disco rigido del computer o su un disco rimovibile.

Uscita. Quando si è soddisfatti dell’immagine sullo schermo, il file digitale può essere inviato a una stampante da tavolo, in genere una stampante a getto d’inchiostro o laser, per la stampa a colori su carta di propria scelta. Oppure si può portare il disco rimovibile in un laboratorio fotografico o in un negozio per ottenere stampe a getto di luce su carta fotografica.

È possibile trasferire i fotogrammi digitali su film e poi stamparli nel modo consueto, oppure ottenere stampe con i processi di stampa disponibili in commercio, come Lambda e Lightjet, che vengono stampati su carta fotografica tradizionale a colori.

Routine tecniche e scelte creative

Con le conoscenze tecniche e l’esperienza pratica (che si ottiene scattando molte fotografie in condizioni diverse) si acquisiscono gradualmente competenze che diventano una seconda natura. È come imparare a guidare. Prima bisogna imparare consapevolmente la gestione meccanica di un’auto. Poi questo aspetto diventa così familiare che ci si concentra sempre di più su ciò che si vuole ottenere con la macchina, andando da A a B. Sia che si lavori con mezzi chimici o digitali, la fotografia coinvolge una serie di competenze complementari.

Riuscire a comunicare le proprie idee a un pubblico è come andare da A a B e ci sono alcune competenze da acquisire per farlo, soprattutto per quanto riguarda il colore e le discipline di inserimento e salvataggio delle immagini digitali. Una coerenza nella creazione delle immagini, sia dal punto di vista tecnico che concettuale, aiuterà a sviluppare il proprio stile. Ci sono anche fasi in cui è necessario prendere decisioni creative e in cui è possibile una grande scelta e variazione. Queste includono l’organizzazione del soggetto, l’illuminazione e la gestione della macchina fotografica, nonché l’editing e la stampa del lavoro. Come fotografo, dovrete gestire e prendere queste decisioni da soli, o almeno dirigerle da vicino.

Avendo maggiore certezza di ottenere risultati, scoprirete di poter dedicare la maggior parte del tempo allo sviluppo delle idee e dei contenuti, nonché al miglioramento dei problemi creativi di realizzazione delle immagini, come la composizione e la cattura di espressioni e azioni che differiscono in ogni scatto e che non hanno soluzioni di routine.

Tuttavia, è necessario tenersi aggiornati osservando il lavoro di altri fotografi nuovi e contemporanei e scoprendo i nuovi processi e le nuove attrezzature che si presentano. Dovete scoprire le nuove opportunità visive che offrono e che potrebbero aiutare la vostra fotografia, ma non seguendo pedissequamente la moda per il gusto di farlo.

Le routine tecniche e le scelte creative costituiscono una buona base per quella che è forse la sfida più grande della fotografia: produrre immagini che abbiano un contenuto e un significato interessanti. Si può comunicare agli altri attraverso ciò che si “dice” visivamente (andare da A a B) con il semplice umorismo.

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L’attributo opposto della fotografia è quando viene usata per manipolare o interpretare la realtà, in modo che le immagini spingano qualche “angolo”, convinzione o atteggiamento proprio. Si creano situazioni (come nella pubblicità) o si sceglie di fotografare alcuni aspetti di un evento ma non altri (come nei servizi giornalistici di parte politica). La fotografia è un potente mezzo di persuasione e propaganda. Diventa verità quando può fare qualsiasi affermazione il fotografo scelga. Consideriamo per un momento l’album di famiglia: quali immagini vi sono rappresentate – tutta la vita familiare o solo i momenti più belli?

Un’altra ragione per dedicarsi alla fotografia è che si desidera un mezzo di espressione personale per esplorare le proprie idee, preoccupazioni o tematiche. Sembra strano che una cosa così apparentemente oggettiva come la fotografia possa essere usata per esprimere, ad esempio, questioni di desiderio, identità, razza o genere, o metafora e fantasia. Probabilmente tutti noi abbiamo visto immagini “in” altre cose, come leggere significati nelle formazioni nuvolose, nelle ombre o nella vernice scrostata. Una fotografia può incuriosire attraverso il suo porre domande, facendo sì che lo spettatore torni a leggere nuove cose nell’immagine.

Anche il modo in cui viene presentata può può essere importante quanto il soggetto. Altri fotografi cercano semplicemente la bellezza, che esprimono nel loro stile “pittoresco”, come un’opera d’arte consapevole.
Una delle prime attrazioni della fotografia per molte persone è il fascino dell’attrezzatura stessa. Tutta l’ingegnosa tecnologia moderna progettata per sollecitare la mano e l’occhio: c’è un grande fascino nel premere pulsanti, far scattare componenti di precisione al loro posto, collezionare e indossare macchine fotografiche. macchine fotografiche.

Gli strumenti sono fondamentali, naturalmente, e la loro conoscenza dettagliata è affascinante e importante, ma non bisogna finire a scattare fotografie solo per testare i macchinari. Non dobbiamo dimenticare che fare il fotografo può essere visto anche come un lavoro molto affascinante: alcuni dei fotografi più noti sono quelli che hanno scattato immagini di personaggi famosi e sono diventati famosi a loro volta.

Un altro elemento di attrazione è il processo fotografico vero e proprio – la sfida della cura e del controllo, e il modo in cui questo viene ricompensato dall’eccellenza tecnica e dall’oggetto finale prodotto da voi. I risultati possono essere giudicati e apprezzati per le loro “qualità” fotografiche intrinseche, come i dettagli superbi, la ricchezza dei toni e dei colori. Il processo vi offre i mezzi per “catturare il vostro vedere”, creando immagini dalle cose che vi circondano senza dover faticosamente disegnare. La macchina fotografica è una sorta di macchina del tempo, che congela qualsiasi persona, luogo o situazione scelta. Sembra dare all’utente potere e scopo.
Un’altra caratteristica è il semplice piacere della strutturazione visiva delle fotografie.

È davvero piacevole progettare le immagini in quanto tali: la “geometria” delle linee e delle forme, l’equilibrio dei toni, il ritaglio e l’inquadratura delle scene, qualunque sia il contenuto del soggetto. Molto può essere fatto con un rapido cambio di punto di vista o con la scelta di un diverso momento nel tempo.

Queste sono solo alcune delle diverse attività e degli interessi che rientrano nel termine termine “fotografia”.

Molte di esse si mescolano nel lavoro di un fotografo o in qualsiasi mercato della fotografia professionale. Il vostro attuale divertimento nel produrre immagini può essere basato principalmente sulla tecnologia, sull’arte o sulla comunicazione. o sulla comunicazione. E ciò che inizia come un’area di interesse può facilmente trasformarsi in un’altra. Come principiante, è utile mantenere una mente aperta. Fornitevi un “corso di base” completo cercando di apprendere qualcosa di tutti questi elementi, preferibilmente attraverso la pratica ma anche elementi, preferibilmente attraverso la pratica, ma anche guardando e leggendo il lavoro di altri fotografi.

Non ha molto senso essere tecnicamente competenti e avere occhio per la composizione, se non si comprende anche il motivo per cui si sta scattando la fotografia. Tuttavia, lo scopo può essere più semplice: registrare qualcosa o qualcuno per identificarlo. Può essere essere più ambiguo: un’immagine soggettiva che mette in scena il concetto di sicurezza, felicità o minaccia, per esempio. Nessuno scrittore prenderebbe in mano una penna senza sapere se il compito è quello di produrre una scheda tecnica o una poesia. Tuttavia, nella fotografia c’è il terribile pericolo che si prepari l’attrezzatura, ci si occupi della messa a fuoco, dell’esposizione e della composizione, ma non si pensi affatto al significato dell’immagine e al motivo per cui si dovrebbe mostrare il soggetto in quel particolare modo.

Le persone scattano fotografie per i motivi più disparati. La maggior parte è un ricordo delle vacanze, della famiglia e dei propri cari. Queste fotografie svolgono una delle funzioni sociali più importanti della fotografia, congelando i momenti della nostra storia per poterli ricordare negli anni a venire.

A volte le fotografie vengono scattate per mostrare condizioni umane difficili e per fare appello alle coscienze degli altri. In questo caso è possibile che si debba indagare sul soggetto in un modo che in altre circostanze sarebbe definito ficcante o voyeuristico. Questo rapporto difficile con il soggetto deve essere superato se si vuole che l’immagine finale ottenga una risposta positiva da parte dell’osservatore.

Capire quale sia l’approccio migliore al soggetto per creare la giusta reazione da parte del pubblico di destinazione è fondamentale anche nelle fotografie che pubblicizzano e vendono. Ogni dettaglio in una situazione di set-up deve essere considerato con messaggio. Il luogo o lo sfondo sono di un tipo con cui i consumatori si identificano positivamente? I modelli e gli abiti indossati sono troppo “up” (o “down”) rispetto al mercato? Gli oggetti di scena e gli accessori devono essere adatti allo stile di stile di vita e l’atmosfera che si sta cercando di trasmettere.

In generale, gli spettatori devono un’immagine di se stessi resa più se stessi resa più più attraente grazie al prodotto o servizio che si sta cercando di vendere. In mezzo a tutta questa fantasia è necessario produrre un’immagine strutturata per attirare l’attenzione, mostrare il prodotto; magari lasciare spazio per per le scritte e che si adatti alle proporzioni della cartolina o della pagina o della pagina della rivista su cui su cui verrà stampata.

Anche le immagini di cronaca sono diverse. In questo caso è spesso necessario racchiudere un evento in quello che sarà lo scatto finale pubblicato. scatto finale pubblicato. Il momento dell’espressione o dell’azione deve riassumere la situazione, anche se è possibile colorare il reportage scegliendo cosa, quando e da dove scattare. Fino a poco tempo fa si riteneva che i fotografi fossero osservatori imparziali, che documentavano gli eventi mentre si svolgevano. La realtà è un po’ diversa, perché nessuno può essere completamente imparziale.
I fotografi hanno le loro convinzioni (sociali, culturali, politiche o religiose) e i loro pregiudizi.

Se si fotografa una manifestazione da dietro una linea di polizia, si può mostrare una folla minacciosa; se si fotografa dalla parte anteriore della folla, si mostra un’autorità repressiva. Avete un potere simile potere quando si ritrae il volto, ad esempio, di un politico o di uno sportivo. L’espressione di una persona può cambiare tra tristezza, gioia, noia, preoccupazione, arroganza e così via, il tutto nell’arco di pochi minuti. Fotografando uno solo di questi momenti ed etichettandolo con una didascalia che riporta l’evento, non è difficile alterare la verità; pertanto il fotografo ha la responsabilità di riconoscere le proprie convinzioni e i propri pregiudizi.

Queste sottili distinzioni dimostrano come i fotografi abbiano sempre manipolato lo spettatore. La facilità con cui la manipolazione digitale può aggiungere o rimuovere elementi dell’immagine senza soluzione di continuità, ha messo a tacere il vecchio adagio, che non è mai stato vero, della “verità fotografica” e del “la macchina fotografica non può mentire”.

La fotografia può fornire informazioni nel tipo di immagini utilizzate per la formazione, la medicina e varie forme di prove scientifiche. In questo caso si può davvero sfruttare l’eccezionale dettaglio e chiarezza del mezzo e il modo in cui le immagini comunicano a livello internazionale, senza la barriera linguistica della parola scritta. Tuttavia, anche in questo caso la storia della fotografia è piena di esempi di immagini “scientifiche” manipolate per fornire prove delle convinzioni del fotografo. Alcune fotografie della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo, ad esempio, sono state utilizzate per dimostrare che i tratti umani erano individuati nei tratti del viso degli individui e che i criminali, gli omosessuali, i malati e i malati di mente erano sottoposti allo sguardo di controllo dell’obiettivo fotografico. Lo scopo era quello di identificarli facilmente e di rimuoverli dalla società in una forma di istituto o in un’altra, lasciando così una razza “pura”.

Oggi ci sono ancora alcuni tipi di fotografia che si basano sulla differenza, spesso visitatori che fotografano in luoghi esotici in vacanza – il piccolo mendicante indiano o un abitante della tribù africana – o anche più vicino a noi, i senzatetto. Questi e altri soggetti, come porte e finestre, forme di degrado come cimiteri, sfasciacarrozze e persino graffiti, affascinano il fotografo per un motivo o per l’altro. Chi si avvicina per la prima volta alla fotografia dovrà farsi strada tra le cose ovvie e capire come si può definire il motivo per cui si fotografa.

A un altro livello, le fotografie interamente decorative per i calendari o le illustrazioni editoriali (immagini che accompagnano gli articoli delle riviste) possono comunicare la bellezza in sé – la bellezza del paesaggio, la bellezza umana, la forma naturale o la bellezza vista nelle cose ordinarie e quotidiane. La bellezza è una qualità molto soggettiva, influenzata da atteggiamenti ed esperienze. Ma qui c’è la possibilità di mostrare il proprio modo di vedere e di reagire attraverso una fotografia che produca una risposta simile negli altri. Se si esagera, è facile che diventi “carino” e stucchevole, eccessivo, stereotipato e consapevole.

Tuttavia, non sempre le fotografie hanno lo scopo di comunicare con altre persone; potreste essere alla ricerca di auto-appagamento e auto-espressione, e potrebbe essere indifferente per voi se gli altri leggono informazioni o messaggi nei vostri risultati – o se li vedono affatto. Alcune delle immagini più originali della fotografia sono state prodotte in questo modo, totalmente libere da convenzioni commerciali o artistiche, spesso frutto dell’ossessione privata e personale di qualcuno. Ne troverete esempi nella fotografia di Jo Spence, Diane Arbus, Nan Goldin, Wolfgang Tillmans, Joel-Peter Witkin, Hans Bellmer e Hilla Becher.

Ci sono molti altri ruoli che le fotografie possono svolgere: miscele di fatti e azioni, arte e scienza, comunicazione e non comunicazione. La fotografia ha svolto un ruolo importante nella definizione di alcuni movimenti artistici come il surrealismo, dove il gioco della natura reale o presunta oggettiva della fotografia viene utilizzato con effetti sorprendenti. Ricordiamo inoltre che la fotografia non è necessariamente l’ultimo anello della catena tra soggetto e spettatore. Editori, curatori d’arte e organizzatori di mostre amano imporre la propria volontà sulla presentazione finale. Le immagini vengono ritagliate, le didascalie vengono scritte e aggiunte, l’impaginazione colloca un’immagine in relazione ad altre. Ognuno di questi atti può rafforzare, indebolire o distorcere ciò che il fotografo sta cercando di mostrare. Siete alla mercé di persone “più in là nel tempo”. Possono persino sabotarvi anni dopo, prendendo una vecchia foto e facendole fare nuovi trucchi.

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Il segreto di oggi, quindi, non è offrire semplici foto “stock”, ma piuttosto contenuti che possano essere utilizzati in diverse circostanze da realtà anche molto diverse fra loro per parlare di argomenti comuni. La differenza sta tutta nell’attrattiva estetica dello scatto, ma anche nell’evitare quella semplicità talvolta davvero banale e anonima a cui ci siamo abituati in una prima versione delle foto “stock”.

Prima di tutto questo, però, facciamo un salto indietro: di cosa stiamo parlando e dove si trovano le foto stock?

I siti conosciuti di stock images

Alcuni siti famosi come Shutterstock, iStockPhoto, Dreamstime e altri hanno cominciato ad offrire dei servizi utili ad aziende e blogger, mettendo a disposizione un comparto di foto e immagini molto vasto, scaricabili e utilizzabili per qualsiasi fine a patto di pagare l’abbonamento al sito che fa da host.

