Però, per esempio, la forma tradizionale di progetto 365 comprende solamente autoritratti. Ci sarà una ragione!?
Tratto dal blog Fotocomefare 

Certo, l’autoritratto è comodo, perché il modello è sempre disponibile. Ma proprio questa comodità rende anche l’autoritratto un utile campo di prova per esercitare e sviluppare le tue abilità fotografiche.

Cosa si impara dagli autoritratti?

Scattare spesso e con metodo qualsiasi tipo di foto ti farà imparare qualcosa. L’autoritratto, però, non è una foto qualsiasi, bensì è un ritratto (ma va?).

Sappiamo tutti quanto peso abbia la presenza della figura umana in una foto. David duChemin, per esempio, nell’ebook Drawing the eye, presenta la figura umana come elemento principale da cui viene attratto l’occhio dell’osservatore.

Quindi, sapere ritrarre al meglio le persone è indispensabileper la maggior parte dei fotografi. Praticare il ritratto però può essere piuttosto ostico. Devi trovare qualcuno che si presti e che obbedisca ai tuoi ordini.

Qui si vede il vantaggio dell’autoritratto. Facendo da modello per te stesso puoi fare gli esperimenti più lunghi e più strani, senza alcun limite.

Praticando l’autoritratto, tra le altre cose, puoi imparare a:

• conoscere la luce ambientale in tutte le sue caratteristiche, sfruttarla e modellarla secondo i tuoi scopi,
• scegliere la migliore profondità di campo, usando la messa a fuoco per far risaltare la figura umana o alcune sue parti,
• posare, diventando così capace di suggerire le pose miglioriai tuoi soggetti,
• usare il flash o altre fonti di luce artificiali,
• allestire ad arte una scena in cui ambientare un ritratto.

  by  Kath [is not here right now] 

Ripeto, si tratta di cose che puoi imparare anche non necessariamente fotografando se stessi. Però, con autoritratto si può sperimentare senza remore, mentre nel caso del ritratto bisogna stare alle regole e alla disponibilità del modello o della modella.

Cosa serve per scattare un’autoritratto?

Per fortuna, oltre alla fotocamera, l’attrezzatura necessaria non è particolarmente ricercata. Avrai bisogno di due soli accessori:

• un treppiede, o qualsiasi altra cosa utile a stabilizzare la fotocamera (come ad esempio un gorillapod),
• un comando di scatto remoto, con il filo oppure senza, è indifferente.

Qualora non potessi procurarti un telecomando, potrai usare il timer, ma aggiungerai un po’ di fretta alla procedura di scatto.

Se poi non vuoi limitarti alla luce ambientale ti tornerà utile un flash o una qualche altra forma di illuminazione artificiale che si possa direzionare.

Come ottenere una messa a fuoco perfetta in ogni autoritratto

La parte difficile del autoritratto è che, per definizione, devi farlo da solo. La prima difficoltà sta nella messa a fuoco.

Infatti, non puoi controllare che la messa a fuoco sia corretta mentre sei anche davanti all’obiettivo. Come puoi garantirti comunque il controllo necessario sulla messa a fuoco?

  by  Thomas Hawk 

Il primo metodo, il più stupido, consiste nello scattare tenendo la fotocamera in mano, allungando il braccio e usando una lunghezza focale molto corta. Così però sarai molto limitato, rischierai di far vibrare la fotocamera e avrai un aspetto un po’ ridicolo.

In secondo luogo, puoi provare a usare un’apertura molto stretta (ovvero un valore alto, da f/8 in su). Così facendo, incrementerai la profondità di campo la porzione di inquadratura completamente a fuoco sarà maggiore, quindi non rischierai di sbagliare usando la messa a fuoco automatica.

Però, ci sono dei casi in cui anche questo può non bastare. Ad esempio, se usi una lunghezza focale e elevata (diciamo dei 100 mm in su) e/o la tua distanza dall’obiettivo e molto minore di quella dallo sfondo. In questi casi, se la messa a fuoco automatica deciderà di mettere a fuoco lo sfondo la tua figura sarà sfocata.

