Galaxia de la música

Discografía seleccionada: Iron Maiden (Top 10, actualizado en 2018)

2018-09-27T14:00:00.000+02:00

Hablar de Iron Maiden es hacerlo de un nombre legendario no sólo para el heavy metal, si no para la música en general. Sus logos, su mascota, su música, sus integrantes; absolutamente todo ello conforma una maquinaria difícil de parar. En la década de los 80 fueron capaces de publicar obras maestras sin respiro y de forma consecutiva, para después adentrarse en una confusa espiral que les llevó a tocar fondo con algunos trabajos francamente impropios para una banda de tales magnitudes. En la década del 2000 llegaría una repentina reacción que les llevaría a resurgir de sus cenizas.
Hasta la fecha han vendido entre 85 y 100 millones de discos en el mundo.

10. The Book of Souls (2015)

Cuando parte de sus seguidores reclamaban la vuelta a los discos de minutaje algo más reducido y que abandonasen un poco sus bastas inclinaciones progresivas de los últimos tiempos, Iron Maiden publica un disco doble de más de hora y media. The Book of Soul es una obra descomunal que requiere mucha atención, por sus recreaciones musicales y por la interesante temática de alguna de sus composiciones. En general es un trabajo oscuro, bien cuidado hasta el último detalle y que no descuida la melodía. "Empire of the Clouds", uno de sus buques insignia, trata sobre el accidente del dirigible británico R.101 y es, con sus más de 18 minutos, la canción más larga de la trayectoria de la banda.

9. A Matter Of Life And Death (2006)

Estamos ante un álbum especial, ya que fue grabado por todos los músicos en el estudio como si se tratase de un directo. Además, no ha sido masterizado ni ha recibido tratamiento adicional, por lo que escuchamos el disco tal cuál sonó en el momento de la grabación. Crudo, serpenteante, épico, progresivo, oscuro, y con una colección de canciones que tratan sobre temas como la guerra o la religión que en su mayoría sobrepasan los siete minutos de duración. A destacar títulos como "These Colours Don't Run", "Brighter Than A Thousand Suns", el single "The Reincarnation of Benjamin Breeg" o la espectacular "For The Greater Good of God". Gana muchos enteros con las escuchas.

8. Killers (1981)

Con una de las portadas más emblemáticas, Killers se erige como una de las obras más destacadas del grupo. Se trata del segundo lanzamiento y el último con Paul Di'Anno en las voces, antes de que llegase la revolución Dickinson. La producción de Martin Birch parece mejor que la del álbum debut, aunque en mi opinión, creo que en conjunto está ligeramente por debajo de aquel. Aún así, hablamos de una notable obra que alberga canciones inolvidables como "Wratchild", "Purgatory", "The Ides of March" o "Twilight Zone". Por aquel entonces, todavía se notaban ciertas reminiscencias punk en el sonido de la banda, aunque poco más tarde comenzarían a componer canciones de mayor calado épico.

7. Brave New World (2000)

Tras una caótica década de los 90, con cambios de formación y álbumes casi infumables, regresan a la banda Bruce Dickinson y Adrian Smith para publicar Brave New World en el año 2000. Las expectativas eran altas y en el apartado musical cumplieron con creces gracias a un sonido fresco y a un puñado de canciones amenas y de gran calidad. Heavy metal con evidentes incursiones progresivas y sin ofrecer absurdos minutos de relleno. Hay composiciones potentes y directas como la inicial "The Wicker Man" o "The Mercenary", pero también otras elaboradas y extensas con melodías brillantes en "Blood Brothers", "Ghost of the Navigator", "Dream of Mirrors" y "Out of the Silent Planet".

6. Iron Maiden (1980)

Álbum debut de los británicos y con una formación algo diferente a la que poco después llegaría y se conocería como su alineación clásica. Con peor sonido que discos posteriores pero con una serie de joyas que hacen que este álbum sea especial. El heavy metal se dejaba tocar por claros elementos punk, donde títulos como "Running Free", "Charlotte the Harlot", "Prowler" o "Sanctuary" destacan por su buena calidad. También hay espacio para temas más extensos y elaborados como "Phantom of the Opera" y "Strange World", receta habitual en años posteriores. Se ha convertido en un clásico del grupo, siendo muchísimo más valorado en la actualidad que en el momento de su publicación.

5. Piece of Mind (1983)

En un estado de forma envidiable, Iron Maiden publica la continuación del aclamado The Number of the Beast. El batería Clive Burr es reemplazado por Nicko McBrain y comienza a aparecer la firma de Dickinson en las canciones, dejando títulos como "Flight of Icarus", buque insignia de Piece of Mind junto a "The Trooper", un hit single del bajista Steve Harris. La banda nos muestra aquí un sonido más pulido con respecto al anterior álbum, aunque éste no contó con el factor sorpresa de aquel ni tampoco con su brillantez compositiva. Nuevamente producido por Martin Birch, y siendo una de las obras más celebradas de los británicos, sí que carece de novedades sustanciales en términos de evolución.

4. Somewhere in Time (1986)

Por medio de una portada futurista y digna de estudio por sus detalles, avisaban de los cambios sonoros en su contenido. Por primera vez, Iron Maiden hacía uso intensivo de los sintetizadores, detalle que le reportó críticas entre sus seguidores más cerrados, pero lo cierto es que son utilizados de forma magistral, aportando color a las composiciones y convenciendo con ello a la crítica especializada. El tiempo fue dando la razón al grupo, y es que al final es recordado como una de sus grandes obras. Su fuerte reside en una producción preciosista que brilla todavía más en canciones como el fantástico single "Wasted Years", "Heaven Can Wait" o la épica "Alexander The Great".

3. The Number of the Beast (1982)

Punto de inflexión para la banda. El vocalista Paul Di'Anno es reemplazado por Bruce Dickinson, quien aporta con su voz mayores posibilidades para explorar otras vías sonoras, lo que hace que la propuesta musical se vuelva más elaborada, desapareciendo así parte de los elementos punk que todavía se asoman en la inicial "Invaders" y poco más. El hecho de que Smith participe en la composición junto a Harris, y que haga lo propio Dickinson, aunque en los créditos no figure por asuntos contractuales con su anterior banda, hace que el álbum suene más diverso y fresco, con himnos de la talla de "Run to the Hills", "Children of the Damned", "Hallowed Be Thy Name" o la canción homónima.

2. Powerslave (1984)

La madurez compositiva de Iron Maiden se hace patente en una obra majestuosa como Powerslave, álbum que mejora en todo lo publicado en Piece of Mind. Aquí se empieza a vislumbrar el gusto de la banda por los elementos progresivos, presentes en la composición "Rime Of The Ancient Mariner", basado en un poema de Samuel Taylor Coleridge, y por supuesto en la que aporta nombre al disco, aunque posteriormente ya serían mucho más evidentes. También alberga potentes y melódicas canciones como "Aces High" y "2 Minutes To Midnight", ambos clásicos imperecederos del repertorio de los británicos, e incluso una pieza instrumental llamada "Losfer Words (Big 'Orra)".

1. Seventh Son of a Seventh Son (1988)

Complicado decantarse por un álbum cuando la banda en cuestión posee tantas obras de referencia. Me inclino finalmente hacia Seventh Son Of A Seventh Son por su sonido, su concepto o temática basada en el libro "El séptimo hijo" del escritor Orson Scott Card, y por supuesto por la calidad de sus canciones y sus melodías. Se trata de un trabajo asombrosamente redondo que sigue apostando por la utilización de sintetizadores, los cuales ayudan a crear una atmósfera de misterio. Impresiona escuchar la canción que da título al disco, pero también que haya momentos directos y potentes como en "Can I Play With Madness", "The Evil That Men Do" o mi favorita "The Clairvoyant". Nunca más igualaron esta obra.

Discografía seleccionada: Queen (Top 10)

2018-09-26T12:24:00.000+02:00

Una de las bandas más populares del planeta y con alcance a diferentes generaciones. Su diverso menú musical, el cual va desde el hard rock hasta el pop bailable, pasando por el glam y el art rock de inclinaciones barrocas, ha sido alabado y cuestionado casi a partes iguales, ya que para algunos resultaban demasiado estridentes, mientras que para otros eran auténticos genios hasta en sus obras menores. Lo que no admite discusión es la voz y el carisma de Mercury, y que también eran una banda formidable con ciertos altibajos.

10. The Miracle (1987)

Para éste último puesto me he debatido entre The Works, A Kind of Magic y el que nos ocupa. Finalmente ha entrado The Miracle en este top 10 porque parece el más equilibrado de los tres. Un álbum de parto doloroso por el divorcio y la depresión de Brian May, más la noticia que Mercury recibió de que tenía sida, algo que no se supo hasta el día antes de su fallecimiento, unos años más tarde. Producido por el propio grupo y David Richards, posee acertados singles como la rockera "I Want It All", la serpeteante "Breakthru" o la fabulosa composición homónima. Además, se nutre de otros fantásticos cortes como "Was It All Worth It", la cual recuerda a la receta musical de Queen en los 70.

