FreeQuenze

Le rarità di David Bowie

2012-01-27T03:36:00.000-08:00

David Robert Jones, meglio conosciuto come David Bowie è attivo dalla metà degli anni sessanta, ed ha attraversato cinque decenni nella musica rock, reinventando nel tempo il suo stile e la sua immagine e creando personaggi come Ziggy Stardust, Halloween Jack e The Thin White Duke ( il Duca Bianco). Dal folk acustico all'elettronica, passando attraverso il glam rock, il soul e il krautrock, David Bowie ha lasciato tracce che hanno influenzato molti artisti.
La sua discografia è immensa ed i suoi fans e collezionisti sparsi in tutto il mondo.
Qui prendiamo in considerazione qualche sua rarità in vinile vendute a prezzo d'oro negli ultimi anni nelle aste dell'universo del web :

"Scary Monster" 1980 - RCA ( Purple Vinyl )
poche copie rivendute nei negozi prima del ritiro della casa discografica.
Una vera rarità
valutata tra le 3500/4000 eur

"The Laughing Gnome" 1967 - Deram
Belgio. Primo 45 giri con copertina,
in questo caso pieghevole.Un vero flop
discografico all'epoca, poi ristampato
nel 1982.
Valutazione 2500/3000 eur

"Space Oddity" 1969 - Philips 340201BF
Portogallo. Stampa rara e ricercata per la
copertina valutato tra le 1500/2000 eur

"The Prettiest Star" 1970 - Philips 6052011
Italia. Forse il disco più raro della discografia
Italiana per via della copertina.
Valutazione tra le 700/1000 euro.

"David Bowie" 1967 - Deram Uk SML1007
Primo e ricercato album .
Valutazione 1000/1300eur

"Man Who Sold the World" Dress cover. 1971
Mercury 6338 041 .
Rara stampa, del terzo album,prima che venisse sostituita la copertina. Cover molto discussa perché lo ritrae in abiti femminili. Valutazione tra le 700/1300eur

Qui ho riportato solo alcune delle rarità in circolazione di Bowie per il resto vi rimando alla pagina di popsike, dove potete farvi un'idea di quello che sono le valutazioni.
A questo punto non vi resta che dare un'occhiata nella vostra collezione per sapere se avete un piccolo tesoro di cui non eravate a conoscenza.

Il prog rock dei Cressida

2012-01-24T05:46:00.000-08:00

I Cressida si formano nel 1969 ed entrano quasi subito a far parte della scuderia della neonata etichetta Vertigo. Il gruppo comprende il cantante Angus Cullen, il tastierista Peter Jennings, il chitarrista John Heyworth, il bassista Kevin McCarthy e il batterista Iain Clark.
Nel 1970, il loro omonimo album d'esordio è il sesto del catalogo dell'etichetta della spirale (n. di catalogo VO 7 in quanto il VO 5 non fu pubblicato) ed evidenzia le buone qualità strumentali e creative del gruppo, già in grado di fornire una prova equilibrata e degna di nota nell'ambito di una proposta che mostra l'adesione a uno stile neoclassico romantico e sobrio.
L'organico dei Cressida subisce un mutamento con l'ingresso del nuovo chitarrista John Culley, al posto di Heyworth; con l'aiuto del prestigioso flautista Harold McNair (già collaboratore di Donovan) e di un'orchestra il gruppo registra il secondo album Asylum, disco estremamente maturo che si colloca tra le produzioni significative del 1971, presentato oltretutto nella veste grafica dell'originale copertina realizzata da Keef.
Grazie alla qualità della loro musica, i Cressida avrebbero meritato migliore sorte ma l'indifferenza di stampa e pubblico segna la prematura fine del complesso.
L'unico musicista che fa ancora brevemente parlare di sé è il batterista Iain Clark, impegnato nel 1971 con gli Uriah Heep per le registrazioni del loro terzo LP Look At Yourself.

Cressida - 1970 self titled

Vertigo

VO 7 847 904 VTY

Valutazione a nuovo ( mint ) oltre 1000eur

Cressida - 1971 Asylum

Vertigo 6360 025

Valutazione a nuovo ( mint ) 1000/1500eur

Psych folk di Zakarrias

2012-01-20T05:59:00.000-08:00

La Band di Zakarrias, è abbastanza sconosciuta anche oggi, e fu fondata da Bobby Haumer un ragazzo austriaco (cantante e basso) noto con il nome Zakarrias.
Altri membri della band erano il chitarrista Pete Robinson ( dei Quatermass ) e Chris Farlowe, il batterista John Lengton (musicista anche con Stomu Yamashta / Manfred Mann) e Samy Birnbach ai testi.
Questo disco è il più raro di tutti gli album pubblicati su etichetta Deram.
L'etichetta Deram è stata la più progressiva / sperimentale sub-label della più famosa etichetta britannica Decca.
Presenta le prime incisioni di band come "The Moody Blues", "David Bowie" e "Cat Stevens".
Una ristampa ufficiale di questo disco è stato fatto nel 1990 dalla Deram-Japan.
Il valore di una copia originale in eccellenti condizioni può facilmente arrivare a oltre 1000EUR.( Deram SML 1091 - 1971 stereo )

Il disco è una buona miscela di inusuale Pysch folk, rock e blues con testi molto
romantici, Zakarrias stesso era una cantautore di grande talento ed un ottimo arrangiatore, un album molto intelligente, ascoltare per credere.

Gila - Krautrock

2012-01-15T10:45:00.000-08:00

La formazione dei Gila è una delle più interessanti della prima ora tedesca, specialmente per quanto concerne il primo album che rimane uno dei capisaldi del krautrock e della musica cosmica. Formatisi nel 1969 come band rappresentativa di una comune di Stoccarda, i Gila non tardarono a modellare le loro improvvisazioni psichedeliche in prodotto confezionabile; ecco quindi due anni più tardi la pubblicazione di Gila-Free Electric Sound per la nota casa discografica Basf. Al disco partecipano i musicisti Daniel Alluno (batteria e percussioni), Fritz Scheyhing (organo, mellotron, effetti elettronici e percussioni), Conny Veidt (chitarra elettrica e acustica, effetti, voce e percussioni), e Walter Wiederkehr (basso elettrico). Si tratta prevalentemente di rock psichedelico strumentale dalle molteplici influenze; ad esempio nel brano Kollaps si ascolta un allucinato viaggio spaziale imbastito con movimenti di chitarra suonata a mo' di sitar per confezionare una densa trance etno-cosmica.

Gila - Free electric Sound
1971 - Basf Records ( Ger ) +
poster-copertina apribile
cat.2021109 - 6 Gema
Valutazione 300/350euro

Ad oggi disco molto ricercato e collezionato specialmente nella sua edizione originale con poster.

Lo stesso è stato ristampato più volte, ricordo tra le altre edizioni "Second Battle - Foc 071 - Vinile blue - 1971"

QUATERMASS - L'album

2012-01-06T05:51:00.000-08:00

Nella carriera dei Quatermass si conta un album omonimo, una manciata di singoli, un’attività live di prestigio (tra Gran Bretagna, Germania e Stati Uniti), durante la quale hanno aperto dei concerti per gruppi come Black Sabbath, Love, Kinks e Earth, Wind & Fire, ed hanno perfino suonato in alcuni templi sacri della musica rock come il “Marquee Club” di Londra e il “Fillmore East” di New York. Tutto questo condensato in soli 20 mesi di attività: dal settembre del 1969 all’aprile del 1971.Il gruppo formato da tre musicisti inglesi: John Gustafson (voce e basso), Peter Robinson (organo e pianoforte) e Mick Underwood (batteria). Il nome preso da un film di fantascienza del 1955 (The Quatermass Xperiment), che in italiano diventò L’astronave atomica del dottor Quatermass.Nel gruppo operava anche un “quarto uomo”, una sorta di collaboratore esterno (Steve Hammond) che come autore compose tre brani del disco, anche se non fu mai considerato un membro effettivo del gruppo. Tra queste tre composizioni c’era anche Gemini, che in realtà era già stata scritta un anno prima per Eric Burdon & The Animals ed era stata inclusa nel loro album “Love is” (1969).

L’unico 33 giri che i Quatermass riuscirono a dare alle stampe fu un’ottima prova che sapeva bilanciare hard rock, ritmi swing, ballate e rock progressivo. Il tutto facendo completamente a meno della chitarra elettrica, sostituita dalla rocciosa amplificazione dell’organo di Peter Robinson.Le registrazioni del disco vennero eseguite all’inizio del 1970 presso gli studi londinesi di Abbey Road. “Quatermass” fu messo in commercio nel mese di maggio dello stesso anno. Qualche anno più tardi i Quatermass furono inconsapevolmente la causa della prima separazione di Ritchie Blackmore dai Deep Purple. Blackmore si era innamorato di un loro brano (Black sheep of the family) al punto da voler realizzare a tutti i costi una cover da inserire nell’ultimo disco in lavorazione dei Deep Purple (“Stormbringer”, 1974).Il disinteresse da parte degli altri membri lo convinse a mettere in piedi un progetto parallelo con la collaborazione degli Elf (la band di supporto dei Deep Purple in cui militava Ronnie James Dio). Fu così che il chitarrista decise di abbandonare definitivamente i Deep Purple e di fondare un nuovo gruppo, e la tanto desiderata Black sheep of the family trovò finalmente spazio sul disco di debutto dei Rainbow nel 1975.

La prima stampa del disco fu emessa dalla Harvest in UK con il numero di catalogo SHVL 775 ( Valutazione : 200/250 euro ).

In Francia dalla Pathe Marconi ed in Giappone esiste una rarissima stampa in vinile rosso. Il disco fu ristampato nel 1977 per la serie Harvest Heritage con copertina diversa dall’originale e negli stessi anni usci anche una ristampa in Germania con copertina molto simile all’originale.( Harvest 1C062-91 248 )

Welcome to Luv Machine

2011-11-29T05:55:00.001-08:00

LUV MACHINE : polydor 1971
UK - Matrix n.2460102 A/2460102 B
Valutazione 500eu

Una vita estremamente oscura e di breve durata fu quella dei LUV MACHINE che attraversò la scena del rock britannico alla fine delgi anni '70 . I LUV MACHINE originari delle isole Barbados si formarono nel 1967 per volontà di Michael Bishop (guitar, vocals), Bob Bowman (guitar, vocals), Errol Bradshaw (drums, vocals) e il bassista John Jeavons che si allontanò subito dal gruppo per far posto a Merline Norville. Il gruppo sapeva fondere elementi di rock psychedelico con tendenze progressive e funky groove e forse per questo erano unici ed originali. Dopo pochi mesi di prove erano pronti per il loro single d'esordio "Witches Wand" ed il loro album seguì in pochi mesi nel marzo del 1971, Il disco traeva ispirazione da gruppi ed artisti anglo americani quali Cream, Jimi Hendrix e Vanilla Fudge. Senza il sostegno dell'etichetta discografica in quanto a promozione e produzione quello che sembrava un'ottimo inizio ed una ascendente carriera diventò anche la fine, anche essi destinati a prendere posto nell'olimpo dei collezionisti di vinile.