Un metodo più sicuro è quello di usare un “sostituto” temporaneo:

• procurati un oggetto qualsiasi come sostituto, una sedia, un pelouche, una scatola,
• metti il sostituto di fronte all’obiettivo nella posizione in cui ti metteresti tu (la forma e la dimensione dell’oggetto non sono importanti, è fondamentale unicamente la distanza dall’obiettivo),
• usando la messa a fuoco automatica su un singolo punto, posizione il punto di messa a fuoco sul sostituto e premi fino a metà corsa il pulsante di scatto,
• una volta che il sostituto è a fuoco, attiva la messa a fuoco manuale (in questo modo la messa a fuoco è bloccata a meno che non giri la ghiera sull’obiettivo),
• rimuovi il sostituto, e mettiti nella sua posizione,
• scatta usando il telecomando (alternativamente avresti dovuto far partire il timer per l’autoscatto prima di posizionarti).

Ma cosa fare quando non è disponibile un sostituto? Ho trovato un suggerimento molto scaltro in questo articolo:

• posiziona il treppiede nel punto da cui scatterai la foto,
• prendi la fotocamera e posizionati nel punto in cui starai al momento dello scatto,
• usando la messa a fuoco automatica su un singolo punto, metti a fuoco la testa del treppiede,
• attiva la messa a fuoco manuale,
• fissa la fotocamera al treppiede, senza spostarlo assolutamente,
• ritorno nella posizione da cui avevi effettuato la messa a fuoco,
• scatta come sopra.

Questa tecnica funziona perché, quando si mette a fuoco un soggetto, tutto ciò che si trova alla stessa distanza dal sensore della fotocamera è a fuoco. Quindi, una volta messo a fuoco il treppiede ad una certa distanza, fissata la fotocamera sul treppiede e assunta la stessa distanza dalla fotocamera, risulterai sicuramente a fuoco. Un aiuto per aumentare la precisione consiste nel segnare per terra la posizione da cui hai messo a fuoco.

  by  *~Dawn~* 

Infine, un metodo che si può usare solo con gli obiettivi che presentano la scala delle distanze di messa a fuoco. Su questi obiettivi si trovano dei numeri che indicano a che distanza sta mettendo fuoco.

Usando uno di questi  puoi ruotare la ghiera della messa a fuoco manuale fino a che non viene segnata la distanza a cui puoi ti posizionerai.

Un gioco di specchi

Spessissimo gli specchi sono usati per realizzare un autoritratto fotografando la propria immagine riflessa. Ora invece ti spiego come usare uno specchio in combinazione con le tecniche descritte sopra per uno scopo diverso.

Se possiedi uno specchio che si può spostare, posizionalo dietro la fotocamera in maniera da vedere il tuo riflesso. L’utilità è ancora maggiore se usi uno specchio che ingrandisce.

In questo modo, se la tua fotocamera è dotata di liveview, potrai valutare la composizione prima dello scatto ed eventualmente cambiare posa. Altrimenti, lo specchio ti sarà comunque utile per evitare di fare avanti e indietro dopo ogni scatto.

Infatti, puoi sfruttare lo specchio per visualizzare l’anteprima automatica che la fotocamera ti mostra subito dopo lo scatto. Saprai così subito se è necessario realizzarne un altro cambiando posa.

Chiaramente, se la tua fotocamera ha lo schermo basculante che si può ruotare di 180°, lo specchio non ti serve.

Volendo essere ancora più sofisticato, se la tua fotocamera lo permette, puoi usare il tethering. Con questo termine si indica la possibilità di molte macchine di fascia medio-alta di visualizzare gli scatti su uno schermo esterno collegandola attraverso un apposito cavo. A questo scopo, potresti usare il computer o anche semplicemente la televisione.

Come fare autoscatti sempre diversi

  by  Cayusa 

Puoi sfruttare gli autoscatti semplicemente a scopo di esercizio e quindi sperimentando diverse condizioni di luce, diverse aperture, diversi obiettivi e tutto quello che ti permette di fare esperienza con il ritratto. Se, però, lungo il percorso fai anche in modo di realizzare qualche immagine di valore, tutto diventa più interessante.

