FOTOgrafitura

NOSTALGIAS

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Tue, 21 Jul 2015 18:14:00 +0000

La demolición de la fábrica de Kodak en Rochester...

Ver nota y video >>>

DE IMÁGENES, PALABRAS Y ASPIRACIONES INCUMPLIDAS EN EL ETERNO BARTHES

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sat, 18 Jul 2015 17:09:00 +0000

¿Es posible evitar la tentación de releer infinitamente la vida de un genio? ¿O de imaginar las novelas que no escribió?

Ver artículo >>> Apuntes de la novela que Barthes no escribió, por Beatriz Sarlo

Carta de Stephen Shore a un joven artista

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Tue, 30 Jun 2015 23:51:00 +0000

Querido joven artista,

Sí, creo que puedes hacer ambas cosas, participar en el mundo del arte y mantener tu integridad. Pero tu éxito haciéndolo depende de la relación que tengas con tu obra.

He dado clases en el Bard College durante más de veinte años. También he tenido la oportunidad de conocer a muchos estudiantes graduados en diferentes universidades a lo largo de los años. Cada vez me encuentro a más estudiantes a los que les mueve el deseo de tener una exposición en Chelsea y ser artistas de éxito. Desde luego, no todos los estudiantes, pero sí he notado un cambio claro.

Es comprensible, por supuesto. Pero, para mí, tiene poco que ver con el porqué hago arte. Creo que el arte está hecho para explorar el mundo y la cultura, para explorar el medio que has elegido, para explorar dentro de uno mismo. Está hecho para comunicar, a través del lenguaje de la técnica, una percepción, una observación, un punto de vista, un estado emocional o mental. Está hecho para contestar, o intentar contestar, preguntas. Está hecho para divertirnos. En resumen, está hecho para responder demandas y necesidades personales.

Un estudiante puede ver una obra y decirse a sí mismo: ‘Esto es una gran obra de arte. Yo también quiero hacer una gran obra de arte’. Y así, el estudiante empieza a intentarlo. Y si tiene un poco de talento, puede producir algo que se parezca a una obra de arte casi convincente. Si alguien no supiera nada más, podría confundirlo con una obra de arte. El único problema es que la gran obra de arte que el estudiante admiraba no había sido concebida con los mismos motivos. Fue la consecuencia de la búsqueda personal del artista.

Tener ambición no es un problema. De hecho, la ambición es necesaria para ser capaz de sacar el tiempo necesario de las actividades de tu vida diaria para producir tu trabajo. La cuestión es cómo orientar esa ambición. Si sigues tu camino personal, exponer y vender tu obra no te hará ningún daño. De hecho, quizá te podrías ganar la vida con ello, incluso vivir muy bien. No tiene nada de malo. El problema viene cuando el mercado empieza a influir en tus motivos y decisiones. Si tu trabajo necesita evolucionar y cambiar, puede significar que abandones lo que un día te trajo reconocimiento.

Por supuesto, quieres establecer tu propia voz como artista y, como dices, ‘desarrollar un sentido de identidad’. Pero si te esperas a saber que por fin lo has encontrado, quizás nunca llegues a exponer. Encontrar tu propia voz puede ser un proceso, pero no un objetivo. Tengo estudiantes que empiezan a estudiar fotografía en la universidad y me dicen que quieren ‘expresarse a sí mismos’ y pienso: ‘tienes solo dieciocho años, ¿cómo puedes expresarte a ti mismo cuando ni si siquiera te conoces?’ Pero eso no debe desanimarlos. En el aprendizaje y la práctica del arte, pueden embarcarse en el sendero del conocimiento de sí mismos.

Tengo una sola cosa más que añadir. Al hacerlo, puede que te esté malinterpretando y menospreciando pero tengo la sensación, por el tono de tu carta, de que estás usando tu dilema moral como excusa para no implicarte en tu trabajo, así como tu vulnerabilidad para evitar mis críticas. Corta el rollo.

Buena suerte y mis mejores deseos,

Stephen Shore
Tivoli, Nueva York

Tomado de: Siéntate y observa...

DOISNEAU Y «LAS BABAS DEL DIABLO»

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sun, 07 Mar 2010 22:45:00 +0000

Hay algunas historias las cuales, por más que sean conocidas, vale la pena recordar. La foto El beso del Hôtel de Ville, de Robert Doisneau, goza de la reputación de ser una de las más reproducidas y vendidas en la historia del medio. Tiene todo lo que a una fotografía directa se le puede pedir: vitalidad, foco selectivo perfectamente situado, movimiento, traslapos precisos en su imprecisión, interminables juegos entre planos situados a diversos niveles y un gran candor que, además, remite a todo un campo semántico, arrastrando con ello innumerables tópicos... Paris, l'amour...

