FOTOGRAFIA: PARLIAMONE!

Giovane violenza a Sassari

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Thu, 19 Jan 2012 12:33:00 +0000

L'ingresso della mostra durante l'inaugurazione di MENOTRENTUNO_03 giovane violenza. © Leonardo Riu.

* Non sono sardo e sono triste. Un po’ perché non sono figlio di questa splendida terra… ma a cinquant’anni ho imparato a farmene una ragione e quando apro la mia carta di identità penso che tutto sommato poteva andarmi molto peggio.

Il pubblico in visita durante l'inagurazione della mostra

MENOTRENTUNO_03 giovane violenza,

Sassari, ex Convento del Carmelo.© Leonardo Riu.

La tristezza che mi invade stasera, quella che non ho imparato a gestire, viene fuori ogni volta che mi devo confrontare con lo spreco di risorse, di idee o, quel che è peggio, di azioni concrete. Per farla breve è il motivo per cui siamo qui stasera a rendermi triste: sì, proprio l’inaugurazione di Menotrentuno. Un progetto ottimo, realizzato con coscienza, professionalità, capacità, gusto e permettetemi di dirlo con cuore. Non è un accesso o un eccesso di retorica e nemmeno una crisi di irrefrenabile, servile piaggeria. Quello che sto dicendo è solo il riflesso di ciò che ho provato ieri visitando in anteprima la mostra. Proverò a spiegarmi.

Per lavoro ho scelto di occuparmi proprio di queste cose. Per lavoro guardo molte fotografie. Per lavoro scrivo, di fotografia. Per lavoro visito molte mostre in Italia e all’estero. Per lavoro, forse, accuso quasi quotidianamente quei continui sbalzi di umore tipici delle sindromi depressive. Ma se siete qui probabilmente già sapete che il minimo che ti possa capitare andando a una mostra di fotografia è di deprimerti per la povertà delle scelte, per la loro scontatezza, per lo sciattume degli allestimenti e quanto tutti noi abbiamo sperimentato più e più volte.

Poi vai all’estero e scopri che appena varchi i confini la possibilità di vedere fotografie di qualità in esposizioni perfette rappresenta, non dico la norma, ma quantomeno una ragionevolissima probabilità. A quel punto ti esalti. Poi pensi al fatto che una cosa simile in Italia non sarebbe mai stato possibile realizzarla. E allora ti deprimi. Diventi triste, come me adesso, appunto.

Il pubblico durante l'inaugurazione di Menotrentuno_III giovane
violenza, Sassari Ex Convento del Carmelo. © Leonardo Riu.

Tra le tante cose viste nell’appena concluso 2011 vi potrei parlare dei Rencontres d’Arles, del Visa d’Or pour l’Image di Perpignan o del Photoquai di Parigi solo per citare delle manifestazioni dedicate alla fotografia e strutturate su una programmazione che si estende sul territorio urbano con una molteplicità di esposizioni che offrono dei panorami quantomai ampli e variegati di ciò che è oggi la fotografia. Tutte manifestazioni che rivestono un ruolo di valore assoluto nell’universo della fotografia. Manifestazioni il cui livello qualitativo vi sfido a trovare in Italia, con buona pace di quei quattro pseudo critici legati a qualcuno dei potentati che organizza le nostre fiere da paese della fotografia, con buona pace di quelli che ben ne parlano in virtù di una sapiente commistione di profonda ignoranza, nel senso etimologico naturalmente, e servilismo atavico.

L'intervento di Salvatore Ligios durante l'inaugurazione di MENOTRENTUNO_03 giovane violenza,Sassari,

ex Convento del Carmelo.© Leonardo Riu.

Ma da questo nostrano scenario post atomico della fotografia emerge la visione che sottende Menotrentuno, ovvero una rassegna profonda, ad ampio spettro. Una rassegna che non ha coinvolto solo una città, ma un’intera Regione, un’intera Isola, quella con la I mauscola. Una rassegna che ha messo in contatto culture fotografiche, e non solo, cosmopolite e lontane fra loro facendole dialogare… dialogare… non dimenticate questo verbo…

Ma allora perché dovrei essere triste se, per una volta, posso dire con convinzione di aver trovato qualcosa che regge tranquillamente il confronto con il gotha della fotografia mondiale?

Beh, un po’ per abitudine o forse per nostalgia della terra di Francia dove i miei occhi sono caduti in preda di innamoramenti ripetuti e molteplici, un po’ perché so bene che domattina ripartendo e tornando a Milano, la capitale morale d’Italia… va beh… lasciamo perdere… tornando a Milano dicevo o andando a Roma continuerò a vedere le solite celebrate indegnità.

Ma sono triste soprattutto perché Menotrentuno ha rinforzato in me la certezza che anche da noi si può lavorare a questo livello, anche se tutti continueranno a non farlo, vittime del loro provincialismo culturale e della loro ignoranza, sempre in senso etimologico… ma stavolta non solo in quello.

Il pubblico all'inaugurazione di MENOTRENTUNO_03
giovane violenza, Sassari, ex Convento del Carmelo.© Leonardo Riu.

E un altro po’ sono triste perché avendo curato anche io qualche mostra so bene quanto sia fondamentale che dietro a un evento come questo ci sia, oltre ovviamente alla capacità di saperlo fare, un luogo dove pensare.

Menotrentuno è un miracolo in Italia. Ma, il miracolo di Menotrentuno non è figlio del caso. È figlio di oltre un decennio di esperienza maturata sul campo, è figlio della fatica, del sacrificio di Salvatore Ligios e del suo staff, è figlio della volontà incrollabile di andare avanti per superare ogni tipo di difficoltà… ma è figlio anche di un luogo in cui è stato possibile concepire Menotrentuno. Un luogo in cui far convenire da tutto il mondo i nomi più importanti della fotografia e farli incontrare con il mondo della fotografia italiana e sarda, creando occasioni dialogo (dialogo… dialogo... dialogare… ricordate questo verbo?) e quindi di crescita per tutti soprattutto per i giovani. Qualcosa che pochi al mondo possono vantare.

Questo luogo, lo sapete meglio di me si chiama Su Palatu e si trova a Villanova Monteleone, un piccolo, delizioso paese a una manciata di chilometri da dove ci troviamo ora. Ho detto si trova... espressione sintatticamente e grammaticalmente corretta se ci riferiamo alla struttura architettonica sottesa dal nome Su Palatu, ma del tutto inadeguata se ci riferiamo a Su Palatu come centro di eccellenza consacrato alla fotografia.

L'intervento di Sadro Iovine, a destra, durante l'inaugurazione di MENOTRENTUNO_03 giovane violenza,Sassari, ex Convento del Carmelo. Da sinistra Salvatore Ligios e l'assessore alle Politiche sociali, giovanili, culturali, della salute e alle Pari opportunità Bruno Farina. © Leonardo Riu.

Non è certo questa la sede in cui è necessario spiegare altro. Sapete tutti e molto meglio di me cosa è accaduto. Quanto alle cause non voglio entrare nel merito sia perché come dicevo all’inizio non sono sardo e potrebbero sfuggirmi dettagli significativi, sia perché non intendo farmi coinvolgere in dinamiche politiche per la cui comprensione l’appartenenza al territorio è indispensabile. Senza contare che fondamentalmente non sono nemmeno troppo interessato alle cause e ai perché.

Quel che mi interessa sono le conseguenze!

Il pubblico in visita durante l'inaugurazione
di MENOTRENTUNO_03 giovane violenza. © Leonardo Riu

Chiudere Su Palatu ha significato negare quella che nell’ultimo decennio considero essere stata l’unica reale offerta di dialogo, confronto e crescita per la fotografia italiana. E questo non può essere accettato senza protestare.

Se conosco quello che è stato il motore immobile di Su Palatu, se conosco Salvatore Ligios, non sarà certo la chiusura di Su Palatu a fermare Menotrentuno o le mille altre proposte che Salvatore Ligios ci regalerà nei prossimi dieci anni. Ma certo sarà tutto più difficile senza un luogo dove pensare, progettare, creare un baricentro per far dialogare a livello locale e internazionale i nostri giovani autori (ma chi si occupa più di loro?).

E, per cocludere, non dimentichiamo mai che, come ricorda Ligios nella presentazione di Menotrentuno, «Dialogando si impara».

* Testo del discorso di presentazione di Sandro Iovine in occasione dell'inaugurazione di Menotrentuno_III giovane violenza, il 13 gennaio 2012 presso l'Ex Convento del Carmelo a Sassari.

La mostra

MENOTRENTUNO_III giovane violenza

Giovane fotografia europea in SardegnaYoung European Photography in Sardinia
13 gennaio - 26 febbraio 2012

Ex Convento del Carmelo
Viale Umberto, 1 - Sassari

www.menotrentuno.it

Il piacere della radio

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Tue, 17 Jan 2012 08:00:00 +0000

Giampaolo Musumeci e Riccardo Poli nella redazione di Nessun luogo è lontano a Radio 24 mettono
a punto gli ultimi dettagli della scaletta della trasmissione pochi minuti prima di andare in onda.

Devo ammettere che quando mi chiamano a dire qualcosa in radio mi diverto un bel po'. E per parecchi motivi. Il primo probabilmente è che mi piace la radio in quanto strumento di comunicazione, con tutta la libertà che concede alla fantasia dell'ascoltatore di immaginare e ricostruire gli scenari che gli vengono proposti. Il tutto corredato, in genere, da tempi di riflessione che la televisione ci ha fatto dimenticare. In secondo luogo l'aspetto piacevole per quanto mi riguarda è che per una volta tanto stai contribuendo a realizzare un prodotto professionale senza averne la responsabilità diretta. Il che significa che ti puoi affidare al conduttore e lasciarti andare limitandoti a fornire il tuo contributo avendo come unica preoccupazione quella di allineare le parole in modo che risultino comprensibili. Per quanto mi riguarda c'è poi anche un aspetto neanche troppo velatamente edonistico relativo al riascolto della mia stessa voce nel ritorno in cuffia.

Nello studio di Radio 24 durante la diretta del 2 gennaio 2012 di Nessun luogo è lontano.
© Giampaolo Musumeci.

Come credo capiti a molti, se non addirittura alla maggioranza, ho un pessimo rapporto tanto con con la mia immagine quanto con la mia voce. Tanto che mi risulta quest'ultima mi risulta assolutamente sgradevole nella quotidianità e la sua sopportazione deriva solo dall'impossibilità di confrontarmici a meno di non scegliere il mutismo come opzione di vita. Ancor peggio quando si tratta di riascoltarla in forma registrata. Lì credo di sfiorare il patologico nel rifiuto totale della possibilità di riascoltarmi. Per questo riesco a stupirmi ogni volta che mi capita di transitare per una radio per il miracolo messo in atto dagli ingegneri del suono che mi restituiscono in cuffia una voce piena e arrotondata a suon di compressori. La percepisco talmente differente da come sono abituato a sentirla che alla fine riesco a trovarla gradevolmente rassicurante fintanto che mi trovo in studio. Altro fattore fondamentale per rendere piacevoli le escursioni radiofoniche è il rapporto che si crea con il conduttore. In questo devo dire di essere stato sempre piuttosto fortunato incontrando persone come Francesca Vitale di Radio RAI o Giampaolo Musumeci di Radio 24 con le quali si è creato un rapporto di stima e fiducia che ha consentito di trasformare un impegno di lavoro in un momento di divertimento intelligente. A completare il quadro c'è poi indubbiamente la scelta degli argomenti e il modo in cui vengono trattati. E ancora un volta nella mia limitata esperienza posso dire di essere stato molto fortunato. Tutto questo per dire che anche partecipare alla trasmissione del 2 gennaio di Nessun luogo è lontano, il programma di Radio 24 dedicato ai grandi avvenimenti internazionali, è stata un'esperienza quantomai piacevole. La puntata era dedicata agli Sterotipi africani e si proponeva di analizzare attraverso testimonianze sonore in quale modo si forma l'immaginario collettivo degli occidentali sull'Africa, sottolineando quanto questo sia spesso lontano dalla realtà dei fatti. Per quanto mi riguarda il mio piccolo contributo è stato relativo all'impiego della fotografia, in particolar modo di quella giornalistica per effettuare il racconto del Continente Nero. Un racconto che molto spesso prescinde dalle testimonianze di chi vi è nato e ci vive, ma si affida alla lettura di chi viene da fuori, con tutte le conseguenze, spesso fuorvianti del caso. Per chi fosse interessato, la puntata può essere ascolta dal podcast di Radio 24 oppure utilizzando il player presente a questo indirizzo (una volta aperta la pagina scorrere in basso e cliccare utilizzare l'ultimo player seguendo le indicazioni con il nome e la data della puntata).

Su Palatu: è assurdo, ma è proprio finita!

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Mon, 16 Jan 2012 08:00:00 +0000

Salvatore Ligios durante l'intervista realizzata a Su Palatu ormai chiuso il 13 gennaio 2012.

«Prima avevo qualcosa da mostrare con orgoglio agli ospiti, ma adesso che Su Palatu chiude non è rimasto niente qui in paese...» Sono le parole che ha pronunciate poco fa a colazione Rita, la signora che gestisce il B&B che mi ospita sempre quando vengo a Villanova Villanova Monteleone. Parole che continuano a risuonarmi in testa come una campana a morto mentre vado per l'ultima volta a Su Palatu. Il paese di primo mattino è placido e tranquillo. Come sempre. Scendendo la stradina che porta al piccolo piazzale dove sorge Su Palatu vedo i gatti che sonnecchiano sorvegliando l'attività dei pochi umani in circolazione, il rigoglio delle piante grasse inorgoglisce la facciata della casa davanti alla quale ci fermiamo con la macchina. Come sempre. Alzando gli occhi dietro le righe chiare e scure dei muri di Su Palatu, le nuvole scorrono veloci spinte dal vento. Mi torna in mente il cielo di qualche anno fa, visto dallo stesso punto verso l'ora del crepuscolo, mentre si aspettava che si facesse l'ora dell'inaugurazione. Iniziava ad essere appena venato di rosso ed era invaso dallo stridio delle rondini...

Stamattina sembra tutto un po' sospeso nella sua normalità. L'unica cosa strana rispetto al solito è il portone chiuso di Su Palatu. Ligios fa girare le chiavi nella toppa mentre risponde al telefono. È un po' destabilizzante varcare la soglia questa volta. Il portono di legno di legno scuro si spalanca, lentamente mi pare. Ero abituato a trovare questa porta aperta, pronta ad accogliere il pubblico. Ma so bene che sto per entrare per l'ultima volta in quello che è stato probabilmente l'unico luogo dove negli ultimi dieci anni si è davvero fatta cultura fotografica nel nostro Paese. Un luogo che ormai, per la fotografia, non c'è più. Nonostante gli appelli fatti da tutta Italia, le petizioni europee, la situazione non è cambiata. Su Palatu e la fotograifa hanno perso e si chiude. Salvatore Ligios e il suo staff hanno iniziato a sgomberare dalla fine di dicembre. E appena entri ne hai la percezione. Già all'ingresso si nota il tipico disordine dei traslochi in corso. Refrattrio come sono a questo tipo di attività mi tremano le gambe a ogni scalino all'idea di quanto materiale si possa essere accumulato in una dozzina di anni di intensa attività. O forse è la coscienza di sapere che questa è l'ultima volta che farò le scale che portano alle sale espositive al primo piano? Di sopra, la dove era sempre tutto perfettamente ordinato ci sono solo residui di scatole, teli di plastica qua e la in disordine., una brutta sensazione di vuoto e abbandono. È proprio finita la storia di un centro di eccellenza della fotografia.. «Non ci piace elaborare i lutti» dice Salvatore... e allora mettiamo giù il treppiedi e facciamo quest'ultima intervista a Su Palatu.

Quando una foto diventa icona

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Wed, 28 Dec 2011 08:00:00 +0000

Sharbat Gula, ragazza afgana al campo profughi di Nasir Bagh
vicino a Peshawar, Pakistan, 1984. © Steve McCurry, dalla mostra

Steve McCurry al MACRO di Roma fino al 29 aprile 2012.