In breve tempo questa tendenza ha attratto molti giovani e meno giovani nel proporre le proprie immagini e, in cambio, ricevere un pagamento per qualsiasi persona che usava i loro scatti per qualsiasi motivo. Questo ha portato ovviamente alla comparsa di un numero d’immagini enorme per alcuni settori e molto meno per altri argomenti più di nicchia, che quindi riservano ancora un potenziale di guadagno elevato per qualsiasi aspirante fotografo. Quali sono questi settori?

I settori meno inflazionati per le foto stock

La lista non è ovviamente una classifica, ma una semplice analisi delle nicchie meno sfruttate finora dai fotografi “stock”.

Tecnologia e terza età

Impossibile non cominciare citando l’incredibile assenza del connubio terza età/tecnologia. Le generazioni che ci hanno preceduto staranno ancora faticando ad adattarsi a questo mondo sempre più digitale, ma non sono certo poche le occasioni in cui si possono utilizzare immagini dove anche i meno giovani si godono un po’ di musica con le cuffie, o magari sono intenti a scrivere con la tastiera, senza parlare della famosa “terza giovinezza” di molti anziani che rimangono attivi, senza cedere al tempo che scorre.

Progetti DIY

Complice la pandemia di COVID-19, i progetti DIY sono ormai uno degli argomenti più affrontati su moltissimi blog. Avere una buona selezione di immagini da utilizzare nei progetti faidate o articoli con questo tema significa attrarre molti clienti, magari interessati proprio a hobby non comuni e immagini creative.

Salute mentale e benessere sociale

Pensare che la pandemia abbia portato soltanto progetti DIY e pizza o panini fatti in casa sarebbe davvero ingenuo. Grazie alla sempre maggiore consapevolezza sociale, aiutata da eventi non esattamente positivi, oggi articoli e contenuti sulla salute mentale e la cosiddetta “social awareness” si sono moltiplicati, finalmente sdoganando fastidiosi tabù riguardanti la cura della salute mentale, che non deve mai essere in secondo piano, proprio come la cura del corpo.

I trend legati a questi argomenti sono inoltre sempre più importanti: l’uguaglianza è un tema che, fortunatamente per tutti, non accenna a diminuire in importanza insieme alla diversità culturale. Queste tre “macro categorie” sono quindi una grande fonte in cui inserire foto di alta qualità, utilizzabili in determinati contesti.

Relax e ufficio

Mentre i Millennial prendono posto come la maggioranza della forza lavoro attuale, il relax e la vita di ufficio si mescolano, facendo diventare la consapevolezza di sé un tema sempre più studiato, insieme alle “best practices” per vivere la vita lavorativa.

Per questo mostrare immagini di scrivanie organizzate, agende e mischiarle con un generale senso di rilassatezza è una nicchia incredibilmente proficua, così come il lavoro con metodi alternativi. Non c’è niente di meglio che vedere una persona fare yoga con in lontananza il piccolo camper con cui gira il mondo, lavorando dal suo laptop.

In alternativa, comunque, i cosiddetti “flat lay”, ovvero gli oggetti disposti su un piano e fotografati dall’alto, continuano a fare furore in qualsiasi contesto, specialmente social.

Gioco online e giochi d’azzardo virtuali

Legate al relax e al divertimento sono anche la categoria dei giochi virtuali e il gambling online. La crescita esponenziale dei giocatori sui siti di casinò e poker, grazie anche alla diffusione di metodi di pagamento online come Paypal, ha aumentato la richiesta per questo tipo di fotografie e video davvero a livelli mai visti prima. Non solo articoli e contenuti specializzati, ma anche sfondi, background e molto altro che può essere utilizzato per banner pubblicitari e qualsiasi cosa: per avere un esempio lampante possiamo fare un controllo dall’elenco di time2play.com e capire quali siti utilizzano questi contenuti, creandone immagini realizzate professionalmente, una mancanza davvero sentita all’interno di questi settori e quelli dei vari Esports.

Stili retrò, vintage e “negativo”

Non ultima, una strategia di marketing sempre più comune: giocare sull’effetto “nostalgia”. Tuttavia il vintage, il retrò e il famoso “spazio negativo” stanno conquistando il web tra contenuti specifici e post filosofici. Le fotografie stock che sanno sfruttare questi trend possono essere le uniche sul mercato, almeno per un po’, con il conseguente vantaggio e ritorno economico. Fondere immagini prese con un drone al vintage, inoltre, è un modo certo per dare un tocco incredibile a qualsiasi foto, facendola sembrare presa da un elicottero, proprio come si faceva nei decenni passati.

In conclusione, speriamo che questa lista vi aiuti a fare chiarezza su quali generi proporre su un sito di stock image e… buona fortuna!

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Cos’è l’ETTR?

L’ETTR è un metodo di esposizione delle foto che consiste nel catturare quanta più luce possibile, senza far saltare le aree importanti di un’immagine.  È anche conosciuto come esposizione digitale ottimale.

Alcuni fotografi pensano erroneamente che l’ETTR implichi scattare foto che “sembrano troppo luminose” e poi scurirle in post-processing. Questo non è sempre il caso, però. Molte foto che sono esposte correttamente a destra sembreranno scure fuori dalla macchina fotografica. Questo perché un principio centrale dell’ETTR è quello di evitare di sovraesporre i dettagli critici delle luci.

L’immagine seguente è esposta a destra; in altre parole, cattura quanta più luce possibile senza sovraesposizione:

Ma lo è anche questa immagine, dato che è anche l’esposizione più luminosa possibile che non fa saltare nessuna luce importante (quelle nuvole sono appena recuperabili):

È fondamentale capire perché entrambi i casi sono propriamente ETTR se si vuole capire l’esposizione digitale ottimale – incluso come implementare la tecnica di misurazione spot in questo articolo. (Se non è ancora chiaro perché entrambi i campioni sopra sono ETTR, controlla l’articolo sul mito dell’esposizione a sinistra).

Problemi con la solita tecnica ETTR

Esporre nel modo giusto può sembrare semplice – stai semplicemente catturando quanta più luce possibile senza soffiare via nessun dettaglio importante – ma trovare questo equilibrio nella pratica non è sempre facile.

Per esempio, se il sole è nella tua foto, spesso sarà spazzato via, senza alcun dettaglio in nessuno dei canali di colore. Questo non è un problema, però; ciò che si sta davvero cercando di evitare con l’ETTR è l’eliminazione di importanti dettagli delle luci. Finché non ti dispiace se il sole è completamente bianco nella tua foto, non è rilevante per questa discussione – tranne per il fatto che influenza l’istogramma e rende il resto della foto molto più difficile da giudicare.

Il seguente istogramma può sembrare sovraesposto, con un picco sul bordo destro:

Ma in realtà non lo è, perché quel picco corrisponde al sole in questa immagine correttamente esposta:

Poiché la maggior parte dei fotografi giudica l’ETTR in base all’istogramma della loro fotocamera, questo presenta un po’ un problema. L’istogramma può sembrare sovraesposto, ma niente di importante nell’immagine è effettivamente bruciato.

Questo è il motivo per cui molti fotografi raccomandano di guardare anche i “blinkies” della tua fotocamera – quei piccoli indicatori lampeggianti in bianco e nero per individuare dove si sta verificando la sovraesposizione.

Ma anche questi sono una soluzione imperfetta. Come avrete probabilmente capito se usate spesso i blinkies, sono generalmente troppo sensibili a ciò che conta come “sovraesposizione”. Spesso, le aree luminose sono recuperabili anche quando i blinkie dicono che sono spente. Alcune fotocamere recenti permettono di regolare il livello di sensibilità per essere più severi, ma molte non lo fanno.

Infine, un grosso problema con i blinkies e gli istogrammi è che dipendono dalle impostazioni di controllo dell’immagine JPEG, anche quando si scatta in RAW (cosa che, ovviamente, si dovrebbe fare). Per esempio, quando si usano impostazioni JPEG a contrasto progressivamente più alto, l’istogramma e i blinkies mostreranno la sovraesposizione sempre più presto, anche se la foto RAW sottostante non cambia.

Puoi aggirare questo problema in una certa misura impostando un contrasto ultra-basso e controlli dell’immagine “piatti” – ma anche allora, a meno che tu non sia ad un’impostazione specifica di bilanciamento del bianco (nota come UniWB), l’istogramma non corrisponderà ancora a quello della tua foto RAW!

Alla fine, ottimizzare completamente l’istogramma nella fotocamera non è un processo facile. Comporta l’impostazione dei tuoi JPEG per avere un contrasto ultra-basso, così come il valore di “tinta” massimamente verde, portando a delle anteprime JPEG che non assomigliano quasi per niente a come apparirà la tua immagine finale. (Certo, si può mitigare un po’ questo – e anche potenzialmente estendere la gamma dinamica del vostro sensore – utilizzando un filtro magenta CC30 o CC40 sulla parte anteriore del vostro obiettivo. Ma sospetto che potrei contare il numero di fotografi che lo fanno regolarmente su una mano).

Invece – anche se ha i suoi problemi – il metodo ETTR che sto per descrivere tende ad essere più preciso dei soliti metodi di istogramma e blinkies, senza gli stessi compromessi dell’anteprima JPEG. A seconda del vostro stile fotografico, potreste trovarlo preferibile.

ETTR tramite misurazione spot

Per implementare la mia tecnica ETTR preferita, devi prima passare alla misurazione spot. Dopodiché, è necessario misurare a punti la parte più luminosa della foto e aggiungere una quantità significativa di compensazione dell’esposizione positiva. La chiave è capire con quanta compensazione dell’esposizione positiva si può andare avanti, pur essendo in grado di recuperare tutti i dettagli delle luci in post-processing. Questo dipende dalle caratteristiche del sensore della tua particolare fotocamera.

Ecco il processo esatto:

1. Fai lo spot meter sulla parte più luminosa della tua scena. Potrebbero volerci alcuni momenti per capire quale sia (specialmente se ci sono diverse regioni luminose e non sei sicuro di quale sia la più luminosa), ma diventerai più veloce con la pratica.
2. Dato che la tua macchina fotografica sta cercando di posizionare quei punti salienti al grigio medio, hai bisogno di esporre diverse fermate più luminose di quello che ti sta dicendo l’esposimetro. Il valore specifico di +EV è qualcosa che puoi trovare abbastanza facilmente per la tua fotocamera (ti mostrerò come farlo tra un momento), ma qualcosa nella gamma da +2 a +3 EV è circa tipico.
3. Indipendentemente da quale sia il valore +EV, userai lo stesso ogni volta. Scattate la foto e post-processate come fareste normalmente per uno scatto ETTR.

Il vantaggio di questo metodo è la sua coerenza. Una volta che hai stabilito quanto recupero delle alte luci può fare la tua macchina fotografica, sarai in grado di usare questa tecnica su un’ampia varietà di scene – dal basso all’alto contrasto – e ottenere un’esposizione ottimale.

Con la mia Nikon D800e, per esempio, ho capito che potevo sempre recuperare le informazioni sulle luci quando erano 2,7 stop sopra il grigio medio (cioè +2 2/3 EV). Quindi, il mio processo con quella fotocamera era quello di misurare il punto più luminoso nella mia foto e aggiungere 2,7 stop di compensazione dell’esposizione (o aumentare la velocità dell’otturatore di 2,7 stop in modalità manuale). E questo è tutto quello che c’è da fare! Penso che questa tecnica sia abbastanza facile nella pratica, anche se ci vuole un attimo per descriverla qui.

Si noti inoltre che questo metodo non richiede di scegliere determinate impostazioni JPEG o uno specifico bilanciamento del bianco per funzionare correttamente. Questo perché nessuno dei controlli dell’immagine JPEG altera il funzionamento dell’esposimetro della tua fotocamera (a parte Active D-Lighting sulle fotocamere Nikon, che dovresti sempre disattivare). Questo è un bel vantaggio e ti permette una maggiore flessibilità nella scelta delle impostazioni dell’anteprima JPEG.

Foto di esempio del mondo reale

Dai un’occhiata al campione qui sotto. La regione più luminosa qui è abbastanza chiaramente al centro di una nuvola sul lato destro:

Con la misurazione spot selezionata, ho spostato il mio punto di messa a fuoco sul centro della nuvola. (Ho fatto questo in live view, che di solito uso per la fotografia di paesaggio, ma funziona anche quando si scatta attraverso il mirino). La fotocamera ha raccomandato un’esposizione che non andava bene (troppo scura).

Tuttavia, sapevo da precedenti test  che potevo recuperare 2,7 stop di esposizione oltre il grigio medio. Così, ho aumentato la mia esposizione di +2,7 stop, e la mia immagine RAW ottenuta è quella qui sopra.

Questa è la corretta esposizione ETTR. Anche se a prima vista può sembrare sovraesposta, ecco l’istogramma RAW di questa foto:

Come si può vedere, anche se il dettaglio di luce è proprio vicino al bordo, nessuno di essi è effettivamente toccato. Di conseguenza, tutti i dettagli di luce sono recuperabili in questa immagine. Quando diminuisco il cursore “highlights” in Lightroom e faccio il mio solito post-processing, ecco come appare l’immagine finale:

Successo! Non solo questa immagine è nitida, con un’alta qualità d’immagine nel senso tradizionale, ma beneficia anche del rumore e della gamma dinamica grazie alla mia esposizione ottimale ETTR. E anche nessuna delle luci è bruciata.

Trovare la capacità di recupero delle luci della tua fotocamera

L’unico punto mancante al momento è capire la quantità di recupero delle alte luci che puoi aspettarti sulla tua fotocamera. Nel caso della mia D800e, era di 2,7 stop, ma qualsiasi cosa nell’intervallo da 2 a 4 stop vale la pena di essere testata solo per vedere come appare.

Testare il recupero dei punti salienti è abbastanza facile.

1. Trova o allestisci una scena con un’illuminazione uniforme, dove l’elemento più luminoso ha una modesta quantità di consistenza e un po’ di colore – per esempio, una pianta sotto luci da studio diffuse.
2. Fai uno spot meter sulla parte più luminosa del tuo soggetto e scatta una foto di riferimento con le impostazioni raccomandate dalla fotocamera.
3. Aumentate l’esposizione (usando un tempo di posa più lungo) e scattate una serie di foto da +2 EV a +4 EV più luminose della foto di riferimento, con incrementi di 1/3, per un totale di sette immagini di prova.
4. Apri le foto nel tuo software di post-elaborazione e cerca di recuperarle per farle corrispondere alla foto di riferimento.
5. Se il colore si sposta significativamente o le luci diventano grigie quando si recupera l’immagine, significa che è sovraesposta. (Anche se assicurati che l’impostazione del bilanciamento del bianco sia uniforme in tutte le immagini).
6. La foto più luminosa che non è sovraesposta rappresenta la vostra gamma di recupero delle luci. Nel caso della mia D800e, era l’immagine a +2,7 stop.
7. Provate questo +EV con diversi soggetti – specialmente i tipi di soggetti che fotografate comunemente – per assicurarvi di ottenere risultati costantemente recuperabili con questo valore.

Poiché anche un leggero spostamento di colore è sufficiente a squalificare la foto, la gamma di recupero delle alte luci nel mondo reale sulla D780 è circa la stessa di quella della D800e: 2,7 stop. Se avessi scelto un soggetto praticamente privo di texture, come un ColorChecker Passport, forse avrei potuto recuperare l’immagine a +3,0 o forse anche a +3,3 EV. Ma questo test ha lo scopo di darvi una guida pratica per la fotografia del mondo reale, quindi una foglia sotto una luce delicata è un soggetto migliore di un campione di colore piatto.