Pero, ¿se trata en realidad de una foto cándida? Hoy bien sabemos que no, que la foto fue actuada. Cada vez que le presento la historia a mis alumnos, invariablemente, hay una exclamación de decepción ante el engaño, y lo que sigue es la explicación de la diferencia entre los conceptos de historicidad, veracidad y credibilidad en la fotografía. También sabemos que, años después de tomada, se desató un proceso legal por los derechos de imagen de la pareja de la foto, sabemos que la demanda la entablaron unos vivillos que no eran los modelos reales, que Doisneau tuvo que reconocer su ardid y que la modelo original dio un giro a su vida subastando su copia en 2005 y obteniendo por ella una suma exorbitante. Si no conoces la historia, échale un ojo a estas notas:

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No fue, por cierto, la única vez que Doisneau visitó los tribunales a causa de una de sus imágenes. En el clásico La fotografía como documento social (1974), de Gisèle Freund, se consigna la anécdota de otra foto aparentemente inocua que le trajo algunos problemas al hombre que vemos aquí...

En este caso, el simple acto de levantar la cámara y accionar el obturador provocó una pequeña tormenta. El hombre y la chica no se conocían entre sí, coincidieron en esa barra para hacer lo que tantos parisinos hacían y hacen habitualmente: tomar una copa. Tal vez ella esperaba a su novio... Tal vez él buscaba reposo despúes de una jornada dura en su trabajo como profesor... Un desconocido con una cámara les pidió permiso para fotografiarlos, a lo que accedieron. Posteriormente la imagen apareció ilustrando un artículo acerca del alcoholismo y, después, otro sobre la prostitución. ¿Hay algo —además de la evidente presencia de las copas— que nos haga verlos como alcohólicos? ¿Tiene ella el aspecto de una prostituta? Ella voltea tímidamente hacia abajo y juega con la copa, pero su nerviosismo ¿se debe a la presencia del hombre a su lado, o a la de la cámara? El caso fue a los tribunales.

Parece que Doisneau tenía la capacidad de provocar revuelo cada vez que, a plena vista o agazapado, entraba en acción. No se conoce la historia de la pareja que escoge un cuadro para decorar la sala de la casa. ¿Cuál habrá sido su reacción al ver la foto publicada? ¿De indignación? ¿De risa? ¿De condescendencia? Y, además: ¿verdaderamente se trata de una pareja que escoge un cuadro? La historia está en nuestra mente, no en la imagen, que es solo un detonador.

Sea como fuere, el solo hecho de levantar la cámara, enfocarla sobre alguien y accionarla puede tener consecuencias insospechadas, «trastocar la realidad», alterar el devenir de los hechos, modificar los destinos... Inevitablemente viene a la memoria el relato Las babas del diablo, de Cortázar, precisamente centrado en esa acción por parte de una fotógrafo aficionado que "es culpable de literatura, de fabricaciones irreales", quien, tras el vendaval que su acción provoca por haber roto (él todavía no lo sabe) un triángulo de perversión, ya en la soledad de su casa, comprende la realidad a posteriori, en la contemplación de la imagen:

«De pronto el orden se invertía, ellos estaban vivos, moviéndose, decidían y eran decididos, iban a su futuro; y yo, desde este lado, prisionero de otro tiempo, de una habitación en un quinto piso, de no saber quiénes eran esa mujer, y ese hombre, y ese niño, de ser nada más que la lente de mi cámara, algo rígido, incapaz de intervención.»

¿Cuántas veces no habrá tenido el propio Doisneau, ante las invisibles y finas telarañas que colgaban de sus imágenes, esa sensación? ¿Cuántas veces no habrá pensado las palabras que Cortázar escribió y de las que aquí reseñamos unos cuantos primeros planos?:

«Entre las muchas maneras de combatir la nada, una de las mejores es sacar fotografías, actividad que debería enseñarse tempranamente a los niños pues exige disciplina, educación estética, buen ojo y dedos seguros.»

«... el fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo por otra que la cámara le impone insidiosa...»

«Creo que sé mirar, si es que algo sé, y que todo mirar rezuma falsedad, porque es lo que nos arroja más afuera de nosotros mismos, sin la menor garantía...»

«Curioso que la escena (la nada, casi: dos que están ahí, desigualmente jóvenes) tuviera como un aura inquietante. Pensé que eso lo ponía yo, y que mi foto, si la sacaba, restituiría las cosas a su tonta verdad.»

¡LARGA VIDA A LA SEMIÓTICA!

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sun, 28 Feb 2010 03:52:00 +0000

Hoy en día la palabra semiótica, que en alguna época le llenaba la boca a los teóricos de la comunicación, la literatura y el arte, causa incluso cierta extrañeza cuando sale a colación: «¿Qué no es un enfoque que estuvo de moda en los años setenta y ochenta?»

En aquella época también resultaba extraña, pero por otros motivos. A un colega le ocurrió que en una cena le preguntaron a qué se dedicaba y, cuando dijo que era profesor, inevitablemente siguió:

— ¿Y de qué da usted clases?

— De semiótica.

(Silencio prolongado y embarazoso.)

— ¿Qué es eso? —se animó a preguntar un valiente.

— Es una disciplina que se dedica al estudio de los signos —respondió mi colega, para irse por la vía corta.

— ¡Los signos! —dijo una de las presentes bastante animada—. ¡Ese tema siempre me ha parecido fascinante! Fíjese usted que mi marido es Virgo y yo soy Capricornio...

Aquello derivó en pura astrología de sobremesa, menos mal...

