Galaxia de la música

Dirty Sweet - ...Of Monarchs And Beggars (2007)

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 10 Feb 2012 03:47:00 PST

Formación de la banda en ...Of Monarchs And Beggars:

Ryan Koontz (Voces)
Nathan Beale (Guitarras, Coros)
Mark Murino (Guitarras)
Shaun Cornell (Bajo, Teclados, Coros)
Chris Mendez-Vanacore (Batería, Coros)

Este quinteto de San Diego, protagoniza un Hard Rock con influencias procedentes de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple o incluso Lynyrd Skynyrd. Una banda que debutó de forma espectacular con este álbum editado en 2007.

El trabajo está compuesto por 10 canciones hardrockeras alto octanaje, con fuerte olor a la década de los 70, y donde las protagonistas son las guitarras eléctricas.

Es extraño que con un álbum de tanta calidad, no hayan aparecido con mayor frecuencia en revistas de rock, ya no digo en medios de comunicación generales, porque ahí hablan de la música prefabricada, sin ningún tipo de sustancia, pero que no hayan tenido más difusión en medios de corte más rockero, tiene su miga.

Pero vayamos a lo que nos ocupa, que es hablar a grandes rasgos de su primera obra, sin duda la mejor de las dos que tienen ahora mismo en el mercado, y es que este ...Of Monarchs & Beggars, es carne de primera calidad para paladares exigentes del rock, y sobre todo en la actualidad, donde grupos como este, que tratan de defender a capa y espada el sonido acuñado en los 70, se agradecen de forma muy especial.

El inicio es fulgurante, Baby Come Home asalta tus oídos como un torbellino sonoro, con las guitarras a pleno rendimiento, y una voz realmente genial, la de un Ryan Koontz que se muestra soberbio en la interpretación, y es que su voz va como anillo al dedo en todas las composiciones del disco. Delilah es un medio tiempo que posee un elaborado estribillo, con coros muy acertados y melodías vocales muy pegadizas. Come Again es un puñetazo sonoro, guitarrero, con un Koontz especialmente brillante, mientras un estribillo machacón nos permite asimilar fácilmente las melodías que se desprenden en el. Goldensole sigue la senda marcada por el título anterior, mientras que en Long Line Down bajamos revoluciones, para acomodarnos a una velocidad media, donde las guitarras tienen más libertad para lucirse de forma puntual.

Born to Bleed irrumpe con fuerza tras la calma pasajera , mientras en Sixteen nos ofrecen un rock & roll clásico y juguetón, sin duda de lo mejor del disco. Man's Ruin es un corte para degustar tranquilamente y escuchar con atención, por los diversos matices y sonidos que nos ofrecen. Isabel es una balada acústica de corte sureño, mientras que en Red River, el último corte del álbum, se esfuerzan en un temazo sin concesiones, para que al terminar se nos quede grabado a fuego el nombre del grupo que ha acuñado esta obra.

Son Dirty Sweet, y este disco debería estar en las estanterías de todos los amantes del buen rock, del de toda la vida. Guitarras magistrales, ritmos acelerados y vertiginosos, medios tiempos excelentes y alguna que otra balada folk, para ofrecernos una obra completa y de calidad.

Mi puntuación: 9'5

Tracklist:

Baby Come Home
Delilah
Come Again
Goldensole
Long Line Down
Born To Bleed
Sixteen
Man's Ruin
Isabel
Red River

J Mascis - Several Shades Of Why (2011)

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 10 Feb 2012 02:58:00 PST

J Mascis, conocido por ser miembro de la genial banda llamada Dinosaur Jr., editó el pasado año 2011 este álbum titulado Several Shades of Why, una obra compuesta por 10 canciones de poso cantautor y acoustic rock.

Estamos ante una obra de calidad mayúscula, propia de un músico creativo e inquieto, de un marcado acento acústico, donde dichas guitarras son las protagonistas, eso, y la genial voz del autor. La percusión se reduce a pequeños aportes de pandereta. Es de un gran contraste lo que J Mascis nos muestra en este álbum, ya que aquí el minimalismo está presente durante toda la obra, cuando en su banda madre el sonido es totalmente opuesto al que aquí encontramos. Decir que ha contado con la colaboración de grandes músicos como Kurt Vile, Ben Bridwell (Band of Horses), Kevin Drew o Sophie Trudeau (Godspeed You!Black Emperor), quien se encarga de aportar geniales aportes de violín.

Pero hay que reconocer que se le da muy bien componer canciones con un poso folk, y lo demuestra a lo largo de todo el disco, apoyándose en las guitarras y ofreciéndonos su voz peculiar, pero especialmente emotiva y llena de matices. Listen to Me irrumpe con fuerza acústica y despierta a nuestros oídos con una serie de melodías vocales preciosas, y que se acentúan en canciones como la genial homónima Several Shades of Why, que añade el plus de poseer unos preciosos arreglos de cuerda, y que ayuda a que la canción se convierta en una preciosidad lacrimógena.

Con Not enough nos metemos de lleno en una composición con mayor vitalidad que luce por sus melodías vocales, también resaltables en la genial Where are you, donde aparece tímidamente una guitarra eléctrica, casi anecdótica.

Otros temas a destacar son la brillante y exquisita Very nervous and love, el genial trabajo de guitarras entregado en Is it Done, de nuevo con breves aportes eléctricos, para tratar de dotar mayor variedad y matices, la inquietante Can I, o ese broche de oro final respondiendo al nombre de What Happened.

En mi opinión, este trabajo se sitúa como una de las mejores obras editadas en el pasado año, de un artista que se muestra creativo en la faceta instrumental, y magistral en el apartado vocal, reuniéndose con una serie de músicos que aportan y suman para dotar de mayor calidad al resultado global del álbum, poniéndose al servicio de unas excelentes canciones, sin recurrir al lucimiento personal.

Mi puntuación: 9

Tracklist:

Listen to Me
Several Shades of Why
Not Enough
Very Nervous And Love
Is It Done
Make It Right
Where Are You
Too Deep
Can I
What Happened

Mikel Erentxun - 24 Golpes (2012)

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 10 Feb 2012 02:16:00 PST

Regresa Mikel Erentxun con una nueva obra bajo el brazo, se trata de 24 golpes, una colección de canciones que sigue con la apuesta arriesgada marcada por el artista, desde que decidió editar ese imprescindible álbum titulado Detalle del miedo. Creo que la llave para encontrarnos con un Mikel más maduro, y que dicha evolución le ha llevado a grabar un disco como el que nos ocupa, aunque con una sonoridad más rockera, y una producción, a cargo de Henry Hirsch, para mi gusto, muy acertada, imprimiendo un halo setentero, con arreglos un tanto minimalistas y un sonido de batería que me recuerda y mucho al encontrado en grandes obras musicales de aquella época, por citar como ejemplo, el Harvest de Neil Young.

Erentxun se muestra inconmensurable en la faceta vocal, con momentos de voz rasgada, otros susurrantes, mientras que de vez en cuando, aunque muy pocas veces, nos entrega su registro más habitual.

Los textos son propios, aunque con colaboraciones como las de Jose Ignacio Lapido, Diego Vasallo, Rafel Berrio y Corman.

El inicio del álbum es maravilloso, cayendo la responsabilidad sobre Cuervos Blancos, donde la voz de Mikel sorprende de inicio, y que se sustenta sobre unos preciosos pianos. El estribillo ofrece unas melodías vocales sugerentes. Le sigue el single del álbum, Si te vas, donde guitarras eléctricas y pianos conviven perfectamente guiados por un excelente sonido de batería y un bajo muy marcado.

Samurai es densa y rasgada en el apartado vocal, con un texto brillante mientras que en Desfile se muestra una composición de fragilidad suprema, acentuada bajo las voces susurrantes y delicadas del artista.

Srta. Soledad desde hoy puede convertirse en uno de los clásicos de Mikel Erentxun, por su belleza sonora, su texto, su melodía vocal...preciosa. Penumbra a pesar de su título es luminosa en cuanto a su sonido, aunque la voz de Mikel pone las cosas en su sitio, con un acento rockero muy marcado, tal y como sucede en Ropa vacía, aunque con un estribillo más convencional al estilo pasado del autor.

Quizás la segunda parte del álbum sea más oscura, sosegada, en definitiva, la cara propia de un cantautor, y eso se nota en canciones como (Así son) Las reglas del juego, o la elegante A veces te quiero siempre.

La excepción la pone Con la vida en los talones, ya que se encuentra como una pequeña isla en clave de rock, rodeada por aguas con guitarras acústicas y tonos grisáceos en esta parte del álbum, ya que si se suceden las composiciones nos encontraremos con la deliciosa Veneno, o la dolida Intacto, y digo dolida ante las voces magistrales y exageradamente graves de Erentxun. En el final del álbum nos aguardan la homónima 24 Golpes, con ciertos momentos de calma sonora, que me recuerdan a ciertas canciones de Nacho Vegas, y la preciosa Redención, que culmina, con armónica incluída, un álbum diverso, visceral y delicioso, de ricos textos. No estamos ante una obra de fácil asimilación a una primera escucha, ya que muchos detalles se van descubriendo a medida que le vamos dando oportunidades, y eso se agradece.

Difícil saber si estamos ante la mejor obra del artista, pero seguro estará en el podio de sus obras publicadas.

Mi puntuación: 8'5

Tracklist:

Cuervos Blancos
Si te Vas
Samurai
Desfile
Srta. Soledad
Penumbra
Ropa Vacía
(Así son) Las Reglas del Juego
Con la Vida en los Talones
A Veces te Quiero Siempre
Veneno
Intacto
24 Golpes
Redención

Steve Lukather - Ever Changing Times (2008)

noreply@blogger.com (Richy) — Wed, 08 Feb 2012 03:05:00 PST

Tras escuchar varias veces este álbum, me he quedado con una cosa en la cabeza, y es la siguiente: De poco vale que Steve Lukather sea un gran músico, un auténtico estudioso y tenga magníficos conocimientos en este arte, si no lo sabe plasmar en un álbum. Y esta es la sensación que me ha dejado este trabajo, tras multitud de oportunidades que le he brindado.

Se trata del quinto álbum en solitario del que forma parte de la genial banda A.O.R llamada Toto, y aunque mejora su anterior obra llamada Santamental, no hace justicia para nada cuando el que firma el disco es un músico como Lukather.

Todo se queda en buenas ideas, canciones eclécticas, con muchos matices, pero que en muchas ocasiones se quedan a medio camino de conseguir canciones redondas, completas, y las que lo hacen se pueden contar con los dedos de una mano, y aún así, me sobran.

Una de las honrosas excepciones es el corte que da título al álbum y que además se encarga de darnos la bienvenida, siendo Ever Changing Times una de las mejores canciones del disco, por no decir la que más me ha convencido. Por sus guitarras, sus melodías vocales, sensacionales en los estribillos y culminadas por un inspirado coro.

Por seguir destacando algún título más, tenemos The Letting Go, una composición donde se respira a Toto por cada una de sus notas musicales. New World es un tema de corte rockero, con ciertos momentos de inspiración culminados bajo un estribillo luminoso y agradecido. Me gustaría destacar el oasis en el desierto que supone la "experimental" Jammin' With Jesus, donde hacen acto de presencia unas guitarras muy pesadas y cortantes, así como el medio tiempo precioso y delicioso llamado Never Ending Nights, muy en la onda Toto. Ice Bound invita a animarte tras ciertas preguntas que uno puede hacerse al creer que delante tienes a todo un músico como Lukather, y que en este trabajo te da una de cal y otra de arena. Buen final con la instrumental The Truth, que al menos hace que despidas el álbum con un mínimo buen sabor de boca.