Grazie a questo test, quando uso la D780, ora so che ho solo bisogno di fare lo spot meter sulla parte più luminosa del mio fotogramma, aggiungere +2,7 stop di compensazione dell’esposizione e scattare la foto. È un modo semplice e veloce per esporre nel modo giusto.

Svantaggi di questo metodo

Per quanto questo metodo possa essere utile e facile da attuare, non è perfetto. Uno dei problemi principali è che aggiunge semplicemente del tempo al processo fotografico. Questo è particolarmente vero perché non è sempre immediatamente ovvio quale parte della vostra foto è la più luminosa, e capire la risposta (scansionando il vostro spot meter attraverso l’inquadratura) può richiedere del tempo sul campo. Quindi, raccomando davvero questo metodo solo se state scattando un soggetto non in movimento da un treppiede, come la fotografia di paesaggio o di architettura.

Oltre a questo, l’implementazione della misurazione spot da parte della fotocamera stessa può causare alcuni problemi. In particolare, la misurazione spot non misura un punto infinitesimalmente piccolo; invece, fa la media delle letture da una scatola relativamente piccola, circa la dimensione di un punto di messa a fuoco. Se il tuo soggetto ha delle texture molto forti, come i granelli di sabbia da vicino, questa lettura media potrebbe non essere effettivamente vicina alle luci più luminose della tua foto. Quindi, si potrebbe finire per sovraesporre accidentalmente. (Lo stesso vale se l’elemento più luminoso è di dimensioni più piccole rispetto al punto di misurazione spot, come un contorno sottile intorno a un soggetto retroilluminato).

Ecco perché questo metodo non è sempre ideale, e dovrebbe essere combinato con il metodo dell’istogramma/blinkies nei casi difficili. Tuttavia, per le situazioni comuni – specialmente la fotografia di paesaggio con un cielo luminoso – ho trovato più facile ottenere esposizioni ETTR coerenti con questo metodo che con qualsiasi altra tecnica.

In caso di dubbio, inoltre, puoi sempre scurire leggermente la foto e andare con un valore più sicuro per la tua compensazione dell’esposizione – diciamo, +2,3 stop piuttosto che +2,7.

Conclusione

Se hai trovato difficile ottenere risultati coerenti con l’ETTR, forse questa tecnica di misurazione spot ti aiuterà.

Personalmente, questo è il mio attuale metodo di ETTR per la fotografia di paesaggio, e ora uso l’istogramma/blinkies solo come guide supplementari per esposizioni più difficili. Il metodo di misurazione spot dell’ETTR è più preciso e accurato che cercare di valutare l’istogramma/blinkies, almeno per la maggior parte dei soggetti. Significa anche che non devi preoccuparti di usare uno stile Picture Control ultrapiatto o UniWB, quindi l’anteprima sulla tua fotocamera ora può assomigliare di più all’immagine finale.

Questo non vuol dire che questo sia il metodo perfetto, né che sia giusto per tutti. Anche se è utile per voi, tenete a mente che l’ETTR in generale è abbastanza in basso nella lista delle cose di cui dovreste preoccuparvi come fotografo, e questa tecnica è ancora più esoterica del normale ETTR. Gioca sicuramente in secondo piano (o terzo, o quarto, ecc.) rispetto a cose come la luce, il soggetto e la composizione.

Ma per quelli di voi che stanno cercando di ottenere ogni bit di qualità dell’immagine dalla vostra macchina fotografica, spero che abbiate trovato questo saggio utile e informativo! Se avete domande, fatemelo sapere qui sotto.

L'articolo Il metodo di misurazione a punti per un ETTR preciso proviene da Fotografare in Digitale.

Cos’è il formato HEIF?

HEIF sta per High-Efficiency Image File format, che è fondamentalmente un contenitore in grado di memorizzare un’immagine o una sequenza di immagini in un unico file. Progettato per essere estremamente leggero ed efficiente, il formato HEIF può memorizzare le immagini con un rapporto di compressione molto alto che è circa due volte più efficiente di un’immagine JPEG di qualità equivalente. HEIF è basato sullo standard HEVC (High Efficiency Video Coding).

Essendo un contenitore, può essere usato per memorizzare sequenze di immagini, come un’animazione GIF o una sequenza HDR.  Il formato HEIF è stato sviluppato dal Moving Picture Experts Group (MPEG), sotto lo standard ISO / IEC 23008-12 nel 2015. Da allora, è stato adottato da un certo numero di produttori, tra cui Apple, Microsoft e Canon. Apple ha introdotto HEIF come formato predefinito di immagini e video in iOS 11 utilizzando la variante HEIC, che ha spinto le aziende a supportarlo nel loro software, tra cui Adobe.

Le immagini fisse memorizzate in formato HEIF hanno un’estensione di file .heif, mentre le sequenze di immagini hanno un’estensione .heifs. A seconda della variante e del codec usato (vedi più sotto), le estensioni possono cambiare. La variante più comune oggi è HEIC, che usa il formato video HEVC / H.265 per comprimere il contenuto.

Memorizzazione dei dati HEIF

Rispetto ai formati di immagini semplici come JPEG, il formato HEIF è in grado di memorizzare molti tipi diversi di immagini e dati, tra cui:

• Immagini individuali e miniature di immagini
• Sequenze di immagini (animazione, sequenze HDR e panoramiche, riprese a raffica, ecc.)
• Istruzioni per la post-elaborazione
• Metadati dell’immagine, come i dati EXIF

In questo senso, è molto versatile, poiché può combinare la potenza di diversi formati di immagine come JPEG, PNG e GIF in un unico file, mantenendo un’alta qualità dell’immagine.

Codifica video ad alta efficienza (HEVC)

High Efficiency Video Coding (HEVC), noto anche come H.265, è uno standard di compressione video che offre livelli di compressione dati fino al 50% migliori rispetto al suo predecessore H.264. La prima versione di HEVC è stata approvata per la standardizzazione nel 2013, e l’ultima versione 4 di HEVC è stata approvata come standard ITU-T alla fine del 2016. Da allora, HEVC è stato ampiamente adottato da molte aziende di software e hardware. Oggi, la maggior parte delle moderne CPU e GPU sono in grado di codificare / decodificare hardware il contenuto HEVC.

HEVC è usato come codec predefinito in HEIF, motivo per cui i file risultanti sono molto più piccoli rispetto ad altri formati. Apple usa HEVC esclusivamente per il suo contenuto HEIF, che va sotto il nome di “High Efficiency Image Coding” (HEIC).

Codifica dell’immagine ad alta efficienza (HEIC)

Come sottolineato in precedenza, ci sono diverse varianti di HEIF, che possono essere utilizzate per memorizzare immagini, sequenze di immagini o video utilizzando diversi codec. La variante che Apple utilizza nei suoi sistemi operativi iOS e macOS è High Efficiency Image Coding (HEIC), che utilizza HEVC / H.265 per la compressione dei contenuti. Per differenziare i file di immagini e sequenze di immagini dai contenuti video nei suoi dispositivi, Apple utilizza l’estensione di file .heic. Per i contenuti video codificati in HEVC, Apple continua ad usare l’estensione di file .mov.

HEIC vs JPEG

È importante sottolineare che HEIC ha molti vantaggi rispetto a JPEG. Mentre JPEG produce sempre immagini in perdita a 8 bit (anche alla massima qualità), HEIC può memorizzare immagini fino a 16 bit, con o senza perdita. Questo rende HEIC simile nel suo potenziale al file RAW originale, qualcosa con cui JPEG non può nemmeno lontanamente competere. E la cosa migliore è che può memorizzare tutti questi dati in modo molto efficiente, risultando in dimensioni di file relativamente piccole. Quanto piccole? Diamo un’occhiata.

Per confrontare HEIC con il formato JPEG, ho preso cinque immagini molto dettagliate che ho catturato con il mio iPhone 11 Pro Max. Poiché Apple converte le immagini in HEIC usando un’impostazione di qualità molto alta (circa l’ottava barra nel cursore Qualità), ho convertito tutte le immagini usando la stessa impostazione di qualità JPEG. Per assicurarmi che non ci sia una perdita di qualità, ho caricato entrambi i file in Photoshop e li ho visualizzati con uno zoom del 100% – sembravano identici, senza artefatti aggiunti su entrambe le immagini. Date un’occhiata al seguente prima/dopo dei due:

Come potete vedere, non c’è alcuna differenza visiva tra i due se non nella dimensione ridotta dell’HEIC (si scende da 27Mb per il JPEG a 16,8Mb per HEIC). Come potete vedere, il risparmio di spazio con i file HEIC è abbastanza significativo. I file JPEG risultanti erano del 60% più grandi in confronto – è un bel po’ di spazio sprecato!

Avendo precedentemente esaminato tutte le mie immagini JPEG con JPEGmini Pro e ridotto significativamente le loro dimensioni, volevo vedere che tipo di risparmio di file avrei potuto ottenere se avessi usato questo strumento sopra i suddetti file JPEG. La dimensione si sarebbe ridotta a soli 14,9Mb.

JPEGmini è stato in grado di ottimizzare i file JPEG anche meglio della compressione HEVC di HEIC, il che è piuttosto impressionante. Questo dimostra che se avete un mucchio di immagini JPEG che volete rendere più piccole, potrebbe essere meglio usare JPEGmini, invece di preoccuparsi di convertire i vostri file JPEG in HEIC.

Ma se i tuoi file originali sono già in formato HEIC, è probabilmente meglio tenerli così come sono. Apple usa un’impostazione di qualità abbastanza alta con i file HEIC, che è approssimativamente equivalente all’ottava barra nel cursore Qualità dell’applicazione Anteprima.

Compatibilità HEIF

La buona notizia è che sia Apple che Microsoft forniscono supporto per l’HEIF nei loro sistemi operativi, quindi aprire i file e visualizzarli non dovrebbe essere un problema.

Tutti i dispositivi iOS caricati con iOS 11 e successivi sono in grado di decodificare via software i contenuti HEIF e le immagini HEIC. Tuttavia, solo i dispositivi con il chip A9 di Apple e successivi sono in grado di decodificare hardware i contenuti HEIF. Per decodificare hardware le immagini HEIC e i contenuti video a 8 bit su un Mac, è necessario utilizzare le CPU Intel di sesta generazione e più recenti, mentre i contenuti video a 10 bit richiedono CPU Intel di settima generazione e più recenti.

Se usi un PC, dovrai usare Windows 10 e aggiornarlo a April 2018 Update o superiore per essere in grado di decodificare via software il contenuto HEIF.

La cattiva notizia è che il supporto per i browser internet e gli strumenti di post-processing di terze parti sta arrivando piuttosto lentamente. A meno che non usiate un’applicazione popolare come Lightroom o Affinity Photo, potreste dover aspettare che il supporto HEIF sia fornito nel vostro software preferito. Nel frattempo, dovrai usare strumenti di conversione nativi e di terze parti per convertire i file HEIF in un formato comune come JPEG.

Supporto del sistema operativo

I seguenti sistemi operativi supportano il contenuto HEIF:

• Android 9 Pie e più recente
• Apple iOS 11 e successivi
• Apple macOS High Sierra e successivi
• Microsoft Windows 10 April 2018 Update (1803) e successivi

Si noti che mentre Microsoft fornisce il supporto per i file HEIF in Windows 10, è necessario acquistare questa estensione per 0,99 euro per essere in grado di software e hardware-decodificare il contenuto compresso HEVC.

Supporto del browser

Sfortunatamente, nessuna versione di browser oggi supporta il formato HEIC. L’unico modo per visualizzare le immagini HEIC è quello di installare estensioni di terze parti su browser come Firefox e Chrome.

Supporto per le applicazioni di post-elaborazione

Il seguente software di post-elaborazione ha un supporto incorporato per poter leggere e modificare le immagini HEIC:

• Adobe Lightroom CC 1.5 e successivi
• Adobe Lightroom Classic CC 7.5 e successivi
• Adobe Photoshop 21.2.1 e più recente
• Adobe Photoshop Elements 2020 e successivi
• Affinity Photo
• GIMP 2.10.2 e successivi
• Pixelmator 3.7 e più recente
• Zoner Photo Studio X e successivi

Nota che il supporto HEVC / H.265 per i file video è fornito in Lightroom CC 2.0 e Lightroom Classic CC 8.0 e versioni più recenti.

Come convertire HEIC in immagini JPEG

Se hai un’immagine HEIC e hai bisogno di convertirla in un’immagine JPEG, puoi usare uno qualsiasi degli strumenti di post-elaborazione di cui sopra per aprire l’immagine HEIF sorgente, poi semplicemente esportarla come file JPEG.

Se usi un Mac, puoi facilmente convertire in batch le immagini HEIC in JPEG usando l’applicazione Anteprima. Seleziona semplicemente il gruppo di immagini che vuoi convertire, aprile nell’applicazione Anteprima, poi seleziona tutte le immagini premendo CMD + A. Da lì, vai su File -> Export Selected Images… clicca sul pulsante Options, seleziona “JPEG” nel campo a discesa Format, scegli il tuo livello di qualità e clicca sul pulsante “Choose” per esportare in una cartella specifica:

Se usi un PC, ci sono una serie di strumenti software gratuiti come il convertitore HEIC di iMazing che puoi scaricare per convertire le immagini HEIC.

In alternativa, puoi usare convertitori online gratuiti per convertire immagini HEIC in JPEG. Ma devi stare attento: molti di essi rimuovono i dati EXIF originali dalle immagini HEIC di origine. Noi raccomandiamo di usare il servizio HEICtoJPG.com, che è stato sviluppato dagli stessi che hanno fatto JPEGmini. Questo strumento di conversione gratuito non solo convertirà le immagini HEIC, ma comprimerà anche il file JPEG risultante usando il motore JPEGmini, mantenendo i dati EXIF completi.

HEIF vs JPEG: in conclusione

Senza dubbio, HEIF è una scelta eccellente rispetto a JPEG, GIF, PNG e altri formati di immagine. È un formato versatile, perché permette di memorizzare tutti i tipi di media – da immagini singole e sequenze, a video. Grazie ai superbi livelli di compressione di HEVC / H.265, i file HEIF finiscono per essere significativamente più piccoli rispetto ad altri formati di immagine come JPEG, o formati video precedenti come H.264, pur mantenendo gli stessi o migliori livelli di qualità delle immagini.

È bello vedere che Apple, Canon, Fuji e altri produttori si stanno muovendo per adottare il formato HEIF. Non vedo l’ora di vedere altri produttori di fotocamere implementare HEIF nei loro dispositivi in futuro. Mi piacerebbe anche vedere il supporto nativo dei browser per i file HEIF, in modo da poter iniziare la transizione dal limitato formato JPEG.

L'articolo Il formato HEIF proviene da Fotografare in Digitale.

Una delle aree chiave con cui molti fotografi spesso lottano, specialmente quando iniziano, è la messa a fuoco. Essere in grado di acquisire correttamente la messa a fuoco su un soggetto o una scena è fondamentale per assicurarsi che la fotografia sia nitida dove deve essere. È qui che entra in gioco la messa a fuoco con il pulsante posteriore.

Introduzione: messa a fuoco sul pulsante posteriore

La messa a fuoco critica è uno degli elementi più cruciali che attribuiamo a una buona fotografia. Questo è particolarmente vero nel mio campo della fotografia naturalistica e della fauna selvatica, dove l’accuratezza della messa a fuoco di solito fa o rompe una fotografia altrimenti buona. Una comprensione di base del sistema di messa a fuoco di una macchina fotografica è fondamentale all’inizio del nostro viaggio fotografico, ma spesso trovo che una padronanza più approfondita del sistema di messa a fuoco della macchina fotografica passi in secondo piano mentre miglioriamo altri aspetti fotografici.

