Esta gran exposición presenta más de 130 obras maestras procedentes de 64 instituciones internacionales, entre ellas, el Museo del Prado, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Museo del Louvre y el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Muchas de las obras proceden de la Gemäldegalerie que tiene la colección más importante de pintura española de Alemania.

La exposición refleja la evolución histórica de España, donde el arte estaba indisolublemente unido a los acontecimientos políticos y sociales del siglo XVII. En un momento en que el país se enfrenta a una pérdida continuada de poder político por la creciente influencia del protestantismo en Europa, el lenguaje y la iconografía de la producción artística sirve principalmente como un instrumento de propaganda política, destinada a mantener la ilusión de fuerza y de estabilidad.

La exposición permitirá que se conozcan fuera de España uno de los más importantes capítulos de la historia cultural europea, el siglo de Oro español, podrán apreciarse artistas de primera fila pero que no son muy conocidos para el público extranjero como Alonso Cano o Gregorio Fernández. Más iniciativas como esta permitirían dar a conocer y colocar en su justo lugar, junto a la pintura italiana, flamenca y holandesa, el arte producido en España durante el siglo XVII.

Luis de Morales (El Divino). “Virgen de la leche. Museo Nacional del Prado.

Está coorganizada por el Museo Nacional del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y el Museu Nacional d’Art de Catalunya, después de pasar por Madrid y Bilbao, ahora se podrá ver en Barcelona.

Luis de Morales (El Divino). “La Virgen con el Niño y san Juanito. Catedral de Salamanca.

Luis de Morales (1510 – 1586), llamado “el Divino” por la intensidad de sus imágenes devocionales, es uno de los pintores más originales del Renacimiento español. Vivió y trabajo sobre todo en Extremadura donde fue un pintor muy prolífico, realizó muchos retablos. Pero alcanzó la fama gracias a sus pequeñas tablas de temática religiosa, de una gran carga emocional.

Luis de Morales (El Divino). “La Virgen del pajarito”. Parroquia de San Agustín de Madrid.

Su pintura enlazaba con las tradiciones flamencas pero matizadas por elementos italianizantes. Con una precisión naturalista y un carácter táctil que le aproximan a lo escultórico, era célebre por su “sfumato”.

Luis de Morales (El Divino). “La Piedad”. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.

A lo largo del siglo XVII su manera de pintar dejó de gustar, y el pintor cayó en el olvido. Hasta principios del siglo XX no se volverá a valorar su original manera de entender la pintura (como le había pasado a El Greco), y a lo largo del siglo logrará alcanzar su lugar como uno de los principales pintores del siglo XVI. La culminación de este proceso son con las exposiciones que se han realizado durante el 2016.

Luis de Morales (El Divino). “La Virgen del sombrero” o “La Virgen vestida de gitana con Niño”. Fondo Cultural Villar Mir, Madrid.

El Museo del Prado tiene la mayor colección de pinturas de Luis de Morales del mundo. Para esta exposición Leticia Ruiz, jefe del Departamento de Pintura Española del Renacimiento del Museo del Prado y comisaria de la exposición, ha seleccionado 22 obras del museo, que junto con otras 30 procedentes de museos nacionales e internacionales, coleccionistas privados e instituciones religiosas se podrán apreciar en el MNAC hasta el 25 de septiembre de 2016.

Estos son otros ejemplos de su repertorio iconográfico, que en cierta medida fue repitiendo durante su trayectoria profesional ya que obtuvo un gran éxito comercial en su momento.

Luis de Morales (El Divino). “Ecce Homo”. Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Luis de Morales (El Divino). “Cristo con la cruz a cuestas”. Real Colegio Seminario de Corpus Christi-Museo del Patriarca, Valencia.

«Salomé con la cabeza del Bautista» Michelangelo Merisi da Caravaggio. Óleo sobre lienzo.

La exposición la componen 72 pinturas y esculturas, creadas en Italia durante el siglo XVII, por los principales artistas del momento: Caravaggio, Bernini, Velázquez, Ribera, Guido Reni, Federico Barocci, Luca Giordano, Andrea Vaccaro o Ludovico Carracci entre otros. Todas pertenecen a Patrimonio Nacional y ahora se podrán ver todas juntas ya que has sido traídas desde distintos edificios, monasterios, iglesias y palacios para exhibirlas en las salas de Exposiciones Temporales del Palacio Real de Madrid.

