el blog de fotogrupo

Parades

2022-03-13T16:59:00.003-04:00

Reflexiones

2021-11-28T12:24:00.000-04:00

Memorias de la memoria

2021-10-21T22:29:00.000-04:00

Diplomado de fotografía

2021-08-27T23:06:00.000-04:00

Convocan al Premio Joven de la Imagen

2021-07-10T10:17:00.004-04:00

El Centro de la Imagen (CI) y la Fundación Imagen 83 están convocando a la VI edición del Premio Joven de la Imagen, Fotografía y Video, con tema “El paisaje como proceso de vida: experiencias y percepciones sobre los cambios medioambientales en la isla Española”.

El certamen, auspiciado por el Banco Popular Dominicano, la Fundación Propagás y el Grupo Propagás, procura que los participantes elaboren discursos visuales que pongan de relieve los desafíos al hábitat local, las posibles soluciones y la necesidad imperiosa de adoptar prácticas sostenibles en el corto y el mediano plazos.

Con una dotación en metálico consistente en cien mil pesos para un único ganador (individual o colectivo) en cada uno de los renglones independientes “Imagen Fija” e “Imagen en Movimiento”, el premio está dirigido a creadores dominicanos y extranjeros con residencia legal en el país, cuyas edades oscilen entre 18 y 35 años, cumplidos antes del 31 de marzo de 2021.

Los participantes deberán enviar sus proyectos simultáneamente, de forma digital, del 15 de julio al 15 de agosto, a las direcciones electrónicas: centrodelaimagencoordinación@gmail.com y photoimagenrd@gmail.com.

Junto a sus propuestas, los creadores deben anexar su currículo, la ficha de registro e inscripción y los formularios correspondientes, los cuales pueden ser solicitados por esas mismas vías, o a través de la página web: www.centrodelaimagenrd.org.

tomado de hoy , 10 de julio 2021

El ballet y yo

2021-07-07T17:39:00.000-04:00

Obras realizadas por mujeres arrasan en la Bienal del Centro de la Imagen

2021-05-13T16:50:00.003-04:00

La reconocida fotógrafa dominicana Angelita Casals recibe el Premio Especial del Jurado de la II edición del Salón Bienal del Centro de la Imagen, por su serie de imágenes Mi vida como Pinocho, de manos de Esteban Martínez–Murga, gerente de Comunicación de Divisiones Corporativas del Banco Popular Dominicano.

La dupla constituida por la cineasta Marie Jiménez y la cantante y compositora Eli Mena se alzó con el Premio a Exposición, con una videoinstalación sin título. En la foto, Maria Elena Ditrén entrega el galardón a Eli Mena.

Carmen Heredia, ministra de Cultura, entrega a la fotógrafa Guadalupe Casasnovas una mención de honor por Solitude, su tríptico fotográfico.

Cuatro artistas dominicanas de la fotografía y el video se alzaron con los tres premios de la reñida II edición del Salón Bienal del Centro de la Imagen que, con el tema de las consecuencias sociales de la pandemia de COVID-19, fue organizada por esa institución y la Fundación Imagen 83, con el apoyo del Banco Popular Dominicano.

La mirada femenina, con su particular tratamiento de las imágenes que retratan el presente distópico de la humanidad, se impuso entre decenas de obras de calidad indiscutible, por la profundidad expositiva de cada una de las representaciones escogidas por el jurado de forma unánime.

Lizette Nin, artista visual criolla radicada en Barcelona, España, obtuvo el Gran Premio de la Bienal, con su video Me cubriré hasta que pueda volver a verte; la reconocida fotógrafa Angelita Casals ganó el Premio Especial del Jurado, con la serie de imágenes Mi vida como Pinocho; y la dupla constituida por la cineasta Marie Jiménez y la cantante y compositora Eli Mena conquistó el Premio a Exposición, con una videoinstalación sin título.

Las cinco menciones de honor recayeron en los artistas Guadalupe Casasnovas, Andrés Lora Bastidas, Martin López, Zoilo Pimentel y el colectivo Juana y sino su hermana, compuesto por María José García, Vilma Cabrera y Lorena Espinosa.

Como reconocimiento especial, fue otorgada a la joven Melanni Pujols, estudiante destacada de fotografía de Chavón La Escuela de Diseño, una beca para el Diplomado en Fotografía del Centro de la Imagen.

El jurado de la II edición del Salón Bienal del Centro de la Imagen estuvo integrado por Michelén, Acero Ruiz y María Elena Ditrén, exdirectora del Museo de Arte Moderno.