Parte del motivo è che oggigiorno è facile prendere una macchina fotografica e scattare immagini nitide con le impostazioni di messa a fuoco predefinite – i problemi cominciano a sorgere solo quando i nostri soggetti diventano più complicati. Che si tratti dell’occhio di una modella nella ritrattistica o del becco di un uccello in volo, la corretta messa a fuoco costituisce una parte essenziale del meccanismo narrativo della fotografia. La chiave per ottenere immagini nitide inizia con una comprensione fondamentale del sistema di messa a fuoco e delle impostazioni della tua fotocamera, ecco perché è importante capire cos’è la messa a fuoco con il pulsante posteriore e come puoi trarne vantaggio nella tua fotografia.

Cos’è la messa a fuoco sul pulsante posteriore?

In parole povere, la messa a fuoco sul retro  è una tecnica che toglie la funzione di autofocus dal pulsante di scatto e la riassegna a un altro pulsante sul retro della fotocamera. Anche se il nome suggerisce solo un pulsante sul retro della fotocamera, può essere qualsiasi pulsante fisico (a condizione che possa essere impostato per attivare l’autofocus). La maggior parte delle fotocamere digitali avanzate oggi sul mercato hanno un pulsante AF-ON dedicato che è specificamente progettato per la messa a fuoco sul retro.

Quando prendi una macchina fotografica e premi a metà il pulsante di scatto, il sistema di messa a fuoco si attiva e cerca di raggiungere la messa a fuoco sul tuo soggetto, che è il modo in cui la maggior parte delle macchine fotografiche sono impostate di default. Con un po’ più di pressione sul pulsante di scatto, l’otturatore scatta e viene catturata un’immagine. Questo processo avviene indipendentemente dalla modalità di messa a fuoco automatica impostata sulla fotocamera.

Questo significa essenzialmente che il singolo pulsante di scatto viene usato per due scopi diversi – uno per mettere a fuoco e uno per scattare una foto. Mentre si fa questo, se si applica un po’ più di pressione sul pulsante di scatto del solito, si finisce per scattare immagini indesiderate. E se il tuo soggetto è fermo e tutto quello che vuoi è mettere a fuoco e ricomporre per una migliore composizione? Certo, si potrebbe passare alla modalità One-Shot / Single Servo (AF-S), bloccare il soggetto e poi mettere a fuoco e ricomporre, ma ogni volta che si passa da un soggetto fermo a uno in movimento, è necessario ricordarsi di passare da One-Shot / Single Servo (AF-S) alla modalità AI Servo / Continuous Servo (AF-C) per essere in grado di seguire continuamente il soggetto.

Inoltre, se il tuo soggetto è fermo e la distanza tra la fotocamera e il soggetto è la stessa, dovrai spegnere l’autofocus o ricordarti di tenere premuto il pulsante di blocco dell’autofocus (se ce n’è uno) per evitare che la fotocamera acquisisca nuovamente la messa a fuoco. Alcune fotocamere ti permetteranno di continuare a premere a metà il pulsante di scatto per bloccare la messa a fuoco e mantenerla, ma se accidentalmente lasci il dito dal pulsante di scatto, sarai costretto a riacquisire nuovamente la messa a fuoco. Tutto questo complica inutilmente la tua tecnica di messa a fuoco, poiché ci sono troppe azioni e impostazioni da tenere a mente.

Spostando la funzione di messa a fuoco su un pulsante dedicato della fotocamera e usando il pulsante di scatto solo per scattare le foto, è possibile semplificare notevolmente questo processo. Ogni volta che hai bisogno di mettere a fuoco, rimettere a fuoco o seguire continuamente il soggetto, premi il pulsante di messa a fuoco. Se devi scattare una foto, premi il pulsante di scatto. Non c’è bisogno di ricordare quale modalità di messa a fuoco si sta utilizzando, perché si può sempre tenere la fotocamera in modalità AF-C. Semplicissimo.

Vantaggi della messa a fuoco del pulsante posteriore

Passiamo in rassegna tutti i vantaggi della messa a fuoco con il pulsante posteriore.

Scattare in AF-C con i vantaggi di AF-S

Il più grande vantaggio della messa a fuoco con il pulsante posteriore è la capacità di scattare in modalità AI-Servo / Continuous Servo (AF-C) con tutti i vantaggi di One-Shot / Single servo (AF-S). Dal momento che il pulsante di messa a fuoco dedicato è impegnato solo quando è necessario mettere a fuoco, si può tenere il dito fuori da esso quando è necessario bloccare la messa a fuoco e semplicemente continuare a scattare foto.

Per l’immagine qui sopra, era impossibile mettere a fuoco il volto della modella con la reflex Nikon D750, perché i punti di messa a fuoco sono distribuiti solo al centro del fotogramma. Questo significava che la tecnica di messa a fuoco e ricomposizione doveva essere utilizzata per far funzionare questa particolare composizione. Qui, la combinazione della modalità AF-C e della messa a fuoco con il pulsante posteriore ha fornito gli stessi vantaggi di quando si usa la tecnica di messa a fuoco e ricomposizione in modalità AF-S.

La tecnica di messa a fuoco con il pulsante posteriore può anche essere vantaggiosa in situazioni in cui è necessario passare rapidamente dalla ripresa di un soggetto fermo a uno in movimento.

Messa a fuoco manuale istantanea

Dato che l’autofocus della fotocamera viene attivato solo quando si preme il pulsante di messa a fuoco dedicato, è possibile prendere il controllo completo della messa a fuoco manuale sulla maggior parte degli obiettivi senza che la fotocamera sovrascriva la messa a fuoco quando viene rilasciato l’otturatore. Questo può rivelarsi incredibilmente utile per situazioni in cui il tuo soggetto è pesantemente ostruito da oggetti che impediscono al sistema di messa a fuoco di essere in grado di acquisire la messa a fuoco.

Questa fotografia di un orso Grizzly rappresenta una situazione in cui il sistema di messa a fuoco ha lottato per acquisire la corretta messa a fuoco a causa dei rami situati intorno al mio soggetto.  Dopo alcuni momenti di lotta con il sistema di messa a fuoco, il fotografo ha deciso di andare avanti e scattare foto dell’orso utilizzando la messa a fuoco manuale. Poiché stava usando la messa a fuoco sul pulsante posteriore  in quel momento, nel momento in cui ha smesso di premere il pulsante AF-ON, ha preso il controllo completo della messa a fuoco manuale senza che la fotocamera sovrascrivesse la mia messa a fuoco quando ho premuto il pulsante di scatto.

La messa a fuoco sul retro può essere molto utile anche per la fotografia notturna. Se avete provato a fotografare la Via Lattea, probabilmente sapete quanto sia importante acquisire correttamente la messa a fuoco e inquadrare il vostro scatto. Invece di passare costantemente dall’autofocus alla messa a fuoco manuale, puoi semplicemente usare la tecnica di messa a fuoco sul pulsante posteriore per acquisire la messa a fuoco, poi usare il pulsante di scatto per scattare tutte le foto di cui hai bisogno.

Ignorare le ostruzioni

I soggetti in movimento spesso confondono l’autofocus della fotocamera. Poiché l’AF-C è usato per tracciare il movimento, se qualcosa si mette in mezzo al soggetto, il sistema di messa a fuoco può tentare di agganciare l’ostacolo. Con la messa a fuoco sul pulsante posteriore, è possibile rimuovere momentaneamente il pollice dal pulsante AF-ON mentre si continua a fotografare il soggetto usando il pulsante di scatto.

Svantaggi della messa a fuoco del pulsante posteriore

Uno degli svantaggi principali della messa a fuoco sul pulsante posteriore è che richiede un’eccellente coordinazione per operare in modo fluido. Inizialmente, potrebbe essere necessario un po’ di tempo e di pratica per padroneggiare pienamente il fatto di dover premere due pulsanti per fare il lavoro che prima si faceva con uno solo.

Se c’è una vera difficoltà con la messa a fuoco sul pulsante posteriore, è quando lo si usa in condizioni di ripresa difficili dove può diventare difficile mantenere l’alta coordinazione necessaria (come quando si scatta con un obiettivo pesante o quando si è stanchi). Questo è particolarmente vero quando lo si usa in condizioni di tempo molto freddo.

L’ho sperimentato in prima persona mentre scattavo a Yellowstone durante una tempesta di neve. Dopo aver trascorso lunghe ore fuori a temperature sotto lo zero, le mie dita si sono intorpidite e ho perso la capacità di giudicare accuratamente se stavo premendo i pulsanti della mia fotocamera con la forza adeguata per attivare le loro funzioni. In tal caso, è molto più facile avere un solo pulsante che abilita la messa a fuoco e fa scattare l’otturatore della fotocamera.

Poiché in quel momento stavo usando la messa a fuoco sul pulsante posteriore, ho perso alcune foto a causa della mancata pressione del pulsante AF-ON con sufficiente fermezza. Raccomando che con il freddo o in situazioni in cui non si può essere sicuri al 100% che si stiano premendo correttamente tutti i pulsanti della fotocamera, si torni al metodo predefinito di usare il pulsante di scatto sia per la messa a fuoco che per catturare l’immagine.

Un altro aspetto negativo è che se il tuo soggetto è sempre in movimento ed è molto erratico (come un uccello in volo), semplicemente stanca il tuo pollice al punto che potrebbe valere la pena tornare a un solo pulsante. Se riprendi sempre un’azione così veloce e usi sempre il punto di messa a fuoco centrale, potresti valutare se vale la pena usare la messa a fuoco con il pulsante posteriore.

Come impostare la messa a fuoco sul pulsante posteriore della fotocamera

Fotocamere reflex  Canon e Mirrorless

Se si utilizza una fotocamera reflex Canon o mirrorless, il processo di impostazione per la messa a fuoco con il pulsante posteriore inizia con il menu delle funzioni personalizzate. A seconda del modello Canon che si sta utilizzando, il menu personalizzato sarà disposto in modo leggermente diverso, ma in tutti i modelli recenti le seguenti funzioni si trovano nel menu delle funzioni personalizzate:

1. Aprire le funzioni personalizzate nel menu
2. Scorrere fino alla schermata Controlli personalizzati
3. Nella schermata Controlli personalizzati, impostare il pulsante dell’otturatore su “avvio misurazione” (che impedisce al pulsante dell’otturatore di attivare la messa a fuoco)
4. Impostare il pulsante AF-ON su “Misurazione e avvio AF”.

Se si utilizza una reflex Nikon o una fotocamera mirrorless, il processo di impostazione per la messa a fuoco con il pulsante posteriore inizia con il menu delle impostazioni personalizzate. A seconda del modello Nikon utilizzato, il menu delle impostazioni personalizzate sarà disposto in modo leggermente diverso, ma in tutti i modelli recenti, le seguenti impostazioni si trovano nel menu delle impostazioni personalizzate:

1. Aprire il menu delle impostazioni personalizzate
2. Selezionare la scheda “Autofocus”.
3. Selezionare “Attivazione AF”.
4. Selezionare “Solo AF-ON”.

Per i modelli Nikon che non hanno un pulsante AF-ON, è necessario impostare il pulsante AE-L / AF-L nel menu Impostazioni personalizzate per utilizzarlo come se fosse un pulsante AF-ON:

1. Aprire il menu delle impostazioni personalizzate
2. Selezionare la scheda “Controlli”.
3. Selezionare “Assegnazione del pulsante AE-L/AF-L”.
4. Scorrere le diverse opzioni del menu fino a trovare “AF-ON”.
5. Quando sull’opzione “AF-ON”, selezionare “OK”.

Se usi una fotocamera mirrorless Sony, puoi anche spostare il pulsante di messa a fuoco su uno dei pulsanti. Gli ultimi modelli mirrorless hanno un pulsante dedicato “AF-ON” che puoi usare per la messa a fuoco con il pulsante posteriore.

Per prima cosa, è necessario disaccoppiare l’autofocus dal pulsante di scatto. Questo può essere fatto visitando il menu e trovando l’opzione “AF c/scatto”. Assicurati di disattivarla.

1. Premere il pulsante Menu
2. Trova il menu “AF con otturatore” e impostalo su “Off”.

Premendo il pulsante AF-ON dovrebbe ora funzionare per la messa a fuoco. Assicurati però che non sia stato precedentemente impostato per qualcos’altro. Visita il menu “Custom Key” della tua fotocamera Sony e trova l’assegnazione “AF-ON Button”. Assicurati che sia impostato su “AF On”, come mostrato di seguito:

La messa a fuoco con il pulsante posteriore sulle fotocamere Fuji viene eseguita in modo leggermente diverso da modello a modello. Ecco come si fa su alcuni degli ultimi modelli mirrorless:

1. Aprire “Set Up” nel menu
2. Selezionare “Button/Dial Setting”, scegliere Fn/AE-L/AF-L Button Setting e assegnare il pulsante AE-L o AF-L a “AF-ON”.
3. In “Button/Dial Setting”, impostare “Shutter AF” su “Off”.

Se hai una fotocamera Fuji che ha un pulsante AF-ON dedicato (come la GFX 50S o la X-H1), allora devi eseguire quanto segue:

1. Aprire “Set Up” nel menu
2. Selezionare “Function (Fn) Setting” e assicurarsi che “AF-ON” sia impostato su “AF-ON”
3. Selezionare “Button/Dial Setting”.
4. Impostare “Shutter AF” su “Off” per entrambi “AF-S” e “AF-C”.

Le fotocamere Fuji hanno un altro metodo per eseguire la messa a fuoco sul retro, permettendo a un pulsante di eseguire la messa a fuoco anche quando si passa alla messa a fuoco manuale. Ecco come impostarlo:

1. Portare la ghiera di selezione della messa a fuoco su Manuale (M).
2. Aprire “AF/MF” nel menu
3. Selezionare “Impostazione AF istantanea”.
4. Impostare “AF-C”

Se avete una fotocamera Panasonic Lumix, impostare la messa a fuoco con il pulsante posteriore è abbastanza facile:

1. Impostare il selettore “AF/AE LOCK” su: AFC.
2. Vai al menu Impostazione personalizzata
3. Impostare “Blocco AF/AE” su “AF-ON”
4. Impostare “Shutter AF” su “OFF”.
5. Impostare “Priorità di messa a fuoco/rilascio AFS/AFF” su “FOCUS”.

L'articolo Cos’è la messa a fuoco sul pulsante posteriore? proviene da Fotografare in Digitale.

Introduzione

Non importa cosa fotografi, c’è una cosa che dovresti capire sulla luce. Non tutta la luce è creata uguale. Non sto parlando della qualità della luce, ma piuttosto del colore della luce. Ciò che potresti vedere come luce bianca da fonti diverse può avere in realtà colori diversi, o ciò che viene chiamato temperatura di colore. La luce diretta del sole a mezzogiorno (che chiamerò semplicemente “luce del sole”) è considerata una temperatura di colore “normale”, quindi tutte le fonti di luce sono paragonate a questa come standard. Per esempio, la luce di una lampadina a incandescenza appare più arancione della luce del sole. Sul lato opposto dello spettro, le aree ombreggiate appaiono più blu della luce del sole. In fotografia, ci riferiamo a queste differenze come “più calde” (o più arancioni) e “più fredde” (o più blu) rispetto al nostro punto di riferimento neutro della luce solare.