Avendo sempre lo stesso soggetto, rischi però di annoiarti. Ecco allora alcuni spunti per introdurre originalità nei tuoi autoritratti:

• includi grosse parti dell’ambiente in cui ti trovi, che diano un sapore specifico alla foto,
• non includere la tua faccia nell’inquadratura, otterrai immagini dal forte senso di mistero e tensione,
• recita, ritrai le emozioni,
• usa “oggetti di scena”, cose che puoi tenere in mano, cose che puoi indossare, non necessariamente serie,
• gioca con gli sfondi,
• metti a fuoco qualcos’altro, lascia la tua figura fuori fuoco,
• fotografati in controluce (realizzando una silhouette),
• crea un autoritratto composito sovrapponendo diversi scatti in cui sei in posizioni diverse (in questo caso hai bisogno di pianificazione e fotoritocco).Tratto dal blog Fotocomefare
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È pressoché impossibile trovare qualcuno che non sostenga la superiorità delle stampe rispetto a qualsiasi altro “supporto” per le foto. Nella mia limitata esperienza, anch’io, accanito tecnofilo, non posso che essere d’accordo.

Le stampe sono irrinunciabili per numerosi motivi. In primis, toccare il risultato del proprio lavoro dà sempre soddisfazione e talvolta anche emozioni. Poi, anche da un punto di vista tecnico, gli schermi su cui visualizziamo le nostre foto sono retroilluminati, mentre la carta riflette la luce, conferendo un aspetto più naturale alle immagini. Le stampe si possono anche incorniciare e ciò aumenta sicuramente il loro valore estetico. Si possono sicuramente trovare altri motivi, oggettivi e soggettivi.

Se hai mai provato a stampare o a far stampare foto, sai che però il processo, seppur meno artigianale che ai tempi della pellicola, nasconde numerose insidie. Per molteplici motivi, le stampe possono risultare significativamente diverse da ciò che vedi a schermo.

In questo tutorial, vediamo quali fattori influenzano l’aspetto di una stampa e come fare per assicurarci stampe all’altezza delle nostre aspettative.

Cosa può andare storto

Prima di tutto, vediamo cosa può risultare sbagliato in una stampa fotografica, cosa può deluderti.

Il principale problema risiede nei monitor che usiamo per valutare e ritoccare le nostre foto prima di stamparle. In parole povere, i monitor che usiamo al giorno d’oggi producono immagini troppo “belle”.

Il contrasto, la luminosità, la saturazione dei colori sono molto “pompati”, in maniera da lasciare a bocca aperta. In molte applicazioni, ad esempio nei videogiochi o nella visualizzazione di video, questo è effettivamente un vantaggio. Per i fotografi seri, invece si tratta di un ostacolo.

I difetti principali che potresti notare in una foto stampata rispetto a ciò che vedi sullo schermo sono questi:

• luminosità ridotta (foto troppo buie),
• contrasto ridotto (foto un po’ “grigie”),
• saturazione ridotta (colori smorti),
• colori non corrispondenti, come se la foto fosse stata ricolorata,
• dominanti di colore indesiderate, ad esempio una tonalità rossa sovraimpressa all’intera foto, come quando il bilanciamento del bianco è sbagliato,
• nitidezza troppo bassa (foto sfocata),
• risoluzione troppo bassa (foto sgranata).

Ecco allora come intervenire per evitare questi problemi. Consideriamo i 4 strumenti coinvolti nella creazione di un’immagine:

• la fotocamera
• il software di fotoritocco
• il monitor
• la stampante

Come configurare la fotocamera per avere buon stampe

Sembra strano, ma anche un’errata configurazione della fotocamera può portare risultati indesiderati. A dire il vero, se scatti in RAW, (come ti consiglio vivamente di fare), non ci sono problemi.

Se invece usi un qualsiasi altro formato, tipicamente il JPEG, dovrai premunirti scegliendo il giusto spazio colore. Questo è un termine che tornerà nel corso dell’articolo.

Per spazio colore si intende l’insieme di regole che il software usa per decidere quali colori mostrare in base alle informazioni contenute in un file digitale. Cambiando spazio colore, a partire dallo stesso file, si ottengono immagini con colori anche molto diversi.

