Franco Santoro - Il Blog

SLOWDIVE - Live Alcatraz Milano - Everything is alive Tour '24 : Una band incredibile ...dalla storia incredibile!

2024-02-01T17:20:00.000+01:00

Shoegaze ovvero coloro che suonano guardandosi le scarpe, i maniaci del pedale per chitarra, coloro che celebravano loro stessi, quelli che pretendevano di creare un sound immortale. E' sulla base di questi giudizi che nel 1995 i musicisti del giro shoegaze vennero bollati come anti sociali, emarginati, cerebrali, indecisi e insomma degli sfigati. Le manifestazioni di disprezzo nei confronti del genere cominciarono a diventare pesanti: "odiamo gli Slowdive più di Hitler", "preferirei essere gettato nudo in una vasca piuttosto che ri-ascoltare Souvlaki". Personalmente non posso dire di non essere stato connivente con queste idee; sicuramente per ignoranza ma anche per un fatto meramente cronologico: mi sono affacciato alla scena musicale inglese nel periodo della caduta degli Slowdive. Io e il mio circolo di amici andavamo pazzi per gli Suede, per i Manic Street Preacher, per i Blur , gli Oasis (questi io no;-), per gli Happy Mondays, i Charlatans, gli Stone Roses ma non appena arrivarono i Massive Attack, i Portishead e Roni Size eravamo già calati in un altro contesto: la musica a metà degli anni '90 correva veloce e c'era sempre qualcosa di nuovo, qualcosa di più eccitante che doveva essere celebrato a discapito di ciò che veniva celebrato l'anno prima. Lo shoegaze onestamente era morto ai nostri orecchi. Quei capolavori che verranno riscoperti tali vent'anni dopo, giacevano sugli scaffali del negozio di dischi nella sezione discount, ricordo che da Supporti Fonografici(uno dei luoghi cardine di diffusione del suon brit a Milano) i dischi dei My Bloody Valentine, dei Catherine Wheel, degli Swervedriver e delle Lush venivano usati come sottovasi: nessuno voleva quella roba. Ma che cosa è successo nel frattempo? Che cosa è cambiato?

2024

Ieri sera gli Slowdive hanno suonato davanti ad una folla immensa. Serata sold-out che verrà doppiata dal sold-out di questa sera all'Estragon di Bologna - date che giungono a metà di un tour europeo di grandi soddisfazioni per la band di Reading. Il nuovo disco Everything is alive è un disco di altissimo livello e la band di Rachel e Neil assume oggi dimensioni impensate e leggendarie. Niente male per un gruppo che ha ripreso a suonare nel 2016 dopo uno iato di vent'anni! Ma che cosa è cambiato? E' cambiato tutto ma è avvenuto lentamente e inesorabilmente. Oggi la base dei fan degli Slowdive va dai quindicenni ai cinquantenni e se devo pensare alle band che mettono d'accordo le generazioni non sono tante e hanno nomi del calibro di The Cure, Depache Mode, Blur e non molti altri. Ma come è potuto accadere il risveglio della Fenice shoegaze? Certamente ci sono state delle tappe fondamentali in questo processo! La prima è Lost in Translation, il ruolo che ha avuto questo film nel rilanciare il suono dei MBV è noto. E' grazie alle atmosfere ipnagogiche e trasognate del film di Sofia Coppola e della sua colonna sonora che nel 2003 si riscopre quella che è oggi considerata la band più influente della scena musicale inglese dai tempi dei Beatles. Perché i My Bloody Valentine onestamente erano scomparsi dalla scena e nessuno si sarebbe mai sognato di riconoscere loro un attestato simile a inizio del 2000. Poi la nascita di una scena musicale nuova, quello che potremmo definire l'era del Pitchfork sound che ha dominato fino agli anni '10 del duemila e che oggi è in crisi (vedi), dopo il passaggio a Condè Nest nel 2015.

La fenice shoegaze comincia a risorgere con l'attenzione che i tipi di Pitchfork rivolgono a quel sound allucinato, pieno di chitarre effettate, declinato in tono minore e che ispira alcune delle band fondamentali degli anni 2000 in ambito indie: Tame Impala, Deerhunter, Arcade Fire e Animal Collective cosa sarebbero oggi se non ci fosse stato lo shoegaze ieri? La riscoperta del suono shoegaze dream pop diventa cruciale per affermare il primato di un certo modo di fare indie che da un lato confina con l'elettronica IDM e dall'altro con la free form della psichedelia. Una concezione elitaria, anti pop, anti punk, intellettaloide e con la puzza sotto il naso che ha dominato almeno fino al 2020. E che ha avuto derive impensabili per certi aspetti come il blackgaze dei Deafheaven e degli Alcest. Accade così che la riscoperta degli Slowdive porti alla loro riunione in occasione dei Primavera Sound. Ma che cos'ha di diverso dalle altre questa re-union ? Secondo me è il fatto che molti gruppi che tornano a vivere dopo essersi sciolti per lunghi periodi di tempo lo fanno sulla scia di un passato glorioso. Mentre gli Slowdive si riuniscono dopo aver fallito in maniera clamorosa. E poi un'altra cosa. il rientro degli Slowdive avviene con due dischi che ricominciano esattamente da dove avevano lasciato. Come se le pietanze che compongono la portata principale fossero state lasciate lì in attesa di essere tirate fuori venti anni dopo... E' così che questa reunion ha un sapore differente come se quel lungo tempo passato da ibernati non fosse passato per niente.- Come se un gruppo di cinquantenni riprendesse con la vita dei vent'anni e facendolo con entusiasmo e perfettamente calati nei nuvo (vecchi) panni.

Per chiudere su questo Ritorno del Rimosso che rappresentano gli Slowdive due parole sul concerto: arricchito di visual notevoli ma non esagerate, mi ha impressionato la capacità di catalizzare l'attenzione, sebbene il coinvolgimento del pubblico fosse totale, che portava a uno stato di ipnosi e dunque a poco movimento e un apparente distacco. Una massa umana ferma e ipnotizzata che riempiva ogni angolo del locale, mesmerizzata dal suono capace di rievocare sensazioni scomparse, immagini in dissolvenza di un qualcosa che è stato e che non può tornare. O invece sì....

RAW - Una cruda verità (2016)

2024-01-01T18:40:00.004+01:00

Questa potente storia di risveglio cannibale ha un che di derivativo nel senso più fine del termine. L'argomento quanto un'opera sia derivativa si presta a interessanti considerazioni. Se nella musica essere derivativi può essere un problema, nel cinema essere derivativi a volte è una chiave fondamentale perché l'opera acquisisca un peso specifico, una sua storicità. Voglio dire quante volte avrete sentito dire "sembrano i Green Day" o "sembrano i Linkin Park con un tocco di Rage Against the Machine e un cantato teutonico che ricorda i Rammstein" di solito accade con band NU Metal ma vale un po' per tutto. Essere derivativi in campo musicale spesso porta con sé la sgradevole sensazione che stiamo ascoltando qualcosa di già sentito, di già inventato, di sperimentato prima altrove e meglio. Bene. Nel cinema ciò che è disdicevole nella musica, diventa un necessario marchio di fabbrica che ci spinge nella storia del cinema. E vengo a RAW. Il film ha dei forti elementi di originalità dovuti a una regia immersiva che riesce a calarci perfettamente nel mondo infernale delle matricole della scuola di veterinaria Saint Exupéery frequentata dalle due sorelle Justine e Alexia. La scuola di veterinaria Saint Exupèry è un contesto inedito per il cinema. La profanazione del corpo animale è per noi allo stesso modo inaccettabile che un film sulla necrofilia. Sono giustamente terreni che ci mettono a disagio la cui narrazione può essere solo ellittica (tranne nel caso di Nekromantik di Jorg Buttgereit ma appunto parliamo di un caso di film unico). Ma film sulla necrofilia se ne fanno. Sulla profanazione del corpo degli animali no. E' giustamente una sorta di tabù e come tale anche il cinema lo affronta. O non lo affronta. Le immagini della sedazione di un cavallo con tutto ciò che di meccanico comporta sono perturbanti, il fisting di una mucca con tutto ciò che di fecale comporta, l'autopsia di un cane aperto in due, urtano immediatamente la nostra sensibilità sul piano epidermico ma ci spingono sul terreno di ingaggio della protagonista (una Grance Marillier da urlo che mi ha ricordato Bernardette Lafont) e quel suo bisogno di (crudo)eltà. D'altro canto questi elementi di novità si espandono su un tessuto derivativo. Beatrice Dalle in Trouble Every Day prima di tutto; senza questo film di Claire Denis del 2001 (non a caso una regista donna) questo RAW non esisterebbe. Poi il conflitto tra sorelle tipico dei film della Breillat, il gore, quello più classico, l'horror francese di Pascal Laugier (Martyrs), Inside A l'interieur, il Roth di Green Inferno, tutto il cinema cannibalico anni '70. E poi un altro filone che si intreccia con quello cannibalico: il cinema softcore delle lolite discotecare e drogate da Thirteen a Clip che a loro volta affondano ancora più indietro negli anni '90 di Larry Clark e in Gummo di Harmony Korine (opera fondamentale ma poco investigata). Tutto ciò è ciò che viene prima ma che in RAW trova compimento, terreno fecondo, rinascita. E dunque questo debutto di Julia Ducournau appare davvero l'opera di una fuoriclasse assoluta, di una degna erede di ....lui sì: David Cronenberg. C'è poi un elemento che va considerato ed è il ruolo metafisico della crudezza. Ciò che è crudo ci situa nell'orizzonte della carne ma una carne trasfigurata, la carne del martirio, la carne martirizzata, il Dio che si è fatto carne. Tutto ciò ci dà quella spiacevole sensazione del sapore del sangue e lo fa senza farci sentire l'idea di essere di fronte a un film del cazzo. Ma a un cazzo di film. Pur non essendo un film realistico, bensì a tratti surreale con RAW ci appare sensato ciò che è stato il Bertolucci di Ultimo Tango, il Trash di Morrissey, il Pasolini di Teorema, il Kubrick di Shining, il Noè di Enter the Void. L'accesso a un mondo che con vivide caratteristiche ci traghetta in un mondo Altro. La metafisica della carne. E tutto ciò è frutto di un hardcore continuum citando Simon Reynolds che indica che siamo nel posto giusto. Il posto del grande cinema.

Rap Italiano Underground

2023-12-30T17:16:00.000+01:00

https://rapitalianounderground.blogspot.com/

STEVE ALBINI & ZENI GEVA "THE MODEL" Kraftwerk cover

2023-12-30T16:57:00.001+01:00

ELASI non ne sbagli UNA!

