FRANCESCO COLELLA

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2013-02-19T14:03:00.001+01:00

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Zigulì

2013-02-18T13:13:00.001+01:00

Tratto dal libro di Massimiliano Verga "Zigulì" edito da Mondadori.

La fragilità di un padre di fronte alla disabilità del figlio. La paura e il desiderio della morte. Il bisogno intimo di sparire. La pallina dolce di una caramella e l’amaro di una lingua che lecca per terra. I legni da raccogliere e da intagliare, levarne la crosta per accarezzare le impurità, i nodi. La camicia che si sporca sempre, che prima di uscire è sempre da cambiare e che comunque sempre rimane sporca. Il lupo che il padre, prima o poi, vorrebbe incontrare. E poi le testate, le spinte, i morsi, i graffi tra gli abbracci e le esplosioni di risate. E, qualche volta, i baci. Perché in questa storia, che è soprattutto una storia d’amore, tutto accade disordinatamente, senza nessun galateo sentimentale.

Anima errante. Rifici ridà vita al dramma di Seveso

2013-02-02T16:34:00.005+01:00

Difficile dare un’unica definizione a “Anima errante” diRoberto Cavosi, messo in scena da Carmelo Rifici al Tieffe di Milano, perché è insieme dramma civile, religioso, tragedia, opera espressionista, teatro simbolista.

L’episodio di cronaca che fa da cornice alla vicenda, tristemente famoso, è la fuoriuscita di una nube di diossina a causa della rottura di un reattore in una fabbrica di profumi e disinfettanti sanitari: siamo a Seveso, nella bassa Brianza, ed è il 10 luglio del 1976.

Al centro della pièce la storia di Sara, una giovane donna sposata e in attesa di un figlio tanto desiderato, a cui il veleno sprigionato dalla diossina sembra impedire la nascita. Il desiderio di maternità e di attaccamento alla vita è troppo profondo in Sara, e non trovando risposte nella scienza (nel ‘76 sulla diossina in Italia circolavano solo informazioni scarne ed allarmanti) la donna trova rifugio nella fede, finendo per siglare un patto con la beata vergine “una madre per una madre, un figlio per un figlio”.

Nella struggente identificazione con la madre per eccellenza, Sara si trova ancora una volta impotente nei confronti di un figlio da salvare. Attorno al dramma intimo della protagonista ruota un’umanità ferita: dalle giovani madri di Seveso, incoraggiate ad interrompere le gravidanze, alle famiglie costrette ad evacuare e a vivere in motel, private della loro dimensione domestica, fino alle vittime del disastro, come il marito di Sara, bruciate più nell’anima che sulla pelle.

La complessità del testo di Cavosi ha incontrato la drammaturgia caleidoscopica di Rifici, che lungi dall’adottare una lettura univoca della storia, sceglie di mixare diverse soluzioni sceniche, riuscendo però a mantenere narrativamente compatta la pièce.
Si possono leggere elementi della tragedia greca nel coro delle tre presenze femminili, mentre un richiamo al teatro realista è evidente quando il dramma entra nelle mura domestiche di Sara e del marito, filtrando i dialoghi della coppia; di gusto espressionista è la performance di Francesco Colella, marito operaio di Sara, affetto da cloracne dopo la tragedia di Severo; ispirate al teatro liturgico-medievale sono infine le invocazioni alla vergine.

Magistrale l’interpretazione di Maddalena Crippa nel ruolo di Sara, grazie ad un’ottima capacità di mimesi; intensa e graffiante anche l’interpretazione di Colella.
Il gioco di luci ed ombre e l’aspetto mutevole e dinamico della scenografia cadenzano i tempi del dramma, conferendo ritmo e movimento alla pièce.

Anima Errante
di Roberto Cavosi
con Maddalena Crippa
Francesco Colella, Carlotta Viscovo
e con Francesca Mària, Stefania Medri, Raffaella Tagliabue
regia Carmelo Rifici
scene Daniele Spisa
costumi Margherita Baldoni
canti a cura di Emanuele De Checchi
luci Matteo Crespi
produzione Tieffe Teatro
durata: 1h 40'

Visto a Milano, Teatro Tieffe Menotti, il 20 gennaio 2013

Tratto da www.klpteatro.it

Maddalena Crippa ne L'Anima Errante di Carmelo Rifici

Zigulì

2012-12-08T12:03:00.004+01:00

Tratto dal libro di Massimiliano Verga "Zigulì" edito da Mondadori.

Note di regia.

«Il personaggio di Zigulì è un uomo smarrito che si rapporta a suo figlio e alla sua disabilità con stupore, rabbia e ironia. L’azione si svolge in uno spazio domestico ma notturno, un luogo che non è più una casa ma è il campo di battaglia dove si svolge la loro lotta quotidiana. È un mondo chiuso dove ogni tanto penetrano dei raggi di sole: i tentativi di aprire degli spiragli sono il più delle volte fallimentari o portano solo all’illusione di un momento. Il tempo che il padre e il figlio vivono ogni giorno, scandito da relazioni e impegni, passato tra strutture per la fisioterapia e assistenti sociali, è lontano. Il tempo del nostro racconto è dilatato, notturno, fatto anche di silenzi, a volte dolce e a volte insopportabile. Quello che ci interessa raccontare non è il mondo del figlio e della sua disabilità, non ci è dato conoscerlo, ma quello che lui ci mostra di sé contagiando l’esistenza di suo padre. Gli taglia l’anima, gli fa male e gli fa paura, lo atterrisce e lo fa incazzare. È molto forte il peso che hanno i corpi in questa storia. È una continua lotta fra due maschi, è un gioco virile, il corpo del figlio contro il corpo del padre. Una lotta fisica estenuante, le testate, le spinte, i morsi e i graffi tra gli abbracci e le esplosioni di risate. E poi la merda, le urla, la musica assordante. E, qualche volta, i baci. Perché in questa storia, che è soprattutto una storia d’amore, tutto questo accade disordinatamente, senza nessun galateo sentimentale. La musica, dal punk a Bach, è in questo rapporto come un’isola felice, un tentativo di sollievo, quando sono finite le parole e non rimane che sorridere e ballare. Il figlio rimane sempre invisibile, solo evocato e sempre presente come una piccola e misteriosa divinità.
La messa in scena sarà rotta, fatta di slanci e di silenzi improvvisi, interrotta dal buio e da squarci di luce, che sono la sintesi visiva di questo racconto, cercando di dare corpo alle apparizioni e ai sentimenti discontinui del testo. La paura e il desiderio della morte. Il bisogno intimo di sparire e insieme di far sparire tutto con rabbia. La fragilità del padre, che è insieme desiderio di protezione ma anche vivida repulsione. L’intenzione di arrivare in fondo alla giornata ma anche il desiderio di finire tutto, ora. La pallina dolce di Zigulì e l’ amore che lega i due personaggi, indissolubilmente. Il rapporto con la città e la natura. I legni da raccogliere e da intagliare, levarne la crosta per accarezzare le impurità, i nodi. La camicia che si sporca sempre, che prima di uscire è sempre da cambiare e che comunque sempre rimane sporca. Il lupo che il padre, prima o poi, vorrebbe incontrare.»

http://www.sbirciapaola.it/ziguli-a-teatro/

Anima errante

2012-12-08T11:47:00.001+01:00

Vuoi prendere il mio posto? Un figlio per un figlio. Una madre per una madre...

TieffeTeatro

di Roberto Cavosi
con Maddalena Crippa
Francesco Colella, Carlotta Viscovo

e con Francesca Mària, Stefania Medri, Raffaella Tagliabue

regia Carmelo Rifici

scene Daniele Spisa

costumi Margherita Baldoni

canti a cura di Emanuele De Checchi

luci Matteo Crespi

1976, è estate, a Seveso un guasto alla ciminiera di una fabbrica di profumi causa la fuoriuscita di una grande nube di diossina. La diossina è una sostanza estremamente tossica: ustionante, cancerogena e teratogena. Veniva usata in Vietnam per le bombe al napalm.