Gli spazi colore citati più spesso sono l’AdobeRGB e l’sRGB, disponibili su tutte le fotocamere e in tutti i programmi di fotoritocco. Qual è lo spazio colore giusto?

L’importante è usare sempre lo stesso, dal momento dello scatto al momento in cui il file viene esportato e poi stampato. Quindi, se scatti in jpeg e pensi di voler un giorno stampare le tue foto,verifica quale o quali spazi colore usano i tuoi programmi di fotoritocco, scegline uno e impostalo sulla fotocamera.

Nel caso in cui non stampassi a casa ma in un negozio o online, allora devi usare lo spazio colore impiegato da chi si occuperà di stampare le tue foto. Se non trovi documenti che lo indicano, chiedi con un’email o una telefonata e sicuramente ti sapranno rispondere.

Detto questo, potrebbe anche tornarti utile configurare correttamente lo schermo sul dorso della fotocamera. Ciò che visualizzi su di esso ti dà una prima idea sulla bontà di uno scatto. Una differenza troppo marcata con quello che vedrai sul computer potrebbe metterti in difficoltà.

Considerate però le ridotte dimensioni dello schermo sulla fotocamera e anche le ridotte possibilità di configurazione, non darei troppo peso a questo fattore.

Come impostare i programmi di fotoritocco per la stampa

Ovviamente, vale innanzitutto il discorso fatto per la fotocamera. Fai in modo che tutti i tuoi programmi di fotoritocco impieghino il medesimo spazio colore e che questo sia concorde con la fotocamera e gli eventuali servizi di stampa.

Alcuni programmi richiedono di impostare lo spazio colore nelle preferenze. Altri, come Lightroom, ti fanno scegliere lo spazio colore solo al momento della stampa o dell’esportazione. Non sarà difficile scoprire qual è il tuo caso con una rapida ricerca su internet.

Per evitare foto sgranate, attento alla risoluzione di stampa. Non mi riferisco a larghezza e altezza della foto, anche queste importanti, ma ai punti per pollice (point per inch, ppi).

Al momento della stampa puoi sempre impostare questo valore. Un approccio semplicista consisterebbe nell’andare sui 300 ppi. Così otterrai file piuttosto ingombranti, però.

Nel suo libro su Photoshop, Scott Kelby dice di non scendere mai sotto i 180 ppi e che non sale mai sopra i 220 ppi, anche per stampe su riviste. Come regola generale, più grande è la stampa, più bassa è la risoluzione di cui puoi accontentarti.

La risoluzione da scegliere, comunque, dipende anche dalla dimensione finale della stampa. A questo link trovi un utile tabella che indica la risoluzione da scegliere in base alle dimensioni di stampa.

Ultimo punto fondamentale da considerare per quanto riguarda i programmi di fotoritocco è la nitidezza. La nitidezza di un monitor è inevitabilmente superiore a quella di un’immagine stampata. Perciò, quando una foto sembra perfettamente nitida sullo schermo, è comunque possibile ottenere una stampa che sembra sfocata.

La soluzione è semplice, consiste nel creare una versione della foto con una nitidezza più spinta, apposta per la stampa. Come fare ciò dipende dal programma che usi.

Lightroom, ad esempio, nella finestra di esportazione permette di applicare una correzione alla nitidezza appositamente per la stampa. Sempre Lightroom, nel modulo Stampa fornisce diverse opzioni di nitidezza in base alla carta usata per stampare. Altri programmi avranno modi diversi per creare foto con la nitidezza giusta per la stampa.

Punto cruciale: calibrare il monitor

Come accennavo sopra, la brillantezza dei monitor che abbiamo a disposizione, dal punto di vista del contrasto, della luminosità e dei colori, facilita la confusione quando si stampano le foto. Usando le impostazioni tipiche per i monitor, è praticamente certo che le foto che ti sembrano bellissime sul computer risulteranno smorte e deprimenti sulla carta. La soluzione a questo problema, comunque, non è difficile e si chiama calibrazione del monitor.

Dopo la calibrazione, la corrispondenza tra schermo e stampa sarà pressoché perfetta (ammesso che la stampa venga fatta con criterio, ovviamente). La nota dolente, purtroppo, è che una vera calibrazione sarà possibile solamente attraverso strumenti hardware appositi.