2023-06-19T15:30:00.060+02:00

Recentemente folgorato dalla sua performance al Prima Estate 2023 di Lido di Camaiore, ho scoperto Elasi che soffia come un vento musicale italiano fresho! Capace di mimetizzarsi camaleonticamente in mille genders musicali, Elasi da Alessandria sembra una nuova e più eccitante piemontese Cosmo! Meno spocchiosa di Miss Keta e soprattutto più poetica, Elasi non eccita solo con la musica ma anche con la lingua. Una lingua usata propriamente al servizio di una significazione mai scontata ma al tempo stesso istintuale, primitiva, visceral-corporale. Decisamente debitrice di "unsound" che va dalla Warp alla Fidget House ma che può andare in altre mille direzioni diverse ma con un vibe decisamente electro, Elasi ci tiene a calcare il palco da sola - in tutti i sensi, dato che suona due o tre strumenti analogici o digitali at the same time, come diceva Rhazel campione del beatboxing. Al tempo stesso, I believe, spezzerebbe volentieri questa suo solipsismo artistico non disdegnando di condividere il palco con Tiga, con Miss Kittin, Missy Elliot o gli Autechre. Dotata di una capacità musicale genetica è come quegli autori che scrivono romanzi e non provano nessuna fatica. Il suo gesto è semplice, spontaneo ma il suo lessico musicale è elaborato, raffinato prova di una fruizione maniacale della musica elettronica degli anni '90 e allo stesso modo di molti libri. Ne viene fuori un guazzabuglio gourmet di grande eleganza, che fa pensare e che fa ballare - la prima cosa non serve, la seconda è decisamente più utile. Se poi il ballo non è sguaiato ma chic anche meglio. Ma il ballo deve anzitutto far ballare e dai Faithless in poi è una specie di religione. L'EP Campi Elasi del 2020 è un florilegio di liriche deliziose presentate in una modalità disco rap che non può non farci venire in mente l'epica era dei Crookers a Milano con quel limonare sound basato in larga parte sul declamare versi congiunto al muovere il culo! Ma in lei risiede uno spirito piemontese non bauscia, attento alla Francia piuttosto che agli USA. Del resto la musica di Elasi deve molto a tutto ciò che negli anni è successo sugli Campi Elasi di Parigi (il titolo non mente).Figlia ereditaria di Dimitri from Paris, Elasi è la sorellina piccola di tutto ciò che di epico hanno saputo fare i francesi da Baudelaire a Music sounds better with you. Ok mi fermo sto esagerando. Ma è lo spazio la dimensione preferita di ELasi. Positiva, sk(r)illata, per lei il Cosmo (ancora?) è un mondo di potenzialità da vivere oggi felicemente anche nelle sue tragiche e poetiche fatalità: in Supererrore dice "tutto quel che ho è un sistema solare perfetto tutto quello che ho balla a un ritmo spaziale nel petto b-boy tra i miei super errori e i miei supereroi." Con un lessico fast n furious dipinge sensazioni cinematiche dell'amore e delle sue disillusioni giovanili in maniera esteticamente cool ma sincera. Una Vasca Rossi (!) Con una musica estremamente consolatoria ma fondamentalmente anarchica, salutiamo Elasi come un perfetto corollario all'idea errata di dover tenere tutto sotto controllo (sebbene lei lo faccia) in un momento di rinascita dopo gli anni bui del mondo pandemico. E poi un'altra cosa. le auguriamo successo quello più sbracato quello delle Pausini, di Elisa.... ops Elasi. Esplodi. Godi!

NOVA TWINS and WITCH FEVER on tour insieme!

2023-02-16T18:50:00.003+01:00

Il Metal sound evolve, cambiano le generazioni ma un filo rosso unisce al passato il presente in nuove forme. E se il disfattismo prevale come stato dell'essere lo si deve al fatto che molto spesso è più facile chiudersi in un nostalgico limbo di tempi che furono: da mitizzare. Ma se il metal conosce nuove forme e nuovo splendore lo si deve al fatto che il metal ha allo stesso modo guardato con sospetto per non dire odio al concetto di cambiamento. Assume quindi un carattere paradossale il fatto che il genere dove l'ortodossia conta di più sia anche quello sottoposto a scismi, provocazioni, eresie. C'è dunque un presente da mitizzare e la musica ce lo ricorda sempre. Anche oggi che tutta la musica (metal) sembrerebbe essere stata suonata, ci sono realtà nuove esageratamente eccitanti. Prendiamo il caso di questo due female band proprio in questi giorni in tour insieme nel Regno Unito. Le Nova Twins hanno all'attivo un paio di dischi uno più bello dell'altro. L'idea alla base della ricetta Nova Twins è geniale e banale allo stesso modo: prendere la musica elettronica più esplosiva ed originale e frullarla con il metal, l'hip hop e un'attitudine sfrontatamente punk. Risultato: We are the Girls del 2020 un disco esplosivo di rap-core molto innovativo e Supernova del 2022 che ce le restituisce più industriali e Nu-metal ma sono sempre loro: Emy Love e Georgia South due ragazze inglesi di Londra ma di origini che vanno dall'Australia alla Jamaica all'India capaci di pubblicare con una certa freschezza colorata e pop due dischi fondamentali per guardare alla musica metal del futuro e non solo. Il fatto che siano due ragazze afro e non degli energumeni nord europei con i capelli lunghi e le schiene tatuate (tanto per citare uno degli stereotipi) non cambia poi molto e non è nemmeno rilevante. Si è donne, si è uomini si è transgender o si è fluidi: quel che conta è la musica. E' lei che pone tutto sullo stesso piano. E per quella le Nova Twins sono state giudicate la band metal emergente del 2020 nella classifica di Loudwire - e non avevano buttato un giudizio lì a caso.

D'altro canto se le Nova Twins ci spediscono in un mondo completamente nuovo e proiettato verso il futuro, le Witch Fever compagne di tour in questi giorni di Febbraio in Inghilterra ci vorrebbero intrappolare dentro a un pentacolo disegnato per terra col gesso - facendoci recitare qualche antica formula magica lenta e ripetitiva per farci perdere per sempre in un'atmosfera di candelabri e satanismo. Niente di più ammuffito e "sepolto dalla polvere e il tempo" del sound delle quattro ragazze tormentate di Manchester che portano in giro il debut album Congregation - un capolavoro folgorante che pubblicato per la Music for Nations ci appare come un prodotto di fine anni '80 qualcosa da comprare insieme a un disco dei Celtic Frost da Transex a Milano o da Rock and Folk a Torino il sabato pomeriggio. A questo si intreccia una certa perentorietà ridondante tipica di un hardcore vegano tipo Earth Crisis. Il disco se non è perfetto poco ci manca. Congregation il singolo con la sua ossessiva e straziante ripetitività spinge ad un inquietante parossismo delizioso insieme a quel suono di chitarra mastodontico e ferroso. Il riff del brano è una versione malata e allucinata di Welcome Home (Sanitarium). Fantastico. Voto 10.

BOARDS OF CANADA - Societas X Tape 23rd June 2019

2022-10-29T12:32:00.002+02:00

Uno dei pezzi di musica più importanti prodotti negli ultimi anni è questa sorta di istallazione in forma di dj-set dei Boards of Canada. SOCIETAS X TAPE è infatti quello che si può definire un'opera d'arte sonora presentata nella forma di un dj set diffuso globalmente su NS live ma che nel concept rimanda ad una sorta di nastro da musicassetta che riproduce il suono frammentato di un'intera società di società. Siamo dunque in uno spettro teorico ibrido e radicale che travalica la dance culture e perfino il mondo WARP Records per il cui trentennale nel 2019 questo dj set è stato realizzato. All'interno di questo variegato manufatto sonoro galleggiano in un'aura ipnagogica e sospesa, i fluttuanti brani che compongono questo capolavoro artistico di quasi due ore di musica. Non è il nuovo disco dei Boards of Canada ma è come se lo fosse, allacciandosi perfettamente a quel genere che i Boards of Canada hanno contribuito a definire con Music has the right to Children: un suono che viaggia nello spazio e come un intercettatore capta nel vuoto dello spazio le onde sonore della terra. Non vi è dubbio che questo truismo dot com futuristico si mascheri di ricordi che in qualche modo lo riconducono alla sfera del sogno. E' così che in quest'area sospesa e meta temporale la musica che compone questo Monolite chill-wave si mostra in un retrofuturismo nostalgico e retrò. E se una prima ora di quest'opera monstre rimanda più decisamente all'electro world music sound la seconda ora ci fa galleggiare in un mondo più elettronico e oscuro. Affrontare la scaletta di questo iconico dj set significa inalberarsi in una complessità disarmante e spiazzante: dai Killing Joke di un'oscura versione su tape si può passare a Casiotone 202, a Christian Chevallier per passare poi attraverso Esplendor Geometrico, Hajime Tachibana chitarrista del Plastics, Dance with us lord dei Foundation a Shrivel up dei Devo o ad una versione di Just an Illusion degli Immagination Boards of Canada edit che è secondo me la più bella cover mai realizzata; ma poi ci si può trovare ad ascoltare dal brasiliano Egberto Gismonti alla cover di Francis Lai di Fausto Papetti per Un Homme et une femme. Paul Hart, Doxa Sinistra e chi altri... Tutto è

rarefatto, sospeso, cinematico, ipnagogico con associazioni casuali che sono quelle dello stato del sogno con voci che si rincorrono, organi celestiali, improbabili theramin, mantra indiani sospesi nello spazioUna meraviglia aurale assoluta!

CRIMES of The FUTURE: Molta ironia in un mondo di Mutazioni Corporee come Crimine, come Arte!

2022-09-04T12:36:00.000+02:00

L'intenso inizio dell'ultimo film di David Cronenberg Crimes of the future ci trasporta in un distopico futuro dove le cose che interessano all'umanità non sono più quelle che interessano a noi oggi; a riprova di questo: sullo sfondo di una piccola baia sul mare di una città americana qualunque si staglia abbandonata una gigantesca nave da crociera rovesciata come la famosa Costa Crociere di Schettino: evidentemente nel futuro secondo Cronenberg non ci sarà più bisogno di fare viaggi nel mondo per la classe media o circondarsi di effimeri lussi tecnologici - in quanto i viaggi saranno di natura extracorporea e mentale. Un'altra cosa che salta subito all'occhio: i set del nuovo film di David Cronenberg brillano per l'essenzialità e la povera bruttezza che si poteva osservare in una casa della Berlino degli anni '70 ai tempi del film Dorothea di Peter Fleischmann; anche questo come ad indicare una vera e propria regressione dell'umanità rispetto a ciò che consideriamo bello e moderno oggi. E' come se questa nuova umanità vivesse in una condizione base dell'esistenza dove all'estetica e al superfluo non fosse riservato più niente. Perfino i monitor, le cineprese, le telecamere i televisori hanno un curioso stile retrò piuttosto sorprendente se pensiamo che siamo in un futuro che si presume remoto. D'altro canto tecnologia e organico si fondono per cui puoi anche osservare un'appassionata di body art riprendere direttamente con il proprio braccio. Tutto ciò non fa altro che mostrarci come la dimensione dell'io mentale avrà la meglio sull'estetica, sull'esteriorità cioè sulla condizione predominante dell'oggi. E non che l'umanità del futuro non sarà interessata all'arte e all'ornamento - anche se riguarda il tatuaggio degli organi. Non è un caso che il tatuaggio degli organi interni in questo nuovo mondo sia il massimo della modernità e del glamour così come lo è il concorso di bellezza Miss Mondo oggi. Dunque una profonda antitesi e opposizione viene cercata da Cronenberg. Gli umani del futuro, secondo Cronenberg, non proveranno nessun dolore e questo li spingerà inevitabilmente da un lato a non curarsi della realtà e dall'altro ad amplificare un senso mentale per l'esistenza basato sulla stimolazione onirica e sul predominio della performance artistica basata sulla chirurgia e l'autopsia a caccia di modificazioni corporali e stimolazioni del dolore corporeo .