9. Queen (1973)

Aquí comenzó a forjarse la leyenda de Queen. Estamos ante su debut homónimo, en el cual todavía buscaban su sonido característico, pero en el que ya dejaban entrever trazos de genialidad por medio de hard rock, art rock, glam y pinceladas progresivas. Está producido por la propia banda con ayuda de John Anthony y Roy Thomas Baker, quien sería el habitual productor en los próximos años. El álbum es un tanto desigual, no hay cohesión entre todas las composiciones pero sí magníficas ideas que brillan con luz propia en las hardrockeras "Keep Yourself Alive", "Liar", en la estridente "Jesus" o en la barroca "My Fairy King". Para empezar fue disco de oro en Reino Unido y Estados Unidos.

8. The Game (1980)

Queen se adentra en la década de los 80 jugando al despiste. Estamos ante un álbum que ya se desprende casi por completo del componente glam y se recrea en sonidos pop rock y funk, dejando los ramalazos hard rock para momentos puntuales. The Game es el álbum de Queen con mayor éxito en los Estados Unidos, de hecho fue su único número uno allí. También fue el primer trabajo en el que utilizaron los sintetizadores de forma regular. Posee grandes canciones como el rockabilly "Crazy Little Thing Called Love", la balada "Save Me" o el funk "Another One Bites The Dust", también lanzada como single, pero esta vez a sugerencia de Michael Jackson. Quizá su mejor obra en los 80.

7. News Of The World (1977)

No es ni de lejos el álbum más colorista de la banda y, de hecho, está en las antípodas de su antecesor A Day At The Races en ese sentido. Es conocido por albergar dos de las composiciones más populares de Queen: "We Will Rock You" y "We Are The Champions". La primera es una canción de estadio apta para que la audiencia los arrope en directo, la segunda un himno descontextualizado por muchísima gente. Lo cierto es que este trabajo es una respuesta a las bandas de punk de la época como Sex Pistols, las cuales hacían referencias negativas a grupos de rock barroco y de rock progresivo. Además de las canciones ya citadas, es necesario remarcar la joya titulada "Spread Your Wings".

6. Jazz (1978)

Estamos ante un álbum tremendamente diverso, colorista y ágil en las escuchas. A pesar de contener algunas extravagancias un tanto chirriantes como puede ser la inicial "Mustapha", el resultado global del disco es satisfactorio, y deja para el recuerdo un puñado de composiciones que se encuentran entre lo más aplaudido del repertorio de Queen. Hablamos de títulos como "Fat Bottomed Girls" y su densa capa de guitarras; de la estrambótica "Bycicle Race", y por supuesto de la dinámica y refrescante "Don't Stop Me Now". Este sería el último trabajo de la banda junto al productor Roy Thomas Baker, y a partir de aquí comenzarían los cambios de rumbo y una titubeante travesía por los 80.

5. A Day At The Races (1976)

Difícil papeleta la de suceder a un álbum clave como A Night At The Opera. No es comparable en cuanto a creatividad y tampoco consiguió los mismos resultados comerciales, pero estamos ante un disco formidable y una pieza también clave de la discografía del grupo. A decir verdad se trata de una especie de secuela que, sin embargo, navega entre la contundencia de Sheer Heart Attack y la vistosidad del citado A Night At The Opera. Su inicio es incendierio con "Tie Your Mother Down", aunque "You Take My Breath Away" aparece para contener el derroche de sudor inicial. "Somebody to Love" es quizás el buque insignia, aunque tampoco hay que olvidar la curiosa "Good Old-Fashioned Lover Boy".

4. Queen II (1974)

La evolución de la formación británica desde su debut hasta este su segundo álbum es tremendamente sustancial aunque tan solo haya un año de diferencia. Todas las canciones resultan más pulidas, las ideas iniciales se concentran para crear un puñado de ellas que, a pesar de no haber trascendido como otras debido a que por aquel entonces todavía no habían explotado comercialmente, resultan indudablemente creativas. Prosiguen con su hard rock/glam de puntuales inclinaciones progresivas y momentos vistosos y grandilocuentes que dan una idea de lo que vendría más adelante. Brillan "Father to Son", "Seven Seas of Rhye", "The March of the Black Queen" y la potente "Ogre Battle".

3. Innuendo (1991)

El último trabajo de Queen con Mercury en vida es absolutamente brillante. Pero lo más sorprendente no es que fuesen capaz de remontar el vuelo tras un periplo por los 80 cuanto menos irregular, si no que mirasen hacia delante con un Freddie absolutamente deteriorado por su enfermedad, la que acabaría con él poco después, y que aún así fuese capaz de imponerse vocalmente como ni no sucediese nada. Hay tres claros pilares sobre los que se sustenta el álbum: la maravilla inicial que da título al disco, la lúgubre "I'm Going Slightly Mad", y el espeluznante canto de cisne titulado "The Show Must Go On". Además, canciones como "Headlong" o "Bijou" son notables segundas espadas.

2. Sheer Heart Attack (1974)

La mayoría de bandas con extensa carrera tienen un punto de inflexión que es donde comienzan a hacerse grandes, siempre que hablemos de casos en los que no hayan impactado desde su debut. Para Queen, ese momento llega en Sheer Heart Attack, el cual aparece cuando Queen II apenas llevaba unos meses en el mercado. Los músicos ya han pulido aristas, existe una cierta cohesión, las canciones poseen un nivel superior y por fin explotan en el mercado. De hecho, su primer éxito internacional llega con "Killer Queen", aunque también alberga un clásico como "Now I'm Here", la proto punk "Stone Cold Crazy" y la explosiva "Brighton Rock". Desde aquí se abonaron al disco de platino.

1. A Night At The Opera (1975)

He aquí el clásico por antonomasia de Queen. Exagerado, pomposo, diverso y excelso. Se desmelenaron para tocar con sus dedos el cielo. Sólo así se puede entender la creación de una barbaridad musical como "Bohemian Rhapsody", una suerte de hard rock y pop de toques operísticos, y una obsesión de Mercury desde que la escribiese años antes. Además tenemos música de cámara en "Lazing On A Sunday Afternoon" y "Seaside Rendezvous", folk místico en "39", hard rock de la época en "Death On Two Legs", "I'm In Love With My Car" (cantada por Rogert Taylor), "Sweet Lady", amables melodías en "You're My Best Friend" y mucho más. Ahora mismo es triple platino en los Estados Unidos.

Discografía seleccionada: Judas Priest. (Top 10; Actualizado en 2018)

2018-09-24T18:14:00.000+02:00

El nombre de Judas Priest, de sobra conocido por los amantes del metal, fue tomado de la canción "The Ballad Of Frankie Lee And Judas Priest" de Bob Dylan. Debutaron en el año 1974 con su álbum Rocka Rolla, y desde ahí han ido dando forma a una carrera plagada de obras de referencia por las que se han ganado un enorme estatus dentro del heavy metal.

10. Angel Of Retribution (2005)

Tras Painkiller, Halford abandonó la nave y fue reemplazado por Tim Owens, un vocalista muy capacitado aunque falto de carisma. Con él publicaron Jugulator y Demolition, dos álbumes un tanto flojos que también fueron ignorados porque los seguidores del grupo ansiaban la vuelta de Rob al grupo. Eso sucedió años más tarde, y el resultado fue Angel Of Retribution, un trabajo que despertó a la bestia de su letargo y agitó a las masas gracias a canciones como "Judas Is Rising", "Revolution" o "Angel". Podría decirse que Halford regresaba para devolver parte del nivel perdido. A partir de aquí volverían a mostrarse activos a la hora de publicar nuevos discos de estudio y diversos directos.

9. Sin After Sin (1977)

Tercer disco de estudio de la banda británica, y el único que incluiría las baterías de Simon Phillips, que a decir verdad, le ha dado muchísimo empuje y ha traído ciertas novedades al sonido en Sin After Sin. Un notable álbum que muchas veces acaba en un segundo plano por el hecho de que la discografía de Judas posee otros títulos que han acabado siendo tremendamente populares y trascendentales. A destacar temas como la genial versión de Joan Baez "Diamonds and Rust", así como la inicial "Sinner" o las potentísimas "Dissident Agressor" y "Call For The Priest". Fue producido por Roger Glover y el propio grupo, siendo su debut con un gran sello discográfico.

8. Killing Machine (1978)

Eran tiempos en los que los Judas Priest se mostraban tremendamente activos, pues Killing Machine era el segundo trabajo que publicaban en 1978. Mucho más oscuro que Stained Class, con las voces de Halford algo más rasgadas, y un cambio de estilismo que pronto derivó en el cuero y las tachuelas que poco más tarde se convertirían en la indumentaria "oficial" del heavy metal. El disco contiene clásicos como "Delivering The Gods" o "Hell Bent For Leather", y otros tantos temas trascendentales que responden a títulos como "The Green Manalishi", versión de unos primigenios Fleetwood Mac, o "Before The Dawn". El álbum obtuvo cierta trascendencia en lista británicas y estadounidenses.