En efecto, la semiótica espantaba por el hermetismo —y acaso deberíamos agregar: la pedantería— de su lenguaje lleno de neologismos y de desarrollos léxicos individuales que le daban a los textos de algunos autores un sesgo cercano al solipsismo. Del intento de algunos por meter orden resultaron estudios metarreferenciales, finalmente no menos herméticos a pesar de su vocación explicativa, destacando entre ellos el clásico: Semiótica. Diccionario razonado de la teoría del lenguaje, de Greimas y Courtés (Madrid: Gredos, Vol. 1, 1979, Vol. 2, 1986).

Hace poco encontré una estadística reveladora, que da cuenta del desarrollo de la cuestión. La tomo de la introducción del libro Photography Theory, editado por James Elkins (Nueva York: Routledge, 2007).

Lo que Elkins ha hecho es utilizar como referencia la Bibliography of the History of Art, el reconocido recurso para la investigación desarrollado conjuntamente por el Getty Research Institute (EUA) y el Institut de l'Information Scientifique et Technique (Francia), y medir la frecuencia de las palabras clave que se utilizan para la clasificación de artículos indexados.

Hasta el año 2000, la etiqueta «semiótica» aparece en un notable tercer puesto, después de «feminismo» y de «psicoanálisis». Asimismo, su presencia es abrumadoramente mayor a la de las etiquetas «deconstrucción» y «estudios visuales». Sin embargo, ya en la década de 1990 a 2000 su tendencia de aumento presenta un ligero freno respecto de las tres décadas anteriores, en las que había manifestado una continuidad de ascenso. Es previsible que en la década que acaba de terminar esa ralentización haya continuado, en contraste al aumento de los contenidos etiquetados bajo las palabras clave referentes a otros enfoques en boga ya que, nos guste o no, la crítica y la academia están sujetas a tendencias, a modas y a la apremiante necesidad por parte de los investigadores de anotarse puntos curriculares, así como de las editoriales por mantener las máquinas de impresión en funcionamiento.

Si aceptamos, con base en estos números, que la semiótica mantiene una cierta vitalidad, ¿qué explica, entonces, su aparente decaimiento*? Mi punto de vista particular, como observador de la disciplina desde los años ochenta, es que hay dos factores que inciden notablemente en el actual estado de la cuestión:

Primero: En los textos semióticos se ha optado por un lenguaje más accesible a un público vasto. ¿Semiótica light? Finalmente se ha entendido que los cotos de poder académicos no benefician a nadie y se ha aceptado la necesidad de contribuir a una divulgación del conocimiento que hoy se encuentra en plena expansión.

Y segundo: La terminología semiótica se ha incorporado, en ocasiones sutilmente, a otras disciplinas y enfoques que la han empezado a utilizar como una herramienta intermedia, la cual les ayuda a resolver asuntos parciales dentro de sus estudios. En este sentido, son innegables los préstamos, hibridaciones y maridajes entre la línea semiótica y las de los estudios culturales, de la teoría de la recepción y la deconstructiva, entre otras.

Como consecuencia, aunque hoy por hoy la semiótica ya no es una bandera que se exhiba con ostentación, el potencial de su aportación subyace en los estudios pertenecientes a multiplicidad de líneas teóricas empeñadas en desentrañar las características de los universos de sentido, esos que, a su vez, nos dan sentido.

* Esta idea de una posible «falta de actualidad» ha sido planteada en:
Paolo Fabbri, El giro semiótico. Barcelona: Gedisa, 2000.

Si tú me SMILE... yo te SHOOT...

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Thu, 18 Feb 2010 17:57:00 +0000

Lo sé, lo sé: esto tiene ya tres años en el mercado, pero es que todavía no me puedo acostumbrar. ¿Smile shot? ¡Casi un delicioso oxímoron involuntario! Si sonríes, te disparo... Si acaso no conoces este macabro invento y por lo tanto no sabes de qué estoy hablando, ahí te va. Y otra vez, lo sé, lo sé... está en japonés. Pero es que las sonrisas son universales, ¿o no?

http://www.youtube.com/watch?v=N1WC_00L0b0

¡Aaahhh! El Smile Measurement Software fue presentado en 2007 por la compañía japonesa Omron, e inmediatamente adoptado por los fabricantes de cámaras fotográficas, con Sony y Olympus a la cabeza. El boletín de prensa de Omron no tiene desperdicio. En él nos enteramos de que en la feria empresarial donde se presentaría el software, los asistentes podrían «sonreír y ganar» en un peculiar duelo (sin bofetada previa, para no afectar la sonrisa):

«Los competidores del torneo se enfrentarán a la cámara en una batalla de 30 segundos para vencer la sonrisa de su oponente. Los ganadores serán determinados por el software recién desarrollado por Omron, que calificará cada sonrisa en tiempo real en una escala del 0% al 100%.»

En efecto, una de las gracias de la «tecnología de medición de sonrisas» —¡que funciona aun cuando el rostro está desviado hasta 30 grados del eje de la cámara!— es que es capaz de calificarlas atribuyéndoles un valor porcentual, lo que puede ser extremadamente útil bajo determinadas circunstancias, como bien explica un ejecutivo de la compañía:

«Este software es mucho más que diversión y juegos. 'La tecnología tiene un gran potencial para una variedad de aplicaciones, desde productos electrónicos de consumo hasta cuidado de la salud', dijo Masato Kawade, gerente senior del Laboratorio de Detección y Control de Omron. 'Imagínese una cámara que le asegure que no se perderá ese momento en que todo mundo tiene su mejor sonrisa. ¿O qué tal un chequeador-de-sonrisas para empleados que trabajan en el sector de servicios? El software podría utilizarse con la misma eficacia por los profesionales de la salud mental, como un medio de seguimiento de la condición de los pacientes, y en la investigación de mercados para evaluar las respuestas de los consumidores a los nuevos productos'.»