Come si applica questo alla fotografia? Avete mai scattato una foto che è risultata troppo arancione o blu? Quando hai guardato la scena con i tuoi occhi, probabilmente non sembrava arancione o blu. Sembrava normale. Questo perché il nostro cervello compensa le diverse temperature di colore in modo da vedere solo colori normali.

Se sei uno sciatore o uno snowboarder, prova questo rapido esperimento: indossa i tuoi occhiali da sci e guarda la neve – dovrebbe cambiare il tono del colore. Se hai degli occhiali da sci con una tinta gialla, la neve sembrerà giallastra. Tuttavia, dopo aver sciato per un po’, i tuoi occhi e il tuo cervello si adatteranno al colore e la neve sembrerà di nuovo bianca. Quando ti togli gli occhiali da sci dopo aver sciato, la neve sembrerà di colore bluastro piuttosto che bianco puro per un po’, fino a quando il tuo cervello regolerà i colori di nuovo alla normalità. Questo esempio dimostra il fatto che siamo dotati di un sistema di colori molto sofisticato che regola automaticamente i colori in diverse situazioni di luce.

Le nostre fotocamere, d’altra parte, non compensano automaticamente le diverse temperature di colore. Invece, a meno che non si usi un’impostazione che compensi le diverse temperature di colore (di cui parleremo tra poco), le fotocamere catturano la luce e le temperature di colore che si trovano effettivamente in una scena, non quello che vedono i tuoi occhi.

Se in una macchina fotografica si usa un’impostazione sbagliata del bilanciamento del bianco, le immagini risultano innaturali, con brutte tonalità della pelle e spostamenti di colore. Ecco un esempio di bilanciamento del bianco corretto e non corretto:

Come potete vedere, l’immagine a sinistra sembra più naturale e i toni del fioresembrano buoni, mentre l’immagine a destra è troppo arancione. La seconda immagine ha chiaramente bisogno di una regolazione del bilanciamento del bianco per eliminare i toni arancioni.

Cos’è la temperatura del colore?

Parliamo un po’ di più della temperatura del colore. La temperatura del colore si misura in unità Kelvin (K) ed è una proprietà fisica della luce. C’è un ampio margine di variazione tra diverse fonti di luce, anche se sembrano essere esattamente le stesse. Per esempio, forse sei stato in una stanza con file di luci fluorescenti e hai notato che c’erano alcune lampadine di un colore leggermente diverso dalle altre. Forse erano più vecchie o di una marca diversa di lampadine, ma indipendentemente dal perché, avevano una temperatura di colore diversa dal resto delle lampadine. Allo stesso modo, la luce del sole a mezzogiorno può avere una temperatura di colore diversa da quella del tramonto.

Una temperatura di colore neutra (luce del sole a mezzogiorno) misura tra 5200-6000 K. Troverete che la maggior parte delle unità flash esterne sono impostate dalla fabbrica in questa gamma, il che significa che stanno fondamentalmente cercando di imitare la luce del sole. Una lampadina a incandescenza (calda/arancione) ha una temperatura di colore di circa 3000 K, mentre l’ombra (fredda/blu) ha una temperatura di colore di circa 8000 K. Ecco una tabella che ti dà alcune fonti di luce diverse e la loro tipica gamma di misure Kelvin:

Temperatura di colore di diverse fonti di luce

Fotograficamente parlando, le cose diventano difficili quando la scena che stai fotografando ha più fonti di luce con diverse temperature di colore. Questa situazione è conosciuta come illuminazione mista. Dai un’occhiata alle foto qui sotto:

Troppe luci da differenti angolazioni, luci diverse tra loro. Cosa che rende difficilissimo il bilanciamento del bianco: entrambe le foto infatti non sono bilanciabili in maniera ottimale.

Temperatura di colore di diverse condizioni di luce

Non sono solo le diverse fonti di luce che possono dare diverse temperature di colore. Anche diverse condizioni di luce possono avere diverse temperature di colore.

Cos’è il bilanciamento del bianco?

Ora che sai cos’è la temperatura del colore, il bilanciamento del bianco dovrebbe essere abbastanza facile da capire. Come suggerisce il nome, il bilanciamento del bianco bilancia la temperatura del colore nella tua immagine. Come lo fa? Aggiunge il colore opposto all’immagine nel tentativo di riportare la temperatura del colore alla neutralità. Invece di apparire blu o arancione, i bianchi dovrebbero apparire bianchi dopo un corretto bilanciamento del bianco dell’immagine.

In un linguaggio più semplice, il bilanciamento del bianco nella fotografia digitale significa regolare i colori in modo che l’immagine sembri più naturale. Si passa attraverso il processo di regolazione dei colori per sbarazzarsi principalmente delle colate di colore, al fine di cercare di assomigliare i colori nelle nostre immagini con la realtà.

La buona notizia è che regolare il bilanciamento del bianco è molto facile. Puoi farlo nella tua macchina fotografica, così come nel software di post-elaborazione.

Bilanciamento del bianco nella fotocamera

La maggior parte delle fotocamere ha la possibilità di impostare o regolare manualmente il bilanciamento del bianco. Le impostazioni tipiche includono “sole”, “ombra”, “tungsteno” e “fluorescente”. Alcune fotocamere hanno la possibilità di impostare manualmente una temperatura di colore scegliendo uno specifico valore Kelvin.

Diamo un’occhiata ad alcuni esempi:

Nell’immaginemultipla qui sopra, si può vedere come le lampadine sembrano arancioni quando ho la mia macchina fotografica impostata su un bilanciamento del bianco neutro, ma una volta che la cambio alla temperatura di colore delle lampadine (manualmente o con un bilanciamento del bianco preimpostato), sembrano normali. Perché è così? La mia macchina fotografica sta “raffreddando” la temperatura di colore delle lampadine aggiungendo il blu alla foto, dandoci l’aspetto della luce bianca.

Cambiare il WB nella fotocamera o nel software di post-elaborazione

Una delle cose grandiose della fotografia digitale è che non dobbiamo più usare carte bianche e filtri di rimozione del colore per ottenere colori accurati. Se si scatta in formato RAW, si può facilmente regolare il bilanciamento del bianco nel software di post-elaborazione in seguito (questo perché l’immagine RAW originale non contiene colori – vengono aggiunti durante il processo di conversione RAW). L’immagine originale rimane intatta e non elaborata dalla fotocamera. Questo significa che finché si scatta in RAW, si può semplicemente ignorare l’impostazione del bilanciamento del bianco.

Ma cosa succede se non usate il RAW e scattate invece in JPEG? Allora avrete bisogno di imparare a regolare il bilanciamento del bianco sulla vostra macchina fotografica, dato che regolare il bilanciamento del bianco in seguito può essere abbastanza dannoso per l’immagine, e potreste non essere mai in grado di ottenere i colori giusti. Di nuovo, nella maggior parte delle circostanze, la tua macchina fotografica farà un buon lavoro per indovinare la corretta temperatura del colore, ma ci saranno casi in cui la macchina fotografica sarà ingannata dalle condizioni di luce e ti darà colori sbagliati. È allora che dovrai cambiarla manualmente sulla tua macchina fotografica.

Dato che scatto sempre in RAW, la maggior parte delle volte imposto la mia fotocamera su “Auto White Balance” e lascio che la fotocamera indovini quale dovrebbe essere il corretto WB. Se la mia macchina fotografica non è in grado di indovinare il corretto bilanciamento del bianco, lo cambio semplicemente in un software di post-elaborazione come Lightroom in seguito, e posso copiare-incollare i valori desiderati su tutte le foto di cui ho bisogno. Questo è spiegato più in dettaglio più in basso nell’articolo. Quindi, se avete la vostra fotocamera impostata per scattare in RAW, basta impostarla su Auto White Balance e siete a posto! E questo è solo uno dei vantaggi di scattare in RAW. Puoi leggere gli altri nel mio articolo RAW vs JPEG.

Come cambiare il bilanciamento del bianco nella tua macchina fotografica

Il bilanciamento del bianco può essere cambiato molto facilmente sulla maggior parte delle fotocamere. Sulla maggior parte delle fotocamere DSLR e mirrorless, dovrebbe esserci un pulsante che ti permette di cambiare rapidamente tra diverse preimpostazioni del bilanciamento del bianco. Sulle Nikon DSLR, per esempio, troverai spesso un pulsante “WB” – tenendo premuto quel pulsante e muovendo la ghiera posteriore ti permetterà di passare tra diverse impostazioni di bilanciamento del bianco, come “Incandescente”, “Fluorescente”, “Luce solare diretta”, ecc. Se non hai un pulsante per il bilanciamento del bianco, o preferisci selezionare il bilanciamento del bianco attraverso il menu della fotocamera, spesso puoi trovare questa impostazione nel menu generale “Shooting”. Per esempio, se hai una Nikon DSLR entry-level, naviga semplicemente nel “Menu di ripresa” e scorri verso il basso fino ad arrivare a “Bilanciamento del bianco”. Una volta lì, ti verrà presentata una serie di diverse preimpostazioni. Esaminiamole.

Preimpostazioni del bilanciamento del bianco della fotocamera

La maggior parte delle fotocamere digitali attuali hanno dei preset di bilanciamento del bianco che sono impostati su un certo numero di Kelvin dal produttore. Questi preset variano anche a seconda del produttore e del modello di fotocamera. Ecco l’elenco dei preset comuni per la maggior parte delle fotocamere Nikon DSLR e mirrorless:

• Auto (A) – Impostazione WB predefinita e quella che uso sempre quando scatto in RAW. La fotocamera indovina automaticamente il WB a seconda della luce ambientale e dell’uso del flash. Alcune fotocamere hanno più di un’impostazione automatica per diversi ambienti / situazioni di luce.
• Incandescente (lampadina) – Usatelo rigorosamente sotto lampadine al tungsteno o l’immagine apparirà molto blu.
• Fluorescente (tubo incandescente) – Da usare se le foto appaiono troppo verdi o sotto luci fluorescenti. Dato che ci sono molti tipi diversi di lampadine fluorescenti, alcune fotocamere forniscono diverse selezioni per questa impostazione.
• Direct Sunlight (Sun) – Usato quando si scatta all’aperto con il sole che splende sul soggetto.
• Flash (Lightning Bolt) – Usato quando si utilizza il flash della fotocamera.
• Cloudy (Cloud) – Usato nei giorni nuvolosi o nelle ombre. Produce immagini più calde della luce del sole.
• Shade (House with a Shadow) – Più caldo che nuvoloso, aggiungendo colori arancioni alla fotografia. Ottimo per i tramonti e le ombre.
• Scegliere la temperatura di colore (K) – Permette di cambiare manualmente il valore Kelvin (tipicamente da 2.500 a 10.000).
• Preset (PRE) – Usato per la corrispondenza dei colori con una scheda di bilanciamento del bianco.

Di nuovo, l’elenco di cui sopra potrebbe essere diverso per la vostra fotocamera e sto fornendo le informazioni solo come riferimento.

Il modo migliore per ottenere il corretto bilanciamento del bianco è attraverso l’impostazione “Preset (PRE)”, ma avrete bisogno di una scheda di bilanciamento del bianco (conosciuta anche come “grey card”, o “18% gray card”), e la vostra fotocamera deve essere in grado di leggerla. Se visiti l’impostazione del menu del bilanciamento del bianco della tua fotocamera, dovresti essere in grado di vedere qualcosa che dice “Preset” (Nikon) o “Custom White Balance” (Canon).

Il processo consiste nel tenere la scheda di bilanciamento del bianco di fronte all’obiettivo della fotocamera in modo che la fotocamera legga la corretta temperatura di colore della luce che si riflette sulla scheda. Alcune fotocamere potrebbero richiedere di scattare prima una foto della scheda di bilanciamento del bianco, poi di leggere i colori fuori di essa per determinare il corretto bilanciamento del bianco.

Tieni presente che questa non è un’impostazione permanente della fotocamera – ogni volta che le tue condizioni di luce cambiano, dovrai riavviare il processo.

Come cambiare il bilanciamento del bianco nel software di post-elaborazione

Se non vuoi preoccuparti di cambiare il bilanciamento del bianco nella tua macchina fotografica per situazioni diverse, purché tu stia scattando in RAW, puoi sempre regolare il bilanciamento del bianco delle tue immagini con un software di post-elaborazione come Adobe Photoshop o Lightroom. Questo viene talvolta chiamato “correzione del colore”.

Proprio come l’impostazione del bilanciamento del bianco nella tua fotocamera, puoi impostare manualmente il bilanciamento del bianco regolando il valore della temperatura o utilizzando lo strumento contagocce sul lato sinistro e cliccando su una parte neutra o bianca dell’immagine. Come nella tua macchina fotografica, puoi anche scegliere un bilanciamento del bianco preimpostato.

Ricorda che questo è possibile solo se stai scattando immagini RAW. Se stai scattando in JPEG, sarai in grado di fare leggere regolazioni del bilanciamento del bianco alle tue immagini, ma non sarai in grado di fare correzioni drastiche.

Ecco un altro esempio di regolazione del bilanciamento del bianco in post-produzione. Questa foto è stata scattata durante una sessione di fidanzamento che è iniziata con la luce del giorno, quindi ho impostato la mia fotocamera su un bilanciamento del bianco di 5500 K. Quando il sole ha iniziato a tramontare, la luce è diventata sempre più calda, dando a questa immagine un aspetto molto arancione.

Ora, ad alcune persone potrebbe piacere che un’immagine al tramonto sia così calda (personalmente non mi disturba molto), ma ho pensato che avesse bisogno di raffreddarsi un po’ per far risaltare i rosa e i blu del cielo, per non parlare del fatto che la loro pelle avesse un aspetto un po’ più normale. In Lightroom, ho regolato il bilanciamento del bianco in modo che la temperatura fosse di 4500 K, dandomi questa immagine che mi sembra più naturale:

La relazione tra temperatura del colore e bilanciamento del bianco

Ora che conoscete la differenza tra temperatura di colore e bilanciamento del bianco, dovreste essere in grado di vedere la relazione tra loro. Sono gli opposti! Sfortunatamente, poiché i fotografi lavorano principalmente con il bilanciamento del bianco, a volte ci confondiamo quando ci riferiamo ai valori della temperatura del colore.

Personalmente, scatto quasi sempre a un Kelvin fisso di circa 5500 K. Quando fotografo interni illuminati da lampadine a incandescenza, le mie immagini sembrano tutte arancioni. Dato che scatto in RAW, non è un problema! In Lightroom le “raffreddo” semplicemente cambiando il mio bilanciamento del bianco a circa 3000 K. Per l’ombra, “riscaldo” le mie immagini in ombra cambiando il bilanciamento del bianco a circa 6500 K. Nella mia testa, i valori Kelvin più alti iniziano a equivalere alla luce calda e i valori Kelvin più bassi iniziano a equivalere alla luce fredda.

Ma ricordate, sto bilanciando la temperatura del colore! Quello che sto facendo in realtà è aggiungere la temperatura di colore opposta alla mia immagine. Sono così abituato a pensare a 3000 K come freddo, che quando vedo che la temperatura di colore di una lampadina a incandescenza è indicata come 3000 K, mi ci vuole un minuto per ricordare che i 3000 K che penso come una temperatura di colore fredda sono in realtà un bilanciamento del bianco freddo.

Quindi ora per la grande conclusione che si può trarre da tutto questo. Se imposti il tuo bilanciamento del bianco alla temperatura di colore della scena che stai fotografando, dovrebbe essere perfetto! Se stai fotografando lampadine che hanno una temperatura di colore di 3000 K e imposti il bilanciamento del bianco della tua fotocamera su 3000 K, la luce dovrebbe apparire bianca! Ora ecco la parte brutta. Non c’è proprio modo di misurare la temperatura del colore, quindi non ti resta che approssimare o regolare in post-produzione.