Parece que la carrera de Lukather en solitario no acaba de despegar, y solo aquel álbum de 1994 llamado Candyman, responde a las expectativas que crea un músico de su calibre. De hecho, tras este Ever Changing Times, Steve editó un álbum más, en 2010 y que por lo escuchado a día de hoy, tampoco mejora lo que ahora tenemos entre manos. Pero de ese último trabajo hablaremos más adelante. Solo me queda decir que hay menos de la mitad del álbum que se acerca a la excelencia, pero que el resto naufraga estrepitosamente en composiciones sosas e insulsas, a pesar de que se vislumbran buenas ideas, aunque mal ejecutadas. Una verdadera lástima.

Mi puntuación: 6

Tracklist:

Ever Changing Times
The Letting Go
New World
Tell Me What You Want From Me
I Am
Jammin' With Jesus
Stab In The Back
Never Ending Nights
Ice Bound
How Many Zeros
The Truth

Nick Cave & The Bad Seeds - The Good Son (1990)

noreply@blogger.com (Richy) — Wed, 08 Feb 2012 02:28:00 PST

Formación de la banda en The Good Son:

Nick Cave (Voces, Piano, Hammond, Armónica)
Mick Harvey (Bajo, Guitarras Acústicas, Percusión, Coros)
Blixa Bargeld (Guitarras, Coros)
Kid Congo Powers (Guitarras)
Thomas Wydler (Batería, Percusión)

Hablar de Nick Cave es hacerlo de uno de los artistas más prolíficos de la música en los 80, 90 y hasta la actualidad. Poseedor de una discografía extensa y sin ningún lunar importante, siempre contando con una regularidad que asombra.

The Good Son supuso un punto de inflexión en la carrera del músico, ya que comenzaba a sumergirse en terrenos más melódicos, a la vez que compondría varias de sus obras más importantes. De hecho, este álbum vio la luz en el año 1990, y prácticamente hasta el día de hoy, no ha parado de crear obras maestras.

Acompañado de sus imseparables músicos, los The Bad Seeds, completaron esta obra compuesta por 9 canciones, algunas de ellas clásicos imperecederos de su carrera y de la música como concepto global.

El álbum se abre con Foi na Cruz, una canción con un estribillo cantado en portugués, y donde Cave se acompaña de otras voces como las de Clovis Trindade y Rubinho, y que está basado en un himno tradicional protestante del Brasil.

A ésta le sucede el corte que da título al álbum, The Good Son, con cambios de ritmo contínuos y un Cave desatado en las voces, junto a una percusión que roza el caos sonoro, pero en el buen sentido de la palabra.

Sorrow's Child es algo más convencional con una sección de cuerda preciosa y unos buenos aportes de piano. Lo que nos encontramos a continuación son dos platos fuertes, que se desmarcan del resto de composiciones por su grandeza. La primera es The Weeping Song donde las voces graves de Nick Cave y Blixa Bargeld son las protagonistas absolutas de la canción, con unas melodías vocales decadentes sin ignorar la belleza que aún así aportan. La segunda es The Ship Song una preciosa balada de coros sugerentes, bonitos pianos y la voz crooner de un magistral Nick Cave en la interpretación. Pone los pelos de punta.

The Hammer Song tiene un ritmo machacón, con algunos dejes de guitarra más propios de una película western mientras que Lament explora la faceta más melódica del artista.

The Witness Song es un corte acelerado, un rock & roll desenfadado, eso sí, al estilo Cave. Y para cerrar el álbum, Cave nos obsequia Lucy, y una interpretación espectacular, a la altura de la afamada The Ship Song.

The Good Son señaló el camino que Nick Cave seguiría en los años posteriores, donde las melodías brillarían todavía más que antaño, y donde las composiciones serían más cuidadas, con una sonoridad más elegante y una compenetración instrumental que te deja la boca abierta. Una de las obras maestras absolutas del artista, por no decir que es su mejor obra.

Mi puntuación: 10

Tracklist:

Foi na Cruz
The Good Son
Sorrow's Child
The Weeping Song
The Ship Song
The Hammer Song
Lament
The Witness Song
Lucy

The Brew - The Third Floor (2011)

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 03 Feb 2012 09:35:00 PST

Formación del grupo en The Third Floor:

Jason Barwick (Voces, Guitarras)
Tim Smith (Bajo, Coros)
Kurtis Smith (Batería)

Cuarto álbum de la banda de Grimsby (Reino Unido), y sin duda un gran paso adelante en su carrera, donde se desatan por fin en un trabajo muy bien ejecutado, con una producción algo más cuidada. Tras el pequeño tropiezo de su anterior obra A Million Dead Star, donde el grupo realizó una buena labor compositiva, pero se quedaron a medio camino de la grandeza por culpa de un sonido que parecía maniatado, casi apoperado para lo que realmente requerían aquellas canciones, donde la crudeza debería ser mayor, algo que sí mostraban en los directos. Yo diría que junto a su disco debut, estamos ante la mejor obra de la banda.

Estamos ante un álbum de blues rock, hard rock con ciertas dosis de psicodelia que goza de una calidad apabullante, donde realmente las canciones destacan en su conjunto, ya que no hay ningún título que sobre en el álbum. The Third Floor es un trabajo bastante más elaborado que el anterior disco, donde parecían buscar la fama por medio de hits potentes y convincentes, a cambio de contener algunos temas de relleno, algo que aquí no sucede, además, las voces son mucho mejores, han sido trabajadas y eso se nota desde la primera escucha.

Damos la bienvenida al disco con un colosal Sirens of War, que desde ya se sitúa entre lo mejor que ha grabado el grupo. Y si esto lo unimos a la potencia sonora, los monumentales riffs, y las desgarradoras voces de Six Dead, tenemos un comienzo de álbum espectacular.

Con Reached the Sky bajamos las revoluciones para disfrutar de un viaje en clave de blues rock, y disfrutamos de las bellas guitarras acústicas que nos brindan en la folk See You Once Again.

Los riffs afilados y potentes regresan en la espectacular Master And The Puppeteer, donde las voces de Barwick son suaves, con mucho eco por momentos, para contrastar después con la locura en forma de voces más rasgadas y agresivas. La canción que da título al álbum, The Third Floor, se pasea con sigilo en tu cabeza, sobre todo en los primeros segundos, para más tarde arrancar con unos riffs potentes. Cuando la voz de Barwick aparece, el grupo decelera para crear un medio tiempo elegante, no exento de energía.

En Piper of Greed encontramos a un Barwick desatado en las voces, y una base rítmica notabilísima en la ejecución, algo que se repite en Inmogen Molly. Crimson Crystal Raindrops tiene unas guitarras maravillosas en la parte central, con un solo espectacular, mientras que en Hard Times nos obsequian con un tema folk muy logrado. Para el final dejamos Let it Black, título que despide el álbum y que va ganando en intensidad y potencia conforme llega a su final.

The Third Floor consigue que definitivamente crea en el futuro de esta banda, y es que gracias a músicos talentosos como ellos, podemos tener cierta magia conseguida en los años 70, pero actualizando su sonido.

Sabemos que el rock siempre está y estará presente, pero si grupos como The Brew consiguen hacer discos como el que nos ocupa, los más escépticos en cuanto al futuro del rock, tendrán que volver a meterse en la cueva, tal y como llevan haciendo 50 años.

Mi puntuación: 9

Tracklist:

Sirens of War
Six Dead
Reached The Sky
See You Once Again
Master And The Puppeteer
The Third Floor
Pipper of Greed
Crimson Crystal Raindrops
Hard Times
Inmogen Molly
Let It Black

Alcest - Les Voyages de L'Ame (2012)

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 03 Feb 2012 08:50:00 PST

La formación del grupo en Les Voyages de L'Ame es:

Neige (Voces, Bajo, Guitarras, Sintetizadores)
Winterhalter (Batería)

Tercer álbum de Alcest, grupo francés que desde que en 2007 publicara su primer disco de estudio, no se ha parado de hablar de ellos, y para bien. En total han publicado tres trabajos, sus dos títulos anteriores han cosechado buenas críticas por parte de crítica y público. Ahora analizaremos un poco este último trabajo.

Contar que el grupo francés se mueve por terrenos oscuros, como el shoegaze, pero siempre aderezándolo con algunas dosis de black metal atmosférico, así como sonoridades propias del post rock, e incluso folk. Pero lo mejor para definir la música de este dúo es escucharlo tú mismo, ya que son tantos los matices que plasman en sus trabajos, que a veces resulta complicado definir con pocas palabras lo que nos ofrecen.

En este disco creo que mantienen un tanto la tónica de su antecesor Écailles de Lune, ya que la belleza de los pasajes sonoros sigue muy presente, además de ofrecer un equilibrio entre voces limpias y guturales, estas últimas, cada vez menos presentes, pero no por ello con un resultado inferior. De todas formas, me atrevería a decir que estamos ante el disco más accesible de la banda, con canciones más melódicas y también con ejecuciones más sencillas, que no simples.

El primer corte del disco está presentado con un vídeo, ya que se trata del tema que han utilizado para presentar el álbum. Una maravilla titulada Autre Temps que se inicia con unas suaves guitarras y una atmósfera intrigante. La voz de Neige se nota que la han tratado de una forma diferente en la producción, ya que en este trabajo se aprecia con una mayor claridad, destacando bastante más que antaño, ya que en los trabajos anteriores, las voces parecían acompañar sin querer "molestar" a la instrumentación.

Las guitarras limpias y distorsionadas son protagonistas y conviven sin ningún problema. Solo con esta primera canción como ejemplo, te das cuenta de que el disco es más fácil de escuchar. Precioso tema de bienvenida.

Lá oú Naissent les Couleurs Nouvelles es una composición de casi 9 minutos, con guitarras dispersas, densas, y donde las voces guturales hacen acto de presencia de forma puntual, para aportar variedad de matices. La baterías, mientras tanto, por momentos suenan atronadoras y llenas de contundencia, muy buen trabajo el realizado por Winterhalter.

La canción que da título al disco, Les Voyages de L'Ame combina momentos de tormenta, con otros de calma sonora, cambios de ritmo prodigiosos con una ambientación sublime. Nous Sommes L'Emeraude está lleno de desolación, pero en su vertiente más hermosa. Neige vuelve a poner su voz limpia y dispersa al servicio de una canción maravillosa, otro de los ejemplos claros de la importancia que Alcest han dado en este trabajo a las melodías vocales. Beings of Light es un tema casi instrumental, acogedor en sus primeros segundos, casi en clave chill-out. Y digo lo de casi, porque en esta ocasión las voces, coros y lamentos se escuchan muy de fondo.

En Faiseurs de Mondes, Neige ha querido aportar el lado más visceral del grupo, con una sonoridad mucho más cercana al black metal, sin olvidar los hermosos pasajes, y es que la fusión de crudeza con la hermosura dan como resultado canciones impresionates como esta. Esta canción contrasta con la tranquilidad y el sosiego de Havens, una pieza instrumental con guitarras libres de distorsión, dando un respiro al oyente antes de acometer la escucha de Summer's Glory, la composición que cierra el álbum con sus más de 8 minutos, donde se reúnen todos los ingredientes esenciales que hacen de Alcest un grupo especial.