¡Aja! ¡Nuestro software de medición de intenciones en operación! Así que no todo en esta industria son sonrisas. También están los consabidos asuntos de la sociedad de vigilancia, de la explotación de los trabajadores, de la medicación forzada y de la mercadotecnia rabiosa... No hay duda de que Omron conoce este infinito potencial:

«La medición de sonrisas es la más reciente función de la suite de software de reconocimiento facial Omron Okao Vision. Con más de diez años de investigación incorporada, Okao Vision utiliza una técnica patentada de modelos 3D para detectar y analizar los rostros en forma rápida y precisa, incluso en imágenes borrosas o parcialmente oscurecidas, o cuando el sujeto no mira directamente a la cámara. Es capaz de verificar la identidad, edad aproximada y sexo, y estimar los movimientos de las pupilas y los párpados de forma instantánea, ya sea que la imagen facial esté en movimiento o estática. Suficientemente compacto como para ser integrado en un chip para dispositivos móviles, el software ofrece una amplia gama de aplicaciones incluyendo la prevención de robo de identidad, administración de ingreso a edificios, sistemas de vigilancia del conductor en los coches y control de acceso a contenidos para edades restringidas.»

Con mi natural suspicacia y picado por lo que en otro momento Kawade —a quien ya estaba dispuesto a declarar mi gurú— llama las «tecnologías de detección de emociones», decidí hacer una prueba técnica de este software y reseñar los resultados al más puro estilo de los estrictos reportes de desempeño de equipo fotográfico. Así que me conseguí prestada una cámara con smile shutter para aplicarla a algunas sonrisas emblemáticas... He aquí los resultados:

Ante la que es acaso la más famosa sonrisa de la historia, la de la Mona Lisa, el Smile Measurement Software mostró una apabullante indiferencia, calificándola con un rotundo e inexplicable 0%. En efecto, si no se enseña diente, nada de nada. Me tomé la libertad de hacerle cosquillas a la dama, e inmediatamente el porcentaje mostró datos positivos.

La falta de sutileza en la detección de emociones me decepcionó, pero no cejé en mi esfuerzo. Busqué entonces otro recurso para comprobar si el aparato podía ser engañado. Lo enfrenté a la grotesca mueca del Guasón, que como bien sabemos, aunque parece una sonrisa, es una deformación facial carente de emociones. Para mi decepción, ¡el equipo evaluado le atribuyó un absurdo 69%!

Las manifiestas contradicciones en los resultados me llevaron, por supuesto, a temer que el software fuera incapaz de distinguir entre una auténtica y emocionada sonrisa, y una descafeinada cara de chis o whisky. Como prueba final, decidí entonces enfrentar el aparato a una sonrisa químicamente pura, la sonrisa suprema, la sonrisa esencial: ¡cuál otra, sino la del Gato de Cheshire! :)

¡(M)Alicia en el País de las Maravillas! El Smile Measurement Software definitivamente no funciona: su veredicto ante esta mega-ultra-súper-sonrisa fue... ¡ninguno! Vamos, que según esta cosa no puede haber sonrisa sin rostro, lo que nos devuelve al problema lógico que el canijo de Carroll plantea por aquello de que sí puede haber un gato sin sonrisa, ¿pero puede acaso existir una sonrisa sin gato? Según Omron: no.

¿Cuál será el futuro de las «tecnologías de detección de emociones»? Bien puedo imaginar a las chicas japonesas comprando enamorómetros* con tecnología Okao Vision para comprobar si las sonrisas de sus pretendejos son sinceras o lascivas. O a los directores de empresas utilizando espontaneómetros* para decidir si Kawade se merece o no el nombramiento de empleado del mes. O a los psiquiatras utilizando esquizonómetros* para medir la evolución de sus pacientes.

Por mi parte, me solidarizo con Buster Keaton, quien, siendo capaz de producir inmensas sonrisas, sería un verdadero enigma para el Smile Measurement Software y seguramente habría sido acusado de boicoteo por los ejecutivos de Omron y puesto entre rejas.

Un comentario fotográfico final. Desde hace rato, al redactar estas líneas, me ronda la cabeza una imagen de la serie Coney Island de Weegee —quien, de haberlo conocido, indudablemente se habría llevado muy bien con Carroll—.

¿Por qué sonríe la chica en el centro de la foto? ¿Será el acto reflejo cámara-chis? ¿Y por qué Weegee disparó en ese instante? ¿Será que tenía integrado un chip con el Smile Measurement Software? Si tú me smile... yo te shoot...

* El enamorómetro, espontaneómetro y el esquizonómetro son marcas registradas por FOTOgrafitura. (No vaya a ser.)
** Espero haberte sacado al menos una sonrisa... ¡de más del 50%!