Se cerchi su Internet, troverai migliaia di articoli che ti spiegano come calibrare (ad esempio, puoi provare gli strumenti di PhotoRevolt), ma tutti quanti trattano solo una porzione del problema. Spesso, tra l’altro, i controlli presenti sui monitor o nel pannello di controllo non sono sufficienti ad una calibrazione esatta.

I prodotti per la calibrazione includono di solito uno strumento da porre a contatto con il monitor e un software apposito che, comunicando con esso, regola opportunamente il monitor. Il più citato di questi prodotti è lo Spyder di Datacolor, che puoi vedere nell’immagine qui vicino.

Puoi trovarlo su Amazon a partire dagli 89€ del modello Expressfino ai 185€ del modello Elite. Come vedi, non si tratta di prezzi elevatissimi, ma, se consideri che è necessario calibrare il monitor una volta sola, può sembrare un investimento poco giustificato.

Senza dubbio, però, se vuoi stampe affidabili, meglio sottoporsi a questa spesa. Potresti trovarne uno usato, oppure a noleggio.

Una volta calibrato il monitor, probabilmente le immagini ti sembreranno sbagliate, proprio perché siamo abituati a impostazioni un po’ forzate. Vedrai che dopo qualche ora di utilizzo sembrerà tutto di nuovo normale.

Un ultimo consiglio. Anche la posizione del monitor può aiutare. Fai in modo di osservare il monitor dall’angolazione giusta, perché sugli schermi LCD l’immagine può sembrare anche radicalmente diversa in base all’angolazione da cui la guardi. Inoltre, fai attenzione alle sorgenti di luce ed ai riflessi sul monitor che possono alterare la tua percezione del colore.

Stampare: a casa o in laboratorio?

Quando sei sicuro di aver impostato correttamente i tuoi strumenti puoi ritoccare le tue foto in tranquillità. Al momento di stamparle, però, c’è ancora una cosa da decidere: in casa o in laboratorio?

Ken Rockwell, una sorta di guru dei fotografi amatoriali, è inequivocabilmente contrario alla stampa a casa con le stampanti a getto d’inchiostro. Secondo lui, anche con la migliore carta fotografica, il processo di stampa dei laboratori è comunque migliore. Dall’altra parte, ad esempio, Scott Kelby afferma di stampare spesso a casa (anche nel suo Il libro della fotografia digitale), usando ovviamente stampanti, colori e carte di qualità.

Una cosa vera è che ormai le stampe sono diventate molto convenienti e, considerando tutti i costi coinvolti, stampare a casa risulta meno economico. La stampa in casa, dal canto suo, permette un maggior controllo e dà la soddisfazione di aver eseguito da solo l’intero processo, dallo scatto al prodotto finito.

Personalmente, mi orienterei verso la stampa presso i laboratori, in particolare via Internet. Molti siti di stampa online hanno offerte che danno ai nuovi iscritti un buon numero di stampe gratuite o a prezzo molto basso. Conviene sfruttare queste offerte per testare il servizio su un insieme di foto opportunamente selezionate e modificate.

Ricordati sempre di verificare con quale spazio colore lavora il servizio di stampa e, se è possibile, specifica che non vuoi che le tue foto vengano alterate. Investendo pochi euro, dopo qualche esperimento troverai sicuramente un servizio che fa al caso tuo. Continuando a stampare attraverso questo servizio ti assicurerai risultati sempre prevedibili.

Se invece decidi di stampare a casa, avrai bisogno dei profili ICC per la stampante. Questi permettono ai programmi sul tuo computer di controllare accuratamente la stampa. Potrebbero essere già installati sul tuo computer, ma eventualmente li trovi sul sito del produttore della stampante.

Nella scelta della carta, conviene preferire i prodotti dello stesso marchio della stampante. Se cambi marchio, meglio cercare i profili ICC del produttore della carta. Questi ti permetteranno, al momento della stampa, di scegliere la corretta accoppiata stampante/carta e di garantire così una stampa perfetta.