7. Firepower (2018)

Que una banda con tanta trayectoria musical como Judas Priest sea capaz de publicar en la actualidad un álbum del nivel de Firepower es una magnífica noticia. Producido por Tom Fallon y Andy Sneap, el sonido del mismo no defrauda y el nivel de las composiciones tampoco, las cuales están sobradas de chispa y conforman la mejor colección desde Painkiller, lo que ya resulta muy meritorio a estas alturas de la película. Con la sombra de la despedida sobre sus cabezas, ahí están para sacudir cabezas con títulos de la talla de "Lightning Strike" y la homónima inicial, la densa "Children of the Sun" y la melódica "Never The Heroes". Si Firepower resultase ser el último trabajo, habría que quitarse el sombrero.

6. British Steel (1980)

Si algo han demostrado en algunas ocasiones los Judas Priest es que la calidad no siempre va reñida con la comercialidad. El punto justo entre heavy y hard rock con estribillos pegadizos y riffs eficaces lo crearon en British Steele, la llave de las puertas del éxito y del reconocimiento masivo. Ahí tenemos los himnos "Living After Midnight" y "Breaking The Law", dos claros ejemplos de la indudable búsqueda por un hit inmediato. Cañonazos como "Rapid Fire" o la más contenida "Metal Gods" tampoco se quedan atrás en cuanto a importancia y calidad. Un trabajo influyente por las barreras que ha derribado, siendo bastante más fácil de asimilar que otros clásicos de la banda.

5. Stained Class (1978)

Stained Class no es sólo un álbum de gran importancia dentro de la carrera de los británicos, si no que además ayudó a evolucionar el heavy metal. Por aquel entonces, este trabajo suponía un paso adelante en la búsqueda de un sonido propio, aquí mucho más oscuro y agresivo que en anteriores entregas, y en el que además se despojan de sus influencias blues de antaño. Canciones como la estupenda inicial "Exciter", la versión de los Spooky Tooth llamada "Better By You, Better Than Me", por la cual fueron acusados de forma absurda de incitar al suicidio, o la majestuosidad progresiva de "Beyond The Realms of Death", conforman un trabajo sólido e impactante, sobre todo en aquel momento.

4. Defenders Of The Faith (1986)

Este álbum no siempre fue valorado como se merece, en parte por suceder al grandioso "Screaming for Vengeance", y porque no posee singles claros que te lleven directamente a referenciarlo. Sin embargo, con un vistazo general te das cuenta de que no tiene absolutamente nada que envidiar a aquel. Posee grandísimas canciones como las veloces e intensas "Freewheel Burning", "Jawbreaker", o la extraordinaria "The Sentinel", la cual posee un ejercicio de guitarras impactante; más caramelos envenenados como "Love Bites". El impacto que tuvo en las listas fue similar a "Screaming for Vengeance" aunque no logró acercarse a las ventas que la banda había obtenido en los Estados Unidos.

3. Sad Wings Of Destiny (1976)

No se entendería la evolución en el sonido de Judas Priest sin antes apreciar la excelencia compositiva del que sin duda es el mejor disco de los británicos en la década de los 70. El hard rock de la época se abraza con la épica progresiva, dando como resultado una obra exquisita con la que irían sentando las bases de su heavy metal. Irresistibles en canciones como "The Ripper", con los característicos y aterradores agudos de Rob Halford, o en "Victim Of Changes", en la que nos muestran su lado más épico y progresivo. La sensible y extraordinaria "Dreamer Deceiver" contrasta claramente con la potente "Tyrant" y su estribillo de coros tan desganados como genialmente plasmados.

2. Screaming For Vengeance (1984)

Bajo una mítica portada que ya forma parte de la historia del heavy metal se esconde un trabajo fundamental para el género en sí. Eran días un tanto confusos, ya que venían de publicar el irregular Point Of Entry, trabajo demasiado americanizado en su sonido y por el que les llovieron bastantes críticas negativas a pesar de poseer ciertas virtudes. No esperaron mucho para dar un golpe sobre la mesa con una colección de canciones inspiradísimas, con grandes maniobras en las guitarras y muy buenas melodías. De aquí han salido "The Hellion", "Electric Eye", "(Take These) Chains", la gran composición homónima y el himno "You've Got Another Thing Coming". Doble platino en Estados Unidos.

1. Painkiller (1990)

Para muchos la obra definitiva de Judas Priest, y a su vez el disco más duro que hayan grabado jamás. Venían de publicar el edulcorado aunque exitoso en ventas Turbo y el irregular Ram It Down, por lo que comenzaban a perder credibilidad entre los seguidores del heavy metal. Halford y los suyos observaban atentamente cómo bandas de thrash metal sonaban más potentes y comenzaban a reinar a través de álbumes extraordinarios. Con el comienzo de la nueva década, los británicos asomaron la cabeza para demostrar que ellos también podían sonar agresivos y contundentes. Consiguieron la excelencia gracias a temazos como el propio "Painkiller", "Night Crawler", "Hell Patrol" o "A Touch of Evil".

Discografía seleccionada: Rush (Top 10)

2018-05-08T17:03:00.000+02:00

El gigante canadiense ha dicho adiós. Los Rush se han bajado de los escenarios tras una trayectoria musical de más de cuarenta y cinco años en los que han sido uno de los reyes del hard rock y el progresivo. Como casi todas las bandas de largo recorrido, el sonido creado por Geddy Lee, Alex Lifeson y Neil Peart ha ido mutando en diferentes épocas, llegando a caminar por el AOR, el pop rock e incluso la new wave. Han sido autores de una serie de álbumes que a día de hoy son consideradas auténticas obras maestras. Este hecho unido a un gran directo, les ha llevado a conquistar el mercado estadounidense y canadiense, pero también les ha reportado una repercusión a nivel mundial.

10. Snakes & Arrows (2007)

Cinco años después del irregular Vapor Trails apareció en escena este álbum. Snake & Arrows tiene la virtud de ser el típico trabajo de una banda consolidada que ya no pretende sorprender de buenas a primeras, sino demostrar su amor por la música y su experiencia al servicio de unas composiciones que en general no flaquean en ningún momento. Los canadienses siempre han sido vanguardistas en su sonido, siempre han mostrado una gran capacidad para evolucionar, y aquí no dejan escapar la oportunidad. La sonoridad es actual, las guitarras distorsionadas son cortantes cuando deben serlo y la base rítmica es lo que Rush quieran en cada momento, ni más ni menos. Disco de oro en Canadá.

9. Grace Under Pressure (1984)

Álbum rupturista por diversos motivos. La mano derecha del grupo, el productor Terry Brown, ya no participa en la producción del disco. Tras barajar varios nombres importantes y no concretarse nada, los Rush producen el álbum con la ayuda de Peter Henderson. El sonido del grupo sigue una evolución lógica derivada del anterior Signals, es decir, los teclados siguen siendo protagonistas y las composiciones parecen más acordes con la radiofórmula. La esencia progresiva sigue presente, pero es canalizada de diferente manera junto a pinceladas new wave y melodías pop. Destacan "Distant Early Warning", "Red Sector A" y "The Enemy Within", esta última muy influenciada por The Police.

8. Fly By Night (1975)

La evolución musical de Rush con respecto a su álbum debut es considerable. Aquel no dejaba de ser un buen ejercicio de hard rock con pinceladas blues, muy de la corriente del momento. Sin embargo, la llegada de Neil Peart a la batería en detrimento de John Rutsey es un acontecimiento capital, ya que a partir de ahí, el propio Neil se encargaría de escribir la inmensa mayoría de letras de las canciones, plasmando en ellas su pasión por la ciencia ficción y la filosofía. Otro factor importante es Terry Brown, quien se encargaría de ayudar al grupo a producir y de paso controlar a este monstruo de tres cabezas. Las pinceladas progresivas aparecen y nos regalan la legendaria canción homónima.

7. Clockwork Angels (2014)

Quedará para la historia como el último trabajo de estudio de la banda canadiense. Clockwork Angels prosigue la senda marcada por Snake & Arrows, donde las guitarras suenan densas y la base rítmica realmente contundente. Sin embargo, este álbum va mucho más allá en prácticamente todos sus detalles. La temática conceptual es fantástica, la portada marca con las agujas las 21:12, haciendo alusión al mítico álbum 2112, y las composiciones poseen una mayor solidez e incluso hay un mejor trato de las melodías. Sobresalen títulos como la inicial "Caravan", "BU20", o la excelsa "Headlong Flight". El álbum ha conseguido el disco de platino en los Estados Unidos y el oro en Canadá.