HETERONOMÍAS

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Fri, 12 Feb 2010 00:07:00 +0000

Hace mucho que la fotografía dejó de ser un campo autónomo. A su creciente heteronomía no solo ha contribuido un galopante diletantismo cuyo exorbitante crecimiento ha ido de la mano de la miniaturización y abaratamiento de los equipos y la simplificación de su uso, sino también de la facilidad de compartir imágenes a través de Internet. Constantemente sabemos de casos ejemplares de fotografías que se abren paso de manera misteriosa en el camino de lo privado a lo público, así como de personas que hacen usos poco ortodoxos del medio.

Me han llamado la atención dos casos, uno por su obsesión y otro por su excentricidad. Aquí están:

Rob Forbes es un diseñador, que me recuerda, por cierto, que es imposible ir a un restaurante con un diseñador sin que haga algún comentario acerca de la tipografía del menú. En esta plática, no solamente vemos cómo es perseguido por los patrones visuales y las manifestaciones de la forma pura, sino que apreciamos la manera en que este incansable caminante del entorno urbano explora compulsivamente el espacio público tomando apuntes con su cámara.

Idioma: Inglés

Subtítulos: Español

Duración: 15' 34"

http://www.ted.com/talks/lang/eng/rob_forbes_on_ways_of_seeing.html

Muy distinto es el caso de Nathan Myhrvold, polifacético millonario, tan excéntrico como controversial, involucrado en los proyectos más dispares, que también sabe asomarse al mundo a través del visor de la cámara.

Idioma: Inglés

Subtítulos: Español

Duración: 17' 17"

http://www.ted.com/talks/lang/eng/nathan_myhrvold_on_archeology_animal_photography_bbq.html

No hay aquí valoraciones estéticas. Solamente la sorpresa ante usos poco comunes del medio.

CLÁSICO... KRACAUER

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Fri, 05 Feb 2010 03:17:00 +0000

Se han dado a lo largo del tiempo diferentes definiciones de lo que es un clásico. Una de ellas, que pincha y duele, es que «un clásico es un libro que todo el mundo tiene en casa, pero no ha leído». Otra, que son esos libros que siempre se citan pero que, no se conocen a fondo. Una definición más podría ser que un clásico es una obra perteneciente a la tradición de determinado campo, pero que, sin embargo, es prácticamente inaccesible debido a condicionantes del medio editorial: o no se ha reeditado en años o no se ha traducido a nuestra lengua.

Así, un clásico es también un fantasma, un texto de cuya existencia sabemos, pero que está fuera de nuestro alcance. Un buen ejemplo podría ser El museo imaginario (1947), de André Malraux, obra integrada posteriormente en Las voces del silencio (1951), ¡y que no ha sido reeditada en español desde 1956! ¿Será posible? Un clásico también podría ser un libro con un título o concepto tan afortunado que se cree conocerlo de manera intuitiva, sin profundizar en él. Por ejemplo... ¡cuánto se ha abusado de la Obra abierta (1962), de Umberto Eco!

El campo de la teoría fotográfica no es la excepción. Algunos nombres de los repetidos hasta la saciedad, al grado de que cuando surgen en algún foro en ocasiones despiertan más una sonrisa irónica que un reverencial reconocimiento, son los de Baudelaire, Caffin, Peirce, Benjamin, Bazin, Barthes, Bourdieu, Freund o Sontag. Otros, más recientemente, se han acercado a merecer el apelativo de clásicos... ¿Flusser, Dubois...?

No deseo hacer un recuento, inevitablemente arbitrario y parcial, de aquellos que considero clásicos de la teoría fotográfica. Mi intención es simplemente señalar la puesta en circulación de uno de esos fantasmas, que finalmente ha sido traducido al español. Se trata del breve ensayo La fotografía (1927), de Siegfried Kracauer, autor más conocido en el ámbito de la crítica cinematográfica que en el de la fotográfica.

El texto, de apenas veinte páginas, salió de la imprenta en diciembre del 2008 y, consecuentemente, lleva solo un año rondando. Tiene resonancias tanto ideológicas como de época con los ensayos de Walter Benjamin, a quien Kracauer conoció. ¿Una muestra? Pues ahí va el botón:

«El aluvión de las colecciones de imágenes es tan poderoso que amenaza con destruir la conciencia, quizá existente, de rasgos decisivos. Las obras de arte padecen este destino por su reproducción. Para el original reproducido múltiples veces rige el dicho: compañero de prisión, compañero de horca; en vez de aparecer, tiende a desaparecer en su multiplicidad y a perdurar como fotografía artística.»

Solamente se echa de menos la palabra aura. Igualmente, el ensayo tiene curiosas resonancias con La cámara lúcida (1981), de Barthes, ya que en el texto de Kracauer también es la foto de una mujer —en este caso la abuela, y no la madre, como en Barthes— la que da pretexto a la reflexión, la cual, además, tiene como protagonista a la memoria. También hay resonancias con Sontag, quien tenía bien estudiados a sus clásicos. Hay, por cierto, una anécdota curiosa: en cierta ocasión Sontag fue acusada de plagiar a Kracauer en la reseña de una cinta (¡de Reifenstahl!). La ensayista tuvo que reconocer públicamente que había sido un plagio involuntario.