E Che cos'è questa arte criminale chirurgica se non una nuova forma di sessualità evidentemente molto più intensa, completa e complessa rispetto al "vecchio sesso?" D'altro canto il crimine del futuro avrà una qualità artistica totalizzante, incarnato da lugubri personaggi che si dicharano body artist o performance artist magari ex-oncologi od ex-chirurghi. Siamo dunque ad un crocevia che innesta James Ballard e la sessualità meccanica nella scrittura di William Borroughs e la sua ossessione per le creature raccapriccianti e per il Controllo. In linea con gli ultimi film di Cronenberg è una prospettiva perlomeno singolare di futuro che francamente appare assurda e datata: un immaginario di fine anni '90 che va dai Clock DVA alla Fura dels Baus ai Mutoid Waste Company alla musica degli Eusterzunde Neubauten al Cyberpunk di Gibson, alle pubblicazioni di RE Search e alle performance di hard-core piercing che andavano di moda allora; un immaginario non in grado di prevedere quale sarebbe stato il vero futuro (internet e le reti non neuronali ma sociali) e che lo immaginava basato sullo sviluppo delle sensazioni legate al corpo e alla mente. Ma è uno sviluppo erroneo perché sarà l'io sociale invece a prevalere e formarci un'idea di futuro molto diversa da quella che si immaginavano i seguaci del cyberpunk. Di fatto David Cronenberg ha fatto i suoi film migliori in quel contesto teorico e non poteva che portare fuori un film legato a quel mondo bizzarro e post apocalittico. Un mondo che non conosce TIK TOK, che ignora i social media, i likes le visualizzazioni e il potere del consenso. Come è possibile che il futuro sarà quello che si immagina Cronenberg? Questa impossibilità si traduce in una pennellata surrealista che dà alla vicenda anche i suoi esiti più comici e farseschi. Il rapporto ossessivo che hanno i due Funzionari del Registro Nazionale degli Organi con la materia di cui trattano e gli aspetti burocratici, sono così spassosi che provocano risate da commedia ed è uno sviluppo piuttosto inedito in David Cronenberg dove la riflessione teoretica appare sempre seria e con poche concessioni all'intrattenimento. In questo caso gli esiti di comicità di certe situazioni nel film sono perfettamente voluti e servono forse allo stesso Cronenberg per prendere un certo distacco ironico dal suo stesso improbabile futuro.

SPOILER

Il plot del film si segue abbastanza bene nonostante le allucinazioni e le stranezze. Abbiamo a che fare forse con la prima razza mutante della storia che riesce a mangiare la plastica? Sì. Poi c'è una madre che uccide il figlio perché non sopporta quel bambino mezzo rettile che lascia un liquido latteo corrosivo dalla bocca e che adora sgranocchiare cestini. E poi c'è il padre una figura che appare come il leader dei mutanti e che decide di fornire il corpo del figlio come materiale da utilizzare per una importante performance artistica che ne mostrerà gli organi interni come quadri di Leonardo. Organi nuovi di una razza umana evoluta. Dall'altro lato c'è il mondo degli artisti performers il cui più grande esponente è Saul Tenser affiancato dalla ex chirurga Caprice: lui genera nuovi organi dentro di sé che a loro volta sono mostrati ed estratti come opere d'arte. Oh yeah! Decisamente più capace di quell'altro che riesce a far crescere orecchie sul suo corpo, cosa che viene giudicata piuttosto volgare. E tutta la trama si dipana in questo guazzabuglio fino ad una fine che non è una vera e propria fine bensì una rivelazione.

Gli attori fanno tutti bene il loro sporco lavoro: Viggo Mortensen, Léa ma una menzione particolare va a Kristen Stewart nei panni di Timlin che insieme a Wippet, interpretato da Don McKellar, sono coloro che portano un soffio di burocratica serenità con il loro Registro Nazionale degli Organi sulle Montagne della Follia che sono spesso le scene di questo film. La scena in cui Saul Tenser si bacia con Timlin e i suoi dialoghi surreali sono tra le parti migliori del film.

Davide Pulici WWW.GAMBALA.COM la vita e le opere di A. Cavallone Nocturno libri

2021-11-04T15:08:00.001+01:00

Ho avuto un po' di remore (e ancora ne ho) nell'affrontare la recensione di un libro come questo che rappresenta senza ombra di dubbio il nec plus ultra della critica cinematografica nell'ambito della vita e le opere di un singolo regista. Difficilmente troveremo un testo altrettanto vissuto, altrettanto maniacalmente studiato, altrettanto maniacalmente verficato nelle fonti, scritto e redatto in cui la vita del biografo e del suo protagonista si intrecciano in maniera così viscerale. Davide Pulici, persona che non posso certo dire di conoscere come amico ma che ho il piacere di conoscere e al cui trono mi inchino ogni volta che si tratta di sapere qualcosa che non so e imparare qualcosa che non ho ancora imparato sul cinema, è uomo e critico senza compromessi: fondatore della rivista Nocturno, grazie alla quale oggi il cinema italiano e non solo italiano del passato gode un'incredibile fortuna commerciale.

E' grazie all'infinita passione per il cinema bis di Davide Pulici, Manlio Gomarasca, Michele Giordano e altri che i grandi registi della cinematografia italiana di genere (Fulci, Massacesi, Di Leo, Martino, Canevari, eccetera eccetera eccetera) sono stati riscoperti e portati al grande pubblico. Ma è Alberto Cavallone quello che più di tutti ha rappresentato per Pulici una sorta di idolo nella sua accezione più metafisica e oserei dire religiosa. Davide Pulici è folgorato da Cavallone come da una religione quando negli ultimi anni della sua vita Cavallone si incamminava lentamente verso il buio della dipartita. Un Alberto Cavallone ormai esausto che aveva trovato nella televisione, il mostro che tutto fagocita e ingloba, un sollievo alle pene soprattutto economiche che lo avevano angustiato per tutta la sua incredibile e variegata carriera. Ciononostante Davide incontra ancora un uomo pieno di creatività che stava comprendendo i profondi cambiamenti che si profilavano all'orizzonte della nuova era digitale. Il titolo del libro, che si fa fatica a comprendere anche da esperti è l'ultimo progetto che Alberto ha ed ha il sapore del futuro.

Credo che con questo titolo, Pulici abbia in qualche modo voluto sottolineare come ancora una volta e fino alla fine Cavallone fosse una sorta di sciamano, capace di prevedere dove andava a parare il mondo. Inutile sottolineare che il libro analizza ogni singola traccia di Alberto Cavallone sulla terra ed è come se Cavallone avesse fin dall'inizio tessuto una sorta di enigma intorno alla sua opera e alla sua vita di regista, sceneggiatore e poi perfino giornalista di inchieste [ la televisione cavalloniana inventata da Cavallone il quale pochi sanno ma che scopriranno leggendo il libro è stato inventore della docufiction - un vero e proprio sottogenere al cui modello oggi si rifanno i vari Chi l'ha visto, Quarto Grado e altri programmi che attingono all'Attualità Nera (come il fumetto) e la ricostruiscono con attori, voci fuori campo, musiche tensive e tutto il milieu che ben conosciamo.)] Ma è sul cinema che si è giocata la partita vera di Cavallone, una partita da subito disperata dove Cavallone ha sempre perso sia per le sue idee oltranziste, sia per una critica militante che, dopo una fase di interesse iniziale (Le salamandre, Afrika) lo ha ostracizzato e costretto all'uscita dai grandi circuiti di distribuzione. Atteggiamento favorito anche da Cavallone, maestro nell'arte del fare la cosa sbagliata, regista che aveva pessimi rapporti financo con i distributori dei film perché Cavallone era incapace a volte di realizzare una copia definitiva; insertava nuove sequenze, cambiava continuamente quand'era al montaggio e poi come tutti i grandi geni perdeva interesse per le cose che faceva, attirato da qualche nuova idea o creazione. Un cinema estremo e contro, prodotto immaginifico dei fantasmi di Cavallone - uomo per nulla incline ai compromessi di natura artistica - atteggiamento che via via lo ha autoemarginato e costretto sulle vie perigliose del cinema erotico e poi apertamente pornografico. Ciononostante Cavallone il Cinema (quello grosso, quello dei grandi registi) lo voleva fare, un cinema che via via andava sempre più essenzializzandosi, perché Cavallone come dice Pulici se ne fregava dei nessi narrativi li considerava un vincolo e così arrivò a girare anche un film che non uscì mai: Maldoror un meta-film talmente oscuro e fuori dagli schemi che raccontava la storia di un operatore di ripresa, di una tossica americana e di un regista che girano il film che si chiama Maldoror e il regista si suicida durante le riprese sulle montagne della Cappadocia in Turchia perché incapace di realizzare il film; sullo sfondo una strana storia d'amore che in maniera fantasmatica rappresenta le vicissitudini familiari di Cavallone stesso. Un'opera in gran parte autobiografica che si snodava per buchi logici e girata con una troupe sgangherata; profondamente visionaria, probabilmente erede di una cinematografia surrealista con ambizioni molto alte: Jodorowsky, Arrazabal, Bunuel. Pulici racconta il film analizzando puntigliosamente le cento e passa pagine del trattamento originale; script vergato da Cavallone stesso. Si sprecano le scene archetipe del cinema surrealista: la donna cucita dentro al bue, il prete che con una croce falliforme buca lo schermo bianco eccetera eccetera. La ricerca del film ormai dichiarato scomparso ha coinvolto per molti anni lo stesso Pulici ma è solo un piccolo pezzetto di questa gigantesca biografia che racconta anche i lati umani, le difficoltà familiari, i disagi profondi e le incomprensioni nei confronti di chi si esaurisce in nome della creatività come ha fatto Cavallone il quale per altro ha sempre cercato anche nelle difficoltà più estreme di tenere in piedi una famiglia e una vita borghesi. Ma è difficile quando hai il fuoco dentro: e quindi le continue fughe, le sparizioni improvvise, i frequenti tradimenti. Un ritratto memorabile quello di Pulici dell'uomo Cavallone perché capace di insinuarsi a fondo nella psiche, nelle aspirazioni e nei desideri del suo protagonista. La cui parabola è costellata di fallimenti - è giusto dirlo. Cavallone muore da giornalista di inchieste (è uno degli artefici della nascita della televisione pocket reportage SEI Milano) il cinema lo ha dimenticato. E chi sia il soggetto e chi sia il complemento oggetto di questa frase è difficile a dirsi. Cavallone era così già immerso in un mondo nuovo, riadattato ad una nuova realtà negli anni '90 che non era più quella dei '60, quella dei '70 e neppure quella degli '80. E forse in cuor suo lo spettro delle sue numerose fughe ha finito per sconfiggerlo.

Non è stato facile approcciare questo libro lo ammetto. Ci è voluto del tempo e per molto tempo il libro è rimasto sul mio comodino, dopo aver letto le prime pagine. E' un viaggio talmente lungo ed esaltante che richiede i giusti tempi di fruizione e magari questi possono non collimare con la vita di tutti i giorni. Poi però come tutte le opere scritte con perizia e cuore, scattata la scintilla e scorre via che è una meraviglia. Come tutti i buoni libri diventa un compagno inseparabile e molti giorni della mia vita si sono giustificati nell'essermi dedicato interamente ad esso.