Sara è una donna di Seveso, è felicemente sposata ed aspetta un figlio. Quella nube cambia la sua vita. Nessuno, nel 1976, conosceva esattamente quali fossero le conseguenze della diossina per il feto. Dal Vietnam arrivavano solo poche, imprecise, ed allarmanti notizie di gravissime malformazioni genetiche. A Seveso adulti e bambini vengono ricoverati in ospedale con gravi forme di cloracne. Il paese viene fatto evacuare. Sara, non ottenendo risposte dalla scienza, si rivolge alla Beata Vergine pregandola di venirle in soccorso. Sara vorrebbe che Maria scendesse dal cielo per aiutarla. E Maria acconsente, ma le propone uno scambio: “Se il tuo fardello è troppo pesante - le dice - lo prenderò io e tu prenderai il mio”. Sara, pensando che si sarebbe assisa tra gli angeli in trono, accetta lo scambio. Ma la sua felicità dura poco e nei panni di Maria si trova sul Golgota davanti a suo figlio in croce. Ancora davanti ad un figlio che lei non è in grado di difendere.
Drammaturgicamente il testo è costruito su varie contaminazioni, contrappuntate in diversi linguaggi: danza, prosa, musica, canto. È teso alla ricerca di una sintesi attraverso precise scansioni stilistiche: teatro liturgico-medioevale, teatro realistico ed espressionista, il tutto assemblato da forti tinte di “pittura” simbolista e metafisica. Dal punto di vista del contenuto ANIMA ERRANTE è il tentativo di trovare il “disegno” di una madre assoluta, di una madre nel tempo e attraverso il tempo. È il percorso tortuoso e difficile di tutte le donne, di tutte le madri che in questo mondo fatto di violenza e sopraffazione non sono in grado di difendere il loro stesso figlio.

Attualmente sul palco con I PROMESSI SPOSI ALLA PROVA

2012-02-25T20:08:00.000+01:00

di Giovanni Testori

drammaturgia di Sandro Lombardi e Federico Tiezzi

regia Federico Tiezzi

Il maestro Sandro Lombardi

L'attore che fa Renzo Francesco Colella

L'attrice che fa Lucia Debora Zuin

L'attrice che fa Agnese Marion D'Amburgo

L'attrice che fa Perpetua Caterina Simonelli

L'attore che fa Egidio Alessandro Schiavo

L'attore che fa don Rodrigo Massimo Verdastro

L'attrice che fa Gertrude Iaia Forte

scene Pier Paolo Bisleri

costumi Giovanna Buzzi

luci Gianni Pollini

regista assistente Giovanni Scandella

maestro di canto Francesca della Monica

produzione Teatro Metastasio - Stabile della Toscana/Teatro Stabile di Torino/Compagnia Sandro Lombardi

Descrizione

Su un palcoscenico di fortuna, è da supporre in qualche quartiere non proprio "bene" di Milano, un Maestro, capocomico all'antica, si affanna a far interpretare a un gruppo di attori comicamente scalcagnati nientemeno che il capolavoro di Manzoni.

Così iniziano I promesi sposi alla prova, testo con cui nel 1984 Giovanni Testori, dopo le riscritture da Shakespeare e da Sofocle, approda a questo suo inevitabile traguardo.

Interesse principale dell'autore è quello di fare del romanzo uno "specchio" in cui riflettere i suoi "anni tribolatissimi" che, a ben vedere, sono anche i nostri. Quante pesti ci affliggono! quella del degrado dell'ambiente, dell'indurimento dei cuori, dell'omologazione delle coscienze, dell'allontanamento graduale dalla realtà, dell'incapacità di vedere la trasformabilità della società.

Soprattutto la peste della chiusura alla diversità, alla comunicazione, al mondo.

Ed è al desiderio di aprire gli occhi sulla realtà (e con lo strumento dell'umorismo manzoniano) che gli interventi testoriani si appigliano per dissezionare i nuclei narrativi originari e ricomporli in parabole insieme sceniche e morali.

A differenza delle sue reinvenzioni scespiriane, sin dal titolo segnalate da una deformazione linguistica (L'Ambleto, Macbeth), in questo caso resta intatta, quasi fosse intangibile, la formula manzoniana; vi si aggiunge solo la specificazione: "alla prova". In queste due parole sta non solo l'indicazione che il romanzo verrà spinto nel territorio del teatro; ma tutta l'immensa portata dell'intera opera, e forse dell'intera vita, di Testori: la verifica dei propri amori, delle proprie passioni umane e culturali: "mettere alla prova"...

Del resto, il "mettere alla prova" è, in tutti i sensi, il cuore del lavoro registico, nel doppio senso di "mettere in prova" la praticabilità teatrale di un testo o comunque di un'ipotesi scenica, e di "verificare" la sua tenuta in una situazione storica mutata. E su queste premesse si basa il lavoro di Tiezzi: non una spiegazione del romanzo ma, come desiderava Testori, una "lezione e un monito" perché I Promessi Sposi sono "il romanzo della storia, e il popolo incarna questa storia nella libertà più assoluta".

In una struttura pirandelliana simile a quella dei Sei personaggi in cerca d'autore, su di un palcoscenico nudo, si svolge la prova di una "commedia da fare" dove ai temi di riflessione sul teatro e sui suoi modi comunicativi, si mescolano i grandi motivi manzoniani della pietà, della grazia, del male e della morte, della Provvidenza e della salvezza. Don Abbondio, Renzo, Lucia, fra Cristoforo, l'Innominato, don Rodrigo tornano a noi attraverso il corpo e la voce dei protagonisti della "prova" in un mescolamento di azioni e di ruoli di grande vivacità teatrale.

Con questo spettacolo Tiezzi affronta insieme Testori e Manzoni, al fine di dire anche una parola non retorica ma che parta dal basso, dagli umili, dai diseredati, da coloro che identificano la vita con il rispetto del prossimo, del mondo e della storia - una parola relativa al centocinquantesimo anniversario dell‘Unità d'Italia, quella unità che Manzoni contribuì a creare dal punto di vista linguistico-letterario, innestando la tradizione lombarda in quella toscana. Unità della lingua come unità di una nazione: la cultura non è qualcosa di separato dalla storia ma addirittura la determina.

Nella teatrografia di Federico Tiezzi, questiPromessi sposi alla prova vengono a costituire un ideale dittico con il Simon Boccanegrarecentemente diretto alla Staatsoper di Berlino e poi alla Scala: Verdi e Manzoni hanno contribuito "da artisti", e come mai nessun altro artista, all'unità della nazione.