Una volta scaricato il profilo giusto, per poterlo usare dovrai disabilitare la gestione del colore da parte della stampante. I programmi di fotoritocco più diffusi mostrano questa opzione nei moduli che riguardano la stampa.

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Tratto dal blog FotoComeFare 

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Lumachina ripresa con tele a 400mm sul davanzale di una finestra e illuminata con lampada da tavolo (ph.: A. Lo Torto, 2000)

Tratto dal blog ClubFotografia
La caratteristica di un teleobiettivo è quella di restituire un’immagine ingrandita di oggetti lontani. Altrettanto importante è il suo ridotto angolo di campo, che fa sì che il tele sia in grado di tagliar via gli elementi di disturbo, inquadrando un soggetto in tutta la sua evidenza. Se un obiettivo grandangolare è adatto a registrare tutti gli elementi che si vengono a trovare di fronte alla fotocamera, il tele si cala dentro la scena stessa e ne estrae i dettagli.

Portarsi il tele allo stadio consente riprese nitide e ravvicinate anche da notevole distanza (ph.: A. Lo Torto, 2007)

Per definizione i teleobiettivi si suddividono a seconda della loro lunghezza focale: quelli compresi tra 70 e 135mm vengono detti teleobiettivi moderativi, quelli fino a 300mm teleobiettivi veri e propri, mentre, salendo ancora (addirittura fino a 2.000mm!), troviamo i cosiddetti superteleobiettivi, ottiche costose, specialistiche e molto difficili da usare.

Comunque sia, scattando con lunghezze focali importanti è buona norma fare sempre attenzione al mosso: infatti questo tipo di obiettivi “amplifica” i micromovimenti della fotocamera e non c’è mano ferma che tenga… In questa sede voglio ricordarvi quel vecchio adagio fotografico, dei tempi di mio nonno: non impugnare mai a mano libera un obiettivo se il tempo di scatto è più lungo dell’inverso della focale utilizzata, altrimenti la foto uscirà mossa (esempietto: scattando con un tele da 200mm, quindi, il tempo più lungo di scatto che vi sarà concesso sarà di 1/250 di secondo, ecc.).

Generalmente, i tele sono ottime ottiche per scattare ritratti ravvicinati, istantanee di bambini che giocano, eventi sportivi e, soprattutto, gli animali (sia allo zoo, che nel loro habitat naturale). Molti zoom-tele in commercio, inoltre, dispongono anche della modalità macro.

La messa a fuoco selettiva. Il problema dello sfondo “invasivo”

La riduzione della profondità di campo prodotta da un teleobiettivo lo rende ideale se si vuole realizzare unamessa a fuoco selettiva di un determinato soggetto. Combinando un diaframma piuttosto aperto con un punto di ripresa che ci consenta di mettere a fuoco gli elementi in primo piano, possiamo ottenere uno sfondo di forme, colori e toni sfocati intorno al nostro soggetto a fuoco. E’ una tecnica compositiva molto efficace, che serve a richiamare l’attenzione sul soggetto principale, oltreché a nascondere un fondale che, spesso, risulta disturbante.

Poco sfondo e un bel riempito in primo piano quando il soggetto lo richiede (ph.: A. Lo Torto – St. Moritz, 2002)

Uno sfondo invasivo, infatti, rovina qualsiasi immagine, in quanto tende a sovrastare il soggetto principale della foto. Il fotografo che trascura il rapporto tra sfondo e soggetto principale – magari perché troppo assorbito da quest’ultimo – andrà sicuramente incontro ad immagini deludenti, in cui troppi ”attori” si contenderanno il ruolo del protagonista. Questo tipo di sfondo, invasivo, si rischia in particolare quando riprendiamo una figura umana, infatti – a meno che non si voglia realizzare un ritratto ambientato – la fotografia di una persona, in linea di massima,  richiede un background che sia il più possibile semplice, neutro: è sempre meglio evitare che vi sia più di un soggetto! Inoltre, un uso sapiente del teleobiettivo ci consente di minimizzare il problema dello sfondo invasivo realizzando un’inquadratura “più piena” del nostro soggetto riempiendo, cioè, il fotogramma il più possibile. In ogni caso, la soluzione migliore è quella di portare lo sfondo fuori fuoco con la tecnica, appena imparata, della messa a fuoco selettiva: aprite il diaframma e compensate con un tempo di esposizione più breve.