Ho interrogato Davide più volte su quando mai sarebbe uscito questo libro ma mi risultano anni e anni a sputare il sangue a cercare fonti e conferme alle proprie intuizioni e supposizioni. Anch'io sono stato cercatore indiretto delle fonti di Pulici. Ho dato una mano a scoprire alcune cose sulla vita lavorativa di Cavallone da regista televisivo ed ho anche scoperto la provenienza di un carro allegorico viareggino usato per le riprese. La cosa è valsa il grande onore di essere citato nel libro. E l'orgoglio non è per la mia vanitas che sempre poco mi ha attirato ma è per il profondo senso di appartenenza alla causa di Davide Pulici, di cui sono lettore fin dalla primissima ora quando sgattaiolavo via dalle lezioni alla Statale di Milano per aggirarmi tra i libri della libreria Cortina e proprio in uno scaffale sotto la cassa, trovavo le prime copie della fanzine Nocturno. E da allora con Nocturno è sempre stata una cavalcata epica.

127 ore (2010)

2021-09-20T12:09:00.002+02:00

In effetti appare del tutto casuale la scelta di presentare da parte di Boyle all'inizio e alla fine del film immagini di strade popolate di persone e folle oceaniche. Allo stesso modo appare piuttosto singolare l'ossessione per il dettaglio verso gli oggetti che caratterizzeranno come personaggi il film (il coltellino, la videocamera, la corda, l'accendino.) Personalmente in queste immagini ho trovato una sorta di metafore catalizzanti - ovvero quel genere di notazioni registiche che permettono di indicare un concetto filosofico, una concezione del mondo. La solitudine di James Franco nel film appare da subito come una soluzione auto-imposta. Come se il soggetto moderno potesse da solo con l'aiuto di questi tools tecnologici farcela da sé senza bisogno della massa, senza più il bisogno di ricorrere ad un'ideologia. Va da sé che per Boyle questa è una concezione perigliosa e discutibile: l'evento nell'ordine dell'accidentale nella sua noia non fa altro che rappresentarci la condanna morale di tutto ciò. Da questi aspetti si evince che il film ha molti più layers di lettura di quelli che a prima vista parrebbe avere. Facilmente confinabile in un territorio crossover tra horror e avventura il film in realtà è una gigantesca metafora sulla mediocrità prometeica del soggetto moderno. Personalmente provo una certa avversione per questi personaggi che amano calarsi in un contesto sportivo estremo, da soli, con l'aiuto di strumenti come la bicicletta, le gambe, le braccia e tutto ciò che li spinge da soli nello spazio - non posso quindi far altro che cogliere la metafora di Boyle positivamente. Ma non si può negare che sempre più oggi questa idea di potercela fare magari parlando a sé stessi ripresi da un device audio video o uno smartphone non sia altro che una pratica quasi contronatura - mi verrebbe da dire, se tutto ciò non finisse per suonare moralistico. Certamente di questo soggettivismo, di questi forzati del gesto superomistico ne osserviamo a frotte nella realtà e non possiamo fare a meno di provare una sensazione di vuoto davanti a loro. Del resto la sensazione di vuoto la proviamo non appena ci rendiamo conto che siamo ormai vittime di un linguaggio che ci ha del tutto travalicati, che ci fa percepire come agiti - serve solo un po' di sano realismo per rendersene conto (o film come questo.) La grande finzione sul piano dell'immagine interviene poi con il dominio della ripresa rivolta non più verso l'esterno ma verso noi stessi. Il selfie, la soggettiva, la ripresa di sé, tutti device della soggettività moderna che ce la fa da sola, che ha successo da sola. Ricordo a proposito qualche anno fa di aver osservato, con stupore imbambolato, decine di sudamericani impegnati in video selfie con lo smartphone vestiti in giacca e cravatta tutti azzimati, sul lungomare di Key West: imbonire e vendere non capivo bene cosa se auto o pacchetti turistici o visti per il paese. Ognuno era impegnato a parlare ad una platea digitale ubicata chissà dove. Ognuno presente ma alienato in un altrove che aveva un pubblico, una platea ma non sulla spaggia di Key West dove creavano solo imbarazzo. Quelle che apparivano movenze e discorsi insignificanti lì nel reale, vivevano in un altrove indefinito come movimenti di successo, di vittoria. La cosa mi impressionò e mi fece capire fin dove si poteva spingere il soggetto e a quale grado di alienazione potesse giungere nell'era digitale. Non potevi dire che fosse gente che ce l'aveva fatta -quei venditori via smartphone sulle spiagge delle Keys; era solo un'orrenda pagliacciata magari per spillare soldi ad altri connazionali, illudendoli che ce l'avessero fatta. E' dunque una gigantesca illusione quella che spinge il soggetto moderno a pensare di farcela rivolgendo l'attenzione verso sé stesso? E' quello che ci vorrebbe far capire Danny Boyle con 127 ore. Da soli non andiamo da nessuna parte. Al massimo siamo in grado di "divertirci." Tutta la parte che anticipa il dramma di James Franco ci mostra la riduzione della durezza della natura ad una sorta di gioco: la ubris di tutto ciò si raggiunge quando James incontra le due ragazze sprovvedute e le porta a tuffarsi con un salto nel vuoto nella grande piscina sotterranea. Nel contrasto tra quel gesto e la ribellione della pietra che si ostina sul braccio si gioca tutta la storia di questo film che in apparenza sembra celebrare la forza di volontà umana, la capacità di cavarsela. Niente di più sbagliato. Questo film celebra il trionfo della morte sulla vita nel momento in cui il soggetto si aliena dagli altri e percorre il sentiero della soggettività bastevole a sé stessa. Quando guardiamo i video di influencer, le loro storie su Istagram vediamo che essi sono agiti da qualcosa di esterno. Intorno alla loro quotidianità circolano persone, brand, prodotti. A volte nei casi più eclatanti diventano loro stessi brand, prodotti. Il soggetto da solo nella modernità finisce per essere un fantoccio, uno schiavo. Il braccio di James Franco e quell'impossibilità di poter andarsene, di fuggire via a meno che di non tagliarselo quel braccio è la più forte e iconica metafora del soggetto moderno quello apparentemente capace - grazie ai suoi tools e ai suoi device di poter fare tutto. Del resto film come Open Water e tutti quei film che deridono il turista di razza bianca da sempre condividono questo tema. Il soggetto moderno pensa di poter dominare tutto, vive in un orizzonte di onniscienza ma ciò è del tutto fallace. Il ribaltamento rispetto alla condizione classica appare allora eclatante. In Hiroshima Mon amour di Alain Resnais del 1959 Elle e Luì i due amanti si interrogano sul senso della patria, sulla guerra. La loro vita vive in un orizzonte più ampio. Sono ancora padroni di loro stessi sebbene osservino una realtà che più non comprendono sconvolta dalla follia della guerra e dell'ideologia ma il loro essere soggetti nel film li incarna nella storia e nelle sue tensioni. James Franco con la sua bicicletta, la sua videocamera, appare sradicato da tutto, impotente, relegato alla dimensione del fantoccio di fronte alle grandi istanze dell'esistenza che si scatenano contro di lui abbandonandolo. Tutto ciò è alquanto singolare se pensiamo che infondo il film è solo un film di avventura. Con uno sguardo prospettico grazie al fatto che sono passati undici anni dalla sua uscita oggi siamo in grado di cogliere appieno le istanze filosofiche di un banale film di avventura. Per altro il film uscì in un mondo in cui le dirette Facebook e le istagram stories non esistevano ma già se ne potevano osservare i prodromi in questo film in cui James Franco parla a se stesso attraverso una telecamera digitale come avrebbe parlato a sé stesso in diretta Facebook. Sembra che siano passati secoli eppure sono solo dieci anni. In un remake "moderno" del film grazie ad una diretta Facebook James Franco non si sarebbe dovuto tagliare il braccio soccorso tempestivamente d qualcuno dei suoi amici social. Resta solo da capire se c'è il wi-fi o c'è campo. E forse nel deserto non c'è. Possiamo dunque davvero fare tutto?

Midsommar capolavoro o mezza ciofeca? Mezzo capolavoro

2020-05-01T12:48:00.000+02:00

Intanto per cominciare la prima riflessione che mi cade nella testa è che se fossi uno svedese avrei bisogno di un grande senso dell'autoironia per vedere questo film senza provare un sentimento di offesa. Un film in cui la mia nazione viene bellamente presa per il culo in maniera se vogliamo anche veramente con l'accetta - questo perché l'immaginario dei culti rappresentati (che onestamente poi bisogna subito dirlo sono del tutto fictionali in generale) si rifà in larga parte a riti ungheresi che nulla hanno a che fare con la Svezia; è un po' come se in Lombardia venissero ambientati dei culti gaelici per il solo fatto che la bandiera è verde e quello stilizzato sopra è un trifoglio, bisogna perciò dire a scanso di equivoci che l'approccio è estremamente fantasioso e tutta la costruzione intorno a questo misterioso culto è una gigantesca messa in scena senza alcuna pretesa di realismo anzi con molto black huomour di sottofondo. Gli svedesi non mi risulta che abbiano un grande senso dell'ironia e infatti ho letto giudizi di svedesi su IMDB piuttosto contrariati e stizziti - comprensibile ma tutto sommato poco significativo. Se dunque il film si rivolge a tutto il mondo tranne agli svedesi, amen, non ci limiteremo a questo per dire che è una schifezza. Anzi.

Veniamo al film. Prima di tutto Midsommar si situa in un sottogenere piuttosto frequentato che è il film horror di "viaggio;" i topoi di questo sottogenere si situano al solito in una struttura sceneggiata sempre alla medesima maniera: un gruppetto di evoluti occidentali decide di fare un viaggio in una terra sconosciuta. Il risultato è un'incontro con misteri e mostri che hanno in larga misura a che fare con le fobie che albergano nell'inconscio - e secondo me detta così è un po' detta tutta, nel senso che poi questi film tendono sempre a rappresentare un nucleo di evoluti alle prese con cose che non capiscono e di cui si sentono nettamente superiori. In larga parte questo genere di film ha a che fare con protagonisti nord americani e con il loro particolare modo di "viaggiare." Voglio dire che stonerebbe parecchio nel sottogenere prendere dei protagonisti italiani, i quali il più delle volte bontà loro di fronte al diverso si piegano in maniera del tutto accondiscendente, con ingenua apertura e financo sudditanza; gli americani no, gli americani arrivano al contatto col diverso con una serie di strutturali pregiudizi e paure per cui ciò che sta fuori dalla loro terra in linea di massima è barbarico, sottosviluppato, inferiore e può fare molta paura. Gli USA cullano i propri cittadini come nella bambagia (salvo poi - se non rigano dritto, mandarli presto a dormire in un parcheggio con un carrello della spesa come compagno.) Ma certamente gli americani sono abituati a pensare che fuori dai loro cinquantuno stati "ci sono i leoni," non prendendo minimamente in considerazione la possibilità che la civiltà possa albergare anche fuori dai loro confini. Ruota intorno a questo substrato teoretico anche Midsommar il quale fa di tutti gli europei in soldoni dei barbari malati che ancora credono agli gnomi e alle fate. Naturalmente siamo convinti che alla base di questo atteggiamento ci sia a sua volta un'auto presa per il culo inscenata da Ari Aster che poi si diverte a introdurre alla variante anche l'aspetto delle droghe psichedeliche - fissazione dei giovani americani. Giovani americani che vengono rappresentati in tutti i loro stereotipi con successo e in modo molto veritiero (l'afro americano intellettuale, il riccone che vuole solo sballare, la coppia sensibile in crisi. Però si dica subito per essere un film horror sui funghetti non può essere paragonato a Shrooms - Trip senza ritorno, pellicola del 2007 diretta da Paddy Breathnach film dallo spessore decisamente inferiore a Midsommar sia per trama che per ambientazione, visione, recitazione eccetera eccetera. Ed è un po' questo il motivo che il film si eleva rispetto alla massa dei film horror degli ultimi due anni; non solo si erge ma sta proprio lassù in alto in una Top 5 in cui campeggia in compagnia di Suspiria di Guadagnino (sui legami fra i due film tornerò a breve.)