La recensione di Silvia Cosentino

Persone e personaggi alla prova
Chissà se, meditando sull'espediente del manoscritto anonimo, Alessandro Manzoni era cosciente di segnare per sempre la storia della letteratura. Chissà se, risciacquando i panni in Arno, era cosciente di ridisegnare anche le sorti della lingua italiana. Di certo possiamo dire che pressoché ognuno di noi si è trovato a misurarsi con quell'indiscusso capolavoro che risponde al nome di I promessi sposi, tanto odiato e temuto tra i banchi di scuola perché imposto, quanto apprezzato in età matura perché consapevolmente scelto. In ogni caso, romanzo impossibile da ignorare, se non altro per le varie trasposizioni operate nel tempo: dallo storico sceneggiato del 1967, in cui il maestro Sandro Bolchi riunì con abile regia attori del calibro di Tino Carraro, a quello, valido ma forse meno convincente, del 1989 firmato da Salvatore Nocita, passando per parodie (dal celeberrimo Trio agli Oblivion) e fumetti che ne hanno accresciuto la popolarità, se mai ce ne fosse stato bisogno.
C'è anche la storia di Renzo e Lucia tre le incursioni concettuali e linguistiche dello scrittore, drammaturgo, storico dell'arte (e molto altro ancora) Giovanni Testori: come molte sue altre produzioni, I promessi sposi alla prova (1984) mettono in discussione, scardinano, pur sempre amando, la fonte originaria, esprimendo una conflittualità di non semplice risoluzione. Federico Tiezzi e Sandro Lombardi accolgono questa affascinante sfida, dopo la fortunatissima messinscena di Ambleto dello stesso Testori (Premio Ubu 2002 per l'interpretazione di Lombardi), forti di una solida drammaturgia e della presenza di nomi ormai storici per la compagnia, nonché di nuovi validi interpreti che già abbiamo avuto modo di apprezzare altrove.
Il retro di un teatro grigio e scalcinato: un tavolo rettangolare in primo piano, due scale laterali e una centrale portano a una zona sopraelevata delimitata da un sipario-tendone da circo rosso, in cui si trova un altro tavolo con sedie; una porta e varie uscite delimitate da un'altra scala e dalle semplici quinte. Sandro Lombardi è Il Maestro, come da tutti verrà chiamato, nostalgico delle tradizioni e di un'interpretazione pomposa alla vecchia maniera, solo a tratti conscio di quanto il teatro abbia bisogno di essere rinnovato e spolverato. Egli guida un gruppo di attori verso la scoperta e la messinscena del romanzo manzoniano, corregge la dizione esasperando la metrica, interviene e interrompe, alla stregua delcapocomico pirandelliano (la cui poetica e i meccanismi metateatrali sono evidenti e tangibili in molti momenti dello spettacolo). Non si limita a restare fuori, osservando la scena da molteplici punti del palco, ma si inserisce interpretando ora un vile e buffo Don Abbondio, ora un minaccioso e decadente Innominato, semplicemente aggiungendo mantelli al completo grigio: con la maestria e la delicatezza che sempre lo contraddistinguono, Lombardi regala una coinvolgente interpretazione, con intensi monologhi costantemente sospesi tra la derisione e l'apprezzamento verso un certo modoclassico di far teatro. Si fa tremendamente sul serio, scherzando.
Gli attori sono in prova, messi alla prova, nel teatro come nella vita. Spulciano il testo, prendono appunti, cercando di carpire e capire ogni indicazione del Maestro: riflettono, si guardano tra loro, non sempre capendo, scalpitano per mettere in pratica ciò che stanno studiando a tavolino. In continua altalena tra persona e personaggio (ecco ancora la forte derivazione pirandelliana), non hanno altra identità nominale se non quella del ruolo che vanno a interpretare; allo stesso tempo, ognuno è vestito a proprio modo, eccezion fatta per alcuni accessori e oggetti di cui via via si muniscono. Escono ed entrano in continuazione dal personaggio, spesso senza cambiare registro: il pubblico, a cui molte volte gli attori e ilMaestro si rivolgono, viene disorientato e chiamato a partecipare di una finzione nella finzione i cui confini sono tutt’altro che definiti. Nel ripercorrere le vicende salienti di Renzo e Lucia, la prova è frammentata, continuamente interrotta da dubbi e proteste, con il ritmo incalzante delle esibizioni circensi, appunto.
Da un lato, gli attori navigati rivendicano un ruolo a loro consono, di spicco, una lunga parte su cui crogiolarsi e gigioneggiare: Marion D'Amburgo è un'Agnese dalle narrazioni interminabili, il sempre simpatico Massimo Verdastroun'improbabile Don Rodrigo (tutto fuorché minaccioso), Iaia Forte una Gertrude ridondante dal trucco carico, ammuffita e relegata in cantina. Dall'altro lato, gli attori giovani vogliono capire, sentire la parte, trovare un modo personale di interpretare, fanno fatica a comprendere la potenza della Parola, più volte citata dal Maestro: la parola che evoca monti che in realtà non ci sono, che crea distanze chilometriche sulle tavole del palcoscenico, che tratteggia fisicità e carattere dei personaggi. L’attore di Francesco Colella è impetuoso, cocciuto e sanguigno proprio come Renzo, commuove per la freschezza e la passione con cui si approccia alla parte. Il bel viso di Debora Zuin è quello dell'Attrice che fa Lucia, come lei timorosa e delicata. Caterina Simonelli (già bella e vigorosa protagonista in Scene da Romeo e Giulietta di Tiezzi) è l'attrice giovane incastrata nel ruolo settantenne di Perpetua, mentre Alessandro Schiavo diviene Giampegidio, buffa trasposizione del tenebroso amante di Gertude.
Non si parla solo di teatro, ma di vita vissuta, di quella temibile smania di Potere che tutto governa e che determina gli eventi reali così come le sventure dei due protagonisti; in contrapposizione pare esserci la Provvidenza che ordina e ricompone, su cui viene sospeso il giudizio attraverso lo schietto scetticismo di Renzo. Sarebbe auspicabile che davvero questa mano potente esistesse, tuttavia, chissà...
Lo spettacolo scorre agevolmente, tradendo forse eccessiva lunghezza e ripetitività nel ribadire certi concetti. Laddove il testo avrebbe offerto interessanti spunti per graffiare e contestare con sarcasmo, la lettura di Tiezzi e Lombardi si mantiene carezzevole, in qualche modo accondiscendente: non è del resto prerogativa di questi due artisti scioccare, piuttosto mantenere delicatezza e garbo anche nelle operazioni più ardite. Lo stesso Lombardi, e con lui i componenti della compagnia, sa imprimere agli spettacoli di volta in volta affrontati un inconfondibile marchio di professionalità ed eleganza, volto ad approfondire e sviluppare tematiche attraverso una macchina teatrale sempre giocata sul filo delle più impercettibili sfumature interpretative.

Francesco Colella alla 68ma MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA 2011 di VENEZIA

2011-09-02T20:47:00.001+02:00

nel film di
FRANCESCO LAGI - MISSIONE DI PACE [FUORI CONCORSO] con Silvio Orlando, Francesco Brandi, Alba Rohrwacher, Filippo Timi, Antonella Attili.

http://www.labiennale.org/it/cinema/film/sez-aut/sic/

Trama:
La storia ha per protagonista il capitano Vinciguerra (Orlando) alla guida di un manipolo di soldati (tra cui Rohrwacher e Bugo) in una comica e avventurosa missione di pace che parte dal Nord Est dell'Italia fino ai Balcani. Quello che il capitano non poteva immaginare è di dover affrontare la sua missione a fianco del suo peggior nemico: suo figlio (Brandi), un agguerrito pacifista.

...Con Missione di pace, del toscano Francesco Lagi, che programmiamo fuori concorso in chiusura dei nostri giorni veneziani, offriamo il nostro apporto alla definizione di quelle che potrebbero essere le strade da imboccare da parte del genere “commedia”: qui siamo dalle parti della satira grottesca dei film militaristi e insieme antimilitaristi, una sorta di mix scanzonato e ridanciano di armate monicelliane, di soldati alla Salvatores, di irriverenze alla Richard Lester o alla Robert Altman. Una delle tante missioni di pace nei territori balcanici, un giovane pacifista convinto ma esageratamente velleitario che piomba nella compagnia di soldati capitanata dal padre Silvio Orlando, con il quale i conflitti sono arrivati all’apice (la famiglia, dicevamo), la cattura di un pericoloso criminale di guerra (episodio di grande attualità nel momento stesso in cui scriviamo). Il tutto espresso con una sana e scatenata fantasia...

Estratto da "scelte di campo" di F. Di Pace nel contesto della presentazione della 26ma SETTIMANA INTERNAZIONALE DELLA CRITICA all'interno della 68ma MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA 2011

http://www.sicvenezia.it/index.php?option=com_content&view=article&id=150%3Apresentazione-dipace&catid=51%3Asic-2011&lang=it

il regista FRANCESCO LAGI

il regista e ALBA ROHRWACHER

SILVIO ORLANDO e ALBA ROHRWACHER

APOCALISSE (una domenica a Patmos)

2011-06-13T17:50:00.006+02:00

Alcune immagini dello spettacolo.

APOCALISSE (una domenica a Patmos): immagini

2011-06-13T09:35:00.001+02:00

2011-06-04T10:41:00.000+02:00

Realizzazione palma_scultorea per l'opera teatrale "APOCALISSE... una domenica a Patmos" con Francesco Colella
foundfootage sound and music: Giuseppe D'Amato

APOCALISSE (una domenica a Patmos)

2011-05-24T11:22:00.008+02:00

progetto grafico D. Tozzo

TEATRODILINA

presenta

APOCALISSE (UNA DOMENICA A PATMOS)

da L’Apocalisse di Giovanni

con Francesco Colella

foundfootage music and sound Giuseppe D’Amato

musiche originali Alessandro Linzitto – “Linz”

scenografie Salvo Ingala

aiuto regia Leonardo Maddalena

regia Francesco Lagi

foto di D. Lasagni

APOCALISSE (UNA DOMENICA A PATMOS) – Alcune note

Un uomo sta da solo su una piccola isola del Mediterraneo. È esiliato, costretto alla solitudine, lontano da tutto. Si chiama Giovanni. È domenica e su quell’isoletta tutto tace. Primo pomeriggio, monotono frinire di cicale, fa caldo. All’improvviso sente alle sue spalle una voce che lo chiama. Beato chi legge e chi ascolta e chi crede alla profezia perché il momento è vicino.