Lo dicho, Les Voyages de L'Ame es un trabajo de impecable factura, una continuación del aclamado Écailles de Lune, que seguro gustará a todos aquellos que habían disfrutado del ya citado anterior disco. Una colección de 8 canciones realizadas con mimo, y que supone la confirmación de Alcest como peso pesado del estilo.

Mi puntuación: 8'5

Tracklist:

Autre Temps
Lá oú Naissent les Couleurs Nouvelles
Les Voyages de L'Ame
Nous Sommes L'Emeraude
Beings of Light
Faiseurs de Mondes
Havens
Summer's Glory

Bushido - Bushido (2004)

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 03 Feb 2012 05:56:00 PST

La formación de Bushido es la siguiente:

Bunbury
Morti
Carlos Ann
Shuarma

Proyecto liderado por cuatro músicos inquietos con egos bastante marcados, dando como resultado un álbum de experimentación con resultados un tanto interesantes, aunque desiguales.

Por lo que se ha leído en diversos medios e incluso por lo que han dicho alguno de los protagonistas, la grabación de la misma ha debido ser un tormento, lógico si tenemos en cuenta el carácter de cada uno de los cuatro nombres que componen este trabajo.

Se trata de un disco difícil de clasificar en cuanto a sonoridad, ya que nos encontramos ante un conjunto de canciones sumamente eclécticas, que van desde el sonido cabaretero hasta el rock, pasando por composiciones propias de un cantautor e incluso el pop más preciosista.

La Felicidad fue la canción con la que dieron a conocer el proyecto, con omnipresentes pianos y la voz de Shuarma en primer plano. Los coros son ejecutados por los propios músicos principales, además de que dependiendo de la canción, el protagonismo de las voces recae en unos u otros. Extrañamente, en esta misma composición añaden una serie de sonidos electrónicos que empobrecen un tanto el resultado final. Resaltar sobre todo la sección de instrumentos de viento.

Infectado de tu amor es un tema un tanto oscuro, con puntuales guitarras distorsionadas y con una interpretación magistral de Morti.

El turno de Bunbury llega con la canción Desmejorado, uno de los cortes más interesantes del álbum, teniendo una sonoridad propia de una canción de autor, algo que el propio protagonismo repetiría aunque de forma desacertada en Sex Food.

España es un tema curioso, con coros maravillosos a cargo de Shuarma, y unas letras cuanto menos curiosas. Las voces tienen distintos protagonistas, haciendo más jugoso el resultado final, y esto es algo que se repetirá en otras composiciones del álbum. En Rusa Rumana es Carlos Ann quien coge las riendas, mostrando una voz sugerente en una canción de curiosa historia.

As de Copas es uno de los puntos álgidos del álbum, con un juego de voces muy acertadas mientras que Golpe en la sien nos encontramos con uno de los momentos más extravagantes del álbum, con un Carlos Ann cantando como si estuviese ebrio...si era lo que quería conseguir, lo ha clavado. Lo mejor de la canción, el estribillo y un final apoteósico.

En Pulso Firme cogemos respiro con una composición más convencional, con una base rítmica muy marcada y donde las voces se reparten protagonismo, algo que se repite en la genial Te esperaré, donde se respira un Jazz de bar sumamente delicioso. Con L'Amour respiramos cierto aire de canción francesa, con una ambientación bien conseguida y una historia bien cantada.

Lejos de las extravagancias tenemos una preciosa canción llamada Magenta con un Morti memorable en las voces, y unas melodías preciosas, y desde luego la genial Entra conmigo, con unas preciosas guitarras acústicas, estrofas cautivadoras y un estribillo para recordar, todo ello con el protagonismo de Shuarma en las voces, eso sí, con el resto de integrantes completando una labor en los coros espléndida.

Para olvidar, aunque tenga su gracia, el final narrado de Aleteo, digo para olvidar porque en el aportado musical nada aporta, a pesar de poseer ciertas frases memorables, y luego tenemos una versión casera y acústica de La Felicidad, esta vez titulada como La Felicidad II.

El experimento ha sido interesante, pero lo sería más si en el álbum prescindiesen de 3 o 4 canciones que afean un resultado final que podría ser de notable alto. Lamentablemente el proyecto no tiene continuidad, ya que el grupo ha durado exactamente lo mismo que la grabación, puesto que ni siquiera hubo presentaciones en directo. La cantidad de sonidos y estilos diferentes que se recogen en este Bushido, suman en cuanto a riqueza musical. Si tiene las oportunidad de escucharlo, hazlo, merece la pena, a pesar de la irregularidad propia y común de músicos reputados.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

La Felicidad
Infectado de tu Amor
Desmejorado
España
Rusa - Rumana
As de Copas
Golpe en la Sien
Sex Food
Pulso Firme
L'Amour
Magenta
Te Esperaré
Entra Conmigo
Aleteo
La Felicidad II

La canción de hoy es...City of Dreams de Marah.

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 30 Jan 2012 09:51:00 PST

Grupo bastante joven el que tenemos en esta sección el día de hoy, y sumergidos de lleno en el amplio abanico folk así como en el Alt-Country.

La canción que nos ocupa, City of Dreams está incluída en el álbum If you didn't laugh you'd cry, publicado en el año 2005.

Disfrútenla.

La canción de hoy es...Hard Times de The Parlor Mob.

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 23 Jan 2012 03:39:00 PST

The Parlor Mob es una joven banda estadounidense de hard rock.
Hard Times es una composición que podréis encontrar en el disco And You Were a Crow, publicado en el año 2008.

Disfrutad de la canción.

The Bellrays - Have a Little Faith (2006)

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 23 Jan 2012 03:13:00 PST

Formación de The Bellrays en Have a Little Faith:

Lisa Kekaula (Voces)
Tony Fate (Guitarras)
Bob Vennum (Bajo)
Craig Waters (Batería)

Hacía ya un tiempo que conocía a esta banda procedente de los Estados Unidos, y de forma inexplicable, no fue hasta hace unos días cuando decidí ahondar en su discografía, y me he llevado una grata sorpresa.

The Bellrays son un grupo de Rock, con pequeñas dosis Punk, pero lo que más sobresale en su sonido es ese poso Soul, que brota gracias a la fenomenal voz de la vocalista de color, Lisa Kekaula.

De toda la discografía me quedo sin duda con este Have a Little Faith, que fue publicado en 2006, y que contiene 13 canciones impresionantes, en su mayoría de menos de 3 minutos de duración. Deciros de antemano que es prácticamente imposible destacar una canción sobre otra, y es que estamos hablando de un álbum que no tiene desperdicio alguno.

El disco se abre con Tell the lie, una canción que muestra su lado más soul, con fuertes influencias de música negra. En ella encontramos una muestra de la poderosa y agradable voz de Lisa. Los coros son excelentes. La sección de viento ayuda a acentuar esa inclinación soul de la que hablamos.

Seguimos con Time is gone, donde el grupo si comienza a mostrar aunque con cierta timidez su lado más rockero. Con una base rítmica ciertamente notable, y un ejercicio vocal maravilloso. Eso sí, la locura se desata con la salvaje Chainsong (I've been searching), que contiene poderosos cambios de ritmo y riffs potentes, para en ciertos momentos obsequiarnos con momentos de casi silencio total, solamente con la voz de Lisa. Llegamos al final de la composición con tan solo una guitarra acústica y la voz.

Pay the Cobra prosigue con la inclinación rockera de la canción anterior, aunque mostrándose menos agitada, pero con una intensidad similar. Snotgun sin embargo es un trallazo sin concesiones, quizás la canción donde más claramente muestran una inclinación hacia el punk rock.

Llegamos al tema que da titulo al álbum que nos ocupa, Have a little faith, un genial medio tiempo donde la faceta soul del grupo reluce al 100%. Una joya impresionante con una interpretación vocal ciertamente notable.

Change the world suena fresca, potente, explosiva...con una parte intermedia de auténtica psicodelia. Detroit breakdown (Horn interlude) es otro corte de guitarras cortantes con un ritmo punk potente.

Lost disciples es un bocado agradable para paladares exquisitos donde la banda pisa el freno y se recrea en sonoridades elegantes, con la voz de Lisa en estado puro, con momentos susurrantes, y con otros donde te dan ganas de aplaudir su interpretación. Everyday i think of you es otro medio tiempo maravilloso, con unas líneas de bajo muy marcadas, y unos coros que acentúan su pasión por la música negra.

Con Maniac blues cesa la calma y regresa la tormenta, las guitarras vuelven a sonar hirientes, y el ritmo se vuelve a acelerar nuevamente, sin embargo, Third time's the charm regresa al sonido que de verdad hace de este disco algo especial, con ese soul brillante, siendo protagonistas los instrumentos de viento que de forma precisa se acuestan en la composición. The Bellrays despiden el álbum con la canción más larda de todo el álbum, se llama Beginning from the end y es donde se encargan de reunir todos los ingredientes esenciales que han dotado al disco de tal sonido. Cambios de ritmo con guitarras potentes, calmados pasajes para el lucimiento de la voz de Lisa, una base rítmica ágil...sin palabras.

Have a little faith es quizás la obra clave del grupo, a mí por lo menos me ha resultado el álbum más sorprendente en cuanto a variedad de sonidos. Capaces de crear potentes canciones, o de sorprender con excitantes momentos de auténtica música negra. Grandioso.

Mi puntuación: 9' 25

Tracklist:

Tell The Lie
Time Is Gone
Chainsong (I've been searching)
Pay the Cobra
Snotgun
Have a Litlle Faith in Me
Change The World
Detroit Breakdown (Horn Interlude)
Lost Disciples
Everyday I Think Of You
Maniac Blues
Third Time's The Charm
Beginning From The End

La canción de hoy es... Beds Are Burning de Midnight Oil.

noreply@blogger.com (Richy) — Thu, 19 Jan 2012 10:23:00 PST

Midnight Oil es una banda australiana que a lo largo de su carrera ha practicado estilos como el Post Punk, Pop Rock y Rock Alternativo.

Beds Are Burning es un tema que está incluído en el álbum titulado Diesel & Dust, del año 1987.

Rick Springfield - Venus in Overdrive (2008)

noreply@blogger.com (Richy) — Thu, 19 Jan 2012 10:12:00 PST

Rick Springfield, un músico y actor australiano, concretamente de Sydney, y que en nuestro país es bastante desconocido, a pesar de su amplia carrera musical y de haber logrado gran popularidad en varios países gracias a clásicos como Jessie's Girl, canción que le llevó a ser ganador de un Grammy.

En 2008 editó este álbum titulado Venus in Overdrive, una colección de 12 canciones de Pop Rock, aderezadas con buen A.O.R. y ciertas dosis de Power Pop guitarrero.

El álbum comienza con una gran canción titulada What's Victoria's Secret?, con melodías vocales maravillosas y un estribillo muy pegadizo, una de las joyas del álbum.

También destacamos la belleza que desprende I'll miss that someday, que mantiene lo que será la tónica del álbum, que no es otro que ofrecernos estribillos de fácil asimilación, y que invitan a cantar estés donde estés.