In Midsommar la faccenda del viaggiare viene presa decisamente sul serio e non è solo una questione di psichedelici. Se infatti Shrooms si limita a rappresentare il trip con una messa in scena banale fatta di visioni horrorifiche standard, oscure mostruose e malevole; il trip in Midsommar è qualcosa di ben approfondito, di realmente perturbante perché ambientato non nell'oscurità ma nella luce. In questa fondamentale differenza si trova il tratto geniale messo in atto dal regista di Hereditary (pellicola sulla quale torneremo in un altro post perché fondamentale nel nuovo horror americano.)

Questa scelta della solarità, della mezza estate, dei vestiti bianchi, delle collane dei fiori, della comune danzante, di questa bontà malata e allucinata ci lascia come spettatori pienamente soddisfatti: galleggiamo anche noi in un vortice insieme ai protagonisti in cui come nel ballo dell'incoronazione finale di Dani (una Florence Pugh veramente centrata nel ruolo) tutto gira vorticosamente col risultato di non capire più chi sono i buoni e chi sono i cattivi. Ed è proprio questa danza in definitiva modellata su un ritmo dionisiaco e ipnotico che si fa via via più ossessiva e veloce che ci riporta alla scuola di ballo di Suspiria. Si gode pienamente di un film quando tutti gli elementi concordano in una visione unica, in un intento chiaro e logico messo giù sulla pellicola in immagini e in dialoghi dal regista. Del resto anche nel film di Guadagnino non si può fare a meno di voler bene a queste streghe, così come allo stesso modo non si può fare a meno di chiederci se questi Harga non siano infondo dei mattacchioni financo divertenti nonostante mettano in atto suicidi rituali, culti assassini, orge mistiche e quant'altro. Personalmente ho un debole per tutti i film ambientati nelle sette (altro macro genere filmico nel quale questo Midsommar - Il villaggio dei dannati si situa). Qualcuno ha parlato anche dell'inauguarazione di un nuove genere con questo film, il "folk horror." Non è da trascurare infine l'aspetto comico del film che emerge molto spesso e ci permette di non prendere troppo sul serio quello che accade in questo film allucinato che per coloro che hanno avuto esperienze psichedeliche procurerà una sorta di flash back. Buona visione. Anzi direi ottima!

Vivarium (2019)

2020-04-26T15:36:00.000+02:00

Vivarium ha avuto buone recensioni in Italia, sebbene giudizi piuttosto stroncanti all'estero ne abbiano in qualche modo minato lo status di geniale capolavoro perturbante. Ma noi in Italia si sa a volte siamo di bocca buona, ci piace elucubrare su film che viaggiano nelle minor league e come buoni giornalisti sportivi ci affasciniamo con storie di provincia, film di serie B(is). Così ci facciamo affascinare completamente da questo nuovo quartiere residenziale di suburbane villette familiari, tutte uguali. La metafora sotto c'è ed è complessa, la messa in scena è effettivamente intrigante e quindi questa impressione di film notevole continua a esercitarla anche su di me. E poi c'è un altra piccola cosa che si può notare ed è tutto sommato tutt'altro che di poco conto: amo i film dove non succede pressoché niente e gli eventi sono dosati col contagocce in praterie di vasto nulla. Vedere ciondolare i personaggi di un film personalmente equivale alla migliore cosa che essi possano fare. Se un film sta in piedi con personaggi che fanno poco o nulla è un buon film. Diciamo che siamo dalle parti di una totale inversione del concetto di intrattenimento ma anche l'unico modo efficace per non farsi subissare da tonnellate di azione che non porta a niente. Questo è un discorso un filino troppo teoretico e ci porterebbe un po' lontano dalla disamina dell'oggetto film quindi la abbozzo qui.

Il film si tiene in piedi scandendo eventi su un quadro sempre più improbabile e grottesco e ad esso si aggiunge una paranoia crescente per questo nulla e stallo che avanza inesorabilmente. Tutto si ferma in questa storia che lentamente diventa un incubo surreale, narrato con stile entomologico: osservare i personaggi è trattarli da scarafaggi inseriti in una sorta di gigantesco vivaio. E il vivaio è quello di questa condizione di vita ridotta a quella degli insetti scandita da una luce sempre uguale, in solitudine. E' evidente che questo film si adatta bene alla visione durante il lockdown ammesso che qualcuno abbia voglia di "suggestioni" legate a questo periodo. Il tempo del vivaio è quello stesso del lockdown e se il lockdown diventasse permanente vivremmo tutti in un vivaio. Ma quello che sembrerebbero volerci dire gli autori di Vivarium è che già adesso viviamo in un vivario e senza bisogno di lockdown. Che cresciamo i nostri figli come figli di qualcun altro e qualcuno ci seppellirà e prenderà il nostro posto in una continuità infinita di cui si fa fatica a intelligere il senso. Se tutto ciò ci viene raccontato con una modalità accattivante, con una CGI che non sarà certo quella di "Mulan il film" (anzi) tutto sommato siamo propensi a pensare di essere incappati non solo nell'ennesimo film di Jesse Eisenberg dal 2010 in poi ma forse in un piccolo capolavoro destinato non a sbancare il botteghino ma a rappresentare iconicamente quest'epoca.

I pregi e i difetti di Parasite (2019)

2020-04-23T18:42:00.000+02:00

Mi rendo conto di arrivare come dire un filino in ritardo sull'argomento ma a volte le cose tenute lì a macerare vengono meglio o hanno più sapore, più gusto non lo so. Fatto sta che mi viene di affrontare Parasite con largo margine di distanza, quando il discorso è chiuso. Il fatto è che il film di Bong Joon Ho elogiato a tal punto da vincere il premio a Cannes ebla bla; bla ha folgorato gli spettatori per quella messa in scena fulminante e altamente intrattenente che viene scanovacciata giù dal regista fino all'episodio del diluvio (spoilero ma ca£$o il film non è uscito certo ieri e chi lo doveva vedere a questo punto l'ha visto;) Parasite ha dalla sua molti pregi ma anche alcuni gravi difetti. Si affastellano per la prima ora e un quarto una serie di splendidi personaggi sciorinati in ambienti intriganti in un contrasto cruciale nel mettere in mostra il benessere e la povertà, il successo e la miseria umana. Tutto ciò non può lasciare indifferenti, anzi. Cogliamo con divertimento e interesse che via via si intensifica la pochade nel suo dipanarsi lento e inesorabile. La conquista della famiglia Kim è un capolavoro di guerra psicologica come poche se ne sono viste sullo schermo; giocata su un equilibrio precario tra la verosimiglianza e il grottesco. Sono tutti perfetti gli attori nel non sbrodolare - con un particolare favore per tre personaggi i quali davvero sollevano il film dal recitativo perfetto alla quasi perfezione totale ed è certo merito del regista nell'averli seguiti così bene; sto parlando della bella Jo Yeo-jeong nei panni di Yeon Kyo la moglie del brillantissimo Dong Ik, donna perfettamente calata nella sua realtà fantamilionaria e che ipocritamente non smette mai di smascherarsi, mettendo in mostra ogni volta il suo vero volto che è quello dell'algido opportunismo e della totale indifferenza nei confronti dell'Altro; assolutamente convincente è poi Ki Jung, la figlia, interpretata dalla brava So-dam Park è lei il vero motore della famiglia Kim, la sua capacità di spacciarsi per maestra di arte e il modo in cui dà verità al personaggio con autorità è davvero encomiabile. Poi diciamo che Song Kang-ho ovviamente non delude ed è assolutamente centrato con quell'aria sfatta e quell'odore che al cinema non si sente ma che in qualche modo si comincia a immaginare per quante volte viene citato. Dunque attori ispirati, messa in scena che via via si fa più accattivante con una classica presentazione e rotazione del quadro di riferimento nel momento in cui entra in scena il bunker. Il bunker nucleare fa girare la sceneggiatura in maniera perfetta dando linfa al film e aprendo degli incredibili e nuovi scenari. Si sarebbero potuti pensare (probabilmente si saranno anche pensati ma poi sono stati tutti scartati) di presentare diversi scenari ma si è voluto andare verso l'accumulo. Forse non più padrone della messa in scena forse preso dal suo virtuosismo Ho ha pensato bene di prendere la strada dell'esagerazione. Vero perno di tutto ciò è il personaggio di Geun Se l'uomo sepolto nel bunker, la cui recitazione eccessiva e psicotica non appare verosimile ma piuttosto farsesca. Il diluvio poi, vero spartiacque del film bello dal film brutto, trasforma tutto in una serie di ulteriori esagerazioni poco credibili e ciò accadrà fino alla fine con il pic-nic eccetera. Vi è però un aspetto innegabile (boh forse no ma bisognerebbe chiederlo a Ho) aspetto che poi rende valore a un film che tutto sommato si perde solo nell'ultima ora ed è la scena finale. A me è persa la pietra angolare posta sopra un'altra scena in quel caso iniziale ed è la prima scena in Happiness (1998) di Tood Solondz: quel momento idillico che si dipana sullo schermo tra musica soave e al rallentatore e che viene interrotto dalla mattanza degli stessi protagonisti uccisi a colpi di doppietta con il sorriso sulle labbra da Dylan Baker nei panni dello psicologo Maplewood mentre scende placido e solenne una collinetta di un parco urbano.

L'ufficiale e la spia (2019) e Curiosa (2019) : i Proustiani si esaltano!