L’Apocalisse è la fine del mondo. L’Apocalisse non è uno scherzo. L’Apocalisse è una profezia. L’Apocalisse non è un racconto. L’Apocalisse è la verità. L’Apocalisse non è la realtà. L’Apocalisse è un attimo. L’Apocalisse non è una preghiera. L’Apocalisse è un paio di occhiali. L’Apocalisse non è un libro. L’Apocalisse è un coccio di vetro. L’Apocalisse non è uno zoo. L’Apocalisse è un attacco di panico. L’Apocalisse non è un regime dietetico. L’Apocalisse è una donna incinta. L’Apocalisse non è un cono da un euro. L’Apocalisse è ultima. L’Apocalisse non è una Mini Cooper. L’Apocalisse è un miele amaro. L’Apocalisse non è una partita di pallone. L’Apocalisse è un tuffo nel mare. L’Apocalisse non è una citazione. L’Apocalisse è l’inizio di un mondo nuovo.

Bologna

26/05/2011 ore 21.00

Aula Magna di Santa Lucia, via Castiglione, 36

Roma

30/05/2011 ore 21.00

LOST IN LOFT, via Affogalasino, 34

foto di D. Lasagni

UBU 2010 - PREMIAZIONE

2011-05-24T11:11:00.001+02:00

video tratto da http://www.klpteatro.it/index.php?option=com_content&view=article&id=1943:ubu-2010-videoreportage&catid=37:video&Itemid=126

BOLOGNA giovedì 26/05/2011 ore 21

2011-05-23T19:15:00.001+02:00

DIRETTA WEB ORE 21.00 SU www.classics.unibo.it/permanenza

Apocalisse

(una domenica a Patmos)

dall’Apocalisse di Giovanni

con Francesco Colella

regia

Francesco Lagi

Giovedì 26 maggio 2011, ore 21

Aula Magna di Santa Lucia

Nota di regia

Un uomo sta da solo su una piccola isola del Mediterraneo. È esiliato, costretto alla solitudine, lontano da tutto. Si chiama Giovanni e sta passando gli ultimi anni della sua vita. È domenica e su quell’isoletta tutto tace. Primo pomeriggio, monotono frinire di cicale, fa caldo. All’improvviso sente alle sue spalle una voce che lo chiama. E da quel momento, Giovanni si perde in un’esperienza ultraterrena. Sente cose che nessuno ha mai sentito e vede cose che nessuno ha mai visto. L’Apocalisse è la descrizione di questa esperienza, un resoconto che non si fa mai racconto, dove la percezione di Giovanni non è mai così cosciente da diventare

struttura narrativa. È un rapimento in estasi, in uno stato di sonno, di sogno, di visione. L’esperienza di un vecchio, picchiatello e abbandonato. Tutto si svolge in un attimo, non c’è dentro l’Apocalisse un tempo orizzontale che si srotola in modo progressivo, è una grande visione, un lungo e immediato big bang. La visione dell’Apocalisse è terribile, per lunghi tratti violenta e sanguinante, coinvolge Giovanni a tal punto e con una prepotenza tale che non gli lascia respiro. Quello che colpisce, però, una volta terminato il viaggio, è il senso di appagante serenità che lo pervade e che contagia il lettore o l’ascoltatore. Ecco, quello che vogliamo suggerire, al di là dell’orizzonte sacro o divino di questo che è l’ultimo libro della Bibbia, è un senso di profonda dolcezza. Si parla di un piccolo uomo solo, che accoglie il mistero del dolore umano e del

male del mondo. E avverte la possibilità di una nuova vita e la sensazione felice che presto ci sarà. O che è già arrivata.

Francesco Lagi

Da uomo ad animale, e di nuovo uomo. "L'asino d'oro" va in scena a Bologna

2011-02-28T20:00:00.002+01:00

6 maggio 2010
Intervista a Francesco Colella
A cura di: Matteo Benni
Dopo la lezione di Umberto Eco che aprirà il ciclo di letture di testi classici "Animalia", andrà in scena un monologo teatrale tratto dal famoso romanzo di Apuleio. La regia è di Francesco Lagi, unico interprete sul palco Francesco Colella. "E' il tentativo - dice - di raccontare un mistero"
Parte nell'Aula Magna di Santa Lucia l'appuntamento con le letture e riletture dei testi classici. "Animalia", e quindi il rapporto tra uomo, anima e animali, è il filo conduttore scelto per gli incontri di quest'anno. L'apertura è affidata a Umberto Eco, con la lezione "Animal ex anima. L'anima degli animali". Poi un momento di teatro: per la regia di Francesco Lagi, Francesco Colella porterà in scena, sotto forma di monologo, "L'asino d'oro" di Apuleio. Mentre era impegnato a preparare la scenografia e a mettere a punto gli ultimi dettagli tecnici, abbiamo trovato il tempo per fare qualche domanda all'attore.

Come siete arrivati, tu e Francesco Lagi, a decidere di mettere in scena "L'asino d'oro"?
Francesco ed io ci conosciamo da tempo, lui è un regista con uno sguardo molto pulito e moderno, e c'era la voglia di fare teatro insieme. Così abbiamo iniziato e leggere testi teatrali in cerca di spunti. A un certo punto, per caso, mi sono imbattuto nella lettura de "L'asino d'oro": ho subito pensato di proporlo e, visto che l'idea è piaciuta ad entrambi, abbiamo iniziato a lavorare sul testo.

Un testo che è, in originale, un romanzo. Come lo avete trasformato in un monologo teatrale?
Abbiamo iniziato a leggerlo insieme e mentre lo leggevamo abbiamo cercato di identificare un plot, un percorso poetico all'interno del testo. Abbiamo voluto il più possibile non tradire, nella trasposizione, lo spirito dell'opera. L'idea è stata quella di rendere la narrazione in soggettiva. L'attore è il protagonista, Lucio, e con lo scorrere della storia si imbatte nei vari personaggi via via incarnandoli: un uomo abitato da tante voci. Abbiamo quindi messo a punto uno scrittura fluida, liquida, che passa senza soluzione di continuità dalla prima alla terza persona e poi di nuovo alla prima.

Che cosa restituisce secondo te al lettore e in questo caso allo spettatore un testo come questo?
E' il tentativo di raccontare un mistero. Lucio, il protagnista, si trova in Tessaglia, una terra di incantesimi, misteriosa, un terra sospesa, ed è pieno di un'inquietudine adolescenziale, di curiosità e anche di sensualità. E' ospite del ricco Milone e di sua moglie Panfile, che con alcuni unguenti magici riesce a trasformarsi in uccello. A quella vista, anche Lucio vuole provare, ma per un errore si tramuta invece in un asino. Un errore che rappresenta la stortura della conoscenza: da uccello, animale che vola e quindi domina le cose, a una bestia, l'asino, con gli occhi che puntano il terreno, che soffre la fatica e i maltrattamenti. E' l'inizio di un percorso dolorosissimo nel quale però il protagonista entra in contatto con l'essenza più concreta dell'umanità, finisce per conoscere veramente chi sono gli uomini.

E come si chiude questo percorso?
Lucio ne esce come si esce da una malattia, c'è una sorta di rinascita. Non è la conquista della saggezza o l'arrivo della maturità, ma un ritorno a una strana innocenza, quasi infantile.