El tema título Venus in overdrive podría resultar ser otro corte de factura impecable si no fuera por los excesivos adornos electrónicos que empañan un poco el resultado final de la misma.

Podemos decir que el resbalón en el corte anterior queda totalmente olvidado cuando escuchas One Passenger, en mi opinión, la composición más atractiva del disco, conteniendo todos los ingredientes posibles para convertirse en un hit implacable de las radios, si estas no se dedicaran solo a amasar dinero, despreciando cualquier atisbo de creatividad y calidad. Un ejemplo de canción sencilla y a su vez con un gancho melódico poderoso.

Con Oblivious deceleramos un tanto las pulsaciones, ya que de nuestros oídos se apodera una balada preciosa con un estribillo cantado en falsete. Otro tema destacable del disco.

3 Warning shots comienza de forma sosegada para terminar en un impuso de rabia en los estribillos, mientras tanto, Time Stand Still se muestraa como un corte de Power Pop ágil en sus melodías, apoyadas en efectivas y sencillas guitarras.

God Blinked (Swing It Sister) podría haber resultado una canción más completa de lo que en realidad ha quedado, ya que por momentos se muestra un tanto caótica, a pesar de contar con el aliciente de una pequeña sección de instrumentos de viento, que la dota de mayor interés.

Mr. Pc se erige como la canción más convincente de la segunda parte del álbum, siendo un corte guitarrero, rozando el más puro hard rock melódico. She es un medio tiempo vibrante de guitarras contundentes cuando éstas hacen acto de presencia. Nothing in ever lost es un pequeño corte acústico, mientras que Saint Sahara es la encargada de despedir el álbum, siendo una composición con tintes más folk, aunque a medida que van pasando los minutos va adquiriendo una sonoridad más potente y eléctrica, para mí una forma acertada de finalizar este Venus in Overdrive.

Lo dicho, estamos ante un disco de fácil asimilación, de estribillos muy melódicos, eso sí, todo barnizado con un capa de calidad y elegancia. Un álbum perfecto para todos aquellos que busquen canciones directas y frescas.

Mi puntuación: 7'5

Tracklist:

What's Victoria's Secret?
I'll Miss That Someday
Venus In Overdrive
One Passenger
Oblivious
3 Warning Shots
Time Stand Till
God Blinked (Swing it Sister)
Mr. Pc
She
Nothing Is Ever Lost
Saint Sahara

The Answer - Everyday Demons (2009)

noreply@blogger.com (Richy) — Thu, 19 Jan 2012 09:03:00 PST

Formación de la banda en Everyday Demons:

Cormac Neeson (Voces)
Paul Mahon (Guitarras)
Micky Waters (Bajo)
James Heatley (Batería)

Desde hace unos años se está hablando y mucho de esta banda originaria de Downpatrick (Irlanda del Norte), y es que tras ese fenomenal debut titulado Rise, critica musical y gran parte del público les han señalado como la gran esperanza del rock. Se entiende que tal etiqueta se le ha colgado ya a multitud de bandas, pero a tenor de lo conseguido por The Answer, parece que esta vez va la vencida. Sobre todo porque ya tienen tres discos en el mercado, tras la publicación de su último trabajo llamdo Revival, que ya analizaremos más adelante. Hoy nos toca hablar del segundo álbum, titulado Everyday Demons, y donde su sonido, como ya hicieran en dicho debut, navega por el hard rock setentero de influencias básicas como Led Zeppelin, Free o Bad Company, eso sí, con un toque de los Black Crowes, banda que lideró una especie de "Revival" en los años 90, y que continúa defendiendo a día de hoy.

The Answer poseen un guitarrista notable, una base rítmica a la altura de lo que requiere una buena banda de rock, y sobre todo una gran voz, la de Cormac Neeson, que puede marcar una época.

Todo ello se deja entrever desde la canción inicial, un trallazo potente llamado Demon Eyes, donde la voz de Cormac aparece en un primer plano, hasta que segundos más tarde estalla definitivamente la potencia sonora de la banda. Coronado todo ello por un estribillo vibrante, de grandiosos y efectivos coros. Una forma de comenzar espectacular, sin duda.

Proseguimos con Too far gone, otro tema potente repleto de grandes melodías vocales, con un estribillo machacón que se te queda grabado a las primeras de cambio en tu cabeza. On and On mientras tanto, es un tema más directo, de fácil asimilación al oído, el típico single de presentación, con un estribillo resultón.

Con Cry Out bajamos unas cuantas revoluciones, donde incluso Cormac se muestra más comedido, cambiando totalmente de registro, para asegurarnos un medio tiempo de gran intensidad y de elegancia por cada nota musical que sale de los altavoces.

Why'd you change your mind me suena bastante a Zeppelin, siendo un tema reposado en las estrofas, pero que sabiendo que algo grande va a llegar, y por supuesto ese "algo" llega en forma de explosión monumental, con unas guitarras afiladas durante un estribillo potente comandado por un vocalista desatado.

Con Pride el grupo retoma la senda rockera, alimentado por un estribillo sencillo pero épico. Un tono netamente rockero que se repetirá en la genial Walkin' mat.

Con Tonight entramos en la faceta más festiva del grupo, un hit potencial de corto minutaje, con melodías vocales muy melódicas y guitarras muy resultonas, siendo una de esas canciones donde los coros tienen mucho que decir.

Dead of the Night es otro tema incendiario, con unos bajos muy marcados, y unas guitarras que desprenden mucha rabia.

Con Comfort Zone llegamos a un medio tiempo precioso, que va ganando en fuerza a medida que se suceden los segundos, y donde de nuevo nos demuestra a un vocalista muy cómodo en todos los registros vocales que utiliza. Para el final nos queda Evil Man, despidiendo el disco de forma potente, y con uno de mis coros preferidos del disco.

The Answer sigue alimentando todos esos comentarios que los señalan como la "respuesta" a todos los que pedían un nuevo líder dentro del Rock, gracias a discos de impecable factura. Everyday Demons tiene todos los ingredientes imprescindibles que requieren una gran obra de Hard Rock potente. Tenemos grupo para rato.

Mi puntuación: 9

Tracklist:

Demon Eyes
Too Far Gone
On And On
Cry Out
Why'd You Change Your Mind
Pride
Walkin' Mat
Tonight
Dead of the Night
Comfort Zone
Evil Man

En 2012...

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 16 Jan 2012 01:07:00 PST

No me he ido, simplemente estoy recopilando ideas, información y pensando entre otras cosas, en hacer secciones nuevas. Durante todo el 2012 podréis seguir leyendo nuevos análisis de discos que publicaré de forma regular.

Un saludo a todos los lectores.

Amorphis - The Beginning of Times (2011)

noreply@blogger.com (Richy) — Thu, 22 Dec 2011 03:23:00 PST

Formación del grupo en The Beginning of Times:

Tomi Joutsen (Voces)
Esa Holopainen (Guitarras)
Tomi Koivusaari (Guitarras, Coros)
Niclas Etelävuori (Bajo)
Jan Rechberger (Batería)
Santeri Kallio (Teclados)

Hablar de Amorphis es hacerlo de una de las formaciones de mayor nivel en el continente europeo. Es difícil dar forma a una discografía donde prácticamente todos sus discos se sitúan entre lo mejor del estilo, y más aún, que en este último disco, después de unos cuantos ya, vuelvan a sacar lo mejor de sí mismos.

Amorphis es un grupo finlandés que sitúa su música en estilos como el Melodic Death Metal, Folk y con el tiempo, arrimándose todavía más al Metal Progresivo.

En un mundo en el que la música de masas se ha vuelto superficial, anodino y previsible, y el ser humano (el que hace lo que un rebaño) se ha vuelto vago y sedentario musicalmente hablando, ya que el público en general, solo consume música que le pongan delante de sus narices y repetidas veces, lo que confirma que el cerebro, se pone a trabajar muy poco.

Mientras tanto, la irrupción de un álbum como el que nos ocupa, nos hace ver la luz creativa de una banda que con toda justicia deberían tener un lugar destacado en toda estantería musical.

Definir el disco en unas pocas palabras sería utilizar términos como complejidad, variedad y buen gusto, tanto melódico como técnico, pero no virtuoso, pues no hace falta serlo para mostrar al mundo lo bueno que eres. A veces es más complicado hacer realmente bien lo sencillo.

The Beginning of Times es un álbum compuesto por un total de 12 canciones más un bonus track, y donde es bastante complicado destacar una canción sobre otra, ya que todas poseen algo que las hace imprescindibles para la escucha. Eso sí, como en todo gran trabajo, requiere de varias escuchas para captar todos los matices y detalles posibles.

Por cierto, estamos ante una obra conceptual donde se relatan historias acerca de Väinämöinen, un Dios finlandés.

El primer corte es Battle for Light y el que da una idea de lo que nos vamos a encontrar en el álbum, aunque más adelante nos esperan algunas sorpresas sonoras. Un inicio precioso a cargo de unos teclados, de las cuales se extrae una melodía que será más tarde ejecutada por las guitarras y que será el riff que nos acompañe durante toda la canción, junto con unas magistrales voces limpias y melódicas combinadas con otras más brutales y guturales.

Sin embargo, en Mermaid la banda saca toda su artillería melódica a través de un corte monumentan, con bellas voces femeninas como acompañamiento y unas estrofas y estribillos brillantes en el aspecto vocal de Tomi Joutsen.

My Enemy se inicia con un pegadizo riff de guitarra acompañado por los omnipresentes teclados. Se trata de un corte con una gran dosis de voces guturales en sus estrofas, que se vuelven limpias y melódicas en los estribillos, para dotarlo de más gancho melódico.

You i Need es el single del disco, y por norma general, suele ser de los que más gancho melódico posee para poder asimilarlo de primeras, y en esta ocasión, no es ninguna excepción. Se trata de un corte de melodías preciosistas, con sintetizadores y pianos adornando los riffs de guitarra. En la parte central hay espacio para que dichos instrumentos sean protagonistas, junto a un bonito solo de guitarra.

Song of the Sage es una pequeña sorpresa sonora, y es que su inicio tiene más que ver con el Power Metal, que con su estilo propio. Eso sí, ejecutada de manera magistral, incluso incluyendo momentos más folk, acompañados de una preciosa flauta. Three Words es un tema de algo menos de 4 minutos, donde Joutsen nos ofrece su forma más elegante de entonar las estrofas, junto a unos estribillos épicos.

En Reformation seguimos la senda más melódica y monumental de Amorphis algo que contrasta con la brutalidad de algunas voces de Joutsen en Soothsayer, eso sí, como en muchas ocasiones, acompañadas de otras delicadas y bellas.

On a Stranded Shore se mueve por aguas ya descubiertas por Amorphis, no así la genial Escape, poseedora de un riff oscuro y pausado en una canción de excelentes coros y gran poderío melódico en sus estribillos.

Crack in a Stone pone las dosis de rabia, las últimas del álbum, ya que los cortes que quedan, vuelven a sugerir belleza y épica, como son Beginning of Time y el Bonus Track Heart's Song.

Amorphis lo han vuelto a hacer, una vez más han editado un trabajo de impecable factura, variedad, y todo ello sin renunciar a nada, ni a la belleza sonora ni a la rabia más desgarradora. The Beginning of Times es una excelente continuación del memorable Skyforger, y ya van unos cuantos trabajos deliciosos.

