Galería de retratos

Franz Xaver Messerschmidt

2018-03-31T18:35:00.000-07:00

Obra de Franz Xaver Messerschmid

Escultor adelantado a su tiempo, nació e 6 de febrero de 1736, en Weisensteig, pequeña localidad en el sur de Alemania, concretamente en la región alpina de Suabia que hoy forma parte de Baviera, la misma noche en la que el príncipe Eugenio Francisco, Príncipe de Saboya-Carignan, murió de pulmonía en Viena mientras dormía, después de haber estado jugando a las cartas buena parte de la noche con su vieja amiga, la Condesa de Batthyany.

Una vieja leyenda cuenta que un león que mantenía vivo en palacio murió, también, esa misma noche. El príncipe está enterrado en la capilla de honor de la Catedral vienesa de San Esteban.

Messerschmidt fue hijo de una familia de artesanos. Se crió en Munich, al lado de su tío, el escultor rococó, Johann Baptist Straub.

Inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Viena, en 1755, la misma que, casi dos siglos después, rechazó el ingreso de Adolf Hitler. Después de finalizar sus estudios artísticos, comenzó su trayectoria como escultor barroco en la Corte de Viena. Franz fue muy solicitado para realizar numerosas obras para la Corte Imperial y la aristocracia.

Realizó, en 1770, el retrato de Franz Anton Mesmer, personaje que tuvo una gran influencia, según biógrafos del escultor, sobre el artista, ya que también era natural de Suabia, y fue el creador de la teoría del magnetismo animal, con la que intentaba curar a sus pacientes con la ingesta de hierro y usando después imanes para crear en ellos una “marea artificial”. Sus teorías, llamadas “mesmerismo” fueron el inicio del desarrollo de la hipnosis posteriormente.

Fue en estos años cuando inició la serie de los misteriosos bustos sobre expresiones faciales, a los que se dedicó el resto de su vida.

Optó a una cátedra, en la Academia de Bellas Artes de Viena y fue rechazado por los motivos que expuso el Primer Ministro, el conde Kaunitz, aduciendo que no era apto porque:“… Desde hace tres años viene padeciendo algún desorden en la cabeza que, aunque ahora ha remitido, permitiéndole trabajar como antes, sin embargo se manifiesta de vez en cuando en una imaginación no del todo cuerda”.

Messerschmidt, sintiéndose rechazado, abandona Viena y regresa a su pueblo natal y, después, marcha a Munich y, finalmente, se instala en Pressburg (actual Bratislava) en 1777, donde un hermano suyo trabajaba como escultor. Vive en una casa alejada del centro, donde permanecerá aislado los últimos años de su vida, dedicándose por completo a crear la serie de enigmáticos bustos de los que realizó 69.

Esa aludida enfermedad mental que sufrió, con pocos más de treinta años, paralizó su brillante carrera y lo condenó casi al ostracismo. Su dolencia parecía acentuarse con la edad y, en sus últimos doce años, entre 1771 y 1783, tuvo un comportamiento cada vez más huraño y excéntrico, encerrado en su casa, esculpiendo sus extraños bustos, y contándoles a sus escasos visitantes, entre el asombro y estupor de estos, los ataques nocturnos que sufría de demonios y espíritus que lo acosaban, especialmente, durante la noche.

Este artista había estado siempre interesado en cuestiones ocultistas, por lo que había sido visitante asiduo de los círculos esotéricos de Viena. Había llegado a creer que podía vencer a los demonios que lo asediaban esculpiendo esos bustos que expresaban muecas y gestos grotescos que él veía cuando se miraba en el espejo. De esta forma, él creía que podría estar a salvo de los demonios que lo atormentaban. Tanto su enfermedad mental, como sus creencias ocultistas fueron la inspiración de los 69 bustos que es cada uno de ellos una muestra singular de su talento creador. De los 69 bustos sólo se conservan 49, pero es un número suficiente para comprender que cada uno es una verdadera obra de arte que complementa a los otros de la misma serie, pero teniendo individualmente su propia singularidad y carácter que parece emanar de la humanidad que desprende la materia en la que está esculpido.

Todos estos bustos son únicos y singulares, esculpidos en una época que no era la que correspondía a su arte, ya que tienen un estilo moderno, heterodoxo, rompedor, para el tiempo en el que fueron creados, pero que superaron los límites que imponen los estilos, escuelas artísticas y las modas pasajeras, para convertirse en obras de arte que expresan algo que es intemporal, eterno, y que se refiere a la propia naturaleza del ser humano, a sus sentimientos, miedos, terrores, alegrías y todo lo que conforma la psique humana con sus demonios interiores.

Y esto lo hizo un artista que vivía en una cabaña, a finales del 1700, cercana a Wiesenstein, su pueblo natal de Austria, y alimentándose de la leche de una vaca y de la carne de unos corderos que le cuidaba el hijo de un vecino. El mismo hombre que rezaba a un alquimista de leyenda, Hermes Trismegisto, un mago del arcano culto de las pirámides que hablaba con espectros que le enseñan la proporción perfecta de las expresiones y gestos humanos, esos mismos que muestran las cabezas de Messerschmidt, algunas de ellos con expresiones grotescas, otras, enloquecidas y, a veces, dolorosas, pero no menos reales dentro de la expresividad humana. Muchas de esas esculturas fueron autorretratos.

Friedrich Nicolai, filósofo, editor e historiador austriaco, le visitó en su casa, en 1781, dos años antes de que muriera el artista. Después, lo describió como un hombre extraño que se daba pellizcos ante el espejo y hacía gestos grotescos con el fin de forzar sus facciones y gestos, para conseguir una inescrutable teoría de las proporciones que, según él, gobernaba el mundo. Messerschmid intentaba hallar afanosamente los 64 gestos primordiales.

Franz Xaver Messerschmidt había empezado a esculpir, en 1775, la primera de sus misteriosas cabezas, esas que parecen obras propias del siglo XX o XXI y no del siglo XVIII en el que fueron creadas. Fueron esculpidas en bronce, en plomo, en mármol o en alabastro, pero en todas se muestran las características de la modernidad artística, y con evidentes signos de expresionismo e hiperrealismo tan alejados de la época en los que fueron creadas. El escultor nunca vendió ninguno de esos bustos que lo acompañaron siempre mientras vivió, ofreciéndole su compañía, en compensación de otras ausencias más carnales y humanas.

Este artista parece haber querido realizar a través de lo exagerado, lo grotesco y lo patético, su propia aportación a la historia de la escultura a través de una reflexión sobre ciertos puntos que no habían sido investigados por otros artistas anteriores y más ortodoxos en sus creaciones. Quiso mostrar, como una imagen fija captada por un objetivo de una cámara, un instante en que el individuo muestra hasta el límite su capacidad de expresar emociones, todo llevado hasta un punto que ya no es posible traspasar. Lo grotesco aquí no es un deseo deformante del artista de la realidad que plasma, sino de expresarla en su más absoluta precisión plástica y que, muchas veces, raya lo grotesco. Y, al hacerlo, creó las 69 obras de arte que, según él, contemplaban las 64 expresiones diferentes de que es capaz el ser humano.

Cuando falleció, el 19 de agosto de 1783, a los 47 años, su hermano que, también, era escultor, fue quien halló cerca de 60 bustos de los que componen la extraña serie. Se expusieron, en 1794, en el Hospital de Viena. En el folleto de la exposición de las 49 obras que se conservaban, alguien anónimo, llamó a cada cabeza de forma personal y sarcástica, a fin de despertar el interés en el público con títulos tan poco artísticos y sí satíricos como El hombre que sufre de estreñimiento, El hipócrita y el calumniador, El hombre que bosteza...

Así se las sigue llamando hasta la actualidad. La colección perdió piezas en el siglo XIX durante una subasta en Viena. Fue en pleno siglo XX, en la primera veintena, cuando los artistas expresionistas vieron en esos bustos un adelanto sorprendente de su propio estilo. Ahora son piezas muy cotizadas entre los coleccionistas de todo el mundo, a pesar de que se siga desconociendo mucho de la personalidad de su autor, personaje un tanto estrambótico pero que ha dejado un legado artístico que las sucesivas generaciones han sabido valorar y apreciar en su importancia, fuera de todas las modas y tendencias, porque en esos misteriosos bustos se palpa la sinceridad y la pasión de su autor para llegar a dominar al “Espíritu de la proporción” que, según él manifestaba, lo atormentaba sin tregua.

Loco o cuerdo, Messerschmidt fue un artista incomprendido y rechazado en su tiempo al que la posteridad le ha hecho justicia.

Christian Rex Van Minnen

2017-04-30T12:28:00.000-07:00

otras obras de Christian Rex van Minnen

Ana Alejandre

Ofrece siempre en sus obras las imágenes de una especie de seres mutantes que siempre provocan en el espectador, en una primera visión, un evidente rechazo pero sin poder dejar de mirarlas.

Los personajes están formados por diferentes materias orgánicas de difícil clasificación, que van desde cualquier tipo de piezas de carne y conchas de mar, hasta los vegetales -tanto frutos como plantas y flores-, y otros elementos minerales. Todos ellos se fusionan creando nuevas entidades que exudan, líquidos y materias inclasificables y posibilidades extraños que se fusionan para transformarse en inquietantes y nuevas entidades que dan como resultado final unas obras de arte de belleza repulsiva pero siempre atrayente. Van Munnen ha manifestado que está inspirado en los retratos de Rembrandt, de Heem y en los de naturalezas muertas de Mignon, y otras composiciones realizadas en la era del renacimiento y de oro holandesa, pues estos períodos fueron el máximo exponente de la maestría en la composición. Por ello, le interesa de la escuela pictórica de ese país y periodo es la geometría en la composición y el método de administrar la información visual para lograr una narración o significado de la obra. Sus obras las usa como limitaciones estilísticas para jugar con el espacio interior, que es lo que le permite la abstracción para desarrollar su propia forma, la importancia de cada elemento y su disposición y, por tanto, consigue esa ambigüedad que tiene toda su obra. Con ello, reutiliza técnicas antiguas y su contenido didáctico para construir algo más misterioso, ambiguo y siempre abierto a la interpretación. Esto es algo más apropiado para la época actual en la que vive y crea este artista.

El intenso colorido de las obras, contrasta con el tono oscuro del “rostro” del supuesto retratado, ya que el artista ha manifestado que no intenta representar caracteres ni diferentes personalidades en sus obras como crítica social, ya que las figuras que representa les parecen más como meros objetos que como personas. Intenta con ellas aunar el automatismo y la abstracción, pero siempre dentro del ámbito del retrato convencional. No intenta, por ello, realizar una investigación sobre los problemas sociales, ya que sus obras son ensayos sobre los que él llama “sin nombre”, como una reflexión personal, abstracta y emocional.

Gracias a la formación artística clásica del artista, le es posible metamorfosear lo grotesco en obras de artes que tienen una belleza no exenta de una nota repulsiva, ya que la combinación y el contraste entre el tema pintado y la técnica en las obras de Van Minnen consiguen un desafío al propio concepto de belleza.

Según declaraciones del artista en diversas entrevistas, sus obras plantean preguntas continuas al espectador en lugar de respuestas, por lo que este tipo de arte provoca una necesidad contemplativa y una constante interrogación, obligando al espectador a tener una actitud crítica ante cada obra en cuestión. El propio artista confiesa que necesita conectar con las emociones profundas y difíciles de expresar a través de sus obras, para que estas sirvan de catarsis tanto para el propio artista como para el espectador que les otorga más libertad. De ahí viene el desafío que plantea en cada una de sus pinturas.

¿Quién es Christian Rex Van Minnen?

2017-04-30T12:15:00.000-07:00

Ana alejandre

Una curiosa imagen del artista

Christian Rex van Minnen nació en Providence, Rhode Island en 1980 y estudió en la Universidad de Regis, pequeña universidad de arte de Denver, donde consiguió su licenciatura con excelentes notas en 2002. Ha expuesto en todos los EE.UU. e internacionalmente y consiguió una beca como residente en el Centro de Arte Anderson Ranch (Otoño, 2011).

Está representado por la Galería Robischon, Denver, y en la actualidad vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Entre sus exposiciones se cuentan 'Las ratas de Gales' (2013) a Robischon Gallery, Denver; "The Wild Bunch" exposición colectiva en la galería Poulsen, Copenhague, (2013) y otras muchas posteriores.

Para mayor información:

http://www.christianvanminnen.com .

2016-09-07T16:10:00.000-07:00

"El salón I", de Otto Dix

"El salón I", de Otto Dix

Ana Alejandre

En esta obra, pintura al oleo, cuatro prostitutas esperan sentadas alrededor de una mesa la llegada de los clientes, lo que sugiere la cortina que parece dar paso al salón a través de una puerta.

Las cuatro son ya mayores y, por ello, con el maquillaje intentan ocultar los rasgos de la madurez,incluso de la vejez que se adivina en la que está sentada a la derecha, en primer plano.

Lo grotesco de esta imagen es la evidente contradicción entre la oferta de sexo mercenario de estas desdichadas mujeres, quizás viudas o madres de soldados muertos en la guerra, que tienen que luchar con los estragos de la edad, la necesidad económica y la sensación anticipada de derrota que se insinua en la actitud de espera de posibles clientes que no llegan al prostíbulo. Ellas también pueden ser víctimas de la guerra que acababa de asolar a Europa pocos años antes de ser creada esta obra que data de 1921.

Las carnes macilentas, ocultas por el excesivo maquillaje y los tocados baratos, no pueden ocultar la belleza marchita de las cuatro que apenas esconden tras las prendas translúcidas e, incluso, una de ellas desnuda ante el espectador sus pechos, la mujer situada a la izquierda, como una oferta desesperada ante la falta de clientela y, por tanto, de ingresos.

Dix no sólo quiso retratar los horrores de la guerra que conoció de primera mano, sino también los de posguerra como eran esos seres desarbolados que quedaron con la vida rota después de conflicto bélico en el que perecieron millones de personas y muchos más millones quedaron para siempre en la cuneta de la vida sin horizontes ni esperanza.

Él deseaba llegar a conocer bien los más oscuros meandros de la condición humana, entre ellos de la vida marginal de las prostitutas, pues como afirmaba: “Quizá fui una persona curiosa. Necesitaba presenciarlo todo con mis propios ojos. Y es que soy un realista, sabe usted, que necesita verlo todo con sus propios ojos para constatar que es así...Tengo que presenciar en persona todos los abismos insondables de la vida.” Esa vida que conoció de cerca para poder expresar mejor la miseria, el dolor, la desesperación y, en definitiva, la vulnerabilidad del ser humano cuando el destino le juega una mala pasada que le trastoca la vida como a tantas víctimas de la guerra, de sus horrores y miserias.

"El salón I" está expuesto en el Museo de Arte de Stuttgart junto a la mayoría de su obra. La otra obra homónima "El salón II", está desaparecida o ha podido ser destruida junto a otras obras de Dix por el movimiento nacionalsocialista, pues los temas relativos a la prostitución escandalizaron más a los nazis que la obra de Dix dedicada a los horrores de la guerra.

2016-09-07T16:00:00.000-07:00

Otto Dix

Otto Dix

Ana Alejandre

Otto Dix,pintor expresionista alemán, incluido en el grupo conocido como de la Nueva Objetividad, nace en Untermhaus, cerca de Gera (Alemania), el 2 de diciembre de 1891 , en el seno de una familia obrera -su padre era herrero-, aunque no pasó privaciones y tuvo cierto acceso a la cultura.

En su niñez, Ernest Schunke, su profesor de dibujo, descubrió las facultades innatas de Dix para el dibujo y lo apoyó para que continuara con su formación artística. Por ese motivo, de 1905 a 1909, continuó su formación pictórica con el pintor decorativo Carl Sneff, aunque éste se negó a apoyar a Dix en el inicio de su carrera artística, ya que no confiaba en sus aptitudes para destacar en el mundo de la pintura.

Consigue una beca por la que pudo estudiar en la Escuela de Dresde (1909-1914), en la que tuvo como profesores a Johann NikilausTurk y Richard Guhr. En dicha escuela pudo conocer la obra y técnica de los pintores renacentistas alemanes. Fue en 1914 cuando pinta su propio autorretrato. En estos años, también, Dix comienza a experimentar con el Cubismo, el Futurismo y, después con el Dadaísmo.

A partir de 1909 comienza su actividad profesionnal como decorador. Más tarde, participó en la I Guerra Mundial como voluntario, pero no animado por un espíritu belicista, sino por la necesidad de plasmar en el escenario bélico la realidad de la guerra y la muerte que representa desde una actitud totalmente objetiva e informativa. Por ese motivo, Dix afirmaba: : “No he ido al campo de batalla para hacer propaganda, sino a elaborar un natural análisis de la realidad”. Ese deseo de analizar y plasmar la realidad de la guerra le llevó a la crudeza de algunos de sus cuadros que fueron, algunas veces, no tomados en consideración por lo que algunos denominaban en el pintor como "atracción por lo brutal".