7" "Witches Wand" - "Happy Children"

Columbia 2C006-93458

France press

Valutazione 50 eu

Psychedelic Mystery of Mystic Siva

2011-10-26T11:39:00.000-07:00

Mystic Siva
è una
misteriosa band di Detroit, di cui vi sarà molto difficile trovare informazioni, che tra il ‘69 /’70 in un giorno ha registrato uno dei dischi più ricercati per il sound originale e collezionati per la limitatissima tiratura, della scena psichedelica underground americana della fine degli anni ’60. La band formata da adolescenti ( Teenage Sivas ) usò chitarre fuzz-wahwah e lead guitar con l’accompagnamento di un organo Hammond : Marc Hackert ( 14 anni ), Thienel Art (15anni),Al Tozzi (15 anni), Dave Mascarin (15 anni ) autore anche della grafica e dell’originale package arancione !

1970 – V.O. 19713
private pressing
copertina apribile
valutazione - 3000$+

Ulteriori stampe :1988 – Hablabel - HBL1105 – ITA
2001 – World in Sound – RFR022 - GER

Come un gruppo di ragazzini abbia potuto concepire un lavoro del genere non è dato sapersi, ma di fatto non si fermarono qui e diedero alla luce anche un secondo lavoro “Under the influence” 1970, anche esso molto ricercato, perché entrambe i dischi sono stati registrati e stampati privatamente ed in seguito ristampati su etichette indipendenti ed in pochi esemplari .

La musica progressive rock Italiana al Prog Exhibition : Roma 21/22 ottobre

2011-10-12T02:17:00.000-07:00

Dopo il doppio sold out a Roma dello scorso Novembre e il grande successo di critica nazionale e internazionale, torna PROG EXHIBITION, il Festival della Musica Immaginifica, pronto ad alzare il sipario per la seconda, attesissima, edizione. L’appuntamento è fissato per il 21 e il 22 Ottobre al Teatro Tendastrisce di Roma.

Per il secondo anno consecutivo, forti anche dell’enorme successo del cofanetto deluxe tratto dall’evento dello scorso anno (7 CD + 4 DVD su etichetta Immaginifica/Aereostella/Edel), PROG EXHIBITION, il Festival della Musica Immaginifica, torna a celebrare onstage i protagonisti del prog di ieri, di oggi e di domani in un doppio, imperdibile appuntamento live.

Di seguito il cast della seconda edizione:

21 OTTOBRE

Stereokimono
Oak + Maartin Allcock (Jethro Tull)
Saint Just Again di Jenny Sorrenti + Alan Sorrenti (in Vorrei Incontrarti)
Balletto di Bronzo + Richard Sinclair (Caravan, Camel, Hatfield And The North)
Arti e Mestieri + Gigi Venegoni e Darryl Way (Curved Air)

22 OTTOBRE

Il Bacio della Medusa
Vic Vergeat / Toad + Mel Collins (King Crimson)
Garybaldi + Marco Zoccheddu (Nuova Idea)
Biglietto per l’inferno. Folk + Martin Barre (Jethro Tull)
Goblin + Steve Hackett (Genesis)

COSTI:

Prezzo del biglietto giornata singola

40,00 – 33,00 – 27,00 Euro + diritti di prevendita

Prezzo dell’abbonamento 2 giorni

70,00 – 60,00 – 50 Euro + diritti di prevendita

Prevendite: Greenticket.it e Bookingshow.com

TEATRO TENDASTRISCE – Via Giorgio Perlasca, 69 – ROMA

http://www.progexhibition.it/

Blues's house of Juicy Lucy

2011-10-10T12:07:00.000-07:00

La prima stampa su vertigo UK

L'Inghilterra del 1968, non ascoltava solo i Beatles e gli Stones. Fu anche il tempo del grande "revival blues" in cui fecero la loro breve apparizione anche i Juicy Lucy.
Juicy Lucy erano un gruppo rock blues che alla fine degli anni '60 ebbero il meritato successo con il loro album di debutto al quale fecero seguito degli altri ma con la band totalmente rivoluzionata.

1969 Vertigo label - UK
cat.n. VO 2 - matrix 847 901 - Copertina Apribile.
Foderina interna classica delle Vertigo
Valore sul merctao 350/400 euro

Formata nel 1969 dal cantante Ray Owen, chitarrista Glen Ross-Campbell e il sassofonista Chris Mercer, Juicy Lucy irruppero sulla scena blues-rock UK con la loro cover di Bo Diddley "Who Do You Love?", Che entrò nelle alte vette delle classifiche.
Il primo 33giri seguì subito dopo e raggiunse la top 40, lanciato anche da un immagine di copertina controversa in cui la ballerina esotica Zelda Plum, venne fotografata con indosso solo frutta.

La scomparsa Juicy Lucy fu così veloce quasi come la loro ascesa, con Owen e altri due membri originali che lasciarono la band prima del secondo album. Seguirono altri album prima che la band si sciogliesse del tutto.
La band forse non verrà mai ricordata per la sua musica ma i dischi in vinile hanno raggiunto delle buonissime quotazioni sul mercato musicale, anche per le copertine molto particolari.

1970 Vertigo label - UK

cat.n.6360014 -
copertina apribile a poster -

foderina interna
classica della Vertigo

valore sul mercato 250/300 euro

Quando esce "Lie back and enjoy it" secondo lp del gruppo, come dicevamo la lineup è molto cambiata, la particolarità dell'album sta nella copertina
apribile a poster :

Gli album successivi : " Get a whiff a this " e " Pieces " non hanno una rilevanza dal punto di vista collezionistico.
Come per gli album che si sono succeduti..la band ha ripreso a produrre nel 2006 dopo lunghi anni di inattività sempre con lo stesso nome.

L'opera alchemica dei King Crimson

2011-10-02T02:09:00.000-07:00

Chi era il Re Cremisi? In pochi forse sanno che si trattava dell’Imperatore svevo Federico II, particolarmente ammirato dai King Crimson non solo per la sua carica storica innovativa, ma anche per motivi più profondi. Federico II (Iesi 1194, Fiorentino – Perugia – 1250) è, infatti, una delle personalità più affascinanti di civilizzazione occidentale, colui che fondò le basi dello stato laico moderno, un precursore del Rinascimento. Agli amici egli appariva come il nuovo Messia, l’annunciatore della pace universale, un Dio Imperatore che avrebbe condotto il mondo ad una nuova era. Per i nemici egli era invece un tiranno irriducibile, persino l’incarnazione dell’antiCristo. In realtà con la presenza di Federico II vengono a contrastarsi due epoche: quella ecclesiastica medioevale e l’inizio del mondo moderno.

Nulla era paragonabile a quello che era la corte del Re della Sicilia, del Re Cremisi; persino l’epoca più grandiosa di Carlo Magno mai era arrivata a tanto. Con la sua corte, viaggiava continuamente, si componeva di un’università secolare, un monopolio culturale che sfidava continuamente la chiesa medioevale. C’erano i primi poeti della scuola siciliana. Come pure i poeti trovatori provenzali. E poi gli alchimisti, i filosofi, gli scienziati, gli astrologi ed i matematici ebrei. Federico II era anche egli stesso un poeta, artista e scienziato molto dotato, si interessò a studi di medicina, di anatomia, ornitologia, matematica, astronomia, astrologia e alchimia.

Il tema del brano The court of the Crimson King, infatti, riguarda proprio il nipote di Federico Barbarossa, ma in particolare evoca la figura alchemica del Rebis, cioè l’unione della luna con il sole, dell’uomo con la donna, il Re Sole e la Regina Luna, e quindi l’unione alchemica degli opposti (Rebis).

Gioacchino da Fiore, l’inventore di un nuovo sistema profetico, associò Federico II alla mitologia: come le sibille avevano previsto, il Re Cremisi avrebbe unito l’est e l’ovest, l’oriente e l’occidente. Gioacchino da Fiore intravide nella figura dell’Imperatore l’inaugurazione di una nuova era dopo un periodo di incubazione medioevale, la figura dell’aquila e allo stesso tempo l’allegoria della divinità ermafrodita Giove (Zeus).
Federico II, quindi, non era soltanto colui che univa l’oriente e l’occidente, non incorporava soltanto l’unione alchemica degli opposti, egli era innanzitutto l’Imperatore che coniugava il passato con il futuro, l’uomo saggio che conservava in sé la visione di tutte le visioni.
Anche Federico II fu profeta, quando disse: “La conoscenza è un nemico mortale quando nessuno detta le regole. Il destino di tutta l’umanità che vedo è nelle mani degli sciocchi”. Questa frase potrebbe anche riferirsi alla nostra epoca nucleare. Egli, però, voleva dire che, se l’Imperatore non dettava le regole della natura, il destino di tutta l’umanità sarebbe finito nelle mani degli sciocchi, come nel testo di 21st Century schizoid man.
Federico II era un seguace di Averroè, l’uomo mulatto rappresentato con il turbante nella scuola di Atene di Raffaello che in occidente fu più conosciuto come traduttore di Aristotele che come pensatore originale. Averroè era invece un maestro della Kabbalah.
Secondo la Kabbalah è necessario che la nostra anima trovi la verità attraverso l’unione degli opposti per coagulare i vasi comunicanti e dare scopo e significato alla nostra vita.

“L’atto creativo è un momento eterno, al di fuori del tempo comune, non è seguito da perpetue sequenze. Le nostre aspettative si basano sul passato che sta realmente costituendo il presente, ed il presente è a capo del futuro. Questo concetto è difficile a spiegarsi con semplici parole, ma un artista creativo ha una percezione libera del futuro, perciò si adopera con naturalezza al suo presente creativo” (Robert Fripp)

Nel brano che segue, I talk to the wind, il ribelle, l’anticonformista, l’emarginato, il cosiddetto “hippie” sta parlando all’uomo retto, il tradizionalista, conservatore ortodosso che non lo sentirà e non potrà capire. È come se si stia comunicando con il vento. La vita di Federico riflette la gioventù degli anni ’70. Come i figli dei fiori egli si è ribellato contro la vecchia generazione. Ne è seguita una lotta epica contro la figura tradizionalista del padre (il papa) paragonabile alla lotta tra il dio e Satana. La lotta di Federico assomiglia al dramma adolescenziale che aspira ad una autonomia in grande scala.
Peter Sinfield mette in particolare risalto questa ribellione contro le autorità religiose. Questo brano potrebbe anche essere intitolato “comunico con me”, comunico con me ma non posso ascoltarmi, non posso cambiare la mia natura essenziale, Federico II potrebbe parlare a se stesso, ma non sentirsi, egli si rivolge alla sua parte sinistra, al suo inconscio, ma non può sentirsi, non può vedere la propria luce, può essere visto soltanto da una prospettiva diversa, dalla prospettiva della luna. Per seguire il proprio percorso non si deve essere condizionati dalle convenzioni sociali.