Mi puntuación: 9'25

Tracklist:

Battle for Light
Mermaid
My Enemy
You I Need
Song of the Sage
Three Words
Reformation
Soothsayer
On a Stranded Shore
Escape
Crack In a Stone
Beginning of Time
Heart's Song (Bonus Track)

The Soulbreaker Company - Itaca (2010)

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 12 Dec 2011 08:55:00 PST

Formación del grupo en Itaca:

Jony Moreno (Voces, Guitarras acústicas)
Daniel Triñares (Guitarras)
Asier Fernández (Guitarras, Coros)
Jose Javier Manzanedo (Bajo)
Andoni Ortiz Domingo (Batería)
Óscar Gil (Teclados, Coros)

Escucho y leo a muchas personas que demandan día sí y día también que España no tiene grandes grupos musicales, y que en su defecto no hay, al margen de Héroes del Silencio, más grupos que puedan competir de tú a tú con otros grupos internacionales.

El problema no está en el nivel de las bandas, sino en la gente que se queja, y ni busca ni profundiza, y es que cuando un grupo español como The Soulbreaker Company lanza tres álbumes de un nivel excelente, y con cero repercusión para lo que realmente ofrecen, solo me queda pensar que, o existe mucha sordera, o no vivimos en este mundo, o simplemente nos quejamos porque sí, y es que a estas alturas de la película, esta formación de Vitoria debería estar abanderando el rock de nuestro país en todo el mundo. Pasa que, los ingleses, alemanes, franceses, norteamericanos...saben exportar muy bien lo que tienen, en España no, o se ignora, o simplemente pisoteamos entre todos lo mejor que tenemos, Spain is differente, sí, pero para lo malo.

The Soulbreaker Company es un grupo vasco, como decía antes, de Vitoria, y posee tres álbumes editados, los dos primeros en clave de Hard Rock con tintes sureños, mientras que el que nos ocupa, ahonda en los sonidos de la psicodelia setentera, con obvios elementos progresivos, sin dejar de lado el sonido hard rock de dicha época.

Sin ir más lejos, Itaca está producido por Dave Anderson, quien fuera bajista de Hawkwind, Amon Düul y The Groundhogs, y que a su vez ha producido a bandas como Porcupine Tree, Blue Cheer o Van der Graaf Generator...lo que me confirma que la gente de fuera, valora mucho más a nuestros grupos, que nosotros mismos.

Pero vayamos al contenido de Itaca, que desde luego comienza a llamar la atención desde su preciosa portada, y donde nos obsequian con un total de 11 canciones, dos de ellas It's Dirt y Sandstorm en clave de suite progresiva, siendo los títulos más largos en cuanto a minutaje se refiere. La primera de ellas nos llena los oídos de sonidos épicos, grandilocuentes atmósferas, e incluso espacios generosos para que instrumentos como el saxo, aporten diferentes y ricos matices, y en la segunda, los teclados con tintes psicodélicos juegan un papel muy importante.

En Oh! Warsaw nos obligan a apaludir de principio a fin, gracias a esa paleta de sonidos maravillosos, y a la voz de Jony Moreno, donde se muestra impresionante en estrofas mágicas y estribillos melódicos. Pero se nos terminará por caer la mandíbula al suelo al escuchar la parte central, donde unas guitarras apasionantes marcan un camino de flores hasta llegar el magistral solo de saxo. Solo podremos recoger nuestra preciada pieza bucal cuando la canción toca a su fin, eso sí, con el corazón disparado de emoción, al saber que todavía quedan más temas por escuchar.

Lo siguiente es Sow The Roses, una composición donde las acústicas adquieren un papel principal, y que probablemente sea la canción más accesible al oído.

Para contrastar lo escuchado en el anterior corte, llega el turno de Rude Perfume, un trallazo de riffs afilados, digno de la mejor escuela setentera. Imprescindible.

En los primeros compases de Colours of the Fire uno ya intuye que algo grande va a pasar, y es que esas guitarras elegantísimas, esos suaves teclados y el ritmo marcial de la batería, indican grandilocuencia. Y así, es, tratándose de un corte con contínuos cambios de ritmo y notables solos de guitarra, donde además, Jony Moreno se ve acompañado por unos coros femeninos en las partes más pausadas.

En Where Mermaids Sing Loud los pianos cobran un mayor protagonismo, dotando de más cuerpo a este medio tiempo.

En No Way Back Home vuelve a hacer acto de presencia el saxo en otro corte preciosista, y Hail While She Leaves es quizás un corte más directo y melódico.

Los dos títulos que me quedan por nombrar son Take a Seat On The Moon, donde el grupo vuelve a demostrar el buen gusto por las composiciones elaboradas, y la enérgica Saviours de apenas poco más de tres minutos de duración.

Este álbum confirma que el tópico ese de que en España no hay bandas a la altura de formaciones internacionales, es totalmente falso, siempre lo ha sido, el problema es que aquí se le da más importancia a la farándula y a los grupos de escasa creatividad, que a lo que realmente importa.

Itaca muestra la evolución de un grupo que todo lo que ha tocado lo ha convertido en una verdadera obra de arte. El que no quiere conocer grupos como éste, es el que después se queja, sin haber buscado un poco en la música de nuestro país. Ahí queda eso.

Mi puntuación: 9'5:

It's Dirt
Oh! Warsaw
Sow The Roses
Rude Perfume
Colours Of The Fire
Where Mermaids Sing Loud
No Way Back Home
Hail While She Leaves
Take a Seat On The Moon
Saviours
Sandstorm

The Corrs - Talk On Corners (1997)

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 12 Dec 2011 08:03:00 PST

Formación del grupo en Talk on Corners:

Andrea Corr (Voces, Flauta Tin Whistle)
Sharon Corr (Violín, Coros)
Jim Corr (Teclados, Piano, Guitarras, Acordeón, Coros, Programaciones)
Caroline Corr (Batería, Percusión, Coros, Piano, Bodhrán)

Respetable grupo de Pop Rock con elementos de música celta, originarios de Dundalk (Irlanda). En su primer álbum ya habían llamado la atención del gran público, aunque no fue hasta este segundo disco llamado Talk On Corners donde terminaron por explotar comercialmente, y es una de las pocas veces en las que esa explosión, va acompañada de un buen nivel, y es que en mi opinión se trata de la cima compositiva de los irlandeses.

Es una lástima que haya canciones que se vean empañadas por ciertas programaciones y sonidos electrónicos que le restan naturalidad a ciertas composiciones que podrían haber tenido un resultado más satisfactorio.

El disco se inicia con un tema muy reconocible desde sus primeros compases, se trata de Only When I Sleep, de marcado corte Pop Rock, con excelentes coros y con alternancia de guitarras acústicas y eléctricas. No faltan los típicos sonidos celtas, a los que nos tienen acostumbrados.

When He's Not Around es un corte Pop con un luminoso estribillo y un notable final con buenos aportes de violín y whistle.

Dreams es una acertada versión del clásico de los fenomenales Fleetwood Mac, mostrando el lado más folk del grupo, aunque algo lastrada por los innecesarios sonidos electrónicos.

What Can I Do es probablemente una de las canciones más radiadas y famosas del grupo, tratándose de una balada preciosa, guiada por la cálida voz de Andrea Corr. Los coros juegan un papel muy importante, junto a los pianos.

I Never Loved You Anyway muestra la parte más rockera del grupo, con un estribillo lleno de fuerza, para lo que nos tienen acostumbrados los irlandeses, algo que de nuevo se acentúa en una de las mejores canciones del disco, como es So Young, con estrofas reposadas y estribillos dinámicos y sólidos.

La segunda parte del álbum no está al nivel del primero, más que nada porque contiene tres canciones que bajan algo el nivel del disco, como son Don't Say Goodbye, Love Gives Love Takes e Intimacy.

Lo que queda por nombrar, son temas más que aceptables, como Hopelessly Addicted, y ese ritmo "tribal" que junto con Queen of Hollywood se encargan de mantener el nivel del disco, aunque sin aportar demasiado.

Para el final, dejo los títulos de las canciones que mayor calidad poseen de esta segunda parte del álbum, y son la instrumental Paddy McCarthy, que aporta el lado más folk del grupo, la versión adaptada al estilo The Corrs del clásico de Jimi Hendrix titulado Little Wing y la que para mí es la mejor canción del disco, la excelente No Good For Me, siendo un corte Pop Rock de gran agilidad, con melodías vocales preciosas y unos coros magistrales, que fusionados con las partes de violín, hacen de esta canción una joya.

Nunca The Corrs ha vuelto a entregar un álbum tan sólido como Talk On Corners, más que nada porque en posteriores lanzamientos comenzaron a inclinarse más hacia el Pop comercial y facilón, que hacia el lado folk que al fin y al cabo era lo que le daba cierta calidad y variedad a las canciones.

Mi puntuación: 7'5

Tracklist:

Only When I Sleep
When He's Not Around
Dreams
What Can I Do
I Never Loved You Anyway
So Young
Don't Say You Love Me
Love Gives Love Takes
Hopelessly Addicted
Paddy McCarthy
Intimacy
Queen of Hollywood
No Good For Me
Little Wing

Blanc Faces - Falling From The Moon (2009)

noreply@blogger.com (Richy) — Thu, 01 Dec 2011 01:58:00 PST

Formación de la banda en Falling From The Moon:

Robbie LaBlanc (Voces, Guitarras)
Brian LaBlanc (Voces, Bajo)
Kyle Woodring (Batería)
Jeff Batter (Teclados)

Blanc Faces es un grupo de Hard Rock/A.O.R. de los Estados Unidos relativamente nuevo, de hecho, apenas poseen dos discos en el mercado, aunque sus integrantes son ya veteranos y es que su experiencia musical viene de atrás, en otros grupos, es más, el batería Kyle Woodring ha militado en la afamada banda llamada Survivor.

Falling From The Moon es un disco de guitarras cristalinas y una pulcra producción que resalta la parte más elegante de cada composición, todo ello apoyado en suaves teclados y pianos, para dar más empaque a las melodías.

El álbum se compone de 12 cortes, con momentos de buen hard rock, pero también con algunas dosis de medios tiempos y las consiguientes baladas, que no suelen faltar en discos del estilo.

La primera parte del disco es sin duda brillante, con canciones muy melódicas, donde las voces se muestran muy cuidadas, con estribillos coreables y precisos, algo que se puede apreciar en la inicial I Come Alive.

Después de esta buena apertura, seguimos con la composición que da nombre al disco, Falling From The Moon, una canción magistral de corte AOR, con una combinación de voces perfecta. Las estrofas son exquisitas, terminando en un estribillo explosivo.

Siguen por caminos parecidos en títulos como I Swear To You y It's About The Love, siendo esta última una de las canciones imprescindibles del álbum.

Hay espacio para una balada, aunque apenas es rescatable, siendo un tanto anodina, como es Everything.

Con Goodbye Summer Goodbye vamos despidiendo la primera parte del álbum, para adentrarnos en una segunda de ritmo más pausado, y es que la citada canción es un medio tiempo, que perfectamente podría haber firmado Brian Adams en su mejor momento. En los mismos términos nos encontramos Deep In The Heart.

El ritmo aumenta de nuevo con canciones como Don't Take It Away y sobre todo con la genial Like A Believer, está última con unas voces más rasgadas de lo que nos han mostrado en temas anteriores.