6. Signals (1982)

A pesar de que los sintetizadores empezaron a cobrar cierto protagonismo en álbumes anteriores, la utilización de ellos en Signals fue todavía más acusado, haciendo que las guitarras de Lifeson pasaran a un segundo plano, y que Rush se adentraran de lleno en el sonido ochentero, a veces tan plástico y frío, pero que los canadienses supieron llevar a muy buen puerto. Las composiciones no son tan extensas en minutaje, juegan a fusionar elementos del rock sinfónico progresivo, la new wave, e incorporan elementos electrónicos sin resultar molestos en ningún momento. De esta manera se sacaron de la manga grandes temas como "Subdivisions", "The Analog Kid" o la sorprendente "New World Man".

5. A Farewell To Kings (1977)

El trío canadiense había encontrado una fórmula más acorde con la visión musical de sus integrantes en el anterior álbum titulado 2112. Partiendo de tales patrones, prosiguieron su aventura con un nuevo trabajo que, siendo tan ambicioso como su antecesor, no consiguió el mismo éxito, aunque ser disco de platino en Estados Unidos y Canadá, y oro en el Reino Unido, no está al alcance de muchas bandas de tal excelencia musical. Como era habitual en los Rush de aquella época, en el álbum encontramos dos suites fantásticas como "Cygnus X-1 Book I: The Voyage" y la grandiosa "Xanadu". También mostraron cortes más directos como la estupenda "Closer To The Heart" o la inicial homónima.

4. 2112 (1976)

Hasta aquel momento, los canadienses no habían destacado demasiado en el mundo de la música. Todo eso cambió con 2112 y la particular visión que Rush tendría de la música a partir de entonces. Aparecen las largas suites, las historias de ciencia ficción y se reafirman en la utilización de elementos progresivos fusionados con el hard rock. La canción principal, la larga suite inicial dividida en siete secciones y basada en la novela llamada Anthem, es el mayor ejemplo de la ambición de los canadienses. El resto de composiciones son mucho más cortas y directas, con momentos sublimes en "A Passage To Bangkok" y "The Twilight Zone". Triple platino en Estados Unidos y doble en Canadá.

3. Permanent Waves (1980)

Un ligero cambio de sonido comenzaba a gestarse en los canadienses Rush. Sin perder la esencia progresiva, Geddy Lee comienza a cantar en unos registros ligeramente más bajos y la instrumentación, aún siendo sofisticada y elaborada, empieza a beber de la new wave. Esto dio como resultados dos composiciones clave en la historia de la banda por su condición de clásicos y por su relevancia en las listas de éxitos. Hablo de "Freewill" y "The Spirit Of Radio". Ambas más accesibles y enfocadas hacia la radiofórmula, pero con una indiscutible calidad. Con Permanant Waves alcanzaron el puesto tres y cuatro en los charts británicos y en el Billboard estadounidense respectivamente.

2. Hemispheres (1978)

Hemispheres es quizá la obra más grandilocuente y arriesgada de la banda si nos ceñimos al año en que es publicada, sabiendo que el punk comenzaba a estar en auge; y si nos atenemos a que es todavía más barroca, aunque mejor ejecutada, que la mismísima 2112. El álbum se compone solamente de cuatro canciones; una suite inicial mastodóntica como "Cygnus X1 - Book: Hemispheres", con casi 20 minutos de duración y desarrollos instrumentales fascinantes, dos cortes más compactos pero igual de llamativos como son "Circumstances" y "The Trees", más otra suite de casi 10 minutos titulada "La Villa Strangiato", escrita por todos los miembros de la banda y no solamente Peart.

1. Moving Pictures (1981)

Si en algún momento buscaron un buen equilibro entre lo elaborado y lo accesible, con Moving Pictures lo clavaron. Las composiciones se reducen drásticamente en cuanto a minutaje y no hay ninguna composición cercana a los veinte minutos como las que antaño compusieron. No es ni mejor ni peor, simplemente aprovecharon todo su talento y el buen gusto por la melodía para llegar aún más lejos y ser escuchados por quienes todavía permanecían lejos del radar de Rush. Un álbum imbatible por clásicos como "Tom Sawyer", "Red Barchetta", la instrumental "YYZ" o la genial "Limelight". Lograron cuatro discos de platino en Canadá y Estados Unidos, y el reconocimiento mundial.

Discografía seleccionada: Kiss (Top 10).

2018-03-07T13:36:00.000+01:00

Los archiconocidos Kiss han sido uno de los máximos estandartes del rock a la hora de llevar todo su espectáculo al escenario. Obviamente, todo ello no habría trascendido si a esto no le acompañase cierta música de calidad, algo que han podido mostrar en algunos momentos de su carrera. No obstante, la banda ha llegado a funcionar por peligrosamente como una empresa pura y dura, hasta el punto de caer en una ridícula caricatura que pudo haber dañado parte de su imagen y estatus. Al menos, en todas las décadas han sabido asomar la cabeza con dignidad, y quizá sea eso lo que les ha salvado de mayores reproches por parte de críticos y público.

10. Lick It Up (1983)

Un álbum importante en la discografía de los estadounidenses, ya no solo por su música, sino también por ser el primero en el que aparecen sin maquillaje. Toda una maniobra de marketing tras haber fracasado comercialmente con sus dos anteriores entregas. Se trata del primer álbum en el que Vinnie Vincent aparece como miembro oficial de la banda, a pesar de haber grabado guitarras en Creatures Of The Night. En el apartado musical, el sonido sufre una mutación importante, enfocándose hacia parámetros más próximos al glam metal y, por consiguiente, a la radiofórmula. La jugada les salió bien y consiguieron el disco de platino en su país, aunque la calidad dista de sus obras más meritorias.

9. Sonic Boom (2009)

Cuando ya nadie creía que los estadounidenses publicarían material de cierta calidad, Sonic Boom aparece en escena y supone ser el mejor disco de la banda en mucho tiempo. Con una formación que varió en 2003 con la entrada de Tommy Thayer a las guitarras y la vuelta de Eric Singer a la batería, lo cierto es que el sonido se vuelve robusto y se actualiza para ofrecer una visión poderosa de su música. A pesar de que las ventas, obviamente no son las de antaño, sí obtuvieron repercusión en las listas de los Estados Unidos, Canadá, Alemania, Noruega o Suecia. Composiciones de la talla de "Modern Day Delilah", "Russian Roulette" o "Say Yeah", dejan entrever que no se les ha olvidado componer.

8. Hotter Than Hell (1974)

En muchas ocasiones, lo difícil no es debutar, sino realizar un segundo álbum que pueda confirmar las expectativas creadas a tu alrededor. El debut de Kiss fue estupendo, pero pronto desapareció de las listas y ello hizo que la banda tuviese que grabar un nuevo trabajo sin apenas tiempo, algo que se nota en cuanto lo escuchas. Es un buen álbum, pero el sonido no mejora a su predecesor y las canciones tampoco. Su producción, nuevamente a cargo de Kennie Kerner y Richie Wise, es realmente cruda, y aunque existen momentos brillantes en "Go To Choose", "Parasite", "Let Me Go, Rock 'N Roll" o en la controvertida "Goin' Blind", lo cierto es que posee demasiado relleno y ello lo penaliza.

7. Revenge (1992)

La grabación de Revenge estuvo marcada por el fallecimiento del batería Eric Carr, cuyo vacío sería ocupado por Eric Singer. Aquí contaron con la producción de un viejo conocido como Bob Ezrin y apostaron por el sonido más duro de su carrera. Infravalorado en su momento y reivindicado años más tarde, parece desubicado al ser el sucesor de una retahíla de álbumes de dudosa calidad, casi todos enfocados al glam metal de radiofórmula donde lo jugaban todo a los singles de turno. Por el contrario, en este álbum, la virtud radica en el conjunto aunque destaquen temas como "Unholy", "Domino", "Heart of Chrome" o la fantástica versión del clásico de Argent "God Gave Rock 'N' Roll To You II"

6. Dressed To Kill (1975)

Tiene mérito este álbum. Por aquel entonces, la discográfica Casablanca Records tenía problemas económicos, por lo que no pudieron echar mano de productores de nivel para ayudar a la banda. Debido a ello, los propios Kiss y el presidente del sello fueron los encargados de la producción del mismo. Curiosamente, el sonido es mucho mejor que el de Hotter Than Hell, hay un mayor número de canciones notables, y el álbum consiguió su mejor posición en las listas hasta ese momento. La formación, ya consolidada con Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss, sale airosa gracias a temazos como "C'Mon And Love Me", "She", "Room Service", "Rock Bottom" y "Rock And Roll All Nite".

5. Rock And Roll Over (1976)

Venían de publicar su álbum más exitoso con Destroyer, sin embargo, para su nueva entrega optaron por volver al sonido robusto y crudo de sus primeros trabajos. El paso del tiempo les ha otorgado una mayor experiencia que logran plasmar en un álbum vistoso, bien ejecutado y con un puñado de composiciones realmente brillante. Esta vez la producción corre a cargo de Eddie Kramer, persona ya experimentada en la tarea, y con él potencian las virtudes de un sonido que brilla con luz propia en "I Want You", "Calling Dr. Love", Mr. Speed" o "Hard Luck Woman", un tema que Stanley había pensado en ceder a Rod Stewart, aunque finalmente acabó incluyéndola en el álbum muy acertadamente.