Siamo la civiltà delle immagini, si sa. Ce lo hanno ripetuto tante di quelle volte che abbiamo finito per crederci. Personalmente sono convinto che piuttosto siamo la civiltà della non-immagine. Lo dico con intento dichiaratamente provocatorio per sottolineare che se da una parte è più che vero che dalle immagini siamo sommersi, è altrettanto vero che il livello di coscienza medio nei confronti dell'onda che ci investe è a dir poco scarso (certo a ben guardare potremmo discutere anche sul senso profondo della parola civiltà, ma questo è un altro discorso). Siamo guidati e condotti per mano come bambini dalle non particolarmente vivaci doti intellettive a comprare, votare, comportarci come ci viene detto. La macchina che produce tutto questo è ormai rodata e perfetta. Ha alle spalle millenni di esercizio puntale e rigoroso, talvolta supportato da una sana dose di violenza che rimette sempre in chiaro i principi fondamentali del nostro agire, e ormai può godere di un bagaglio tecnologico di notevole rispetto. All'interno di quest'ultimo l'impiego delle immagini ha ormai raggiunto un livello di spietata raffinatezza incentivata a dismisura dalla mancanza di consapevolezza che mediamente si riscontra nel pubblico, come direbbe chi si occupa di semiotica, negli spettatori. Basta osservare come reagiscono le persone di fronte a un'immagine. Nella valutazione di questo fenomeno devo dire che sono in qualche modo molto agevolato dal lavoro che faccio sia come giornalista, sia come docente e/o persona che si presume abbia qualche competenza in ambito fotografico. Il mio vantaggio consiste nell'avere la possibilità di osservare più o meno quotidianamente un numero ragionevolmente ampio di persone che si rapportano all'immagine. L'aggravante è che per posizione in base alle teorie sul campionamento, le persone che posso osservare più facilmente costituiscono un campione abbastanza alterato, in quanto mediamente appartengono tutte a un gruppo che nutre un interesse specifico nei confronti della fotografia e che quindi, almeno in teoria, dovrebbero essere un po' più attrezzate per poter decodificare i contenuti comunicativi presenti nel testo-immagine. Di fatto l'assoluta maggioranza delle persone, non avendo ricevuto un'educazione specifica alla lettura delle immagini, intende quest'ultima come la descrizione di quanto nell'immagine stessa viene rappresentato. Ovviamente se poi si tratta di una fotografia il fenomeno viene fortemente acuito dalla presunzione che lo strumento fotografico riproduca in modo fedele la realtà. Di fatto questa nella migliore delle ipotesi è una lettura di primo livello, quello che avviene automaticamente in ogni soggetto normodotato in possesso del senso della vista. L'idea che l'immagine sia un vero e proprio testo, in genere non sfiora nemmeno le menti, figuriamoci quella che il testo possa essere latore di un messaggio e questo possa avere più di un livello di decodifica. Del resto sto qui a lamentarmi di quanto accade con le immagini, ma non è che poi con i testi fatti di parole siamo messi tanto meglio... ma almeno a scuola in genere si è incontrato qualcuno che ha ventilato la possibilità che esistano più livelli di lettura di un brano di letteratura.

La conseguenza prima di una situazione del genere consiste nell'incapacità di filtrare le informazioni che attraverso le immagini ci vengono proposte. Fermarsi alla mera descrizione di quanto si vede impedisce bellamente di attivare quelle strutture critiche che ci permettono di adeguare la nostra azione al ruolo di ricevente del messaggio prodotto da qualcun altro. La conseguenza è che le porte sono aperte, o meglio spalancate, alle intenzioni occulte dell'emittente del messaggio. Così se ci troviamo di fronte a un cartellone pubblicitario sei metri per tre che vuole promuovere l'acquisto di un divano e ce lo presenta con una bella ragazza più o meno completamente spogliata, veniamo attratti (vi prego di apprezzare l'eufemismo) dalle grazie della suddetta fanciulla e se siamo molto sensibili a queste finiamo pure per acquistarlo. Ora diranno i più smaliziati, questo significa che il messaggio pubblicitario ha funzionato facendo associare, non senza una vena di onanismo consumistico, il possesso del divano a quello della ragazza. Standing ovation per il creativo che l'ha pensata e soddisfazione da parte del produttore di divani e, se davvero siamo ipercritici e pure un po' moralisti, scappellotto per l'incauto compratore, che magari il divano lo aveva già ed era pure nuovo. Ma è tutta qui la capacità di lettura? O c'è ancora qualcosa? Per esempio questo ragionamento non prevede la definizione dei ruoli sociali che vengono disegnati in modo sillogistico con una chiarezza impressionante. Un'immagine come quella tratteggiata poc'anzi non fa solo vendere il divano associando i piaceri dell'alcova (oggi gli eufemismi mi vengono così, senza controllo) a quelli del possesso del divano, ma produce una definizione precisa ed esplicita del ruolo sociale della donna e implicita di quello maschile. La donna è reificata ad oggetto di compravendita, posta più o meno sullo stesso del divano, sia pure con altra funzione d'uso, e il maschio è legittimato a esercitare il ruolo di compratore. La ridondanza di messaggi visivi come questo permette di forgiare l'immaginario collettivo senza che i soggetti del lavaggio del cervello siano minimamente coscienti di quanto sta accadendo.

La copertina del National Geographic
del numero di giugno 1985.

Analogo discorso si può fare spostando il campo di osservazione dal sociale al politico. Ci sono immagini che assurgono al ruolo di icona, anch'essa collettiva attraverso meccanismi a volte estremamente complessi che richiedono analisi e destrutturazioni dell'immagine a volte piuttosto complesse. Il miliziano morente o lo foto dello sbarco in Normandia di Capa sono icone che spesso ci dimentichiamo di ricordare esistono perché una certa parte politica e militare ha vinto la Seconda Guerra Mondiale. Se avesse vinto il Terzo Reich, forse staremo qui a ricordare le foto della Riefensthal e dei suoi gagliardi atleti ariani.
La stessa foto di Steve McCurry della ragazza afgana dagli occhi verdi è figlia di un processo di implicito coinvolgimento al potere delle masse che gioca sull'impiego dei gradienti cromatici che si rifanno ai colori tradizionali della bandiera afgana.
Non dimentichiamoci infatti che proprio nel periodo in cui la foto viene diffusa attraverso la celeberrima copertina del National Geographic (giugno 1985), l'Afghanistan è sotto occupazione sovietica (24 dicembre 1979 - 2 febbraio 1989) e la sua bandiera è stata resa drammaticamente simile a quella con falce e martello giallo in campo rosso dell'Unione delle Repubbliche Sovietiche. Ovviamente questo non toglie nulla al fatto che si tratti di una gran fotografia. Ma forse val la pena di ricordare che il National Geographic è una rivista made in USA e che forse le immagini sono meno innocenti di quanto non siamo abituati a credere. E accostare un bellissimo volto, un po' spaurito, ma fiero e incorniciato in abiti tradizionali che richiamano i colori tradizionali di un paese, nel momento in cui questo è occupato dall'acerrimo nemico di sempre... beh, forse non è proprio del tutto casuale.

Da sinistra verso destra, bandiere Afgane del 1978, 1978 sotto occupazione sovietica, 1980 sotto occupazione sovietica, 1987 e 1992.

Sandro Iovine

n. 234

Salviamo Su Palatu scrivendo al Sindaco!

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Mon, 26 Dec 2011 10:29:00 +0000

L'articolo di Paolo Merlini su La nuova Sardegna
del 24 dicembre 2011.

Nella discussione che si è sviluppata grazie al post precedente è nata la proposta di far partire una serie di e-mail all'indirizzo del Comune di Villanova Monteleone per chiedere che venga revocata la decisione di chiudere Su Palatu alla fotografia riassegnandogli altre destinazioni d'uso. L'amministrazione comunale sottolinea, giustamente, come ci siano da sanare delle incongruenze amministrative dovute alla scadenza del contratto in essere tra il Comune e La Soter Editrice di Salvatore Ligios avvenuta il 31 maggio 2011. Chiediamo tutti insieme che il contratto venga rinnovato.

Si tratta di un gesto civico che, a mio avviso, deve compiere senza esitazione chiunque abbia a cuore la cultura in generale e la fotografia in particolare. Si tratta di difendere uno dei pochi centri di eccellenza che abbiamo in Italia che lavora da oltre dieci anni per diffondere cultura e scambi internazionali, portando con lustro il nome dell'Italia e della Sardegna in Europa con budget irrisori e risultati inversamente proporzionali all'entità degli investimenti che sono minimi.

Ribadisco che la mia non è una presa di posizione dettata da un estro estemporaneo. Ho lavorato collaborando con Salvatore Ligios e Sonia Borsato in alcune attività di Su Palatu e posso testimoniare la qualità delle loro proposte. Probabilmente a molti assertori dell'opportunità di questo cambio di destinazione d'uso, questa sembrerà un'intollerabile intromissione dall'esterno in qualcosa che non appartiene altro che ai cittadini di Villanova Monteleone. Tanto più che la proposta viene da fuori Villanova e addirittura fuori dall'Isola. Ma il problema è che perdere Su Palatu per ciò che è stato negli ultimi più di dieci anni significa perdere tutti noi un pezzo di cultura. La perdiamo noi che sull'Isola non viviamo e non siamo nati e la perdono tutti quelli che in Sardegna sono nati e vivono, in primis i cittadini di Villanova Monteleone che con la chiusura di Su Palatu vedrebbero vanificarsi un'oppurtunità straordinaria di apertura culturale e forse anche economica per il potenziale indotto delle eventi prodotti.

Capisco e rispetto molto più di quanto si possa supporre le posizioni di chi vuole che il proprio territorio sia gestito nel rispetto dei valori dell'appartenenza, ma vorrei proporre una semplice riflessione a chi vuole far comprendere l'inopportunità di immischiarsi in cose sarde senza essere sardi. Avere un polo culturale di riferimento internazionale nel proprio paese, non vuol dire perdere qualcosa o rinunciare a un'identità e tantomeno a quella culturale profondamente radicata nel territorio, bensì significa aprirsi a nuove prospettive da metabolizzare e integrare nella propria tradizione per rinnovarsi e non rimanere esclusi dal procedere inevitabile del mondo al di fuori delle spiagge dell'Isola.

Accadimento tutt'altro che auspicabile per chiunque in una situazione come quella attuale.

Concludendo invito tutti a copiare il seguente messaggio da spedire al comune di Villanova Monteleone per chiedere al signor Sindaco di annullare la decisione di chiudere le attività connesse alla fotografia a Su Palatu. L'indirizzo e-mail è quello reperibile sul sito del Comune di Villanova Monteleone: comune.villanovamonteleone@halleycert.it. Questo invece è quello delle pagine Cultura&Spettacoli de La nuova Sardegna: cultura@lanuovasardegna.it cui consiglio di mandare in copia l'appello.

Alla cortese attenzione

Quirico Meloni

sindaco del Comune di Villanova Monteleone

via Nazionale, 104

07019 Villanova Monteleone (SS)

Telefono: 079-960406

Fax: 079-960736

e-mail: comune.villanovamonteleone@halleycert.it
cc: cultura@lanuovasardegna.it

Oggetto: Richiesta di revoca del provvedimento di riconsegna dei locali di Su Palatu entro il 31 dicembre 2011 e stipula di un nuovo contratto di gestione

In nome del valore culturale delle attività svolte nella sede di Su Palatu e sas Iscolas in Villanova Monteleone nel corso della gestione della Soter Editrice di Salvatore Ligios, chiediamo che, con un nuovo contratto, venga assicurata allo staff di Salvatore Ligios la possibilità di continuare l'attività intrapresa negli ultimi dodici anni, attraverso la gestione dello spazio di Su Palatu e sas Iscolas in Villanova Monteleone.

La richiesta vuole invitare questa Amministrazione a riflettere sul valore culturale delle iniziative promesse all'interno di Su Palatu e sas Iscolas nell'ottica di un arricchimento culturale implicito nella diffusione e nel sostegno della cultura fotografica sarda e di uno scambio internazionale che porta lustro tanto alla città ospitante, quanto alla Sardegna e all'Italia Intera.

In fede

nome cognome

scrivo da

firma

data

Su Palatu addio

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Fri, 23 Dec 2011 14:10:00 +0000

Da: Salvatore Ligios

Data: 23 dicembre 2011 13.02.56 GMT+01.00

A: IOVINE Sandro

Oggetto: Ex SU PALATU

Ciao Sandro

Un saluto

Ligios

Da La Nuova Sardegna del 23 dicembre 2011.

Quello che avete appena letto è il testo, icastico come sempre, dell'e-mail che ho ricevuto pochi minuti fa da Salvatore Ligios. L'immagine qui a sinistra, una pagina della Nuova Sardegna di oggi, è l'allegato che la correda. Il contenuto potete leggerlo e valutarlo da soli cliccando sull'immagine per ingrandirla. Salvatore è il fondatore di Su Palatu, lo spazio che dal 2000 a Villanova Monteleone, bellissimo paesino in provincia di Sassari, ha portato una ventata di sana internazionalità non solo in Sardegna, ma più in generale in Italia. Dopo oltre un decennio di iniziative incentrate sulla fotografia intesa come vettore di conoscenza e cultura sia del territorio sia del mondo in senso più ampio, il Comune di Villanova Monteleone ha deciso di revocare la concessione di utilizzo alla Soter Editrice, la casa editrice specializzata in fotografia di proprietà dello stesso Salvatore Ligios.

Beh, con la crisi che c'è in giro, direte Voi ce lo si doveva aspettare... Beh se dobbiamo credere ai dati riportati da Paolo Merlini nel suo articolo, la spesa annua sembra essere stata di 18.600,00 Euro l'anno... per usare le parole di Merlini «Più o meno la somma che un qualsiasi museo regionale o nazionale destina alla voce cancelleria». Ma non sta a noi sindacare le casse del sindaco Meloni, o meglio del Comune di Villanova Monteleone. Certo però che avendo personalmente lavorato con Salvatore Ligios e con chi, come Sonia Borsato, l'ha affiancato e sostituito alla guida di Su Palatu in tempi più recenti, non posso non andare incontro a un attacco di bile leggendo che è meglio tornare a Su Connottu (al conosciuto), lasciare da parte le manifestazioni per un'élite culturale e rendere Su Palatu uno spazio più dinamico per usare le parole del sindaco Meloni. Parole che magari potrebbero anche suonare di saggezza se non fosse che il dinamismo profetizzato sembrerebbe avere come modello di riferimento niente meno che Gente di Sardegna «manifestazione folk cara agli abitanti di Villanova Monteleone» latrice di cultura in forma di dotti convegni come Sa Limba Sarda Oe (giovedì 11 agosto 2011) o di una Sfilata dei Gruppi folk commentata da Salvatore Patatu (venerdì 12 agosto 2011) o di imprescindibili appuntamenti con la cultura locale come le degustazioni Su Ghisadu o Su Pane a Fittas (sempre venerdì 12 agosto 2011).

Basta quindi con questa cultura che oltretutto fa anche venire venire gente da fuori e non interessa a nessuno. Cosa importa se, grazie a Salvatore Ligios, a Su Palatu sono transitati ospiti come il C/O Berlin, Massimo Mastrorillo, Dario Coletti, Roger Ballen, Mario Dondero, Pablo Volta, Uliano Lucas John Delaney e, immeritatamente, perfino il sottoscritto (Menotrentuno, Estremi: tra edonismo e nostalgia negli anni 2000).

La fine di oltre dieci anni dedicati intensamente alla cultura dell'immagine è segnata in pochi righe in burocratese con cui il Comune notifica quello che a tutti gli effetti si può considerare lo sfratto di Su Palatu: «Considerato che è intendimento di questa Amministrazione riportare in un quadro di regolarità amministrativa l'utilizzo degli spazi di Su Palatu, con la presente chiedo che entro il 31 dicembre siano consegnati liberi i locali del Palazzo, attualmente nella vostra sostanziale disponibilità.»

Non rimane che ringraziare Salvatore, Sonia e tutti quanti con dedizione si sono adoperati in tutti questi anni per far sì che Villanova Monteleone diventasse un centro di eccellenza per la Cultura internazionale invece di interessarsi alle sfilate folcloristiche e ai convegni su sa limba.

Ecce Italia...

È cambiato qualcosa dai tempi di Goethe?

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 04 Dec 2011 11:18:00 +0000

Angelica Kauffmann, Ritratto di Goethe nel 1787-88.