Uso del bilanciamento automatico del bianco

Se preferisci scattare in JPEG o semplicemente non vuoi preoccuparti della correzione del colore dopo che l’immagine è stata scattata, la maggior parte delle fotocamere (se non tutte) e dei software di post-elaborazione hanno la possibilità di usare il bilanciamento automatico del bianco, o AWB. Con l’AWB, la tua fotocamera valuta la scena che stai fotografando e decide il miglior bilanciamento del bianco da usare. In genere fa riferimento a un colore neutro nella scena, come il bianco o il grigio, per determinare il corretto bilanciamento del bianco. A seconda della tua fotocamera e della scena che stai fotografando, i tuoi risultati varieranno da perfetti a per nulla vicini.

Usare il bilanciamento automatico del bianco nella fotocamera

Quando usi il bilanciamento automatico del bianco nella fotocamera, i tuoi risultati varieranno a seconda delle condizioni di luce in cui stai scattando. Per esempio, se stai scattando alla luce del giorno, il bilanciamento del bianco delle tue foto sarà tipicamente corretto. Sfortunatamente, l’illuminazione mista può davvero dare problemi all’AWB, quindi potresti finire per aver bisogno di regolare il bilanciamento del bianco nel software di post-produzione.

Anche la luce del giorno può ingannare il bilanciamento automatico del bianco. Ecco una serie di immagini di una volpe arancione su un tavolo marrone che dimostrano davvero come il bilanciamento automatico del bianco possa essere incoerente senza un colore neutro nell’immagine a cui la fotocamera possa fare riferimento:

Tutte queste immagini sono state fotografate con la stessa luce. Si può vedere quanta differenza fa lo sfondo quando si usa il bilanciamento automatico del bianco. Nella terza immagine, la semplice aggiunta di uno sfondo bianco ha aiutato la fotocamera a ottenere il corretto bilanciamento del bianco. Potete vedere che l’ultima immagine è la stessa della seconda, solo con un corretto bilanciamento del bianco (regolato in Lightroom).

Fotocamere diverse hanno diverse capacità di bilanciamento automatico del bianco. Come per qualsiasi tecnologia, le fotocamere più recenti sembrano essere più accurate di quelle più vecchie. In genere si hanno anche capacità più avanzate nelle fotocamere più costose. Questo non vuol dire che i sistemi AWB delle fotocamere entry-level non siano buoni. Per esempio, il mio iPhone fa un buon lavoro con l’AWB, ma è probabile che la mia Nikon DSLR faccia un lavoro migliore e più costante.

Usare il bilanciamento automatico del bianco nel software di post-elaborazione

La maggior parte, se non tutti i software di post-elaborazione come Lightroom e Capture One hanno un’opzione di bilanciamento automatico del bianco. Nella mia esperienza, questo non è mai accurato come lo scatto con AWB nella fotocamera, ma può servire come un buon punto di partenza se stai cercando di regolare il bilanciamento del bianco nella tua immagine e non riesci a farlo bene.

Tinta

Oltre alla temperatura del colore, la luce può anche avere una tinta. Mentre la temperatura del colore varia all’interno dello spettro arancione/blu, la tinta varia all’interno dello spettro verde/magenta. Regolazioni importanti della tinta non sono in genere necessarie quando si correggono le immagini scattate alla luce del giorno. Se si tende a fotografare soggetti illuminati da fonti di luce artificiale come tungsteno, fluorescente, LED o luci a vapore di mercurio, ci si troverà a regolare la tinta molto più che con la luce naturale.

Proprio come la luce riflessa che ha preso un cast di colore, anche le luci colorate o gelate sul tuo soggetto non sono facilmente correggibili regolando la tinta della tua immagine. Per esempio, questa immagine di un matrimonio di Capodanno ha tutto quello che vorresti in un’immagine scattata allo scoccare della mezzanotte: festoni, festeggiamenti, facce verdi e felici degli sposi… aspetta, cosa?

Sfortunatamente, questo non è qualcosa che può essere risolto regolando il bilanciamento del bianco. Fortunatamente, sembra ancora abbastanza buono in bianco e nero.

Coerenza (o mancanza di coerenza) tra marche e modelli di telecamere

Come se ottenere il corretto bilanciamento del bianco tra tutte le immagini non fosse abbastanza difficile, l’utilizzo di diverse fotocamere mentre si fotografa la stessa scena introduce una nuova dimensione di complessità. Questo è qualcosa che i fotografi di matrimonio conoscono fin troppo bene, dato che in genere lavorano con un altro fotografo che raramente ha la stessa marca e modello di fotocamera, ma è qualcosa che ogni fotografo che lavora con più di una fotocamera incontrerà.

Usi creativi

Tenete a mente che come fotografi, siamo noi a decidere quali colori sembrano più naturali o più attraenti ai nostri occhi. Questo significa che, occasionalmente, potresti voler praticare la tua “licenza artistica” per dare a un’immagine un aspetto completamente diverso.

bilanciamento del bianco: per concludere

Finché si scatta in RAW, conoscere la temperatura di colore delle diverse fonti di luce non è così importante. Comprendere semplicemente il concetto di base della temperatura del colore dovrebbe essere sufficiente per la maggior parte dei fotografi. Ciò che è importante è sapere come e quando regolare il bilanciamento del bianco, sia nella fotocamera prima di scattare, sia nel software di post-elaborazione dopo.

Una volta che hai preso confidenza con la regolazione del bilanciamento del bianco delle tue immagini, puoi iniziare a usare il bilanciamento del bianco in modo creativo nelle tue immagini, riscaldandole o raffreddandole per cambiare la sensazione dell’intera scena.

Cosa significa il bilanciamento del bianco? In fotografia, mentre il bilanciamento è il processo di regolazione dei colori per farli apparire più naturali nelle immagini. Queste regolazioni possono essere effettuate nella fotocamera, così come durante la post-elaborazione.

Come si cambia il bilanciamento del bianco? La maggior parte delle fotocamere fornisce un modo semplice per cambiare il bilanciamento del bianco. Mentre le fotocamere di fascia alta hanno in genere un pulsante dedicato per cambiare il bilanciamento del bianco, i modelli di fascia bassa potrebbero avere un’impostazione di menu per regolare le impostazioni del bilanciamento del bianco.

Perché è importante il bilanciamento del bianco? Ottenere colori e toni della pelle dall’aspetto naturale nelle immagini è molto importante perché potrebbe essere impossibile correggerli in seguito (specialmente se l’immagine è stata scattata in un formato con perdita come JPEG.

Come influisce il bilanciamento del bianco su una foto? Il bilanciamento del bianco può influenzare significativamente i colori globali in un’immagine. Se è impostato in modo errato, può far apparire l’immagine troppo fredda (più blu) o troppo calda (più arancione).

Devo usare il bilanciamento automatico del bianco? Se si scatta in formato RAW, usare l’impostazione di bilanciamento automatico del bianco è perfettamente sicuro, perché può essere cambiato in seguito nel software di post-processing. Se si scatta in formato JPEG, il bilanciamento automatico del bianco dovrebbe funzionare bene in condizioni di luce normale quando si usa una fotocamera digitale moderna. Tuttavia, quando si scatta in luce mista o in condizioni di illuminazione difficili, il bilanciamento automatico del bianco potrebbe produrre risultati contrastanti.

Come si ottiene un perfetto bilanciamento del bianco? Il modo migliore per ottenere un perfetto bilanciamento del bianco ogni volta è quello di utilizzare una carta grigia al 18% con una fotocamera che può misurare la luce riflessa su di essa e impostare accuratamente il bilanciamento del bianco.

A cosa dovrebbe essere impostato il bilanciamento del bianco? Dipende dalle condizioni di luce. Se non sai su cosa impostare il bilanciamento del bianco, impostalo su “Auto” (Auto White Balance).

Il bilanciamento del bianco è la stessa cosa dell’esposizione? No. L’esposizione è la quantità di luce che raggiunge il tuo sensore e quanto luminosa o scura finisce per essere la tua foto, mentre il bilanciamento del bianco ha a che fare con i colori e quanto calda, fredda o naturale appare la tua immagine. Potresti avere una foto perfettamente esposta che è anche mal bilanciata in bianco.

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Se imparate a mettere a fuoco correttamente, vi ritroverete ogni volta con immagini nitide e perfettamente utilizzabili, il che renderà felici voi stessi, la vostra famiglia e i vostri clienti. In poche parole, una messa a fuoco accurata si traduce in immagini più nitide e questo è qualcosa che tutti cercano nelle fotografie oggi. So che alcuni fotografi si scontreranno con me su questo, dicendo che a volte la sfocatura dell’immagine dà un aspetto “creativo”, ma una cosa è quando lo si fa di proposito e un’altra è quando si sbaglia costantemente solo perché non si sa come mettere a fuoco bene con la fotocamera. Una volta che si impara a mettere a fuoco correttamente con la macchina fotografica, si può decidere se si vuole sfocare qualcosa di proposito.

In questo articolo, ti insegnerò tutto quello che so sulle modalità di messa a fuoco delle moderne fotocamere DSLR e mirrorless. Poiché la funzionalità dell’autofocus dipende dal tipo e dal modello di fotocamera che stai usando, ovviamente non posso esaminare tutte le modalità AF disponibili, quindi passerò in rassegna solo alcuni sistemi di fotocamere. Dato che sono un utente Nikon, metterò un po’ più di enfasi sulle fotocamere Nikon.

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Tuttavia, le cose non sono facili quando si inizia: quali sono le basi della fotografia? Quali sono i concetti fondamentali della fotografia digitale? Qual è il modo migliore per imparare gli elementi di base?

Anch’io mi sono trovato in questa situazione e so che è difficile. Ci sono molti articoli di base sulla fotografia online, ma le informazioni sono spesso incomplete o esposte in un ordine non logico.

Per questo motivo, ho deciso di creare questa guida alla fotografia per principianti per imparare le basi.

Questa guida alle basi della fotografia è ciò che avrei voluto trovare quando ho preso in mano la mia macchina fotografica per la prima volta: tutte le informazioni importanti necessarie per comprendere i concetti principali della fotografia esposte in un ordine logico e digeribile. Per aiutarvi nel processo, ho incluso anche molti esempi, infografiche e schede di base sulla fotografia che renderanno tutto più semplice. Siete pronti a imparare le basi della fotografia digitale?

Le Nozioni di base della fotografia

Di seguito approfondiremo ogni concetto di fotografia ma, in breve, queste sono le principali nozioni di base della fotografia e potete accedere ai singoli capitoli usando la TOC sopra riportata. Oltre a queste informazioni, il modo migliore per imparare le basi è consultare l’articolo o gli articoli specifici che troverete alla fine di ogni concetto di fotografia.

L’esposizione

L’esposizione è la base più importante della fotografia e il primo concetto fotografico da comprendere.

Probabilmente avrete già sentito l’espressione “la fotografia è pittura con la luce”, ed è assolutamente vera! La fotografia consiste nel catturare la luce e l’esposizione è molto importante perché è la quantità di luce raccolta dalla fotocamera.

Le basi dell’esposizione fotografica sono composte da diversi elementi che discuteremo di seguito, come l’apertura, la velocità dell’otturatore e l’ISO. La cosa fondamentale da capire è l’effetto dell’esposizione, che consiste nel catturare l’immagine con una determinata luminosità (chiamata anche “valore di esposizione”).

Idealmente, l’immagine dovrebbe essere esposta correttamente, cioè con la quantità perfetta di luminosità che consente di vedere tutti i dettagli nelle luci e nelle ombre. Tuttavia, in fotografia l’esposizione non è giusta o sbagliata e la scelta artistica di molti fotografi è quella di catturare un’immagine sottoesposta o sovraesposta. Per ora ci concentreremo sugli elementi per catturare un’esposizione corretta.

Le basi dell’esposizione hanno anche altri effetti sull’aspetto finale dell’immagine, come la profondità di campo, il movimento e il rumore digitale. Approfondiremo anche questo aspetto nel corso di questo tutorial sulle basi della fotografia.

Di seguito è riportata un’infografica di base sulla fotografia con i principali effetti dell’esposizione su un’immagine.

Approfondisci: L’esposizione, latitudine di posa o esposizione,  l’esposimetro

L’apertura del diaframma

Il diaframma è il primo concetto delle basi dell’esposizione fotografica.

In breve, il diaframma funziona come le nostre pupille: è l’apertura dell’obiettivo della fotocamera, che controlla la quantità di luce che passa attraverso l’obiettivo per raggiungere il sensore della fotocamera.

Questo concetto fotografico di base ha un effetto diretto sull’esposizione: più ampia è l’apertura, più luminosa sarà l’immagine, mentre più stretta è l’apertura, più scura sarà l’immagine. Ha anche un ruolo significativo nella profondità di campo e nella nitidezza dell’immagine.

L’apertura massima e minima dell’obiettivo è definita da un valore noto come “F-stop“. Più grande è il numero F-stop, più piccola/stretta è l’apertura e viceversa. Questo numero segue una sequenza come questa:

Le impostazioni migliori per l’apertura della fotocamera dipendono dalla luce, dal soggetto che si sta riprendendo e dall’aspetto finale che si desidera ottenere nell’immagine.

Potete vedere tutti gli effetti principali di questa impostazione dell’esposizione nella seguente scheda di base di fotografia per l’apertura del diaframma.

Approfondisci: Diaframma, priorità di apertura

La velocità dell’otturatore

Il secondo fondamentale della fotografia legato alle basi dell’esposizione è la velocità dell’otturatore.

In breve, la velocità dell’otturatore è legata al tempo in cui l’otturatore della fotocamera rimane aperto e cattura la luce.

Questo ha un impatto significativo sull’esposizione; un tempo di posa più breve si tradurrà in un’immagine più scura, mentre un tempo di posa più lungo catturerà un’immagine più luminosa.

La velocità dell’otturatore è anche un elemento fondamentale della fotografia per catturare il movimento, un aspetto vitale in alcuni generi come la fotografia a lunga esposizione. Ha anche un effetto sul tremolio della fotocamera e sulla possibilità di scattare a mano libera rispetto alla necessità di utilizzare un treppiede.

Il modo principale per misurare la velocità dell’otturatore è utilizzare i secondi e le frazioni di secondo seguendo una sequenza come questa:

Le impostazioni migliori per la velocità dell’otturatore dipendono dalla luce disponibile e dal movimento che si desidera catturare nel soggetto.

Approfondisci: otturatore, velocità di scatto, la coppia diaframma otturatore

ISO

L’ultimo dei fondamenti della fotografia di esposizione è l’ISO. In breve, l’ISO funziona aumentando le informazioni sulla luce catturate dal sensore della fotocamera. Questo ha un effetto drastico sull’esposizione: più alto è l’ISO, più luminosa sarà l’immagine, mentre più basso è l’ISO, più scura sarà la fotografia.

Oltre all’esposizione, l’ISO ha un importante effetto collaterale chiamato “rumore digitale“. Aumentando l’ISO, l’immagine sarà più luminosa ma avrà anche più rumore digitale, che è un elemento importante per la qualità dell’immagine. Il numero ISO viene solitamente misurato utilizzando i “livelli ISO“.