4. Creatures Of The Night (1982)

Un álbum formidable que sin embargo fracasó en el ámbito comercial. Superó con creces el nivel "Dynasty", "Unmasked" y "Music From The Elder", con una propuesta que hasta el momento era la más dura de los estadounidenses. Era el primero sin Ace Frehley a bordo, ya que abandonó antes de su publicación, a pesar de aparecer como guitarrista acreditado y en la propia portada. Fueron diferentes músicos de sesión como Robben Ford o Vinnie Vincent, que a la postre y aunque de forma breve pasaría a formar parte del grupo, los encargados de grabar algunas de las guitarras del álbum. Destacan canciones como la homónima inicial, "I Love It Loud", "War Machine" o la balada "I Still Love You".

3. Love Gun (1977)

Nadie puede negar la importancia de este álbum en la discografía de Kiss. También supone ser el principio del fin de la etapa más clásica, y es que estamos ante el último trabajo en el que el batería Peter Criss participaría íntegramente en la grabación del mismo, aunque después regresaría en 1996 junto a Ace Frehley. Repite en la producción el señor Eddie Kramer, con quien ya cosecharan buenos resultados en Rock And Roll Over, sin embargo, Love Gun consigue potenciar todas las virtudes de la banda con un sonido mucho más pulido y desarrollos instrumentales ciertamente elaborados. Aquí encontramos clásicos como "Shock Me", "Love Gun", "Christine Sixteen" o "I Stole Your Love".

2. Destroyer (1976)

El aumento de popularidad que experimentó el grupo en pocos años fue arrollador. A su espectáculo en los directos había que añadir una serie de álbumes de gran calidad que soportaran toda la parafernalia posible. Destroyer es sin duda uno de los momentos más fascinantes de la banda, gracias a su ambición y a sus ansias por la experimentación, hecho motivado por la presencia del productor Bob Ezrin, quien por aquel entonces ya había trabajado con Pink Floyd y Alice Cooper, y con en el que hicieron uso de diversos efectos de sonido y puntuales arreglos orquestales. Destacan la trepidante "Detroit Rock City", la densa "God of Thunder", la dinámica "Flaming Youth" y "Beth", su aplaudida balada.

1. Kiss (1974)

Este debut homónimo juega con el factor sorpresa y posee la calidad necesaria como para ser considerado el mejor disco de Kiss junto a Destroyer y Love Gun. Hard rock crudo repleto de influencias de bandas como los Beatles, los Stones y con algún que otro ramalazo punk. El sonido es fantástico teniendo en cuenta que estamos ante su primer lanzamiento, y a ello han contribuido decisivamente los productores Kennie Kerner y Richie Wise. Varias de las composiciones de esta obra han envejecido muy bien y forman parte de la lista de clásicos del grupo: "Strutter", "Cold Gin", "Deuce", "Black Diamond", etc. Llamó la atención a pesar de no obtener grandes resultados en las listas.

Elefantes - La primera luz del día (2018)

2018-02-19T01:05:00.003+01:00

La primera luz del día. Así se titula el nuevo trabajo discográfico de la formación catalana Elefantes, y llega dos años después de su última referencia Nueve canciones de amor y una de esperanza.

Esperaba este nuevo trabajo con expectación, para qué negarlo, pues llevo siguiendo cada paso de la banda desde que debutaran en el año 1999 con El hombre pez. Desde aquel instante, Shuarma y los suyos comenzaron a llamar mi atención, no por nada, sino porque dentro del panorama pop rock nacional siempre me han parecido absolutamente diferenciales, con mucho más talento y potencial que la mayoría de grupos del estilo, aunque por el camino también ha hubo algún que otro alarmante bajón a nivel musical, además de un parón que pretendía ser definitivo, hasta que regresaron en 2014 con El Rinoceronte.

El nuevo trabajo, producido por Santos y Fluren, posee un carácter conceptual, y es que todo él gira en torno a las emociones y a las decisiones que se pueden tomar durante las veinticuatro horas del día. En cuanto al sonido en sí, pienso que los catalanes han vuelto un poco a los momentos más brillantes de álbumes como Azul o La forma de mover tus manos. Hay mucho pop de aire sesentero, pero también rock y las características influencias del flamenco que en muchas ocasiones han sabido fusionar con destreza.

Con todo ello, el álbum comienza con una homónima introducción instrumental, guiada por la guitarra de Hugo Toscano, la cual nos mete en el contexto musical y nos lleva hasta "Donde haya silencio", un tema luminoso, ambicioso y extremadamente ágil en su instrumentación. Posee la virtud, gracias a su sonoridad y melodías vocales, de llamar la atención desde las primeras escuchas. Buena noticia. Con "Mis sueños" nos adentramos de lleno en el pop rock de raíces sesentas y setentas. La batería de Jordi marca el ritmo con firmeza, pero es Shuarma quien acaba sobresaliendo por sus grandes líneas vocales. La composición gana con la inclusión de una sección de viento, pero no debemos perder de vista el bajo juguetón de Julio. En "Isabel" me recuerdan a la banda que alcanzó el cielo con los ya mencionados Azul y La forma de mover tus manos, sin duda sus mejores obras. Cuando fusionan el flamenco con el pop y el rock es cuando ganan muchos más enteros. Este corte es sin duda de los más logrados del álbum. Su ejecución es imponente, pues sin querer ser virtuosos destapan las mejores esencias musicales. En "Cada vez", el primer single, nos ofrecen algo más instantáneo, buscando una canción tarareable, de melodías frescas y nuevamente con la diana puesta en el pop rock de antaño. Consigue lo que propone con un mensaje esperanzador. Con "Alma" pisan el freno pero no reducen la intensidad. Su oscuridad es evidente y el tratamiento del sonido muy diferente al de gran parte del álbum. Aquí hay teclados y sintetizadores lúgubres, siendo estos los claros protagonistas.

"Dame la mano" es un pequeño corte que comienza con palmas y sirve de enlace con "Vuelo en avestruz", para mí uno de los puntos más altos del álbum. Con diversas piruetas vocales a cargo de Shuarma, una instrumentación fascinante, distintos tonos e intensidades, matices a desgranar, y un claro ejemplo de la pericia que poseen a la hora de fusionar su música con el flamenco, pues es junto a "Isabel" la más acentuada en ese sentido. "Loco" es un corte más rockero, aunque con unas guitarras nítidas que te atrapan, si bien es cierto que el estribillo me resulta algo flojo por cuestiones de repetición. Sin embargo, eso parece arreglarse con "Quiero", corte tremendamente amable, muy bien cuidado, con arreglos de vientos que potencian su resultado final, y unas melodías vocales tremendamente pegadizas. "Al oscurecer" es un precioso tema que poco a poco va ganando en intensidad. Aquí sobresalen los pianos, hasta que se van incorporando nuevos instrumentos, los cuales terminan por provocar una explosión final maravillosa. El cierre corre a cargo de "La primera luz del nuevo día" que, como el tema inicial, es una instrumental donde las guitarras de Hugo son protagonistas. En esta ocasión, con un halo todavía más mágico gracias al tratamiento del sonido de su instrumento.

Después de haber escuchado el álbum como una decena de veces, puedo afirmar que Elefantes han recuperado su mejor versión. Lejos de anodinos álbumes como Somos nubes blancas y Nueve canciones de amor y una de esperanza, La primera luz del día se posiciona en el podio junto a los entonados trabajos ya mencionados a lo largo de la reseña. Eso es mucho decir, y se agradece que hayan recuperado la inspiración para no dar la extraña sensación de poder dar mucho más de sí. Este nuevo disco es diverso y ofrece todas las manifestaciones musicales de la banda hasta la fecha, pero lo hacen con el gran talento que realmente atesoran. Gracias a ello, vuelvo a creer en una banda que en su anterior álbum, salvo por puntuales momentos, me había defraudado profundamente.

Mi puntuación: 7,75

Participaron en La primera luz del día:

Shuarma (Voces)
Hugo Toscano (Guitarras)
Julio Cascán (Bajo)
Jordi Ramiro (Batería)
Florenci Ferrer (Teclados)
Roger Conesa (Saxo tenor)
Iván Sáez (Saxo barítono)
Samuel García (Trompeta y violín)

Tracklist

La primera luz del día
Donde haya silencio
Mis sueños
Isabel
Cada vez
Alma
Dame la mano
Vuelo en avestruz
Loco
Quiero
Al oscurecer
La primera luz del nuevo día

Discografía seleccionada: Aerosmith (Top 10).

2018-02-16T16:10:00.001+01:00

Aerosmith es una formación estadounidense cuyos inicios se remontan a principios de la década de los setenta. Liderados por el vocalista Steven Tyler y el guitarrista Joe Perry, también conocidos por como los "toxic twins", han ido construyendo una discografía de calidad pero con demasiados altibajos, hecho que no fue impedimento alguno para que cosechasen ventas millonarias y se convirtieran en una de las mejores bandas del rock. La música de los de Boston encuentra acomodo en un hard rock de elementos blues, sobre todo en sus obras más clásicas, pero en momentos puntuales llegaron a acercarse a terrenos más suaves en composiciones más domesticadas para encajar en los patrones de la radiofórmula.