Chi ha la sfortuna di conoscermi personalmente sa bene che avere a che fare con me da vicino, vuol dire confrontarsi con un carattere indolente e tutt'altro che avvezzo allo stacanovismo... tanto meno domenicale...
A meno che... a meno che non ci sia qualcosa in grado di scuotermi dal connaturato torpore letargico, donando vigore e reattività al mio indomito e mai sopito razzismo.
Razzismo culturale, sia ben inteso, e non certo rivolto alla razza. Quello per intenderci che mi fa invocare una pulizia culturale, invece che etnica, ogni qual volta si citano opere immortali con nonchalance e arbitrio volti solo a dar corpo a esercizi di stile gratificanti per ottenere un facile consenso da lettori dalla mente acriticamente atrofizzata. Ora sfortuna vuole che il nostro tempo mi elargisca a piene mani massicci dosaggi di adrenalina in forma di citazioni becere, qualunquiste e, peggio che peggio italiote, se mi concedete l'aggettivo.
Stanotte, ad esempio, i miei incubi notturni sono stati allietati da una visita illustre favorita, suppongo, da una lettura fatta prima di addormentarmi. In un'atmosfera minacciosamente tenebrosa ho sognato niente di meno che l'immortale Johann Wolfgang von Goethe, il quale mi chiedeva alquanto risentito, di vendicare l'onore dei suoi scritti citati forse solo per ostentarne la conoscenza e fare un massaggino all'improbabile ego italiota che avvelena gli animi di questa Nazione.
Ecco perché, in questa quasi solare domenica mattina milanese, ho faticosamente sopraffatto l'atavica indolenza avventurandomi, appena sveglio, verso la libreria prossima a cedere sotto il peso della carta. Obiettivo era recuperare quella vecchia e discutibile traduzione di Italienische Reise (Viaggio in Italia) che tanto mi è cara. Certo sono cosciente che il mio delirio onirico sia più frutto dell'eccesso di cibo serale che non dell'esordio di insperate facoltà medianiche, ma... Voi che avreste fatto se Goethe in persona vi avesse chiesto di lavare l'onta perpetrata ai danni dei suoi scritti? Per farla breve avendo chiaro il compito salvifico nei confronti dell'onore goethiano e molto meno la sezione in cui avrei potuto ritrovare quanto la memoria mi indicava essere stato scritto, ho cominciato a rileggere l'opera quasi dall'inizio.

Di fatto il mio animo si è presto placato, come sempre accade quando mi avvicino alla musica di Bach o al verbo di Goethe («Nôstrô mazzimo pôeta!» come ricordava sempre la mia insegnante di tedesco madrelingua sposata con un italiano, frau Paganini, anzi Pakanini come lo pronuciava lei). Tanto che ho finito per dimenticare il bellicoso quanto inutile intento di reperire sferzanti controcitazioni atte a lavare l'onta e mi sono perso come un bambino tra le pagine. Fin quando non ho incontrato un brano che avevo rimosso, ma che, riscoperto in una quasi solare domenica mattina milanese mi pare più che mai opportuno condividere, a riprova dell'attendibilità di quel detto che recita che non c'è mai niente di nuovo sotto il sole.

Johann Tischbein, Goethe nella campagna romana, c. 1786, Frankfurt, Städelshes Kunstinstitut.

«Verona, 14 settembre

Il vento contrario che ieri mi spinse nel porto di Malcesine mi preparava una noiosa spiacevole avventura, superata così lietamente che mi mette allegria il solo ricordarla. Come m'ero proposto la mattina di buon ora mi recai al vecchio castello che non avendo né porte né guardiani è aperto a tutti. Mi situai nel cortile di rincontro alla vecchia torre costruita in parte sulla roccia e in parte piantata in essa. Avevo trovato un posto molto comodo per disegnare: sedetti accanto a una porta chiusa rialzata di tre o quattro scalini su di un sedile ornato come se ne vedono ancora da noi nei vecchi edifizi. Mi ero appena seduto quando diverse persone entrarono nel cortile. Esse mi osservavano, andavano e venivano. La gente aumentò finché si fermarono per circondarmi. M'accorgevo che il mio lavoro aveva richiamato la loro attenzione, ma non mi turbai e continuai tranquillamente. Infine un uomo di un aspetto che non ispirava fiducia mi domandò che cosa facessi lì. Gli risposi che disegnavo la vecchia torre per serbare un ricordo di Malcesine. Egli mi disse che ciò non era permesso e che dovevo smettere. E siccome mi parlava nel dialetto veneto, che appena capisco, mostrai di non comprenderlo. Allora, con una leggerezza tutta italiana, egli prese il mio foglio di carta, lo stracciò e lo rimise lì sul cartone. Notai fra gli astanti un mormorio di scontento; una vecchia disse che ciò non era ben fatto, che si dovrebbe chiamare il podestà per giudicare e risolvere simili questioni. Io ero in piedi e dominavo la folla che sempre più aumentava. Quegli sguardi di curiosità che mi fissavano, una certa aria di bonomia che vedevo in quasi tutta quella gente, e altre caratteristiche dell'ambiente straniero, mi davano una gradita impressione. mi pareva di avere davanti a me il coro degli uccelli che spesso avevo beffato quando rappresentavo la parte di Treufreund sul teatro di Ettersburg. Tutto questo suscitò il mio buon umore, sicché quando giunse il podestà, col suo attuario, lo salutai cordialmente. Alla sua interrogazione perché disegnassi la loro fortezza, risposi in modo modesto, che mai avrei potuto prendere quelle muraglie per una fortezza. A lui, come al popolo, feci osservare la decadenza di quelle torri, di quelle mura, la mancanza di porte e di tutti i mezzi di difesa, e li assicurai che avevo creduto vedere e disegnare non altro che delle rovine. Allora mi fu risposto: "Ma che cosa può avere di importante se è solamente una rovina?". Volendo io guadagnare tempo e nello stesso tempo cattivarmi la loro simpatia, risposi dettagliatamente ricordando loro quanti viaggiatori si recavano in Italia, unicamente per vedere le rovine. Roma, la capitale del mondo devastata dai barbari, era cosparsa di ruderi antichi cento e cento volte disegnati. Dissi che non tutti i monumenti erano così ben conservati come l'anfiteatro di Verona che speravo visitare presto. Il podestà che si trovava dinnanzi a me, ma un po' più in basso, era un uomo di alta statura senza essere molto magro. Gli si potevano dare trent'anni. I tratti del suo volto, triviali e senza espressione, rispondevano assolutamente al suo modo di interrogarmi lento e confuso. L'attuario, un uomo meno alto e che pareva più abile, fu però da principio, anche lui imbarazzato davanti a un caso tanto nuovo e strano. Io continuavo a parlare sempre nello stesso senso. Pareva che mi ascoltassero volentieri e, nel rivolgermi a qualche benevolo viso di donna, credetti scorgervi consenso e approvazione. Ma allorché nominai l'anfiteatro di Verona, conosciuto in paese con il nome di Arena, l'attuario, che intanto aveva avuto il tempo di raccogliersi, acconsentì vivamente dicendo che l'anfiteatro era un edifizio romano celebre in tutto il mondo. In quanto però alla torre, egli sosteneva che non aveva nulla di notevole, tranne che indicava il confine tra il territorio veneto e l'impero d'Austria, e che perciò non doveva essere oggetto di osservazione e di spionaggio.»1
...
...
...

È una mia impressione o, a parte il sostituire la matita con la fotocamera, non è poi cambiato gran che quel 14 settembre 1786?

1 - Johan Wolfgang von Goethe, Viaggio in Italia, Edipem, 1973; pag. 30-31.

Fotografia e giornalismo oggi

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 27 Nov 2011 09:24:00 +0000

La doppia pagina di apertura della cover story dedicata a Massimo Berruti suIL FOTOGRAFO 233.

Il lato giornalistico della fotografia è in crisi…. Lo sento ripetere dall’inizio degli anni Novanta. Il mercato si è contratto. La televisione prima, internet poi hanno eroso spazi sempre maggiori. L’informazione coniugata con l’intrattenimento ha ceduto sempre di più il passo a quest’ultimo, fin quasi a veder soccombere completamente la prima a favore del secondo. Dalla parte dei giornali, e di chi i giornali li fa, questo viene giustificato con l’esigenza commerciale di dare al pubblico quello che il pubblico vuole. Atteggiamento assolutamente pericoloso quando ci si trova di fronte a un pubblico che nel corso degli ultimi due o tre decenni è stato educato a quella superficialità e quel disimpegno che certo non favoriscono l’approfondimento implicito nel genere di fotografia di cui stiamo parlando. Personalmente trovo che tutto questo sia assai pericoloso, se non proprio dannoso a livello sociale soprattutto nel lungo periodo, in quanto contribuisce, e non poco, a generare un pubblico sempre meno cosciente e in grado di discriminare su quanto gli accade intorno. Comunque inutile piangerci sopra perché la situazione che piaccia o meno, è inequivocabilmente questa. Il vero problema per altro non è nemmeno quello della trasformazione della domanda del mercato, quanto piuttosto quello dell'incapacità di pensare un’alternativa da parte dei giornalisti che utilizzano la fotografia per raccontare il mondo. Lo specchio della situazione è stato a mio avviso offerto da quello che si può tranquillamente considerare il più importante Festival di fotografia giornalistica, che da quasi un quarto di secolo si tiene a Perpignan, ai confini tra Francia e Spagna. La rituale visita in occasione dell’edizione 2011 mi ha indotto uno stato di depressione abbastanza consistente, tanto da spingermi a considerare auspicabile quella fine, millantata un po’ da tutti i professionisti di settore da almeno una ventina di anni a questa parte e invece mai sopraggiunta in modo definitivo. Le indicazioni offerte da quanto ho potuto vedere a fine estate nella cittadina ai piedi dei Pirenei sono abbastanza sconcertanti. Si continuano a replicare schemi assodati, parlo di quelli narrativi, ma spesso perfino quelli compositivi riscontrabili all’interno delle singole immagini. Osservando un vasto panorama fotogiornalistico in un ambito spazio temporale ristretto è possibile rendersi conto di come tutti raccontando le stesse cose tendono a utilizzare gli stessi modelli di riferimento. Anche l’approccio alle possibilità offerte dalla tecnologia comunicativa contemporanea, da internet al multimediale, non fanno che aggiornare al supporto digitale tecniche di slideshow ben più che consolidate. Oltretutto con riferimenti discutibili nel momento in cui entrano in gioco competenze differenti da quelle richieste dalla produzione di immagini fisse. Tutti sintomi questi che non mi pare permettano di ben sperare e che, se uniti ai sintomi che provengono dal mercato e dal pubblico, mi hanno fatto pensare che forse sarebbe auspicabile una fine quanto più possibile veloce e rapida, senz’altro da preferire a qualsiasi lenta agonia. In altre parole, se questo è quello che hanno da offrire il reportage, il fotogiornalismo e il fotodocumentarismo, allora tanto vale chiudere bottega subito. Mi rendo conto oggi che sono state riflessioni dettate più che altro dalla delusione, dal rimpianto forse, conclusioni negative e istintive che probabilmente non attendevano altro che di essere smentite.

La copertina de IL FOTOGRAFO 233
dedicata a Massimo Berruti.

Ma le smentite per fortuna a volte arrivano. E arrivano incontrando un fotografo che in barba alle tendenze generalizzate, non depone le armi, continua a cercare facendo dell’approfondimento e della professionalità il proprio pensiero e la propria azione. Un giornalista che dedica quasi quattro anni a un paese lontano per capire se le cose stanno come raccontano i media internazionali o se la realtà può essere differente. Parlo di Massimo Berruti di cui potete vedere una purtroppo limitata selezione di fotografie nel numero 233 de IL FOTOGRAFO. L’ho incontrato a Parigi qualche giorno fa (vedi post precedente) in occasione della mostra organizzata dalla Fondation Carmignac per celebrare il Premio Fotogiornalismo 2011 che Berruti ha vinto con il suo lavoro sulle milizie pashtun che lottano per mantenere il loro territorio libero dai Talibans. Ascoltando il suo racconto, il suo punto di vista, ma soprattutto le motivazioni che lo hanno spinto a recarsi dall’altra parte del mondo per ricercare la conoscenza di una realtà scoperta in prima persona e riportatarcela senza subire il condizionamento creato dai media internazionali. Un ragionamento e un sentimento che forse sono semplici in valore assoluto, ma che il tempo ci ha portato a perdere di vista, dimenticando quello che dovrebbe essere l’intento principale di ogni reporter e il motivo per cui questa professione è nata. Le parole di Berruti non nego che mi abbiano ridato speranza in un possibile futuro. Vuoi per la ancora giovane età di questo professionista, vuoi perché le motivazioni che lo spingono al lavorare e impegnarsi sono quelle che dovrebbero essere alla base di ogni operare giornalistico che non sia rivolto al mero intrattenimento compiacente del proprio pubblico. Se il fotogiornalismo e il fotodocumentarsimo hanno ancora un senso, al di là delle forme narrative ed espressive attraverso le quali si esprimono, bene allora quel senso può essere solo in una ricerca pura dei fatti, una ricerca che non sia condizionata dall’alleggerimento di tematiche poco gradite se pubblicate a fianco ad una pagina di pubblicità e/o condizionate dagli orientamenti della politica internazionale prevalente. Se il fotogiornalismo ha ancora un senso, l’unico che riesco a individuare rimane quello che giustifica l’esistenza stessa del giornalismo: la ricerca sincera e ininterrotta dell’origine e delle cause degli avvenimenti da offrire a chi non ha la possibilità di verificare di persona. Impariamo a preservare (o recuperare?) innanzitutto questo e poi potremo preccuparci anche di adeguare il linguaggio, che di sicuro ha bisogno di essere svecchiato.

Sandro Iovine

n. 233

Massimo Berruti, il fotogiornalismo ha ancora senso

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Fri, 25 Nov 2011 06:00:00 +0000

Parigi, École Nationale Supérieur des Beaux-Art, Chapelle des Petits-Augustin. Un momento dell'intervista a Massimo Berruti, vincitore del Prix Carmignac Gestion du photojournalisme 2010. © Stefania Biamonti 2011.

Mancano ancora venti minuti all'appuntamento. Qualche studente oltrepassa alla spicciolata il grande cancello dell'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in una Parigi tiepida e un po' grigia di inizio novembre. In alto sopra le sbarre campeggia il manifesto che annuncia la mostra Lashkars, milices civiles pachtounes face aux talibans, il lavoro con cui Massimo Berruti ha vinto il Prix Carmignac Gestion du Photojournalisme 2010. È lunedì mattina e la Chapelle des Petits-Augustin dove sono esposte le fotografie è chiusa. Verrà aperta solo per realizzare l'intervista. Di tanto in tanto qualche studente attraversa il piazzale per raggiungere le aule, trascinandosi dietro qualche ingombrante lavoro arrotolato sotto il braccio. Qualcuno si china all'ingresso a ritirare una copia gratuita di un quotidiano. Con almeno dieci minuti di anticipo ecco arrivare Eleonore Grau dell'ufficio stampa con cui è stata concordata l'intervista. Sorridente, vestita di scuro si mette immediatamente in moto e fa aprire la sala della mostra, scusandosi perché entreremo da un ingresso laterale. Oltrepassata la soglia sembra di entrare in un antico museo sette-ottocentesco. Sparsi, apparentemente a caso, nello spazio e sulle pareti statue e dipinti di ogni epoca circondano in un abbraccio ideale la mostra montata su pannelli viola che creano un percorso all'interno della sala. L'effetto d'insieme è straordinario, le foto perfettamente stampate e illuminate. Sembra davvero impossibile che espressioni visive tanto differenti e lontane nel tempo e nello spazio possano convivere tanto bene in uno stesso spazio. Mentre sto per concludere un primo giro di orientamento, una voce mi raggiunge alle spalle: «Ciao Sandro». È Massimo Berruti che arriva accompagnato da Eleonore. Iniziamo a chiacchierare per sciogliere un po' l'ambiente. Massimo parla con voce molto pacata, lentamente. Ha una voce piacevole e tranquillizzante, ma terribilmente bassa e io inizio a tremare prevedendo problemi audio a non finire, ma cerco di convincermi che riuscirò in qualche modo a fargli alzare il tono di voce.

Facciamo un giro insieme per concordare dove realizzare l'intervista e alla fine concludiamo di farla davanti all'ingresso della mostra. Davanti a una pazientissima, ma quasi certamente sbigottita Eleonore iniziamo con italianissima ed estemporanea creatività a spostare tavoli, sedie e pacchi di cataloghi per improvvisare il set. Non prima però di aver solennemente promesso di rimettere tutto a posto prima di andare via.
Dopo aver praticamente smontato mezza Cappella, sotto gli occhi sempre più preoccupati di Eleonore, possiamo cominciare.
«La voce Massimo... mi raccomando, alzala più che puoi!»