Cando regresa a Dresde, funda el Dresdner Secession Gruppe 1919, junto al también expresionista Conrad Felixmüller, un grupo radical de escritores y pintores expresionistas y dadaístas. Con ellos realizará, en 1920, diversos collage de carácter crítico, en su mayoría, sobre la sociedad. Las experiencias trágicas de la guerra que vivió le marcaron profundamente a nivel personal y pictórico, y le inspiraron un portafolio de 50 grabados titulado Der Krieg (La Guerra), publicado en 1924. Las dramáticas experiencias vividas se le convirtieron en pesadillas recurrentes en las que se veía arrastrándose entre casas destruidas, según afirmaba el pintor. Estas terribles vivenciasse convirtieron en una marca de identidad que aparece en toda su obra posterior en la que se encuentra una evidente denuncia de la sociedad de "después de la guerra" y las consecuencias trágicas que esta ha dejado y que plasma a través de retratos de personajes de estratos marginales y desfavorecidos: vagabundos, borrachos, putas, tullidos, indigentes, miserables, etc.

Posteriormente, en 1921, marcha a Dusseldorf, ciudad en la que se une al grupo artístico de Das Junge Rheinland y, dos años más tarde, en 1923, contrajo matrimonio con Martha Koch. Desde 1925 a 1927, Dix vive y trabaja en Berlín, ciudad en la que realiza los trabajos más importantes de su obra pictórica que consigue en estos años el nivel más alto de criticismo y, también, de análisis de su propia obra, bajo la indudable influencia de la Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit), grupo al que está adscrito desde 1923, al lado de pintores como Max Beckmann o Georges Grosz. Consigue la cátedra en la Academia de Arte de Dresde.

Desde la llegada al poder de los nacionalsocialistas, en 1933, Dix fue uno de los primeros catedráticos de arte destituidos po el régimen. En ese año, Dix comienza una etapa de "exilio interior" por el suroeste de Alemania. Visita primero Randegg (1933), y más tarde llega a Hemmenhofen, junto al lago Constanza (1936), ciudad en la establece su residencia y en la que pinta el paisaje de Hegau. Los nacionalsocialistas, a partir de 1937, empiezan a calificar a Dix de "artista degenerado" y consideran a su obra como un "sabotaje al espíritu militar de las fuerzas armadas". Por ello, le confiscaron 260 obras, expuestas entonces en muchas ciudades de Alemania, algunas de cuyas obras fueron vendidas posteriormente y, otras, fueron quemadas, finalmente. Todas estas medidas tomadas contra la figura de Dix no consiguieron mermar su fama ante el público alemán, a pesar de que los nazis exhibieron la llamada exposición Arte Degenerado por toda Alemania, dos de cuyas obras fueron expuestas en su ciudad natal, Gera, en la celebración de su 700 aniversario.

Posteriormente, todas estas obras expuestas con fin difamatorio, fueron retiradas, después de dos semanas, por orden de los altos mandos nacionalsocialistas. En 1938, la Gestapo lo detiene, bajo la acusación de haber tomado parte en el atentado que se perpetró en Münich contra Hiler, por lo que fue encarcelado durante dos semanas.

A pesar de todos los graves problemas por los que pasa Dix en estos oscuros años previos a la II Guerra Mundial, recibió un encargo que se puede considerar como uno de los más importantes de su trayectoria artística y que le realizó un reconocido fabricante de cerveza. El retrato era de San Crístobal mártir, y está considerado como una de las obras magistrales de Otto Dix.

Fue enviado al frente, de nuevo, en 1945 y hecho prisionero por los franceses. Fue liberado en 1946 y regresa a su hogar de Hemmenhofen. A partir de ese momento de vuelta a la normalidad, no puede sentirse integrado en ninguna de las dos corrientes artísticas imperantes en la Alemania de la posguerra en los dos Estados en los que queda dividido el país: el realismo socialista de la RDA, por una parte, y el Arte Abstracto que predomina en la República Federal Alemana, por la otra. Ambas corrientes están muy distantes una de la otra y Dix no se encuentra cómodo en ninguna de ellas, aunque su obra obtiene un gran reconocimiento en ambas Alemanias y es objeto de varios homenajes.

Dix visita muchas veces al año, entre 1947 a 1966, a Dresde por cuestiones profesionales. Se le otorga, en 1959, la Cruz del Mérito Federal compartido con el escritor y filósofo Ernest Jünger y propuesto como candidato al Premio Nacional de la RDA, en 1950, por la asociación cultural de Gera. A partir de 1960, organiza muchas exposiciones y recibe varios premios en las dos Alemanias. Cuando cumple 75 años, en 1966, le otorgan el premio Alfred Lichtwark y el Martin Andersen Nexö. También es nombrado ciudadano honorario de Gera. Posteriormente, recibe el premio Hans Toma e 1967 y, al año siguiente, el premio Rembrandt de la fundación Goethe enn Salzburgo.

Dos años más tarde, fallece el 25 de julio de 1969, en la ciudad de Singen, aunque se encuentra enterrado en Hemmenhofen.

La obra de Otto Dix:

Aunque este pintor figura dentro de la serie dedicada al arte grotesco, no se puede decir que esa fuera su intencionalidad en la realización de su obra, pues el factor grotesco es siempre un camino no un fin y a él se llega desde diversos géneros y estilos, entre ellos el expresionismo del que es un máximo exponente.

Las tres corrientes pictóricas que le influyeron fueron el cubismo, el futurismo y el realismo crítico, aunque se le considera uno de los más importantes pintores expresionistas de Alemania; además, de recibir una fuerte inspiración del pintor Vincent Van Gogh por su indudable maestría en el uso destellante del color.

Dix también es conocido como "el pintor de la guerra", por la profunda huella que le dejaron las experiencias traumáticas que él vivió, especialmente en la I Guerra Mundial, que marcó su producción pictórica posterior. Él definió esa terrible experiencia bélica diciendo en una entrevista de 1961: “La guerra es algo embrutecedor: hambre, piojos, fangos, esos ruidos enloquecedores. Todo es distinto. Mirando cuadros más antiguos, he tenido la impresión de que falta por exponer una parte de la realidad: lo repulsivo. La guerra fue una cosa repulsiva, y pese a todo, imponente. No podía perdérmela. Hay que haber visto a los hombres en ese estado voraginoso para saber algo sobre ellos". Los temas recurrentes que predominan en su obra basada en la guerra son la explosión de un proyectil, la trinchera y la evolución de su propio rostro en esos años. Estos temas se pueden apreciar a lo largo de sus obras.

La técnica de Dix evolucionó como es habitual en los grandes artistas y, por ello, se puede apreciar una gran diferencia entre las obras que pintó durante la guerra y las de después del conflicto bélico, aunque su estilo posterior siempre estaría muy influenciado por el que tuvo mientras pintaba durante la contienda. En la etapa del conflicto bélico se aprecia en sus obras que estas le sirven para liberar la tensión emocional, el horror que vive en esos años de muerte y destrucción, en una especie de catarsis. Un ejemplo de ello pueden ser sus obras La Guerra (1929-32), Guerra de trincheras (1932) y Flandes (1936), producto todas de una íntima reflexión, del recuerdo traumático que el pintor conservó durante veinte años de sus trágicas vivencias bélicas hasta su fallecimiento. Durante la guerra utilizó el óleo; al acabar esta, para reflejar la situación social después del conflicto, usaba el grabado que le permitía expresar mejor las terribles secuelas de la guerra sufridas por sus supervivientes, muchos de ellos con terribles secuelas físicas y psíquicas que le acompañarían de por vida; pero, siempre ante la indiferencia del resto de los ciudadanos que nunca podrían comprender y compartir el horror vivido, el sufrimiento inacabable que le acompañará siempre a todo ser humano que ha vivido la terrible experiencia bélica y sufre en su cuerpo las horribles secuelas y el recuerdo de las espantosas imágenes que le torturarán con su recuerdo todos los día de su vida sin posible olvido.

Otto Dix explicaba así su propio deseo de participar directamente en la guerra de esta manera: “Quizá fui una persona curiosa. Necesitaba presenciarlo todo con mis propios ojos. Y es que soy un realista, sabe usted, que necesita verlo todo con sus propios ojos para constatar que es así...Tengo que presenciar en persona todos los abismos insondables de la vida.” Y en esos abismos insondables quedó atrapado el artista cuando comenzó a frecuentar los prostíbulos para pintar sobre las prostitutas y sus clientes, en el sórdido ambiente del sexo mercenario que le llevó, por curiosidad innata de todo creador, a afirmar, como buen conocedor de esos mundos de marginación, miseria y depravación, que en ellos se podía encontrar una completa desolación, pero también se vivía realmente libre, sin los corsés morales que la sociedad establece a los ciudadanos bien integrados.

Entre las obras sobre las prostitutas, además de El salón que se comenta en este artículo, se encuentran, entre otras, las que llevan por título "Tres prostitutas en la calle" "Marsella" (Marinero y chica), "Metrópolis" (Tríptico). En todas ellas aparecen mujeres fuertes, duras y enérgicas.

Otto Dix es mayormente conocido por su obra sobre guerra, pero sin duda la que más alarmó, incluso a los nazis quienes quemaron algunas de sus obras, fue donde exploró el universo que dejaba ésta: pobres, mujeres viudas, prostitutas, lisiados, etc. Todo lo relacionado con las miserias humanas atrajo el interés de este artista, pues sentía que en estas realidades marginales y miserables se escondía una profunda verdad del alma humana.

La obra pictórica de Otto Dix es muy extensa y ofrece una gran variedad de estilos, aunque su fama le vino, principalmente, de sus pinturas sobre la guerra. Fue un dibujante excepcional que nos ha dejado 500 bocetos y muchos retratos, además de lienzos y acuarelas en los que se aprecian sus influencias de la época renacentista. Dix es, sin duda alguna, uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX. La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de la ciudad alemana de Stuttgart.

El ángel del hogar, de Max Ernst

2016-01-16T13:50:00.001-08:00

Ana Alejandre

El ángel del hogar, de Max Ernst

El título de esta obra pictórica es un giro sarcástico y grotesco del artista, teniendo en cuenta la naturaleza y características del cuadro. En él se representa a un ser monstruoso con cabeza de ave carroñera y cuerpo y extremidades deformes y de las que, de alguna de ellas, nacen otras más pequeñas con aspecto de ramificaciones arbóreas. El monstruo parece saltar y dar violentas patadas en el suelo que viene a representar la realidad, el mundo material en el que vivimos.

El pintor ha querido hacer una alegoría con dicho monstruo del fascismo y la carga de terror, violencia y muerte que representa, de ahí las patadas furiosas que da en el suelo en alusión a la violencia intrínseca que dicho movimiento político conlleva.

No hay que olvidar que el año de creación de esta obra es la de 1937, cuando el partido nazi estaba en pleno auge en Alemania en los albores de la II Guerra Mundial y que fue precursor de la estela de horror y muerte que dejó a su paso dos años más tarde.

El hecho de que la figura monstruosa tuviera cierta apariencia humana, en cuanto a su figura antropomorfa, no es otra cosa que el deseo por parte del autor de señalar que ese monstruo no es algo ajeno a la propia naturaleza humana, sino que es el propio ser humano el que lo encarna individual y colectivamente. Por otra parte, el rostro del monstruo parece mostrar una risa de regocijo con el pico abierto en cuyo interior se observan dientes puntiagudos parecido a los de los escualos, insinuando con ello lo dañino y peligroso que puede ser el monstruo fascismo/comunismo -las dos caras de la moneda del totalitarismo-, que, además, ríe abiertamente en un gesto de gozo y satisfacción al usar la violencia, en una especie de baile siniestro con el que intenta aplastar cualquier resistencia que pudiera encontrar en su camino. Esta destrucción que deja a su paso parece indicarlo el hecho de que no haya nada a su alrededor a no ser el suelo al que pisotea, como si todo vestigio de vida o de civilización hubiera desaparecido y dejado el vacio de territorio yermo, despoblado e inerte.

Max Ernst también ilustra su idea de que las ideologías totalitarias existen y se propaga por muchas naciones con el recurso de que el monstruoso ser está vestido con diversos y chillones colores, todos aquellos que existen en las banderas de diferentes países donde se instaló el fascismo: Alemania, Italia y España (rojo, amarillo, verde, negro y el color pardo, propio de las camisas pardas del Partido Nacionalsocialista alemán, el color rojo del bando republicano y las camisas azules del bando nacional español). Los nubarrones que aparecen en el cielo presagian tormenta, la devastadora tormenta de la II Guerra Mundial que comenzaría dos años después y que Ernst ya intuía por la fuerza de los acontecimientos y a la que precedía la Guerra Civil Española que ya estaba iniciada y representada en el nubarrón más oscuro de la parte superior izquierda del cuadro.

El título sarcástico de esta obra viene a referirse metafóricamente al hogar, trasunto de la nación a la que se pertenece, lugar en el que cualquier ciudadano se siente en su casa, a la que el ángel que custodia todo hogar, en esta ocasión está encarnado en esta obra en las ideas totalitarias de los extremos del arco político: comunismo o fascismo, que parece llegar a cada país, a cada "hogar" para el pueblo que en él habita, al que ofrece la idea de salvaguarda, de protección de los derechos y libertades de todos los ciudadanos, aunque se convierte al final en un monstruo que todo lo devora, que todo lo destruye y que sólo deja las ruinas de lo que antes era un país que vivía en paz, a pesar de los problemas y dificultades que la realidad impone, pero sin convertirse en presa de las ideas totalitarias y depredadoras impuestas por quienes dicen representar la salvación de cada pueblo al que aplasta con el peso de sus desmanes, injusticias, violencia e intolerancia. Y esto sólo puede suceder cuando los ciudadanos que pueblan el país en cuestión admiten y aceptan que las ideologías terribles y totalitarias lleguen y se instalen en su seno sin oponerse a ellas, sin luchar por su propia libertad que le entregan absolutamente confiados en que dicha ideología política llega y se instala en su seno para ser la solución de los problemas e injusticias que toda sociedad sufre. Esos mismos problemas que se verán acentuados hasta el paroxismo por esas ideologías que no admiten controversia, oposición ni límites, porque sólo destruye al individuo y a la propia sociedad en la que éste vive, cuando le niega la posibilidad de opinar, criticar u oponerse al totalitarismo político que es el peor enemigo de la dignidad del individuo, de su realización como ser humano porque le arrebata su pequeña parcela de felicidad posible.

Max Ernst

2016-01-16T13:00:00.000-08:00

Ana Alejandre

Max Ernst

Max Ernst (Brühl, Alemania, 1891 - París, 1976), artista plástico que cultivó la pintura y escultura con notable éxito.

Participó, alistado en el ejército alemán, en la Primera Guerra Mundial. Cuando abandonó el ejército ya había surgido el movimiento dadá en Suiza que le atrajo desde el primer momento, por ser la idea dadaísta revolucionaria del arte convencional. Ernst se instaló en Colonia y comenzó a usar la técnica del collage.

A partir de entonces fue un miembro destacado del movimiento dadaísta de Colonia, aunque se apuntaban en sus obras, desde muy pronto, ciertas asociaciones que tenían carácter surrealista.

Posteriormente, en 1922, se trasladó a París, ciudad en la que empezó a pintar obras de tipo surrealista, en las que predominan solemnes figuras humanas y criaturas fantásticas, y todas ellas en escenarios renacentistas de gran detallismo en su trazado, de las que es ejemplo (L'eléphant célèbes, 1921, Tate Gallery, Londres).

Buscador incansable de nuevas técnicas y vías de expresión originales y polimorfas, utilizó varias de ellas, pero siempre desde la perspectiva de la estética de lo absurdo y a través del automatismo que es una característica fundamental del surrealismo. Por ello, usó durante toda su carrera artística el empleo del collage, ejemplo de ello es La mujer de cien cabezas (1929), Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo (1930) y Una semana de bondad o los siete elementos capitales (1934).

También, practicó la técnica del goteo, utilizando una lata de pintura agujereada que balanceaba sobre la superficie a pintar, lo que supone el evidente antecesor del dripping de Jackson Pollock de años más tarde. Además, también practicó la técnica del frottage, a partir de 1925, que se basa en la reproducción de texturas originadas al pintar sobre un papel colocado sobre una superficie con relieves Con este método creó sus colecciones de Bosques y de la Historia Natural entre 1926 y 1928. Más tarde, practicó la técnica del gratagge (técnica que consiste en raspar o grabar los pigmentos secos sobre un lienzo o tabla de madera.

Ernst, durante la Segunda Guerra Mundial, en la que se produjo la invasión de Francia, fue encarcelado por los alemanes. Mientras estaba en prisión trabajó en la decalcomanía, técnica usada para transferir al cristal o al metal pinturas hechas sobre un papel preparado al efecto y con el que se duplicaba manchas simétricamente.

En todas sus creaciones quería encontrar los medios más idóneos para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo onírico y la imaginación que son adimensionales y, por ello, sutiles y volátiles.