Se nell’album “The Court of the Crimson King” assistiamo all’associazione fra Zeus e Federico II, e perciò con l’elemento “aria”, in “The Wake of Poseidon” l’elemento principale è l’acqua. Ciascuno dei quattro album in cui Sinfield ha scritto i testi per i King Crimson, corrisponde ad uno dei quattro elementi ed ad una particolare scheda dei tarocchi per fornire un senso di trasformazione alchemica.
Uno degli emblemi principali che influenza la nostra psiche è il riferimento all’acqua come accostamento alla vita, la forza vitale è rappresentata dal flusso visto come linfa fluente, il vaso di giada che versa l’acqua è la luce del sole e la luce della luna che stemperandosi uniscono le energie maschili e quelle femminili.

"Sono l’oceano
Illuminato dalla fiamma
Sono la montagna
La pace è il mio nome
Sono il fiume toccato dal vento
Sono la storia
Non mi concludo mai".

Profonda come l’Oceano è anche Ecate è la guardiana degli abissi misteriosi del nostro inconscio, che può farci accedere alla nostra memoria collettiva costituita dalle forze vuote che ruotano attorno alla creazione. Ecate, Regina degli Inferi, ci permette di conversare con gli spiriti più misteriosi che si nascondono nel più profondo della nostra psiche.

"Durante l’oscurità del sogno
La regina di mezzanotte
Conosce ogni dolore umano".

Garden of worm si può proprio immaginare come la profondità del mare, dove nei periodi antichi sprofondavano i marinai più sfortunati. In questo giardino il serpente che si mordeva la coda era il simbolo della vita senza fine. Il drago. Il più mitico avversario della luce e dell’alimentazione creativa: Pitone contro Apollo. Echidna e Tifone erano le vite senza fine, entrambi spaventosi anche per gli dei. Le cento orribili teste di Tifone si innalzavano al cielo toccando persino le stelle. Il veleno che stillavano i suoi occhi diabolici e le pietre roventi che uscivano dalla lava delle sue bocche spalancavano baratri infiniti. Sibilando come centinaia di serpenti e ruggendo come centinaia di leoni strappò montagne intere gettandole addosso agli dei fuggiaschi.

Tifone è stato associato al vento, il vento del Sahara che dal sud distrugge ogni cosa con la potenza del suo calore. Tifone è anche un semplice anagramma di Pitone, avversario di Apollo a Delfi. In Egitto il diavolo era denominato Tifone che combatteva contro Osiris e l’insieme delle legioni della razza umana. Osiride insegnò agli egizi la coltivazione della terra, Egli era il dio della vegetazione, nella lingua greca Egli venne nominato Dionisio. Demetra, la madre terra per gli antichi greci è l’equivalente di Iside. Iside è il simbolo della natura ricettiva, il principio acquoso e materno che genera la vita dopo essere stata impregnata dalla virilità del sole.

Nella cultura cristiana il diavolo è il lato oscuro della natura. Federico II, attribuisce al demonio l’essenza delle divinità ancestrali delle culture precedenti, l’essere, cioè, non soltanto il male in se stesso, ma anche l’ombra della luce. Una forza che è antagonista, ma al tempo stesso essenziale alla vitalità. Ad esempio le piante perirebbero, nella loro prima fase dell’esistenza, se fossero mantenute esposte ad una luce solare costante, la notte che si alterna al giorno è essenziale al sano sviluppo e alla crescita. In natura umana la malvagità denota l’antagonismo della materia sullo spirito, solo attraverso l’equilibrio, e non la contrapposizione, ciascuno sarà purificato e l’universo, di rimando, conservato. Il funzionamento dei contrari produce armonia, come le forze centripete e centrifughe necessitano l’una dell’altra. Se si arresta una delle due forze, l’azione dell’altra diverrà immediatamente distruttiva.

Lizard (Lucertola), il terzo album, è associato al terzo elemento: il fuoco.
Anche in questo album Federico II riappare sotto l’apparenza del principe Rupert, vissuto nel XVII secolo. Rupert e Federico erano entrambi nobili tedeschi con un genitore non tedesco. Entrambi hanno trovato il loro successo politico e militare in un paese straniero (l’Italia per Federico, l’Inghilterra per Rupert). Entrambi erano avversari della chiesa cattolica. Entrambi furono riconosciuti per la ricerca scientifica. Entrambi sono discendenti da monarchi chiamati Federico. Federico I Barbarossa e Federico IV padre di Rupert. Entrambi hanno vissuto in periodi apocalittici. La loro comparsa ha reso agli uomini loro contemporanei la speranza, o la paura, che con il loro avvento una nuova era stesse iniziando.

Il numero 4, quarto album dei King Crimson, Island, simboleggia la terra. Il ritorno al tutto.
Il simbolo dei tarocchi è il sole. Le sensazioni coscienti sono il serpente della genesi ed hanno al loro interno il lato oscuro intuitivo dell’inconscio rappresentato dal dio del padre che è andato perduto durante il processo della nascita. L’isola è il cerchio, il ritorno alle proprie origini, alla saggezza dell’infanzia, al bambino che è in noi.

Il cerchio è chiuso, la scheda dei tarocchi è il mondo. È il completamento dell’Opera Magna Alchemica. Il simbolo è un cerchio nel quadrato (quadrare il cerchio), i quattro elementi del mondo ed il cerchio dell’infinito. I dischi registrati dai King Crimson con Peter Sinfield sono quattro ed i lati degli LP sono otto. Otto è il numero della conclusione dell’Opera Magna. Otto sono le porte magiche di Castel del Monte, il castello di Federico II. Oltrepassati i sette cancelli si giunge al trionfo dell’eternità. Le otto torrette di Castel del Monte sono caratterizzate da scale a spirale, per attraversarle occorre girare in tondo come un disco in un fonografo.
L’oceano, il mare, l’acqua rappresentano la nascita, la morte e la resurrezione. L’acqua è la forza della vita della terra (ISLAND), il mare è l’abisso uterino, il profondo, una forza elementare incontrollabile che annienta e uccide come pure resuscita. Le onde fanno l’amore sulla spiaggia.
Nella visione indù, i nostri diversi ego sono paragonabili ad isole nel mare: quando osserviamo il mondo di fuori pensiamo che siamo entità separate. Quello che non vediamo è il collegamento che esiste al di sotto delle acque, il pavimento degli oceani, quello che Jung definisce come il nostro inconscio collettivo.

King Crimson, con il loro primo album In the court of The Crimson King del 1969

attuarono una vera e propria rivoluzione nella storia del rock. Da quel momento la forma rock della canzone sarà inserita in un’opera ben più strutturata e complessa in cui ogni elemento è strettamente collegato all’altro, in un discorso di forte valenza culturale e filosofica.

20 anni di Nevermind

2011-09-24T06:33:00.000-07:00

L'album più noto di Kurt Cobain e soci compie 20 anni. Esce il 24 settembre 1991 e nel giro di pochissimo tempo vende oltre 30 milioni di copie, superando nella classifica Billboard persino Michael Jackson.

L'anno prima in testa alle classifiche, sulla strada per vedere oltre 10 milioni di copie vi erano gruppi come Guns n'roses,Skid Row,Metallica e Van Halen.

Nei due anni successivi all'uscita di Nevermind, arrivarono in cima anche band come Pearl Jam,Soundgarden,Stone Temple Pilots e Alice in Chains ma anche gruppi come Mudhoney e the Melvins..

Senza Nevermind che aveva aperto la strada, queste bande e le loro sfumature punk probabilmente non avrebbero mai avuto accesso al mainstream del rock.Fu come un cavallo di troia che permise a molte band vicine al genere punk di essere conosciute, Nivermind dimostrò di avere un effetto sismico sulla musica degli anni '90

L'edizione MSFL stampa US del 1991

La storia riporta che la nascita di Nevermind, non fu ne' semplice ne' rapida. Ci volle un anno e mezzo prima che la band riuscisse a passare dalla piccola casa discografica "Sub Pop" ad una major di prima grandezza come la Geffen Records. Nel mezzo infinite turneè, il cambio di due batteristi, liti e stravizi vari. Fino a quando non uscì Nevermind che più o meno significa "non importa"o "non ci pensare", a sottolineare il clima di indifferenza che Cobain voleva, a tutti i costi, squarciare.

L'album praticamente il meglio del gruppo, dalla straordinaria Smell Like Teen Spirits al Comes as you are. Da Territorial Pissing all'alienante Something in the Way, struggente canzone dedicata al tedio dei giorni trascorsi ad Aberdeen, città d'origine di Cobain. E poi ancora Lithium, Breed, in Bloom, la splendida Polly ( terribile dialogo di una vittima con lo stupratore, filtrato dal punto di vista dell'aggressore) . Tutti pezzi, a parte la traccia finale (Endless Nameless) destinati a diventare grandi classici nel repertorio del gruppo.

Anche la copertina con la foto del neonato, che nuota nudo in piscina rincorrendo una banconota da un dollaro, ha contribuito a rendere tanto celebre il disco e continua ad oggi a far parlare di sé. La copertina, tra le più famose al mondo, infatti, qualche mese fa è stata censurata da Facebook poiché avrebbe violato alcune 'regole di utilizzo' (nudità del neonato). Attualmente il divieto di pubblicare la foto sul social network è stato rimosso e l'immagine è di fatto inserita nella pagina ufficiale della band.

Un anniversario celebrato con un edizione deluxe del disco ( in vendita dal 26 settembre) ed una serie di trasmissione esclusive alcune su MTV dedicate e ripercorrere la storia dei Nirvana e dei loro brani di maggiore successo.

Goodbye R.E.M.

2011-09-22T05:09:00.000-07:00

“Un saggio una volta disse che la cosa più importante quando si va a una festa è sapere quando è il momento di andare via. Abbiamo costruito qualcosa di straordinario insieme. E ora è tempo di abbandonarla. Spero che i nostri fan capiscano che questa non è stata una decisione facile. Ma tutte le cose hanno una fine e noi abbiamo voluto finire bene, a modo nostro. Come R.e.m. e come amici e co-cospiratori, abbiamo deciso di chiudere la nostra storia come band. Abbandoniamo le scene con un grande senso di gratitudine, di realizzazione e di stupore per tutto quello che abbiamo realizzato. A tutti quelli che si sono emozionati con la nostra musica, i nostri più profondi ringraziamenti per averla ascoltata”

Queste le parole di Michael Stipe, leader dei R.E.M., con un comunicato stampa rilasciato ai media. E’ quindi ufficialmente finita dopo una lunga carriera iniziata nel lontano 5 aprile 1980. Uno dei loro primi grandi successi è stata Losing My Religion, mentre tra gli ultimi non possiamo dimenticare Collapse Into Now.