Así las cosas: bienvenido, Kracauer.

Kracauer, Siegfried. La fotografía y otros ensayos. El ornamento de la masa I. Barcelona: Gedisa, 2008.

LEV MANOVICH Y LA FIGURA DEL «INTELECTUAL-RED»

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sat, 30 Jan 2010 23:22:00 +0000

¿Hay alguein que se le parezca? El tipo no para: libros, conferencias, cursos, grupos de investigación, artículos, talleres, proyectos... todo ello, centralizado a través de su sitio web, que a su vez canaliza al lector a diversos blogs y redes sociales.

Lo primero que encontramos en la página de inicio del sitio Manovich.net es que podemos descargar íntegramente el libro Software Takes Command (El software toma el control), puesto bajo una licencia Creative Commons en noviembre del 2008. El lector es advertido de que se trata de un primer borrador que no ha pasado por un proceso de corrección de estilo, por lo que puede tener errores gramaticales y algunas ilustraciones faltantes. También se le proporciona una serie de estadísticas en relación a las descargas que la obra ha tenido y se le invita a someter su propio diseño de portada para cuando la versión impresa sea lanzada.

La plataforma que consolidó el reconocimiento internacional de este moscovita, actualmente profesor de artes visuales en la Universidad de Califormia en San Diego y profesor visitante de al menos cinco instituciones en Estados Unidos y Europa, fue el libro El lenguaje de los nuevos medios de comunicación, publicado por la MIT Press en el año 2001 (versión española: Paidós, Barcelona, 2005).

www.manovich.net

Partiendo de la discusión de temas ya referenciales en el arte desde hace varias décadas, como los de interactividad y participación, Manovich ha desarrollado una visión del arte y la información en los nuevos medios de comunicación basada en conceptos innovadores como los de «info-estética», «la base de datos como forma simbólica», «el software como lenguaje» y el «análisis cultural» (cultural analytics) como una manera de abordar, ordenar y estudiar las tendencias de los contenidos en una sociedad sobresaturada de información.

¿Será este hombre-red la prefiguración del intelectual en el futuro?

LA PRIMERA FOTOGRAFÍA: ¿HISTORIA... MISTIFICACIÓN...?

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sat, 23 Jan 2010 02:02:00 +0000

¿Vemos, intuimos o sabemos, después de cerca de dos siglos de aprendizaje visual en relación a la fotografía? ¿Estamos entrenados o condicionados? Esta imagen, esa foto que en su momento todavía no tenía nombre, fue tomada por Niépce desde la ventana de su estudio en Saint-Loup-de-Varennes en 1826. Él la llamó heliografía, ya que su intención era escribir con el sol, y se dice que requirió de aproximadamente ocho horas de exposición para registrarla. Es sabido que antes de esa imagen hubo otras, ya que sus experimentos se iniciaron diez años antes. Se sabe, también, que más personas, en diversos lugares, experimentaron por caminos similares, pero las imágenes se desvanecían ante el continuo efecto de la luz. La heliografía de Niépce seguramente no es la primera, pero sí la más antigua imagen fotográfica que se conserva, y esto nos provoca un cierto estremecimiento al contemplarla. Pero, ¿cuál de estas tres imágenes es la heliografía de Niépce?

Tenemos aquí tres versiones. La primera parece una foto. Ello se debe, simplemente, a que alguien la produjo y retocó en 1952 precisamente para que pareciera una foto, o al menos lo que dicha persona en ese momento consideraba como tal. La persona en cuestión era Helmut Gernsheim, historiador que rastreó, hasta hallarla en un archivo olvidado, la placa de peltre que había sido expuesta públicamente por última vez en 1898. Con la ayuda del laboratorio de investigación de la compañía Kodak, Gernsheim elaboró esta reproducción en plata sobre gelatina corrigiendo la subexposición del original, y personalmente la retocó con acuarela, obteniendo como resultado una verdadera idealización. Si es una foto, hagamos que lo parezca, sería la consigna. Ha sido, por cierto, la más reproducida en los libros de historia de la fotografía durante más de cinco décadas, la mayoría de las veces sin especificar que se trata de una reproducción alterada y retocada.

La segunda imagen fue un intento previo del propio Gernsheim quien, también en 1952, con la ayuda del mismo laboratorio y valiéndose de toda clase de recursos de iluminación rasante, objetivos de alta resolución y películas de alto contraste, entre otros, generó esta imagen con apariencia de negativo. La aspiración de lograr una reproducción más apegada al original paradójicamente lo condujo en sentido opuesto. El propio historiador la consideró como una distorsión del original y prohibió su reproducción. Sorprendentemente, a pesar de haber sido desautorizada, la seguimos encontrando reproducida en buen número de libros de historia del medio.