Casi en toda su obra se encuentra protagonizada por temas sumamente inquietantes y en las que aparecen misteriosas formas orgánicas y minerales que evocan una realidad onírica de angustiosa pesadilla.

2015-05-30T15:21:00.000-07:00

Ana Alejandre

La entrada de Cristo a Bruselas (James Ensor, 1888)

La entrada de Cristo a Bruselas, de 1888 (también conocida como La entrada de Cristo en Bruselas), obra en la que aparece el tema del carnaval y las máscaras grotescas que lleva un gentío carnavalesco que las porta mientras se dirige hacia el observador. Entre la multitud se pueden ver los rostros de políticos belgas, personajes famosos de la historia y familiares del propio artista. La figura de Cristo que aparece montada en un burro parece estar perdida entre el gentío que la rodea. Ensor, a pesar de su falta de fe, veía a Cristo como una figura víctima de la humillación, burla y mofa del populacho que la rodeaba, por lo que sentía una gran identificación con Él. Esta composición no fue aceptada por el grupo de Los XX -grupo de pintores, escultores y dibujantes belgas formado en 1883 por el abogado, editor y empresario de Bruselas, Octave Maus. Celebraron durante diez años una exposición anual y se invitaba a cada una de ellas a otros veinte artistas extranjeros. En 1883 el grupo pasó a denominarse "Le libre Esthétique" que desapareció en la I Guerra Mundial-, por lo que su exposición se demoró hasta 1929 y exportada en 1960, entre una gran polémica, a EE.UU. Se encuentra en la actualidad en el Museo de J. Paul Getty, en Los Ängeles (California).

Esta obra, que mide 252,7 cm por 430,5 cm, refleja una composición ya realizada anteriormente por Ensor en su dibujo Las aureolas de Cristo, fechada en 1885.

James Ensor

2015-05-30T15:15:00.000-07:00

Ana Alejandre

James Ensor, por Henry de Groux (1907)

Nacido en Ostende (Bélgica) el 13 de abril de 1860, ciudad en la que residió casi toda su vida, pues sólo viajó a Francia, Países Bajos e Inglaterra en contadas ocasiones y con estancias cortas. Fue miembro activo de los movimientos de vanguardia a principios del siglo XX y su figura y obra han sido muy influyentes en los movimientos artísticos como son el expresionismo y el surrealismo. Se le relaciona con el grupo artístico conocido como Los XX.

Hijo de padre inglés y madre belga, Ensor fue un mal estudiante, por lo que abandonó la escuela con tan sólo 15 años para iniciar su formación artística con pintores locales. Continuó sus estudios de arte en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, desde 1877 a 1880, teniendo como compañero a Fernand Khonopff.

Realizó su primera exposición en 1881, aunque muchas de sus obras fueron consideradas escandalosas en la última década del siglo XIX, sobre todo su cuadro La entrada de Cristo a Bruselas (1889). A pesar de ello siguió exponiendo y su fama se fue acrecentando. Los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, de Bruselas, adquirió su cuadro fechado en 1895 Muchacho con lámpara, además de realizar su primera exposición en dicha ciudad, a la que siguieron otras de mayor importancia.

La obra de Ensor sufeió una paulatina transformación a partir de la década de los 80 del siglo XIX. En sus primeras obras tal como fueron Música rusa (1881) o Los borrachos (1883), muestra un estilo realista con tonos sombríos y cierto pesimismo plástico en sus obras.

Después se fue decantando por tonos más claros, aunque del realismo primero pasó a un estilo mucho más extraño, grotesco y casi surrealista, con colores más vivos y alegres, creando un estilo propio en el que predominaban marionetas, máscaras, carnavales o esqueletos a los que vestía en su estudio y creaba escenas con ellos que plasmaba en las distintas alegorías que estas figuras protagonizaban, a través de las que intentaba denunciar el gran teatro del mundo, la eterna pantomima de una sociedad que enmascara a los individuo e intenta disfrazarlos de lo que no son, anulando toda individualidad, toda rebeldía. De esta nueva etapa de madurez artística son ejemplos las obras como Las máscaras escandalizadas (1883)y Esqueletos peleándose por un hombre ahorcado (1891), en la que aparecen figuras con máscaras grotescas, inspiradas en las que su madre vendía en su tienda de regalos cuando se celebraba el carnaval anual de Ostende.

Posteriormente, entre 1888 y 1892 su pintura se fue orientando hacia temas religiosos en los que predominaba la pasión de Cristo, a pesar de su ateísmo. Esas obras con tema religioso era una muda protesta del artista que quería plasmar en los sufrimientos de Cristo la falta de humanidad y el horror del mundo. De esta etapa son cuarenta y cinco grabados y su más famosa pintura La entrada de Cristo a Bruselas que data de 1888.

Su fama se fue acrecentando y en 1929 recibió el título de Barón que le concedió el rey Alberto I de Bélgica y en 1933 recibió la más alta condecoración como es la Legión de Honor. También, fue inspiración para el compositor Flor Alpaerts que le dedicó su obra Suite de James Ensor.

Sin embargo, y a pesar del reconocimiento recibido ya en pleno siglo XX, con el tiempo, la obra de Ensor se fue mitigando en cuanto a la fuerza expresiva del sarcasmo, de la continua y siempre presente escatología, por lo que la crítica considera que sus últimos cincuenta años constituyeron una evidente etapa de declive artístico de este pintor que parecía ir perdiendo virulencia en su continua y desaforada crítica hacia una sociedad que le desagradaba profundamente.

Las obras más relevantes de esta última etapa son Muerte de la madre de la artista (1915), en la que retrata el lecho de muerte de su progenitora como elemento central de la obra y en la que destacan los frascos de medicina en el frente, como símbolos del dolor y la muerte que la acechaban. Otra obra a reseñar de esta etapa tardía es Los viles vivisectores (1925), una obra protesta contra el uso de animales para realizar experimentos científicos y médicos.

James Ensor es un innovador del arte del siglo XIX que estaba centrado en el realismo figurativo, a pesar de que no se sentía afín a ningún artista de su época, tuvo una gran influencia en otros artistas como Klee, George Grosz, Alfred Kubin, Emil Nolde, Wols y otros artista expresionistas y surrealista del siglo XX.

También, Ensor tuvo siempre una fuerte vinculación con la música, aunque no tenía formación musical, pero tocaba el armonio con frecuencia para sus visitantes. Dicha afición musical le llevó a disminuir el tiempo que le dedicaba a la pintura, por lo que ya iniciado el siglo XX su obra fue disminuyendo en cantidad.

Su vinculación a su tierra natal, le hizo quedarse en Ostende en plena II Guerra Mundial, aun sabiendo el peligro que representaban los continuos bombardeos. Su figura fue muy respetada por sus conciudadanos y por todo el pueblo belga. Falleció en su ciudad natal el 19 de noviembre de 1949.

Brigitte Bardor ( de Antonio Saura)

2014-11-17T15:17:00.000-08:00

"Brigitte Bardot", de Antonio Saura (1959)

(Óleo sobre lienzo, 251x201 cms)
Museo de Arte Contemporaneo ,Cuenca

Ana Alejandre

En este retrato de Brigitte Bardot, Antonio Saura intenta borrar el mito de la Bardot y, para ello, vuelve a los orígenes de la imagen femenina retratada, la que siempre le subyugó y la convirtió casi en el objeto principal de su obra, la diosa madre primigenia, pero vista desde su estilo pictórico peculiar y personalñisimo.

Después de 1954, y tras pasar una época experimental muy acusada, Saura quiso probar una nueva estructuración de su obra que contuviera la excesiva expansión por el espacio del cuadro y que, de alguna forma, atara y fijara la expresión gestual que tenía tendencia a descontrolarse en su pintura. De esa primera estructura comenzaron a surgir los elementos fisonómicos como son ojos, bocas, nariz, etc., que fueron conformando rostros inquietantes y misteriosos, pero siempre grotescos, que fueron formando el cauce del que surgió la imagen del cuerpo.

Su falta de formación pictórica académica, determinó que se alejara de los cauces clásicos que buscaban la perfección del cuerpo, de la figura femenina, para buscar la imagen original de la diosa madre que pintaba de forma obsesiva. Frente a la belleza formal y estética de los cánones clásicos, Saura activa un proceso de violencia estética que deforma la imagen, descoyuntando el armazón original, desatando así la pasión creadora que llega, al destruir lo ya existente en la imagen retratada, para llegar hasta la afirmación de la misma en los propios elementos que la forman ya deformados y transformados que construyen una imagen nueva, grotesca, deformante, un tanto siniestra, a lo que coadyuvan los colores negros, grises y marrones que constituyen, desde entonces, su única paleta de pintor.

Imagen final en la que se manifiestan, sin embargo, los rasgos de la persona retratada y exaltados hasta el paroxismo pero siempre deformante y grotesco, que es lo que define la esencia personal del sujeto retratado y que brota del claroscuro de la pintura en toda su intensidad expresiva, chirriante como un grito de dolor y furia que surge de la pintura y que en su nueva y desestructurada imagen muestran la realidad formal del retratado en su más grotesca definición estética.

Antonio Saura

Antonio Saura,

Antonio Saura nace en Huesca en 1930 Empieza a pintar y a escribir en Madrid, en 1947, en plena convalecencia de una tuberculosis que le obliga a guardar reposo durante cinco años.

En su intento de experimentar con las nuevas corrientes pictóricas, defiende la influencia de Arp y Tanguy, aunque ya empieza a mostrar un estilo personal. Realiza numerosos dibujos y pinturas de carácter onírico y surrealista en los que suele representar paisajes imaginarios siempre sobre una materia plana, lisa y rica en color.

Se traslada a París en 1952 y vuelve a residir en dicha ciudad desde 1954 a 1955. En dicho período conoce a Benjamin Péret y toma contacto regular con el grupo de los surrealistas, aunque pronto se distanciará de dicho grupo al igual que hace el pintor Simon Hantaï con el que mantiene una estrecha amistad.

Es entonces cuando utiliza la técnica del grattage y se decanta por un estilo gestual y una pintura extremadamente abstracta, colorista, de concepción orgánica y aleatoria. Su pintura va ocupando el espacio del lienzo de múltiples y variadas formas, creando así estructuras formales propias que desarrollará incansablemente.

En esta época comienza a crear formas que se irán convirtiendo paulatinamente en arquetipos del cuerpo femenino o de la figura humana, siendo estos dos temas fundamentales y esenciales en su obra posterior. A partir de 1956 Saura comienza a crear sus grandes series, Damas, Desnudos, Autorretratos, Sudarios, Crucifixiones, obras que pinta tanto sobre lienzo como sobre papel.

Funda en Madrid el grupo El Paso, en 1957, al que dirigirá hasta su disolución en 1960. En esos años conoce a Michel Tapié.

Realiza su primera exposición individual en la galería de Rodolphe Stadler, en París, en la que expondrá de forma constante durante toda su vida artística. Stadler lo presenta a Otto van de Loo, en Múnich, y a Pierre Matisse en Nueva York, quienes también expondrán su obra y lo representarán.

Es entonces cuando decide que su paleta sólo tenga los colores negros, grises y marrones. Crea y define un estilo propio e independiente de los movimientos y las tendencias de su generación. Su obra está fuertemente inspirada por Velázquez y Goya y sus obras se exhiben en los principales museos. Desde 1959 empieza a crear una prolífica obra gráfica. Ilustra de manera original numerosos libros como son, entre otros títulos, Don Quijote, de Cervantes; 1984, de Orwell; Pinocho en la adaptación de Nöstlinger; Tagebücher, de Kafka; Tres visiones, de Quevedo, y otros muchos.

Desde 1960 comienza a esculpir y realizar obras hechas con elementos de metal soldado que representan la figura humana, personajes y crucifixiones.

Se instala definitivamente en París en 1967. Toma parte activa en la oposición a la dictadura franquista y participa en numerosos debates y polémicas sobre temas tan dispares como política, estética y creación artística.

Sigue experimentando en búsqueda de nuevas formas de expresion artística tanto en temas como en técnicas pictóricas. Además de la serie Mujer-sillón, crea también las de Retratos imaginarios, El perro de Goya y Retrato imaginario de Goya. En 1971 abandona la pintura sobre lienzo -a la que volverá en 1979-,para dedicarse de lleno a la escritura, el dibujo y la pintura sobre papel. Empieza a publicar sus escritos en 1977 y realiza varias escenografías para el teatro colaborando con su hermano Carlos, e igualmente para el ballet y la ópera.

En 1983 crea una importante serie de retratos titulada Dora Maar o Dora Maar visitada. Desde entonces y hasta su prematura muerte, vuelve a retomar y recrear el conjunto de sus temas y figuras para producir magistralmente, lo que se considera lo mejor de su obra.

Fallece en Cuenca en 1998.

Retrato de George Dyer en un espejo (Portrait of George Dyer In a Mirror) de Francis Bacon

2014-04-30T12:08:00.000-07:00

Ana Alejandre

Retrato de George Dyer en un espejo (1968), de Francis Bacon

La obra elegida para ilustrar este comentario está fechada en 1968, y es el retrato de su amante en aquellos años, George Dyer , quien se suicidó con barbitúricos en 1971, después de una tormentosa relación con el artista.

Esta obra refleja a la perfección el estilo, dentro del expresionismo más radical, de Francis Bacon, que le lleva hasta el extremo de lo grotesco en sus obras, ya que ofrece los elementos que tiene este estilo artístico, pues la deformidad de los rostros hasta límites insospechados que los convierte en un amasijo de carne, en facciones animalescas, además del uso de colores fuertes y oscuros, la violencia que subyace en sus cuadros aunque sean escenas estáticas, como un grito desgarrador que el espectador advierte al mirar sus obras en las que siempre intenta mostrar la vulnerabilidad del ser humano, la violencia y la crueldad.

En este retrato como en otros de este artista, se aprecia el uso del color sobre la línea del dibujo, ya que con el color se puede expresar mejor los sentimientos, por fugaces que éstos sean. En esta obra se aprecia un contraste entre colores cálidos y fríos, por lo que el fondo está pintado con un color azul pálido que es frío, pero el punto central de la obra está iluminado con una luz que proviene de arriba que ilumina el espacio en el que sitúa la figura humana y que casi convierte el color azul pálido del fondo en blanco, a la vez que dibuja una línea curva que circunda el extraño objeto helicoidal en el que está el espejo al lado del asiento, a modo de taburete, en el que se sienta la figura retratada.

Esta técnica de delimitar la zona donde sitúa al personaje a retratar con una línea, unido a la vista cónica del cilindro que forma el suelo que es la base del cuadro está indudablemente influenciada por Giacometti, en especial por sus esculturas.

También es de destacar que la imagen reflejada en el espejo, aunque dividida en dos partes, es más humana, más reconocible que el rostro que se refleja en el espejo. Quizás, en una alusión de que la imagen que el propio hombre retratado tenía de sí mismo y ve en el espejo, difiere de la verdadera imagen que ofrece a los demás y esa escisión en dos ¿será alusión a que tenía dos rostros, dos identidades, una pública y otra privada, que unidas formaban la imagen real de la personalidad del retratado? Esto parece indicar la imagen del rostro escindido.

También se advierte el contraste entre el color claro del fondo del cuadro con el color oscuro del suelo, lo que provoca una perspectiva de dimensión espacial y profundidad, ya que lo más cercano al espectador es el suelo, color que se va degradando hasta el fondo en el que se ve como azul claro, lo cual es lo contrario a lo que suele hacerse en pintura, ya que el color claro se pone delante y el oscuro detrás.

Prefería pintar retratos porque a través de ellos intentaba plasmar su concepto de ética artística, por lo que decía: “el arte más grande te devuelve siempre la vulnerabilidad de la situación humana”, y por ello es el ser humano retratado la mejor forma de expresión de este concepto, pues a través de su pintura intenta reflejar todo el horror, la crueldad, la violencia en la que está sumido el hombre en cualquier época y lugar, porque esa misma crueldad, como fuerza terrible y oscura, está permanentemente inscrita en la naturaleza humana. Al llevar su deformaciones pictóricas hasta el máximo límite, entra con fuerza en la retina del espectador que ve horrorizado en aquel amasijo de carne, de facciones descompuestas, irreconocibles, de rostros retorcidos o fraccionados, la verdadera situación de dolor del hombre, de su fragilidad siempre víctima de la crueldad ajena.

Esta obra está realizada en óleo sobre lienzo, con un tamaño de 198 x 147 cms., y se encuentra expuesta en el Museo thyssen-Bornemisza, Madrid.

¿Quién era Francis Bacon?

Francis Bacon, pintor

Nació el 28 de octubre de 1909 en Dublín (Irlanda), hijo de padres ingleses. Fue testigo en su tierra natal de hechos violentos entre el Sinn Fein y los soldados británicos, que combatían los deseos independentistas de Irlanda protagonizados por dicho movimiento separatista. Llegó a presenciar escenas tan violentas como ver cadáveres colgados de las ventanas. También en esos años tuvo sus primeras experiencias sexuales con los trabajadores de su padre, como eran los mozos de cuadra, con los que se inició en las prácticas masoquistas cuando lo sodomizaban entre latigazos, lo que hizo aumentar su adicción a dicha parafilia.