10. Done With Mirrors (1984)

No corrían los mejores tiempos para la banda debido a la falta de inspiración, al abuso de sustancias y a las peleas internas, sin embargo, Done With Mirrors traía una buena noticia: el regreso del guitarrista Joe Perry. También suponía el estreno de Aerosmith con el sello Geffen y, aunque no es precisamente lo mejor de su discografía, bien es cierto que mejora con creces a su predecesor. Tampoco contó con una gran repercusión comercial, muy lejos de sus mejores tiempos, pero bien es cierto que el álbum contiene momentos vibrantes en "Let The Music Do The Talking" y "My Fist Your Face", donde se nota un sonido crudo y sucio, buscado por la propia banda y el productor Ted Templeman.

9. Nine Lives (1997)

Antes del descarrilamiento total con la llegada del nefasto Just Push Play, la banda tuvo que hacer frente al reto de dar continuación a un Get A Grip que había sido todo un suceso comercial. No les resultó sencillo, ya que han tenido que sortear varios problemas durante su grabación. Kevin Shirley y la propia banda se ocuparon de la producción final, dando como resultado un álbum con un buen sonido pero con composiciones irregulares que contaban con la ayuda de escritores externos de la talla de Desmond Child y Glen Ballard, entre otros. Trascendieron con "Falling In Love (Is Hard On The Knees)", la premiada "Pink" y el medio tiempo "Hole In My Soul", pero no es un disco equilibrado.

8. Draw The Line (1977)

Para la gestación de este trabajo alquilaron un convento abandonado en donde poder trabajar de una forma diferente a como venían haciéndolo hasta el momento, sin embargo, los problemas internos de la banda derivados de un alto consumo de drogas tenían que pasar factura de alguna forma, y Draw The Line fue el primer álbum de Aerosmith en sufrir las consecuencias de unas relaciones tensas. No es para nada un mal disco, pero está lejos del nivel de sus predecesores, y tampoco contiene demasiadas canciones que hayan ocupado un espacio privilegiado entre sus seguidores, a excepción de la inicial homónima "Draw The Line" y de la densa "Kings and Queens". A partir de aquí vendrían años oscuros.

7. Get A Grip (1993)

El álbum de la discordia. Para el oyente casual del grupo, una maravilla; para el seguidor acérrimo, el principio del fin. Ni es una obra maestra ni una mediocridad, lo que sí resulta es demasiado estudiado para obtener presencia en la radiofórmula, pero también supuso una pérdida importante de la esencia del sonido de los de Boston, y ello no es casual, ya que desde Permanent Vacation venían contando con la colaboración de compositores externos, los cuales ayudan a fabricar hits de la misma manera que lo hacen para otras bandas, por eso suenan menos personales. Esa simbiosis funcionó en términos de calidad hasta Pump, aunque en terrenos comerciales, a Get A Grip no se le puede poner un pero.

6. Permanent Vacation (1987)

Tras pasar por unos años faltos de inspiración, a lo que habría que añadir la ida y vuelta de Joe Perry al seno de la banda, Permanent Vacation supone una mejora sustancial de calidad con respecto a Done With Mirrors. El sonido muta ligeramente hacia terrenos más melódicos y la presencia de los elementos blues es casi testimonial, por desgracia. Aquí comienza la relación de Aerosmith con escritores externos como Desmond Child o Jim Vallance, aunque el carácter de la banda se mantiene casi intacto. Singles de la talla de "Rag Doll" o "Angel" conviven con otro igual de afamado y a la vez infumable como "Dude (Looks Like A Lady)". Por suerte, lo compensan con "Magic Touch" o el corte homónimo.

5. Aerosmith (1973)

Desde luego, la portada no le hace justicia a la calidad que atesora el debut de Aerosmith. A pesar de que los músicos no acabaron muy contentos con la labor de producción de Adrian Barber, lo cierto es que el álbum rebosa actitud y posee un buen equilibrio entre hard rock y blues. En un principio pasaría algo desapercibido, pero la fuerza de grandes composiciones como "Mama Kin" y, sobre todo, "Dream On", empujarían a este debut a que obtuviese más adelante dos discos de platino en los Estados Unidos y uno en Canadá. Más adelante, la propia "Dream On" sería relanzado una vez más como single, y fue a partir de ahí cuando comenzó a adquirir el estatus de clásico que posee en nuestros días.

4. Get Your Wings (1974)

La continuación del buen debut homónimo trajo consigo una mejora considerable en el sonido y a unos músicos que, lógicamente, contaban con una mayor experiencia, lo que se traduce en un álbum más equilibrado y de mayor calidad en su conjunto. La producción corre a cargo de Ray Colcord, Jack Douglas y Bob Ezrin, aunque por lo que se cuenta, este último apenas aparecía para aportar ideas puntuales. El álbum se abre con un tema fantástico como "Same Old Song And Dance", de reconocible riff y melodías contagiosas, erigiéndose como el más importante de los incluidos, pero no debemos olvidar títulos tan importantes como "Lord Of The Thighs", "Season of Wither" o "Pandora's Box"

3. Pump (1989)

De todos los álbumes del grupo publicados bajo el sello Geffen, éste es sin duda el mejor de todos ellos. Hablamos de una etapa en la que su música se fue enfocando cada vez más a la radiofórmula y en la que fueron perdiendo su sello más personal, pero también es cierto que les permitió remontar el vuelo tras una etapa demasiado dubitativa. En Pump, y nuevamente con la ayuda de compositores externos, se muestra a una banda pletórica por el contexto del momento, y lo importante es que las canciones estaban a la altura de lo que uno demanda en una banda como la de Boston. Así sobresalen "Young Lust", "Going Down/Love In A Elevator", "Dulcimer Stomp/The Other Side" o "What It Takes".

2. Rocks (1976)

Un álbum absolutamente inspirado que compite en calidad con el majestuoso Toys In The Attic, y cuya influencia sobre bandas posteriores es absolutamente innegable. Producido por Jack Douglas y la propia banda, las canciones están magistralmente ejecutadas y cuentan con un punto de rabia y crudeza que les aporta dosis extra de carácter. Sobresalen composiciones como la excelente "Back In The Saddle", la juguetona "Last Child", la efervescente "Rats In The Cellar" o la sucia "Nobody's Fault". En un álbum así, los títulos menos destacables también tienen que estar a la altura, y vaya si lo están. Rocks consiguió algo más que cuatro discos de platino: el respeto de críticos y músicos.

1. Toys In The Attic (1975)

Al tercer lanzamiento consiguieron la repercusión deseada, siendo un punto de inflexión para el desarrollo de una carrera posterior que si bien ha sido irregular, les convirtió en una de las bandas más importantes del rock. Jack Douglas se establece como el productor de confianza, mientras el grupo, sabiamente, no se desprende de las virtudes de los anteriores álbumes, añadiendo a su vez elementos nuevos que los hacen sonar más auténticos. El tema homónimo saluda con un ritmo frenético, pero el galope desbocado no es una constante, pues también hay espacio para el sabor añejo de "Big Ten Inch Record", los vistosos riffs de "Walk This Way", y los estupendos fraseos de "Sweet Emotion".

Discografía seleccionada: Whitesnake (Top 8).

2018-02-13T13:26:00.000+01:00

El grupo londinense es un puntal dentro del hard rock/blues europeo. Comparten ciertas similitudes con Deep Purple, de hecho algunos de sus integrantes pasaron por ambas bandas en algún momento. En un principio, Whitesnake dejaba claro su gusto por implantar diversos elementos blues, aunque con el tiempo ese sello se fue perdiendo al acabar proponiendo un hard rock potente más convencional. El alma y líder de la banda, el vocalista David Coverdale, posee una voz impresionante que ha influido a posteriores generaciones. Los constantes cambios en la formación no han llegado a mermar decisivamente en la calidad de sus obras.

8. Slip Of The Tongue (1989)

Toda banda que se enfrenta a un nuevo álbum tras haber triunfado con el anterior, sabe que ante sí tiene una patata caliente con la que ha de lidiar. Los británicos no lo tuvieron fácil, y es que además de la presión evidente, perdieron a los guitarristas Vivian Campbell por diferencias musicales, y a Vandenberg por una lesión. Es por eso que Coverdale recurre a Steve Vai para la grabación de la mayoría de las guitarras. Slip Of The Tongue se erige como el álbum más americano de toda la discografía, poseyendo grandes temas como "Judgement Day", "Now You're Gone" o "The Deeper The Love", sin embargo, su producción no es la mejor y el sonido no ha envejecido bien del todo.