Finalmente, la tercera reproducción, eminentemente técnica, fue realizada en el año 2002 en el Getty Conservation Institute de California. Otra vez se presenta una paradoja, ya que siendo la que más se acerca al objeto como tal, prácticamente impide el reconocimiento de la imagen registrada. La reproducción forma parte de un reporte científico-técnico destinado a asegurar la correcta conservación y modo de exhibición del original. El sitio web de la Universidad de Texas en Austin, donde la placa se conserva desde que Gernsheim donó su archivo personal a la institución, pone énfasis en la forma como este estudio fue realizado:

«La placa fue sujeta a una cuidadosa atención por parte de los fotógrafos técnicos del Instituto, quienes pasaron un día y medio con la heliografía original en sus estudios fotográficos a fin de registrar fotográfica y digitalmente todos los aspectos de la placa. El objeto fue documentado bajo todo tipo de luces científicas, incluyendo los espectros infrarrojo y ultravioleta. Adicionalmente, los fotógrafos siguieron los pasos de los Laboratorios Kodak medio siglo antes y produjeron nuevas copias de la placa en película de color y digitales/electrónicas, en un intento de revelar más de la imagen sin retoque, y al mismo tiempo proporcionar la sensación del complejo estado físico de la fotografía.» (En: http://www.hrc.utexas.edu/exhibitions/permanent/wfp/, la traducción es mía.)

La deliciosa ingenuidad del tono cientificista del anterior fragmento revela el interés por hacer creer que, al contemplar esta reproducción, el espectador se encuentra ante the real thing, y hay que morderse la lengua para no mencionar la palabra aura ni apelar al fantasma de Walter Benjamin. El texto no está exento de ambivalencias. Lo que finalmente se comprueba es que el solo lenguaje de las descripciones delata preconcepciones e ideologías que no solo sesgan sino que definen la lectura. El trabajo sobre la placa de Niépce también manifiesta indirectamente el interés de la historia de la fotografía por establecer un origen. Ese es, finalmente, el fondo del asunto.

ROGER BALLEN HABLA DE SU CASA INTERIOR

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sat, 16 Jan 2010 17:53:00 +0000

«Boarding House»... Intraducible... ¿Una pensión? ¿Un lugar «para ir y venir»? ¿Un lugar donde la gente pasa... donde las cosas pasan? Encuentros que pueden llevar a la sorpresa ante el propio trabajo, cuando resulta evidente que las imágenes hablan más del interior del propio fotógrafo que del exterior documentado, cuando la cámara es un medio para «crear sentido». ¿No te recuerda, aunque sea de lejos, a Ralph Eugene Meatyard?

Idioma: Inglés

Duración: 10' 24"

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More than... 1000 Words Photography

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Fri, 15 Jan 2010 19:18:00 +0000

A pesar de estar planteada como una revista fotográfica en línea, 1000 Words Photography es más que eso, ya que sus contenidos trascienden la mera presentación de portafolios para darle el carácter de un pequeño portal que incluye información acerca de libros, proyectos multimedia, ligas y un blog. La revista, editada en el Reino Unido por Tim Clark, lanzó su pirmer número en el verano de 2008 y actualmente cuenta ya con seis entregas. Se trata, indudablemente, de un estupendo termómetro de las tendecias de la fotografía contemporánea.

www.1000wordsmag.com

¿CONOCES «LA MARCA»?

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Mon, 28 Dec 2009 00:33:00 +0000

No es una novedad: los que gustamos de la teoría fotográfica sabemos que, después de aquellos años de sequía en los que se publicaban contados títulos con este enfoque, desde la década del 90 la situación ha cambiado. Los libros teóricos en torno a esta disciplina siguen siendo escasos en relación a los de tipo histórico, técnico o a las monografías de creadores fotográficos; son escasos, también, en relación a los publicados en otros idiomas, como el inglés o el francés. Sin embargo esta escasez no ha impedido la circulación de un número suficiente de títulos que permiten que los principales temas de actualidad tengan una sana circulación entre las comunidades fotográfica y académica de habla española.

Si se analiza este marco desde el punto de vista de los principales sellos editoriales que publican teoría fotográfica en español, es fácil percibir que las aportaciones más significativas —sin que esto implique, por supuesto, que sean las únicas—, vienen dadas por las editoriales Cátedra, Gustavo Gili y Paidós, cada una con sus criterios particulares de publicación y todas con sede en España.

Pocas personas, en cambio, conocen el sello argentino La Marca Editora, el cual poco a poco ha ido consolidando una interesante colección de títulos en torno a la fotografía. Aunque esta editorial tiene una distribución mucho más limitada que las mencionadas anteriormente, sobra enfatizar que actualmente Internet pone prácticamente cualquier libro al alcance de quien esté interesado en él.

www.lamarcaeditora.com

Algunos de los autores disponibles en la colección Biblioteca de la Mirada son François Soulages, Boris Kossoy, Gabriel Bauret, Martine Joly, Pierre-Jean Amar, Laurent Jullier, Hubert Damisch, Jean-Claude Lemagny, Philippe Dubois y Pierre Sorlin.

Como salta a la vista... se trata fundamentalmente de traducciones del francés. Pero acerca del problema de la falta de producción original en nuestra lengua, ya hablaremos en otra ocasión. Por lo pronto, te recomendamos que, si no la conoces, revises esta importante fuente de difusión del conocimiento.

DAVID GRIFFIN : : DIRECTOR DE FOTO DE NATIONAL GEOGRAPHIC

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Tue, 08 Dec 2009 04:13:00 +0000

¡¿Una foca que adopta a un fotógrafo y le lleva comida?! Esta conferencia del director de fotografía de National Geographic nos acerca a algunos de los aspectos más nobles de la foto documental y reflexiona en torno a los puntos finos de cómo contar historias a través de imágenes.