Infine il ringraziamento ai fan che li hanno sempre sostenuti:

“Ringraziamo tutti quelli che ci hanno permesso di essere i R.E.M. durante questi 31 anni. E’ stato meraviglioso”

Anche il bassista Mike Mills ha parole serene e razionali su questa decisione:

“Durante l’ultimo tour e mentre realizzavamo l’ultimo album, ci chiedevamo cosa avremmo fatto poi. Siamo sempre stati una band nel senso più vero del termine. Fratelli che si vogliono bene e si rispettano. E abbiamo preso questa decisione insieme, consensualmente, senza avvocati o disarmonie. Era il momento giusto”

Queste infine le parole del chitarrista Peter Buck:

“Una delle cose più belle di questa band è il fatto che le nostre canzoni significavano per il nostro pubblico quello che significavano per noi, avevano la stessa importanza. Essere stati parte della vita dei nostri fan è stato un regalo incredibile. Grazie. Mike, Michael, Bill, Bertis (Downs, manager della band, ndr) sono stati grandi amici, e so che li rivedrò in futuro. Come rivedrò chi ci ha seguito e supportato negli anni, dai negozi di dischi ai club degli esordi, guardando un gruppo di diciannovenni che provavano a cambiare il mondo”

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN : KOLLAPS

2011-09-18T00:56:00.000-07:00

Zick Zack Rec .ZZ65
Ger. 05/10/1981 Prima
Ed. con inserto
100 euro

“Kollaps”, il collasso, è il debutto di uno dei progetti più sconvolgenti, geniali ed innovativi apparsi nel panorama Rock dell’ultimo ventennio, gli Einstürzende Neubauten. Questa band influente e fuori dagli schemi fu creata nel 1980 a Berlino dal chitarrista Blixa Bargeld (futura spina dorsale dei Bad Seeds di Nick Cave) in collaborazione con alcuni giovani membri dell’avanguardia locale, tra cui le due artiste Beate Bartel e Gudrun Gut (che lasceranno il gruppo pochi mesi dopo), il chitarrista (allora quindicenne) Alexander Hacke e la coppia di percussionisti N.U. Unruh e F.M. Einheit, folli sperimentatori che forgeranno la timbrica dei primi lavori del gruppo. Nel 1981, dopo qualche singolo/EP d’assestamento esce per la Zick Zack questo “Kollaps”, primo prodotto di una ‘macchina’ inesauribile di grande musica. “Kollaps” ha poco a che fare con il Rock tedesco degli anni ’70 ed è già lanciatissimo negli esperimenti degli anni ’80; taglia i ponti con il kraut-rock degli Amon Düül, elimina la spiritualità della Kosmische Musik dei Popol Vuh e la componente onirico-spaziale dei Tangerine Dream, si allontana dall’elettronica con spunti mainstream dei maestri Kraftwerk e infine approda sui lidi scoperti pochi anni prima dagli sperimentatori inglesi Throbbing Gristle: è quella “industrial music” di cui gli Einstürzende Neubauten diverranno grandi protagonisti con il loro spirito avanguardista.

Il suono di “Kollaps” deriva dai live shows che gli EN
mettevano in scena all’epoca: eventi distruttivi, teatrali, in cui alla strumentazione Rock, ridotta all’osso (chitarra e voce), si sostituiva una strumentazione anomala, alternativa, praticamente fai-da-te. Tra martelli pneumatici, bidoni, trapani, attrezzi meccanici, barre metalliche e plastiche a percuotere acciaio e cemento, scarti della società industriale, Bargeld e compagnia de-costruivano il suono della musica, riducendolo a battiti, rumori, feedback, echi distruttivi, urla scomposte – i due percussionisti inventavano ritmi partendo dallo zero dei rifiuti prodotti da Berlino: è la creazione che nasce dall’annichilimento. Oltre alle basi percussive, il sottofondo (che in realtà non è background, ma attore principale!) dei vari episodi di “Kollaps” è il rumorismo sfrenato provocato dalle varie registrazioni e dall’utilizzo dei vari strumenti non convenzionali; ma ciò che più stupisce è come anche le musiche proprie del Rock vengano ridotte a ‘semplice’ minimalismo meccanico-industriale: è il caso ad esempio della chitarra, resa afona ed ossessiva, incapace di produrre accordi portatori di qualsivoglia profondità ed anzi appiattita a semplice propaggine metallica delle braccia di Bargeld.

Acquista una copia di "Kollaps" da Freequenzerecords

La voce dello stesso Blixa suona filtrata e manipolata, anch’essa un prodotto dell’industria, della fucina automatica, della fabbrica: ogni lamento è un grido improvviso, espressionista, scomodo, capace di ridurre in frantumi qualsiasi emozione romantica e di plasmare invece un’atmosfera allucinata, da periferia degradata, da mondo post-moderno meccanizzato e sconvolgente. Perfetti esemplari del teatro Einsturzende Neubauten sono elaborazioni come l’estenuante titletrack “Kollaps”, otto minuti in un crescendo ossessivo guidato dai lamenti di Bargeld, la danza techno-tribale “Tanz debil”, il rumorismo totale di “Steh auf Berlin”, gli abbozzati schizzi pianistici di “Sehnsucht” e l'araldo “Negative Nein”: ogni secondo di un brano come questo mostra le potenzialità del suono di “Kollaps”, solo all’apparenza scarno, ma capace in realtà di mostrare le brutture e le sensazioni del mondo odierno attraverso i suoi stessi rumori, i suoi stessi suoni, le sue stesse architetture.

“Kollaps” non mostra ancora gli Einstürzende Neubauten al top della loro visionaria creatività, ma ne rappresenta l’incipit, il momento più devastante a livello di concretezza sonora, assieme al successivo, più maturo, “Zeichnungen des Patienten O. T.”. Tirando le somme, “Kollaps” è un disco che merita di essere ascoltato da ogni amante della primigenia sperimentazione industriale di inizio anni ’80.

Ascolta "Kollaps"

I fondamenti del punk rock

2011-06-06T11:26:00.000-07:00

Gli inizi del punk rock sono stati spesso oggetto di dibattito. Nasce dal fatto che ognuno ha una diversa definizione di punk rock, e in parte perché i gruppi musicali che hanno fondato questo movimento sono dislocati in diversi luoghi.

"Punk Rock" è stato originariamente utilizzato per descrivere le bands che suonavano nei garage degli anni '60. Bands come i Sonics iniziarono a suonare senza bisogno avere particolari abilità musicali o vocali e senza aver studiato niente, e quindi spesso limitati. ma proprio perché non conoscevano le regole della musica, furono in grado di romperle.

La metà e la fine degli anni '60 vide affacciarsi alle scene gli Stooges e gli MC5 di Detroit. Gruppi crudi, grezzi e spesso politici,come il loro concerti, violenti.

I Velvet Underground è il pezzo del puzzle in via di completamento. The Velvet Underground, gestiti da Andy Warhol, produssero musica che spesso confinava con il rumore ed espansero il concetto di “musica” forse senza neppure rendersene conto.

Il tocco finale è da ricercare nelle fondamenta del Glam Rock. Artisti come David Bowie e New York Dolls vestendosi e vivendo “scandalosamente” diedero alle band punk rock quella marcia in più.

Il primo concerto della scena punk rock fu a New York nella metà deglia anni '70. Gruppi come The Ramones, Wayne County, Johnny Thunders e gli Heartbreakers, Blondie e Talking Heads suonavano regolarmente nel distretto di Bowery, in particolare al CBGB.

Le bands si ritrovavano al CBGB accomunate dalle stesse ideologie e stile di vita, e condividevano le stesse influenze musicali, ognuno di loro sviluppò il proprio stile molti in seguito si sarebbero allontanati dal punk rock.

Mentre la scena di New York stava raggiungendo il suo apice, il punk stava subendo una storia a parte a Londra.

Nel frattempo, dall'altra parte del globo..

la scena punk inglese aveva radici politiche ed economiche. L'economia del Regno Unito era in pessime condizioni, e il tasso di disoccupazione era ai massimi livelli. I giovani inglesi erano senza lavoro molto arrabbiati e ribelli.

È qui che iniziò la moda punk come sappiamo tutto si concentrò in un solo negozio. Il negozio era chiamato semplicemente "SEX", proprietà di Malcolm McClaren.

Malcolm McClaren era da poco ritornato a Londra dagli Stati Uniti, dove aveva inutilmente tentato di reinventare i New York Dolls e vendere i suoi vestiti. Era deciso a farlo di nuovo, ma questa volta per i giovani che lavoravano presso il suo negozio e che furono il suo progetto successivo.. Questo progetto sarebbero diventati i Sex Pistols, e non ci sono parole per dire che centrò in pieno l’obiettivo.

Tra i fan dei Sex Pistols c’erano un gruppo spropositato di giovani punk conosciuti come il Bromley Contingent, che prendevano il nome dal quartiere da dove arrivavano, erano al primo show dei Pistols, e capirono subito che potevano fare anche loro lo stesso.

Dopo un anno, i Bromleys avevano formato una grande parte della scena punk londinese, tra cui The Clash, The Slits, Siouxsie & the Banshees, Generation X (preceduti da una giovane Billy Idol) e X-Ray Spex. La scena punk inglese era ormai in pieno svolgimento.

Ed all fine degli anni '70, il punk aveva finito la sua spinta da dove era emerso come una forza solida scena musicale. Con la sua crescita della popolarità, il punk si divise in numerose sotto-generi perdendo il suo effetto dirompente e lasciando dietro di sé odore di pelle e spille appuntite.

L’universo etereo dei Cocteau Twins

2011-05-30T12:49:00.000-07:00

Con i Cocteau Twins, discepoli diretti di un'evoluzione repentina del post punk, una nuova dimensione sonora, il "dream pop", fece la sua comparsa in Scozia e da là a poco avrebbe influenzato tanti stili musicali e gruppi dagli anni’80 in poi.
La definizione di "dream-pop" per il genere che loro stessi hanno ideato e che annovera, tra gli altri, gli inglesi Slowdive, i Pale Saints e i Lush, per citarne alcuni. Senza di loro band come Curve, Sugarcubes o i Verve, forse, non sarebbero mai esistite. Ma, in realtà, la musica dei Cocteau Twins ha molte radici, dal folk celtico alla psichedelia, dal gotico alla tradizione araba, dalla classica all'ambient music.

Non si tratta di "canzoni", nell'accezione tradizionale, ma di una miscela di melodie, accordi, dissonanze, echi, riverberi, su cui fluttua libera la voce di Elizabeth Fraser. Una voce cristallina, che, spaziando lungo suggestive escursioni di registro, alterna sussurri e litanie, cantilene infantili e grida angosciate. Il risultato è un clima claustrofobico di grande effetto, una sorta di trance ipnotica, in cui possono coesistere il peggior incubo e la visione più celestiale. Seppur figlio della psichedelia, il dream-pop non insegue "paradisi artificiali" della mente, ma scava nei recessi più profondi dell'inconscio, alla ricerca della spiritualità.