Le principali impostazioni ISO della fotocamera dipendono dalla luce disponibile. Se si scatta in ambienti con poca luce o di notte, è necessario utilizzare un ISO più alto se si vuole ottenere la giusta esposizione. Lo stesso vale se si desidera utilizzare un’apertura ridotta o una velocità dell’otturatore rapida e non c’è abbastanza luce. Dovrete trovare un equilibrio con le altre nozioni di base della fotografia. Questo potrebbe sembrare complesso, ma è piuttosto facile, come vedrete nel prossimo concetto di fotografia.

Potete vedere tutti gli effetti ISO nella seguente scheda informativa sulle nozioni di base della fotografia.

Approfondisci: ISO, l’invarianza ISO

Il triangolo di esposizione

Una volta comprese le basi della fotografia: apertura, velocità dell’otturatore e ISO, è il momento di metterle insieme. Il modo migliore per vedere come questi elementi interagiscono tra loro è attraverso il triangolo dell’esposizione.

Il triangolo dell’esposizione è incluso nella maggior parte delle guide di fotografia per principianti ed è semplicemente un’analogia per spiegare gli effetti e l’interazione dei principali fondamenti fotografici dell’esposizione. Secondo questa analogia, tutti e tre gli elementi devono essere in equilibrio se si vuole catturare un’immagine correttamente esposta. Quindi, quando si regola un lato del triangolo, si dovrà regolare uno o gli altri due lati per raggiungere l’equilibrio. Ad esempio, se si apre l’apertura, si dovrà ridurre la velocità dell’otturatore o diminuire l’ISO per ottenere la stessa quantità di luminosità (livello di esposizione).

L’uso del triangolo dell’esposizione è uno dei migliori consigli fotografici di base per i principianti e, una volta compreso, è molto facile metterlo in pratica. Per semplificare le cose, qui di seguito potete trovare una scheda informativa sulle basi della fotografia con l’analogia del triangolo dell’esposizione.

Approfondisci: il triangolo di esposizione, come funziona il triangolo di esposizione

La profondità di campo

Uno dei fondamenti della fotografia digitale è la profondità di campo.

In breve, la profondità di campo è semplicemente lo spazio dell’immagine che è accettabilmente nitido e a fuoco.

In fotografia, possiamo dire che c’è una bassa profondità di campo quando solo una porzione ristretta dell’inquadratura è accettabilmente nitida, mentre parliamo di un‘ampia profondità di campo quando una grande porzione dell’inquadratura è considerata a fuoco.

La profondità di campo è influenzata da molti fattori diversi:

• Apertura: Più ampia è l’apertura, più ridotta è la profondità di campo.
• Lunghezza focale: Maggiore è la lunghezza focale, minore è la profondità di campo
• Distanza di messa a fuoco: Più il soggetto è vicino all’obiettivo, minore è la profondità di campo.
• Dimensione del sensore: Più piccole sono le dimensioni del sensore della fotocamera, minore è la profondità di campo (*a parità di lunghezza focale).

Un buon modo per calcolare la profondità di campo è utilizzare un’applicazione o un calcolatore di profondità di campo. Vi indicherà la porzione dell’inquadratura che sarà ragionevolmente nitida in base alla vostra fotocamera, all’obiettivo e all’apertura.

Approfondisci: profondità di campo, guida alla profondità di campo

La Lunghezza Focale

La lunghezza focale è legata alle basi dell’obiettivo fotografico. È un concetto fotografico fondamentale da comprendere per creare le vostre immagini e scegliere gli obiettivi di cui avrete bisogno nella vostra attrezzatura.

La lunghezza focale descrive ogni obiettivo in termini di millimetri dal centro ottico dell’obiettivo al sensore. A seconda di quanto sia corta o lunga la lunghezza focale, questa avrà un impatto diretto sul campo visivo delle immagini e su altri aspetti come la profondità di campo.

Ad esempio, le focali più corte, come gli obiettivi grandangolari, avranno un angolo di campo ampio, mentre le focali più lunghe, come i teleobiettivi, avranno un angolo di campo più stretto. La lunghezza focale crea anche effetti diversi, come la distorsione negli angoli di campo ampi e l’ingrandimento negli angoli di campo più stretti.

Tutti questi elementi sono essenziali per chi si avvicina alla fotografia, poiché influiscono sull’aspetto finale del soggetto e dell’immagine. Questo concetto di fotografia è facilmente spiegabile seguendo la seguente infografica di base.

Approfondisci: lunghezza focale, la distanza iperfocale

La Dimensione del sensore

Un altro elemento fondamentale della fotografia per i principianti che spesso viene trascurato è la dimensione del sensore della fotocamera.

Le dimensioni del sensore della fotocamera sono davvero importanti. Non esiste una dimensione del sensore migliore in assoluto per la fotografia, ma piuttosto diverse dimensioni del sensore per diverse esigenze fotografiche.

Il formato utilizzato come riferimento nella fotografia digitale è quello classico del sensore da 35 mm, noto anche come Full-Frame. Se il sensore è più piccolo di questa dimensione, si dice che è “ritagliato“, mentre se è più grande è considerato “medio formato”. “Conoscere i diversi tipi di sensori, le loro qualità e i risultati che possono ottenere è fondamentale per ottenere le immagini desiderate.

Ad esempio, una regola fondamentale nella fotografia notturna è quella di utilizzare un sensore con pixel più grandi, in quanto questi catturano meglio la luce e consentono di ottenere immagini di qualità migliore con meno rumore digitale.

Anche la lunghezza focale è importante, poiché i sensori più piccoli offrono una maggiore portata e un maggiore ingrandimento per la ripresa di soggetti lontani, come nella fauna selvatica o nello sport.

La profondità di campo è l’ultimo effetto dei sensori della fotocamera. A parità di campo visivo, la profondità di campo sarà più stretta nelle fotocamere con sensori più grandi e più ampia nelle fotocamere con sensori ritagliati. Un esempio è la fotografia di ritratto, dove i fotografi di solito scattano con sensori più grandi per ridurre la profondità di campo e l’effetto bokeh.

Come si può notare, la comprensione delle dimensioni del sensore è una delle nozioni di base della fotografia a cui bisogna prestare attenzione.

Di seguito è riportata una scheda informativa di base sulla fotografia con i principali tipi di sensori presenti sul mercato.

Approfondisci: Dimensione del sensore

La messa a fuoco

La messa a fuoco è una delle difficoltà più comuni per chi inizia a fotografare. In breve, la messa a fuoco consiste nel regolare l’obiettivo per trovare la massima nitidezza, contrasto e risoluzione per un soggetto scelto.

Esistono due modi per mettere a fuoco nella fotografia digitale:

• Messa a fuoco manuale: Usare le mani per regolare l’anello di messa a fuoco fino a raggiungere la messa a fuoco migliore.
• Messa a fuoco automatica: Utilizza i motori interni della fotocamera e degli obiettivi per mettere a fuoco un determinato soggetto.

L’uso della messa a fuoco manuale o dell’autofocus dipende dal tipo di fotografia che si esegue. Ad esempio, in alcuni generi come la macro e la fotografia notturna, è meglio usare la messa a fuoco manuale. In altri generi, come la fauna selvatica o lo sport, l’autofocus è più veloce e facilita le cose.

In alcuni generi, come la fotografia di paesaggio, è possibile concentrarsi su una distanza specifica che consente di ottenere la massima profondità di campo (o una nitidezza ragionevole). Questa si chiama distanza iperfocale ed è una delle migliori nozioni di base di fotografia da imparare. Esistono anche tecniche più avanzate per ottenere la massima nitidezza, come il focus stacking, che si possono applicare se si ha già una certa esperienza.

Per quanto riguarda le fotocamere, queste sono molto diverse in termini di capacità di messa a fuoco. Le fotocamere di base hanno solitamente capacità di messa a fuoco peggiori, come un minor numero di punti di messa a fuoco, e sono meno affidabili, mentre le fotocamere avanzate hanno una migliore capacità di messa a fuoco anche in situazioni di scarsa illuminazione.

La maggior parte delle fotocamere digitali prevede diverse modalità e aree di messa a fuoco che tratteremo nelle impostazioni di base della fotografia riportate di seguito.

Approfondisci: la messa a fuoco

La nitidezza

La nitidezza è un concetto fotografico di base che può essere più tecnico di altri, ma è piuttosto facile da capire.

In poche parole, la nitidezza è la chiarezza con cui i dettagli vengono catturati ed elaborati in un’immagine.

Ci sono molti fattori che influenzano la nitidezza di un’immagine, come la risoluzione del sensore, l’obiettivo e anche alcune nozioni di base della fotografia che abbiamo già trattato come l’apertura, la velocità dell’otturatore e l’ISO.

Anche le basi dell’editing e le tecniche di post-elaborazione sono importanti per ottenere una maggiore nitidezza. Le immagini di solito mancano di dettagli quando vengono scattate direttamente dalla fotocamera (qualcosa chiamato “morbidezza” in fotografia), e si può correggere questo problema utilizzando un software di nitidezza.

Infine, la distanza di osservazione è un altro fattore importante che influisce sulla nitidezza. Per definizione, la percezione della nitidezza aumenta al crescere della distanza di osservazione dell’immagine. Ecco perché i cartelloni pubblicitari hanno una risoluzione molto ridotta se guardati da vicino.

Le impostazioni delle fotocamera

Una volta compresi i concetti di base della fotografia, è il momento di metterli in pratica utilizzando le principali impostazioni fotografiche della fotocamera!

In breve, queste sono le migliori impostazioni della fotocamera per chi inizia a fotografare:

1. Apertura: f/1,8-f/5,6 in condizioni di scarsa illuminazione o per una profondità di campo più ridotta, e f/8-f/16 per un DoF più ampio
2. Velocità dell’otturatore: Da 30 secondi a 1/4000^th di secondo, a seconda della scena.
3. ISO: 100-3200 nelle fotocamere entry-level e 100-6400 nelle fotocamere più avanzate
4. Modalità fotocamera: Modalità fotocamera manuale o modalità a priorità di diaframma
5. Modalità di misurazione: Matrice/Multi/Valutativa, a seconda del modello di fotocamera in uso
6. Modalità di messa a fuoco: AF-S per le foto e AF-C per i soggetti in movimento
7. Area di messa a fuoco: Punto singolo per le foto e Dinamica/Zona per i soggetti in movimento
8. Bilanciamento del bianco: WB automatico
9. Formato file: File Raw (o JPEG se non si desidera modificare le immagini)
10. Modalità di guida: Scatto singolo per le foto e continuo per i soggetti in movimento
11. Riduzione del rumore per le lunghe esposizioni: Off
12. Riduzione del rumore ad alti ISO: Off
13. Spazio colore: sRGB
14. Stabilizzazione dell’immagine: Attivata quando si scatta a mano libera e disattivata quando si scatta da un treppiede.
15. HDR/DRO: Off

Approfondisci: le impostazioni fotografiche Nikon e Canon

Le modalità fotografiche

La comprensione delle modalità della fotocamera è una delle nozioni di base della fotografia che aiuta a familiarizzare con la macchina e a migliorare come fotografo.

In parole povere, le modalità della fotocamera sono i controlli che consentono al fotografo di scegliere le principali impostazioni di esposizione per l’apertura, la velocità dell’otturatore e l’ISO.

Sono chiamate anche “modalità di scatto” e sono le modalità principali disponibili nella maggior parte delle fotocamere digitali:

• Modalità fotocamera programma (“Modalità P”): Con questa modalità, la fotocamera imposta automaticamente il tempo di posa e l’apertura.
• Modalità a priorità di otturatore (“Modalità Tv/S”): Si imposta il tempo di posa e la fotocamera seleziona l’apertura.
• Modalità a priorità di apertura (“modalità Av/A”): L’utente imposta l’apertura e la fotocamera imposta il tempo di posa.
• Modalità manuale (“Modalità M”): Si impostano tutte le impostazioni principali sulla fotocamera.

L’utilizzo di ciascuna modalità dipende dal soggetto e dalle proprie capacità fotografiche, ma in generale imparare quando utilizzare le diverse modalità della fotocamera è una conoscenza di base della fotografia.

Approfondisci: modalità PASM, modalità fotografiche

La modalità di Misurazione

Un altro elemento fondamentale per la fotografia è la modalità di misurazione.

In breve, le modalità di misurazione sono semplicemente il modo in cui la fotocamera calcola la luce disponibile della scena. In fotografia, questo può essere fatto utilizzando l’esposimetro incorporato nella fotocamera o un dispositivo portatile.

Capire come funziona la luce in fotografia è un concetto fondamentale che ogni fotografo deve conoscere, ed è il primo passo per imparare i diversi modi in cui la fotocamera può calcolare la luce della scena.

Queste sono le modalità di misurazione di base per calcolare la luce nella maggior parte delle fotocamere digitali:

• Misurazione multi/matrice: Questa modalità valuta la luce dell’intera scena dividendo l’inquadratura in diverse zone.
• Misurazione pesata al centro: Questa modalità utilizza il centro dell’inquadratura per misurare la luce della scena.
• Misurazione spot: Con questa modalità, la fotocamera utilizza un singolo punto di messa a fuoco per leggere la luce.

Per impostazione predefinita, una delle tecniche fotografiche di base di qualsiasi fotocamera DSLR o mirrorless prevede l’uso della misurazione Multi/Matrix, che sarà accurata nella maggior parte delle situazioni. Tuttavia, in alcuni scenari particolari, si può trarre vantaggio dall’uso della misurazione centrale o spot.

Nella seguente infografica sulle nozioni di base della fotografia è possibile vedere alcuni esempi relativi alle principali modalità di misurazione della fotocamera.

Approfondisci: misurazione della luce

Aree di messa a fuoco e modalità

Non si possono imparare le basi della fotografia senza capire come funzionano le modalità e le aree di messa a fuoco.

Le modalità di messa a fuoco consentono di decidere se la fotocamera deve bloccare la messa a fuoco su un soggetto o se deve continuare a regolare la messa a fuoco mentre il soggetto si muove nell’inquadratura.

Le due modalità di messa a fuoco principali sono:

• Modalità Autofocus singolo (AF-S/One-shot AF): La fotocamera blocca la messa a fuoco su un soggetto e, se questo si sposta, è necessario premere nuovamente il pulsante di messa a fuoco e ripetere la procedura. ➜ Ideale per foto, paesaggi, macro, astro, ecc.
• Modalità Autofocus continuo (AF-C/AI-Servo): dopo la messa a fuoco, la fotocamera segue il soggetto quando si muove all’interno dell’inquadratura. ➜ Ideale per l’azione, la fauna selvatica, lo sport, la strada, ecc.

Per quanto riguarda le aree di messa a fuoco, queste consentono di impostare il punto in cui la fotocamera cerca di mettere a fuoco la scena.

A tal fine, la fotocamera utilizza diversi punti di messa a fuoco e la tecnologia AI. In alcuni generi, l’utilizzo di un’area di messa a fuoco specifica è fondamentale. Ecco perché le aree di messa a fuoco sono una delle basi della fotografia naturalistica e sono fondamentali anche in altri generi come la fotografia sportiva o di strada.

In poche parole, queste sono le principali aree di interesse della fotografia:

• Modalità Area a punto singolo: È possibile selezionare un singolo punto di messa a fuoco. Ideale per paesaggi, ritratti, macro e architettura.
• Modalità Area dinamica: Se il soggetto si muove, la fotocamera utilizzerà diversi punti di messa a fuoco per seguirlo. Ideale per la fauna selvatica, lo sport e la strada.
• Modalità Auto Area: La fotocamera decide automaticamente i punti di messa a fuoco migliori. Ideale per le scene in cui è necessario mettere a fuoco qualcosa di semplice e vicino alla fotocamera.

Questa infografica sulle basi delle fotocamere vi permetterà di comprendere meglio le diverse aree di messa a fuoco.