Un ringraziamento particolare a Vivien Ayroles e Eleonore Grau (Heymann, Renoult associées) per aver reso possibile questa intervista con grandissima professionalità e disponibilità.

LA MOSTRA

Lashkars, milices civiles pachtounes face aux talibans

(Prix Carmignac Gestion du Photojournalisme 2010)

di Massimo Berruti

fino al 3 dicembre 2011

École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris

Chapelle des Petits-Augustin

14 rue Bonaparte, 75006 Parigi

www.ensba.fr

www.fondation-carmignac-gestion.com

Photoquai 2011: inizia l'era Huguier?

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Wed, 23 Nov 2011 11:59:00 +0000

Parigi, Quai Branly, l'esposizione principale del Photoquai 2011.

Parigi, Quai Branly, Photoquai 2011.

«Photoquai 2011 è un viaggio all'ascolto del rumore del mondo, nutrito dallo sguardo dei fotografi sullo stato della loro società e sullo stato di culture altre rispetto alla loro. Sono per noi sentinelle, guardiani che ci impediscono di dormire. Poiché il fotografo è distaccato rispetto al soggetto che riprende, il suo sguardo manca raramente di ironia o di scherno. A vederla in un altro modo, si vedono altre cose spiegava Heinrich Wölfflin. È proprio quest'altra cosa che ho cercato per Photoquai, e che ho tentato di inseguire in tutta la mia vita.»

Con queste parole Françoise Huguier esordisce nella presentazione dell'edizione 2011 del Photoquai, la biennale des images du monde che ha raggiunto quest'anno la sua terza edizione. Si tratta di un evento dedicato alla fotografia che ha il grande pregio di offrire un panorama che, pur essendo inevitabilmente parziale, spazia su quel mondo della fotografia sistematicamente o quasi ignorato dal sistema culturale occidentale cui apparteniamo. Se si fa eccezione per la Cina, che i fatti economico-politici hanno portato necessariamente alla ribalta negli ultimi anni, di fatto sappiamo pochissimo, o niente, di ciò che accade nel mondo della fotografia asiatica, africana, latino americana, australiana... Per questo iniziative come quella del Photoquai sono fondamentali, anche se per poterne fruire è necessario prendere un aereo e andarsene a Parigi.

Parigi, Quai Branly, Photoquai 2011.

Ovviamente non tutto quel che brilla sotto il sole è oro e scommetto che molti in questo periodo sorriderebbero all'idea di far le pulci ai cugini d'oltralpe per vendicare l'orgoglio patrio affondato dalle risatine di Sarko in antitalica combutta con i crucchi guidati dalla terribile Angelona di Germania. E, a volercisi mettere, basterebbe iniziare dall'illuminazione notturna saltata su parte della mostra allestita su Quai Branly... Ma prima di lasciarsi andare a riflessioni ottuse di questo genere, forse varrebbe la pena di farsi le solite domande, quelle che è inevitabile porsi ogni volta che si fa un salto all'estero e in Francia in particolare (ok, ok lo riconosco: ho un certo debole per i Galli quando si occupano di fotografia). Per esempio vale la pena di chiedersi se da noi, a Roma, allestendo una mostra analoga sul Lungotevere si otterrebbe la stessa affluenza di pubblico. Le immagini che vedete sono state scattate sabato 4 e domenica 5 novembre... particolare non indifferente: la mostra era aperta dal 13 settembre e avrebbe chiuso i battenti l'11 novembre... Quindi, se la molla che scatena la visita fosse stata quella della curiosità del pubblico per l'esotica esposizione, probabilmente il grosso si sarebbe potuto già considerare esaurito da tempo. Del resto il privilegio di aver assistito al Photoquai fin dalla prima edizione mi permette, sulla scorta delle esperienze pregresse, di confermare un afflusso continuo e indipendente dal giorno della settimana o dalla vicinanza all'inizio o alla fine della manifestazione.

Parigi, Quai Branly, Photoquai 2011, la macchina
per fototessere senza volto all'interno della mostra
Faceless dell'indiano Mohan Verma, che analizza
il rapportotra immagine reale degli individui
e immagine imposta dalla società dei consumi.

In realtà qualche pulce l'ho trovata, non tanto sulle deficienze del sistema di illluminazione, quanto piuttosto relativamente alla direzione di Françoise Huguier. La mano della curatrice è evidente e sinceramente a volte un po' fastidiosa. È ovvio che la titanicità dell'impresa permette di scusare chiunque abbia l'ardire di affrontarla, ma ci sono sfumature che mi hanno lasciato perplesso. Al di là del relativo appagamento del mio gusto personale nella scelta degli autori (appagamento che non rientrava certo nelle finalità della manifestazione), ho trovato spesso, troppo spesso ridondanti i testi di accompagnamento alle immagini. Con la sola eccezione per quelli in cui, al di là delle indispensabili note biografiche, era il fotografo stesso a prendere la parola per spiegare il suo lavoro. Negli altri casi mi è parso che più che la volontà di esporre gli autori ci fosse quella di esporre il curatore. Al di là della ridondanza spesso verbosa dei testi il fastidio iniziava a essere consistente dopo il terzo o quarto pannello in cui nella presentazione dell'autore si faceva sfoggio di conoscenza di altri autori da parte del curatore. Autori per lo più appartenenti alla relativamente ristretta cerchia di conclamati maestri della fotografia occidentale o dei singoli protetti dell'estensore.

Parigi, QuaiBranly, Photoquai 2011.

Un'operazione del genere non mi pare rendere grande giustizia all'autore che la subisce, perché da una parte ne nega in modo nemmeno troppo implicito l'originalità, dall'altra riafferma di fatto la supremazia della fotografia occidentale, ribadendo in pratica una sorta di neocolonialismo culturale. Ora direi che è evidente come, qualora la mia lettura potesse essere tacciata di un minimo di attendibilità, tutto questo non risulterebbe minimamente in linea con l'evento.
Inoltre passeggiando tra le immagini in mostra ho avuto la sensazione che ci fosse una sorta di tematica sotterranea a sottendere il Photoquai 2011. La presenza di così tanti lavori riguardanti le identità di genere e la loro incidenza sociale, mi è sembrata eccessiva in relazione alla dichiarata neutralità tematica della manifestazione (vedi ad esempio Repent or die, 2010, del malese Khee Teik Pang, Conducta impropria, 2008, del cubano Alejandro Gonzáles o Isarn Boy Sol 4, 2008, del tailandese Maitree Siribon). Senza contare che peraltro le problematiche in questione risultavano interpretate a mio avviso spesso in maniera abbastanza edulcorata. Voglio dire che, ovviamente, non ci troverei assolutamente nulla di male se i curatori decidessero di affrontare apertamente il tema. Anzi troverei che sarebbe di estremo interesse confrontarsi con il differente approccio di culture che sono molto più lontane da noi di quanto il mito della globalizzazione non abbia voluto farci intendere. Forse sarebbe doveroso, oltre che interessante, occuparsene. Ma mi chiedo: perché non farlo apertamente? Perché nascondersi dietro un generico bruit du monde? Perché non tematizzare dichiaratamente almeno una sezione?

Parigi, giardini del Musée du Quai Branly, Photoquai 2011, Boujmal, 2005-2011 di Nicène Kossentini.

Parigi, giardini del Musée du Quai Branly,
Photoquai 2011, la mostra della malese Minstrel Kuik.

Detto questo ho apprezzato molto la fruibilità dello straordinario giardino del Musée du Quai Branly come sede espositiva (lo so, lo... se prima mi sono attirato l'ira di chi ce l'ha a morte con i cugini galliformi, adesso mi sto tirando dietro quella dei non certo pochi detrattori di Jean Nouvel). Ma in anche in questo caso mi incorre l'obbligo di sottolineare sbavature che non si confanno al valore dell'iniziativa. Una per tutte la superficialità con cui sono state introdotte le immagini della tunisina Nicéne Kossentini. Di questa giovane autrice si spiega che «la serie porta il nome di uno stagno salato situato a qualche chilometro dalla sua città natale, Sfax, in Tunisia. Ogni immagine viene sovrapposta a quella di un ritratto di donna, preso dall'album di famiglia, che rappresenta la madre, la nonna e la bisnonna. L'autrice evoca qui quei luoghi abitati, quei giardini segreti che ognuno di noi porta dentro di se. Questa concezione metaforica dello spazio -di uno spazio mentale inventato o vissuto- invita a tuffarsi in un mondo fluttuante, tra presenza e assenza, tra oblio e rinascita. [...] Quindi questo flusso si prolunga virtualmente in una frase senza inizio né fine, senza riferimenti o senso, che corre lungo le immagini.» Ora va tutto molto bene, ma essendo improbabile che si possa verificare il senso della frase scritta in caratteri arabi lungo la linea dell'orizzonte, forse sarebbe stato opportuno fornirne una traduzione. Uno spettatore attento e ignaro della lingua araba può al massimo verificare che le parti iniziali della citata frase non sono visibilmente uguali. Che poi questo derivi dall'impiego di parole o frasi differenti o semplicemente da un diverso punto di inizio nella scrittura della stessa frase è tutto da verificare. Di fatto ci troviamo comunque di fronte a un testo sincretico in cui oltre ai codici iconografici della sovrapposizione di immagini, si applicano anche quelli linguistici della lingua araba, che forse richiederebbero una traduzione perché si possa fruire dell'opera. Questo anche nel caso le parole non offrissero nessun appiglio a un'attribuzione di senso, che in realtà potrebbe risultare dalle proposizioni associative o fonetiche.

Parigi, giardini del Musée du Quai Branly, Photoquai 2011, Fake animals, 2009-2011 di Andrei Liankevich.

Bizarro, sempre a mio avviso, anche il testo introduttivo della mostra Fake Animal del bielorusso Andrei Liankevich, che presentava una serie di immagini quadrate abbastanza suggestive di animali impagliati. Sorvolo sull'imbarazzante aneddoto della mamma parigina che indica le foto al suo bambino con fervore paideutico al grido di «Guarda che belli gli animaletti!» e alla quale il piccolo risponde con un lucido e sconcertato «Ma sono morti...», in quanto il vero imbarazzo è subentrato leggendo l'apologia tassodermista nel testo di presentazione che arriva a scomodare addirittura non meglio precisati riti pagani slavi. Sinceramente ho avuto la sensazione di trovarmi di fronte a un curatore che deve sostenere a tutti i costi un lavoro in cui quantomeno non crede fino in fondo. Ma ovviamente è probabile che sia solo un'errata impressione personale fondata sulla mia profonda ignoranza della materia. Ignoranza che, in tutta sincerità, non prevedo di colmare a breve...

Parigi, Quai Branly, Photoquai 2011.

Fin qui ho sottolineato le cose che mi hanno lasciato perplesso, ma è ovvio non ho trovato solo del negativo o presunto tale. Molto interessanti ad esempio le riflessioni sulla condizione femminile in Africa ed Asia che, pur emergendo a macchia di leopardo, presentavano letture della quotidianità a volte lontane dal nostro immaginario e conseguenzialmente preziose (vedi ad esempio il lavoro Alter Gogo, 2010, del nigeriano Andrew Esiebo, Spring-Summer Collection 2008, Sport Collection, Kesh Angels, 2007-2010 del marocchino Hassan Hajjaj e per altri versi Autoportraits, 2007-2010 della togolese Héléne Amouzou). Interessanti anche le frequenti aperture alla dimensione della fotografia impiegata come finzione, sia intesa rispetto alle caratteristiche intrinseche del medium di ingannare (ad esempio il lavoro To Be or to Pretend, 2008-2011, del cubano Adrián Fernández Milanés), sia come deliberata messa in scena, ad esempio nella forma di fotoromanzo (vedi Photo Fictions, 2010 dell'indiano Shailabh Rawat). A proposito dell'agitarsi intellettuale nei confronti di quest'ultimo nel mondo della fotografia, se posso esprimere un parere, credo che non si tratterà di una riscoperta dalla vita lunga. Se è vero come è vero che ormai una, se non due generazioni, sono nate nella inconsapevolezza di questo impiego della fotografia, non credo che, passata l'agitazione del momento, questa forma possa offrire spunti di evoluzione. Soprattutto considerato che in realtà la tecnologia di veicolazione e produzione delle immagini fotografiche sta andando in tutt'altra direzione. Interessanti infine le indagini sull'identità di Mohan Verma con il suo Faceless o dell'indonesiano Jim Allen Abel con Indonesia uniform.

Premesso che in futuro cercherò di ritornare sui singoli autori per una disanima un po' meno superficiale, per concludere voglio citare il lavoro che, forse per le contingenze socio-politiche che stiamo vivendo, mi ha suscitato il maggior interesse. Alludo a Saddam is Here del curdo-iracheno Jamal Penjweny proposto da Françoise Huguier. Il suo lavoro propone una serie di immagini di cittadini iracheni che sovrappongono il ritratto del dittatore Saddam Houssein al loro volto. Un modo molto chiaro per ammettere e denunciare al tempo stesso la responsabilità di un intero popolo nella storia recente del proprio paese. Argomento forse meno lontano dalla nostra quotidianità di quanto non possa far credere il riferimento diretto alle vicende del recento tragico passato dell'Iraq.

Parigi, Quai Branly, Photoquai 2011, una delle immagini dl Saddam is Here di Jamal Penjweny.

Conversazioni Sulla soglia

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Fri, 21 Oct 2011 07:41:00 +0000

«Silvio Wolf, piacere». La mano destra si protende accogliente nel varco luminoso creato dall'apertura della porta. Camicia bianca, di lino, collo alla coreana. Pantaloni anch'essi bianchi, voce pacata, cortese, Silvio Wolf appare candido, quasi ascetico nel silenzio dei primi giorni di un torrido agosto milanese.

La sua casa-studio appare improntata a un'assoluta sobrietà che si armonizza perfettamente con la prima impressione visiva sull'uomo. Sul divano un cucciolo di gatto. «Oggi è un po' intontito, l'ho appena fatto vaccinare» spiega mentre offre dell'acqua fresca e ristoratrice prima di accomodarsi su uno sgabello di fronte a me. Iniziamo a parlare dell'intervista che stiamo per fare. Spiego cosa vorrei fare e Silvio Wolf comincia a sua volta a raccontarmi come sarà la sua mostra in ottobre. «Forse è meglio se andiamo di là, in studio, così posso mostrare sul computer come sarà l'allestimento».

Silvio Wolf mi precede, facendomi strada. Al centro della stanza una scrivania con il computer portatile. Alle pareti delle opere. Ne riconosco alcune che fanno parte di una serie realizzata alla Scala di Milano. Le due finestre aperte, serrande abbassate, creano un leggero riscontro d'aria che rende piacevole la temperatura. Le guardo interrogandomi senza dire niente: sarà sufficiente la luce che fanno passare per registrare l'intervista? «Se serve più luce le possiamo alzare... ma se ce la facciamo così è meglio così non entra il caldo...»

Silvio Wolf si siede alla scrivania. Mi accomodo alla sua destra. Inizia a spiegarmi come sarà la mostra, quali sono le difficoltà tecniche che sta incontrando nella realizzazione della stampa di alcune opere, mi mostra i rendering dell'allestimento, le piante delle sale, mi guida all'interno del suo mondo di luce e soglie. Pian piano l'atmosfera si scioglie e ci si avvicina a quel minimo di fiducia e confidenza reciproca che permette di realizzare un'intervista accettabile. Ascolto e guardo il monitor del suo portatile dove scorrono le immagini delle sue opere. Affrontiamo trasversalmente problemi di allestimento, di filosofia estetica, di fisica e metafisica in una conversazione fatta di attenzione e reciproche scoperte. Una conversazione pacata, lentamente carezzevole.

Sono passate quasi due ore e ci siamo avvicinati alla Soglia...

L'intervista può cominciare.