2020-04-08T17:32:00.001+02:00

Il cinema francese ci regala in questo periodo in cui tutto si ferma la visione più rigorosa e classica della materia filmica. Da sempre attenti a fare le cose nella maniera più giusta i francesi nutrono una particolare fascinazione per l'epoca di Proust ovvero la fine del diciannovesimo e l'inizio del ventesimo secolo. E' un tempo in cui accadono molte cose legate a un passato che presto svanirà e ancora poche cose legate al futuro. Questo fin de siecle è un'età mitica per la Francia ed è il momento in cui la borghesia prende lo status che un tempo apparteneva all'aristocrazia e l'aristocrazia decade al livello della borghesia. E' l'epoca in cui i dottori e gli avvocati contano più dei principi. E' il momento in cui i borghesi stravedono per la nobiltà e la nobiltà per essere nobile deve accogliere i borghesi come suoi pari. Chi conosce Proust sa che il salotto della borghese signora Verdurin è altrettanto elitario e a la page del salotto della Signora di Villeparisis. Uno dei grandi temi ricorrenti in questi salotti frequentati dai principi ma anche dai chirurghi e dagli scrittori e che Proust descrive spaccando il capello in quattro nella sua Ricerca è "L'Affare Dreyfus". L'Affare Dreyfus rappresenta il primo caso di "opinione pubblica" della storia. Un tema complesso in cui l'anti semitismo si mischia al patriottismo e alla fedeltà all'esercito e alla bandiera. Chi difende gli ebrei è tacciato di socialismo e chi non lo fa è tacciato di fedeltà all'ancient regime. Va da sé poi che il caso, raccontato nel film L'Ufficiale e la spia sembra la risposta indiretta che Polanski ha voluto dare, contro le accuse che sempre più pesanti ha dovuto subire da parte di un mondo femminile e femminista francese impegnato in una battaglia di principi che ha visto come ultimo atto la sceneggiata che si è consumata ai premi Cesar di quest'anno dove al film è stata assegnata la miglior regia e il miglior adattamento cosa che ha mandato in bestia molte femministe francesi considerando questa una provocazione dell'establishment del cinema francese. Certamente non possiamo ignorare che con questo film Polanski voglia dire "sono io Dreyfus". Nel rigore del racconto di come si svolsero i fatti, nella narrazione calma e intrigante di ciò che fu uno dei casi che ancora oggi i francesi evidentemente considerano fondamentali nella loro storia personale, si assiste a un lento e incessante dipanarsi di un modello esemplare sui rischi che si corrono con il pregiudizio e come l'opinione pubblica possa essere sviata in base all'odio razziale e alla propaganda. In tutto questo c'è Polanski e bisogna dargliene atto - questo è uno dei suoi migliori film, realizzato con maggiore attenzione forse per l'urgenza della materia trattata, forse per la capacità stessa di Polanski di riuscire a mantenere questa che senza dubbio appare come una sorta di replica alla accuse (tenuta però solo sullo sfondo.) Abbiamo detto del premio per l'adattamento infatti il film nasce come trasposizione del libro omonimo dello scrittore inglese Robert Harris di cui non può mancare in nessuno libreria il giallo fantapolitico per eccellenza Fatherland. Il libro non ho avuto l'onore di leggerlo però il film di Polanski visto in sala è riuscito a tenere alta l'attenzione di una sala piena fino all'inverosimile. Abbiamo parlato dell'epoca di Proust e non possiamo fare a meno di notare come la fine del secolo sia anche l'ambiente in cui si dipanano le vicende dell'altro film in questione in questo post ovvero Curiosa di Lou Jeunet.

Il film narra le vicende d'amore tra lo scrittore e fotografo francese Pierre Louys e Marie de Regnier. Per i francesi l'erotismo è come la pizza per i napoletani. La categoria del film erotico è alquanto inattuale, se ne producono pochi e quei pochi che nascono è meglio dimenticarli in fretta; il genere non interessa più. Tinto Brass in Italia è da molto che non si vede sugli schermi ma in definitiva l'ultimo film erotico che vale la pena guardare, prodotto in Italia, è Malizia del povero Samperi e siamo nel 1973. Dopo: la commedia sexy e Brass; poi: il niente (e con niente intendo anche Tulpa di Zampaglione.) In Francia invece il genere a parte il boom della seconda metà degli anni '70 è rimasto vivo durante tutti questi anni. E questo delizioso Curiosa ha un andamento molto simile a livello di regia e di fotografia al film di Polanski.

L'estremo rigore della messa in scena, la lussureggiante fotografia, i nudi della compassata protagonista Noemi Merlant e i costumi ci riportano ai tempi dell'Affare Dreyfus da un altro punto di vista non più sul piano della storia bensì sul piano intimo della biografia. Lo scrittore bohemien Pierre ingaggia un rapporto pericoloso con la bella Marie il cui padre la dà in sposa a Henri, per ripagare al fatto di aver ottenuto, pur essendo un mezzo morto di fame, una posizione di rilievo alla biblioteca di Parigi. Ma Marie è uno spirito libero e non può rinunciare all'amore per Pierre. La colonna sonora di Debussy ma anche un insolito score IDM punteggiano perfettamente questo film che non (si) può mancare se si considera Proust come lo scrittore più attuale di ogni epoca.

Sux! - Bella giornata (Giorgio Ciccarelli)

2020-02-27T10:56:00.001+01:00

Melvins - Revolve (Music Video)

2019-12-18T10:54:00.001+01:00

Emanuelle In America - Mondo Macabro limited edition

2019-09-20T16:26:00.002+02:00

E' stata una specie di odissea riuscire a mettere le mani su questo Blu -Ray della Mondo Macabro ma alla fine chi la dura la vince. Il restauro in 4K del Santo Graal dei film erotici annunciato giustamente dalla Mondo Macabro come un grande evento ha mandato in fibrillazione i collezionisti di tutto il mondo. Ciò che veramente ha lasciato perplessi era legato al fatto che il disco in questione non sarebbe stato disponibile nei negozi ma solo sul sito della Mondo Macabro; questa scelta sembrava precludere la possibilità di procurarsi il disco a chi non era statunitense, la tiratura di 1500 copie lasciava ancora meno speranze agli europei di procurarsi questo disco. Per fortuna però è andato tutto liscio e alla modica cifra di 34 euro spese incluse sono riuscito a mettere le mani sulla copia 1191 ed ho potuto finalmente avere per le mani quello che è in assoluto il film più importante della sexploitation mondiale e quello che è in assoluto il film più cult della storia. Non è un'affermazione spuria che butto lì per mero sensazionalismo ne è la riprova il fatto che nella recente classifica di Film TV in cui si è cercato di far luce su quali film potessero essere considerati i più importanti nella storia del cinema italiano i due fondatori di Nocturno Manlio Gomarasca e Davide Pulici hanno entrambi deciso di inserire nella loro rosa dei migliori dieci film italiani di sempre il culto erotico in questione. Affiancato dai due illustri critici a blasonati film come 8 1/2, Il Sorpasso e Ladri di biciclette, l'operazione non mi è parsa una mera provocazione bensì il frutto di un ragionamento senza paraocchi volto a smascherare la critica alta incapace di uscire dai propri schemi. Ebbene il film in questione è un film decisamente ben girato da Massacesi che era un artigiano del cinema ma la tecnica la conosceva bene, certo non è questo il motivo per cui venga considerato un capolavoro ma certamente è una buona base di partenza. Ciò che davvero conta è il significato che ha nella storia del nostro cinema e anche il valore retrospettivo (col senno di poi) relativo alla critica sociale che il film sembra veicolare. Una critica alla società occidentale in cui il parallelismo tra sessualità perversa e turbo capitalismo è se vogliamo ingenuo ma oggi sembra tornato di nuovo di moda. E' su questo punto, su questa capacità precursoria, sull'attualità, sul riuscire a preconizzare temi che saranno molto attuali nel futuro che molti critici giustamente hanno sottolineato l'eccezionalità del film - certo non siamo di fronte a un film da poter considerare un film politico ma certamente non passa inosservato come magari involontariamente, magari per puro caso, certamente è un film invecchiato bene nelle tematiche. Ma è anche sulla natura filmica se così possiamo dire non solo interiore ma anche esteriore che Emanuelle in America si gioca le sue carte. In particolare l'edizione per l'estero risulta particolarmente suggestiva in questo equilibrio precario tra soft e hard core simbolo di un epoca in cui la netta divisione tra i due generi non era ancora tale. Siamo agli albori del cinema delle luci rosse un cinema che nasce come estrema filiazione del cinema di genere e in questo passaggio EiA rappresenta un anello di congiunzione perfetto. Assolutamente da vedere. E assolutamente da collezionare questa edizione Macabro che ha già annunciato la versione distribuita nei negozi del Blue Ray (non appena finiranno le 1500 copie della edizione limitata)....

Il signor Diavolo (2019)

2019-08-27T16:01:00.002+02:00

Il nuovo film di Pupi Avati il signor Diavolo appartiene ai lungometraggi di Pupi ambientati nella pianura padana, luogo che si è prestato numerose volte a questa particolare messa in scena che critici di alto rango hanno decodificato con la definizione di horror gotico padano. E' facile da dirsi: sono i luoghi dove non accade niente a ispirare il mistero; a far sorgere il mostro dalle nebbie nel silenzio di paeselli spopolati, se vogliamo è perfino scontato quanta letteratura è avvolta dalle nebbie e quanto cinema ha posto lo sguardo dei cineasti sul meriggiare assorto delle pianure, nella solitudine dei casali; terreno piatto e uniforme dove tutto compare ad altezza di occhi, la pianura padana ma in questo specifico caso, il territorio veneto delle valli di Comacchio e tutto il mondo lagunare, fanno da cornice a questo film retro' volutamente fuori dagli schemi odierni e che ci riconduce a un certo modo di fare cinema che tanto abbiamo amato e continuiamo ad amare, nonostante - pare, film del genere non se ne facciano più perché al cinema a vederli non ci va nessuno. Tenderei a escludere soluzioni semplicistiche di tal guisa ma ieri sera al cinema in effetti eravamo in cinque; ed è a parziale giustificazione il fatto che siamo a fine agosto e la gente è ancora in vacanza. Ma non è un'analisi dei flussi che ci interessa in questa sede. E' soprattutto il rigore dello sguardo registico di un ottantenne che ha vissuto una vita di cinema a fare la differenza in questo caso che vogliamo qui indagare. Nel rigore della grammatica più classica (campi lunghissimi, primissimi piani, inquadrature dal basso) la narrazione del film di Pupi appare lenta e pervasiva, venata da una nostalgia fortissima per tempi e luoghi che non esistono più. La vicenda si cristallizza in numerosi flashback volti a far insorgere un semplice dubbio nello spettatore: le cause dell'omicidio di un bambino sono da addebitarsi alla presenza del signor Diavolo o siamo semplicemente al cospetto di una tipica storia di ignoranza, di superstizione? Il nucleo teoretico del signor Diavolo ruota tutto intorno a questa banale domanda. Il finale sembrerebbe accreditare la prima ipotesi ovvero che il diavolo esiste anche se forse il diavolo non sta dove si crede che abiti - bensì in tutti gli altri luoghi. Finale e lo diciamo subito raffazzonato e tirato via con una certa fretta proprio come quei film che si esauriscono per colpa del budget o perché è finita la pellicola; lungometraggi costretti ad essere chiusi con una soluzione di montaggio o fulmine in coda che dir si voglia - ma che tutto sommato sottolineano anche in questo un'adesione a un modo di fare cinema dove certe scelte registiche, certe slabbrature di sceneggiatura verrebbero liquidate oggi come sciatteria. Ma l'invito è a guardare oltre.

Detto questo il finale poteva essere sviluppato meglio (lavorare su un ennesimo flashback e raccontare del giovane magistrato fattosi uomo per esempio); qualcuno nella mia cerchia suggeriva che manca una buona mezz'ora. E' vero siamo nel caso raro dei film che invece di durare troppo, durano troppo poco e questa tutto sommato è la cosa più gentile che mi viene di dire del cinema di Pupi Avati oggi; cinema di cui si sente sempre un gran bisogno. Gli elementi del gotico horror ci sono tutti e vengono impreziositi da una recitazione curata nei minimi dettagli, volta a rendere gli attori il più possibile naturali - paradossalmente l'effetto si ottiene cercando un controllo della recitazione che appare oggi ozioso e anacronistico ma che non lo è affatto - se i nostri attori sapessero recitare, se le nostre attrici sapessero essere naturali.