7. Lovehunter (1979)

Tras unos comienzos dubitativos, por fin parecen encontrar su sonido en Lovehunter, siendo el primero en el que nos encontramos a los Whitesnake más característicos y clásicos. Esa mezcla de hard rock con poso blues todavía se puliría un poco más en posteriores publicaciones, pero los ingredientes principales ya se habían puesto al servicio de una serie de composiciones que sobresalían por sus guitarras y diversos teclados, aunque la guinda del pastel sería la voz de Coverdale. Aquí ya aparece un primer espada de la talla de "Walking In The Shadow Of The Blues", pero tampoco podemos olvidar la calidad de "Medicine Man", "Love Hunter" o "Rock 'n' Roll Women".

6. Forevermore (2011)

Tras fichar por el sello Frontiers publican Forevermore, un álbum en el que parecen reunir todas las etapas musicales de la banda, aunque con una perspectiva más actual. Aquí hay guiños a su pasado más clásico, aquel en el que coquetearon de forma directa con el blues, sin embargo hay guitarras punzantes, gruesas y metálicas que también rememoran su época de mayor esplendor comercial. Teniendo en cuenta que sus años dorados ya pasaron, hay que resaltar la calidad del álbum gracias a una serie de composiciones sólidas y vibrantes como la inicial "Steal Your Heart Away", "Love Will Set You Free" o la fantástica "All Out Of Luck". No es un álbum más, puesto que mejora su discografía.

5. Come An' Get It (1981)

Una vez encontrado el sonido con aquel Lovehunter, las aristas se fueron puliendo a la vez que la propuesta musical se iba enriqueciendo. Aún así, al álbum le falta un poco más de chispa, la que sí tuvo su antecesor Ready an' Willing. Sí, hay composiciones fantásticas como "Would I Lie To You", el clásico "Don't Break My Heart Again", con sus característicos teclados a cargo de Jon Lord, la estupenda "Child Of Babylon", o la bailable "Wine, Women An' Song", pero el álbum también contiene otros títulos mucho menos logrados que no permiten que éste despegue del todo. Aún así, obtuvo el disco de oro en el Reino Unido y llegó a alcanzar el puesto número 2 en la listas del país.

4. Saints & Sinners (1982)

Con sólo un año de diferencia con respecto al anterior Come An' Get It, Whitesnake parecieron entender que debían dar un paso al frente teniendo en cuenta las posibilidades con las que contaban. Así pues, el inicio del álbum con "Young Blood" ya resulta más inquietante y peligroso, no tan acomodado, y eso se agradece. Además, aquí están las primeras grabaciones de los clásicos "Here I Go Again" y "Crying In The Rain", ambas revisionadas en el flamante álbum conocido como 1987. Además, "Rough An' Ready", "Bloody Luxury" y "Victim of Love" conforman esa segunda línea de calidad tan esencial para conformar un gran álbum. Curiosamente, no obtuvo excelentes resultados comerciales.

3. Ready An' Willing (1980)

El salto cualitativo con respecto a Lovehunter resultó ser enorme. A pesar de contar con el mismo productor, Martin Birch, y con una propuesta musical similar, las composiciones resultan ser más explosivas y redondas, y no tan comedidas como en algunos de sus álbumes de la época. El inicio es demoledor gracias a "Fool For Your Loving", una de las mejores canciones de los británicos, y que más adelante destrozarían por completo en Slip Of The Tongue, con una revisión más simple y metalizada, a la par que innecesaria. "Sweet Talker" y la composición homónima son soberbias, como también lo son el intenso medio tiempo "Blindman" y la exquisitez acústica de "Ain't Gonna Cry No More".

2. Whitesnake "1987" (1987)

Con este trabajo comienza una nueva etapa en la banda británica. Por una parte, Keith Olsen y Mike Stone son los encargados de reemplazar a Martin Birch en las labores de producción, por la otra, el sonido muta y se vuelve más convencional, directo, con un armazón potente y metálico en el que prescinden de la mayoría de elementos blues que habitaban en su música. En esta tesitura, Whitesnake ofrecen nuevos clásicos de la talla de "Still Of The Night", la estupenda aunque trillada balada "Is This Love", más las revisiones de "Here I Go Again" y "Crying In The Rain. Todo funcionó a la perfección, vendieron millones de discos y se situaron en puestos altos de las listas de varios países.

1. Slide It In (1984)

Un álbum tan genial como polémico, y es que Slide It In contiene dos ediciones, una europea producida por Martin Birch, y otra posterior estadounidense remezclada por Keith Olsen. Las diferencias son bastante notables, incluyendo distinto orden en las canciones, un sonido adecuado a los gustos americanos, participación de otros músicos y pistas adicionales de guitarra a cargo del nuevo niño mimado de Coverdale: John Sykes. Tuvo más éxito la edición estadounidense, pero la original, la inglesa, resalta mucho mejor las virtudes de la banda hasta ese momento. "Slide It In", "Standing In The Shadow", "Guilty Of Love" o "Love Ain't No Stranger" son varias de sus mejores composiciones.

Discografía seleccionada: Tiamat (Top 6).

2018-02-07T17:37:00.000+01:00

Tiamat es un grupo formado a finales de los 80 en la pequeña localidad de Täby (Suecia). La música de la banda liderada por Johan Edlund no siempre ha seguido un mismo patrón sonoro, ya que en su primer trabajo mostraron su gusto por el death y el black metal, sin embargo, en trabajos posteriores, el death metal con ciertas reminiscencias doom mandaba en sus composiciones. Con el paso de los años se fueron acercando al gothic metal, experimentando a su vez con elementos ambientales, psicodélicos e industriales, mientras deslizaban influencias de los británicos Pink Floyd. Ya en la etapa más reciente, el giro definitivo les situaba en un rock gótico con esporádicos acercamientos al metal, aunque enfocado de una forma más convencional.

6. Judas Christ (2002)

Judas Christ materializa el cambio de sonido iniciado en Skeleton Skeletron, en el que se alejan cada vez más de las vertientes extremas, y también de las experimentaciones del aclamado A Deeper Kind Of Slumber. La nueva propuesta les lleva a un metal gótico más convencional, más enfocado a los estribillos, aunque todavía quedan pasajes ambientales y desarrollos instrumentales interesantes. Por lo general, las guitarras son densas y las canciones navegan por tempos lentos, con voces decadentes y graves, dando como resultado un sonido melancólico. Sobresalen cortes como "The Return Of The Son Of Nothing", "So Much For Suicide", "Angel Holograms" y, sobre todo, el hit "Vote For Love".

5. Amanethes (2008)

Grabado a caballo entre Grecia y Suecia, y producido por el líder Johan Edlund, Amanethes cuenta con elementos de todas las etapas de la banda, por lo que estamos ante un álbum heterogéneo. Incluso se atreven a plasmar influencias mediterráneas debido a la fascinación de Johan por las tierras helenas. Si se echaba de menos el lado más duro de Tiamat, aquí tiene espacio en títulos como "The Temple Of The Crescent Moon", "Equinox Of The Gods", "Katarraktis Apo Aima" o "Raining Dead Angels", aunque quizás salen mejor parados en cortes más pausados pero bien tratados como "Misantropolis", "Until The Hellhounds Sleep Again", la instrumental "Amanis" o la muy Pink Floyd "Meliae".

4. Prey (2003)

La continuación de Judas Christ lo es también por sonoridad, aunque la propuesta está mucho más lograda. Con respecto a aquel se plasman mejores ideas, y las melodías y los textos son más acertados, por lo que estamos ante lo que sería una potenciación manifiesta de los ingredientes musicales de su antecesor. Gracias a composiciones como la pegadiza "Wings Of Heaven", la decadente pero sólida "Love in Chains" o la energía contenida de "Clovenhoof", el álbum va progresando sin caer en el tedio, y eso permite que cortes como la inicial "Cain" o "Carry Your Cross and I'll Carry Mine", con dueto incluido, puedan brillar con luz propia. Destacar también la extensa y atmosférica "The Pentagram".

3. A Deeper Kind Of Slumber (1997)

A los suecos les tocaba mover ficha tras haber triunfado con Wildhoney. Lejos de continuar con aquella propuesta, la banda liderada por Johan Edlund decidió llevar su música a cotas más experimentales, alejando el sonido del metal convencional para acabar empapándose de elementos progresivos, psicodélicos, industriales y ambientales. El riesgo era evidente, pero convenció por su originalidad, calidad y acertada producción. A pesar de iniciarse con un corte poderoso como "Cold Seed", a partir de ahí se van sucediendo composiciones tan cuidadas como "Atlantis As A Lover", la exquisita "Only In My Tears It Lasts", la industrial "The Whores Of Babylon", o la reconocible "Phantasma De Luxe".

2. Clouds (1992)

Los constantes cambios de formación no fueron un impedimento para Johan Edlund a la hora de evolucionar el sonido de Tiamat. De la etapa más extrema de los suecos, Clouds es su mejor álbum, ya que las composiciones están mejor trabajadas que en obras anteriores. Poco a poco se iban puliendo los aspectos más agresivos de su música para acabar encontrando acomodo en un death doom metal sólido, de voces rasgadas, pero con mayor riqueza instrumental. Así sobresalen composiciones como "The Sleeping Beauty", uno de los más celebrados en la carrera de la banda, la inicial y contundente "In A Dream", o la espectacular "A Caress Of Stars", la cual anticipaba lo que vendría después.