Approfondisci: messa a fuoco

Il bilanciamento del bianco

Il bilanciamento del bianco è una delle nozioni di base della fotografia di facile comprensione.

In breve, il bilanciamento del bianco è un concetto di fotografia che mira a catturare colori accurati nell’immagine senza essere influenzato dal colore della sorgente luminosa. Il bilanciamento del bianco è legato alla temperatura del colore, che si misura in “Kelvin” o “K”. Più alto è il numero K, più freddo sarà il colore.

Nella fotocamera sono disponibili diverse opzioni di bilanciamento del bianco:

• Bilanciamento automatico del bianco (AWB): La fotocamera regola automaticamente la migliore impostazione WB della fotocamera.
• Preimpostazioni del bilanciamento del bianco (bilanciamento del bianco semi-automatico): La fotocamera include diverse modalità preimpostate relative a diverse temperature di colore.
• Impostazione manuale del bilanciamento del bianco della fotocamera (modalità bilanciamento del bianco personalizzato): È possibile regolare manualmente il bilanciamento del bianco creando un bilanciamento del bianco personalizzato o impostando un numero Kelvin specifico.

Uno dei migliori consigli di base per la fotografia è quello di impostare il bilanciamento del bianco in automatico. Fortunatamente, il bilanciamento del bianco è un’impostazione che si può modificare in post-elaborazione senza influire sulla qualità dell’immagine, purché si scatti in Raw.

Spero che questa scheda di base sulla fotografia vi aiuti a capire quando utilizzare le diverse regolazioni del bilanciamento del bianco.

Approfondisci: bilanciamento del bianco

L’Istogramma

L’istogramma è un concetto fotografico che la maggior parte delle persone che iniziano a fotografare trova scoraggiante. Sembra una matematica complessa ma, credetemi, è molto facile da capire ed è uno degli strumenti più utili della vostra fotocamera.

In poche parole, l’istogramma è una rappresentazione grafica dei livelli di esposizione di un’immagine. Utilizzando l’istogramma, è possibile vedere una rappresentazione più accurata delle luci e delle ombre dell’immagine.

La lettura dell’istogramma è una delle basi della fotografia digitale e aiuta a capire se l’immagine è esposta correttamente o se è sotto/sovraesposta.

Questa infografica sulle basi della fotografia vi aiuterà a capire come leggere l’istogramma.

Approfondisci: istogramma

La composizione fotografica

Al di là delle impostazioni fotografiche, dell’attrezzatura e di altri aspetti tecnici, se volete che le vostre immagini parlino da sole, una delle basi della fotografia da padroneggiare è la composizione.

La composizione è il linguaggio della fotografia e, utilizzando diversi elementi e regole compositive, sarete in grado di catturare e dare forma al vostro messaggio visivo. Quando componete la vostra immagine, dovete disporre gli elementi della scena in modo da renderli attraenti per l’osservatore. Questo vi aiuterà anche a rappresentare il vostro messaggio visivo nel modo più armonioso e d’impatto.

La composizione può essere suddivisa in diverse parti:

• Regole: Come la regola base della fotografia dei terzi, il triangolo d’oro, la regola dello spazio, la spirale d’oro, la regola delle probabilità, ecc.
• Elementi: Come linee guida, curve, forme geometriche, colori, ecc.
• Tecniche: Come la simmetria, l’equilibrio, la ripetizione, i modelli, la scala, ecc.

Tutti questi fondamenti sono conoscenze di base della fotografia che dovete imparare se volete catturare le migliori immagini possibili secondo la vostra visione.

Approfondisci: la composizione fotografica

L’attrezzatura fotografica

Proprio come un falegname usa il martello, la fotocamera, gli obiettivi e le altre attrezzature sono gli strumenti principali per creare immagini.

L’attrezzatura fotografica di base comprende i seguenti elementi:

• Fotocamere digitali: La base è una fotocamera digitale, preferibilmente una DSLR o una mirrorless con obiettivi intercambiabili..

Quando si scatta in condizioni di scarsa illuminazione, come quando si fotografa la Via Lattea, alcuni modelli di fotocamera consentono di ottenere risultati migliori.

• Obiettivi: Sono importanti quanto le fotocamere per scattare immagini di qualità.

Gli obiettivi fotografici di base comprendono un’ampia gamma che va dagli obiettivi fish-eye da 7-8 mm ai super teleobiettivi da 600-800 mm.

Il tipo di obiettivo e la lunghezza focale dipendono interamente dal tipo di fotografia che si sta facendo. Nella maggior parte degli scenari, le immagini saranno comprese nell’intervallo 14-400 mm.

Anche la luminosità dell’obiettivo è fondamentale. Gli obiettivi con un’ampia apertura, come f/1,8 o f/2,8, sono solitamente destinati alla ripresa di ritratti e alla fotografia in condizioni di scarsa illuminazione, come l’astrofotografia. Sono i cosiddetti “obiettivi veloci”. 

• Treppiedi: Un treppiede robusto è essenziale in alcuni generi come la fotografia a lunga esposizione, la fotografia della Via Lattea, la fotografia dell’aurora boreale e altre situazioni fotografiche.
• Filtri per obiettivi: Questi tipi di filtri consentono di creare lunghe esposizioni e di ottenere effetti creativi nelle immagini. Esistono molti tipi e modelli diversi che potete vedere nella nostra guida ai filtri per obiettivi delle fotocamere.
• Altro: Ci sono molti altri accessori, come borse per fotocamere, schede SD, batterie, ecc. e altri che potrebbero essere necessari a seconda delle riprese, come flash e luci esterne, guanti da fotografia, star tracker, ecc.

Editing fotografico

Una delle ultime nozioni di base della fotografia consiste nell’editing e nell’elaborazione finale delle nostre immagini.

Le basi dell’editing fotografico riguardano l’equilibrio dell’esposizione tra le luci e le ombre, la nitidezza dell’immagine, la gestione del colore e la messa a punto generale dell’immagine finale.

Alcuni fotografi utilizzano anche la post-elaborazione per creare effetti artistici che possano rappresentare la loro visione. Questo, ovviamente, dipende dai gusti personali, ma l’editing e l’elaborazione sono fondamenti della fotografia che è necessario conoscere per avere immagini ben strutturate.

A chi si avvicina alla fotografia, consiglio sempre di consultare online i video tutorial di editing di fotografi che piacciono e che ammirano. È uno dei modi migliori per impegnarsi nell’apprendimento delle basi dell’editing.

Qualche ulteriore consiglio per fotografare

Non potevamo concludere questa guida sui concetti di fotografia senza alcuni consigli e trucchi di base per i principianti.

1. Capire come funziona la luce in fotografia
2. Iniziare a fotografare scattando in Raw
3. Non abbiate paura della modalità manuale della macchina fotografica
4. Imparare a tenere correttamente la macchina fotografica
5. Essere consapevoli dell’importanza di un treppiede quando si inizia a fotografare
6. Prendetevi il tempo necessario per ingrandire le immagini e trovare gli errori.
7. Studiare e osservare il maggior numero possibile di fotografie
8. Chiedete il feedback di altri fotografi
9. Portate con voi la vostra macchina fotografica il più possibile
10. Concentrarsi sul processo, non sui risultati

Per concludere: nozioni di base di fotografia

Imparare le basi della fotografia può sembrare un compito in salita. Ci sono troppi concetti di fotografia da capire e così tante informazioni possono essere schiaccianti all’inizio.

Tuttavia, sono sicuro che l’utilizzo di questa guida alla fotografia per principianti vi faciliterà il processo. Il mio consiglio è di imparare i principali fondamenti della fotografia uno per uno. Comprendete la teoria, controllate gli esempi e, soprattutto, cercate di metterli in pratica. Spero che questo tutorial sulle basi della fotografia, insieme a tutte le infografiche e agli articoli specifici, vi aiuti nel percorso.

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Pixel morti ( bruciati)

Un pixel morto è un pixel permanentemente danneggiato che non riceve energia, il che si traduce spesso in una macchia nera sul display LCD della fotocamera. Dato che i sensori delle fotocamere digitali hanno dei filtri a colori, conosciuti anche come “filtri Bayer” davanti a loro, i pixel morti non si presentano normalmente come una macchia nera, ma saranno piuttosto di colore diverso dai pixel adiacenti, o saranno leggermente più scuri dei pixel adiacenti. Un pixel morto è un malfunzionamento che è più o meno permanente e non va via nel tempo. I pixel morti sono rari sugli LCD e i sensori delle fotocamere digitali – i produttori in genere si occupano dei pixel morti durante il loro ampio processo di garanzia della qualità (QA). I pixel morti potrebbero apparire sugli schermi LCD delle DSLR e sui sensori nel tempo, il che è normale.

Come individuare i pixel morti: i pixel morti sono facili da individuare sull’LCD della fotocamera. Accendi semplicemente Live View e punta la tua fotocamera verso un’area luminosa come il cielo. I pixel morti appariranno sempre nello stesso punto anche se muovi la fotocamera. Trovare i pixel morti sul sensore della fotocamera è più difficile. Scatta diverse foto con colori e modelli diversi, poi analizza l’immagine al 100% della dimensione della vista. Se vedi un pixel che appare nello stesso punto e cambia colore ogni volta, o appare più scuro dei pixel circostanti, è molto probabilmente un pixel morto.

Pixel bloccati

Rispetto ai pixel morti, i pixel bloccati ricevono sempre energia, il che si traduce in un pixel colorato che si presenta nello stesso punto sul display LCD della fotocamera o sul sensore/immagini. I colori possono essere rosso, verde, blu o qualsiasi combinazione di questi colori. A differenza dei pixel morti, i pixel bloccati non cambiano il loro colore da un’immagine all’altra. I pixel bloccati sono molto comuni, ma non sono permanenti come i pixel morti – potrebbero scomparire nel tempo.

Come individuare i pixel bloccati: per vedere se hai dei pixel bloccati, imposta la tua fotocamera in modalità Programma/Auto o Priorità Apertura, poi accendi Live View e punta la fotocamera in giro, guardando attentamente il display LCD della fotocamera. Se noti un pixel che non si muove mai e che ha lo stesso colore indipendentemente da dove punti la fotocamera, potresti avere un pixel bloccato sull’LCD. Per scoprire se hai un pixel bloccato sul sensore della tua macchina fotografica, scatta più foto diverse ad un ISO di base come ISO 100 o 200, poi analizza le immagini al 100% sullo schermo del tuo computer. Se hai un pixel colorato (in realtà una piccola croce se vista da vicino) che appare sempre nello stesso punto, hai un pixel bloccato. È normale che i sensori delle fotocamere digitali e gli LCD abbiano più pixel bloccati.

Pixel caldi

A differenza de pixel morti o bloccati, i pixel cladi compaiono solo quando il sensore della fotocamera si surriscalda durante le lunghe esposizioni o quando l’ISO è superiore a 400-800. I pixel caldi sono molto normali e compaiono anche su fotocamere nuove di zecca, anche se i produttori fanno del loro meglio per mappare i pixel caldi durante il processo di QA. I pixel caldi appaiono e scompaiono nel tempo e se la tua fotocamera nuova di zecca non ha pixel bloccati, puoi stare sicuro che li avrai ad un certo punto in futuro. Ogni singola fotocamera DSLR che ho posseduto e/o usato aveva degli hot pixel. La mia Nikon D3s non aveva hot pixel visibili quando era nuova e ora ha un sacco di pixel caldi che sono visibili nelle immagini a lunga esposizione/ad alti ISO. I pixel caldi non si verificano negli schermi LCD.

Come individuare i pixel caldi: tenendo il copriobiettivo, imposta la tua fotocamera in modalità manuale, disattiva l’Auto ISO e imposta l’ISO a 100 (ISO base). Imposta la velocità dell’otturatore della fotocamera su 5-10 secondi e l’apertura su un valore grande come f/16 (per diminuire la quantità di luce ambientale che potrebbe potenzialmente entrare nell’obiettivo attraverso piccoli fori). Scatta una foto. Poi, imposta il tuo ISO a 800 e aumenta la velocità dell’otturatore a qualcosa di veloce come 1/1000 mantenendo la stessa apertura. Scatta un’altra foto. Analizza entrambe le immagini e vedi se puoi individuare i pixel colorati che assomigliano a croci molto piccole quando ingrandisci. Probabilmente vedrai più pixel caldi nella seconda foto a ISO più alti che nella prima.

Come sistemare i pixel morti, bloccati e caldi

Sfortunatamente, nella maggior parte dei casi, non puoi risolvere da solo i pixel morti, bloccati o caldi. Mentre potresti trovare alcuni tutorial online su come mappare i pixel bloccati/caldi con vari software (funziona solo con modelli DSLR molto vecchi), non ti consiglierei di provarli. Se decidi di provarci, fallo a tuo rischio e pericolo.

Quindi, cosa fare con i pixel morti/incastrati/caldi se li avete? Se hai solo uno o due pixel morti sul tuo LCD, non preoccuparti – i pixel morti sono un fatto normale della vita. Pensala in questo modo: un tipico LCD da 3 pollici di Nikon contiene 920.000 pixel. Un singolo pixel morto significa un tasso di fallimento dello 0,0001% con il 99,9999% di pixel buoni. A meno che non abbiate più di 2-3 pixel morti e siano vicini l’uno all’altro, non mi preoccuperei. Inoltre, quei pixel morti sull’LCD della fotocamera non appariranno mai nelle vostre immagini in ogni caso! Lo stesso vale per i pixel bloccati sull’LCD della fotocamera – non preoccupartene a meno che tu non ne abbia troppi.

Ora, quando si tratta del sensore della fotocamera, la situazione è un po’ diversa, perché i pixel morti/incastrati/caldi appariranno nelle tue immagini. La probabilità di avere pixel difettosi sul sensore di una fotocamera digitale è ancora più alta – se hai 920.000 pixel sul display LCD della fotocamera, probabilmente hai 12+ milioni di pixel sul sensore della fotocamera. I pixel morti e bloccati sono i più fastidiosi perché appaiono in ogni singola foto.

Personalmente non me ne preoccupo, perché Lightroom e Photoshop Camera RAW li mappano automaticamente quando importo le immagini RAW. Se scattate solo JPEG, allora ci vorrà un po’ più di tempo per mappare quei pixel in post-elaborazione, dato che dovete toccare ogni immagine. Ci sono alcuni programmi là fuori che cercheranno modelli di pixel e correggeranno le immagini JPEG in batch, così si può più o meno automatizzare anche il processo.

Se si vedono pixel bloccati a ISO bassi come ISO 100 e 200 e si scatta esclusivamente in JPEG, allora si può mandare la fotocamera in assistenza per far rimappare quei pixel. Per quanto riguarda i pixel caldi che si presentano solo ad alti ISO e con esposizioni più lunghe – è molto normale averli. Non mandate la vostra fotocamera dal produttore per rimapparli, dato che in seguito si ripresenteranno sicuramente in punti diversi. Di nuovo, se scatti in RAW, Lightroom/Camera RAW se ne occuperà.

Se hai appena comprato la tua fotocamera e hai troppi pixel morti/incastrati/caldi (per troppi intendo più di 3 sul display LCD e più di 5 sul sensore a ISO bassi), allora rimanda la fotocamera al venditore da cui l’hai comprata. A seconda del venditore, potrebbero emettere un rimborso completo o cambiarla, o potrebbero addebitarti una tassa di ripopolamento. Io compro sempre da B&H e Adorama – ritirano i prodotti se non sono soddisfatto senza fare domande, purché lo faccia entro 30 giorni dalla data di acquisto.

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