Di fronte alle tipiche sfuriate di coppie in crisi descritte dalla Archibugetta di turno o al tipico "scadimento burino" di una Cortellesi ( rubato al De Sica figlio come quasi fosse un marchio di fabbrica taroccato paro paro) inviterei tutti quelli che vogliono fare gli attori ad osservare quel recitativo a togliere così composto del protagonista - l'attore Gabriel Lo Giudice epitome dell'uomo mediocre al cospetto di cose che non capisce e non comprende, un arricciare il naso che mi ha davvero incuriosito, così come grande è la recitazione di Chiara Caselli nei panni di Clara Vestri Musy in una parte secondaria ma primaria come perno dell'intera vicenda, figura misteriosa che recita in un veneto a fior di labbra davvero eccezionale nel senso di eccezione. Dunque un film fuori dal tempo la cui fotografia grigia il giusto, impreziosisce al meglio l'atmosfera da "tempo perduto" che emerge da una pellicola nella quale sembrerebbe che il cerchio si chiuda. Un modo di fare cinema che lo stesso Avati ha più volte dichiarato di aver abbandonato e che ritrova oggi in cui le circostanze storiche lo costringono a rimettersi in pista a rigiocare con quella macchina cinema come un vecchio tornato bambino. Buona visione.

Pet Sematary (2019) dal libro al film: un disastro

2019-08-27T11:42:00.002+02:00

Colgo l'occasione di scrivere di questo film uscito recentemente nelle sale - film tratto dall'omonimo libro di Stephen King. Essendomi ritrovato da poco a leggere il testo di King, ho avuto occasione di confrontare le due opere a breve distanza: sul piano della parola scritta e sul piano in cui la parola si fa immagine. E' sempre utile poter confrontare un film con il libro "a breve distanza;" occasione sempre rara vuoi perché spesso si vede un film senza aver letto il libro o il libro lo si è letto molti anni prima e le immagini che suscita la parola scritta avendo un carattere evanescente tendono a nascondersi nella nostra mente fino a sparire; è in virtù di questo che molto spesso i libri che abbiamo amato, che ci hanno colpito è bene tenerli conservati in un luogo in cui all'occorrenza possiamo rileggerli per riscoprire grossolanamente la trama, per far emergere aspetti inediti, per addirittura scoprire come una cosa che avevamo ignorato torni invece sotto nuove vesti prepotentemente a galla oppure per risolvere uno degli enigmi che a me assillano di più ovvero come il libro "finisce." Non so voi ma certamente una delle cose che a me infastidiscono di più è non ricordare come un libro finisce. L'attività di rilettura è dunque un passaggio inevitabile ma che molto spesso ci manca (già facciamo fatica a leggere, figuriamoci a rileggere.)

Se la lettura avviene in modo prodromico alla visione di un film, avremo un quadro molto più chiaro e immediato di dove il dispositivo filmico sia dovuto andare a parare per "rinsecchire" - non mi viene una parola migliore, lo strabordante contenuto immaginifico di un libro. Scrittore per immagini, attento nella costruzione dell'immagine mentale per eccellenza, King fa dei suoi libri già dei film potenziali. Ciononostante risulta sempre impressionante e portatore di ampie riflessioni il percorso che deve fare uno sceneggiatore per asciugare, deidratare e far convogliare la trama di un libro dentro le scene di un film; questa semplificazione mette in risalto in maniera prepotente la superiorità della parola scritta nel portare "senso." Nel film in questione ciò emerge con assoluta chiarezza. Faccio una necessaria premessa : non ho visto il film del 1989 prima occasione di trasbordare la materia del libro nel film. Ma ciò che ho visto in Pet Sematary del 2019 è qualcosa che non vogliamo vedere se abbiamo ancora in testa la trama e le scene di un libro. Dico questo senza volermi inserire troppo nella descrizione della trama; pare però di assistere con questo film a un processo di spettacolarizzazione che va a rubare da un immaginario di altri film (Donnie Darko in primis) del tutto assente nell'opera di King; certe piccole procedure, certe perdite di senso sono del tutto arbitrarie e non del tutto riconducibili alla brevitas necessaria in un film; sorvolare su certi passaggi necessari all'affiatamento dei personaggi fra loro, certi luoghi dalla prospettiva immensa nel libro si riducono a piccoli spazi; personaggi che quasi non si conoscono si ritrovano amici nel giro di pochi frame; l'odioso tecnicismo del jump scare è quanto di più lontano dal fare paura per come lo intende King (una paura che monta un po' alla volta contro una paura che si genera come un timore improvviso.) Certo potremmo soffermarci a lungo in generale su questo tipo di problemi in cui incappiamo spesso in questi horror estivi tutti uguali e quindi il discorso si fa più generale e non riguarda soltanto l'eclatante flop di Pet Sematary il re-make, riguarda quel mondo dell'horror che abbiamo creduto ancora capace di perturbarci o per lo meno di soddisfare la nostra estetica filmica come nel caso di certi horror francesi degli ultimi anni o per lo meno di riportarci ad un'idea di film (di genere) che ci piace ritrovare nella sala (il Signor Diavolo di Pupi Avati di cui tratterò nel prossimo post;) certamente non abbiamo bisogno di questo immaginario che gioca con elementi scontati tanto cari all'horror attuale (facce da coniglio, suore, croci) ma incapaci di dare vita ad un'estetica horror che travalichi i soliti cliche. E' una deriva che certamente non giunge con Pet Sematary ma certamente di fronte ad un classico il cui cibo raffinato ci viene servito su di un piatto d'argento vederlo ridotto ad un insipido happy meal fa certamente male.

Darkthrone - The Hardship of the Scots (from Old Star)

2019-04-24T12:20:00.001+02:00

The Antichrist (2009)

2019-04-24T11:37:00.002+02:00

Ci sono quei film che all'improvviso ami ma che fino al momento della folgorazione non sei mai riuscito bene a catalogare in termini di gusto; sono come quei sapori che hai imparato ad apprezzare con l'età: il bollito o in termini sinestetici la lana direttamente sulla pelle (ricordo le sceneggiate che facevo da piccolo quando mia madre cercava di mettermi una canottiera di lana.) Antichrist non rientra per niente bene in questa metafora sia subito chiaro: Antichrist si potrebbe dire che è un cibo per il quale proviamo un fascino particolare ma che alla resa dei conti ci disgusta. Ricorro alla mia personale memoria per rendere un po' più chiaro quello che sto cercando di dire. Da giovane ebbi l'occasione di andare in Chapas e bere a Oaxaca in un locale orrendo del mezcal; ci servirono anche delle piccole cavallette chapulinas, salate e saporite come noccioline. Francamente non ricordo il gusto di quelle cavallette, erano salate? Sì decisamente. E poi? Sinceramente non lo so - ricordo che le mangiai e ricordo in generale quella come un'esperienza divertentissima, mitica in un certo senso; qualcosa che non ho più fatto e che tranquillamente con le sue suggestione alberga tra i bei ricordi. Oggi magari troverei quelle chapulinas immangiabili ma nella stanza dei ricordi erano buonissime. Antichrist di Lars Von Trier mi fa un po' lo stesso effetto delle chapulinas: un film mitico ma che alla resa dei conti è immangiabile secondo gli standard che un bel film deve avere. Mi si obbietterà facilmente che è tutto relativo e gli standard di un bel film semplicemente non esistono: the beauty is in the eye. Ni. Se la bellezza sta negli occhi di chi guarda non è difficile capire la bellezza che si coglie sempre nella sua universalità. La bellezza raramente ha i tratti del deforme, con la bellezza avremo sempre a che fare con qualcosa che si situa nei canoni dell'ordine e dell'equilibrio. Dunque se abbiamo un punto fermo è questo: Antichrist non è un bel film. Siamo ai confini della non sceneggiatura, della non struttura per immagini. Il prologo che ha l'aria di un videoclip scelta che toglie del tutto la drammaticità a un super dramma può essere condivisibile e suggestivo, tutto sommato in linea con lo spirito dissacrante del maestro danese. Il problema è che poi per il resto del film non facciamo altro che assistere al delirio di una coppia di attori che seppur entrambi strepitosi non fanno altro che menarsi e scopare nello stesso istante manco stessimo assistendo ad una performance di body art degli anni '70. E' francamente un po' poco e di già visto e si comincia a tamburellare sul tavolo contando il tempo che ci separa dalla fine del film. E' vero ci sono delle parti visivamente molto belle ma non basta. Defoe con il suo razionalismo sembra l'inespressività fatta attore, qualcosa che somiglia al Nicolas Cage di Via da Las Vegas (anche se arrivare a quei livelli di inespressività è impossibile ma in questo caso ci siamo quasi). Charlotte Gainsburg già mi piace di più; in questo film fa le prove tecniche della magistrale protagonista Joe del mio amatissimo Nimphomaniac e poi ragazzi per me lei è la donna più sexy del pianeta (attenzione non ho detto bella perché se vale quello che abbiamo appena sostenuto sulla bellezza - bella non è, anzi; sexy da morire sì) non è certamente lei il problema del film. Il problema grosso è che non si capisce dove Lars con questo film voglia andare a parare. Anche il perturbante elemento stregonesco viene volutamente lasciato sullo sfondo. Certamente a un esegeta attento questo apparirà il film dove la concezione della donna di Lars Von Trier cambia. Sapete quelle cose che scrivono i critici accademici: c'è un primo Von Trier dove la donna appare in una veste positiva; c'è un secondo Von trier dove invece la donna assume un aspetto diabolico e tentatore a cui Lars fa vivere le peggiori sventure come una novella Justine di sadiana memoria. C'è un terzo Von trier che a quel punto odia le donne e le vorrebbe tutte morte e infatti le ammazza cosa che fa attraverso i suoi personaggi fino all'apoteosi della Casa di Jack. Sì certo è così. Però....Le cose sono un filino più complicate.

E quindi ritorno un po' all'inizio di questo post. Io amo questo film, sta nella mia piccola libreria di dvd a cui sono particolarmente affezionato. Adoro Charlotte Gainsburg però non chiedetemi di rivederlo adesso. Magari domani.

Lords of Chaos (2018)

2019-02-28T15:41:00.002+01:00

L'epopea del True Black Metal norvegese raccontata come se fosse un romanzo di Nick Hornby o Irvine Welsh... Perché infondo è un po' di questo che si tratta se vogliamo dare una collocazione artistica al film in questione. Naturalmente questo ricorrere alla commedia e quindi in definitiva a un genere per sua natura scanzonato e disimpegnato per le vicende del Black Metal Circle dell'Helvete di Oslo porta un'incongruenza di fondo: raccontare vicende poco edificanti con uno stile da commediola non rende giustizia alle vicende narrate e spinge il tutto su un terreno scivoloso; siamo molto distanti anche dall'atmosfera del libro da cui prende ispirazione e titolo questo film (il libro Lord of Chaos di Michael Moynihan e Didrik Soderind.)