LA MOSTRA

Sulla Soglia

fino al 6 novembre 2011

PAC - Padiglione d’Arte Contemporanea

via Palestro 14, Milano

tel. 02-88446359/46360

www.comune.milano.it/pac.

lunedì dalle 14,30 alle 19,30

martedì-mercoledì-venerdì-sabato-domenica dalle 9,30 alle 19,30

giovedì dalle 9,30 alle 22,30

Si può raccontare la guerra? Radio 24 e RSI

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 28 Aug 2011 14:00:00 +0000

Il 15 agosto, sì proprio il giorno di ferragosto, è andata in onda su Radio 24 una puntata di Nessun luogo è lontano, la trasmissione radiofonica ideata e condotta da Giampaolo Musumeci che mi ha voluto ospite in studio, come preannunciato su queste stesse pagine un paio di settimane fa. Per chi fosse interessato ora è possibile ascoltare la trasmissione anche dal blog. Stavolta il titolo della puntata era La guerra dei fatti e Giampaolo Musumeci ha invitato Lorenzo Trombetta, giornalista di Limes, e Franco Pagetti. L'argomento principale della puntata verteva sulla veridicità dei racconti giornalistici e sull'enorme problematica della verifica delle fonti che dovrebbe essere alla base di qualsiasi lavoro in odor di giornalismo per poi spostarsi sulle specificità della fotografia. Consiglio l'ascolto della puntata (e delle altre presenti sul podcast di Radio 24) a tutti quelli che nutrono un minimo di interesse per l'argomento e in particolare a quei miei studenti che dovessero trovarsi a errare per questo blog. Il mio intervento inizia intorno a 28,32 minuti dall'inizio della trasmissione.

Approfitto per segnalare un secondo link radiofonico relativo a un'altra trasmissione che mi ha visto coinvolto. Mi riferisco a Moby Dick, programma culturale della Rete Due della Radio Svizzera Italiana, cui ho partecipatoai primi di giugno sempre per volontà di Giampaolo Musumeci che cura la rubrica Cose dell'altro mondo. La trasmissione prendeva spunto dalla morte di Tim Hetherington e Chris Hondros, cui avevo accennato all'epoca dei tristissimi fatti in questo post. Ospite con me ancora una volta Franco Pagetti che a questo punto mi propongo di incontrare al più presto di persona visto che già per tre volte ci siamo ritrovati ad essere ospiti della stessa trasmissione radiofonica.
I due interventi possono essere ascoltati cliccando qui.

Metti a fuoco con la mano artificiale e qualcuno ci guadagna

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Mon, 15 Aug 2011 19:43:00 +0000

Matthew James e la sua mano artificiale.

Matthew, il ragazzo nella foto a sinistra, ha quattordici anni. Ce lo dice il testo che accompagna una delle tante famigerate (passatemi l'aggettivo ferragostano) gallerie di Repubblica.it. È nato senza la mano sinistra. Una storia lacrimevole direte voi. Indubbiamente e anche una splendida occasione per fare un po' di marketing da parte di un noto marchio tedesco impegnato nel settore automobilistico e dei trasporti, nonché in quello dell'agonismo motoristico, solo per citare le cose note a tutti. La storia brevemente riassunta è questa. Il ragazzo, appassionato di Formula 1, avrebbe chiesto ai responsabili del noto marchio una considerevole somma per la realizzazione di un arto artificiale in cambio di una presenza pubblicitaria sullo stesso arto. Cosa che sarebbe stata approvata dal boss dei boss del marchio in questione e ovviamente trasformata in un'operazione di promozione indiretta giocata sugli aspetti umanitari e tecnologici. E allora ecco le tre foto del ragazzo che... indossa l'arto con cui stringe una mela, fa più o meno lo stesso gesto ma con le dita che non trattengono un bel niente e, dulcis in fundo, impugna una reflex facendo un gesto che ricorda quello della messa a fuoco manuale.

Si direbbe dunque che utilizzare una macchina fotografica costituisca un banco di prova importante, quanto meno per un arto artificiale, anche se, per come sono concepiti gli attuali apparecchi, la sola mano destra ne permette tranquillamente l'impiego in situazioni generiche senza rinunce. A parte ogni considerazione sulla perplessità che destano le immagini che potrebbero anche far ipotizzare interventi di computer grafica per così dire di supporto, io continuo rimanere perplesso a livello etico. Certo la notizia è di estremo interesse sia dal punto di visto tecnologico, sia da quello umano per le prospettive che potrebbe offrire a chi, a causa di una malformazione o di un incidente, potrebbe avere necessità di ricorrere a una protesi del genere. Ma siamo certi che il parlarne in questo modo e utilizzando un'iconografia algida come questa faccia bene a qualcuno oltre che al deliberatamente non citato marchio tedesco? E ovviamente escludo il buon Matthew, per il quale naturalmente non si può che gioire per la parziale compensazione offerta dalla tecnologia agli errori della natura.

Creatività a Roma e guerra a Radio 24

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 14 Aug 2011 08:31:00 +0000

Fa caldo e siamo praticamente a Ferragosto. Ma se ci si prende la briga di tenere in vita un blog in qualche modo bisogna pur alimentarlo. In realtà per questo mese di agosto confido soprattutto nella seconda metà del mese. E ancor più negli incontri che spero di poter fare in Francia, primo tra tutti quello di martedì prossimo a Marsiglia programmato con Franco Zecchin, di cui vi darò conto quanto prima, spostamenti, stanchezza da viaggio e reti permettendo.

Per il momento approfitto per augurare a tutti quelli che avranno la ventura di incappare in queste pagine nel bel mezzo della calura estiva (peraltro moderata almeno qui a Milano), un buon ferragosto e segnalare un paio di cose che mi hanno visto e mi vedranno immeritevole protagonista nel ruolo di intervistato.

La prima è un'intervista incentrata sul tema della creatività fattami dai responsabili del sito RomaProvincia Creativa, progetto per il quale ho curato la sezione relativa alla fotografia come forse qualcuno ha già letto in queste pagine nei mesi scorsi. Non nascondo di essere stato un po' sorpreso dalle domande ricevute, non tanto per le sfumature implicitamente politiche che mi han costretto a rispolverare gli studi universitari per rispondere su lunghezze d'onda compatibili, quanto piuttosto perché sono stato costretto a soffermarmi per riordinare un po' le idee sul concetto stesso di creatività.

Comunque per chi fosse interessato può trovare l'intervista qui. Armatevi però di un po' di pazienza perché il server spesso e volentieri non si comporta al meglio e a volte il browser sostiene con vigori la tesi dell'impossibilità trovare il sito. Nel caso abbiate fede e insistete a intervalli regolari... Graditi i commenti sul sito di RomaProvincia Creativa, anche se per poterli fare occorre passare sotto le... forche caudine della registrazione al sito... cosa che renderà il mio apprezzamento eterno nei confronti di chi vorrà sottoporsi alla procedura per esprimere il suo pensiero.

La seconda segnalazione riguarda invece Nessun luogo è lontano, una trasmissione radiofonica ideata e condotta da Giampaolo Musumeci su Radio 24. Si tratta di un ottimo programma quotidiano in onda dal lunedì al venerdì alle 13,15 dedicato a quegli accadimenti esteri tanto abilmente trascurati dal giornalismo italiano. Salvo rare e lodevoli eccezioni come quella costituita appunta da Giampaolo Musumeci, giornalista impegnato del resto in prima persona nel racconto di quanto accade nel mondo, oltre che come free-lance anche come membro del collettivo Shabel Reporter Associati con Ugo Borga e Matteo Fagotto.

Bene, introdotta la trasmissione veniamo alla puntata di domani, Ferragosto, di Nessun luogo è lontano che sarà dedicata al racconto della guerra e vedrà un'ampia parte dedicata proprio alla fotografia. Ospiti di Giampaolo Musumeci saranno Lorenzo Trombetta corrispondente ANSA e giornalista di Limes, il fotogiornalista Franco Pagetti dell'Agenzia VII Photo e il sottoscritto che sarà in studio giusto prima di salire in macchina alla volta di Marsiglia.

La trasmissione andrà in onda (salvo avvenimenti di rilievo internazionale straordinari che portino a cambio di programmazione) alle 13,15 e in replica alle 21,00.

A risentirci (e stavolta non in senso figurato) domani quindi: all'ora di pranzo o magari la sera quando sarete in macchina sulla via del ritorno a casa.

Ma nel frattempo di nuovo buon Ferragosto a tutti!

Scusate: una piccola storia personale

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Tue, 02 Aug 2011 08:07:00 +0000

Come tutti, o quasi, quelli che si prendono la briga di tenere un blog o gestire un sito personale o professionale che sia, anche io sono addicted: confesso di avere una dipendenza dalle statistiche sugli accessi. Il che significa che con una certa regolarità faccio un monitoraggio delle chiavi di ricerca e dei siti che portano alle mie pagine. Nei giorni scorsi mi ha colpito la ricorrenza di un indirizzo (www.fotoarts.org/FA_forumpost.php) che rimandava a un post su a un forum. Me la sono presa con calma, giusto un'occhiata per appurare l'origine del sito. Questo tipo di indirizzi infatti non porta da nessuna parte (almeno per quanto posso affermare con le mie scarne conoscenze della rete), permette al massimo di identificare il sito di provenienza e per saperne di più è necessario registrarsi nel forum e poi andare a sfogliare pagina per pagina, post per post, fino a trovare quello che interessa... Una discreta seccatura, per cui desistito prima ancora di iniziare.

Solo stamattina, all'ennesima ricorrenza, la noiosa trafila mi è apparsa una piacevole alternativa alla correzione dei testi scritti nei giorni scorsi. E quindi via con la registrazione la caccia al post che si trova all'indirizzo http://www.fotoarts.org/FA_forumpost.php?thread=3832. Si tratta di una segnalazione dell'amico virtuale Salvatore Di Cara realtiva a uno dei post arlesiani. Una rapida occhiata ed ecco apparire le solite battutine più o meno garbate sull'attitudine del sottoscritto al massacro verbale dei malcapitati che mi sottopongono le loro fotografie. Devo dire che rispetto al solito ne sono uscito anche abbastanza bene. Ho perfino trovato controtestimonianza a mio favore di un incontro professionale. Certo si potrebbe facilmente ironizzare sulla sua attendibilità, dal momento che si riferisce a un incontro nella redazione di Fotografare, testata per la quale per altro non ho mai lavorato. Ma ovviamente non sto a sottilizzare: per una volta che qualcuno non mi insulta, mi prendo il buono che c'è, Fotografare o non Fotografare.

Ho continuato a leggere, finché, sorpresa davvero inaspettata, non mi sono imbattuto nel commento di tal brunop_1263roma che oltre devolvere a mio favore parole di sostegno, dichiara pubblicamente di essere stato mio compagno di classe nei ruggenti anni del liceo. Colpito dall'atto di inusitata incoscienza autolesionista implicita in una dichiarazione del genere mi sono quasi commosso... tanto che ho deciso di infierire sul reo confesso affinché si assuma le responsabilità dei suoi gesti e paghi al mondo il giusto fio per le sue malefatte. In altre parole sto per rendere pubblico un episodio privato di tanti anni fa...

Un giorno, penso durante gli squallidi anni Ottanta, brunop_1263roma e il sottoscritto stavamo condividendo uno di quei cristianissimi atti di contrizione che gli abitanti della Capitale compiono quotidianamente usufruendo del servizio di trasporto pubblico (tradotto per i non romani avevamo preso l'autobus) Eravamo tra la Stazione Tiburtina e piazza Bologna se ben ricordo e si parlava, anzi brunop_1263roma mi spiegava come si poteva entrare a far parte dell'Ordine dei Giornalisti prendendo il tesserino di pubblicista. Tra le altre cose ricordò che mi disse che se fosse stato al mio posto, le conoscenze sulla fotografia che riteneva avessi, avrebbe sicuramente cercato di lavorare in una rivista di settore... aggiungendo che non capiva perché non lo avessi ancora fatto.

Convinto com'ero di non saperne abbastanza per seguire l'implicito consiglio, lasciai cadere il discorso, ma il tarlo mi rimase dentro, tra l'incoraggiamento e l'invito a seguire una strada del genere. Non foss'altro perché l'idea mi solleticava e non poco: passare dall'altra parte, essere letto da chi come me aspettava con ansia l'uscita in edicola della rivista... Un sogno che reputavo decisamente irrealizzabile e al di sopra delle mie capacità.

Qualche anno più tardi Giulio Forti fece pubblicare un annuncio su Reflex in cui si cercava un redattore... mandai il mio curriculum (che confesso essermi fatto a aiutare (argh!) a compilare: nemmeno il mio curriculum ero in grado di scrivere da solo!!! Bah...). Magno cum gaudio del sottoscritto, il mio fu scelto tra quelli pervenuti in redazione... anche se confesso di non aver mai capito fino in fondo cosa avesse guidato la decisione di Giulio Forti, anche se sospetto c'entrasse qualcosa un diploma in lingua e cultura giapponese conseguito con il massimo dei voti (altro mistero glorioso della mia carriera scolastica insieme alla maturità e una paio di altre vicende). Sta di fatto che da allora sono passato dall'altra parte...

Ma perché raccontare questa storiella personale di cui cui il mondo poteva tranquillamente fare a meno? Semplicemente per offrire un altro bersaglio (il citato brunop_1263roma) a quanti, ritenendo di essere stati lesi dalle mie valutazioni nel corso degli anni, sono alla ricerca di un modo per farmela pagare. Bene, o nutrita folla di miei accaniti aspiranti carnefici, sappiate che potete prendervela anche con brunop_1263roma (a pagamento posso fornire i dati per rintracciarlo...), sul cui capo pesano gravissime responsabilità circa le mie scelte professionali.

Al di là delle battute, questa buffa (almeno nelle intenzioni, ma tanto come al solito ci sarà chi mi prenderà sul serio) digressione assolutamente personale nasce dallo stupore rinnovato per gli incroci di vite che la rete permette, favorendo il riaffiorare di ricordi sepolti negli archivi della memoria da oltre una ventina di anni.

Ma soprattutto, anche se non importerà a nessuno, era un modo un po'... ellittico, lo riconosco, per dire: Grazie Bruno! Quasi sicuramente nemmeno te ne ricorderai, ma le tue parole di quel giorno in qualche modo mi hanno cambiato la vita.

Siria, carri armati sulla folla: clicca il video e non vedrai niente!

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 31 Jul 2011 14:39:00 +0000

L'Unità ha pubblicato questo video sulle pagine dell'edizione on-line. Io non ho nulla da dire sul contenuto giornalistico in voce, anche perché non possiedo abbastanza informazioni. Non riesco però a non chiedermi quale possa essere il senso di un video del genere con tanto di incitazione a cliccare per vedere il video. Personalmente mi pare l'ennesimo tentativo di speculazione su avvenimenti più che tristi. Ovvero attirare il lettore con la promessa di vedere cose straordinarie (nello specifico straordinariamente tragiche) quando poi non si ha assolutamente niente da mostrare come in questo caso. Intanto il contatore degli accessi sale e le certificazioni da esibire agli inserzionisti diventano più solide e appetibili. Da notare che i codici perc incorporare il video propongono una dimensione maggiore, analoga a quella presente sule pagine de L'Unità, il che rende ancor meno comprensibil la visione del video. Personalmente ho difficoltà considerare un video simile come informazione. Se qualcuno invece riesce a trovare invece una strategia informativa di qualche tipo, purché sostenibile logicamente, è il benvenuto.

Il film più corto e la recensione peggiore

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Mon, 25 Jul 2011 09:51:00 +0000

Lo so, ho un brutto carattere, anzi un pessimo carattere come mi ricorda instancabilmente un amico e collega, ma ci sono cose che, nonostante sia cosciente abbiano scarsa rilevanza, mi fanno andare il sangue al cervello. Una di queste è la gratuita (e a mio avviso colpevole) superficialità da soggetti che per altro si prenodono la briga di scrivere in pubblico.
Stamattina, controllando la casella di posta elettronica via browser, la mia attenzione è stata catalizzata da una delle pseudo notizie che quotidianamente la pagina di accesso ai servizi di Yahoo sito elargisce ai suoi frequentatori. Non posso escludere che la notizia non circolasse da qualche giorno perché in genere non presto grande attenzione a queste informazioni in quanto mi irrita lo schema comunicativo che prevede quasi sempre un'interrogativa nelle righe visibili per attirare i lettori su link sponsorizzati. Al di là del non avere troppa voglia dui assecondare i ritorni pubblicitari di Yahoo, di solito evito di cliccare questi link perché gli argomenti trattati sono quanto di meno affine ai miei interessi io riesca a concepire. Stavolta però ci sono cascato.

La pagina di Yahoo.it come mi è apparsa stamattina.