Ceremonia de premiación

La premiación tuvo lugar en la Galería Nacional de Bellas Artes, durante una ceremonia encabezada por la ministra de Cultura, Carmen Heredia; la presidenta de la Fundación Imagen 83 y del Centro de la Imagen, Mayra Johnson; y el director de esa institución, Carlos Acero Ruiz.

También participaron Gamal Michelén, viceministro de Cultura y jurado del certamen; Mario Lebrón, director General de Bellas Artes; Marianne de Tolentino, directora de Galerías de Bellas Artes; Esteban Martínez–Murga, gerente de Comunicación de Divisiones Corporativas del Banco Popular Dominicano, y los artistas seleccionados, entre otras personalidades.

Poderosos mensajes en las obras premiadas

“Me cubriré hasta que pueda volver a verte es un video que hice pensando en la distancia que la pandemia ha puesto entre a quien más quiero en la vida y yo. No puedo describir lo feliz que estoy con el Gran Premio de la Bienal; pero ver que el amor de mi vida y mi madre lo recogían, revivió las esperanzas de poder verles pronto”, comentó Lizette Nin en su cuenta de Instagram.

A su vez, Angelita Casals reveló en Facebook que su galardonada serie de fotografías está inspirada en Pinocho, el cuento favorito de su infancia que, con sus elucubraciones y fantasías, revela cierto paralelismo con “lo que esta pandemia ha significado para todos, ante tantas informaciones diferentes”.

Marie Jiménez explicó en una comunicación que utiliza el iPhone como espejo, “retratando momentos de llanto ligados a la ansiedad. La acción de grabarse es herramienta para el autoconocimiento. El retrato de este soliloquio crudo que se produce en el espacio seguro y conocido que supone lo cotidiano, nos invita a cuestionarnos cómo nos sentimos en nuestra propia compañía y por qué”.

En Whatsapp, en tanto, Guadalupe Casasnovas dijo haber reflejado la fragilidad de la vida, especialmente en tiempos de pandemia, mediante un tríptico fotográfico que muestra la inusual soledad del cementerio municipal de la avenida Independencia, donde la hermosa tumba del niño-ángel en el pasillo central, usualmente llena de juguetes y caramelos de creyentes que solicitan favores especiales, está abandonada y solo se encuentran en ella unos cuantos dulces envejecidos.

tomado de Listin Diario,12 de mayo 2021

Salón Bienal

2021-05-04T23:01:00.004-04:00

Diplomado de fotografía

2021-04-14T12:51:00.001-04:00

Almas

2021-03-11T16:22:00.003-04:00

Nature photo Family

2021-01-29T17:17:00.000-04:00

Andares de la ciudad colonial

2020-12-11T09:45:00.000-04:00

Lanzamiento de las bases II edición del Salón Bienal de Fotografía y Vi...

2020-12-02T16:58:00.003-04:00

Conversatorio con Daniel Harel sobre su muestra Viviendo en una caja.

2020-12-02T11:10:00.003-04:00

Viviendo en una caja

2020-11-30T11:55:00.002-04:00

Casas del XVI le invita a Casa de los Vitrales para la exhibición fotográfica "Viviendo en una caja", del fotógrafo Daniel Harel.

Link Google Maps de la Exhibición:

https://goo.gl/maps/pyFKHRm88XVYncyt9

Sobre la exhibición:

El artista Daniel Harel presenta su más reciente trabajo “Viviendo en una Caja”, exposición fotográfica que reúne una serie de imágenes que plasman diferentes situaciones de cómo vivimos y nos fuimos adaptando a los cambios de vivir en una nueva normalidad que se tradujo en reducir nuestro mundo al espacio de las paredes de nuestros hogares en el periodo de confinamiento de este año 2020.

La exposición es complementada con un viaje virtual donde los visitantes podrán desplazarse al hogar del artista en los Estados Unidos y tener una experiencia inmersiva visualizando los diferentes escenarios donde fueron realizadas las fotografías.

Las piezas fotográficas de se exhibirán al público desde el 28 de noviembre hasta el 2do de diciembre en Casa de Los Vitrales.

Tiempo aproximado de duración: 20 minutos.

Medidas COVID-19

Importante: Para acceder a este evento deberá cumplir con las siguientes medidas de higiene:

No se permiten grupos de más de 6 personas.
Su temperatura será tomada antes de entrar a la exhibición.
Es obligatorio el uso de mascarilla correctamente colocada en todo momento, cubriendo su nariz y boca.
Mantenga distanciamiento social de 6 pies/2 metros con las personas que no pertenecen a su grupo.
Siga las flechas localizadas en el piso para avanzar en el recorrido de la exhibición.
Preste atención a los carteles que indican la cantidad de personas máxima en cada espacio y espere si es necesario.
Sobre el fotógrafo:
¡Hola! Soy ¡Daniel Harel! Tomo caminatas largas regularmente, hago kitesurf, y sueño despierto por horas a la vez. Nací en España, y me mudé a la República Dominicana cuando tenía 16 años. Después de 20 años trabajando como fotógrafo y consultor en tecnología, quise enfocarme un poco más en lo artístico y me fuí a Nueva York a realizar el programa de New Media Narratives en el International Center of Photography.

imágenes en tiempos de pandemia.