I Cocteau Twins nascono a Grangemouth, Scozia, come un trio: Elizabeth Fraser (voce), Robin Guthrie (chitarra e tastiere), Will Heggie (basso). Il loro esordio avviene nel 1982, con il singolo "Peppermint Pig", subito seguìto dall'album Garlands. L'impronta di fondo è il gotico pomposo di Joy Division e, soprattutto, Siouxsie, di cui la giovane Fraser è grande fan. "Da ragazzina ero la punk più dolce che si potesse incontare - racconta -. Ho sempre avuto le braccia piene di tatuaggi di Siouxsie e dei Sex Pistols, ma mi sono sempre vergognata di mostrarli in pubblico. Probabilmente, la gente pensava che stavo sempre con le maniche lunghe perché ero una eroinomane.". Lo spirito della "regina della notte" aleggia sulla distorta "Wax and wane" e sulla cupa "I'm not". Tanto che i critici più maligni arrivano a definire Fraser "una Siouxsie in sedicesimo". Ma il disco conquista subito il pubblico underground britannico, grazie al suo sound ipnotico e suggestivo.

Heggie abbandona presto la band, mentre tra Guthrie e Fraser si stabilisce anche un solido legame sentimentale (i due avranno una figlia, Lucy, nel 1989). E' da questo duo che nasce "Head over heels", trascinato dalla vorticosa "In our angelhood" e dalla frizzante "Sugar hiccup", destinata a diventare uno dei loro motivi più celebri.

Le sonorità sono sempre più rarefatte, e scaturiscono da fluide progressioni di accordi e dal fresco soprano di Fraser, che frammenta testi liberi da regole grammaticali. "Le storie delle mie prime canzoni erano tutte metaforiche - racconterà la vocalist in seguito-. Erano frutto dell'inconscio, delle mie paure, che col tempo si sono attenuate". Non si è mai attenuata, invece, la sua timidezza e la sua ritrosìa verso tutto ciò che è "star-system": difficile vederla in video o sulle copertine dei dischi, quasi proibitiva un'intervista. Anche questo contribuirà a rendere i Cocteau Twins un gruppo di culto per il pubblico della new wave.

Ma in quel periodo la formazione britannica non rinuncia a sperimentare, e lo fa soprattutto con una moltitudine di Ep, in cui si possono trovare chicche come lo spiritual "Hitherto" o la ninnananna lisergica "Pepper-tree". A dare forza al sound, oltre alla voce di Fraser, sono le tastiere lugubri di Guthrie, gli arpeggi eterei della chitarra e l'incedere mozzafiato della batteria.

Ingaggiato il percussionista Simon Raymonde, la band indovina il disco della consacrazione con Treasure (1984). Un lavoro elegante e complesso, in cui Fraser insegue le orme di vocalist d'avanguardia come Laurie Anderson e Meredith Monk, e la band amplia lo spettro delle sue influenze musicali. Si passa così dalle danze orientali di "Ivo" al barocco di "Lorelei", dal jazz-rock di "Pandora" all'abulia psichedelica di "Otterley". Tutto l'album è fortemente intriso di miti medievali, favole gotiche ed esoterismo. Una fiamma di pura follia onirica pervade i brani, che alternano vertigini e visioni, surrealismo e spiritualità, in un clima magico, dominato dai gorgheggi eterei di Fraser. " Elizabeth non ha alcun rispetto per gli arrangiamenti miei e di Simon - scherza Robin Guthrie -. Arriva sul più bello e comincia a cantare in tutti i momenti che riteniamo sbagliati. E il risultato è molto migliore".Ergo oltre al perfetto "Treasure",cosiglio caldamente anche "Garlands",magari non spiazzante,ma comunque vetrina del lato più etereo di questa band scozzese.

Un altro capolavoro che è "Lullabies To Violaine"..altro non è che la raccolta di (quasi) tutto il materiale non presente negli Lp della band, e credetemi sulla parola se vi dico che trattasi di musiche di una bellezza abbacinante. Del resto non è un mistero che diversi Ep contenessero alcune tra le cose migliori che i Cocteau abbiano mai prodotto. Play, ed emozione unica nel poter ascoltare in sequenza "Sunburst And Snowblind", "Pepperment Pig", "Aikea-Guinea", dalle implosioni dark/siouxsieggianti del periodo "Garlands", passando per il folk etereo di "Treasure" fino al proto trip-hop dell'ultima fase di carriera.

Poi i singoli, le alternative version e chi ne ha più ne metta. Dovete solo ascoltare e fare silenzio, come in un museo, a una prima teatrale, in una chiesa, così da godere dello splendore pornografico di "The Spangle Maker", dell'accoppiata "Tiny Dynamine"/"Echoes In A Shallow Bay"; viene quasi da piangere tant'è la grazia. Ancora: il concept grafico di V23, il packaging e tutto il resto, uno dei rari casi in cui marketing e musica di qualità remano nella stessa direzione. E' la giusta celebrazione di una band immensa.

Pere Ubu "The modern Dance"

2011-05-23T11:17:00.000-07:00

il nome Pere Ubu (Ubu Roi, pièce teatrale del commediografo francese di fine '800 Alfred Jarry inventore della “Patafisica” ), non diceva niente a nessuno, ma la straordinaria voce di David Thomas, un gigante con i capelli arruffati che cantava con un vocione da orco e musicisti come Revenstine, un cercarumori quando l’elettronica era tutt’altro che facile, il chitarrista Herman, un trasformatore elettrico da 125 in 380volts, la sezione ritmica di Krauss alla batteria e Maimone al basso che scandiscono una musica complessa e alienata. seppero dare una forma, un turbinio di note, con scenari post-industriali, schizofrenici e avanguardistici al nome a dir poco strano, di questo gruppo che fece di “Modern Dance” uno dei dischi miliari, di quella ondata musicale che apparve alle scene verso la fine degli anni ’70 chiamata “new wave”.

Il retrocopertina

i Pere Ubu studiano e forgiano una formula Rock urticante e avanguardista, scevra da qualsiasi impulso commerciale e brutalmente proiettata verso la costruzione di un ideale artistico completo e totalizzante, oltre che in grado di raccogliere l'evoluzione della sperimentazione musicale underground in un gigantesco labirinto di visioni e di onirismi industrali.

Il singolo "The Modern Dance"

Prima di questo gli Ubu auto producono tre singoli.Stampato in formato 45 giri in sole 1000 copie ( dove sul retro il brano “Heaven” che però non apparira sull’album ), il pezzo stenta e non entra mai in classifica, abbaglia subito però i cercatori di rock alternativo. Thomas e i suoi portano il rock verso nuove frontiere, senza dimenticare l’essenzialità delle sue origini. Producono una musica con la devastante energia del punk, il ruvido calore del blues e presagi di quelli che un giorno sarebbero stati chiamati ‘paesaggi immaginari’ dell’electro-music. La voce squassata del leader e mente del gruppo David Thomas, l’anti - Sinatra per il suo ‘mal di canto’ si diverte a scrivere alla rovescia la storia della canzone tipo, e fa della sua sgraziata e disarmonica vocalità il marchio di fabbrica del gruppo.The Modern Dance è il simbolo della "rovina" del Rock alle porte degli anni '80, è il Rock che - nella sua dirompente estasi nichilista - nega se stesso, è il testamento spirituale di un'epoca e la visionaria apertura di un'altra, il disco è la metafora del disfacimento di un umanità sempre meno umana.
Rivoluzionario nei concetti, nelle tematiche e nelle atmosfere evocate, il capolavoro dei Pere Ubu è, assieme a Velvet Underground & Nico , una delle più sconvolgenti opere dell'avanguardia underground del ventennio '60-'70, i Pere Ubu sono il punto di non ritorno di ciò che significò la ricerca musicale colto-popolare negli anni '70, di quel massacrante connubio di disagio esistenziale, satira dissacrante e inquietudine creativa che, soprattutto grazie alle innovazioni di Thomas e Ravenstine, ha indelebilmente finito per influenzare gran parte di quella new wave sperimentale allora appena alle porte (The Pop Group e compagni..).

"The Modern Dance / Heaven " 7" - 1000 copie : US 1977 Hearthan rec. HR 104
copertina apribile - Valore 200/250 euro
"The Modern Dance" Lp - US 1978 Blank records 001 - Valore 70/80 euro

L'elettronica in autostrada - Kraftwerk : Autobahn

2011-05-16T00:59:00.000-07:00

La prima stampa tedesca - Philips
c.n.6305231 - Valore 80/100 eu

Uno degli album più influenti nella storia della musica elettronica e’ Autobahn dei Kraftwerk

Arricchito dall'introduzione dell'organo Moog, è un capolavoro d'equilibrio senza pari nella storia del rock elettronico. Equilibrio tra rumori e melodie, sperimentazioni d'avanguardia e pop, danze ancestrali e ritmi "concreti", umanesimo e cibernetica, tecnologia e arte. Definito da Ralf Hütter "una specie di raga pensato per l'ascolto in automobile", l'album è una sinfonia per motori. Motori che rombano, che mormorano suoni e rumori in un'armonia ipnotica. "Düsseldorf, la città in cui viviamo, è il centro della più grande zona industriale tedesca — raccontavano i due -. La nostra musica è quella della realtà urbana, con i ritmi e i suoni che producono le fabbriche, i treni e le automobili. Lavoriamo in questo contesto e ne siamo influenzati, come degli operai della musica, per otto-dieci ore al giorno nel nostro studio di registrazione. Amiamo i computer e le macchine che noi stessi ci siamo costruiti, con esse abbiamo una relazione semi-erotica". Romanticismo mitteleuropeo, estetica futurista e un sentire tipicamente "soul" si incrociano sull'Autostrada dei Kraftwerk per dar vita al suono del futuro.

Il retrocopertina

La copertina disegnata da Emil Schult, già membro della band dal 1971 al 1973. Un sole stilizzato e un'autostrada che scorre tra le colline con le auto inserite nel paesaggio in stile collage. In primo piano l'abitacolo dell'auto su cui viaggiano i quattro membri della band. I loro volti si intravedono nello specchietto retrovisore, mentre a sinistra del volante compare il volto del designer.

Il retro copertina della versione originale mostraHütter, Schneider, Röder e Emil Schult seduti, la testa di Wolfgang Flür fu aggiunta in un secondo momento alla sovrapposta a quella di Emil Schult's quando si decise che sarebbe rimasto come membro permanente della band. Klaus Röder non fece per molto tempo parte del gruppo che aveva lasciato prima che le sessioni della registrazione fossero completate.

L'amplesso tra uomo e macchina, dunque, come approdo della Nuova Musica. Suoni secchi e asettici, oppure suadentemente morbidi, vengono filtrati e metabolizzati attraverso un uso dell'elettronica che mira a creare una nuova arte "totale": un linguaggio universale del villaggio globale. L'album esce nel novembre 1974 aperto dalla titletrack, suite di 22 minuti tutta sintetizzatori pulsanti e drum pad/ rhythm box assolutamente inedite, un sistema percussivo decisamente futuristico che i nostri si vedranno costretti a brevettare per evitare spiacevoli inconvenienti.