Non tanto il titolo (Il film che dura un secondo) quanto la citazione nelle prime righe del nome di Anton Corbijn mi hanno fatto commettere l'errore di andare a vedere di cosa si parlasse. Non che mi aspettassi gran che, ma devo dire che sono rimasto esterrefatto nel leggere il testo. Cito testualmente l'attacco del pezzo di Ferruccio Gattuso: «Un miraggio al quale dissetarsi, dopo una traversata da incubo. Il pensiero più dolce, nel quale cullarsi per riprendersi dallo strazio. Benedetti film corti, dunque. Soprattutto per colui che, per fare solo un esempio, abbia dovuto sciropparsi quella chilometrica, infinita, soporifera, provocatoria lagna di "The Kingdom" del regista danese Lars Von Trier: quasi cinque ore di incomprensibile narrazione tra le corsie di un ospedale.»

Rifuggendo il dubbio che davvero, nomen omen, esistano presagi nei nomi o almeno affinità elettive tra i portatori di uno stesso cognome, sono comunque tentato, leggendo questo incipit, di rievocare i kubrickiani fasti di Arancia Meccanica (vedi foto a lato). Ovvero mi solletica alquanto l'idea di sottoporre alla visione coatta dell'intera filmografia di Lars von Trier, per non meno di una settimana, quel profondo esegeta del cinema contemporaneo che risponde al nome di Ferruccio Gattuso. Dal momento che non ho intenzione di perdere, contagocce alla mano, una settimana del mio tempo per rieducare il Gattuso e nel contempo garantirne la lubrificazione oculare, desisterò. Anche perché aben vedere la messa in atto di una simile progettualità implicherebbe la violazione di svariati articoli del codice penale che hanno a che vedere con il sequestro di persona, la violenza privata e una manciata di altre bizzarrie legali contrarie a un concetto più flessibile di giustizia. Non posso però esimermi dall'accondiscendere le inclinazioni dei più incalliti cinemasochisti. Per cui eccovi più o meno sei minuti e mezzo tratti dal film incriminato. Chi ha il coraggio si sciroppi la lagna e poi giudichi in libertà la profondità della speculazione del Gattuso.

Accidie personali a parte, il meglio di sé il munifico Gattuso ce lo regala dopo. Ecco come descrive il lavoro di Corbijn: « Se però vogliamo entrare nel territorio della provocazione, allora diciamolo: il film più corto della storia l'ha fatto un olandese, e alzi la mano chi pensa di batterlo. Il suo film dura un secondo netto, praticamente uno starnuto. Realizzato dal regista Anton Corbijn, prodotto dall'agenzia di comunicazione KesselsKramer, si intitola "Smallest Shortest Film" e, come si può evincere, non solo ambisce al record di brevità, ma anche a quello della dimensione. Perché è piccolo come un francobollo. A dirla tutta, il film ha una durata effettiva, nella scarnissima trama, di un secondo, ma tra sigla iniziale e finale, raggiunge la considerevole lunghezza di trentotto (38) secondi. Ed eccolo qui.»
Sfido chiunque a comprendere di cosa si sta parlando facendo riferimento al solo verbo di Gattuso.
In realtà si tratta di un'operazione della Poste Olandesi che, utilizzando la tecnica della stampa lenticolare, ha prodotto 350.000 copie di un francobollo che racchiude The Smallest Shortest Film. In pratica sono una trentina di fotogrammi che possono essere visti in sequenza semplicemente cambiando leggermente l'angolo di visione del francobollo. Avete presente certe terrificanti cartoline degli anni Sessanta-Settanta in cui a seconda dello spostamento del punto di vista o della cartolina si vedeva Cristo in croce aprire o chiudere gli occhi? Ecco il principio è quello, ma la tecnica decisamente più sofisticata, soprattutto nella riduzione dello spessore.
L'operazione richiesta dalle poste Olandesi è stata commissionata alla KesselsKramer cui è stato chiesto di generare una nuova idea per un francobollo. L'agenzia ha affidato ad Anton Corbijn il compito delle riprese e questi ha ritratto in una trentina di scatti una breve interazione con la modella, l'attrice Carice van Houten. Il claim che conferisce appeal all'operazione recita The Smallest Shotest film, il che probabilmente spiega la scelta di Yahoo di dare visibilità alla notizia. Prima di lasciarvi a quanto pubblicato su Vimeo dall'agenzia olandese, una piccola notazione. Il video in questione risulta caricato due volte, la prima volta dieci mesi fa e la seconda appena nove mesi fa: quando si dice cavalcare la notizia...

Frank Horvat: una sfida continua

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 24 Jul 2011 07:00:00 +0000

Quando lo incontri l’ultima cosa che ti verrebbe in mente, se non avessi letto la sua biografia, è che Frank Horvat possa avere ottantre anni. Classe 1928, se fosse nato oggi sarebbe croato, ma per le dinamiche storiche è nato in Italia ad Abbazia, oggi Croazia con il nome di Opatija.
Il fisico non tradisce l’età, almeno a prima vista. Alto, ancora atletico, voce ferma, sguardo sicuro, nessuna esitazione quando si muove. Si vede che una carriera di sessantacinque anni dedicati interamente alla fotografia aiuta a mantenersi in forma. Quando poi inizia a parlare, con voce calma e ferma ti rendi conto che non è solo una questione di aspetto: anche la mente è agile e scattante, pronta a raccogliere nuove sfide con il gusto dei vent’anni.
L’entusiasmo che dimostra nei confronti delle possibilità espressive offerte dalle nuove tecnologie e la lucidità con cui vengono esaminate e abbracciate dovrebbe far riflettere molti giovani e giovanissimi che ritengono di padroneggiare le tecnologie informatiche più evolute, ma in realtà non controllano che i comandi delle funzioni, senza avere la minima idea di cosa farne.
Frank Horvat ha invece ben chiaro che i nuovi strumenti sono funzionali ad allargare la sua capacità di esprimersi, a portare a termine i suoi progetti. Mi ha dedicato parte della sua mattinata e gliene sono grato. Non solo per il tempo che mi ha messo a disposizione.
Gli sono grato per il modo aperto al confronto, l’entusiasmo e la voglia di mettersi di continuo in discussione, perfino con me che potrei essergli figlio e poco potrei aggiungere al suo modo attento di guardare il mondo.
Gli sono grato per avermi mostrato il suo ultimo lavoro in cui nega l'istante decisivo e di cui parla nell’intervista, ma che giustamente non mi ha permesso di riprendere essendo ancora in fieri.
Gli sono grato per avermi per avermi aperto il suo iPad e offerto la visione del modo in cui la sua mente collega le circa duemila fotografie che ritiene degne di essere mostrate con tutto il lavoro di progettazione che c'è dietro e che compiuto finito solo tra qualche mese.
Gli sono grato per la fiducia che implicitamente mi ha accordato rivelandomi tutto questo e per aver ascoltato con attenzione e pazienza i miei commenti e le mie considerazioni.
Gli sono grato per avermi dimostrato che quando si continua a guardare il mondo con curiosità e voglia di raccontare e raccontarsi, allora davvero l’età anagrafica conta davvero poco.
Anzi a volte il sostegno dell’esperienza, non è che uno stimolo in più verso il nuovo e l’inesplorato. Le battute di aperture e di chiusura dell’incontro che, attraverso il video pubblicato qui sotto, voglio condividere con voi, credo ne siano la testimonianza più vivida. Buona visione.

Il dilemma della sequenza: istinto o razionalità?

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sat, 23 Jul 2011 07:00:00 +0000

Nei giorni scorsi, non meno di una ventina per chi legge, sono stato a Roma per una conferenza su Raymond Depardon al Forte Prenestino, all‘interno della programmazione di OcchiRossi Festival. Per non arrivare in ritardo da Milano ho preso un treno che mi ha permesso di arrivare a destinazione con un ampio anticipo, cosa che mi ha consentito di assistere all’incontro con Maurizio Cogliandro, giovane autore di Bracciano distribuito dall’Agenzia Contrasto.

Perché raccontare questa storia? Perché durante l’incontro con Cogliandro mi sono interrogato sulle ragioni della potenza del suo lavoro. Mentre le foto scorrevano sullo schermo avevo la netta sensazione di essere entrato in contatto con una forza atavica, quasi selvaggia, legata a pulsioni ancestrali. Per questo mi sono chiesto quale fosse l’origine di tutto questo: le singole immagini o altro. La risposta che mi sono dato è che parte, una parte importante, dell’energia generata da quelle fotografie derivava dalla singolare messa in sequenza. Cosa che in se non mi stupisce, al di là delle parole del fotografo che nella sua presentazione sembrava voler rifiutare sostanzialmente l’approccio più razionale al problema editing. La mia difficoltà non era tanto nel riconoscere lo schema quanto piuttosto nell’identificare lo schema che rendeva possibile il risultato. Di fronte alle immagini di Cogliandro mi sono trovato spiazzato e indifeso perché quel lavoro aveva palesemente delle precise strutture intorno alle quali si articolava. Il problema (per me) consisteva nel fatto che si non trattasse di strutture consuete e basate su associazioni meramente logiche. I collegamenti e le transizioni tra ogni immagine e la successiva erano a un livello, se mi è consentito usare questo termine, primordiale. Il che significa che il messaggio contenuto nelle immagini arrivava direttamente alla pancia senza i filtri protettivi che la ragione riesce a costruire e che personalmente mi sono molto cari. Provo a spiegarmi meglio. Normalmente quando lavoro su una sequenza cerco sempre di creare associazioni logiche basate su forme, contenuti, colore. Riferimenti abbastanza oggettivi che poi vengono utilizzati per restituire emozioni, sensazioni o informazioni in funzione della loro sequenza e di ciò che voglio raccontare. Niente di diverso a quello che si fa quando si scrive qualcosa in modo minimamente ragionato. Quello che stavo vedendo invece non mi era possibile inquadrarlo nello stesso modo, ma in compenso avvertivo la presenza molto forte di una struttura rigorosa almeno quanto quelle che sono abituato ad utilizzare. Un’esperienza gratificante per gli stimoli che è stata in grado di offrire, ma come spesso accade non si è conclusa in se. Il giorno successivo infatti avevo un secondo impegno nella Capitale: la giuria del concorso Rosso Piccante, che quest’anno ha voluto affrontare con un certo coraggio il tema delle storie fotografiche. Il che ovviamente significa lavorare sulle sequenze di immagini. E anche questo a fronte dell’esperienza precedente ha avuto il suo significato. In giuria ci siamo infatti trovati a discutere sulla coerenza delle sequenze trovandoci d’accordo sul fatto che il problema di molti lavori presentati, consisteva proprio nella fase di editing, che aveva portato a selezione un numero sbagliato di fotografie (a volte troppe a volte troppo poche) per raccontare le singole storie. Una volta individuati comunque i tre premiati che emergevano per la qualità generale dell’elaborazione narrativa, ci siamo trovati a selezionare un certo numero di autori da portare in mostra a fianco ai premiati. Per esigenze connesse alla logistica il problema era di limitare a quattro le immagini degli autori non premiati (mentre quelli premiati vedranno esposti i lavori nella loro interezza). A questo punto è emersa la necessità di scegliere le fotografie. Dopo un po’ di lavoro (un po’ tanto a dire il vero) ci siamo trovati difronte a sequenze di quattro foto che spesso mostravano una qualità estetica e narrativa superiore a quella dei lavori premiati. Ora liquidata velocemente la questione tecnica (ovvero i lavori erano da premiare nel loro complesso così come li aveva proposti il loro autore e non come risultavano in funzione di interventi esterni di addetti ai lavori), rimaneva in evidenza il problema della gestione delle immagini nel momento in cui queste devono lavorare non più isolatamente, ma insieme ad altre in un racconto organico. Ovvero è emersa con tutta la sua evidenza la desuetudine a pensare le fotografie come racconto e non come episodi singoli. In questo senso, ripensando all’esperienza con Cogliandro, mi sono sentito molto vicino a quanti hanno partecipato al concorso e che probabilmente, quando vedranno le selezioni fatte, troveranno che le proprie immagini hanno acquisito valore, ma probabilmente non saranno nell’immediato coscienti di cosa le fa funzionare meglio rispetto a prima. Riflettendo sull’importanza della messa in sequenza per riuscire a raccontare qualcosa con le fotografie non credo sia possibile arrivare a una posizione univoca. Per quanto sia banale, la soluzione migliore non che consistere nel miscelare l’approccio tecnico-razionale che si basa su associazioni pure di forme, linee e colori a quello più istintivo e intimo. Solo quando si riesce a mettere insieme testa e pancia si ottiene un lavoro che coinvolge chii si appresta a leggerlo. Occorre certo studiare come hanno lavorato altri fotografi (cosa che purtroppo fanno in pochi), ma al tempo stesso bisogna imparare riconoscere il proprio sentire per conferire qual qualcosa in più, quel qualcosa che appartiene profondamente. Altrimenti il rischio rimane quello di produrre solo caos o nella migliore delle ipotesi una imitazione più o meno riuscita di modelli già proposti da altri e come tali non necessariamente funzionali alle nostre necessità espressive.

Sandro Iovine

n. 230

Pensieri non conformi

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Fri, 22 Jul 2011 10:05:00 +0000

Arles. Tranquilli l'epopea di Arles finisce qui. Da domani niente più video traballanti figli della sperimentazione in un campo che non mi è proprio e niente più più pipponi a sostegno della gallica cultura fotografica. Da domani appunto, ma oggi vi tocca l'ultimo sproloquio, con l'unico vantaggio dell'assenza del video. Per questo potete ringraziare l'autonomia della batteria del fantastico oggettino da tasca che mi accompagnato nella settimana arlesiana, che non permetteva di registrare più di tre giga di video senza essere ricaricata.

Ora che siamo arrivati alla fine possiamo ripartire dall'inizio. Non conforme è il titolo della presentazione nonché il motivo ispiratore della manifestazione di quest'anno. Interessante provocazione, assai poco chiara nelle intenzioni se non si visitano le mostre dal vivo. Ma è anche questa è una specie di tradizione che si perpetua ogni anno prima della partenza dopo aver letto presentazioni, comunicati stampa e tutti i materiali che dovrebbero riuscire a farti arrivare con un minimo di preparazione e che invece ti lasciano in genere nel marasma più assoluto per assumere un minimo di senso solo dopo che hai visitato più o meno una metà delle mostre. La manifestazione di quest'anno ha preso come spunto la fotografia vernaculaire, che potremmo tradurre con dialettale, ovvero quella fotografia che prende spunto da se stessa, ma come una lingua viva si contorce e i trasforma sempre su stessa dando vita a declinazioni altre. Alcune vicine alla lingua ufficiale, altre meno o sempre meno vicine. Vorrei iniziare da una considerazione che prende spunto da brano (che al solito provo a tradurre estemporaneamente e pedestremente) della parte finale della presentazione di François Hébel, direttore dei Rencontres d’Arles : «Dopo dieci anni in cui talvolta sono sembrate scelte fragili, a volte esoteriche, presentazioni non accademiche, alcuni si domandano regolarmente se la foto-grafia non sia un genere superato. Eh no, non è mai stata così dinamica, varia, libera, significativa. I suoi territori si spostano, i suoi strumenti si moltiplicano e il pubblico che si interessa ad essa o che la mette in atto aumenta esponenzialmente. La fotografia è divenuta la prima pratica culturale in Francia, secondo uno studio del Ministero della Cultura.» Per amor di dignità più che di Patria credo che queste parole non necessitino di commento soprattutto se riflettiamo su quanto accade dalle nostre parti in termini di discussione sulla cultura delle immagini.

Meglio passare a a qualche velocissima considerazione del tutto soggettiva su alcune delle cose che maggiormente mi hanno colpito. Innanzitutto la selezione offerta dalla Galerie SFR Jeunes Talents Photo ospitata al Couvent Sanint. Césaire. In primo luogo con riferimento alle immagini di Marin Hock (Prix SFR Jeunes Talents 2011) ventiduenne belga con una profonda autocoscienza del suo ruolo di fotografo e una maturità espressiva che da insegnate mi piacerebbe incontrare almeno una volta nella vita. Quello che fa impressione nella sua serie D'une tristesse à l'autre è, oltre alla sicurezza dimostrata nelle immagini che propongono il racconto di un centro di psicoterapia, il rimando non so dire se cosciente o figlio di una avvenuta metabolizzazione alla grande fotografia psichiatrica di Raymond Depardon.