Cuando fue descubierto por su padre y mostraba ya un carácter afeminado, se trasladó a Londres en 1925, ciudad en la que se prostituía y protagonizaba fugas de las numerosas pensiones en las que se hospedaba Fue testigo en su tierra natal de hechos violentos entre el Sinn Fein y los soldados británicos, que combatían los deseos independentistas de Irlanda protagonizados por dicho movimiento separatista.

Estuvo durante algún tiempo en París y Berlín, entre los años 1927 y 1928, donde trabajó como decorador y comenzó a dibujar y pintar acuarelas, especialmente impresionado por la exposición de Pablo Picasso que visitó en Paris.

De regreso a Londres, en 1929, comenzó a pintar al óleo como autodidacta sin éxito alguno, por lo que en 1944 destruyó todas sus obras que había creado hasta entonces. Fue su tríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión (1944), la que inauguró su nuevo estilo pictórico desde fundamentos completamente novedosos.

El Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York adquirió una obra suya y al año siguiente, en 1949, cuando realizó su primera obra inspirada en el cuadro de Velázquez, Inocencio X, inició una serie de exposiciones individuales que consolidaron su nombre. Hoy se conservan más de 40 retratos de esos "Papas", aunque Bacon confesó que nunca quiso ver los cuadros originales y trabajaba sobre ellos a través de fotografías.

Además de la influencia de Picasso que ya se ha mencionado, otro artista como Munz y su famosa obra "El grito", le sirvió de inspiración para obras posteriores, ya que esta obra le recordaba toda la violencia que había presenciado en su tierra natal y esa sensación de angustia por la barbarie humana se agudizó con el inicio de la II Guerra Mundial, lo que le inspiró retratar a Hitler, Mussolini y Pío XII como líderes vociferantes, como auténticos culpables, desde su visión de amargura y denuncia, del horror que se había desatado en el mundo y cuyas manifestaciones se ponían en evidencia en los campos de concentración, el exterminio de millones de seres humano, la desolación, el terror y la muerte.

A partir de 1960 se centra en los retratos de personas reales, y en esos años conoce a George Dyer y comienza la relación con éste hombre de familia de rateros que había pasado su vida entre reformatorios y cárceles y que se convierte en su principal modelo y amante. Con él, Bacon comienza una etapa de estabilidad emocional y madurez creativa, decantándose por una pintura menos violenta y agresiva, dentro de lo posible en este artista tan singular, y mantiene un plan de vida de derroche continuo, pues afirmaba que "las riquezas son para gastarlas", lo que le obligaba a hacer unas obras más moderadas que tuvieran una mejor posibilidad de venta, además de ser un artista ya reconocido que había expuesto dos veces en la National Gallery de Londres y en el MOMA de Nueva York. De esta época es el cuadro que sirve del que se habla en este artículo.

Esta época de bonanza sentimental y artística, lejos ya los ecos de la guerra y viviendo una paz que tenía como fin el reconstruir todo lo destruido por la guerra que asoló el mundo, acabó con la trágica muerte por suicidio de su amante que le marcó hasta el propio fallecimiento del pintor.

A partir de ese momento su pintura recoge ya la melancolía y tristeza por la pérdida sufrida y la soledad en la que sumió hasta que comenzó una nueva relación con el que sería su siguiente amante, John Edwards, que le inspiró nuevos trípticos y que fue su heredero a la muerte de Bacon, aunque falleció en 2003 en Thailandia, donde su había trasladado con su nuevo amante, huyendo de la expectación creada por su condición de único heredero del famoso artista.

En toda la obra de Bacon se encuentra en forma plástica su idea de que el hombre tenía que reconstruirse a sí mismo. Afirmaba que la imagen plasmada debía deformarse para poder hacer efecto en el sistema nervioso y el ánimo del espectador. Parecía que intentaba revivir a través de sus obras experiencias concretas y poder así sentir las mismas emociones que en su día vivió. Aunque también trataba de reinventar la tradición distorsionándola. Por ello, afirmaba que de la nada no puede salir nada, refiriéndose al arte abstracto, que fantaseaba con la nada. Era necesario la imagen original distorsionada para que el espectador sintiera un fuerte impacto emocional.

Su obra, por tanto, se ve influenciada por un marcado expresionismo y simbolismo de terror y rabia, influido seguramente por sus primeras experiencias sexuales que le marcaron definitivamente, además de la atmósfera de violencia que vivió durante su estancia en Irlanda, a la que agudizaron los horrores de la II Guerra Mundial.

Su obra, por ser la de un autodidacta, tiene una originalidad exultante. Sus influencias, según el mismo artista reconocía, fueron Velázquez, Goya, Picaso y Giacometti.

A Bacon se le puede considerar el artista más importante de ese movimiento artístico nacido en los años 70 llamado como "Nueva figuración" que encuadraba a artistas de muy diversas tendencias, todos ellos que representan el subjetivismo y la representación figurativa y que dio paso al arte pop.

Bacon falleció en Madrid, el 28 de octubre de 1992, cuando visitó la capital española con motivo de una exposición.

Titania se despierta con un séquito de hadas, Henry Fuseli.

2013-10-30T08:42:00.000-07:00

Titania se despierta con un séquito de hadas,
Henry Fuseli, (1804-1805)

por Ana Alejandre

Titania, como reina de las hadas, personaje de una obra de William Shakespeare, Sueño de una noche de verano, en la que como tal, se despierta acompañada de su séquito de hadas y duendes mientras se abraza a su marido Oberón, rey de los elfos y las hadas, en la obra de Füslli..

Shakespeare utilizó el nombre de Titania, tomándolo del poema La Metamorfosis de Ovidio, donde se le da este apelativo a las hijas de un Titán. Goethe utilizó esa figura creada por Shakespeare para escribir su Fausto

La gran influencia shakesperiana ha creado otros muchos personajes de ficción en las que este nombre se asocia siempre con el personaje de Reina de las hadas, aunque también con otros nombres como Mab o Maeva.

Tatiana, la Reina de las hadas, abraza a su marido que posee una cabeza de asno, acompañada de un séquito de hadas y elfos, mientras rodean las tinieblas a todos los personajes que son criaturas oníricas, fantasmagóricas y sutiles, en una de esas pesadillas que centraban buena parte de la obra de Füssli, en las que mezclaba todos los ingredientes del prerromanticismo, movimiento del que fue precursor, sin dejar por ello de acompañar a esos personajes benéficos y fantásticos, los terrores nocturnos de una realidad que contrastaba con los productos de la fantasía del artista, creando por ello una obra en la que, como la que ilustra este comentario, se unen lo fantástico y lo grotesco, elementos que conforman toda la obra de este artista, precursor del expresionismo y surrealismo.

La obra está fechada entre 1804 y 1805, y es un óleo, de 61x45 cms, y se haya en el Kunsthaus de Zürich.

¿Quién fué Henry Fuseli?

2013-10-30T08:00:00.000-07:00

Henry Fuseli (autoretrato)

por Ana Alejandre

Johann Heinrich Füssli, nombre verdadero de este artista nacido el 7 de febrero de 1741 en Zürich, hijo de un anticuario y pintor retratista, Johann Joachin Winckelmann, quien escribió una obra sobre pintura suiza, además de reunir un gran número de dibujos y grabados suizos de los siglos XVI y XVII.

Un hermano de Johann Heinrich Füssli, Johann Kaspar Füssli, fue pintor y entomólogo, siguiendo en parte la tradición artística del padre. Sin embargo, Heinrich se inció en la literatura como expresión artística y sólo a partir de 1764, ya instalado en Inglaterra, se dedicó plenamente a la pintura, no considerándose en ningún momento un artista, sino un simple ilustrador de temas literarios, y en dicho país se le conoció como Henry Fuseli.

Desde muy niño comenzó su actividad artística, ya que copió varios grabados de la colección personal de su padre, siendo estos obra de autores tan emblemáticos como Niklaus Manuel Deutsch y Urs Graf, entre otros. Sentía especial predilección por los temas más fuertes y expresivos, denotando algunos una gran violencia, con claroscuros muy acusados, figuras estilizadas y monumentales. Sin embargo, en la adolescencia cambió de temática, sintiendo preferencia por los temas macabros y grotesco, pero en ocasiones tenía un matiz satírico y casi caricaturesco, sin olvidar que en ocasiones ofrecía ciertos matices eróticos. Se evidenció, entonces, una dualidad en su obra, ya que por una parte le interesaba plasmar los temas eróticos y violentos; y, por otra, la sencillez y pureza, influido por Rousseau.

Durante su juventud, en Zürich, se vinculó al Sturm und Drang, movimiento prerromántico que se mostraba contrario al racionalismo de la Ilustración, por lo que intentaba un regreso a la emoción y la fantasía y, por ende, a la libre expresión de los sentimientos, y al dominio de los instintos y las pasiones humanas.

Durante su infancia y adolescencia se vio envuelto en el ambiente artístico que reinaba en la casa familiar, donde su padre celebraba reuniones con los fundadores suizos del movimiento prerromántico: Johann Jakob Bodmer y sus discípulos Johann Caspar Lavater que fue amigo de Füssli durante toda su vida y quien tradujo El paraíso perdido de John Milton, obra que además de la traducción de Shakespeare al alemán que realizó Wieland, supusieron una gran influencia en Füssli, por lo que que empezó a interesarse por la literatura inglesa, especialmente por autores como Shakespeare, Milton, Young y otros.

La gran influencia ejercida por Bodmer marcó profundamente el estilo artístico de Füssli en cuanto al concepto de los poetas como genuinos transmisores de las emociones humanas, entre las que destaca la pasión y los sentimientos. Igualmente, admite la ambivalencia del arte tanto poético como plástico entre los binomios fundamentales de la emoción humana: alegría-tristeza, placer-dolor y amor-odio, afirmando que las obras fundamentadas en los principios prerrománticos tenían igual valor que las obras creadas bajo los principios racionales y clasicista del movimiento ilustrado

Sólo se consolidó su estilo artístico hacia 1755, ya que en sus grabados fechados entre 1755-1757 se advierte un estilo que está a caballo entre el manierismo y el barroco, quizás influenciado por Durero, artista que unía genialmente la expresividad y el realismo más puro. Esa influencia del estilo manierista suizo, unido al ideario del Sturm und Drang, supuso el afianzamiento del estilo de Füssli.

Estas influencias más la de una teología emocional, le marcaron hasta llegar a ejercer como pastor zwingliano durante un breve período de tiempo que se reflejan en algunas de sus obras.

La influencia de Rousseau en cuanto a sus ideas de que la civilización significa la corrupción de la humanidad, le provocó un claro pesimismo que se manifestaba en una actitud trágica, lo que le inclinaba a tener igualmente una visión pesimista de la vida y la sociedad humana.

Por haber escrito y publicado un panfleto contra el gobierno oligárquico de Zürich, se vió obligado a exiliarse en Alemania entre 1763 y 1764. En dicho país tuvo contacto con los escritores Friedrich Gottlieb Klopstock y Johann Joachim Spalding, además de escribir poemas en los que se advierte una fuerte influencia de Young, pero sin abandonar el dibujo, ya que realizó algunos sobre temas morales, en congruencia con sus ideas de esa época en la que defendía la utilidad moral del arte. Idea que se expresa en dos obras que dibujó en Barth, en la casa de campo de Spalding con quien mantenía un cierta amistad: Destino del hombre e Instrucciones para mis hijas. Estos y otros dibujos de dicha época están inspirados en Nicolas Poussin y William Hogarth, como reflejan otras obras suyas como Muerte de un húsar húngaro (1764).

Por consejo del pintor inglés Joshua Reynolds, pasó varios años en Italia (desde 1770 a 1778). estudiando principalmente la obra de Miguel Ángel. En los años que vivió en dicho país, consiguió depurar su estilo, alcanzando el que sería el suyo definitivo que basó en el manierismo con matices clasicistas; pero más dramáticos que los de los pintores contemporáneos.

En toda su obra se advierte su pàsión, fuerte emotividad y, por ello, la subjetivad, que son las notas de lo que se conoce como romanticismo,; pero llevando su propio estilo hacia lo irracional, lo que siempre le sedujo especialmente. Toda su obra tiene un carácter teatral, como se dice anteriormente, pero no sólo por los temas que trata, sino por el concepto plástico de la expresión de las emociones de los personajes de sus obras,por la composición de las figuras, huyendo siempre de la perspectiva renacentista. Por ello, la morfología de las figuras retratadas se apartan de los cánones que fija las leyes de anatomía y, con esa singularidad, crea nuevas criaturas dotadas de una gran fantasía plástica y armonía sensual.

Se instaló en Inglaterra definitivamente en 1779, país en el que alcanzó la fama gracias a sus obras pictóricas de tema histórico que estaban dotadas de una gran expresividad, incluso melodramática en ocasiones. La fama conseguida le valió para ser elegido miembro de la royal Academy, en 1779, y nombrado conservador de dicha institución en 1784.

A pesar de su estancia en Inglaterra donde consiguió fama y prestigio, Füssli representa un concepto del romanticismo profundamente alemán, por el mundo nocturno y morbosidad casi terrorífica, de una gran fantasía, en el que abundan apariciones, gestos y posturas excesivas, casi teatrales, y un sinfín de efectos expresivos que coinciden con los del "romanticismo oscuro" de Novalis, Hölderlin, Hoffmann y Jean Paul. Todas estas características de su obra hacen de Füssli un artista fundamental en la transición entre el neoclasicismo y el romanticismo, convirtiéndolo en uno de los pintores que fueron los primeros en el estudio y plasmación de lo irracional, por lo que muchos estudiosos lo comparan con Goya.

Una de las obras que ilustra mejor esta tendencia artística en Füssli es La pesadilla, -de la que existen dos versiones, una de 1781, que se encuentra en el Instituto de Arte de Detroit; y otra, de 1790, que está en el Goethemuseum, en Frankfurt-, en la que aparece una joven vestida con ropaje sensual, acostada en un lecho y sufriendo una pesadilla en la que aparecen personajes horribles como son un demonio, un gnomo y la cabeza de un caballo con ojos como carbones encendidos.

Aunque su estilo artístico no ha podido ser clasificado de forma rigurosa, en él se encuentran influencias neoclásicas, neomanieristas y prerrománticas, ya que en sus obras se unen dichas tendencias artísticas con otras de tradición manierista y con origen en la pìntura inglesa y nórdica, por lo que su estilo es ecléctico. En todas sus pinturas se advierte claramente un concepto de lo sublime que se encuentra en el arte y la literatura inglesa del siglo XVIII, país donde vivió hasta su muerte y alcanzó la fama y el prestigio artístico que le reconocieron las sucesivas generaciones de pintores. Füssli ejerció una importante influencia en los artistas románticos, especialmente en la figura del poeta y pintor inglés William Blake.

A pesar de ello, después de su muerte, acaecida en en Putney Hill, Londres, el 16 de abril de 1825, su obra cayó en cierto olvido, aunque fue reivindicada por los expresionistas y surrealistas que lo tuvieron siempre como un precursor.

Treinta y cinco cabezas con expresión,de Louis-Leopold Boilly

2013-01-31T17:41:00.000-08:00

Treinta y cinco cabezas con expresión (sátira) (1823-1828), de Louis-Leopold Boilly

por Ana Alejandre

Esta obra de Louis-L'eopold Boilly (5 julio 1761-4 enero 1845), titulada Treinta y cinco cabezas con expresión (sátira) (1823-1828) es una obra en la que su autor quiere reflejar de forma grotesca, lo que viene a ser la exageración de lo feo, ridículo, desagradable, obsceno o estrambótico que en el ser humano existe y exteriorizaa través de sus expresiones, como fiel reflejo de su psicología en la que se manifiestan las bajas pasiones, las emociones que se ven en los diferentes rostros contraídos por gestos en los que aparecen reflejadas la codicia, la lujuria, el odio, la envidia, la ira, el desdén o la burla, lo que le convierte en una obra en la que se condensa la hábil maestría de Boilly para reflejar en las facciones de los treinta cinco personajes retratados todo el abanico de expresiones humanas en las que se manifiestan todo aquello que desde la psique sale al exterior en forma de gestos en los que parece retratarse a la perfección el alma humana.

Esta obra satírica-grotesca está pintada al óleo con colores claros y oscuros, pero sin el tenebrismo de otras obras que también presentan notas grotescas, porque en ellas la luz juega un papel predominante, quizás buscada por el artista para poder hacer más patentes las facciones en las que los gestos manifiestan todo su poder expresivo y sugeridor.

¿Quién era Louis-Leopold Boilly?