Il brano principale venne poi editato per essere adattato al formato singolo da 3 minuti, in una operazione fatta a discapito della genialità di fondo della concezione globale dell’opera ma che ne determinò il vero e proprio successo: la canzone elettronica era finalmente nelle alte posizioni delle classifiche americane ed inglesi, e rappresentava una vittoria sia per i Kraftwerk sia per la musica a venire. Ma se "Autobahn" rappresenta un punto di svolta critico per il suono della band e per gli sviluppi futuri della musica, qui manca ancora l’addentrarsi definitivo nella nuova direzione, quel passo decisivo che sarebbero stati loro stessi, inevitabilmente, a compiere.

Brainticket gli psiconautici dell'universo progressive

2011-05-06T07:12:00.000-07:00

"Cottonwoodhill" Germany press
Bellaphon- BLPS19019
1970 - copertina apribile laminata - Le prime copie
con un piccolo poster - valore 200/250euro

Nell’universo sterminato del progressive rock il gruppo dei Brainticket sono ricordati soprattutto per la loro suite allucinatoria ed ipnotica che prende il nome dallo stesso nome della band.

L’originaria formazione sono un settetto con doppio tastierista, basso, chitarra, voce e doppio percussionista. Joel Vandroogenbroeck (organo, fluti), Ron Bryer (guitar), Werni Frohlich (basso), Coismo Lampis (batteria ), Wolfgang Paap (tabla), Dawn Muir (vocals), and Hellmuth Kolbe (potentiometri, generator, ed sound effects). i Brainticket, band nomade e multinazionale, attraversa, da questa prima formazione in poi, con vena disuguale almeno tre scene diverse: quella elvetica che li vede nascere, quella tedesca e poi quella italiana, con fortune discografiche molto alterne.

Spesso al limite della dissonanza e del rumore, e tuttavia capace di suggestionare l'ascoltatore con la sua dimensione "alterata", in una sorta di trip allucinogeno che richiama sia il krautrock più estremo che certe sonorità del rock californiano anni Sessanta. E' così soprattutto nel primo disco registrato in Germania, "Cottonwoodhill" (per molti semplicemente "Brainticket"). La voce femminile di Dawn Muir spaventa, improvvisa, come in preda di allucinazioni. Tutto il disco si regge prevalentemente come abbiamo detto in precedenza sul brano “Brainticket”, o meglio quasi, diciamo per un lato e mezzo.
L’ascoltatore viene deturpato dal suono battente di un martello pneumatico e da altre diavolerie che tendono a sperimentare l’ambito psichedelico, non disdegnando passaggi strumentali anche interessanti.

"Psychonaut" - 1972 Germany press -
Bellphon BLPS19104 - cover laminata.
Valore 200 euro

I tre musicisti dopo il primo album del 1970, “Cottonwoodhill“, si trasferirono nel nostro Paese, dove vissero alcuni anni ed incisero i due album ora riediti in Gran Bretagna nel 1972, “Psychonaut” , con la formazione gia dimezzata, presenta evidenti analogie con il precedente "Cottonwoodhill", non tanto per continuità musicale, anzi. Qui abbiamo tappeti sonori meno acidi e lisergici, una dilatazione delle ritmiche a favore di una maggiore ricerca melodica, anche se costantemente nell'alone delle turbe allucinogene...un sound che potremmo definire più oscuro, complici l'organo e flauto traverso, un'alchimia che crea una dimensione ancora più surreale. Ed il titolo lo lascia intendere, un viaggio nella psiche.

La permanenza in Italia, la partecipazione al Festival Pop di Caracalla a Roma nel 1971, la collaborazione con l’ambiente musicale tricolore contribuì a perfezionare quella che, all’epoca, venne definita dalla critica “musica descrittiva”.

"Celestial Ocean" - 1972 RCA Victor
Italy press LSP34158 + poster copertina apribile
Valore 200 euro

Il terzo capolavoro di avant-garde cosmica chiamato “Celestial Ocean”, è un concept album ispirato dal libro egiziano dei morti. Risulta più maturo dei precedenti lavori. Viene meno una primitiva cupezza melodica, a vantaggio di espedienti sonori più fluidi ed eleganti, conservando però vaghe tracce dello psycho-progressive Canterbury dei Soft Machine, non a caso, uno dei gruppi preferiti di Vandroogenbroeck.Celestial Ocean è un opera pionieristica di ciò che verrà chiamata genericamente techno music, se non altro per l'impiego massiccio di elettronica e sintetizzatori presente nell'album. Celestial Ocean” è un viaggio sulla navicella dei faraoni nell’oceano celeste, alla ricerca della propria coscienza. Insomma i musicisti sono dei “cosmonauti” che hanno timbrato il biglietto per avviare un viaggio nell’Io.

I Brainticket pubblicarono altri due dischi nel 1982, per poi realizzare una reunion nel 2000 che ha permesso l’uscita del sesto ed ultimo album “Alchemic Universe

In ogni caso, ad accrescere il mistero sul gruppo è anche la relativa scarsità di notizie certe. Per molto tempo la band fu considerata olandese, anche da dizionari e archivi molto autorevoli, mentre l'Olanda, paradossalmente, è una delle poche nazioni non rappresentate.

Il suo leader, il polistrumentista belga Joel Vandroogenbroeck ha continuato a realizzare dischi fino ai giorni nostri, in gruppo o da solista.

The Velvet Underground & Nico

2011-04-20T02:51:00.000-07:00

La prima ed.Verve mono raggiunge
anche il valore di 1.200$

Prendete un batterista donna con una sola battuta ( Mo Tucker ) un Gallese di formazione classica ( John Cale ) una bellezza bionda e con una voce tenebrosa come quella di Christa Paffgen ( Nico ) e due amici della Syracuse University ( Sterling Morrison e Lou Reed ) e raccoglieteli insieme per formare una band e promuovere una canzone di Lou “The Ostrich”, aggiungere un altro biondo che dipingeva lattine di zuppa e il nome del gruppo derivato da un racconto sado-maso ed avrete una delle band che ha rivoluzionato il mondo del rock alla fine degli anni ’60 : The Velvet Underground.
Mentre gli hippies cantavano dei fiori e i Beatles facevano la storia con Sgt Peppers band come i VU suonavano come nessun altro prima: dissonanti, atonali, provocatori, con una voce terribilmente tortuosa come quella di Nico e i contenuti dissacranti delle songs; bondage,eroina, travestiti, sesso orale. Lapidati i Beatles, riavvolti con i loop insieme a vetri rotti e agli innumerevoli esperimenti di John Cale, il pianoforte di “The day in the life” che và avanti per sempre, qui è il rumore bianco ed il feedback che non smettono di creare interiormente capovolgimenti e cadute, siamo agli albori del punk alla fine della pace e dell’amore.

Dischi come The Velvet Underground & Nico hanno avuto forte influenza sulla musica che sarebbe seguita negli anni ‘70 a ’80 e per questo entra a far parte di diritto in quei dischi immancabili in una collezione .

La banana sbucciata

Il vinile divenne anche celebre per la copertina raffigurante una banana che, una volta sbucciata, rivelava la figura del frutto ma questa volta di colore rosa. Prodotto nel 1967 dall’etichetta Verve a quei tempi molto interessata alla musica sperimentale e da Andy Warhol che pensò al gruppo in questione attraverso cui esprimere le proprie tendenze artistiche ed innovative.

Il disco si presenta con la copertina apribile e all’interno le foto del gruppo con ritagli di giornale dell’epoca, l’album non fu molto apprezzato all’uscita, causa i contenuti che vennero censurati dai media e ella musica molto poco commerciale, vendette pochissime copie .

Quando le prime copie furono distribuite nei negozi, inoltre, un certo Eric Emerson (un ballerino degli spettacoli di Warhol), il cui viso ritratto durante uno show fu stampato rovesciato sul retro copertina appoggiato al volto di Lou Reed, fece causa alla casa discografica MGM (di cui la Verve era una sua sottoetichetta) perché la sua immagine era stata utilizzata senza il suo permesso e voleva essere pagato; così la MGM dovette prima coprire con uno sticker l’immagine di Emerson dalle copertine già stampate e poi ristamparle con l’immagine stessa cancellata con l’aerografo.

Il retrocopertina con il volto
di Emerson

Ed è proprio questo particolare che identifica la primissima edizione dell’album, quella più ricercata: la foto del gruppo nella back cover deve avere la figura di Emerson stampata sottosopra, sopra il gruppo stesso.

Il retrocopertina con lo sticker

La seconda versione venne messa in vendita con uno sticker nero e la scritta “The Velvet Underground & Nico produced by Andy Warhol” a coprire completamente la figura di Emerson mentre nella versione definitiva, uscita l'anno seguente ovvero nel 1968, l'immagine del ballerino venne completamente oscurata . Alcune copie mono del ’68 vennero vendute con la cover dell’edizione stereo: un piccolo sticker con la scritta “mono” copriva la parola “stereo” .

Tutte e tre le versioni hanno sulla front cover lo sticker della banana gialla a coprire quella rosa.

Il retrocopertina aereografato

Come già detto in precedenza, anche la cruenza dei testi di Lou Reed contribuì non poco allo sbigottimento del pubblico di allora: nella cupa “Venus in furs” si parla di un esasperato triangolo sadomasochista; in “There she goes again”, pezzo dal ritmo rock ‘n roll quasi scanzonato, Lou Reed consiglia a un ragazzo di picchiare la fidanzata che si diverte a ferire i suoi sentimenti. Ma il capolavoro del disco, resta senza dubbio “Heroin”. In “The Velvet Underground and Nico” c’è spazio anche per una sensuale e ipnotica dolcezza, racchiusa in canzoni come “I’ll be your mirror” e “Femme fatale”.

la rara edizione promo label gialla
valore oltre 4000$

Non ci sono parole per definire questo disco, ove i difetti sono punti di forza e le sue idee innovative furono da lezione per le generazioni musicali successive. Un album che di pop ha solo la copertina firmata da Warhol ed anche per questo tra i più collezionati e valutati.

La label

16-04 Records Store Day

2011-04-10T09:47:00.000-07:00

Sabato 16 aprile sono annunciate le celebrazioni per la quarta edizione del Record Store Day, manifestazione nata negli Stati Uniti a supporto dei negozi di dischi indipendenti cioè non appartenenti alle catene di grande distribuzione: come di consueto, per l'occasione in tutti i punti vendita aderenti all'iniziativa si terranno eventi speciali come concerti, incontri e dibatti.

Non mancheranno, poi, pubblicazioni speciali firmate da artisti solidali alla causa. Tra gli artisti che, sul sito ufficiale della manifestazione, potrebbero prendere parte alla giornata ci sono Decemberists, Social Distortion e Drive by Truckers. Concepito da un ex commesso di negozio di dischi del Maine, Chris Brown, e fondato nel 2007 da Eric Levin, Michael Kurtz, Carrie Colliton, Amy Dorfman, Don Van Cleave e Brian Poehner, il Record Store Day si pone come obbiettivo la celebrazione della cultura del "supporto fisico" e del piccolo punto vendita, messa sempre più ai margini del mercato dalla grande distribuzione e dall'ascesa dei formati digitali: non a caso, in occasione delle passate edizioni, oltre 150 edizioni speciali di artisti come Bruce Springsteen, Devo, Flaming Lips, MGMT, Gogol Bordello, Built to Spill, Gorillaz, Rolling Stones e LCD Soundsystem furono fatte giungere presso i punti vendita indipendenti presenti sul suolo americano.