1. Wildhoney (1994)

Wildhoney llevó la música de la banda a su techo creativo. En términos objetivos no hay otro álbum de su carrera que pueda discutirle el trono. Instalado en el metal gótico de pinceladas doom, brochazos psicodélicos y pasajes ambientales, la producción es brillante y aprovecha la inspiración total de un Johan Edlund desatado. A composiciones potentes como "Whatever That Hurts", "The Ar" o "Visionaire", hay que añadirle la fabulosa y etérea "Do You Dream Of Me?", la suite "A Pocket Size Of Sun", la cual está repleta de detalles hermosos y recuerda por momentos a Pink Floyd, y por supuesto la imperial "Gaia", un temazo que reúne todas las virtudes de un álbum apabullante y hermoso.

Discografía seleccionada: Scorpions (Top 10; actualizado en 2018)

2018-02-06T20:20:00.000+01:00

Formados a mediados de la década de los 60 en Hannover (Alemania), no fue hasta el 72 cuando debutaron con aquel semi-desconocido Lonesome Crow. Sus inicios estaban marcados por un hard rock clásico de claras influencias psicodélicas, pero pronto fueron endureciendo el sonido hasta situarse entre el hard rock y el heavy metal. Los cambios de formación también propiciaron ciertas evoluciones musicales que los llevaron hasta cotas más melódicas, donde los estribillos cobraban mayor importancia en las composiciones, pero casi siempre reforzados por un armazón sólido y metálico. En cualquiera de las vertientes se han manejado bien, aunque en la década de los noventa sufrieron un severo declive que más adelante han sabido corregir.

10. Savage Amusement (1988)

Tras el masivo éxito de Love At First Sting, la banda alemana decide aprovechar su enorme éxito para publicar un nuevo álbum desde una perspectiva más radiofónica. Para ello contaron con el habitual Dieter Dierks en la producción, aunque esta vez hubo ciertas diferencias entre ellos, por lo que tras la publicación se rompería la longeva y prolífica relación. La propuesta musical es mucho más predecible, si bien encontramos momentos brillantes en títulos como "Rhythm Of Love", "Passion Rules The Game" o la balada "Believe in Love", todas editadas como singles. Así a todo, a nivel comercial tuvo un éxito considerable y llegó a alcanzar el disco de platino en los Estados Unidos y Canadá.

9. Crazy World (1990)

La reaparición de la banda alemana tras el irregular Savage Amusement mejoró ostensiblemente la propuesta de aquel. En esta ocasión cuentan con Keith Olsen para las tareas de producción, con el que consiguen un álbum más pesado en sonoridad pero sin que se resientan las melodías. Crazy World se convirtió en el disco más vendido de Scorpions gracias a la balada "Wind Of Change", un icono musical por su belleza y por lo que representa, y que encuentra una compañera igual de sensible en "Send Me An Angel". La potencia aparece bien representada en cortes como "Tease Me, Please Me", la pegajosa "To Be With You In Heaven", la dinámica "Don't Believe Her" o la salvaje "Kicks After Six".

8. Humanity Hour I (2007)

En el año 2004 habían regresado con un decente Unbreakable con el que ponían pie en el nuevo milenio y pretendían darle una patada a la errática década de los 90, sin embargo, Humanity Hour I iba todavía más allá y con él editaban su primer trabajo conceptual basado en una visión apocalíptica de la humanidad, obra de Desmond Child y Liam Carl. El sonido se vuelve más actual, con guitarras densas y una producción espectacular a cargo del propio Child y James Michael. Cuenta con puntuales colaboraciones como las de John 5 y Billy Corgan, entre otros. Composiciones estupendas como "The Game Of Life", la potente "321"o la balada "Your Last Song", muestran la notable calidad del álbum.

7. Fly to the Rainbow (1974)

El segundo álbum de los Scorpions sigue una evolución lógica con respecto a Lonesome Crow. El sonido se va perfilando hacia un hard rock más potente, aunque mantiene en cierta medida los elementos psicodélicos y progresivos. También hay variaciones importantes en la formación, ya que abandonan, entre otros, Michael Schenker, y entran en la banda Uli Jon Roth, Francis Buchholz y Jürgen Rosenthal, acompañando así a los ya consagrados Klaus Meine y Rudolf Schenker. A destacar las extensas "Drifting Sun", cantada por Uli, y la homónima "Fly To The Rainbow"; pero también el potente inicio de "Speedy's Coming" y las fantásticas guitarras de la extraordinaria "They Need A Million".

6. Virgin Killer (1976)

La censura persiguió en más de una ocasión las portadas de la banda, y la de Virgin Killer no iba a ser menos. Aquella polémica fotografía, obra de Michael Von Gimbut, fue sustituida en muchos países, entre ellos España, por la que tenemos arriba. Lejos de que la censura los perjudicase, el álbum despertó cierta curiosidad y vendió muy bien en Japón, donde alcanzó el disco de oro. Abordando la parte más estrictamente musical, estamos ante un notable álbum que sobresale por un gran ejercicio de guitarras. Además, el sonido es aún más potente y va perfilando los rasgos más característicos del grupo. Impresionantes "Pictured Life", "Catch Your Train" y la homónima "Virgin Killer".

5. In Trance (1975)

Otra de las portadas perseguidas por la censura en su momento. Con In Trance comienza la prolífica relación entre la banda y el productor Dieter Dierks. Aquí el endurecimiento del sonido es considerable con respecto a su predecesor Fly To The Rainbow. Menos psicodélico y progresivo, y mucho más potente y directo, acercándose así al heavy metal de pocas concesiones al respiro. A pesar de ser una de las grandes obras de los alemanes, no contó con la suficiente repercusión y tampoco posee canciones conocidas para el oyente de radiofórmula. Sin embargo, sí hay clásicos como "Dark Lady" o la fantástica "In Trance", más otros temazos como "Top Of The Bill" o la endiablada "Robot Man".

4. Taken By Force (1978)

Taken By Force es el último trabajo de Scorpions con Uli Jon Roth a bordo, cerrando una etapa más gloriosa en lo musical que reconocida a nivel masivo. También obtuvo su mayor popularidad en Japón, donde alcanzó el disco de oro, pero no tuvo tanto tirón como Virgin Killer. Así a todo, estamos ante el álbum más equilibrado hasta el momento, con composiciones exquisitas repletas de grandes momentos gracias a su cuidada instrumentación y enormes melodías. Entre sus canciones más reconocibles se encuentran "The Sails Of Charon", con su estupendo riff, y la potente "She's A Man, He's A Woman". A destacar también "We'll Burn The Sky" y la balada "Born To Touch Your Feelings".

3. Blackout (1982)

Magnífico álbum que estuvo a punto de no ver la luz debido a los problemas vocales que Klaus Meine sufrió durante su grabación. Cuando pensaba seriamente en su retirada, la banda le dio toda la confianza del mundo, se sometió a una cirugía y, sorprendentemente, no sólo recuperó su voz sino que ganó en rango vocal. Esto le dio mayores posibilidades a la banda a la hora de componer, aprovechando la oportunidad para mejorar por completo el anterior Animal Magnetism. Gracias a sólidos temazos como "No One Like You", "Blackout", "Dynamite" o "When The Smoke Is Going Down", llegaron al número uno en Francia y cosecharon varios discos de platino y de oro en diferentes países.

2. Love At First Sting (1982)

La perfecta continuación del genial Blackout superó a éste en ventas, y no era tarea fácil. Quizás Love At First Sting esté más equilibrado en cuanto a calidad y poder de asimilación, y ello se nota a las claras cuando lo escuchas en su totalidad. La potencia está controlada, los riffs son dinámicos, ágiles y fáciles de recordar, mientras la faceta melódica se acrecienta con los giros vocales de un Klaus Meine en estado de gracia. Así tenemos composiciones como la explosiva "Big City Nights", la inicial "Bad Boys Running Wild" o la archiconocida "Rock You Like a Hurricane". La banda ofrece su lado más sensible en la estupenda "Still Loving You", probablemente la mejor balada que hayan compuesto jamás.

1. Lovedrive (1979)

La marcha de Uli Jon Roth y la entrada de Mathias Jabs se traduce en un ligero cambio de sonido que sería clave para entender la evolución del grupo en la posterior década de los 80. La totalidad del álbum nos muestra una mayor diversidad en el sonido, pero también riffs que a partir de ese momento serían santo y seña de los alemanes. En esa tesitura encontramos la excelente "Loving You Sunday Morning". Por su parte, "Another Piece Of Meat" es un puñetazo sonoro de gran potencia, mientras las baladas "Holiday" y "Always Somewhere" ponen los momentos más bellos y reposados. "Is There Anybody There?", un reggae a la medida de la banda, se erige como uno de los mejores cortes del álbum.