2020-11-02T21:45:00.000-04:00

Fundación MAPHRE

2020-10-23T10:17:00.000-04:00

Lee Friedlander y el encuadre preciso

La Fundación MAPFRE repasa la trayectoria del fotógrafo

Madrid, 30/09/2020

Muchos fotógrafos llegaron a la disciplina tras iniciarse en la pintura, o a sus caminos artísticos tras trabajar en el ámbito publicitario. No fue el caso de Lee Friedlander, que nunca pensó en dedicarse a otra cosa y aún así se sorprendió de lo satisfactorio de su carrera: Siempre quise ser fotógrafo. Pero nunca soñé que me divertiría tanto. Me imaginaba algo mucho menos esquivo, mucho más mundano.

La primera muestra otoñal de la Fundación MAPFRE, que forma parte del programa oficial de PHotoESPAÑA, reconstruye su trayectoria atendiendo a los temas fundamentales en los que articuló su trabajo, que tiene como gran protagonista a la cotidianidad, lo cercano y rutinario, un mundo próximo que él nunca trató de adulterar en sus imágenes, pero que, a la luz de una contemplación lenta de estas, adquiere significados distintos; abrió Friedlander nuestra mirada hacia el entorno sugiriéndonos que es posible obtener de él otras percepciones, si no más completas, sí alternativas.

Nacido en Aberdeen en 1934, comenzó a fotografiar ya en su adolescencia y se formó en el Art Center School of Design de Los Ángeles, pero la enseñanza convencional no lo sedujo y decidió acudir a las clases de Alexander Kaminski, que sería su mentor. En los cincuenta optó por establecerse en Nueva York, donde además de trabajar para publicaciones como Esquire, Holiday o Sports Illustrated, realizó las portadas de los discos de figuras geniales del jazz a quienes también retrató en su esfera privada, atendiendo a sus ambientes cotidianos, cuando la fotografía no había adquirido aún consideración artística.

Consolidada ya su personalidad creativa en los sesenta, expondría en el MoMA en 1964, en la colectiva “The Photographer´s Eye”. Por entonces definía el objeto de su trabajo como “el paisaje social americano”, pero su enfoque va más allá del documentalismo: no es que no le interesaran los problemas colectivos, pero en habitaciones, naturalezas, rostros o escaparates Friedlander parecía buscar saber algo más de sí mismo y de su tiempo, sin la pretensión de epatarnos pero lográndolo.

Lee Friedlander. Nueva York, 1963. Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco. © Lee Friedlander

Otra colectiva, en 1966 y en la George Eastman House de Rochester, enlazó sus imágenes con las de Bruce Davidson y Garry Winogrand, que no dejaban de capturar también paisajes sociales acentuando su ternura o su ironía. Junto a Winogrand expondría de nuevo en el MoMA en 1967, acompañándose por otra amante de Nueva York y de las gentes en las que nadie parecía fijarse: Diane Arbus. Compartían los tres diferencias con fotógrafos documentalistas de décadas pasadas y también ciertos avances en lo formal y lo conceptual.

El recorrido que propone la exposición de la Fundación MAPFRE es cronológico y se estructura en sus principales series, acompañadas muchas veces de los libros en que quedaron recogidas.

Al margen de sus temas, el conjunto de su obra resulta tremendamente personal; Friedlander se encuentra en cada enfoque. No apreciamos en sus obras esos instantes decisivos legados por Cartier-Bresson, pero sí enfoques precisos: sus escenas no quedarán disueltas un segundo después de que él tome las imágenes, pero todo en ellas es conveniente y necesario, nada sobra y nada falta y en el medio tiempo sí resultan irrepetibles.

Uno de sus trabajos más originales, y en el que esa mirada particular adquiere tintes surrealistas, es The Little Screens (todas sus imágenes menos una pertenecen a la colección de la Fundación MAPFRE). Consta de televisores que, en sí mismos, ocupan, y casi logran llenar, estancias: llamaba la atención Friedlander sobre la creciente presencia de este aparato, no ya en los hogares norteamericanos, sino en nuestras vidas y mentes. Están llenas estas obras de ironía inquietante.