Nel corso dell'ultima edizione ad aderire alla manifestazione furono oltre 1400 negozi in tutto il mondo, facendo registrare - nel corso della giornata di celebrazioni - un incremento di vendite di oltre il 40% rispetto alla media annuale. Tra i beneficiari dell'evento del 2010 ci fu anche il leggendario negozio della Rough Trade Records di Londra, che raddoppiò le vendite rispetto all'edizione precedente facendo segnare incassi da record. A questo indirizzo è possibile consultare la lista dei negozi italiani che aderiranno al Record Store Day 2011!!

The Psychedelic sound of rock

2011-04-10T01:23:00.000-07:00

Per capire un genere di musica che è il rock psichedelico, diventa per iniziare importante vedere dove questa forma di musica ha avuto origine, dal momento che le radici del movimento che ha ispirato gli artisti che ne hanno fatto la storia, è una delle ragioni della sua evoluzione.Nell'era dei figli dei fiori, hippie o capelloni ( come poi vennero chiamati in Italia ) c'era inquietudine e forti correnti sotterranee tra i giovani in tutto il Nord America ed in Europa, che erano alla ricerca di libertà dagli schemi e dalle norme oltre che dalle aspettative offerte dalla società. Questo fu quello che ne fece diventare una cultura quella degli “hippie', che in poco tempo si diffuse nel mondo alla fine del 1950 e '60. Tra i molti modi in cui gli hippy hanno fatto la storia, insieme alla loro vita in comune e il fascino per il misticismo orientale, la religione e la liberazione sessuale, c’era la musica. Questo è stato anche il momento in cui allucinogeni erano appena entrati nella coscienza pubblica e LSD, la mescalina e 'funghi magici', erano comunemente utilizzati, coi loro effetti unitamente alla combinazione di alcol e marijuana.

Artisti e musicisti che utilizzano questi cocktail di droghe psichedeliche dicevano di provare “cose” fuori dal proprio corpo, che alteravano la mente e lo stato di coscienza, scollegandoli dalla realtà, e la musica che veniva composta nel mondo oscuro delle droghe allucinogene, divenne nota come musica psichedelica , o rock psichedelico, in omaggio alla droghe psichedeliche che avevano dato origine alle composizioni. In mezzo a tale diffuso uso , era poco plausibile che l'arte potesse lasciare, ai posteri tali ricchezze ed innovazioni come anche nelle copertine degli album che sono solo un’espressione di essa, caratterizzate da colori caleidoscopici, modelli di diffrazione e motivi entropici.

Molti dei musicisti dell'epoca, tra cui i Beatles, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin e Bob Dylan sono stati parte della cultura hippie, e i testi e la musica subirono la metamorfosi che accompagnarono il cambiamento di mentalità che cominciava a farsi sentire in tutto il mondo, come di fatti ai Beatles e al loro Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band è accreditato il ruolo di miglior album di rock psichedelico.

Le influenze di strumenti poco utlizzati fino a quel momento ( vedi sitar e tabla ) iniziarono a manifestarsi nelle composizioni più famose, e le credenze religiose spostate verso l’oriente con la conversione di molti all'Induismo, il Buddismo e simili.

Prima della loro iconica Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, le loro canzoni cominciarono a rispecchiare la sperimentazione musicale indotta dall’assunzione dei farmaci. Norwegian Wood, è una di queste dove possiamo ascoltare l’utilizzo del sitar.. tante altre canzoni come Day Tripper fatto di chiari riferimenti alle droghe, che ormai stavano governando il mondo, e il loro brano più controverso Lucy in the sky with diamonds, era in realtà un eufemismo ( LSD ).

Gruppi rock psichedelici come i Grateful Dead, The Doors, Jefferson Airplanes, i Charlatans e The Beach Boys iniziarono rendere popolare il genere, con le loro “Somebody to Love”, “White Rabbit”, “Pet Sounds”, e “Shapes of Things”.

In Europa, il genere era meno aggressivo rispetto alla 'psichedelia acida' come stava divenendo rapidamente la versione americana.

Band come Pink Floyd, Soft Machine, The Nice e Tomorrow con il loro stile pionieristico di rock psichedelico, capricciosamente surreali con le loro influenze di poesia Beat e musicisti jazz . Alcune delle più famose songs di rock psichedelico sono state create in questo periodo, era l'anno 1967, e il movimento psichedelico era al suo apice.

Come risultato probabile, le droghe e il loro uso eccessivo causarono il declino e la conseguente fine del movimento rock psichedelico. Molte delle icone musicali hanno perso la vita per l'abuso di droga, e il mondo ha pianto la perdita di leggende come Janis Joplin, Jim Morrison e Jimi Hendrix, tra molti, molti gruppi si sciolsero, l'LSD fu reso illegale in Gran Bretagna e negli Stati Uniti e la musica iniziò il suo inevitabile spostamento verso il progressive rock e i suoni degli anni 70.

Molti artisti mainstream si dilettato oggi in neo-psichedelia e rock alternativo, ricalcando le sonorità che allora furono create da stati di coscienza alterati.

Ma il movimento e la musica psichedelica furono tanto altro, soprattutto la voglia di libertà e di ideali, sogni da realizzare e miti da distruggere.

Qui sotto ho stilato una piccola playlist per iniziare ad ascoltarne.

1. The 13th Floor Elevetors - You're gonna miss me

2. Jefferson Aiplane - White Rabbit

3. Grateful Dead - That's It For The Other One

4. The Beatles – Tomorrow never know

5. Vanilla Fudge - You Keep Me Hangin' On

6. Pink Floyd – Arnold Layne

7. The Doors – People are strange

8. Quicksilver Messenger Service – Fresh Air

9. Iron Butterfly - In-A-Gadda-Da-Vida

10. The Byrds - Eight Miles High

The Famous Charisma Label

2011-03-30T12:58:00.000-07:00

La storia della Famous Charisma label - anzi, la storia di Tony Stratton Smith,un ex giornalista sportivo - rispecchia la crescita e la maturazione costante del progressive rock inglese, e ci fornisce lo spunto per parlare anche di alcuni degli artisti che la formarono e la resero una delle label indipendenti migliori e famose d’Inghilterra.

Stratton Smith era anche uno scrittore o quasi…almeno all’inizio,oltre ad articoli scrisse anche un libro su pelè, direzionò però ben presto i suoi sforzi verso la promozione di gruppi musicali ed in seguito alla produzione dei loro dischi, cosa che gli riuscì molto bene partendo dai The Nice .

Secondo Stratton i The Nice presero spunto dal racconto del poeta/comico Lord Buckley, “The Nazz” ma cambiarono presto, perchè l’accostamento faceva sentire la band un po’ imbarazzata e il nome divenne “Nice” . Formata da nomi quali Keith Emerson e Lee Jackson ebbe un buon seguito tra il 1967/69 dove racchiusero i propri sforzi artistici e creativi in tre dischi quali ; "The Thoughts of Emerlist Davjack", "Ars longa vita brevis" e "The Nice". Il loro lavoro all’avanguardia ma poco gradito alla platea dei critici, miscelava folk, rock e beat, con la musica classica, si affermò con il tempo.

Durante il periodo in cui conobbe i The Nice, Stratton Smith prese la gestione della Bonzo Dog Band nel 1968 e dei Van der Graaf Generator.

"Mentalmente, il Bonzos erano una collezione di talenti caotica ma crearono questa cosa incredibile tra di loro non si sono mai davvero pensati come una band, tutti combattevano per la loro individualità come Legs Larry Smith che ha sempre dovuto avere più paillettes di chiunque altro.. Ma questo era facile – a nessun altro piacevano le paillettes” dichiarava Tony

E la storia dei Bonzo dog band fu eccellente anche se in America non ebbero un gran seguito, in Inghilterra erano venerati, ebbero apparizioni importanti come nel film del Magical mistery tour dei Beatles, grandi fans dei Bonzos ed accolsero tra le loro fila anche artisti come Eric Clapton, Elton John, e lo stesso McCartney.. band come The Residents dal mio punto di vista han preso spunti da loro..ma questa è un'altra storia…

E i Van der graaf generator? Stratton Smith aveva grande ammirazione per loro e in special modo per la figura di Peter Hammill che riteneva tra i migliori autori del mondo musicale dell’epoca, ma di difficile gestione visto il carattere molto schivo di Hammill …con questi tre gruppi che avrebbero poi fatto a loro modo parlare di sé, in un giorno del 1969, durante una serata al pub con alcuni amici, nasce quasi per gioco l'idea di fondare la propria casa discografica: il nome sarebbe stato Charisma, e lo spunto per il logo fu preso dal.l'ornamento che stava sopra lo specchio del locale: un rotolo spiegato (dal 1972 il logo sarebbe diventato l'immagine del Cappellaio Matto tratta da Alice nel Paese delle Meraviglie) il colore un bel rosa – fucsia.

L'atmosfera alla Charisma era fantastica, ognuno era libero di esprimere la propria creatività, senza alcuna imposizione da parte del management. Stratton-Smith scritturava d'impeto tutti coloro in cui credeva, il suo obiettivo era di avere quelli che a suo parere erano i migliori nei generi più diversi. Si andava dal folk dei Lindisfarne al comedy dei Monty Python, dal rock di Leigh Stephens al progressive di molti gruppi, tra i quali anche Le Orme con una versione di Felona e Sorona con testo inglese scritto da Peter Hammill. Per un breve periodo la Charisma pubblicò anche libri e produsse perfino alcuni films. Una sera del 1970 poi Strat si recò al Ronnie Scott's Club a visionare un gruppo di cui aveva sentito parlare e già ascoltato un demo; quei ragazzi lo impressionarono talmente che li ingaggiò la sera stessa nel retro del locale,

erano i Genesis, il gruppo maggiormente rappresentativo dell’etichetta, di cui Tony aveva sentito parlare da Graham Field dei Rare Birds, si propose facendo forse il suo miglior affare, i Genesis sono stati nominati almeno 2 volte come migliore band in assoluto dai lettori del Melody Maker.

Strat si impegnò moltissimo per loro che portarono la Charisma quasi alla bancarotta prima del decollo definitivo. Molti suoi collaboratori lo consigliavano di lasciar perdere, ma Tony non ascoltava nessuno in questi casi: l'unica cosa che contava per lui era il suo intuito, e la fiducia che riponeva nelle qualità di un artista

..Il successo della Charisma a dire di molti era nella capacità umane e psicologiche di Tony Stratton, che doveva gestire personaggi del calibro di Gabriel, e Hammill..si racconta che quando il vocalist dei Genesis prese la decisione di lasciare il gruppo, lo stesso passò ore a cercare di dissuaderlo dal suo proposito senza riuscirci e subito sedendosi con il resto del gruppo per rifondarlo,con ottimi risultati.