Louis-Leopold Boilly

Pintor y dibujante (5 julio 1761-4 enero 1845), nacido en La Bassée, en el norte de Francia, hijo de un modesto escultor en madera local. Su afición por la pintura comienza desde muy joven y produjo sus primeras obras con doce o trece años. Estudió en su adolescencia pintura en provincias, ya que el obispo de Arras le invitó a estudiar y trabajar en su Obispado, impresionado por las obras del joven artista que le habían mostrado unos frailes agustinos. Allí produjo más de trescientas obras, en su mayoría retratos, y recibió enseñanza de pintura al óleo de Dominique Doncre (1743-1820), antes de trasladarse a París, alrededor de 1787, pero no sin antes comprobar la posible comercialización de sus pinturas en las que reflejaba escenas de género (costumbrismo). Comenzó pintando escenas con imágenes que reflejaban el lado más lúdico, pícaro, travieso y, algunas, de un cierto erotismo que eran muy populares y demandadas por el público. Esto le valió, en 1794, en pleno Reinado del Terror, una acusación de obscenidad por una pintura erótica y fue juzgado por el Comité de Seguridad Pública que le supuso la amenaza de prisión y multas muy cuantiosas, aunque le salvó de tan graves sanciones penales el descubrimiento que se hizo en su hogar de su obra de carácter tan patriótico como es Triunfo de Marat (actualmente en el Museo de Bellas Artes, Lille )

Por su capacidad de observación y crítica de la sociedad de su tiempo, especialmente de los franceses de clase media, se centró en realizar obras que expresaban las costumbres sociales de su época, es decir, de los parisinos en cualquiera de sus actividades, tanto privadas como públicas, que llevaba cualquier ciudadano medio: paseos, en la mesa de juego, en el salón, etc. Tenía especial cuidado en estudiar y representar los detalles faciales, los gestos que denotaban las distintas psicologías y temperamentos. Además, prestaba especial atención a describir la moda, tanto en el diseño de trajes y vestidos, como en la minuciosa y exacta recreación de los tejidos en sus diferentes texturas, por lo que sus obras son como un catálogo de la moda parisina de su época.

Sin embargo, a pesar de la exacta recreación que hacía de todo aquello que retrataba, en sus obras, tanto dibujos como pinturas, se manifiesta su agudo sentido del humor, de la sátira como crítica social, en un ingenioso y constante ejercicio de análisis y exposición de la sociedad en la que vivía, ya que su vida abarcó sucesos históricos tan importantes como los que provocaron las diversas etapas de la Francia monárquica ,la Revolución Francesa , el Imperio Napoleónico, la Restauración borbónica y la Monarquía de Julio .

Si en sus primeras obras se mostraba interesado por los temas amorosos y también moralizantes, de lo que es un ejemplo Regalo del pretendiente, que es un ejemplo de su producción en la década de 1790. Su estilo de entonces parecían estar inspirados en los pintores de género holandeses del siglo XVII, como son Willem van Mieris y Gerard ter Borch (1617-1681) o Gabriel Metsu (1629-1667), de cuya obra Boilly tenía una importante colección.

A partir de 1794 se decantó hacía obras en las que había una gran pluralidad de personajes, a modo de crónica social, aunque también seguía pintando retratos de personas de la clase media y de algunos contemporáneos famosos, por sus excelentes dotes de retratista que le valieron el respeto y la admiración de sus coetáneos..

En vida recibió muchas distinciones, entre las que destacan la medalla por Salón parisino, en 1804, otorgado por su obra La llegada de un coche-correo en el Patio de las Messageries. Además, le fue concedida la más alta distinción francesa, en 1833, como es la Legión de Honor.

Boilly falleció en Paris el 4 de enero de 1845.

Cabezas grotescas, de Leonardo Da Vinci

2012-09-08T14:45:00.000-07:00

por Ana Alejandre

En esta obra de Leonardo Da Vinci, con el título de Cabezas grotescas, un dibujo en sepia de pequeñas dimensiones: 25,6 x 20 cms, fechado en 1490, se pone en evidencia el concepto que de lo grotesco tenía el artista y que se manifiesta en los rasgos exagerados, definidores y casi caricaturesco de los cinco personajes que están retratados en este cuadro, haciendo más patentes los signos de deterioro de la vejez en la figura de la izquierda que aparece con una boca desdentada; así como, aquellos elementos que son inapropiados por extemporáneos o inadecuados para el momento, lo que aparece representado en la corona de laurel del personaje central que parece más apropiado para un momento festivo o burlesco. Otro elemento que define lo grotesco, presente en esta obra, es la manifestación exultante, casi obscena, de las bajas pasiones, reflejadas, en esta ocasión, en la figura del hombre que grita iracundo, la última figura al fondo a la izquierda, y en los otros dos rostros aparece nítidamente representada la ruindad y la estulticia en gestos que hablan por sí solos. Los tonos oscuros y sombríos que ofrecen muchas obras del género grotesco, en esta ocasión han sido sustituidos por el color rojizo de la sepia.

Leonardo Da Vinci siempre tuvo un gran interés y una evidente fascinación por los rostros, a los que pintó de muy diferentes formas, teniendo como modelos tanto a ancianos decrépitos como a niños de corta edad, haciendo varias serie de caricaturas para expresar mejor lo que los propios rostros reflejaban, como matiz diferenciador unos de otros, y en los que se puede ver la verdadera naturaleza, las pasiones, los bajos instintos y hasta lo más sublime del alma, si es la penetrante mirada de un artista el que contempla y plasma, después, la idiosincrasia humana a través del sabio manejo de sus pinceles y su genio creador.

Leonardo Da vinci, maestro florentino y uno de los más grandes artistas del Renacimiento, no sólo fue pintor y escultor, ingeniero, sino también arquitecto y científico, llevado a todas estas disciplinas por su entusiasta amor por el arte, el conocimiento y la investigación. Fue innovador en el campo de la pintura e inspiró la evolución del arte italiano durante más de un siglo después de haber fallecido; pero, además, abrió nuevos caminos a la investigación dentro del campo de la anatomía, hidráulica, arquitectura, ingeniería y óptica que sirvieron de base e impulso para los nuevos avances de la ciencia actual.

Leonardo Da Vinci, apuntes biográficos:

2012-09-08T14:30:00.000-07:00

por Ana Alejandre

Leonardo Da Vinci

Nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano de Vinci, próximo a Florencia. Su padre fue un rico notario florentino y su madre una simple campesina. La familia se trasladó a Florencia, donde Leonardo pudo ser educado de forma exquisita, por ser dicha ciudad el centro artístico e intelectual de Italia. El temperamento de Leonardo le inclinaba con pasión al arte y sentía extrema curiosidad por el conocimiento en general. Tenía un porte elegante, era de fácil conversación y tenía grandes talantes de orador, además de ser un excelente músico y poseía enorme facilidad para la improvisación.

Comenzó, en 1466, a formarse como pintor en el taller de Andrea del Verrocchio, maestro reputadísimo y figura principal en el arte, tanto en la pintura como en la escultura. Allí comenzó a realizar pintura de retablos y también esculturas de mármol y bronce para grandes proyectos de tal especialidad. Ingresó, más tarde, en el gremio de pintores de Florencia, aunque siguió algunos años más como ayudante de Verrocchio, colaborando en la obra de este último Bautismo de Cristo, en 1470), pues pintó el ángel arrodillado a la izquierda y el paisaje de matices neblinosos. Su primera gran obra Adoración de los Magos, por encargo de los monjes de San Donato de Scopeto, cerca de Florencia, alrededor de 1481. Otras obras de su época de juventud fueron Madonna Benois (c. 1478, Museo del Ermitage, San Petersburgo), el retrato de Ginebra de Benci (c. 1474, National Gallery, Washington) y el inacabado San Jerónimo (c. 1481, Pinacoteca Vaticana).

Leonardo entró al servicio de Ludovico Sforza el Moro, duque de Milán, tras haberle comunicado a éste por escrito que podía servirle como pintor, escultor, arquitecto e ingeniero para construir puentes portátiles, cañones, barcos, vehículos acorazados, catapultas y demás máquinas de guerra. Una vez aceptada su oferta por Ludovico Sforza, sirvió a éste en numerosas ocasiones bélicas y, además, como arquitecto. También, colaboró con el matemático italiano Luca Pacioli, en su famosa obra De divina Proportione (1509), que versa sobre el sistema de relaciones armónicas conocido como sección áurea.

Sin embargo, las dos obras más importantes del período milanés son las dos versiones de la Virgen de las rocas (la primera pintada entre 1483-1485, que está en el Museo del Louvre, Paris; y la segunda, en 1505, que está en la National Gallery, Londres)). En esta dos obras , utiliza una composición de las figuras en forma de triángulo que encierra a la Virgen, el Niño, San Juan y el ángel, y utiliza por primera vez la técnica del sfumato.

Su obra maestra, La última cena, que pintó de 1495 a 1497, pintura mural realizada para el monasterio de Santa María delle Grazie, en Milán, al ser pintada con una técnica experimental de pintura al óleo sobre yeso seco, se deterioró rápidamente hacia el año 1500 y comenzó a ser restaurada desde 1726, restauración que finalizó en 1999. Los trabajos de restauración han permitido que aparezcan ciertos detalles ocultos desde su creación y el brillante colorido inicial que quedó ensombrecido por las sucesivas restauraciones hasta la última y definitiva. A pesar de todo, se ha podido apreciar el esplendor de esta magnífica obra en la que aparece magistralmente reflejada la profunda penetración fisonómica y psicológica de los personajes y la majestuosidad de su composición.

Existe constancia de que Leonardo pintó, durante su estancia en Milán, otras muchas obras de pintura y dibujo de las que sólo se conservan una pequeña parte, entre las que figuraban escenografías teatrales, dibujos arquitectónicos y maquetas para la cúpula de la catedral de Milán. De esa época, el encargo más importante que recibió fue el del monumento equestre en bronce, de un gran tamaño, de Francesco Sforza, padre de Ludovico, su mentor y patrón, para ser colocado en el patio del castillo de Sforcesco. La estatua quedó inacabada porque la familia Sforza fue expulsada de Milán por las tropas francesas en 1499, y la estatua fue destruida por los arqueros franceses que la usaron como diana, regresando al año siguiente Leonardo a Florencia. De esta etapa milanesa también hay una obra singular: La dama del armiño (Museo Czartoryski, Cracovia).

Entró al servicio de César Borgia, duque de Romaña, hijo del Papa Alejandro VI al que sirvió como arquitecto e ingeniero mayor del duque, supervisando las obras en las fortalezas de los territorios papales del centro de Italia. De vuelta a Florencia, en 1503, formó parte de la comisión de artistas que tenían que decidir cuál era el emplazamiento más idóneo para la estatua David, de Miguel Ángel (1501-1504, Academia, Florencia). Además, ejerció de ingeniero en la guerra contra Pisa. A finales de 1503 empezó a planificar la decoración para el gran salón del palazzo della Signoria, para lo que creó la Batalla de Anghiari , que representó la victoria de Florencia contra Pisa. Para ello realizó numerosos dibujos y completó un cartón en 1505, pero nunca llegó a plasmar la pintura en la pared, y el mencionado cartón fue destruido en el siglo XVII, aunque se conocé su composición pictórica a través de copias entre las que se encuentra la realizada por Petrus Paulus Rubens.

Fue en esta segunda etapa florentina cuando pintó varios retratos, aunque el único que se conserva es el de La Gioconda (1503-1506, Louvre, Paris), nombre dado porque se identifica a la modelo con la esposa del rico comerciante Francesco del Giocondo, aunque sigue siendo una incógnita la verdadera identidad de la mujer retratada y el significado de su enigmática sonrisa, lo que ha provocado multitud de hipótesis. Esta obra es uno de los retratos más famosos de toda la historia mundial de la pintura, y es conocida también como Mona Lisa. Leonardo tenía una gran devoción por esta pintura, lo que demuestra el hecho de que la llevaba consigo en sus viajes.

De regreso a Milán, en 1506, quedó al servicio del gobernador francés Carlos II Chaumont, mariscal de Aboise. Posteriormente, en 1507, fue nombrado pintor de la corte de Luís XII de Francia que residía por aquel entonces en dicha ciudad. En los seis años siguientes, Leonardo estuvo residiendo por temporadas en Milán y Florencia, en cuya última ciudad visitaba a sus hermanastros y hermanastros y velaba por su patrimonio en dicha ciudad. En Milán, siguió trabajando en sus continuos proyectos de ingeniería y también dedicó su tiempo en crear la estatua ecuestre de Gian Giacomo Trivulzio, comandante del ejército francés destinado en la ciudad, proyecto que quedó también sin terminar, pero aún se conservan dibujos y detalles del mismo. De esta época es la segunda versión de la Virgen de las rocas, obra a la que se ha mencionado anteriormente y Santa Ana, la Virgen y el Niño (1510, Louvre, París).

Se trasladó a Roma, ciudad en la que residió entre 1514 y 1516, bajo el mecenazgo de Giuliano de Medici, hermano del Papa León X, por lo que se alojaba en el palacio de Belvedere en el Vaticano y allí se dedicaba sobre todo a realizar experimentos técnicos y científicos. Marchó a Francia, en 1516, a la corte de Francisco I, país en el que vivió sus últimos años, en el castillo de Cloux, cerca de Amboise, lugar en el que falleció el 2 de mayo de 1519.

La obra de Leonardo tiene una excepcional importancia porque fue un artista notablemente innovador y muy influyente tanto en su época, como en años posteriores. Al principio de su carrera artística su estilo estuvo muy influenciado por el de Verrocchio, su maestro, pero fue abandonando paulatinamente el mismo, en cuanto se refiere a su rigidez y dureza de líneas y evolucionó hacia un estilo más personal y libre, con trazos y modelados más suaves, en el que dio cabida a los efectos atmosféricos. Se le ha considerado un verdadero hombre del Renacimiento, por su gran versatilidad artística, y sus logros en el campo de la ingeniería y la ciencia, cuya resonancia e influencia han llegado hasta nuestros días.

Retratos Grotescos - Cabeza de vieja, Pieter Brueghel el Viejo

2011-12-29T16:37:00.000-08:00

Cabeza de vieja

De Pieter Brueghel el Viejo

por Ana Alejandre

Otro retrato en el que se advierten las características de los llamados retratos grotescos en los que predomina todo aquello que es ridículo, extravagante, grosero u ordinario, por lo que se da en ellos una acentuación de los rasgos faciales hasta caricaturizarlos, exageración de los defectos físicos, animalización de las facciones, claroscuros muy acentuados por el uso de pigmentos oscuros, etc., es este ejemplo magistral de una obra de Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569), artista que estuvo muy influenciado por el gran pintor Hieronymus Bosch, conocido como El Bosco.

Cabeza de vieja, es una pintura sobre tabla de reducidas dimensiones, pero a pesar de ello muestra la gran maestría del maestro Brueghel el Viejo para hacer patente, con una gran carga de ironía, las deficiencias y peculiaridades de la propia humanidad, eligiendo como modelos aquellos que presentaban unas características casi arquetípicas entre las gentes más sencillas y humildes del pueblo, en las que los defectos humanos alcanzaban su mayor nivel de manifestación. Este cuadro fue pintado en los últimos años de su vida, y muestra a la anciana que sirve de modelo de perfil, con lo que la forma de su nariz queda patente en toda su magnitud, así como la frente inclinada hacia atrás, la boca desdentada sin apenas evidenciarse el trazo de los labios, todo lo que hace patente la ridícula fealdad de la mujer y su evidente gesto de idiocia que retrata con absoluta fidelidad al modelo, pero dotándolo, por la extraordinaria capacidad ilustradora del pintor, de la grandeza que tiene toda muestra de miseria humana cuando es captada y plasmada por la mirada atenta y genial de un gran artista.

Brueghel utiliza en este cuadro, como era habitual en él, la técnica de pinceladas paralelas que provocan un efecto visual de rasgueado y claroscuro, éste último es uno de los elementos característicos del arte grotesco, porque este término proviene de “gruta” o "caverna", por lo que siempre está acompañado de ciertas tenebrosidades naturales en aquellas.

Pieter Brueghel el Viejo

Pocos datos se conocen de su biografía, pero se sabe que Bruegel era oriundo de Breda, probablemente, situada al sur de Brabante, y su fecha de nacimiento se situara entre los años 1525 y 1530.

Desde el año 1545 trabajó como aprendiz en el taller del pintor Pieter Coeck van Alst. En1550 su nombre aparece vinculado a la realización de un retablo para el gremio de los guanteros de Mecheln, aunque desgraciadamente, esta obra no se conserva.

El año 1551 Ingresa como maestro en el gremio de pintores de San Lucas de la ciudad de Amberes. Hecho muy importante en la vida de este pintor que ya pudo ejercer como artista independiente con taller propio.

Bruegel , más tarde, decide partir hacia Italia atravesando Lyon y visita Roma., porque Italia era una ciudad de referencia para los artistas del norte interesados en el arte renacentista. Regresa a Amberes, en 1556 y Bruegel se dedica sobre todo al grabado, los que realiza en la imprenta de Hieronymus Cock - quien más tarde le encargaría algunas de sus telas más representativass- de los que recibe un encargo de una serie de dibujos a la pluma al estilo de El Bosco, que era uno de los artistas más solicitados. De ahí surgen sus obras como El Asno en la Escuela (1556) yLos Peces Grandes Devoran a los más Pequeños (1557), que tienen como inspiración refranes populares. Le sigue la serie de los pecados capitales que se complementan con la de las virtudes. Todos estos dibujos fueron realizados para hacer grabados y estampas.