Mi ha colpito anche la maturità espressa dalla sintesi e dalla distillazione di uno schema di presentazione assolutamente simmetrico e convincente nella sua semplicità anche il lavoro Face à Face di Françoise Beauguion. Venticinquenne anche lei dimostra un approccio sistematico alla composizione in cui la serialità si esprime al suo massimo all'interno di uno schema che sempre la frustrante esperienza di insegnante dichiara assai complesso da far assorbire ai nostri giovani fotografi. inutile dire che all'interno di una conversazione estemporanea avvenuta per le vie di Arles ho sentito bollare questo lavoro come la solita esibizione di gente che guarda di qua e di là... Potrei perfino essere parzialmente d'accordo, ma per esserlo vorrei trovare un po' più di gente che si ponga il problema di produrre un lavoro almeno formalmente ineccepibile come questo.

La sala della Chappelle de Saint-Martin du Méjan
con la mostra di Miguel Barcelò e Douglas Gordon.

Momento interesante anche durante al visita alla Chapelle Saint-Martin du Méjan che ospita la mostra deidicata a Miguel Barcelò e Douglas Gordon. Il primo, alchimista virtuoso (per usare la definizione dei redattori dei testi presenti in mostra) dipinge alla cieca su una tela tela di lino nera che reagisce chimicamente alla candeggina per rivelare solo alla fine del lavoro i tratti dipinti dall'autore. Quale metafora più sublime della fotografia chimica che perde nell'opera di Barcelò i suoi connotati di riproduzione meccanica? Douglas Gordon, oltre video 24 hour Psyco del 1993, propone invece ritratti fotografici di star in cui l'intervento dell'autore si concretizza in bruciature che ditruggono parte della superficie del ritratto che viene poi posizionato su specchi e esposto in modo che chi osserva possa vedersi perfettemente riflesso nelle aree bruciate. È automatico che si inneschi un... gioco di identificazione e adattamento con il soggetto originariamente raffigurato. L'effetto è straniante, anche perché ad essere bruciati e quindi asportati sono sempre parti significative che da spettatori si cerca di riempire con il proprio volto, quasi a voler sanare la ferita prodotta dall'autore, che in realtà ci mette davanti alla razionalizzazione dell'operazione che compiamo inevitabilmente quando ci troviamo davanti a un'immagine. La nostra immagine riflessa nello specchio diventa quindi espressione della sincronicità del nostro processo interpretativo, frutto del vissuto e dalle nostre conoscenze sincroniche. Senza contare a un livello più superficiale l'effetto destabilizzante provocato dall'interazione tra il ritratto proposto, la propria immagine e il sapere che tutto questo è frutto della volontà dell'autore. Volontà all'interno della quale conserviamo una capacità di esercitare il libero arbitrio accettando o rifiutando di farci un autoritratto insieme a lui. Niente che non fosse già stato visto in forma più o meno esplicita, ma qui dichiarato senza possibilità di sfuggire al progetto autoriale.

Douglas Gordon, Self portrait of you + me (Marlene Reinaud), 2008.
Photographie brûlée et miroir offert en 2008 par l'artistà la collection Lambert en Avignon.

Prima di chiudere un doveroso omaggio alle capacità (e un po' anche alla follia) di Wang Qingsong e della sua Histoire des Monuments allestita preso l'Église des Trinitaires. Entrando la chiesa sconsacrata appare vuota, quantomeno rispetto all'abituale rigoglio espositivo che ogni anno la anima da luglio a settembre. Dopo un po' ci si accorge che l'opera dell'autore cinese parte da sinistra e percorre come un lungo nastro unico l'intera navata e e gira nell'abside. A ingannare è il colore della lunghissima stampa che è molto simile a quello della pareti della chiesa e il raffinato lavoro di emulazione dei bassorilievi. Esaminando con cura si scopre che i personaggi sono attualizzati con oggetti che non appartengono per chiari motivi cronologici all'arte classica.

Un particolare di Histoire des Monuments di Wang Qingsong.

Un video al centro della sala mostra le fasi di lavorazione che hanno portato alla realizzazione della faraonica opera. Oltre duecento figuranti sottoposti a tortura per una quindicina di ore, uno staff di tecnici per realizzare le singole immagini che compongono l'opera nel suo stato finale e tanta comprensione per i poveracci costretti a incastrarsi, coperti di una specie di fanghiglia repellente, per tanto tempo piazzati scomodissime posizioni all'interno di buchi più o meno preformati fatti in enormi pareti realizzate per l'occasione.

La realizzazione di Histoire des Monuments.

Con il suo lavoro Wang Qingsong, artista quarantatacinquenne nato nella provincia di Heilongjiang e che attualmente lavora a Pekino, vuole esporre il suo punto di vista circa il modo in cui viene raccontata la civilizzazione, le norme e i canoni della bellezza e della virtù. Il tutto si rifà alla tradizione cinese per cui la trasmissione dei fatti da una generazione alle successive è accompagnata da documenti relativi ai personaggi storici o della letteratura in cui i personaggi che detengono il potere hanno l'abitudine di riassumere le loro gesta. E ogni dinastia ha sempre interpretato se stessa in modo differente e spesso contraddittorio rispetto alle interpretazioni precedenti. Da questo ragionamento nascono una serie di interrogativi che esulano ampiamente il contesto puramente cinese e possono essere senza problema alcuno esportate in tutto il mondo per esortare alla riflessione sul valore dell'informazione e dei contenuti che essa trasmette sia nel contesto contemporaneo sia in quello storico di più ampio respiro. Il discorso peraltro riporta al ruolo sociale attivo dell'artista che si fa interprete del proprio tempo e delle sue liturgie, invitando a prendere una posizione meno acritica nei confronti del potere inteso in senso generale.

Un lavoro, per chiudere l'argomento, che si presenta nel suo insieme come delirante a livello realizzativo, condotto con metodi molto asiatici di gestione delle masse che fanno venire il sospetto che i redattori della redazione della Convenzione di Ginevra potrebbero avere qualche riserva sull'operato di Wang Qingsong. Al di là della facile ironia sul processo produttivo dell'opera, il risultato finale visto dal vivo è impressionante e assolutamente da non perdere se si passa per Arles prima della fine del 18 settembre.

L'ingresso di What Next? realizzata da FOAM.

Mi piace infine salutare da Arles con gli interrogativi posti dalla mostra What Next? realizzata da FOAM alla Bourse du Travail. Di tutte le esposizioni viste sicuramente la più concettuale e la meno fotografica. Oggetto del progetto sviluppato da FOAM, per celebrare il suo decennale, sono gli interrogativi sul possibile futuro dell'immagine fotografica all'interno di una società che, come il medium oggetto dell'indagine, è in piena trasformazione. Le domande sono poste ad artisti, critici, curatori, docenti universitari e autori ai quali viene chiesto di interrogarsi sul possibile futuro della fotografia. Si potrebbe discutere a lungo sulle risposte e sul loro senso, ma il discorso sarebbe infinitamente lungo e per il momento l'ho già tirata alle lunghe molto più del sopportabile. Mi piace lasciarvi con una delle domande che per interessi personali mi hanno colpito maggiormente. A voi trovare una possibile risposta.

Dalla mostra What Next? realizzata da FOAM alla Bourse du Travail di Arles.

Il punto della situazione: From here on...

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Wed, 20 Jul 2011 07:00:00 +0000

Arles. Mentre in certi ambiti ci si chiede ancora se sia meglio la pellicola o il digitale, c'è chi, preso definitivamente atto, di come sono andate le cose, cerca di fare il punto della situazione. Tra questi i soliti nomi noti nel mondo della fotografia che pensa e si fa domande: Clément Chéroux, Joan Fontcuberta, Erik Kessels* e Martin Parr. E dalle domande che questa brava gente si è posta è nata la mostra From here on... che si può visitare all'Atelier de Mécanique. Il luogo, come sempre suggestivo, è stato allestito circondando l'area espositiva con cospicue grate metalliche. Per oltrepassarle è necessario passarci letteralmente sopra. Ovvero salire una scala che porta in cima ad un soppalco metallico dove vengono controllati i biglietti, per poi poi scendere una seconda scala e trovarsi all'interno della mostra. Il tutto ricorda a primissima impressione un carcere o un campo di concentramento dall'esterno del quale è possibile spiare al vita dei prigionieri che si aggirano tra le immagini che a loro loro volta sembrano articolarsi in membrane che isolano fra loro gli individui. Fatte salve le considerazioni sull'opportunità di una soluzione del genere ai fini della sicurezza, quando si accede alla mostra si ha davvero l'impressione di immergersi all'interno di una realtà parallela visibile solo dall'esterno fino a poco prima. A rafforzare la sensazione di ingresso in un'altra dimensione l'arco che accoglie i visitatori come all'ingresso di una città antica. O per riprendere la metafora di poco fa, di una moderna prigione.

Il manifesto della mostra
From Here On...

Ai lati di questo ingresso ufficiale possiamo leggere oltre alle generalità degli illustri curatori, un vero e proprio manifesto relativo alla progettualità che sottende la mostra. Scusandomi in anticipo per la traduzione estemporanea e un po' pedestre, eccone il contenuto: «Ora, siamo come editori, tutti noi ricicliamo, tutti facciamo dei copia e incolla, tutti uploadiamo e misceliamo. Possiamo fare alle immagini qualsiasi cosa. Tutto ciò di cui abbiamo bisogno è un occhio, un cervello, un apparecchio fotografico, un telefono, un computer, uno scanner e un punto di vista. E quando non non editiamo, creiamo. Noi creiamo più mai, perché le nostre risorse sono illimitate e le possibilità infinite. Internet è piena di ispirazioni, di profondità, di bellezza, di fastidio, di ridicolo, di volgare, di dialettale e d'intimità. I nostri piccoli apparecchi catturano senza sforzo la luce più viva come l'oscurità più densa. Questo potenziale tecnologico ha delle ripercussioni estetiche. Trasforma l'idea che ci facciamo della creazione. Ne risultino dei lavori che assomigliano a dei giochi, che trasformano il vecchio in nuovo, rivalutano il banale. Dei lavori che hanno una storia, ma si iscrivono pienamente nel presente. Noi vogliamo dare a questi lavori un nuovo statuto. Perché le cose saranno diverse a partire da adesso.»

Al di là della forma enfatica che rimanda ai manifesti di inizio novecento con tanto di evoluzioni tipografiche, il contenuto della mostra è decisamente interessante. Certo non ci si deve avvicinare avendo in mente canoni estetici classici e tantomeno parafotografici. Ma il valore delle riflessioni che la mostra costringe a fare è indubbio. Già dall'allestimento siamo portati a farci delle domande sul modo in cui viviamo il nostro essere assediati dalle immagini e l'essere al tempo stesso artefici, o almeno partecipi della realizzazione di quell'assedio che contribuiamo ad alimentare ogni volta che produciamo in qualche modo un'immagine. Fermarsi, estraniarsi e uscire per qualche istante dal vortice in cui siamo presi, dal flusso che noi stessi rendiamo sempre più potente, permette di prendere le distanze e forse iniziare a capire qualcosa. I criteri della catalogazione una volta esplicitati come chiave di ricerca permettono infatti di misurare il livello di omologazione che sono in grado di produrre. Ne è un esempio l'interminabile sequenza di balde fanciulle sculettanti che si esibiscono in danze più o meno improbabile a beneficio della webcam e di un pubblico non identificabile a priori. Ma attenzione a non cadere in ipocriti moralismi che conducono a immancabili condanne aprioristiche. Non è prendendosi gioco della superficialità di queste... creature che aiutiamo la nostra comprensione. Ridurre tutto all'omologazione e chiudere lì il discorso non porta da nessuna parte. Se il senso del relativo ci assale (ad esempio davanti alle immagini di Walker Evans che prelevate dalla rete e ridotte alla stessa dimensione di stampa mostrano trasformazioni inaspettate mettendo a repentaglio la stessa riconoscibilità dell'immagine) non dobbiamo dimenticare che a fronte dell'omologazione, della perdita di certezze più o meno affidabili, c'è comunque un processo generale di formazione di una coscienza comune, anche se nelle sue forme non coincide con quella che siamo abituati a gestire.
E allora quello che dovremmo chiederci mentre giriamo per l'Atelier de Mécanique è fino a che punto quel turbinio di immagini che subiamo e che produciamo non influisce sulle modalità in cui nasce e si sviluppa nostro pensiero e conseguenzialmente la nostra esistenza? Fino a che punto tutto questo è un gioco? Cos'è veramente la società che produce pareti di tramonti tutti uguali o esibisce organi sessuali avulsi dal contesto di appartenenza all'individuo che ne è portatore e la cui ripetizione finisce per annullare ogni individualità?
Forse dovremmo semplicemente prendere coscienza dell'assunzione di responsabilità implicita in ogni azione visiva che compiamo. Fare una fotografia e uploadarla, non è un gesto privo di conseguenze. In ogni caso unendosi ad altre cellule creerà un corpo vivo di miliardi e miliardi di altre immagini, all'interno delle quali si evolverà un processo di pensiero collettivo. E potrà essere una cellula sana che contribuisce alla rigenerazione del corpo, o una cellula tumorale che finirà per consumare il corpo. Veicolare, raccogliere, produrre, fruire, modificare immagini sono tutti aspetti di uno stesso processo che per la sua immensità tende a sfuggire tanto alla nostra vista quanto alla nostra comprensione immediata. Forse è il caso di cominciare a prendere atto della sua esistenza. Provate! E... scommettiamo che dopo il gesto ossessivo di Clement Dullaart che trasforma se stesso in un salvaschermo umano (lo trovate alla fine del video qui sotto) smetterà di farvi sorridere per la sua stupidità e vi obbligherà a riflettere un po' di più?

* Se cliccando il link di Erik Kesseles doveste avere la sensazione che il vostro computer e il relativo browser siano definitivamente impazziti, non vi preoccupate, il problema psicotico non è ne vostro dei vostri strumeti informatici. Si consiglia di ricaricare più volte la pagina.

Chris Marker: il lato reale del surreale

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Sun, 17 Jul 2011 10:26:00 +0000

Arles. Il suo nome lo abbiamo almeno letto quasi tutti, o per lo meno quelli che hanno avuto la sfortuna di vedere Twelve monkyes (L'esercito delle 12 scimmie). Infatti, dopo un paio d'ore in cui al ruvido Bruce Willis ne capitano di ogni come solo in un copione hollywoodiano può accadere, proprio mentre scorrono i titoli di coda e tutti sono già in piedi per andarsene, ecco che sullo schermo viene ricordato il debito che Janet e David Webb Peoples (gli sceneggiatori) hanno contratto nei confronti di Chris Marker e del suo celeberrimo La jetée*. È probabile però che in pochi si ricordino il nome di Chris Marker, a meno di non nutrire interessi specifici o di non essere stati tanto sfortunati da incappare in uno dei corsi di Comunicazione visiva tenuti dal sottoscritto.

Bene, in ogni caso l'edizione 2011 dei Rencontres d'Arles, la quarantaduesima, ha dedicato una delle mostre più importanti proprio a una retrospettiva sul lavoro di questo poliedrico autore. Oltre trecento opere, realizzate tra il 1957 e il 2010, sono esposte infatti al Palais l'Archévêché, nella centralissima Place de la République. Entrando nelle sale espositive si è accolti da Coréennes , una serie di immagini realizzate nel 1957 in Corea del Nord da Marker, uno dei pochissimi giornalisti autorizzati a esplorare il paese. Lo spaccato che emerge dalle immagini è quello di una quotidianità scarsamente conosciuta all'occhio occidentale dell'epoca, all'interno della quale è a volte difficile intuire la durezza del regime. La straordinarietà delle immagini non consiste certo nel loro portato estetico, sostanzialmente mediocre a mio personale giudizio, quanto piuttosto nella difficoltà implicita nella realizzazione di un lavoro di questo tipo all'interno di un paese governato da una dittatura estremamente rigida, anche nei confronti dell'impiego delle immagini. Per certi versi può risultare divertente il fatto che questo lavoro riuscì in qualche modo a mettere d'accordo nell'unanime critica tanto la Corea del Nord quanto quella del Sud. Da una parte perché le immagini non contenevano il dovuto omaggio al dittatore Kim Il-Sung, dall'altra in quanto rappresentavano la realtà del Nord, condizione ritenuta già di per sé sufficiente a renderle censurabili.