Idioma: inglés (subtítulos en español)

Duración: 14' 57"

PHOTOGRAPHY NOW : : GALERÍAS PARA TODOS LOS GUSTOS

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sun, 15 Mar 2009 13:23:00 +0000

Photography Now es es un sitio web parco, bien diseñado y, sobre todo, una muy buena puerta de entrada para conocer estupendos portafolios, principalmente dentro de la línea de la fotografía purista.

Su navegación es muy sencilla y presenta fundamentalmente tres secciones: la primera dedicada a grandes maestros de la fotografía y la segunda, a artistas contemporáneos, permiten acceder a series fotográficas reproducidas en buen formato y de manera limpia, sin elementos de diseño que les resten protagonismo. Para complementarlas, la tercera sección está conformada por un índice que facilita la búsqueda de autores con base en diferentes criterios.

Adicionalmente, Photography Now cuenta con un blog con información complementaria acerca de sitios web, revistas, libros y noticias internacionales relacionadas con el mundo de la fotografía.

Simplemente para disfrutarlo: http://photography-now.net

UNA PROPUESTA DE ANÁLISIS DE FOTOGRAFÍAS

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Wed, 25 Feb 2009 10:34:00 +0000

Aunque las propuestas de análisis fotográfico siempre nos dejan un mal sabor de boca ya que sentimos que resultan insuficientes, que el sentido de la imagen va más allá de lo que podemos decir de ella, no dejan de ser herramientas metodológicas útiles y válidas. Encontrarás una propuesta de este tipo en el sitio web: http://www.analisisfotografia.uji.es/.

Por cierto, la teoría que la sustenta se publicó recientemente en un libro del coordinador del proyecto en línea, Javier Marzal Felici. El título es Cómo se lee una fotografía. Interpretaciones de la mirada. Lo publica la editorial Cátedra (Madrid, 2007). Es un libro de fácil lectura y con una buena revisión de las principales tendencias de la teoría fotográfica en las últimas décadas.

UbuWeb : : PARA PERDERSE NAVEGANDO

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Tue, 24 Feb 2009 11:38:00 +0000

La primera sensación al entrar al sitio UbuWeb es de pánico, ante la saturación de información puramente tipográfica. Así que no pierdas la calma y prepárate para pasar un buen rato frente al monitor.

Creado en 1996 para publicar poesía concreta inspirado en la utopía de que la información debe ser gratuita, UbuWeb se ha expandido para incluir incesantemente archivos de sonido, libros, textos y videos de centenares de artistas, contenidos raros, agotados o fuera de circulación, muchas veces imposibles de conseguir por otro medio.

Aunque no se trata de una web especializada en fotografía, sí contiene algunos materiales prácticamente desconocidos, como trabajos tempranos de algunos autores y entrevistas. La recomendamos ampliamente por la cantidad y calidad de los materiales artísticos que archiva, y te recomendamos también que saques provecho de su excelente motor de búsqueda, que te permitirá acortar el camino para localizar contenidos.
Para conocer las concepciones y políticas de su equipo editorial, consulta las secciones About y FAQs. No te lo pierdas: www.ubu.com

CONFERENCIA DE FRANS LANTING

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Sun, 22 Feb 2009 21:11:00 +0000

Conferencia en la que el fotógrafo de naturaleza Frans Lanting presenta su ambicioso proyecto VIDA, en el cual intenta dar una visión de la evolución en el planeta Tierra.

Idioma: inglés (subtítulos en español)

Música: Philip Glass

Duración: 16' 30"

DECLARACIÓN DE INTENCIONES

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Fri, 06 Feb 2009 15:24:00 +0000

Hablemos de fotografías, no de fotografía. Hablemos en plural, porque las fotografías son mucho más de lo que una persona o un enfoque teórico o un libro de historia pueden abarcar.

Estamos convencidos de que todas las fotografías tienen un lugar socialmente y que, por lo tanto, ninguna debe ser subestimada, soslayada. Las fotografías artísticas, las comerciales, las de prensa, las publicitarias, las documentales, las de naturaleza… y todas las que sería imposible enumerar.

En este espacio daremos cabida a todo tipo de informaciones relacionadas con las fotografías: reflexiones teóricas, noticias, puntos de vista, comentarios técnicos, datos históricos, debates y todo aquello que caiga en nuestras manos y consideremos que puede ensanchar nuestra concepción y ayudarnos a pensar las fotografías.

Por qué FOTOgrafitura

noreply@blogger.com (José Raúl Pérez) — Fri, 06 Feb 2009 15:23:00 +0000

En una obra entrañable, Julio Cortázar escribió:

“Nuestra verdad posible tiene que ser invención, es decir escritura, literatura, pintura, escultura, agricultura, piscicultura, todas las turas de este mundo. Los valores, turas, la santidad, una tura, la sociedad, una tura, el amor, pura tura, la belleza, tura de turas.”

La fotografía ha cargado históricamente con el estigma de ser un simple registro de la realidad. Pero también puede ser un medio de invención de mundos imaginarios y de verdades posibles:

¿Por qué no hablar entonces de fotografitura?