Los Refranes Neerlandeses, de 1558, temas que eran muy populares en aquella época y de los que hizo un catálogo exquisito y detallado como no había hecho antes ningún otro artista.

En1559 el pintor cambia su nombre Brueghel por Bruegel, con el que ha pasado a la historia y crea una de sus obras capitales La Riña entre el Carnaval y la Cuaresma. Por entonces, el pintor había adquirido una extensa cultura y gozaba de múltiples relaciones con los intelectuales de la época, especialmente con los humanistas porque era muy respetado por su inteligente visión de la sociedad. Uno de sus valedores fue el cardenal Granvela, ministro de Carlos V y de Felipe II y gobernador de los Países Bajos, además de la alta burguesía que sentía verdadera admiración por su obra.

La Caída de los Ángeles Rebeldes (1562) y El Suicidio de Saúl(1562), fueron obras que finalizan la estancia del pintor en Amberes y se traslada a vivir permanentemente en Bruselas. En dicha ciudad contrae nupcias con Mayken Coeck, la hija de su maestro. Hijos de este matrimonio fueron Peter, nacido en 1564, y Jan en 1568. Ambos llegarían a ser prestigiosos pintores igual que su padre. El mayor tuvo como apodo artístico El infernal y el segundo fue conocido como El aterciopelado. Jan, el segundo hijo, trabajó en colaboración con el gran maestro de Flandes Peter Paul Rubens.

Bruegel pintaba incansablemente; pero sus obras nunca gozaron del apoyo oficial debido a la polémica que despertaba y, por ello, jamás contaron con la aprobación oficial de la iglesia. La Adoración de los Reyes Magos (1564) o La Muerte de la Virgen María (1564 fueron ejemplos del concepto demasiado humano que el pintor tenía de los santos. A pesar de ello, siempre encontraba innumerables compradores. La Torre de Babel(1563) la pintó por encargo del banquero Nicolas Jongheklinck, que llegó a reunir dieciséis obras del pintor y las utilizó como garantía de un préstamo que solicitó.

Su impecable técnica y la riqueza temática de sus cuadros convirtió a Bruegel en uno de los pintores más cotizados de su época. Sus cuadros de paisajes obtuvieron mucho éxito. Su segunda versión de La Adoración de los Reyes Magos (1567) es la primera representación pictórica de una nevada en la historia del arte.

Brueghel falleció el 5 de septiembre de 1569 con escasos cuarenta años, y en esas fechas se estaba produciendo la rebelión de los Países Bajos contra la dominación española.

Su obra nunca fue especialmente crítica con los males de su época y prefirió utilizar su ironía de inteligente factura para denunciar las injusticias y abusos cometidos en nombre de la religión e intentó ilustrar a sus contemporáneos que la humanidad es uno más de los elementos que conforman del plan de la Creación, pero no el más importante.

Como último gesto irónico, legó a su mujer el cuadro La Urraca sobre la Horca (1568). En esa época, se había legislado, por decreto real, que quienes predicaran y difundieran una fe distinta a la católica debían morir en el patíbulo.

Retratos grotescos - "Dos viejos comiendo", de Francisco de Goya

2011-09-29T17:58:00.000-07:00

“Dos viejos comiendo”,

de Francisco de Goya y Lucientes.

por Ana Alejandre

Esta obra de Goya, titulada “Dos viejos comiendo” , fechada entre 1821 y 1823, es una pintura que se puede considerar grotesca tanto por su composición como por la expresión de los rostros de los dos ancianos en los que aparece reflejada la gula, la risa sardónica que parece burlarse de la proximidad de la muerte (a la que parece aludir la calavera que se adivina en la cabeza de la derecha del cuadro) y en la mirada burlona y casi libertina del personaje que sostiene la cuchara, mientras ambos ancianos señalan hacia la izquierda riendo con bocas desdentadas (¿están señalando al pasado ya ido y con él todos los afanes e ilusiones, por una alusión espacial a la flecha del tiempo?).

Esta obra pertenece a la serie de pinturas murales que, en su día, decoraron las paredes de la casa de Goya conocida como la “Quinta del Sordo” y a las que se conocen con el título de Pinturas Negras, por el colorido sombrío que todas presentan a causa de los pigmentos negros y oscuros y por la propia naturaleza de los temas tratados que son siempre los relativos a la decrepitud, el paso del tiempo, la finitud de la vida y la muerte.

Por el hecho de estar estas pinturas adornando las salas del propio domicilio del pintor, le ha conferido a todas ellas la expresión más libre y sincera de un Goya que estaba en una etapa tardía y pesimista de su vida. Estas pinturas no fueron realizadas sobre lienzos, sino sobre los propios muros y los especialistas consideran que utilizó una técnica mixta, pues los análisis realizados a las mismas han descubierto el uso de aceites en su composición.

Todas estas pinturas fueron trasladadas a lienzos por el barón´Émile D’Erlanger, quien adquirió la Quinta en 1873, por lo que estas pinturas sufrieron daños durante todo el proceso, por lo que perdieron una importante cantidad de capa pictórica durante el traslado de su lugar de origen. Dicho barón donó las pinturas al Estado que las entregó al Museo del Prado donde están expuestas desde 1889.

El cuadro al que se refiere este comentario, a pesar de su tamaño de 49,3 cms. de alto por 83,4 cms de ancho, es el más pequeño de toda la serie de las llamadas Pinturas Negras, pero también es uno de los que posee una mayor expresividad y de los mejor conservados de toda la serie de dichas pinturas.

Por la calavera que se percibe en la cabeza del personaje de la derecha, la obra parece estar relacionada con el tema de la muerte, aunque algunos especialistas, sin embargo, consideran que trata de la gula y es una alegoría de la misma.

Su colocación en la casa de Goya resulta un enigma, a pesar de que el barón antes mencionado afirmaba que estaba situada en la planta baja de dicha mansión.

El conjunto de las Pinturas Negras de las que forma parte esta obra se considera enigmática y misteriosa en su creación y en su posible explicación, aunque existen múltiples hipótesis de varios historiadores del arte. A pesar de ello, los temas tratados en todas ellas representan los mismos problemas pictóricos y estéticos y son la expresión de las ideas y preocupaciones morales que aparecen en toda la obra de Goya.

Toda la serie de Pinturas Negras han tenido una gran importancia a la hora de hacer una valoración global de Goya en el mundo actual. Su influencia ha llegado a los artistas del Expresionismo alemán y del Surrealismo, además de a otros miembros de diferentes corrientes artísticas contemporáneas. También ha llegado su eco al mundo de la literatura y del cine. El motivo de esta excepcional influencia en el mundo artístico actual reside en que estas Pinturas Negras, realizadas en una época tardía de Goya cuando ya estaba completamente sordo y en completa soledad, son consideradas el origen del arte moderno, adelantándose con su genio creador a la concepción del arte que en pleno siglo XXI está aún en plena vigencia.

Francisco de Goya y Lucientes

Nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Hijo de padre pintor y dorador de retablos y de madre con ascendencia noble aragonesa. A su vez, Goya como pintor y grabador, es considerado uno de las figuras de la pintura más importante de la historia de la pintura.. Con una profunda influencia de Velázquez y, a su vez, influyó en la obra de Edouard Manet, Picasso y otros grandes pintores contemporáneos.

Su formación artística se realizó en un ambiente rococó, porque a los 14 años, entró como aprendiz en el taller de José Luzán, pintor local experto aunque poco conocido, donde Goya pasó casi cuatro años. Pasó después a Madrid con la intención de conseguir una beca para estudiar en la Real Escuela de Bellas Artes de San Fernando, lo que no consiguió en las dos ocasiones que lo intentó. En la capital conoció a quien sería después su cuñado, Francisco Bayeu, pintor y con cuya hermana, Josefa, se casó en 1774, y que le influyó notablemente a pesar que este último era un pintor de la corte que seguía el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs. Bayeu le introdujo en la corte.

Entre las pinturas de la corte (fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV en 1789 y ascendido a primer pintor de cámara en 1799, junto a Mariano Maella) se pueden destacar Carlos III, cazador (1786-1788), Los duques de Osuna y sus hijos (1788), ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el retrato de la Marquesa de Pontejos (c. 1786, Galería Nacional, Washington); en todas ellas predomina una paleta de colores muy luminosa y con notables influencias velazqueña. Dos de sus cuadros, considerados ambos obras maestras, son la La maja desnuda y La maja vestida ambas fechadas entre 1800 y 1803. De 1800 son también las obras La familia de Carlos IV, retrato regio donde se plasma a la familia real con total naturalidad y sencillez muy alejadas de la pomposidad y fatuidad acostumbradas en este tipo de obras, y La condesa de Chinchón, obra esta última que esta considerada como uno de los retratos más bellos y delicados de la historia del arte, ambas expuestas en el Museo del Prado.

Anteriormente, trabajó haciendo bocetos de tapices para la para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara., desde 1975 y los cartones que realizó desde esa fecha hasta 1792 fueron muy apreciados por ofrecer una visión risueña y luminosa de la vida cotidiana en España. Provocó con sus cartones una revolución en la industria tapicera que ha llegado hasta nuestros días, porque hasta ese momento los tapices reproducían únicamente escenas del pintor flamenco del siglo XVII, David Teniers, que aún se conservan, en su mayoría, en el Museo del Prado y de los que pueden servir de ejemplos El quitasol (1777), La gallina ciega (1787) y La boda (1791-1792). Después, entre 1780 y 1782 pinto, en la Basílica del Pilar de Zaragoza, la bóveda Refina Martyrum que, a pesar de ser una obra pictórica extraordinaria donde se pone de relieve el gran talento de Goya, tuvo muchos detractores, tanto por parte de los miembros del cabildo, como de su propio cuñado, Francisco Bayeu, quien había sido su valedor para conseguir el proyecto en la primera etapa en la que Goya pinto en dicha basílica, en 1772.

Durante una visita al sur de España, en el invierno de 1792, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y le produjo un gran cambio en su trayectoria artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados Los caprichos en los que trata con una fina ironía sobre los defectos de los españoles de su tiempo y las múltiples creencias supersticiosas de la época. Otras series posteriores de este gran artista son Los desastres de la guerra (Fatales consecuencias de la sangrienta guerra en España con Buonaparte y otros caprichos enfáticos, 1810) y Los disparates (1820-1823), estos últimos ofrecen un cariz aún más sarcásticos sobre la locura de los hombres y los graves males que les aquejan, en un intento de explicar magistralmente su visión de la sociedad que le tocó vivir y a la que veía con la lucidez desengañada de todo gran artista.

Giuseppe Arcimboldo

2011-01-23T10:30:00.000-08:00

por Ana Alejandre

Giuseppe Arcimboldo, pintor manierista italiano, (c. 1530-1593), famoso por sus grotescas composiciones alegóricas (grutescos) que parecen ser el antecesor del arte surrealista que surgió en pleno siglo XX. Se puede afirmar que fue el creador del estilo grotesco en cuanto a retratos se refiere.

Hijo de Biagio Arcimboldo, pintor que le enseñó los secretos del oficio. Arcimboldo comenzó a realizar diseños para ser reproducidos en vidrieras y tapices para la catedral de Milán.

Se trasladó a residir en Praga, en 1562 y pasó, posteriormente, a Viena, ciudad en la que comenzó a pintar en la corte de los Hasburgo.

Fue el creador de un estilo personalísimo de retratos que estaban compuestos por agrupaciones de diversos objetos: frutas, verduras, objetos domésticos que dan como resultado unos retratos vibrantes de coloridos, singulares y distintos a todos los demás pintores de su época y posteriores.

Sin embargo, su talento creador y curiosidad le hizo querer buscar, investigar en toda clase de cuestiones relacionadas con el arte, por lo que organizaba todo tipo de actos, eventos y realizaba invenciones de artefactos, además de aconsejar al emperador en cuestiones artísticas y de innovaciones relacionadas con el arte y la creatividad..

La casa imperial le encargó varias series de cuadros que fueran variantes sobre un mismo tema, que le hizo crear una serie de obras, a modo de collage pictórico, en la que combinaba los objetos más variopintos para crear con ellos rostros y figuras alegóricas. Algunos estudiosos ven en esas composiciones singulares ciertos mensajes alegóricos, tanto por los objetos pintados como por la composición de la obra, que se referirían a la figura del emperador y de su reinado.

Abandonó Praga en 1587, lo que causó un gran disgusto al entonces emperador, Rodolfo II, que le tenía una gran admiración y estima, volviendo a Milán, ciudad en la que falleció pocos años después, en 1593.

Su obra, dotada de una singularidad innovadora y sorprendente, constituyen no sólo el primer referente antecesor del movimiento surrealista, sino que es una clara muestra, la mayor exponente de lo grotesco, pero sin embargo dotada de una sorprendente, inigualable y grotesca belleza.

Obras de Guiseppe Arcimboldo

2011-01-23T10:25:00.000-08:00

Algunas de las obras de este singular y personalísimo pintor con estilo propio y diferente que componen la serie de variaciones sobre un mismo tema., Las cuatro estaciones, que representan, de izquierda a derecha, primavera, verano, otoño e invierno.

En esta serie dedicada a los cuatro elementos, se pueden ver las alegorías del aire, tierra, fuego y agua, de izquierda a derecha.

Y por último, cuatro cuadros alegóricos a profesiones u ocupaciones. De izquierda a derecha, se pueden ver las relativas al librero, aprendiz, cocinero y jurista.

Cristo llevando la cruz, de El Bosco.

2010-04-03T18:21:00.000-07:00

por Ana Alejandre

Siguiendo con la serie de los retratos grotescos, en esta ocasión se muestra una obra de El Bosco, el genial pintor, al que muchos consideran el precursor del surrealismo, y que está titulada como Cristo llevando la Cruz, muy acorde con la celebración de la Semana Santa que termina hoy.
Esta obra muestra los rostros de los acompañantes de Jesús en su ascensión a El Calvario, portando la cruz en la que sería crucificado, con un contraste evidente entre la serenidad del rostro de Jesús, en el que se advierte el cansancio y la abrumadora aceptación de su sacrificio, y los gestos grotescos, de suma vileza, embrutecidos y sanguinarios en los que se reflejan las bajas pasiones de quienes le rodean, a lo que acompaña los tonos rojos y ocres de la pintura que le da un aire aún más siniestro, casi con tintes infernales, a la escena.

Esta obra se encuentra actualmente en el Real Monasterio de San Lorenzo del Escorial, junto a otras muchas y valiosas obras de distintos pintores de los siglos XV, XVI y XVII.

La figura de El Bosco, cuyo verdadero nombre era Jerome van Aken (1453-1516) es poco conocida en todos sus detalles.

Nació, en 1453, en el seno de una familia de artesanos pintores y vivió y pintó a lo largo de su vida en la pequeña ciudad de Hertogenbosch (“Bosque del Duque”), situada en la actual Holanda, muy cerca de la frontera belga.

Se supone, aunque no hay constancia de ello, que aprendió a pintar y todos los rudimentos de su oficio en el taller familiar de su padre o tíos que también se dedicaban a esta profesión.

Su matrimonio con una acomodada señora de la alta burguesía le ayudó a consolidar su fama dentro de la sociedad burguesa de la que se convirtió en un pintor afamado y solicitado por todos, con una selecta clientela. Además, su adscripción a la Cofradía de la Hermandad de Nuestra Señora, le permitió tener unos conocimientos teológicos y religiosos que se advierten en toda su obra.

Su fama se fue extendiendo por todo el país, traspasando sus fronteras, lo que le hizo ser imitado por muchos pintores de la época, especialmente el conocido como Bruegel el Viejo.

Su obra, en la que sobresale su enigmática pintura sobre temas religiosos, en la mayoría, pero expresados plásticamente con una gran belleza y un estilo inigualable en el que predomina su exuberante imaginación, no tiene parangón con ningún otro artista coetáneo suyo.

Hay que tener en cuenta para comprender su trayectoria artística, que El Bosco vivió sumido en el cambio entre dos épocas, y en su estilo se entremezclan sus raíces que están asentadas en la tradición medieval, con lo que se conocería después como el Renacimiento. Sin embargo, no se puede considerar a este artista como el ilustrador del final de la Edad Media, ya que en su pintura se encuentran ambas influencias por igual. Por eso, en su obra se encuentra el rico vitalismo de toda sociedad en crisis, pero de la que va a nacer, y ya se apunta tal suceso, los primeros brotes del humanismo renacentista en cuestiones tan dispares y concretas como son la fe, la moral, la brujería, la alquimia, el erotismo, la obsesión por lo demoníaco y como vértice de todo, la religión católica y los primeros movimientos disidentes que darían lugar después al protestantismo con Lutero a la cabeza.