I Will es una canción sencillamente genial, muy dinámica y vibrante, con un estribillo muy pegadizo.

Light Of The World y Fly son las dos baladas presentes en esta segunda parte del álbum, que la verdad mejoran mucho con respecto a Everything, al menos contienen un componente emocional bastante más acusado, con buenos coros y notables líneas vocales.

Falling From The Moon es un álbum que en definitiva es muy agradable para cualquier oído humano, las guitarras son comedidas, los teclados muy luminosos, y las voces muy buenas, mostrándose muy melódicas, que hacen que una persona que no esté acostumbrada al Rock, pueda escuchar el álbum de un tirón sin despeinarse. Se necesitan discos así de vez en cuando, que aunque sean de fácil asimilación, se note cierta calidad en las composiciones.

Mi puntuación: 8

Tracklist:

I Come Alive
Falling From The Moon
I Swear To You
Everything
It's All About The Love
Goodbye Summer Goodbye
Deep In The Heart
Don't Take It Away
Like A Believer
Light Of The World
I Will
Fly

Moon Safari - Lover's End (2010)

noreply@blogger.com (Richy) — Wed, 30 Nov 2011 03:17:00 PST

Formación del grupo en Lover's End:

Simon Akesson (Voces, Piano, Órgano, Moog, Mellotrón, Teclados)
Peter Sandström (Voces, Guitarra acústica, Armónica)
Anthon Johansson (Guitarras acústicas y eléctricas, Coros, Percusión)
Johan Westerlund (Bajo, Coros)
Tobias Lundgren (Batería, Percusión, Coros)

Moon Safari es un grupo sueco de Rock progresivo, con la particularidad de que en esta formación todos sus integrantes tienen unas dotes excelentes para el canto, y es que la riqueza vocal de este disco deja impresionado a todo el que le de una oportunidad.

Los suecos realizan un rock progresivo muy melódico, con pasajes llenos de luz, muchas guitarras acústicas y el sello personal de las voces, como ya citamos antes, que parecen homenajear a grupos como los Beach Boys.

El progresivo es un género tan amplio y diverso, con tantos subgéneros que muchas veces unos grupos llegan a tener una sonoridad muy diferente entre sí, y ahí reside parte del encanto de un estilo que se enorgullece de poseer bandas que publican discos muy elaborados, capaces de captar con sus composiciones momentos mágicos. Pero vayamos al grano.

Lover's End es el tercer disco de estudio de la banda, y fue editado el pasado año, conteniendo un total de 8 canciones.

El primer tema es Lover's End (Pt. I), que se inicia con unos preciosos pianos acompañados de una armónica. En cuanto comienzan a sonar las voces, nos damos cuenta de que ese apartado ha sido especialmente cuidado, con unas líneas vocales preciosas y unos coros impresionantes.

La siguiente canción A Kid Called Panic, me recuerda por momentos a los Marillion más melódicos. Se trata de la suite del álbum, el corte de mayor minutaje, con sus consiguientes cambios de ritmo y dosis de virtuosismo, aunque como ya he dicho anteriormente, la luminosidad de las melodías y las letras es el rasgo más característico.

Southern Belle contiene un ejercicio vocal maravilloso, con un inicio cantado a capella, aunque más tarde esas voces serán acompañadas de un delicado piano. Sin embargo, en mi opinión la joya del álbum es la excelente The World's Best Dreamers, y es que simplemente es preciosa, de principio a fin. Todo suena bien conjuntado, de forma sólida y sus melodías ponen los sentimientos a flor de piel.

New York City Summer Girl y Heartland aportan al álbum la parte más camaleónica y agitada del álbum, sin descuidar la atmósfera optimista que sus composiciones desprenden.

Para el final tenemos un tema largo titulado Crossed The Rubicon , plagado de deliciosas guitarras acústicas y un pequeño corte con cierto aire Beatle, que corresponde al nombre de Lover's End (Pt. II).

Resumiendo, tenemos la gran suerte de que grupos como Moons Safari, apuesten por un estilo tan arriesgado como el progresivo, y que aún encima aporten ciertos elementos novedosos, o que al menos expriman al máximo todas sus posibilidades, algo que demuestran en el apartado vocal. En lo instrumental hacen alarde de cierto virtuosismo, pero lejos de caer en el tópico de hacer que la sonoridad suene oscura, ellos aportan luminosidad y un precioso aire oprimista, que de vez en cuando le alegran la vida a cualquiera.

Mi puntuación: 9

Tracklist:

Lover's End (Pt. I)
A Kid Called Panic
Southern Belle
The World's Best Dreamers
New York City Summer Girl
Heartland
Crossed The Rubicon
Lover's End (Pt. II)

Human Temple - Murder of Crows (2010)

noreply@blogger.com (Richy) — Tue, 29 Nov 2011 01:51:00 PST

Formación del grupo en Murder of Crows:

Janne Hurme (Voces)
Risto Tuominen (Guitarras)
Harri Kinnunen (Bajo)
Kalle Saarinen (Batería)
Jori Tojander (Teclados)

Human Temple es un grupo procedente de Finlandia, que ofrece a la música buenas dosis de Hard Rock melódico y ciertos elementos A.O.R., aunque de una vertiente algo más oscura, de hecho, el timbre de voz de Janne Hurne podría asentarse perfectamente en un grupo de rock gótico sin ningún tipo de problemas.

Por el momento, tienen dos discos de estudio publicados, y no estaría mal que siguieran por el camino que se han marcado, ya que podemos estar ante un grupo que puede dar que hablar en un futuro no muy lejano.

Murder of Crows contiene 10 canciones, siendo un álbum de minutaje justo, ideal para saborear con tranquilidad todas las canciones que nos ofrecen.

Nombrando las canciones más destacadas, sería prácticamente mencionar todos los títulos del disco, ya que la calidad es patente y las cuidadas melodías vocales se hacen notar agradablemente en los oídos del oyente, apoyadas por fenomenales guitarras y buenos aportes de teclado.

Not my Fault es la encargada de dar el pistoletazo de salida, donde se muestra a una banda potente, con una buena base rítmica y guitarras que parecen cabalgar, aunque quizás todas estas virtudes se acentúan en la soberbia Empty Stages, que desde su inicio, con un riff muy melódico, nos abre de par en par todos los sentidos, anticipándonos que se trata de una de las composiciones clave del álbum, coronada majestuosamente por uno de los mejores estribillos que he escuchado en años.

En Just One Night se pueden apreciar de forma clara las influencias más suaves del A.O.R., sobre todo gracias al omnipresente teclado, a una menor saturación de las guitarras, y dejando que la voz se torne más melódica.

Promise Land posee un inicio pausado, con voz y guitarra exhibiéndose en los primeros segundos, mientras que poco a poco adquiere un formato de medio tiempo contundente, mientras que Lie es otro enorme ejercício de rock melódico, con coros y teclados épicos.

Como veís, de la primera parte del disco destacamos absolutamente todas las canciones, y es que no tienen desperdicio. En la segunda parte el nivel decae, pero solo un poco ya que gemas como Ghost of You mantienen la gran calidad que ha mostrado en anteriores composiciones.

Secret se mueve en términos parecidos a Empty Stages, donde las melodías vocales son excelentes, mientras que para el final nos obsequian con What About My Broken Heart que es 100% A.O.R, con un estribillo precioso, y acompañado de excelentes coros.

Este segundo álbum de Human Temple viene a demostrar la inagotable cantera que existe en los países nórdicos, independientemente del estilo musical que practiquen. Banda a tener en cuenta en posteriores lanzamientos, habrá que estar muy atentos.

Mi puntuación: 8'5

Tracklist:

Not My Fault
Empty Stages
Just One Night
Promised Land
Lie
Yours Cold Blooded
Ghost of You
Emily
Secret
What About My Broken Heart

20 Discos esenciales de Heavy Metal.

noreply@blogger.com (Richy) — Fri, 11 Nov 2011 08:14:00 PST

- Judas Priest - Sad Wings of Destiny (1976)

Uno de los nombres más respetados y aclamados de toda la música en general. La carrera de Judas Priest en buena parte de la década de los 70 hasta mediados los 80, merece una atención especial. Pocos grupos pueden presumir de lograr una discografía tan amplia y sólida. En mi opinión, este disco marcó todo lo que vino después, por eso creo que es fundamental incluírlo en la lista.

- Black Sabbath - Heaven and Hell (1980)

Difícil decisión elegir un solo álbum de Black Sabbath, y es entonces donde seguro habrá mucha gente que no esté de acuerdo con mi elección. Pero quisiera destacar que si la banda ya era grandiosa cuando Ozzy era el vocalista, imaginaros en este álbum el añadido de que el vocalista sea Dio, pues da como resultado un apartado vocal más brillante, ya que en lo instrumental, ya habían sido pioneros en varias facetas. Por eso elijo un disco de la era Dio.

- Manilla Road - Mystification (1987)

Si hubiera sido por la calidad de sus álbumes en los 80, Manilla Road deberían haber estado en la élite del Heavy Metal en cuento a popularidad se refiere, ya que discos como este atestiguan que sus composiciones tenían tal calidad, que para nada tendrán que envidiar a otros grupos más consagrados. Heavy Metal potente y con elementos cercanos al Thrash.

- Diamond Head - Lightning To The Nations (1980)

Grupo que ha conseguido prácticamente toda su fama y reconocimiento musical gracias a este disco que también supuso ser su debut. Después acabarían relegados al olvido, en parte, por no saber dar continuidad a lo mostrado en Lightning To The Nations.

- King Diamond - Abigail (1987)

Banda liderada por el propio King Diamond, de origen danés, y que tras escribir algunas páginas de oro con Mercyful Fate, emprendió su propio proyecto, construyendo una carrera musical sólida y repleta de momentos memorables como los que encontramos en Abigail.

- Sortilége - Larme des Héros (1986)

Gran grupo francés al que probablemente le ha penalizado su procedencia y y su idioma empleado, el francés. Más que nada porque lamentablemente, en el mundo de la música, suelen obtener premio todos aquellos grupos que procedan de un país de habla inglesa, o por el contrario, decidan cantar en inglés.

Heavy metal muy potente en un disco grandioso que nunca pudo ser superado, ya que lamentablemente este es el último de los dos discos de estudio que el grupo ha publicado.

- Saxon - Strong Arm Of The Law (1980)

Una de las obras maestras absolutas de la legendaria banda británica. Su época dorada reside sobre todo a principios de los 80, aunque no podemos olvidarnos de ellos en la actualidad, ya que en los últimos años han publicado algunas obras que superan con creces más de la mitad de su discografía completa.

- Angel Witch - Angel Witch (1980)

Ejemplo de grupo que da el pelotazo y sorprende al mundo con su primer trabajo, y que después no es capaz siquiera de acercarse un poco a las expectativas que habían creado. Este disco es majestuoso, y muy a tener en cuenta dentro de la NWOBHM.

- Iron Maiden - Seventh Son of a Seventh Son (1988)

Uno de los grupos más influyentes de la historia, siendo autores además de una discografía llena de obras maestra dentro del estilo. Este álbum es considerado por algunos como la obra cumbre del grupo, eso sí, enfrentada contra otro puñado de discos que también merecerían ser destacados. Para mí, es su mejor álbum.