Il Film è di per sé piuttosto noiosino se si conoscono bene i fatti, rappresentati con uno schematismo ed un affastellamento che non convince. Se infatti è difficile collocare questo film sullo scaffale in un negozio di DVD (commedia, dramma, film musicale?) il problema principale è il suo macchinoso scorrimento. Più volte mi sono ritrovato a pensare "che palle" "che lentezza", "mi sto annoiando." Poi naturalmente ci sono delle cose che non capirò mai tipo la scelta dell'attore per il personaggio di Varg Vikernes, attore che non assomiglia per niente al Count Grisnakh degli anni '90 quanto piuttosto al protagonista di Wayne's World con il quale condivide un'aria ebete che il Conte certamente non aveva.

Il film infondo non fa altro che inscenare in maniera assai banale e pedissequa le vicende che tutti conosciamo: la nascita dei Mayhem, il suicidio di Dead, i roghi delle chiese, l'omicidio commesso da Bard Faust Eithun degli Emperor e poi il famoso assassinio di Euronymous da parte di Burzum ma francamente da questo film mi sarei aspettato qualcosa di più e soprattutto non mi aspettavo questa arietta da commediola che lo pervade. A tratti sembra di guardare un college movie alla Porky's. Manca del tutto il disagio che spinse questi personaggi (all'epoca dei ragazzini) a compiere le azioni che hanno compiuto. Qui sembra piuttosto di assistere a un manipolo di decerebrati spinti dalla goliardia e dal desiderio di eccessi. Forse per chi è del tutto ignaro di che cosa sia il Black Metal norvegese, il film può risultare una buona forma di intrattenimento ma se siete un minimo addentro alla faccenda Black Metal beh non potrete che trovare questo film insignificante e profondamente lontano dalle tematiche che rappresenta. Stupisce che Akerlund (che è stato anche batterista nei Bathory - band che ha ispirato la famosa second wave dell'epoca) abbia rappresentato in maniera così sciatta la complessità e le dinamiche di questi bambini di Satana. Una delusione anche alla luce della tanta attesa che c'era per questo film la cui distribuzione italiana è stata una mezza epopea. Infine pollice verso per gli attori: inconsistente il diafanoide Rory Culkin (fratello del ben più noto Macaulay col quale condivide quell'arietta spenta e l'occhio ceruleo) non pervenuta Sky Ferreira.

La Favorita ( Y. Lanthimos 2019)

2019-02-05T16:12:00.002+01:00

Esco dalla visione di questo film che devo dire mi ha rapito nonostante la lunghezza, supera infatti abbondantemente le due ore. Che dire? Sono un fan del regista greco dai tempi di Kynodontas e ho visto tutti i suoi film. Con La Favorita siamo al primo film in costume e dunque ci troviamo sicuramente a che fare con un Lanthimos che non si confronta alla sua maniera con la contemporaneità ma con il passato (e a questo punto è un bene.) Per chi conosce Lanthimos sa che la cifra del regista greco è il teatro dell'assurdo ovvero quel genere di rappresentazioni che tendono a calare i protagonisti in situazioni surreali e a vedere come ne escono. E' una sorta di entomologo Lanthimos che si diverte a crescere i propri insetti (tali a volte appaiono i suoi personaggi) decontestualizzandoli e facendoli agire in un regime di follia per vedere come si comportano. Lanthimos cerca di intrigare lo spettatore spiazzandolo mettendolo di fronte a situazioni di cui ha all'inizio scarsa comprensione, lo straniamento delle spettatore porta lo spettatore a riflettere sul film e a interrogarsi sul senso di ciò che sta vedendo. Lo straniamento, le circostanze assurde, tutto spinge personaggi normali in un contesto folle e pre-logico. Il giochino alla lunga potrebbe risultare ripetitivo; inoltre gli esperimenti per definizione possono dare risultati più o meno riusciti e i suoi più che film appaiono come delle vere e propri prove di straniamento. Questo fa sì che il giudizio dello spettatore vari molto: c'è chi lo considera un genio, c'è chi non sopporta semplicemente di essere messo alla prova (una sorta di mancanza di rispetto neo confronti dello spettatore o meglio qualcosa che viene vissuto come tale). Dunque regista divisivo per eccellenza (chi lo odia e chi lo ama alla follia) personalmente l'ho sempre trovato eccellente. Ovvero capace di intrattenere senza essere scontato e trovo che questo sia uno dei pregi maggiori di un regista. Di fronte alle storie di Lanthimos si può rimanere spiazzati ma non ci si trova mai né di fronte a pretestuosi virtuosismi, né di fronte a opere di puro inutile intrattenimento. E' una terza via quella che percorre Lanthimos che infondo traghetta nella contemporaneità un modo difare cinema che era quello tipico del cinema di genere. L'alto e il basso si confondono. Di Kynodontas film che gli ha aperto tutte le porte si è parlato molto ed è forse il film dove tutto il Lanthimos pensiero si esplica con più forza. Alps porta avanti ancora le istanze di Kynodontas forse in maniera meno icastica ma il territorio è sempre quello. The Lobster è invece il film di Lanthimos ambientato nel futuro ed è quello dove il teatro dell'assurdo si cala in contesti distopici stile Black Mirror; film esasperante per eccellenza manca completamente di un finale e a me pare il meno riuscito; Il sacrificio del cervo sacro è anch'esso un film dai tratti esasperanti ma è molto affascinante nel tentativo di voler calare in un contesto contemporaneo lo scheletro di una tragedia di Euripide Ifigenia in Aulide - anch'esso è fra quelli più difficili e sicuramente è anche il film che ha lanciato Lanthimos nel mondo del cinema che conta per budget ambientazione, cast eccetera. Ma è la Favorita il vertice indiscusso di questo regista che lo porterà sicuramente in qualche ambito all'Oscar. In questo film assistiamo agli intrighi della vita di corte in particolare alla guerra fra due donne per ottenere di essere la favorita della regina.

Gli ambienti sono sontuosi, i costumi sono ricercati, gli attori sono tutti selezionati in maniera scrupolosa; le scelte registiche spingono tutte verso una ricerca esasperata del virtuosismo: il risultato è strabiliante, grandioso. Sebbene venga cosiderata giustamente una commedia questa de la Favorita appartiene più al mileu del dramma in costume ma trovandoci comunque alle prese con Lanthimos capiamo bene che molto spesso l'esasperazione dei dialoghi e l'effetto comico surreale non ci permettono di prendere troppo sul serio il film in questione. Le vicende sono drammatiche ma allo stesso modo grottesche. Certamente il tentativo di Lanthimos è quello di far apparire un mondo dai connotati surreali e come quello della corte settecentesca senza scadere nell'ovvio.Alla fine ciò che risalta maggiormente è la prova da attore delle protagoniste. Tutte mostrano di essere e non essere ciò che appaiono. Emma Stone nel ruolo di Abigail diventa da tenero agnellino a terribile lupo famelico, Rachel Weisz - Lady Sarah da favorita e guerrafondaia diventa colei che viene tradita e spodestata forse per la sua incapacità di mentire, la regina Anna una petualnte e viziata Olivia Colman ci mostra come spesso chi ha il potere è schiavo dei propri adulatori e si trovi a perseguire ostinatamente la propria sfortuna. Tutte meritano l'Oscar....

The Florida Project - Un sogno chiamato Florida (2017)

2018-12-19T13:34:00.003+01:00

Questo film ha avuto recensioni discordanti. Inizialmente si è parlato di un capolavoro della cinematografia indie americana e personalmente io considero che un po' lo sia. Poi naturalmente hanno cominciato a fioccare le critiche: film che non racconta niente, senza una struttura drammatica; anche questo è vero e come in tutte le cose e come dice il saggio: tra il capolavoro e la ciofeca "la verità sta nel mezzo."

Indubbiamente il film gioca sulla libertà dei bambini come motore filmico e l'idea funziona grazie anche ad attori under 8 veramente eccezionali o comunque evidentemente molto ben diretti dal regista Sean Baker. L'ambientazione - un motel casa popolare dove accadono cose belle e brutte in egual misura è anche la trama ed è presto detto: non c'è uno sviluppo drammatico ci sono piuttosto una serie di affreschi posti come tanti piccoli quadretti che raccontano la vita quotidiana di losers americani all'ombra dello scintillio decadente dei parchi tematici di Orlando Florida. Il custode di questa sorta di trailer park senza roulotte ma con le tipiche stanze di ringhiera è William Defoe in un ruolo davvero carismatico e significativo: un uomo che deve far rispettare le regole alla sua piccola comunità di perdenti e al tempo stesso condividerne le gioie e i dolori; in definitiva un poliziotto buono dal cuore enorme. Poi c'è Monee la figlia di Halley, ragazza white trash che si barcamena tra la prostituzione e la vendita di profumi contraffatti ai ricchi turisti nei parcheggi degli hotel, la sua capacità di deridere il prossimo viene trasmessa alla sua stessa piccola figlia; questa coppia vaudivillesca a molti non è andata giù. Il tipico moralismo all'americana ha spinto molti spettatori a stigmatizzare il rapporto madre e figlia sottolineando l'inadeguatezza della donna. Quando ci sono di mezzo i bambini si sa che non c'è da scherzare però ritengo anche che chi stigmatizza in realtà non colga bene i termini della questione e il tema della questione non è difficile da comprendere ed è tutto sommato piuttosto scontato ma Sean Baker il regista lo declina decisamente bene: non importa quanto degenerato sia il contesto, l'importante è il rapporto speciale e il ruolo di madre che viene salvaguardato e condotto con devozione e onore da Halley, una memorabile Bria Vinaite veramente a suo agio nel ruolo della trailer park white thrash queen. Il film per chi lo capisce andrebbe visto in inglese perchè solo in quella lingua si riescono ad apprezzare le performance verbali di Halley; a volte di una grezzaggine davvero devastante.

A me il film è piaciuto molto e lo consiglio a tutti.

Zombie contro Zombie - One Cut of the Dead JP 2017

2018-11-10T11:09:00.000+01:00

Kamera O Tumeru Na! titolo originale del film giapponese del regista Shinichiro Ueda viene tradotto in inglese con One Cut of the Dead che potremmo tradurre a nostra volta in italiano letteralmente Piano Sequenza della Morte e un po' meno letteralmente Piano Sequenza dei Morti Viventi o Morti Viventi in Diretta o Morte in Diretta. La scelta invece è caduta come al solito nello stravolto e stravolgente Zombi Contro Zombi che però ha almeno il pregio di non svelare nulla della trama del film; non è poco considerando che spoilerare il film equivale a rovinare irrimediabilmente l'effetto sorpresa del film stesso, cercherò quindi anch'io per quanto è possibile di non distruggere l'innocenza dei potenziali spettatori di fronte a questo capolavoro low-budget. Ilfilm è un atto di amore alla settima arte e anche alla televisione tutto sommato. Siamo dalle parti di un meta cinema che non appare ridondante ne intellettualistico come accade spesso con le opere di questo genere. Si ride anche molto con questo film spiazzante. Mi fermo qui perchè davvero affrontare a fondo il film significa svelarlo e svelare il film equivale a rovinarne la visione. Invito tutti a vederlo anche se non è facile oggi nel mondo sovraffolato dei multi sala. A Milano è passato velocemente in 3 giorni e la mia fortuna è stato riuscire a beccarlo per un pelo un venerdì sera.