Quando si rivisita un testo classico si pone sempre il problema dell'attualizzazione: se mantenere o meno l'ambientazione passata, se fare qualcosa per adattarlo ai tempi. Come avete affrontato questo punto?
C'è poco da attualizzare in realtà. I classici contengono un mistero che va rispettato: c'è una distanza tra il mondo dei classici e il nostro e questa distanza va segnalata, non accorciata. Sono testi che vanno abitati come luoghi sconosciuti. L'attualizzazione, credo, finisce per impoverirli, è un cucirsi i testi addosso su misura, e così facendo i testi perdono valore. Credo si debba rispettare lo spirito delle parole, e offrire l'idea del mistero che il testo contiene. Penso che, in un caso come questo, il compito dell'attore sia offrire agli occhi del pubblico anche il disagio di abitare un tale mistero.

Sarai da solo sul palco. Come avete organizzato la messa in scena?
La messa in scena è stata un lavoro di squadra, collettivo. Oltre a Francesco Lagi ed io, ci sono le scene e i costumi di Margherita Baldoni, e lo svolgersi del racconto sarà accompagnato da una partitura musicale scritta per l'occasione da Giuseppe D'Amato e Linz. Io sarò su una pedana nera circolare, riempita di una sabbia bianca, qualcosa che restituisce l'idea di una spiaggia, ma anche una sensazione di sospensione. Insieme a me ci sarà soltanto una radice: una radice di quercia che abbiamo trovato e che ha la forma di una testa d'asino. Non è stata scolpita, l'abbiamo trovata già con quella forma. Mi servirà come appoggio, mi ci siederò sopra, ma diventerà anche un mio interlocutore.

Lo spettacolo andrà in scena dopo una lezione di Umberto Eco e all'interno di in una manifestazione universitaria.
E' un contesto bellissimo. Portare lo spettacolo in un'Università svela una curiosità e un interesse da parte del pubblico molto più forte e fresca di quanto può emergere in altre, più canoniche, situazioni. Credo che una serata come questa crei uno scambio molto bello. Si capisce da cose come queste quanto l'Università abbia voglia di uscire all'esterno, anche per rendere vivo quello che dentro l'Università si insegna e si studia.

GAZZETTA DEL SUD mercoledì 16 febbraio 2011

2011-02-16T09:45:00.006+01:00

Al catanzarese Colella il premio Ubu 2010

Francesco Colella e Gioele Dix durante la cerimonia di consegna degli UBU 2010

Danila Letizia

Il Premio Ubu 2010 per la categoria "Migliore attore non protagonista" per l'interpretazione in "Dettagli" di Lars Noren (di cui foto) e per "Il mercante di Venezia" è andato al catanzarese Francesco Colella.

Da qualche anno nella compagnia stabile del "Piccolo Teatro" di Milano guidata da Luca Ronconi il giovane talento della nostra terra ha catalizzato l'interesse dei critici, tanto che ad un certo punto... «Sono stato chiamato dal patron Franco Quadri che mi ha avvisato della nomination ed invitato ad essere presente alla cerimonia di premiazione», ci ha raccontato Colella.

«Ho urlato dalla gioia – ha poi aggiunto l'artista – perché è un riconoscimento critico che mi mancava. Evidentemente è trapelata dal mio attuale modo di recitare una certa crescita che si è liberata di alcuni formalismi ed ha acquisito una maggiore naturalezza che arriva di più al pubblico».

- C'è una motivazione particolare che ti ha consentito di avere questa evoluzione?

«Penso che la maturazione di alcune mie vicende personali che mi hanno fatto crescere come persona sia coincisa con una diversa modalità di comunicare attraverso questo mestiere. In più cerco continuamente di coltivare mie esperienze professionali a latere, oltre che godere del privilegio di essere uno strumento dell'arte di Ronconi, che mi permettono di mettermi continuamente alla prova. Uscirà, infatti, un film nelle sale cinematografiche in autunno prossimo con Silvio Orlando a cui ho partecipato, sono Renzo nella rielaborazione del Testori "I Promessi Sposi alla prova" ed il 27 maggio, per esempio all'Università di Bologna sarò solo ne "L'Apocalisse di Giovanni" con la regia di Francesco Lagi con il quale ho fatto "L'asino d'oro" al Politeama di Catanzaro lo scorso maggio».

- A proposito della tua città e dei circuiti teatrali che cosa pensi?

«Per me il Teatro è riflessione su di sé attraverso quello che viene rappresentato sulla scena e non mera ammirazione dei virtuosismi di questo o quell'attore. Se un teatro serve solo a dare lustro alla città allora si è sulla strada sbagliata perché il motore principale dovrebbe essere quello della conoscenza altrimenti si tratta di un rito appassito».

- Cosa ricorda dei suoi primi passi?

«Ho iniziato con Lillo Zingaropoli, e poi sono passato alla scuola di Salvatore Corea, che oltre ad essere formatrice della mia attuale professione, è stata importante nella formazione della mia vita. Mi ricordo soprattutto l'insegnamento di Salvatore che ripeteva: "L'accoglienza e l'andare d'accordo sono le cose da cui partire". Ho anche un bellissimo ricordo di Pino Michienzi che per me, fin da quando ero piccolo, è stato un punto di riferimento».

L'Ubu fondato nel 1979 dal critico Franco Quadri, è considerato il riconoscimento più importante di teatro in Italia ed è così chiamato dal riferimento all'opera teatrale Ubu re (Ubu roi) di Alfred Jarry, drammaturgo francese.

2010-12-14T10:07:00.002+01:00

Ecco i vincitori del Premio Ubu 2010 assegnati al Piccolo Teatro di Milano

Sono stati conferiti oggi 13 dicembre al Piccolo Teatro di Milano i premi per il teatro 2010, nell’ambito della 33 esima edizione del Premio Ubu. La serata è stata presentata da Gioele Dix al quale è toccato l’onore di consegnare il Premio Speciale a Roberto Saviano per il suo monologo, La Bellezza e l’inferno, “mirabile j’accuse contro il cancro della mafia e i mali del mondo”. Dalla Spagna è giunto Rafael Spregelburd per ritirare la statuetta per il miglior testo straniero messo in scena in Italia nel 2010: Bizarra, la telenovela in venti serate realizzata da Manuela Cherubini al Bellini di Napoli e arrivata da Roma con una rappresentanza della troupe. Un premio ex aequo assegnato ad Immanuel Kant di Thomas Bernhard diretto da Alessandro Gassman, che nell’anno in cui si celebra il decimo anniversario della scomparsa di suo padre – un altro glorioso storico Premio Ubu – si è visto assegnare anche la statuetta del miglior spettacolo dell’anno per Roman e il suo cucciolo, da lui diretto e interpretato. Ex aequo per lo spettacolo Finale di partita diretto da Massimo Castri e conL’ingegner Gadda va alla guerra, curato da Giuseppe Bertolucci con Fabrizio Gifuni, altro trionfatore della serata quale miglior attore nello stesso spettacolo.
Miglior attrice si è rivelata la bravissima Francesca Mazza interprete di West (Progetto Ravenhill), e come due migliori non protagonisti si sono qualificati Ida Marinelli per la seconda parte di Angels in America dell’Elfo e Francesco Colella per Dettagli e Il mercante di Venezia del Piccolo Teatro. Miglior regista è risultato Armando Punzo per la sua Alice nel Paese delle Meraviglie - saggio sulla fine di una civiltà nel carcere di Volterra.
Miglior scenografo il lettone Andris Freibergs per Le signorine di Wilko di Hermanis. Nella categoria novità italiana ha vinto La borto di Saverio La Ruina. Un altro successo è stato quello del miglior attore under 30, Giovanni Anzaldo di Roman e il suo cucciolo, un ragazzo di soli 23 anni nel ruolo di un bambino. A ritirare il premio per il miglior spettacolo straniero attribuito a Lipsynch di ( spettacolo di nove ore di durata) è arrivato Renato Quaglia direttore del Napoli Teatro Festival, che vantava anche la produzione d’altre due opere premiate, Bizarra e Immanuel Kant.