- Mercyful Fate - Melissa (1983)

Dinamarca ha querido poner su sello de oro en el Heavy Metal con la grandiosa banda llamada Mercyful Fate, autores de dos discazos impresionantes como son Melissa y Don't Break The Oath.

- Dio - Holy Diver (1983)

Holy Diver supuso ser el debut en solitario de la carrera del señor Ronnie James Dio, uno de los vocalistas más impresionantes que ha dado el estilo. Se sentía igual de cómodo cantando Heavy Metal como Hard Rock, su voz superaba todas las barreras posibles. Una lástima su fallecimiento en 2010.

- Queensrÿche - Operation: Mindcrime (1988)

Disco de Heavy Metal, pero con indudables tendencias progresivas y ciertos elementos de ópera Rock. Queensrÿche convenció a medio mundo de que su propuesta era más que válida y de grandiosa calidad.

- Motörhead - Overkill (1979)

Disco potente y lleno de rabia. Heavy Metal aderezado con potente Hard Rock e incluyendo además ciertas dosis de Speed Metal. Un trabajo memorable que sin embargo, Motörhead ha tratado de emular una y otra vez en posteriores discos, lo que hace que a veces se le tilde al grupo de repetitivo, y la verdad es que a quien lo piense no le falta razón.

- Bruce Dickinson - The Chemical Wedding (1998)

La carrera de Dickinson en solitario ha tenido momentos muy fructíferos gracias a discos como éste. Quizás Accident of Birth sea el único capaz de discutirle al que nos ocupa, la nominación a mejor disco de Bruce Dickinson en solitario, y que demuestran que se puede valer por sí mismo, sin sus compañeros de Iron Maiden.

- Slough Feg - Traveller (2003)

Otra de las formaciones que merecen mucha más atención de lo que tanto público y crítica les ha prestado. ¿El motivo? Lo tienes delante, y es que discos como Traveller muestran a una banda muy potente con gran talento para componer muy buenas canciones.

- Crimson Glory - Transcendence (1988)

Genial grupo procedente de los Estados Unidos, y que amplía su sonoridad gracias a los numerosos elementos progresivos que incluyen en su música. Lamentablemente tienen una discografía muy corta, aunque siempre nos quedará el poder disfrutar de sus primeros dos discos de estudio, que realmente son impresionantes, sobre todo este Transcendence.

- Savatage - Gutter Ballet (1989)

Maravilloso grupo estadounidense al que gusta dotar a su música de un sonido épico, fusionando el Heavy Metal con el Metal Progresivo. Savatage obsequió al mundo de la música con una retahila de discos impresionantes a finales de los 80 y a principios de los 90.

- Accept - Restless and Wild (1982)

Grupo clásico donde los haya, en este disco, una de sus mejores obras de su carrera, han querido darnos un buen puñado de canciones de corte Heavy, con ciertos momentos Speed, así como alguna que otra pincelada de Hard Rock.

- Hammers of Misfortune - The Locust Years (2006)

El futuro del Heavy Metal está asegurado gracias a grupos como Hammers of Misfortune, un grupo de San Francisco (Estados Unidos) que guste de fusionar el Metal Clásico con el Progresivo. Llevan desde el año 2000 en activo y ya han ofrecido varios discos de gran nivel.

- Omen - The Curse (1986)

Omen, un grupo de Los Ángeles (Estados Unidos) que ha ofrecido una tripleta de discos a mediados de los 80, que hacen que elegir uno de ellos sea una odisea. Tras esos tres discos, llegaron los momentos más flojos. Este disco es un trallazo repleto de guitarras afiladas, con momentos que llegan a rozar el Speed Metal.

20 Discos esenciales de Gothic Metal.

noreply@blogger.com (Richy) — Thu, 10 Nov 2011 10:08:00 PST

- Sentenced - Down (1996)

Buen grupo finlandés, que se ha separado hace unos pocos años, y que ha dejado un buen legado en forma de discos. Tiene varios trabajos dignos de mención, aunque de todos me quedo con Down, editado mediados de los 90.

- Lacrimosa - Elodia (1999)

Grupo formado en Frankfurt (Alemania), que fusiona el Gothic Metal con elementos propios de la música clásica, dando como resultado un sonido épico y bello.

- Lake of Tears - Forever Autumn (1999)

Grupo sueco que a lo largo de su carrera se han movido por estilos como el Gothic Metal, el Doom e incluso el Death Doom. Sin embargo, su mayor obra es un ejercício de puro Gothic Metal sobrio y elegante.

- Tiamat - Wildhoney (1994)

Obra maestra ideada por la brillante mente de su lider, Johan Edlund. Un disco de Gothic Metal épico, desgarrador y bello a partes iguales, con claras reminiscencias al sonido de Pink Floyd. Brillante.

- The Sins of Thy Beloved - Lake of Sorrow (1998)

Grupo noruego de corta carrera musical que ofreció su obra más destacada en el mismo debut, demostrando tener talento y buena creatividad para componer buenas canciones. En la actualidad están bastante desaparecidos.

- Moonspell - Irreligious (1996)

Genial grupo procedente de Portugal, que en lo que lleva de carrera musical se han movido por géneros como el Gothic, el Black e incluso ciertas pinceladas de Folk Metal. Irreligious es uno de sus álbumes más importantes, y donde el gótico se hace más patente.

- The Gathering - Mandylion (1995)

Grupo procedente de Holanda que siempre se ha mostrado bastante ecléctico, ya que en cada disco siempre ha ofrecido algo nuevo. De todos sus discos, este quizás sea su obra más aclamada, coincidiendo además con ser uno de sus discos más góticos y oscuros, con ciertas pinceladas progresivas y algún toque Doom.

- Paradise Lost - Draconian Times (1995)

Uno de los grandes nombres cuando hablamos de estilos oscuros. Un grupo que ha mostrado diferentes caras y nunca se ha acomodado, realizando discos con elementos Gothic, Doom, Death, Electrónica, etc...Sin embargo en Draconian Times ofrecieron lo que sus seguidores querían exactamente, un buen álbum de Gothic Metal con pinceladas Doom.

- Fall Of The Leafe - Vantage (2005)

Para muchos, un grupo bastante desconocido, pero que ha soprendido al mundo gótico con este disco de excelente nivel, a la altura de los más grandes. Gothic metal con ciertos elementos Heavy. El grupo se ha separado hace unos pocos años, una verdadera pena.

- Sirenia - At Sixes and Sevens (2002)

Se trata del primer álbum de Sirenia, un ejercício de buen metal gótico con ciertos elementos sinfónicos. Con el tiempo han ido perdiendo calidad en sus discos, pero para la historia quedará este buen disco.

- Theatre of Tragedy - Aégis (1998)

Grupo ya extinto, procedente de Noruega, que se formó a principios de los 90, aunque no fue hasta el año 95 cuando comenzaron su andadura profesional. Aégis es el tercer disco del grupo, con canciones oscuras, maquilladas con un suave Doom.

- Type 0 Negative - October Rust (1996)

Uno de los nombres más destacados en la escena gótica norteamericana y un auténtico icono del movimiento, que por desgracia ha vivido hace unos pocos años,una de las mayores penas que se pueden encontrar en el mundo de la música, la muerte del vocalista Peter Steele. Con una discografía de referencia, es indiscutible que el nombre del grupo aparezca en esta lista.

- Tristania - Widow's Weeds (1998)

Su debut supone el disco con mayor interés y calidad, dentro de lo que se puede encontrar en su discografía, que peca en exceso de ser algo irregular, aunque tiene otros discos bastante notables.

En la actualidad no pasan por momentos demasiado creativos.

- Charon - Songs For The Sinners (2005)

Una de las bandas más reconocidas de Finlandia, donde a pesar de no tener una discografía extensa, sí que son una referencia para muchos, dentro del mundo gótico. Con el tiempo, han dejado a un lado los momentos más oscuros, para imprimir a su música una buena y sólida base de Hard rock oscuro, todo ello sin desprenderse de los reconocibles elementos góticos.

- After Forever - Decipher (2001)

Grupo procedente de Holanda y que tristemente se ha disuelto en el año 2009. Cuentan con 5 álbumes de estudio, donde dan rienda suelta a un Gothic metal con clara vertiente sinfónica.

- The Old Dead Tree - The Nameless Disease (2003)

Otro grupo que lamentablemente ya no sigue en activo, esta vez de procedencia francesa, y con una discografía muy corta, apenas 3 discos de estudio donde eso sí, dejaron patente su talento para realizar grandes canciones, sobre todo en este primer álbum.

- Lacrimas Profundere - Burning: A Wish (2001)

Lacrimas Profundere editaron una retahila de discos de notable factura en sus inicios, concretamente sus 4 primeros trabajos eran brillantes, y entre ellos se encuentra este Burning: A Wish. En la actualidad, y tras unos cambios de formación bastante importantes, la calidad de sus composiciones ha ido bajando.

- Lacuna Coil - Unleashed Memories (2001)

Lo que prometía ser una carrera fulgurante, y un futuro prometedor gracias a trabajos impecables como Unleashed Memories se ha convertido en ejemplo de como no guiar un grupo hacia la más pura mediocridad, ya que sus últimos trabajos son imperdonables. Para el recuerdo nos queda este trabajo y su sucesor Comalies.

- Within Temptation - The Silent Force (2004)

Este disco es el claro ejemplo de que la comercialidad no está reñida con la calidad. Probablemente, este sea el disco donde el grupo holandés ha llegado a más gente,sin olvidar de cuidar cariñosamente cada rincón del álbum, que contiene canciones realmente preciosas.

- Poisonblack - Lust Stained Despair (2006)

Esa rasgada voz que ya no podemos escuchar en discos de Sentenced, tras la desaparición del grupo y posteriormente el fallecimiento del guitarrista, la podemos escuchar aquí, en Poisonblack, un grupo que mezcla el Gothic Metal con el Heavy, y que da como resultado buenos discos como Lust Stained Despair.

20 Discos esenciales de Jazz y Jazz Fusión.

noreply@blogger.com (Richy) — Wed, 09 Nov 2011 10:30:00 PST

- Herbie Hancock - Sextant (1973)

Disco complejo de escuchar, pero como todas las obras maestras, y es que para poder apreciarlo es necesario empaparse de todos los elementos y matices posibles que se reúnen en cada una de las composiciones del álbum.

- Stan Gets & Joao Gilberto - Getz/Gilberto (1964)

Fenomenal álbum de Jazz fusionado con otras variantes como la Bossa Nova o la Samba-Jazz. Una obra maestra del estilo, donde estos dos reputados nombres nos obsequian con composiciones de un nivel excelente.

- Al Di Meola - Elegant Gypsy (1977)

Genial guitarrista, que en este álbum nos ha regalado unas canciones maravillosas, empapadas de Jazz Fusión e incluso de ciertos toques flamencos, como bien nos avisa en la portada. Es probablemente su disco más reconocido y aclamado.

- Miles Davis - Bitches Brew (1970)

Elegir un solo disco de Miles Davis es una auténtica odisea, ya no solo por la extensísima discografía que posee, sino por la cantidad de obras maestras que ha creado. Para muchos puristas, el más aclamado es el famoso A Kind of Blue, sin embargo, para los que quieren ir más allá, Bitches Brew es su disco. Dosis de virtuosismo controlado a través de unas canciones impresionantes. Un álbum de Jazz fusión superlativo.