Además, la época en la que vivió El Bosco, era la del feudalismo cruel, en el que imperaba la ley del más fuerte. Todavía no existian la organización de los estados como tales y las leyes las imponían los grandes señores feudales con lo que significaba de absoluta arbitrariedad. Por ello, la ignorancia y el alfabetismo eran la lacra de más de un 90% de la población, cuya esperanza de vida no llegaba más allá de los cuarenta años y, además, se veía diezmada por las enfermedades endémicas, causadas muchas veces por las hambrunas que azotaban a buena parte de Europa, y las epidemias, entre las que primaba la de la peste. Las guerras, eran otro factor que iban aniquilando, durante años, a la población ya maltrecha por otros males seculares.

Por todos estos graves problemas, se empezaron a producir en toda Europa los primeros movimientos heréticos a los que he hecho mención anteriormente. Al principio, eran sectas que se declaraban heréticas y manifestaban su deseo de romper con la Iglesia a la que acusaban de ejercer un poder excesivo, acompañado de un lujo insultante para el resto de la población. Estos movimientos trataban de volver a recobrar las raíces del cristianismo, con la creación de comunidades en las que el espíritu evangélico fuera su línea de actuación. Todos estos movimientos heréticos fueron duramente perseguidos, como fue el caso de Savonarola en Italia.

Sin embargo, en Alemania, tan cerca de los Países Bajos a los que influenciaba culturalmente, tuvieron una gran influencia con las enseñanzas de Lutero, pocos años después de la muerte de El Bosco. Es por ello, que este artista vivió sumido en la crisis espiritual de raíces muy profundas que asoló a gran parte de Europa y que desembocó en la fractura del mundo cristiano.

El Bosco, por eso, tuvo una constante temática en sus obra como fue la religiosa. Era hombre de gran fe y conocimientos religiosos y de una profunda piedad, rigurosa y sin fisuras. Por eso, en su obra presenta siempre su visión de un mundo sumido en la oscuridad del pecado, sin ningún atisbo de esperanza de salvación. La imagen que proyectaba de sus semejantes y contemporáneos era la de almas que se condenaban a los fuegos del infierno por todos los vicios y pecados que eran habituales en sus pobres vidas, desprovistas de cualquier tipo de moral o grandeza. El Bosco dirigía su obra y su visión pesimista de la época que le tocó vivir no a las generaciones futuras, sino a sus contemporáneos, en un deseo de que les hiciera reflexionar y volver al camino de la sensatez y la decencia.
Muchas veces se atribuye a este genial pintor la idea o capacidad de ser un visionario que se anticipó a los males de otras épocas futuras a la que vivió. Sin
Embargo, su obra la dedicaba a sus contemporáneos, sumidos en los males de su época.

En la obra de este artista no se aprecian los elementos que son significativos en las tradiciones propias de la pintura flamenca, pero sí se destaca en ella sobremanera la viva imaginación, la fantasía rica en símbolos e imágenes casi oníricas que dotan a toda su obra de una singular, deslumbrante y conmovedora belleza.

Entre sus obras más destacadas aparecen títulos como los de El Jardín de las delicias, Los siete pecados capitales, La extracción de la piedra de la locura, El carro del heno y Las tentaciones de San Antonio. Sin olvidar, por supuesto, la obra que sirve de objeto de este comentario: Cristo llevando la cruz.

"La duquesa fea"

2009-10-04T18:30:00.000-07:00

Comienza la nueva serie “Retratos grotescos” de esta “Galería de Retratos” con la imagen, repulsiva en su fealdad, pero dotada de ese extraña fascinación que tiene siempre la fealdad exhibida en su total y desnuda impudicia, de “la duquesa fea” de Quentin Massys, aunque el nombre real de la obra es el de “Una mujer fea y grotesca” que formó parte de la exposición “El retrato del Renacimiento” que, después de su paso por el Museo del Prado de Madrid, en el otoño de 2008, pasó a la National Gallery de Londres.

Según los especialistas que estudiaron dicha obra, la mujer que fue retratada en ella “sufría de verdad una deformación facial fruto de una rara forma de la enfermedad de Paget”, según afirmó, a finales del pasado año, el diario londinense “The Guardian”.

La comisaria de la muestra londinense estaba entusiasmada con otro descubrimiento hecho en relación con este mismo retrato y que era la demostración de algo que se suponía desde hacía muchos años: que Massys (1460-1530) copió a Leonardo da Vinci (1452-1519) es falsa y que, por tanto, la teoría mantenida hasta entonces que defendía dicha tesis estaba equivocada. Parece ser que fue al contrario, es decir, que el pintor italiano fue quien se inspiró en el artista flamenco.

La llamada enfermedad de Paget, o también conocida como ostitis deformante, llamada así en honor del cirujano James Paget que la describió por primera vez en 1876, es una dolencia que destruye y regenera de forma anormal el hueso, lo que provoca la deformidad que se aprecia claramente en el retrato en cuestión. Aunque esta enfermedad afecta en general a las extremidades inferiores del cuerpo, a la duquesa retratada le afecto a los huesos de la mandíbula, extendió su labio superior y elevó su nariz, además de afectar también a su frente, la cuenca de los ojos y las manos.

Todos estos datos los ha facilitado el catedrático emérito de Cirugía de la University College London, Michael Baum, y uno de sus alumnos, Crhistopher Cook, después de un exhaustivo examen del retrato. También afirmó el profesor Baum: “Esta mujer debió haber sido muy desafortunada”. Añadió que la deformidad del rostro debió ocurrir en los últimos años de su vida, y que anteriormente la mujer pudo haber sido bella antes de sufrir dicha enfermedad. Así mismo, afirmó que la mujer retratada debió ser muy poderosa, incluso una “duquesa real”: “Creo que el artista recibiría una suma considerable por hacer ese retrato, porque ¿quién iba a comprar una pintura como esa?

Otro importante descubrimiento hecho por la National Gallery, desmiente categóricamente la teoría según la cual Massys imitó en esta obra singular dos dibujos de Leonardo da Vinci que se cree que reflejan una pintura original de dicho autor fechada alrededor de 1490. El genial Da Vinci, considerado uno de los primeros caricaturistas modernos, estaba interesado en la fealdad como le sucedía a Massys. "Ahora podemos decir con confianza que Leonardo -o, al menos, uno de sus seguidores- copió la maravillosa pintura de Massys, no al contrario. Este es un hallazgo muy apasionante", según las palabras de la comisario de la muestra, Susan Foister.

Hay otro tercer descubrimiento sobre este peculiar retrato y es el de que Massys hizo correcciones según avanzaba su obra, lo que parece indicar que estaba haciendo un estudio de cerca, es decir, que pintaba directamente en presencia del modelo.

Sin embargo, la comisaria Foister pone en duda de que la mujer retratada fuera una persona rica y poderosa, aunque no niega esa posibilidad, pero cree, sin embargo que el pintor flamenco la hubiera descubierto por casualidad y decidiera que era la modelo perfecta para una obra de esas características.

¿Quién fue Quentin Massys?

Quentin Massys: (c. 1466-1530), pintor flamenco cuya obra representa la perfecta unión em una obra de la tradición flamenca y las ideas del renacimiento italiano.

Su nacimiento se produjo, al parecer, en Lovaina y se trasladó a Amberes donde trabajó desde 1491 hasta su fallecimiento. Su obra, predominantemente, fue de temática religiosa y retratista. Sus primeras obras aún no han sido fechadas, como sucede con la llamada Virgen con el Niño (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas) y Cristo presentado al pueblo (Museo del Prado, Madrid) en los que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos en la intensidad religiosa y en la suntuosidad cromática, pero, sobre todo, en la minuciosa atención al detalle.

Posteriormente, sobre todo en los retratos y escenas de la vida cotidiana, Massys intenta representar las acciones más características del tipo de personaje que quería retratar, haciendo así que la psicología del modelo quedara patente en esos detalles sutiles pero muy descriptivos que conformaban el retrato de una personalidad determinada, además de un personaje concreto. Ello se ponen de relieve en el retrato denominado elCambista y su mujer (1514, Louvre, Paris) que muestra la contradicción entre la devoción religiosa y la avaricia que una total y definidora sutileza, no sin ciertos tintes grotescos por esa misma contradicción implícita en la obra.

De su última etapa como pintor es ejemplo el retrato llamado popularmente “de la duquesa fea” que algunos consideran que es el prototipo del retrato satírico y que, incluso, no representa a una mujer concreta, sino que la ilustración para la obra de Erasmo de Rotterdam El elogio de la locura, a cuyo autor conoció y retrató también.

Bienvenida a Galería de retratos

2009-02-06T13:16:00.000-08:00

Bienvenido a Galería de retratos, blog dedicado a la tipología de caracteres españoles, teniendo en cuenta que por ser, semblanzas generales de un determinado tipo de personas y por lo que se constituyen en personajes, son sólo un esbozo en el que se indican sus principales características, en general, que les confiere el honor, muchas veces dudoso, de pertenecer a un grupo determinado.

En Retratos ejemplares, y que como reza el subtítulo que le acompaña, son ejemplos no a seguir de personajes-tipos que encuadran a unas determinadas señales de iudentidad reconocibles por todos y de los que siempre nos encontramos numerosas muestras que reúnen dichas características en la vida cotidiana.

Galería de retratos no es, por lo dicho anteriormente, un tratado de psicología, sino una relación desenfadada e itónica de ciertos comportamientos que todos, de una forma u otra, hemos tenido que soportar alguna vez en próximos y extraños, en conocidos y desconocidos, por lo que se convierten así en características generales de una idiosincrasia, de unas conductas que dejan mucho que desear y sí aconsejan mucho que sean evitadas, ignoradas, o simplemente, combatidas con la indiferencia que toda actitud poco digna puede recibir de quienes son sus víctimas reales o potenciales.

Bienvenido seas siempre.

Ana Alejandre

Tipología del español

2007-11-19T20:45:00.000-08:00

El/la “trepa”

Se llama así a quien para escalar en el escalafón social, laboral o económico, es capaz de utilizar cualquier subterfugio, estratagema, zancadilla al oponente u oponentes en la lucha por conseguir determinado objetivo, aunque sea, y siempre lo es en este depredador humano, gracias al uso y abuso de cualquier acción desprovista de la más mínima ética de la que carece el o la “trepa” de turno, porque sabe que en trabajo, capacidad y conocimientos, tiene la lucha perdida, pero que supera al oponente en la falta de escrúpulos, desvergüenza e indignidad.

Su lema vital se podría resumir en “todo vale si me aporta un provecho”, lo que es igual a decir aquello de “el fin justifica los medios”, aunque uno y otros sean igualmente inmorales, ilegítimos o ,simplemente, indecentes y, en el caso hipotético de que sea un objetivo profesional o laboral el que se tiene marcado el/la “trepa” de turno, el uso de ciertos métodos poco ortodoxos y rayanos en lo canallesco, los fines a conseguir, aún siendo legítimos, obtienen la impronta de igual inmoralidad que los métodos usados para alcanzarlos.

En el ámbito laboral, que en el que más se ponen en evidencia los miembros de este selecto club de sinvergüenzas, se especializa este ave de rapiña en escalar puestos más elevados, mejor remunerados o que gozan de especial privilegio, pero no gracias al esfuerzo, a la dedicación, a su mayor formación o, simplemente, al tesón y la noble iniciativa puestos en la labor a desempeñar, sino utilizando cualquier medio, por indecente que sea, que encuentre a su paso, ya sea difamar, calumniar a cualquier posible competidor, sobre todo si éste aventaja al carroñero de turno en inteligencia, preparación, capacidad de trabajo, iniciativa y, sobre todo, en sentido ético y en honestidad.; o bien, en hacerle la vida imposible, o al menos lo intenta, con acciones sistemáticas, repetidas y siempre dañinas de obstrucción a la labor del otro, de actos de acoso o mobbing, pero siempre desde la clandestinidad y por la espalda, porque esa es su forma de actuar por la idiosincrasia de este individuo en el que prima la ambición desmedida , la cobardía y la falta de la más mínima honestidad. Su lema es “asciende y ponte encima de los demás a costa de lo que sea, aunque tengas que pisar la cabeza del prójimo”.

Para conseguir el fin propuesto, el/la “trepa” intentará calumniar a quien sabe que está más capacitado, laboral o profesionalmente, para ocupar el puesto codiciado o que se lo pueda arrebatar por méritos propios y para ir socavando así, de forma indirecta y nunca dando la cara, la fama, credibilidad u honra del posible competidor, pero siempre haciendo gala de la falsedad más extrema, hace correr un bulo sobre la víctima de su envidia, pero solo lo hace cubriéndose las espaldas y diciendo eso de: “No me puedo creer lo que me han dicho de Fulano y, por supuesto, no puedo decir quién me lo ha dicho, pero es una fuente digna de toda confianza. No hace falta que te pida que no se lo digas a nadie más. Y lo que me han dicho es que…”. A continuación lo que afirma el/la “trepa” de quien dice ser el protagonista del rumor es siempre algo que afecta a su buen nombre y que suele ser relativo a su proceder dentro de la empresa, a supuestas acciones que ha cometido en contra de alguien del ´ámbito laboral, o de una supuesta adicción, tendencia sexual, enfermedad psicológica o mental o cualquier otra posible tacha que todos empiezan a rumorear “en secreto” y que dejan a la víctima inocente sin posibilidad de poder defenderse porque nadie se atreve a comentarle ese secreto a voces vergonzoso que todos saben y todos callan, lo que convierte al sujeto calumniado en alguien no apropiado para ocupar esa plaza codiciada y no merecida por quien no es más que un/una “trepa” cuyo único bagaje es la falta de escrúpulos.

El/la “trepa”, en cuestión, pone en evidencia muchas veces su falta de cultura, formación, inteligencia y capacidad, ya que aunque presuma de tener, si lo tiene, un título medio, es decir ha cursado una de esas carreritas que estudian los que no pueden ni tienen dotes para estudiar, no sabe que Ottawa en capital de Canadá, por ejemplo, aunque presuma de los muchos viajes que ha hecho y que, de ser verdad, demuestra que le han servido de bien poco.

Tanto en sociedad como en el terreno laboral, siempre procura unirse con otras figuras igualmente innobles como son el correveidile, el zascandil y el “pelota” de turno, porque entre ellos tienen en común la misma falta de escrúpulos, de ganas de trabajar y sí poseen un constante deseo de parasitar donde dicen trabajar, estableciendo entre ellos una simbiosis perfecta entre afines que le reportan beneficios a todos, aunque a la larga si cae uno de ellos, todos le siguen en cadena. De todas maneras y por la ambición que el/la “trepa” de turno tiene como característica predominante, siempre es este espécimen de carroñero el que suele llevar la voz cantante y mandar sobre el grupo de cantamañanas que forma con los otros miembros de esa asociación de parásitos inútiles y dañinos, además de faltos de luces.

Cuando no tiene a un oponente a quien debe anular de cualquier forma y a cualquier precio y de lo que se trata es de escalar un puesto superior, una mayor remuneración o cualquier tipo de privilegios dentro de la empresa u organización, entonces trata de llevarse al jefe o superior “al huerto”, en el caso de ser mujer la “trepa” de turno, ofreciendo de forma velada sus favores sexuales a cambio de obtener ciertas recompensas laborales o económicas a tono con los servicios y favores prestados. Naturalmente, ese tipo de conducta es apropiada cuando el jefe o superior jerárquico tiene la misma falta de escrúpulos que la “trepa” en cuestióny consiente favorecer a quien no tiene más méritos que su propia ambición carente de toda decencia.

También el/la “trepa” de marras puede utilizar el chantaje, la coacción más o menos encubierta, la extorsión y hasta la amenaza velada de desvelar ciertos secretos de la empresa u organización si no se atienden debidamente sus reclamaciones. Este tipo de ardid sólo lo puede utilizar quienes, por su posición dentro del ámbito de la organización, puede llegar a conocer determinados datos fiscales, económicos, laborales o de simple organización, pero que, por su naturaleza, no es conveniente que salgan a la luz pública. Tampoco es raro que la trabajadora complaciente con su superior y que se ha visto marginada de los favores de éste y sustituida por otra, puede acudir al chantaje de amenazar con desvelar el tipo de relación que mantuvo con el jefe de turno y, si éste es casado, naturalmente, le convendrá mantener “contenta” a su ex amante para sellarle la boca y evitarse así problemas.