Francesco Colella in Dettagli

I vincitori delle categorie in gara

Spettacolo dell’anno ex aequo in ordine alfabetico: Finale di partita (regia di Massimo Castri, Ert-Emilia Romagna Teatro, Teatro di Roma, Fondazione Teatro Metastasio); L’ingegner Gadda va alla guerra (regia Giuseppe Bertolucci, Fabrizio Gifuni in collaborazione con Teatro delle Briciole Solares Fondazione delle Arti); Roman e il suo cucciolo (regia di Alessandro Gassman, Teatro Stabile d’Abruzzo, Società per Attori, Teatro Stabile del Veneto Carlo Goldoni).
Miglior regia: Armando Punzo (Alice nel Paese delle Meraviglie - Saggio sulla fine di una civiltà da Lewis Carroll)
Miglior scenografia: Andris Freibergs (Le signorine di Wilko)
Miglior attore: Fabrizio Gifuni (L’ingegner Gadda va alla guerra)
Miglior attrice: Francesca Mazza (West e Progetto Ravenhill)
Miglior attore non protagonista: Francesco Colella (Dettagli e Il mercante di Venezia)
Miglior attrice non protagonista: Ida Marinelli (Angels in America. Seconda parte: Perestroika)
Nuovo attore under 30: Giovanni Anzaldo
Nuovo testo italiano o ricerca drammaturgica: La borto di Saverio La Ruina
Nuovo testo straniero ex aequo in ordine alfabetico: Bizarra di Rafael Spregelburd; Immanuel Kant di Thomas Bernhard
Miglior spettacolo straniero presentato in Italia: Lipsynch di Robert Lepage (Ex Machina e Théâtre Sans Frontières)
Premi speciali:
• Punta Corsara, la scena dei ragazzi di Scampia alla riprova di un teatro di apprendimento vissuto assieme alle persone di un territorio difficile, che hanno potuto trovare nelle forme dell’esperienza artistica occasioni di vita ulteriore e strumenti di restauro morale. Un progetto coraggioso, capace di lavorare sul territorio con un respiro nazionale incrementando un ricambio generazionale, sia sul versante artistico che su quello tecnico e organizzativo, di cui il nostro paese ha davvero bisogno.
• Kilowatt Festival, attività di sguardi incrociati tra pubblico, artisti e critici in cui è nascosta la forza eversiva di un punto di vista davvero nuovo. Coinvolto in questa gara popolare un gruppo di spettatori ribattezzati “Visionari”, cittadini appassionati ma non esperti, che partecipano alla scelta degli spettacoli e insieme a critici vecchi e nuovissimi si impegnano nella ricerca di un teatro da pensare e costruire.
• Roberto Saviano, da “abusivo” del teatro si fa inatteso narrattore che coraggiosamente esce dal suo spazio di solitudine e conquista il pubblico con grazia e talento con il suo monologo La bellezza e l’inferno, mirabile j’accuse contro il cancro della mafia e i mali del mondo.

Testo tratto da: www.teatro.org

Premio UBU 2010 a Francesco Colella

2010-11-26T18:25:00.011+01:00

Premio UBU 2010 a Francesco Colella

come miglior attore non protagonista in "Dettagli".

Fieri!

Ubu è il premio più importante di teatro in Italia, un appuntamento irrinunciabile che da vent'anni, tra intuizioni e provocazioni, segnala gli avvenimenti fondamentali dello spettacolo teatrale.

È stato fondato nel 1979 da Franco Quadri (Milano 1937), critico (prima su "Sipario", poi su "Panorama" e ora su "la Repubblica"), saggista ( L'avanguardia teatrale in Italia , Idea di un teatro diverso ) e traduttore (tra gli altri Come è di Beckett, anche adattamento, per i Magazzini;Tango barbaro di Copi). Il premio, i primi anni, si occupava anche di cinema e di lirica e lo coordinava, insieme al suo ideatore, Gianni Buttafava, uno dei personaggi più amati e colti del giornalismo culturale del tempo, prematuramente scomparso nel 1990. Dalle preferenze di una scelta giuria di addetti ai lavori nascevano i premi annuali che nel primo numero, per la stagione 1977-78, furono assegnati a Le baccanti di L. Ronconi e G. Aulenti, a M. Fabbri come attrice della medesima tragedia e a C. Bene come attore del suo Riccardo III ed a altri; per il cinema, aEcce Bombo di N. Moretti e a Quell'oscuro oggetto del desiderio di L. Buñuel come film straniero, e così via; la lirica era esclusa dalla competizione. In seguito la rivista annuale e il relativo premio si indirizzarono solo al teatro, continuando a segnalare le rappresentazioni e le regie più significative: il Ronconi di Spettri , 1981; de Le due commedie in commedia , 1984; di Ignorabimus, 1985; di Dialoghi delle Carmelitane , 1987; de Gli ultimi giorni dell'umanità , 1990, e del gaddianoPasticciaccio , 1995; il Carmelo Bene di Otello (da Shakespeare) , 1978 e di Macbeth , 1982; il Massimo Castri di Rosmersholm e Così è (se vi pare) , 1979; delle Trachinie , 1983; de Il ritorno dalla villeggiatura e La ragione degli altri , 1997; il Cobelli della Turandot , 1980 e di Troilo eCressida , 1992; il Tiezzi di Genet a Tangeri , 1983 e di Come è , 1986; il Leo de Berardinis di Ha da passà `anuttata , 1989 e de I giganti della montagna , 1992; il Cecchi di Finale di partita , 1994; e molti altri. Dopo due decenni di puntuale presenza, di attento reperimento di quanto di più vivo accada sulla scena italiana ed europea, P.U. come premio e "Il Patalogo" come rivista-annuario hanno finito col costituire un punto di riferimento per tutti coloro che si interessano di teatro, unico nel suo genere non solo in Italia ma anche in Europa. Quasi contemporaneamente al "Patalogo", e nominandola per conseguenza "Ubulibri", Quadri ha fondato e diretto una casa editrice, specializzata in pubblicazioni di testi e di saggi teatrali e cinematografici, soprattutto di autori contemporanei.

Tratto da: delteatro.it

La consegna dei premi avverrà il 13 Dicembre al Piccolo Teatro di Milano.

Ecco tutte le candidature:

Spettacolo dell’anno

Finale di partita di Samuel Beckett (Massimo Castri, Ert-Emilia Romagna Teatro, Teatro di Roma, Fondazione Teatro Metastasio)

Scene da Romeo & Giulietta da William Shakespeare (Federico Tiezzi, Fondazione Teatro Metastasio – Stabile della Toscana)

Amleto da William Shakespeare (Maria Grazia Cipriani, Teatro del Carretto)

L’ingegner Gadda va alla guerra da Carlo Emilio Gadda e William Shakespeare (Giuseppe Bertolucci, esplor/azioni)

Roman e il suo cucciolo di Reinaldo Povod, ad. di Edoardo Erba (Alessandro Gassman, Teatro Stabile d’Abruzzo, Società per Attori, Teatro Stabile del Veneto Carlo Goldoni)

Regia

Massimo Castri (Finale di partita di Samuel Beckett)

Armando Punzo (Alice nel Paese delle Meraviglie - Saggio sulla fine di una civiltà da Lewis Carroll)

Carmelo Rifici (Dettagli di Lars Norén)

Scenografia

Guido Buganza (Dettagli)

Andris Freibergs (Le signorine di Wilko)

Cikuska (La stanza)

Attore

Fabrizio Gifuni (L’ingegner Gadda va alla guerra)

Alessandro Gassman (Roman e il suo cucciolo)

Saverio La Ruina (La borto)

Attrice

Francesca Mazza (West e ciclo di O/Z)

Mariangela Melato (Il dolore)

Federica Fracassi (La corsia degli incurabili)

Arianna Scommegna (Cleopatràs)

Attore non protagonista

Francesco Colella (Dettagli e Il mercante di Venezia)

Arturo Cirillo (Otello)

Roberto Latini (L’uomo dal fiore in bocca e Scene da Romeo & Giulietta)

Attrice non protagonista

Melania Giglio (Dettagli)

Bruna Rossi (Il mercante di Venezia)

Ida Marinelli (Angels in America. Seconda parte: Perestroika)

Nuovo attore o attrice (under 30)

Giovanni Anzaldo

Marta Cuscunà

Eva Geatti

Camilla Semino Favro

Migliore novità italiana (o ricerca drammaturgica)