- Mahavishnu Orchestra - Birds of Fire (1973)

Uno de los discos más exitosos de la Mahavishnu Orchestra. Un trabajo de Jazz Fusión/Rock, aderezado con múltiples elementos propios del Rock progresivo.

- Pat Metheny - The Way Up (2005)

Todo aquel que dice que en los años más recientes a nuestros días, no se pueden encontrar obras maestras del Jazz, obtiene su respuesta con este maravilloso álbum de Pat Metheny, editado en el año 2005 y con composiciones sublimes.

- John Coltrane - Giant Steps (1960)

Coltrane es probablemente, junto a Miles Davis los nombres más influyentes de la historia del Jazz. Giant Steps es una de sus obras maestras más reconocidas donde el Jazz, Hard Bop y Modal Jazz se dan la mano.

- Thelonious Monk - Monk's Dream (1963)

Poco se puede decir de un álbum que al escucharlo habla por sí solo. Thelonious Monk llevaba ya muchos años entregando discos excelentes, pero este álbum simplemente roza el cielo musical.

- Jan Johansson - Jaz Pa Svenska (1964)

Gran álbum de este artista sueco, donde fusiona la música Jazz con el folk más propio de su país natal. Merece la pena prestarle un mínimo de atención, ya que no tiene desperdicio.

Como anécdota, decir que es el padre de Jens (Teclista de Stratovarius) y Anders Johansson (Batería de Hammerfall).

- John Zorn - Naked City (1990)

Músico muy inquieto, musicalmente hablando, capaz de realizar inverosímiles fusiones en sus álbumes. Este trabajo no podía ser menor, y aquí se desmarca con un Free Jazz experimental con elementos cercanos al Avantgarde Metal e incluso al Grindcore.

- Oregon - Out of The Woods (1978)

Majestuoso en calidad e impresionante en sonoridad. Oregon es un genial grupo de Jazz fusión que hay que tener muy en cuenta por la destreza de sus músicos. Les gusta añadir a sus composiciones algunas dosis de Folk e incluso de World Music.

- Esbjörn Svensson Trio - Seven Days of Falling (2003)

Como su propio nombre indica, se trata de un trío compuesto por reputados músicos suecos, pero que sobre todo, hay que destacar la figura del genial Esbjörn Svensson. Un álbum de Jazz fusión agradable de escuchar.

- Charles Mingus - Mingus Ah Um (1959)

Exquisito disco donde diferentes elementos como el Hard - Bop, Post - Bop y el Jazz, fluyen por todo el disco, a través de unas composiciones de excelente calibre. Mingus es uno de los más grandes, y ello lo ha demostrado en trabajos como éste.

- Return to Forever - Return to Forever (1972)

Grupo formado por reputadísimos músicos de Jazz, y liderados por el grandioso teclista y pianista Chick Corea. Este fue su álbum debut, que en mi opinión, nunca han logrado superar por la extrema calidad que este disco posee. Eso sí, el resto de la discografía es igualmente magistral.

- John McLaughlin - Extrapolation (1969)

Extraordinario guitarrista que se ha codeado con lo más granado del Jazz, llegando a pertenecer entre otros al grupo Mahavishnu Orchestra, y colaborando con el genial Miles Davis. En solitario, en general, no ha brillado tanto como en los grupos donde ha militado, pero para la historia ha dejado un discazo como éste.

- Weather Report - Mysterious Traveller (1974)

Otra de las bandas que en su formación reúne a una gran cantidad de músicos impresionantes. Un trabajo de Jazz fusión lleno de virtuosismo, pero sin cansar al oyente. Mencionar que años más tarde, entraría en el grupo el afamado bajista Jaco Pastorius.

- Pekka Pohjola - Visitation (1979)

Multiinstrumentista finlandés que suele tocar el bajo, teclado y violín. Recientemente fallecido hace unos tres años, concretamente en el año 2008. Autor de una fructífera discografía, siendo este disco su punto más alto alcanzado, fusionando el Jazz fusión con el Rock progresivo.

- Billy Cobham - Spectrum (1973)

Batería que nada más iniciarse su carrera en solitario, Cobham logró hacer una gran gesta, que supuso componer un primer disco que a día de hoy se considera su obra maestra, y siendo un clásico del Jazz fusión. Ha militado en numerosos grupos y proyectos.

- Terje Rypdal - Odissey (1975)

Reputado guitarrista noruego con un currículum envidiable, y con discos tan prestigiosos como el que nos ocupa. Odissey es un álbum de Jazz Rock muy notable, siendo uno de los trabajos más importantes de Rypdal.

- Frank Zappa - Hot Rats (1969)

Pocos artistas han llegado a influír en varios estilos musicales como lo ha hecho el bueno de Frank Zappa, quien está en boca de todos los grandes artistas de la música. Ha creado varias obras maestras a tener en cuenta y es difícil elegir una de ellas, aunque me inclino finalmente por el estratosférico Hot Rats, un trabajo donde el Jazz Fusión y en dosis menores, el Progresivo y el Blues se fusionan para crear un conjunto de canciones grandilocuentes.

20 Discos esenciales de Black Metal y subgéneros.

noreply@blogger.com (Richy) — Mon, 07 Nov 2011 10:36:00 PST

- Darkthrone - A Blaze in The Northern Sky (1992)

Uno de los grupos más representativos del género Black Metal, y por ello, ese obligatorio mencionar alguna de sus obras más importantes, como es este A blaze in the northern sky. Grupo procedente de Noruega, que en la actualidad no vive sus mejores años, aunque pueden presumir de poseer muy buenos trabajos a principios de la década de los 90.

- Enslaved - Below the Lights (2003)

Procedentes de Noruega, y con una discografía excelente, que quizás tiene su punto más alto en Below The Lights. Practican un Black Metal fusionado con ciertos elementos progresivos que dotan a su música de mayor riqueza en cuanto a matices y tesituras de sus composiciones.

- Agalloch - The Mantle (2002)

Grupo estadounidense que dota a sus composiciones de una calidad incuestionable. Su música fusiona elementos del Black metal, con otras sonoridades propias del Folk Metal, Progresivo, así como ciertos toques más Doom.

Hasta el momento, no se puede más que felicitarlos ya que todos sus discos son excelentes, siendo difícil elegir tan solo uno de ellos.

- Emperor - In The Nightside Eclipse (1994)

Uno de los grupos más influyentes del género, para lo bueno y para lo malo. En lo bueno tenemos la calidad musical de algunas de sus obras...en lo malo, ciertas actitudes extra musicales realmente desagradables. Este disco y el siguiente, titulado Anthems to the Welkin at Dusk son sus dos mayores obras.

- Negura Bunget - OM (2006)

Grupo rumano que poco a poco se ha ido labrando un reputado nombre en la escena europea de Black Metal. Se trata de una formación que gusta de fusionar con el Black Metal, elementos de estilos como el Progresivo, algunas dosis de Folk, e incluso ciertos sonidos puntuales procedentes de su país natal. Recomendables.

- Bathory - Blood Fire Death (1988)

Otra de las formaciones que se antojan imprescindibles dentro de este género, aunque también se pasean por estilos como el Viking o incluso el Thrash. Bathory proceden de Suecia, y como nórdicos que son, han contribuído en buena medida a sentar las bases del estilo.

- Windir - Arntor (1999)

Otro buen grupo noruego, esta vez practicando un notable Black metal de vertiente más melódica, fusionado con el Folk metal y el Viking. Arntor es su obra más aclamada, las canciones hablan por sí solas.

- Drudkh - Autumn Aurora (2004)

Drudkh es un grupo procedente de Ucrania, con una discografía bastante constante y de cierta calidad, a pesar de la corta vida de la banda. Black metal, a veces atmosférico, con ciertas dosis de elegancia que hacen que sus discos tengan un aura especial.

- Dissection - Storm of the Light's Bane (1995)

Dissection es otra de las bandas más afamadas del estilo. Proceden de Suecia y son de obligada escucha sus dos primeras obras. Black Metal melódico con diversos elementos Death. El álbum que nos ocupa tiene muy pocos rivales.

- Moonsorrow - Verisäkset (2005)

Moonsorrow, grupo finlandés que dota a sus discos de una riqueza musical soberbia. A su Black metal, le añaden grandes dosis de Folk y elementos progresivos, además de incluír grabaciones procedentes de la naturaleza.

- Summoning - Stronghold (1999)

Desde Austria, Summoning nos obsequian con su Black Metal plagado de arreglos sinfónicos y momentos atmosféricos. Poseen una discografía corta, aunque de gran calidad, demostrando que no solo los grupos nórdicos saben hacer buen Black.

- Mayhem - De Mysteriis Dom Sathanas (1994)

Afamado grupo de Black Metal procedente de Noruega, que sin embargo considero que están muy sobrevalorados. Es cierto, que este disco tuvo una gran importancia dentro del estilo, pero es que su discografía en general es muy irregular, siendo el álbum que nos ocupa, el de más calidad con diferencia. Hay grupos mucho mejores que ellos, con mucha menos suerte.

- Satyricon - Nemesis Divina (1996)

Satyricon es un grupo noruego surgido a principios de la década de los 90, desde entonces han estado editando discos con resultados bastante notables en cuanto a calidad. Black metal con cierta vertiente melódica que los hace más accesibles.

- Alcest - Écailles de Lune (2010)

Grupo francés de gran riqueza musical, que fusiona el Black metal con otros estilos como el Folk o el Shoegaze. Poseen dos trabajos de gran nivel compositivo, que además desprenden una belleza sonora descomunal. Difícil elegir entre los dos trabajos que poseen, aunque finalmente me decanto por este Écailles de Lune.

- Immortal - At Heart of Winter (1999)

Enésimo grupo noruego que ha escrito alguna que otra página de oro dentro del Black. En este álbum se desmarcaron con un Black con ciertos momentos Thrash. A pesar de estar en activo desde comienzos de los 90, no fue hasta el año 1999 cuando lograron componer esta obra maestra.

- Vinterland - Welcome My Last Chapter (1996)

No han podido obsequiar a este estilo más que un solo disco, pero ha llegado para saber que detrás de Vinterland, había una formación talentosa que podría haber tenido una carrera discográfica más que prometedora.

- Falkenbach - Heralding: The Fireblade (2005)

Los alemanes Falkenbach, una gran formación que fusiona el Black con el Viking Metal, todo ello repleto de adornos sinfónicos que hacen aún más interesante su propuesta discográfica.

- Burzum - Hvist Lyset Tar Oss (1994)

Uno de los buques insignia de este estilo, Burzum. Varg Vikerness es el encargado de realizar todo lo que se plasma en los discos. Cabe destacar que las mayores obras se sitúan a mediados de los años 90.

- Ulver - Bergtatt: Et Eeventyr i 5 Capitler (1994)

Extraña la evolución de este grupo noruego, ya que empezaron realizando discos de Black metal, fusionados con el Folk metal y acusadas atmósferas dark, para acabar inclinándose hacia discos más electrónicos e incluso con sonidos más propios del trip-hop. Eso sí, sin perder un ápice de calidad, a pesar de ese cambio en lo musical. Este álbum es su debut, muy aclamado por los fans del estilo.

- Arcturus - The Sham Mirrors (2002)

Grupo noruego de Black metal sinfónico con acusados elementos progresivos, que los convierten en uno de los grupos más elaborados del panorama black metalero. Este álbum es sensaciona, repleto de grandes momentos.