Particolarmente ampia la sezione dedicata a Passengers, 2008-2010, sei pareti colme di fotografie riprese all'interno della metropolitana di Parigi il cui allestimento, tendenzialmente claustrofobico, riesce a richiamare, con modalità che sfuggono alla sfera razionale per affondare direttamente in quella emotiva, lo scorrere della vita all'interno e all'esterno dei vagoni. Come nella realtà di uno spostamento in metropolitana, stando all'interno della sala si è infatti circondati di volti sconosciuti, che ci sfilano di davanti e che non riusciamo a identificare se non per una precisa scelta in questo senso. Riecheggiando una frase di Cocteau, secondo il quale durante la notte le statue scappano dai musei per andare passeggiare nelle strade, Marker afferma di ritrovare talvolta nei volti dei passeggeri della metropolitana parigina i modelli dei grandi maestri della pittura.

Dalla retrospettiva dedicata a Chris Marker.

Nascono così le serie After Dürer, Silent Movie e Les hommes creux in cui Marker affronta l'universo sensibile attraverso la ricostruzione di un suo percepito all'interno del quale avvendono una sorta di rincasellamento dei codici visivi e una catalogazione dei volti in cui si esperisce e metabolizza, rideclinandola al presente la storia dell'arte occidentale con tutto il suo portato. Grazie anche al già citato allestimento la sensazione è quella di poter magicamente penetrare all'interno del solitario universo visivo e visionario dell'autore, con un effetto full immersion in cui si colgono le forti istanze interrogative nei confronti del valore del tempo. Proprio per questo se si visita la sala dove ha luogo la proiezione de La jetée dopo aver camminato tra i volti di Passengers, si riesce a cogliere ancor più forte del solito la grande domanda sul valore del tempo che sembra legare buona parte del lavoro di Marker.
Qui sotto come al solito ormai in questi veloci report da Arles, il video con le immagini della mostra.

* La jetée, è un cortometraggio di Chris Marker interamente realizzato, nel 1962, con immagini fotografiche in bianconero (e un brevissimo spezzone di girato cinematografico)Interamente realizzato in bianconero ha una durata di circa 26 minuti. Di seguito i link alle tre parti in cui è possibile reperire il cortometraggio su Youtube: parte prima, parte seconda, parte terza. In tutto sono solo 26 minuti.

¡Qué viva México!: la fotografia messicana ad Arles 2011

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Fri, 15 Jul 2011 08:47:00 +0000

Arles. In memoria di Sergei Eisenstein verrebbe da scrivere Да здравствует Мексика! (¡Qué viva México!) dopo aver visitato la ricchissima serie di mostre dedicate alla fotografia messicana ai Rencontres d'Arles. Come tradizione, una cospicua parte delle esposizioni è dedicata anche quest'anno a uno stato. E dopo Cina, India e Iran nel 2011 è la volta del Mexico.

Alla mostra di Graciela Iturbide ho già dedicato un post in cui ho dato conto della nostra lunga conversazione, per cui non mi dilungherò oltre limitandomi, nel video a corredo di questo post a mostrare qualche immagine della visita guidata condotta dall'autrice il 7 luglio. Nella stessa sede espositiva, l'Espace Van Gogh, è poi possibile vedere la mostra la Mexique: Photographie et Révolution, un'interessante retrospettiva con documenti di grande interesse storico e iconografico. In particolare ho trovato interessante le sezioni in cui vengono mostrati gli utilizzi della fotografia nel racconto del contemporaneo e la lucida coscienza dimostrata da grafici ed editori nella messa in pagina delle immagini. In essa si nota inequivocabilmente una straordinaria chiarezza di intenti, soprattutto nell'esposizione dei corpi e della morte (vedi le immagini di Villa passato a... miglior vita) che appare esemplare sotto il profilo dell'impiego politico dell'immagine fotografica.

Arles, Église des frèeres Précheirs, l'allestimento
della mostra Gabriel Figueroa, La traversée d'un regard.

Della massima suggestione l'allestimento, presso l'Église des Frères Précheurs, della mostra Gabriele Figueroa, la traversèe d'un regard. L'impatto provenendo dalla luminosità esterna è straordinario. Lo slancio architettonico tra romanico e gotico, immerge lo sguardo verso l'alto a misurare l'ampiezza del buio punteggiato dagli schermi disposti lungo il perimetro interno. In quelle che devono essere state cappelle frammenti in loop di film di Luis Buñel (di cui Figueroa ha curato la fotografia) si trasformano in altari laici dedicati all'immagine. La penombra cui man mano l'occhio si adatta è accarezzata da una musica lenta ed evocativa che scandisce il rimando tra i due schermi più grandi su cui si disegnano volti e sguardi che amplificano gli spazi. La percezione del tempo diventa un'ipotesi. Man mano che gli occhi si abituano le postazioni di visione, corredate di testi esplicativi, emergono dal nero con il loro carico di spettatori. Scivolando verso il centro della sala ti ritrovi immerso in una sorta di effetto ipnotico per cui potresti rimanere ore a perderti nello sguardo di Figueroa.

Decisamente una delle cose migliori viste in questa edizione dei Rencontres. A dimostrazione di come sia sufficiente non considerare la fotografia con sguardo miope per realizzare delle opere di assoluto valore espositivo e culturale. Un'esperienza che consigli vivamente a chiunque ritenga di avere un minimo di interesse per l'immagine e si trovi a passare nei dintorni di Arles entro settembre.

Dissacrante invece la mostra Univers privés, illusions pubbliques, in cui Daniela Rossell scandisce le improbabili esternazioni private del potere economico delle classi più agiate in Messico. In un trionfo di cattivo gusto esasperato, i protagonisti sono incastonati nei loro ambienti intimi, di cui si riesce a non ridere solo in considerazione del fatto che il lavoro dell'autrice esclude di pensare il tutto come una farsa esasperata.

Un po' penalizzata dalla collocazione è invece a mio avviso la mostra di Maya Goded, che nelle sue due sezioni (Welcome to lipstick e Land of witches) affronta con immagini pacate e forti nel contempo temi antropologici che, da non messicano, ho trovato suggestivi e interessanti.
A penalizzare l'esposizione la vicinanza con la sala in cui era proiettato il lavoro di Dulce Pinzon (La véritable histoire des super-heros) dedicata ai lavoratori messicani emigrati negli States. Questi sono stati ritratti in contesti di assoluta normalità lavorativa, ma con indosso costumi sa super eroi. A primo impatto il mio giudizio è stato assolutamente negativo per la retorica sottesa dal connubio tra scelte estetiche, titolo e argomento del lavoro fotografico. Rendere persone che compiono lavori mediamente umili dei super eroi facendogli indossare dei costumi, mi è sembrata una sovrapposizione di segni intollerabile e grondante di una retorica buonista piuttosto infantile. A farmi rivalutare il lavoro però i dati relativi alla professione e alle cifre che queste persone riescono ogni mese a inviare a casa in Messico. Purtroppo nel video a corredo di questo post, le informazioni proiettate a fianco delle immagini scompaiono a causa di un gap di esposizione non risolvibile. Uscendo dalla sala di proiezione sono rimasto con una serie di dubbi sull'opportunità delle scelte di tipo estetico, ma il lavoro di Dulce Pinzon ha comunque il grande merito di indurre alla riflessione su realtà che senza andare negli Stati Uniti, possiamo verificare sotto i nostri occhi tutti i giorni anche nelle nostre città.

Nel Cloître SaintTrophime, in pieno centro, è ospitata la mostra di Fernando Montiel Klint (Actes foi) la cui esasperazione formale vorrebbe, a suo dire, mettere in luce gli aspetti più inquietanti della nostro vivere quotidiano. La costruzione cinematografica, se mi è consentito riportare la definizione utilizzata dallo stesso autore (definizione che per altro mi rimanda immediatamente a Jeff Wall), è sicuramente di prima qualità e i rimandi a stilemi e stereotipi della fotografia pubblicitaria hanno indubbiamente un senso all'interno dell'impianto teporico che sottendenderebbe il lavoro. Ciò non di meno e nonostante la volitiva esposizione di Fernando Montiel Klint durante la visita guidata, la visione della mostra non ha fugato le mie perplessità sull'insieme del lavoro.

Come forti dubbi mi sono rimasti visitando, all'Atelier des Forges, 101 tragédies di Enrique Metinides. Un cartello all'ingresso della mostra avverte che le immagini possono risultare fastidiose per un pubblico sensibile. In effetti la cronaca seguita con attenzione regala spettacoli davvero poco piacevoli. In un florilegio di aerei accartocciati al suolo (dopo aver visto questa mostra semmai andrò in Messico mi terrò rigorosamente lontano da qualunque oggetto volante), spiccano immagini come quella di un bimbo con la mano finita nel tritacarne e portato al pronto soccorso con l'utensile da cucina ancora attaccato al braccio, o meglio a ciò che ne rimane. E ancora una radiografia che mostra una bottiglia di tequila finita all'interno del bacino di un uomo a seguito di pratiche su cui è meglio stendere un velo di pudore o il ritratto di una donna morta in un incidente stradale in cui colpisce l'irreale la cura di acconciatura e trucco (era appena uscita dal parrucchiere per andare a registrare una trasmissione televisiva). Potrei continuare e non direi nulla che chiunque abbia un po' di pratica con la cronaca non conosca a perfezione indipendentemente da dove viva. La cosa che infastidisce, o perlomeno che ha infastidito me, è l'esibizione di didascalie che ironizzano, quando non cercano di fare del discutibilissimo umorismo, sulle situazioni narrate dalle immagini. Considerato che in linea di massima ci si trova di fronte a qualche tragèdie, la cosa non mi sembra espressione di particolare buon gusto. Che poi Metinides possa essere un grande fotografo di cronaca, un catalogatore che riesce a cogliere una strana poesia della morte, non lo metto indubbio, ma c'è una morbosità di fondo in questa mostra che mi irrita a partire dal titolo che le è stato assegnato.

Tante parole e nessuna immagine per raccontare le mostre messicane di Arles 2011?
No, no, basta cliccare come al solito il video qui sotto.

Michel Bouvet: tra Rhino rose e bleu Zébu

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Wed, 13 Jul 2011 07:40:00 +0000

Arles. Negli ultimi anni ce lo siamo chiesto in molti: ma quale accidenti sarà il criterio con cui sono stati scelti i loghi che hanno identificato le ultime edizioni dei Rencontres d'Arles?

Michel Bouvet.

La risposta si trova facilmente quando si visita all'Atelier de Maintenance la mostra dedicata a Michel Bouvet e intitolata, con minimamente celata autoreferenzialità, Les Rencontres d'Arles. Michel Bouvet è un grafico la cui attività si concentra per lo più nel'ambito della promozione culturale. I suoi lavori si concentrano infatti nel campo del teatro, della musica, dell'opera, della danza, dei festival e dei musei. Al suo attivo ci sono una settantina di mostre realizzate in tutto il mondo e a lui va il merito di aver ridefinito l'immagine dei Rencontres d'Arles in occasione del rilancio avvenuto nel 2002. Ad accogliere i visitatori nella mostra sono le parole di François Hébel, direttore dei Rencontres, che nella sua presentazione esordisce dando voce proprio alle domande che tutti i frequentatori di Arles si fanno da qualche anno a questa parte: «Che verdura, che animale? Ma qual'è il senso? I manifesti di Arles creati da Michel Bouvet per i Rencontres d'Arles suscitano ogni anno numorose domande alle quali non siamo in grado di rispondere. Quando si trattò di rilanciare i Rencontres nel 2002, abbiamo consultato i migliori studi grafici nell'intento di rendere piccante il messaggio. Michel Bouvet ci prese alla lettera e fu il scelto. Ma il primo anno generò parecchia confusione. Al posto del peperone, alcuni immaginarono un peperoncino, una carota, i tassisti arlesiani mi chiesero cosa fosse quella focaccia di granturco alle fermate dell'autobus, quello che avrebbe potuto essere un fallimento totale del messaggio si è rivelato invece uno stimolo enorme per il dialogo e il passaparola. Abbiamo quindi deciso di insistere nell'assurdo. In qualche anno siamo passati dal frutteto allo zoo, ma il metodo di Bouvet è rimasto lo stesso.»
Ed ecco la mostra, dal bozzetto al manifesto finale, che riassume il lavoro di questo straordinario grafico in relazione ai Rencontres. Le linee sono essenziali, apparentemente semplici, di sicuro prive di tratti inutili e per questo tremendamente efficaci. Estremamente interessante poi il video che mostra la realizzazione dei manifesti portando lo spettatore in tipografia. Alla fine, confrontando tutti i manifesti, appare chiara la coerenza grafica che rende impossibile, pur nelle ovvie differenze, non riconoscere a colpo d'occhio che si tratta dei Rencontres. E infatti è ormai un gioco consolidato nella consuetudine arlesiana il chiedersi cosa diavolo si sarà inventato quest'anno quel demonio di monsieur Bouvet.

Arles 2010, le Rhino rose in Place de la Repubblique.

Soprattutto da quando è stata inaugurata la divertente tradizione della statua in vetroresina con il simbolo dei Rencontres. E infatti nella sala finale dove sono esposti tutti i manifesti di Bouvet, il Rhino rose della scorsa edizione, debitamente restaurato, troneggia tra due pareti di manifesti che pendono dal soffitto come due ali intorno alla statua. Dopo aver utilizzato le bleu Zèbu per iniziare tutti i post e i video sull'edizione 2011, sarebbe stato quindi impossibile non partecipare, nel mio piccolo, alla glorificazione del buon vecchio Rhino rose che lo scorso anno amava abbeverarsi nella fontana di Place de la Repubblique. Eccolo quindi nel suo fulgore un po' vissuto come testimoniano le scritte con i pennarelli sulla sua schiena. Per vedere cosa invece faceva quest'anno invece basta cliccare il video qui sotto.

Nani, paesaggi e archivi

noreply@blogger.com (Sandro Iovine) — Tue, 12 Jul 2011 07:26:00 +0000

Arles. Tra le cose che stupiscono sempre quando si cammina per le strade di Arles durante i Rencontres c'è la frequenza con cui si sente parlare italiano. I connazionali che convergono in Provenza durante la prima settimana di luglio sono sempre particolarmente numerosi, ma la stessa densità non si può dire sia riscontrabile a livello espositivo. Al di là della presenza storica e consolidata del Museo Ken Damy, il coinvogimento nazionale è in genere affidato a estemporanee apparizioni all'interno dell'attività espositiva. Quest'anno le cose non si può dire siano andate in modo troppo diverso, come per altro era logico aspettarsi. A rappresentare la nostra fotografia le immagini del giovane barese Domingo Milella, che per il premio Découverte des Rencontres d’Arles ha presentato una selezione dei suoi lavori più significativi. Nelle sue immagini il paesaggio rivela la stratificazione dei luoghi e le interazioni tra uomo e natura facendo emergere le caratteristiche fisiche, etnoantropologiche e biologiche che le hanno prodotte.

Altro italiano la cui presenza mi ha colpito è Nicola Lo Calzo, che ha portato ad Arles, dal 5 al 10 luglio, la sua mostra Morgante. Morgante è il nome del più raffigurato dei cinque nani della corte medicea a Palazzo Pitti nonché il protagonista del poema di Luigi Pulci che da lui prende nome. Per questo motivo il suo nome è stato scelto per simbolizzare la condizione dei nani in Africa, soggetto delle immagini di Nicola Lo Calzo. Narrare una condizione di vita particolarmente complessa in relazione alle condizioni sociali all'interno delle quali si sviluppa, vuole essere l'intento dell'autore che si propone di stimolare una riflessione sul superamento della condizione del monstrum con cui vengono quasi sempre identificate e percepite queste persone. Lo scopo è quello di rimuovere il pregiudizio per poter raggiungere un pieno riconoscimento della condizione di diversità. Questo lavoro è esposto fino al 30 luglio anche a Firenze presso il Museo Nazionale Alinari della Fotografia, dove le fotografie sono affiancate da una selezione di una ventina di scatti del progetto The Other Family.

Mi ha infine fatto piacere ritrovare l'Archivio Fotografico Italiano che, nell'arco di sei anni, ha consolidato la propria presenza ad Arles conquistando una posizione nella prestigiosa e centralissima Place de Forum. Ma cosa spinge ogni anno questi ardimentosi ad affrontare il caldo e le zanzare provenzali per portare la fotografia italiana in terra di Francia? Per saperlo basta ascoltare Claudio Argentiero cliccando sul video pubblicato qui sotto.