Cuando el/la “trepa” es descubierto en la falsedad de sus supuestos conocimientos de la vida privada de su competidor a quien quiere derrocar, o bien de la falsedad y de la calumnia que ha vertido sobre éste; o también si ha conseguido ciertos ascensos a través de los favores sexuales y el favorecido por éstos se cansa de la empleada complaciente y le busca una sustituta en sus funciones laborales y sexuales; o bien, es denunciado por la extorsión y chantaje a la empresa, es cuando el “trepa” ve que todos sus esfuerzos en intentar escalar la cumbre de su ambición se desmoronan y termina siempre viéndose obligado a abandonar la empresa o lugar de trabajo, voluntaria o forzosamente, si no quiere verse objeto de una denuncia por parte del calumniado, de la organización empresarial o de ambos a la vez, y recibe los efectos de sus propias maquinaciones en sí mismo, dándose cuenta de forma inmediata, pero sin lugar a duda, de que ser “trepa” es la forma más rápida para subir a la cima de la ambición personal, pero también y por eso mismo, la más veloz para bajar de golpe de la atalaya conseguida a golpe de treta, difamación, chantaje o manipulación, y el golpe recibido siempre suele ser doble, pues además del recibido por la caída a niveles inferiores, también suelen recibir en forma de denuncia, desprecio y rechazo por parte de todos, sin olvidar la posibilidad de que la victima de las maquinaciones de semejante espécimen de depredador humano le quiera despedir haciéndoles los honores propios del caso y, además de partirle la cara, le cite en algún Juzgado con una denuncia de por medio.

Por ello, el/la “trepa” de turno se anda con cuidado desde que es descubierto y procura no coincidir con el calumniado porque, aunque éste se comporte con corrección en sociedad o en el trabajo, dependiendo del ámbito en el que se han producido los hechos, el difamador sabe que el mundo es un pañuelo y que, antes o después, la víctima de sus maquinaciones estará esperándole con paciencia al pie del tobogán por el que bajará sin freno quien, por subir más deprisa, se le olvidó el paracaídas ,y también ignoró que las víctimas que se va dejando por el camino, siempre le estarán esperando en el cruce de cualquier esquina, aunque no sea en esa misma donde la madre del/la “trepa” ejerce, o ejercía, el oficio más antiguo del mundo y, por ello, le ha salido un hijo o hija que hace digno honor a su progenitora.

Ana Alejandre

Retratos ejemplares

2007-09-30T11:56:00.000-07:00

Retratos ejemplares

(ejemplos para no seguir)

El/la caradura

No existe mayor placer que ser tratado como un idiota por un imbécil (Oscar Wilde)

Este tipo tan extendido entre los españoles y, con independencia del lugar de nacimiento, lengua natal y región cultural a la que pertenezca, presenta unas características comunes que son fácilmente identificables por todos, ya que si tienen algo en común los caraduras de esta tierra de pícaros, héroes y truhanes que es España, es que el comportamiento es siempre similar en todos los miembros de este selecto club de cantamañanas aprovechados, sin tener en cuenta el sexo, edad, o condición social del sujeto que ostenta el discutible honor de pertenecer al mismo.

Para una mayor claridad, se exponen en forma de una relación, siempre abierta a aumentar en su enumeración, porque su comportamiento típico se ajustan a estas conductas tipos, en forma de tics adquiridos que siguen al pie de la letra y sin excepción porque son una mera relación de las muchas y variadas artimañas que usan con el único fin de abusar de los supuestos incautos que encuentran a su paso, sobre todo si con éstos mantienen una relación familiar o de amistad y, por ello, basada en la confianza:

Cuando asiste a una reunión casi nunca habla porque está demasiado ocupado en comer y beber mientras los demás charlan, o su atención la dedica exclusivamente a las parejas de los otros asistentes que sean también un "bocado delicioso" y para ello inicia una conversación del tema que interese o apasione al acompañante de la codiciada presa y después de embarcar a todos en ella se desentiende de la apasionada charla para dedicarse a menesteres más agradables con la pareja ajena que es su verdadero foco de atención

Siempre alega no llevar dinero a la hora de pagar la consumición, la gasolina, las entradas a espectáculos, la compra en el supermercado, etc, porque se le ha olvidado la cartera en casa, se la han robado o se le ha caído del bolsillo, procurando evitar utilizar dicha táctica ante una víctima ocasional que conozca a los “primos” anteriores y puedan avisarse mutuamente de las argucias que utiliza, porque el arma de todo caradura es la impunidad que da el desconocimiento por parte de la víctima de quién tiene al lado y de su potencial peligro...
Padece de amnesia recurrente: siempre se le olvidan los cumpleaños, onomásticas, aniversarios, etc.. de familiares y amigos, pero sólo cuando esté invitado a dicha celebración, por lo que llega con cualquier excusa por no llevar el regalo correspondiente (ignorancia de que era ese día el cumpleaños o el aniversario de bodas, olvido del obsequio en casa, en el coche, o porque está encargado y no lo han recibido aún , etc.), pero eso sí, nunca se le olvida asistir a la fiesta, aunque sea por casualidad y porque pasaba por allí.

Suele preguntarles a los novios, o a sus familias, que le invitan a su boda que les diga qué es lo que desean de regalo antes de comprarlo y después ya no vuelve a preocuparse más del asunto; pero procura ir a la celebración con varios acompañantes, no invitados por cierto, sin haber hecho ningún obsequio con la disculpa de que “los contrayentes aún no le han dicho qué quieren de regalo y está a la espera de que se lo digan”.

Tampoco es extraño que en un funeral llegue a enviar una corona al fallecido y la encargue a nombre de la familia de éste para que les llegue la factura, pero poniendo en la blonda su nombre como remitente, porque ya que el muerto es de otros, también el gasto les corresponde a ellos.

Suele tener un interés súbito en visitar a un pariente lejano con el que nunca ha mantenido relaciones cuando va a la ciudad donde reside éste y comenta que tiene que buscar hotel para hospedarse esa noche. La noche se convierte en varios días de estancia en casa del pariente que no sabe cómo quitárselo de encima y se pregunta por qué demonios cayó en la trampa de invitarlo a pasar una sola noche que se ha convertido en muchas y sin señales evidentes de indicar una fecha de ida por parte del invitado gorrón.

Cuando un familiar o amigo que vive en otra localidad y en cuya casa el caradura ha disfrutado de su hospitalidad y pasado muchas vacaciones, le avisa de que va ir a la ciudad donde reside el sujeto en cuestión, éste responde con tono de un sincero pesar de que lamenta no haberlo sabido antes porque tiene que hacer un viaje justo en los días en los que le anuncian la llegada por motivos inexcusables (asistir a una boda, un funeral, motivos laborales, etc.) o, en el caso de que esa disculpa ya la haya utilizado en otras ocasiones con la misma persona, responderá que estará encantado de recibirlo aunque tiene una pierna escayolada, o padece de una extraña enfermedad vírica desde hace unos días por lo que está guardando cama, o bien, que se ha comprado un perro dóberman y así tendrá con quien dejar al animalito cuando se vaya a trabajar. Naturalmente, el o los familiares y amigos le dirán que ya lo verán en otros momentos en un viaje posterior, agradeciéndole la invitación que el caradura les insiste en que acepten, para no perder nunca la posibilidad de sí ir como invitado por enésima vez a la casa de dichos "primos", aunque sean hermanos o amigos.

Cuando es invitado en casa de familiares y amigos y por el solo hecho de serlo, se abstiene de hacer ningún gasto y, mucho menos, de ayudar en los quehaceres, por confianza que tenga con sus anfitriones. Sin embargo, cuando son otros lo que van a su casa, sí que procura que le acompañen a realizar la compra y que paguen sus invitados lo que se comen y lo que comen los dueños de la casa y que ayuden en los quehaceres domésticos, sin dejarles más opción.

Observa las costumbre y horario de los demás y, “por casualidad”, se encuentra en el ascensor con ese vecino, o compañero de trabajo, que hace el mismo recorrido diariamente de ida o de vuelta al trabajo que el suyo, y al que le comenta que tiene el coche en el taller por no sabe qué avería y le han dicho que es cosa de una semana, al menos. La semana se convierte en indefinida porque las complicaciones en la reparación se van acumulando hasta que la paciencia del “taxista” ocasional se acaba y también asegura, utilizando las mismas armas que el aprovechado, que tiene que llevar el coche al taller de inmediato.

Siempre le falta tabaco porque se le ha acabado en el mismo instante que ve a alguien a su alrededor sacar un cigarrillo y, para demostrarlo, enseña el paquete vacío (el mismo que lleva durante meses en el bolsillo como excusa para fumar gratis). Procura no repetir varias veces con el mismo “primo” para que no se le acabe el chollo por la insistencia en utilizar el mismo truco...

También, si el caradura es fumador y se acaban los cigarrillos cuando tiene invitados en casa, suele sugerirle a alguno de ellos también fumador que baje al estanco mientras él prepara las bebidas, utilizando al invitado de botones y, de paso y más importante, de pagano del tabaco.

Cuando le gusta la novia o esposa (o novio o marido, sirva para ambos sexos) del prójimo y tiene trato con ella, le suele hacer comentarios del tipo de “¡Oye, qué guapa es tu cuñada1”, refiriéndose una supuesta acompañante del novio/marido con la que lo ha visto varias veces, al parecer. Naturalmente, el mosqueo de la novia/o o esposa/o es mayúsculo, sobre todo si la/el cuñada/o no existe o, en caso de que la haya, es poco favorecida/o y, si existe y es atractiva/o, más aún, por eso de las comparaciones. Será la/el otra/o, novia/o o mujer/marido, quien tendrá que demostrar su inocencia y mientras él caradura pide disculpas por haber” metido la pata”, según afirma, tanto si se ha confundido como si no, agrega para evitar problemas mayores. Eso le sirve como excusa de acercamiento a la/el novia/o o esposa/marido mosqueada a quien trata de “consolar” por haber dicho algo que, suponiendo que sea verdad, le ha creado problemas en su relación de pareja, convirtiéndose así en confidente de quien le gustaría poder tener un mayor acercamiento íntimo.
Si trabaja en una oficina, etc., siempre será a su compañero al que se le sequen los bolígrafos, se le estropee la grapadora o se le acabe el papel de la impresora. Naturalmente, siempre estará dispuesto a prestarle al otro parte del botín que le ha quitado anteriormente y de forma taimada, en un gesto amable de compañerismo y hasta que el compañero desplumado vaya a por más material de oficina...

Suele pedir prestado de todo: ropa, libros, DVD, maletas y, sobre todo dinero. En estos casos, siempre tiene mala memoria para recordar que debe devolver lo prestado; pero, curiosamente, nunca se le olvida pedirlo. Cuando se lo reclaman, su respuesta es siempre la misma y la da con cara de sorpresa: “¿Pero por qué no me lo has recordado antes.

En el caso anterior, si a quien le pide algo prestado le dice que, por el motivo que sea, no se lo puede prestar, no dice nada pero, de forma accidental, casual o por error, el objeto solicitado a préstamo desaparece del hogar, el coche, la oficina, etc. de su propietario y más tarde el caradura lo devuelve, después de haberlo usado, si es que lo hace, con la disculpa de que se lo encontró milagrosamente en la maleta, el bolso, en su casa, etc, sin saber cómo había llegado hasta allí y que creía que su dueño lo había colocado en tal lugar o se lo había dejado olvidado, según convenga al caso.
Saca partido de todas las situaciones cotidianas: finge una cojera inexistente y muy acusada al subir a un medio de transporte abarrotado para que le dejen un asiento; simula un mareo en la cola del supermercado para que le cobren antes que los demás y saltarse su turno; saca un pañuelo por la ventanilla fingiendo una urgencia para que los demás vehículos le dejen paso, y un largo etc.

Por ello, si en una reunión ve que los demás se divierten, charlan, ríen y no puede participar en la conversación por falta de conocimientos, interés o habilidades sociales, intenta llamar la atención diciendo que se siente mal, que está mareado, le duele la cabeza o el estómago (sobre todo si ha comido en casa ajena para intentar culpabilizar a los anfitriones de su malestar y ser así receptor de todo tipo de atenciones y desvirtuar la reunión). Si la caradura es mujer, entonces este truco lo utiliza cuando ve que alguien es el centro de atención, es decir otra mujer, y quiere romper el climax y atraer la atención hacia sí misma.

Le gusta jugar al escondite, sobre todo cuando ha cometido una grosería de no asistir a una celebración a la que estaba invitado, para que los familiares y amigos se preocupen de que le ha sucedido algo y lo llamen insistentemente por teléfono, le envíen mensajes, vayan a su domicilio y un largo etcétera, y a cuyas llamadas, mensajes, visitas y demás no suele responder en un largo plazo de días, semanas y, en algunos casos, de meses, para convertirse así en el centro de atención, sobre todo cuando el protagonismo de un evento familiar: boda, aniversario o celebración de algún éxito lo está celebrando algún miembro de su círculo familiar o amistoso, para así intentar restarle protagonismo, fastidiarle dicha celebración, porque no puede impedir que se lleve a cabo, y convertirse así, con su ausencia inmotivada y silenciosa, en el centro de atención de todos. Naturalmente, eso sólo lo consigue, y a medias, una o dos veces, porque a partir de entonces los demás familiares y amigos dan la callada por respuesta y lo mandan en silencio a hacer gárgaras, sin preocuparse más del caradura aguafiestas, envidioso y trapacero.

Por eso de la mala memoria que tiene, pero sólo para lo que le interesa, no suele corresponder a las atenciones recibidas: invitaciones, regalos, visitas, etc., porque eso sería como demostrar agradecimiento que el caradura, por su propia idiosincrasia, no puede realizar por ser contraria a su propia naturaleza y, por ello, si recibe un regalo que le envían desde la distancia no suele responder agradeciéndolo y acusando recibo, sino que quien lo envía tiene que preguntar, pasados unos días y extrañado por el silencio, si lo ha recibido o ha habido algún problema en la entrega y se queda estupefacto cuando le afirman que llegó perfectamente, sin que oiga en ningún momento las gracias, aunque sí tiene que oir algún tipo de comentarios negativos del estilo: “las rosas venían embaladas en una caja de embalaje que parecía una caja de muerto”; o bien “los bombones estaban casi derretidos”; o “la cesta de frutas estaba bien, pero la fruta venía demasiado madura”. Naturalmente, ante esas lindezas, el caradura no vuelve a recibir nada más que la indiferencia de quien se cansa de tener amabilidades con quien sólo es un simple gorrón aprovechado.

Naturalmente, como el caradura tiene un concepto utilitarista de las personas y las utiliza sólo para sus propio provecho, suele terminar no recibiendo llamadas, invitaciones, regalos, felicitaciones y demás gestos de afecto y/o amistad, sino que lo que recibe es la indiferencia más absoluta, el silencio más tenaz y, cuando intenta buscar a los demás como siempre y sólo a la hora de los problemas, es cuando empieza a darse cuenta de que recibe lo que ha sembrado, que es como decir la frialdad y el repudio de quienes, familiares y amigos, tienen un concepto de las relaciones humanas bilaterales en las que ambas partes tienen que poner interés, atención, afecto y sinceridad y no sólo por una de ellas, mientras la otra espera con gesto de desprecio (el mismo que suele sentir el caradura hacia sí mismo y que proyecta en los otros) y sonrisa cínica, a que los demás le hagan partícipe de unas atenciones que no merece y una paciencia que, antes o después, se acaba. Es ese el momento en el que se da cuenta de que los afectos desaparecen, los amigos se alejan y los parientes miran para otro lado, hartos ya de aguantar desplantes, ingratitudes y abusos de confianza y de la paciencia ajena.

El caradura nunca se arrepiente de su comportamiento, sino lo único que lamenta es no poder colocarles a los demás que lo rodean un chip que respondiera a sus órdenes, sus deseos y sus caprichos y mientras tanto que le dejen tranquilo y sin molestarle, porque este tipo de sujetos no ve a los demás como personas, sino como objetos que están ahí a su servicio en todo momento. Sin embargo, como no es posible tal manipulación total de los demás, para disgusto de este espécimen de aprovechado ególatra, llega el día en que los otros ya no responden a sus necesidades, a sus peticiones ni a sus deseos. Es en ese momento, cuando el caradura y sus afines se dan cuenta de que los demás los han mandado a paseo sin decirles nada y con la sonrisa escéptica de quien los conocer demasiado y sabe que la naturaleza aprovechada del caradura no cambia, sólo transforma sus tácticas en otras diferentes, aunque ninguna ya le sirva para nada más que para hacer el más absoluto de los ridículos y quedar, como se dice en el lenguaje coloquial, “con el culo al aire” en el que los demás, hartos ya, le dan un cariñoso puntapié de despedida aunque sólo sea con el silencio y la lejanía, recordándole una frase que este tipo de personas repiten siempre:·a mí el que me busca me encuentra", pero eso sí que busque. que busque bien, porque los ·"primos"· cuando juegan al escondite suelen saberse ya las reglas del juego que inició el caradura y seguro que ya no buscan más ni al caradura ni a sus adláteres, porque si algo buscan es la puerta de salida de donde esté aquel y al que se han encontrado por casualidad. Y es que a su lado todos sienten vergüenza de su comportamiento, menos el susodicho que parece estar inmune a todo, menos de intentar aprovecharse del prójimo sin el menor pudor, sin el menor escrúpulo, de ahí el calificativo de caradura que es lo mismo que decir que está pidiendo a gritos que le partan la cara y, seguro, que a más de uno le sobran las ganas, los motivos y hasta la decencia.

Ana Alejandre

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