Lee Friedlander. Nashville, 1963. Colecciones Fundación MAPFRE © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Más adelante emularía a Walker Evans o Robert Frank al recorrer su país captando sus paisajes, su arquitectura, sus vehículos, cultivando muy creativas yuxtaposiciones, aprovechando en ocasiones los reflejos de los escaparates, o poniendo a su favor las sombras, como en el originalísimo autorretrato Cañón de Chelly, Arizona, abierto a múltiples lecturas entre lo lúdico y lo filosófico. También viajó por Europa y llegó a tomar algunas fotografías en España; su medio era, sin embargo, el americano y en él se aprecia que despliega con frescura mayor ese lenguaje que nos invita a redescubrir entornos.

Lee Friedlander. Cañón de Chelly, Arizona, 1983. Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander

Con el paso de los años, y sobre todo desde los setenta, ese lenguaje se fue depurando en favor de una organización más ordenada del espacio. Lo vemos en su serie The American Monument, que desarrolló entre 1971 y 1975 fijándose en todo tipo de monumentos, desconocidos y no tanto, de ciudades estadounidenses. Es su serie más cercana a la tradición de lo documental, inaugurada por Atget en su pretensión de fotografiar sistemáticamente París.

Sin embargo, en las fotos de Friedlander esos monumentos no suelen aparecer en primer plano, adquiriendo así un protagonismo muy relativo respecto al urbanismo alrededor. Y esta subversión de las reglas (pasadas y entonces aún vigentes) de la imagen se aprecia también en sus desnudos y en sus autorretratos; en uno y otro caso, aborda el cuerpo propio o ajeno como un motivo más, encontrando en ellos la visión inesperada. Explica Carlos Gollonet, comisario de la muestra, que no hace fotografías de desnudos, sino que estos se convierten en fotografías.

Un tono distinto encontramos en las imágenes que dedicó a su familia en el transcurso de los años, y especialmente a su esposa María. Translucen tanta ternura como respeto, afecto que no sentimentalismo. Justamente a su mujer le brindó una de sus imágenes más originales en el tratamiento de las sombras, previa a su autorretrato rocoso. Mostrarse en su trabajo fue para él un desafío: Los fotógrafos siempre luchan por evitar su propia sombra y yo siempre he creído que es una criatura graciosa, de modo que le dejé entrar por un tiempo (…). Al principio mi propia presencia en las fotos era, a un tiempo, fascinante y perturbadora. Pero conforme pasó el tiempo y comencé a explorar otras ideas en mis fotos, pude reírme un poco de esos sentimientos.

En el paisaje natural se fijó sobre todo en los noventa y entre sus motivos predilectos se encontraron los cerezos de Japón. En ocasiones fotografió por encargo, sobre todo en zonas industriales y atendiendo a sus trabajadores, aunque, en su caso, individualizando sus personalidades, a través de los rostros, en lugar de incidir en su oficio o en sus condiciones laborales. En aquella década comenzó a utilizar cámaras de medio formato y continuó empleándolas en los 2000: en esa obra última sus espacios se hacen más abarcables. Se acentúa también la cercanía entre el autor y sus motivos y entre estos y el espectador: lo apreciamos en America by Car, el fruto de sus recorridos por Estados Unidos en coches alquilados, tomando sus ventanas como marco para encuadrar, un punto de vista que a cualquier viajero le resulta familiar. Puentes, iglesias o moteles se aparecen en retrovisores o sobre volantes.

Pero en Friedlander todo tema puede volver y toda serie es un proyecto work in progress, por eso en 2012 regresó a Nueva York o Los Ángeles para fotografiar viandantes y tiendas. En sus escaparates, los maniquíes pueden confundirse con figuras de carne y hueso, pero no hay en estas imágenes una crítica moralizante al consumismo sino una metarreflexión sobre su propio trabajo. Ya dice Gollonet que las asociaciones de Friedlander nos provocan desconcierto al conectar el disparate con la identificación.

Lee Friedlander

FUNDACIÓN MAPFRE. SALA RECOLETOS

Paseo de Recoletos, 23

Madrid

Del 1 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021

tomado de masdearte.com

El retrato a mi manera

2020-10-14T22:33:00.000-04:00

La casa

2020-10-06T21:31:00.001-04:00

PIONERAS DE LA FOTOGRAFÍA LATINOAMERICANA

2020-10-03T18:53:00.002-04:00

Reunión mes de octubre 2020

2020-10-01T00:10:00.002-04:00

Wie Chiang

2020-09-21T18:54:00.002-04:00

LA CASA I AMARILIS CUETO Y MARICARMEN ORIZONDO

2020-09-21T16:18:00.002-04:00

Nuevas voces en la imagen dominicana

2020-09-16T12:31:00.002-04:00

Charla con Pablo Elia 03 07 2020 - Fotografía creativa

2020-09-11T10:47:00.002-04:00