Un altro metodo potrebbe essere quello di sottoesporre lo sfondo, realizzabile, però, soltanto quando la differenza di luminosità tra le parti più illuminate del nostro soggetto e tutto ciò che resta in secondo piano sia almeno di 4 stop. Oltre questo limite, infatti, la latitudine di posa di qualsiasi sensore digitale (anche il più sofisticato) faticherà sicuramente a registrare il gap di luce e, se misurerete con cura l’esposizione sul soggetto, lo sfondo ne uscirà scuro e sottoesposto. Vedi in proposito: teoria dell’esposizione corretta e “dal bracketing all’HDRI: range dinamico e latitudine di posa“.

NOTA: trovandovi in esterni, di giorno, se la distanza dal soggetto ve lo consente, potrete ricreare questa situazione servendovi del flash ed usandolo come se fotografaste di notte. Cercate di riprendere il soggetto con un diaframma abbastanza chiuso (la modalità a Priorità di diaframmi sarà, pertanto, quella consigliata) e, se possibile, posizionate il flash abbastanza vicino al soggetto… un flash esterno e collegato alla fotocamera (via cavo o wireless) sarà sicuramente indicato. Di questa soluzione si avvalgono spessissimo i fotografi professionisti quando realizzano servizi in esterni, specialmente nel campo della moda.

La compressione dei piani

Il gradevole effetto compositivo prodotto dalla commpressione dei piani in questa foto di Joseph Meehan (1992)

Un’altra caratteristica del teleobiettivo è la cosiddetta compressione dello spazio fra il primo piano e lo sfondo: quasi una sovrapposizione dei vari piani che compongono la scena che, se cercata, risulta molto gradevole. Per cui il tele non solo avvicina gli oggetti tra loro, ma arriva persino a “fonderli”.

Una leggera compressione dei piani fornita dai teleobiettivi moderati (tra i 70 e i 135mm, quindi) li rende ideali per il ritratto di persone. “Schiacciando” un po’ la prospettiva, fanno lo stesso anche sui lineamenti umani, rendendoli più armoniosi e meno pronunciati. Nei ritratti realizzati con il grandangolare, invece, molto spesso i volti appaiono come “distorti”, con il naso a punta e la testa a pera…

All’aumentare della lunghezza focale aumenta anche l’effetto di compressione, tanto che un albero a trenta metri di distanza può sembrare incollato ad una casa che magari si trova molto più lontana. Per sfruttare creativamente questo effetto, però, si deve tener conto di due fattori, caratteristici di questo tipo di ottiche:

1. la ridotta profondità di campo
2. l’elevata distanza minima di messa a fuoco.

A f/16, un tele da 200mm riuscirà, ad esempio, a mettere a fuoco soltanto da 40 metri in su (all’infinito). Pertanto, per avere a fuoco sia il primo piano che lo sfondo, sarà necessario allontanarsi dal soggetto o chiudere ancora il diaframma, cosa che male si concilia con la necessità di un tempo di scatto breve per la ripresa a mano libera. Se non avete un treppiedi a disposizione sarete costretti a settare la fotocamera su sensibilità ISO piuttosto alte.

Lo Stromboli ripreso a 600mm in una serata particolarmente “brumosa”. Mi trovavo a circa 80 km dal vulcano… (ph.. A. Lo Torto, 2004)

In conclusione, possiamo affermare che intervenire sulla prospettiva nel senso di comprimere i piani o nel senso di dilatarli artificialmente è, da sempre, un importante fattore di caratterizzazione delle fotografie. Adoperare il tele è divenuto, per alcuni fotografi e per alcune riviste di viaggi e turismo in particolare, un modo molto interessante per caratterizzarsi. E’ sufficiente sfogliare le più quotate pubblicazioni che presentano reportages documentaristici su luoghi esotici per notare che grandangolari molto spinti ma, soprattutto, teleobiettivi molto potenti sono gli strumenti che fanno da padroni. Controllate.
Tratto dal blog ClubFotografia