Ecco alcuni degli album prodotti : dal 1969

La storia della label è la storia di un’etichetta indipendente che senza una storia alle spalle si fece spazio nell’affollato panorama musicale agli inizi degli anni ’70, con la sagacia e l’entusiasmo del suo produttore che andava a contrattare personalmente con gli artisti che avrebbe voluto nelle file della sua etichetta. Negli anni ’80 la scena musicale cambio completamente e Tony ancora ancorato ad un “romanticismo” che andava scomparendo si vide costretto a cedere l’etichetta al colosso Virgin.

Peter Gabriel ha detto di lui: "Tony Stratton-Smith è stato una rarità nello show business: era un uomo appassionato ed un crociato: egli credeva che il rock potesse, e dovesse, essere più che materiale per alimentare le mode dei ragazzini…..malgrado la natura competitiva degli affari, si preoccupava più della qualità del lavoro che della quantità venduta, preferendo sempre la difficile sfida degli artisti sconosciuti…..elencava nell'ordine le sue occupazioni favorite come lo scrivere, il bere ed il parlare ed in ciascuna poteva competere con i migliori."

Time to burn Tony

Breve storia del Bootleg

2011-03-17T12:17:00.000-07:00

Nei mercatini, alle fiere del disco o in giro per la rete, cercando registrazioni live dell’artista di turno avete mai incontrato la parola “bootleg”? Credo di si, ma forse non se ne conosce l’esatto significato..

Proviene da “Bootlegging” che identificava il contrabbando di alcolici, nell’era del proibizionismo, dove appunto le bottiglie venivano nascoste nelle gambe degli stivali ( boots ), il bootleg appunto è una copia “pirata”di un esibizione live o in studio, non riconosciuta dall’artista né dalla casa discografica di appartenenza, stampato su un supporto, e distribuito tra fans e amici ed in seguito come business commerciale distribuito dai “contrabbandieri” o "pirati".

Il primo bootleg ( 1969 ) di cui si riconosca la leggenda, è una raccolta di registrazioni di Bob Dylan risalenti al 1961, più varie riprese in studio, e sette brani dalle sessioni Basement Tapes, tutti sotto il nome di "The Great White Wonder”'dovuto al fatto che la copertina è semplicemente bianca. I nastri che componevano questa release erano in circolazione tra i collezionisti per qualche tempo, e fu la delusione per un album di Dylan ('Nashville Skyline') che due dei suoi fans ( impiegati in uno studio di registrazione ) sapendo che il Basement Tapes conteneva l'anello mancante tra 'Blonde On Blonde' e 'John Wesley Harding' li portò a produrre le copie in vinile per proprio uso e consumo e che poi vennero distribuite a scopo di business.Copie che si trovano ancora in circolazione ed abbastanza valutate ( stampate su Columbine Records ).

I due tali Dub e Ken dopo il successo inaspettato hanno continuato più di chiunque altro a stampare e distribuire bootleg con l’ormai famoso marchio “Trade Mark of Quality Label”!
Un business molto lucroso, è nato anche in UK subito dopo, con una registrazione dal vivo di Jimi Hendrix alla Albert Hall.
Ci sono voluti altri 6 anni prima che “The Basement Tapes” fossero ufficialmente stampati, solo però contenenti una selezione dal doppio bootleg, lasciando fuori molti dei brani registrati durante le sedute in studio. Lo stesso Dylan ha ammesso che questa versione non avrebbe avuto molto successo se non fosse stato per il bootleg.

Questo ha rappresentato un modello per il modo in cui le case discografiche hanno continuato a funzionare quando si tratta di stampare materiale raro. Il divario è sempre stato colmato dai bootleggers.
Negli anni '70 il “contrabbando” è diventato più professionale, anche se molti dischi venivano immessi sul mercato con copertine fotocopiate.

L'emergere in Europa di "etichette" come la “Swingin’ Pig” più tardi, vide la luce delle edizioni limitate, il vinile colorato e soprattutto le registrazioni di qualità sempre migliore.
Le video cassette hanno portato ad una nuova era nel bootlegging, erano più facili da fare, più trasportabili e potevano essere vendute a buon mercato. Nelle fiere del disco di tutto il mondo si potevano trovare ogni tipo di registrazioni pirata di tutte le bands e gli artisti possibili e molti venditori permettevano l’ascolto della registrazione prima che ovviamente ne veniva fatta una copia per l’acquirente, facendogli testare la qualità del suono. Insomma venne sù una fiorente industria che per ottenere la registrazione in quasi tutti i concerti veniva messo su uno studio fatto apposta. Glastonbury e altri grandi festival aveva bancarelle dove si potevano comprare le registrazioni delle bands che aveva suonato solo poche ore prima! Non è stato che fino ai primi anni '90 che queste bancarelle sono state chiuse e il bootleg rifiutato…
Tecnologia, cd e download hanno cambiato il volto della storia del bootlegging che viaggia ancora in quella via centrale dove non si sa se illegale o meno, anche perché alcuni artisti, tipo Pearl jam, offrono ai concerti le registrazioni del live, e non si è ancora capito se questo “hobby” che è nato per fans e collezionisti sia davvero un danno per l’artista o invece il contrario.

Steve Hackett ( ex Genesis ) a Napoli presenta il libro di M.Giammetti

2011-03-09T10:00:00.000-08:00

Venerdì 11 marzo 2011 alle Ore 17,30 al Conservatorio San Pietro a Majella, nella sala Scarlatti in via San Pietro a Majella, 1 a Napoli, sarà presentato il libro di Mario Giammetti :"Musical Box" – Le canzoni dei Genesis dalla A alla Z
(Arcana)

Con la partecipazione straordinaria di Steve Hackett
Steve Hackett, il mitico chitarrista dei Genesis, ospite dell’Accademia Musicale Napoletana diretta da Massimo Fargnoli al Conservatorio di San Pietro a Majella di Napoli, per la presentazione dell’ultimo libro di Mario Giammetti “Musical Box – Le canzoni dei Genesis dalla A alla Z” (edizioni Arcana), venerdì 11 marzo 2011 alle 17.30.

Proseguendo un itinerario simbolico che lo ha visto nell’ultimo decennio valorizzare la musica dei Genesis in ambito classico, sarà lo stesso Fargnoli a condurre l’incontro, ripercorrendo insieme ad Hackett e Giammetti, tutta la storia di una delle band più significative e longeve dell’universo musicale inglese degli anni 60 e 70, che il libro racconta in modo appassionato ma anche critico, filologico e storicamente esaustivo, coprendo l’intera produzione dei Genesis dal 1967 al 1997.

L’Accademia Musicale Napoletana, gloriosa Istituzione italiana fondata da Alfredo Casella nel 1933, istitutrice dal 1952 del Concorso Pianistico Internazionale ad egli intitolato e diretta dal 1985 da Massimo Fargnoli, organizza a Napoli nei prossimi mesi un ciclo di eventi musicali (incontri/conferenze/concerto) con alcuni dei protagonisti dell’universo musicale contemporaneo, stabilendo delle connessioni tra i vari ambiti musicali.
L'ingresso è libero, fino a esaurimento posti

Il collezionismo Beatlesiano su Wikicollecting

2011-03-04T11:22:00.000-08:00

Wikicollecting.org, è un nuovo progetto di community per i collezionisti, ed ha creato l'elenco dei primi cinque oggetti da collezione più cari del famoso quartetto di Liverpool : The Beatles. La popolare band ha dato vita a numerosi musei e gli oggetti che sono associati ai membri della band, soprattutto in relazione alla creazione della loro musica, fanno vendere molto bene, spesso quelli messi all’asta da alcune delle case più importanti del mondo. Il top del collezionismo è associato alla vita e alla musica di John Lennon.

1) John Lennon Rolls-Royce Phantom V - 2.230 mila dollari. Nel 1985, dipinta a mano in maniera psichedelica il modello di auto, di proprietà di John Lennon è stata venduta da Sotheby's. Questa macchina straordinaria con modifiche personalizzate tra cui un sedile che si converte in un letto matrimoniale, un televisore e un sistema audio interno-esterno.

L’autovettura è ospitata presso il Royal BC Museum. Ed è stata donata dal generosissimo uomo d'affari canadese Jim Pattison.

2) Il pianoforte di John Lennon usato per scrivere la splendida Imagine - 2,1$ milioni. Il semplice e verticale di noce Steinway che John Lennon ha usato per scrivere la canzone "Imagine" è un esempio di collezionismo di oggetti che hanno acquisito valore perché parte della storia della musica. E 'considerato uno dei cimeli più preziosi della musica con un valore attuale stimato tra gli 8 milioni di dollari $ 12 milioni.Il musicista George Michael ha comprato il pianoforte all'asta per $ 2,1 milioni nel 2000 e composto il brano "Patience" con esso. Lo strumento è stato recentemente prestato al Museo degli strumenti musicali a Phoenix, in Arizona.

3) L'elenco Wikicollecting cita i testi scritti da John Lennon a mano a "A day in the life" $ 1.202,500 dollari come il terzo pezzo di maggior valore collezionistico, ma questo potrebbe non essere vero. John Lennon ha scritto il testo di "A Day in the Life" e le pagine messe all'asta da Sotheby's di New York nel giugno 2010. "A Day in the Life" è l'ultima canzone Sgt. album The Beatles 'Sgt Pepper's & Lonely Hearts Club Band' ed è considerata una delle migliori canzoni di tutti i tempi. Il pezzo venduto per 1,2 milioni dollari battendo la stima di $ 500,000 e $ 700,000 ma secondo varie fonti, il record per il maggior pezzo più costoso dei Beatles scritte a mano appartiene ancora al testo di "All You Need Is Love" che è stato venduto per 1,25 milioni dollari nel 2005 presso la casa d’aste Cooper Owen.

4) Il tamburo di pelle, che appare sulla copertina di Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - £ 541.250 ($ 1.071.133). dipinto a mano e mostrato sulla copertina dell’album del 1967 fu ideato dall'artista Joe Ephgrave e venduto ad un'asta di Christie's nel 2008 è stato valutato quasi quattro volte la sua stima di pre-vendita.
5) Di George Harrison chitarra Gibson SG - $ 567,500. Una chitarra Gibson SG del 1964 usata da George Harrison tra il 1966 e il 1969 è stata venduta in vendita da Christie's di New York nel 2004. La chitarra utilizzata da Harrison durante la sessione di registrazione e di Revolver dei Beatles nell 'ultimo concerto ufficiale del Regno Unito e da John Lennon durante le sessioni del White Album nel 1969.

Davvero curioso leggere certe cifre, per me i Beatles restano un‘icona musicale ma se venissi in possesso di uno di questi “ricordi “di certo ne sarei felice..per tutto il resto vi invito a visitare il sito : http://en.wikicollecting.org/