La borto di Saverio La Ruina

La casa di Ramallah di Antonio Tarantino

La malattia della famiglia M di Fausto Paravidino

Migliore novità straniera

Bizarra di Rafael Spregelburd (Napoli Teatro Festival Italia e Teatro Bellini – Fondazione Teatro di Napoli)

Dettagli di Lars Norén (Piccolo Teatro di Milano)

Immanuel Kant di Thomas Bernhard (Teatro Stabile del Veneto e Teatro Stabile delle Marche)

Migliore spettacolo straniero presentato in Italia

Lipsynch (Robert Lepage, Ex Machina e Théâtre Sans Frontières)

La casa di Bernarda Alba di Federico García Lorca (Lluís Pasqual, Teatre Nacional de Catalunia e Teatro Español de Madrid)

Shakespeares Sonnette di Robert Wilson e Rufus Wainwright (Berliner Ensemble)

Segnalazioni per premi speciali

Punta Corsara, la scena dei ragazzi di Scampia alla riprova di un teatro di apprendimento vissuto assieme alle persone di un territorio difficile, che hanno potuto trovare nelle forme dell’esperienza artistica occasioni di vita ulteriore e strumenti di restauro morale. Un progetto coraggioso, capace di lavorare sul territorio con un respiro nazionale incrementando un ricambio generazionale, sia sul versante artistico che su quello tecnico e organizzativo, di cui il nostro paese ha davvero bisogno.

Kilowatt Festival, attività di sguardi incrociati tra pubblico, artisti e critici in cui è nascosta la forza eversiva di un punto di vista davvero nuovo. Coinvolto in questa gara popolare un gruppo di spettatori ribattezzati “Visionari”, cittadini appassionati ma non esperti, che partecipano alla scelta degli spettacoli e insieme a critici vecchi e nuovissimi si impegnano nella ricerca di un teatro da pensare e costruire.

Roberto Saviano, da “abusivo” del teatro si fa inatteso narrattore che coraggiosamente esce dal suo spazio di solitudine e conquista il pubblico con grazia e talento con il suo monologo La bellezza e l’inferno, mirabile j’accuse contro il cancro della mafia e i mali del mondo.

www.teatroecritica.net

I PROMESSI SPOSI ALLA PROVA: immagini

2010-11-02T16:17:00.000+01:00

from http://www.piccoloteatro.org/

I PROMESSI SPOSI ALLA PROVA

2010-10-05T12:28:00.000+02:00

di Giovanni Testori

drammaturgia di Sandro Lombardi e Federico Tiezzi

regia Federico Tiezzi

Il maestro Sandro Lombardi

L'attore che fa Renzo Francesco Colella

L'attrice che fa Lucia Debora Zuin

L'attrice che fa Agnese Marion D'Amburgo

L'attrice che fa Perpetua Caterina Simonelli

L'attore che fa Egidio Alessandro Schiavo

L'attore che fa don Rodrigo Massimo Verdastro

L'attrice che fa Gertrude Iaia Forte

scene Pier Paolo Bisleri

costumi Giovanna Buzzi

luci Gianni Pollini

regista assistente Giovanni Scandella

maestro di canto Francesca della Monica

produzione Teatro Metastasio - Stabile della Toscana/Teatro Stabile di Torino/Compagnia Sandro Lombardi

dal 26/10/2010 - al 14/11/2010 Teatro Grassi - Milano (MI)

il 15/11/2010 Teatro Comunale di Lecco - Lecco (LC)

dal 17/11/2010 - al 21/11/2010 Teatro Rossetti - Trieste (TS)

dal 23/11/2010 - al 28/11/2010 Teatro Metastasio - Prato (PO)

il 30/11/2010 Teatro Comunale Raffaello Sanzio - Urbino (PU)

dal 02/12/2010 - al 05/12/2010 Teatro Muse - Ancona (AN)

dal 07/12/2010 - al 19/12/2010 Carignano - Torino (TO)

dal 12/01/2011 - al 23/01/2011 Teatro Mercadante - Napoli (NA)

il 25/01/2011 (Essevuteatro) / Teatro Signorelli - Cortona (AR)

dal 27/01/2011 - al 30/01/2011 Teatro Alighieri - Ravenna (RA)

dal 01/02/2011 - al 06/02/2011 Teatro Corte - Genova (GE)

dal 10/02/2011 - al 13/02/2011 Teatro Arena - Bologna (BO)

dal 16/02/2011 - al 20/02/2011 Teatro Storchi - Modena (MO)

dal 22/02/2011 - al 06/03/2011 Teatro India - Roma (RM)

il 07/03/2011 Cinema Teatro Metropolitan - Piombino (LI)

il 09/03/2011 Teatro degli Industri - Grosseto (GR)

il 10/03/2011 Barga (LU)

dal 11/03/2011 - al 13/03/2011 Teatro Guglielmi - Massa (MS)

dal 16/03/2011 - al 20/03/2011 Teatro Piccinni - Bari (BA)

Così iniziano I promesi sposi alla prova, testo con cui nel 1984 Giovanni Testori, dopo le riscritture da Shakespeare e da Sofocle, approda a questo suo inevitabile traguardo.

Soprattutto la peste della chiusura alla diversità, alla comunicazione, al mondo.

I promessi sposi alla prova saranno in tournée fino a marzo 2011 in molte città italiane tra cui Prato, Trieste, Ancona, Roma, Torino, Napoli, Genova, Bologna.

www.lombarditiezzi.it

L'ASINO D'ORO SECONDO COLELLA - di Arianna Lamanna

2010-05-17T16:55:00.001+02:00

13 MAGGIO 2010

Al teatro Politeama la trasposizione teatrale dell'opera di Apuleio

« Lettore, presta attenzione: ti divertirai » (Apuleio, Le metamorfosi) ed è su questa linea che il pubblico del Teatro Politeama di Catanzaro ha accolto con grande interesse lo spettacolo “L’asino d’oro” di e con Francesco Colella: originario di Catanzaro, è un attore di grande talento avvalorato da prestigiose esperienze nel panorama teatrale italiano, grazie alla nutrita passione per il teatro coltivata fin da ragazzino quando frequentava ..la Scuola.. di teatro Enzo Corea, ha poi proseguito gli studi presso l’Accademia d’Arte drammatica Silvio D’Amico a Roma, da alcuni anni lavora al Teatro Piccolo di Milano ed è uno degli attori prediletti del maestro Luca Ronconi. Per la prima volta Francesco Colella ha portato nella sua città natale uno spettacolo che mette in scena l’opera più famosa di Lucio Apuleio: “L’asino d’oro” con la regia di Francesco Lagi, le scene e i costumi di Margherita Baldoni e le musiche originali di Giuseppe D’Amato e Linz. Questa messa in scena è stata preceduta da un’importante tappa presso l’Università di Bologna con una prolusione di Umberto Eco dal titolo “Animal ex anima. L’anima degli animali”, il quale dopo aver assistito al monologo di Colella ha espresso grande ammirazione. L'asino d'oro, opera del del II sec. a.C., racconta le avventure di Lucio, trasformato per incanto in asino, ritornerà uomo dopo un percorso di conoscenza che lo guida dalla fase giovanile a quella adulta. La favola si svolge come da tradizione, tessendo relazioni fra gli dei e gli uomini, in un magico intreccio fra natura animale e umana. L’opera scritta nello ‘stile orale’ dove il narratore è presente nella storia come personaggio, fonte diretta che ha vissuto in prima persona i fatti. E in effetti nella trasposizione teatrale di questo spettacolo scritto da Colella e Lagi, il romanzo originario muta intelligentemente in monologo teatrale, senza però intaccare l’essenza poetica dell’opera antica: la drammaturgia presenta una scrittura fluida, passando dalla prima alla terza persona, ritornando abilmente alla prima. Tenuto conto che la narrazione in soggettiva, non è cosa semplice, brilla in questo monologo l’interpretazione di Francesco Colella come “un uomo abitato da tante voci”: mentre narra la storia di Lucio incrocia vari personaggi rappresentandoli tutti in un magnifico ritmo di immedesimazioni come continue incarnazioni che si alternano spesso in modo interlocutorio con il pubblico, quasi da teatro di contatto. Inoltre c’è da aggiungere che Colella ha mostrato tutta la sua abilità tecnica vocale nella scelta di recitare a ‘voce nuda’, senza l’ausilio del microfono, troppo usato oggigiorno in teatro a discapito però delle tecniche peculiari del teatro stesso. Il pubblico del Politeama ha premiato con grande ovazione lo spettacolo dell’artista catanzarese che speriamo di rivedere più spesso calcare anche i grandi teatri calabresi.

Arianna Lamanna (arialibera)

CATANZARO 11 MAGGIO 2010: UN EVENTO ANNUNCIATO

2010-05-12T13:51:00.003+02:00

"Sulla precaria identità dell'uomo...!"

2010-05-12T12:19:00.000+02:00

Terramara, il blog Journal d’informazione indipendente, a firma di Mario Casaburi, titola così l'evento che ha portato Francesco Colella al Politeama di Catanzaro.

"E' il messaggio contenuto ne, “L’asino d’oro”, la più importante opera di Apuleio, messa in scena ieri sera, al teatro Politeama, grazie all'ottima prova dell'attore, Francesco Colella, e del regista, Francesco Lagi. Ottima l'intuizione di trasformare il romanzo in un monologo preceduto dalla lezione "Animal ex anima" di Umberto Eco.

E’ partito dall’Aula Magna di Santa Lucia dell’Università di Bologna l’appuntamento con le letture e riletture dei testi classici. All’apertura, affidata a Umberto Eco, con la lezione“Animal ex anima. L’anima degli animali”, è seguito un momento di teatro, registaFrancesco Lagi,  con Francesco Colella, che, sotto forma di monologo, ha recitato alcuni brani  .
Lo spettacolo è proseguito l’11 maggio, al teatro “Politeama” di Catanzaro, dove, presente un pubblico attento e partecipe, molti i giovani, Colella, attore con una lunga esperienza teatrale con il Maestro Luca Ronconi, ha offerto una eccezionale prova.
A regista e protagonista abbiamo chiesto: “Come avete trasformato un romanzo,“L’asino d’oro”,  in un monologo teatrale?
“Abbiamo iniziato a leggerlo insieme e mentre lo leggevamo - ha spiegato Colella - abbiamo cercato di identificare un plot, un percorso poetico all’interno del testo. Abbiamo voluto il più possibile non tradire, nella trasposizione, lo spirito dell’opera. L’idea è stata quella di rendere la narrazione in soggettiva. L’attore è il protagonista, Lucio, e con lo scorrere della storia si imbatte nei vari personaggi via via incarnandoli: un uomo abitato da tante voci. Abbiamo quindi messo a punto una scrittura fluida, liquida, che passa senza soluzione di continuità dalla prima alla terza persona e poi di nuovo alla prima”.
Offrire al pubblico di oggi un classico è particolarmente impegnativo e difficile. Colella e Lagi hanno lavorato con grande sensibilità, evitando consapevolmente i pericoli di un’attualizzazione astorica e antistorica dell’opera di Apuleio.
“C’è poco da attualizzare in realtà. I classici - ha osservato l’attore - contengono un mistero che va rispettato: c’è una distanza tra il mondo dei classici e il nostro e questa distanza va segnalata, non accorciata. Sono testi che vanno abitati come luoghi sconosciuti. L’attualizzazione, credo, finisce per impoverirli, è un cucirsi i testi addosso su misura, e così facendo i testi perdono valore. Credo si debba rispettare lo spirito delle parole, e offrire l’idea del mistero che il testo contiene. Penso che, in un caso come questo, il compito dell’attore sia offrire agli occhi del pubblico anche il disagio di abitare un tale mistero”.
Il messaggio che Lagi e Collella hanno voluto trasmettere è particolarmente incisivo, l’animalità caratterizza molti comportamenti dell’uomo.
“Il nostro è il tentativo di raccontare un mistero - hanno aggiunto i due uomini di teatro - ”. Lucio, nelle sembianze e nelle vesti di un umile animale, continuamente maltrattato e bastonato, comprende l’essenza dell’essere uomo, comprende gli uomini nel loro agire.
Colella tiene ad evidenziare “il lavoro di squadra, collettivo” del gruppo teatrale. Oltre a Francesco Lagi  ci sono le scene e i costumi di Margherita Baldoni e la partitura musicale scritta per l’occasione da Giuseppe D’Amato e Linz.
Umberto Eco si è detto entusiasta dello spettacolo e del modo di veicolare i  classici nel presente. Non si può non concordare col grande scrittore, Collella e Lagi hanno saputo offrire uno spettacolo in cui mistero, magia, amore, animalità, bestialità rappresentano la condizione dell’uomo, ne costituiscono il paradigma, hanno fatto una riflessione attualissima sulla precaria identità dell'uomo, hanno reso vivo un  messaggio culturale di alto profilo."

RASSEGNA STAMPA FRANCESCO COLELLA A CATANZARO

2010-05-11T14:45:00.000+02:00

FRANCESCO COLELLA AL POLITEAMA DI CATANZARO

2010-05-05T10:32:00.004+02:00

Francesco Colella torna a Catanzaro per la prima volta da attore professionista con L'ASINO D'ORO (Apuleio).

UN PROGETTO DI FRANCESCO COLELLA E FRANCESCO LAGI.
SCENOGRAFIA E COSTUMI DI MARGHERITA BALDONI.

Un uomo si ritrova trasformato in un asino.
Perde all'improvviso tutto ciò che si era conquistato in una vita, la postura, la dignita', soprattutto perde la parola.
Solo mangiando delle rose potra' tornare uomo.
E da qui cominciano le sue disavventure.

Scritto nel II secolo dopo Cristo, L'asino d'oro, noto anche come "Metamorfosi", è un romanzo di formazione, un viaggio di conoscenza dall'eta' giovanile a quella adulta . Attraverso le peripezie del suo personaggio principale, Lucio, trasformato da un incantesimo in asino e poi ritornato uomo dopo molte avventure, l'autore racconta in un modo fra il fiabesco e il rapsodico, la presa di coscienza, il diventare "grande" e dunque consapevole di un ragazzo facilone e scapestrato. Oltre che la storia di Lucio, nel romanzo, come in una specie di Mille e una notte asinina, si intrecciano anche altre storie d'amore, di morte, di punizione, di vizio e sregolatezza. Un romanzo sulla vita, insomma, che come da tradizione , gioca sui rapporti fra gli dei e gli uomini, fra il mondo animale e quello umano.

Botteghino Teatro Politeama
Via Jannoni, 88100 Catanzaro.
Tel. 0961.501818 - 501819 (biglietteria)
Fax 0961.501859Il botteghino del Teatro Politeama sarà aperto, dal lunedì al sabato, nei seguenti orari:
dalle 10.00 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.00

L'ASINO D'ORO A BOLOGNA presentato da UMBERTO ECO

2010-04-29T18:48:00.001+02:00

"Animalia". Al via il 6 maggio il nuovo ciclo di lezioni e letture classiche

Per il nono anno consecutivo, il Centro Studi La Permanenza del Classico, diretto dal prof. Ivano Dionigi, offre ad università e città un ciclo di letture in cui alla parola di protagonisti della cultura contemporanea fanno il controcanto testi greci, latini e giudaico-cristiani, affidati alla voce di grandi interpreti di cinema e teatro.

Si intitolerà Animalia il ciclo di letture articolato su "umanità degli animali" e "animalità dell'uomo": declinata in prospettiva storico-culturale, religiosa, scientifica e politica, prenderà avvio il 6 maggio con la lezione Animal ex anima. L'anima degli animali. Umberto Eco ripercorrerà le diverse concezioni elaborate dalla scienza, dalla filosofia e dalla teologia - tra l'antichità e la modernità - per giustificare o per negare la differenza fra uomo e animale. Accanto alla lezione, lo spettacolo L'Asino d'oro di Francesco Lagi e Francesco Colella, due giovani talenti del nostro teatro, che proporranno in forma di monologo drammatico l'omonimo romanzo di Apuleio, quale riflessione attualissima sulla precaria identità dell'uomo.

L' evento sarà trasmesso in diretta dall'Aula Magna di Santa Lucia di Bologna a partire dalle ore 21 su:

http://www.muspe.unibo.it/live/animalia.htm