«San Francisco de Asís en la zarza» José de Ribera. Óleo sobre lienzo

Con motivo de la exposición las obras se han restaurado y estudiado detalladamente.

«Cristo crucificado» Gian Lorenzo Bernini. Bronce dorado.

La exposición se podrá ver hasta el 16 de octubre de este año.

«Conversión de Saulo» Guido Reni. Óleo sobre lienzo.

«La túnica de José» Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Óleo sobre lienzo.

«La vocación de san Andrés y san Pedro» Federico Barocci. Óleo sobre lienzo

«Lot y sus hijas» Giovanni Francesco Barbieri, Guercino. Óleo sobre lienzo.

Probablemente nunca más se podrán ver tantas obras del pintor juntas.

Las tres obras que no están en la exposición son:

El tríptico del Juicio final que está en la Academia de Bellas Artes de Viena.

«Tríptico del Juicio final», Academia de Bellas Artes de Viena

La Crucifixión de los museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas. Ambas no se prestan por razones de conservación.

«Crucifixión», Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas

Y la Galería de la Academia de Venecia no ha prestado El tríptico de los santos ermitaños (que si prestó al museo de Noordbrabants), aunque ha enviado su otro Bosco, cuatro visiones del Mas Allá.

«Tríptico de los santos ermitaños», Galería de la Academia, Venecia

De esta manera en la actual exposición del Bosco en el Museo del Prado se pueden ver siete obras más de las que se podían ver en la exposición de Den Bosch. Aunque parte de la diferencia se debe cuestiones de atribución, ya comentamos en el post anterior que ha habido una disputa entre especialistas del museo del Prado y los especialistas holandeses del Bosch Reserch and Conservation Project (BRCP). El equipo holandés del Noordbrabants Museum daba como auténticas 24 obras (de las que se podían ver en su exposición 17). Los especialistas del Prado consideran que hay un total de 27 que se pueden atribuir totalmente al el Bosco (de las que hay 24 en su exposición).

Al final ha habido una intensa rivalidad entre las dos exposiciones por estos problemas de atribución, de manera que las dos exposiciones se organizaron independientemente, aunque por lo menos los dos museos coordinaron las fechas, para que hubiera un hueco de tres semanas entre las dos muestras y así los préstamos se pudieran ver en los dos museos.

En la exposición del Prado se pueden ver tres obras que no fueron prestadas al Noordbrabants Museum (sin contar las obras que el museo del Prado no ha dejado, El jardín de las delicias y las obras objeto de polémica por su atribución):

El tríptico de las tentaciones de san Antonio Abad que viene del Museu Nacional de Arte Antiguo de Lisboa (que en contrapartida ha recibido en préstamo el autorretrato de Durero del Prado).

Tríptico de las tentaciones de san Antonio Abad, Museo de arte antiguo, Lisboa

La National Gallery de Londres ha prestado la coronación de espinas.

«La coronación de espinas», National Gallery, Londres

Y Patrimonio Nacional ha dejado la obra Cristo camino del Calvario que está en el Monasterio de san Lorenzo del Escorial.

«Cristo camino del Calvario», Monasterio de san Lorenzo del Escorial

El Bosco. «El carro de heno». Museo del Prado

En la exposición se podrán ver las ocho pinturas de el Bosco que se conservan en España, junto a las procedentes de colecciones y museos de todo el mundo. En total 21 pinturas y 8 dibujos del Bosco, que constituyen más del setenta y cinco por ciento de su obra conservada. Junto a sus obras habrán grabados, relieves, miniaturas y pinturas de otros autores que contextualizan el ambiente en que el Bosco realizo su pintura. En total se exponen más de cincuenta obras.

El Bosco. «Tríptico de san Antonio Abad». Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa.

Será la mayor exposición internacional del pintor realizada hasta el día de hoy. De todas las obras, Pilar Silva comisaria de la exposición, destaca tres: el Tríptico de San Antonio Abad (del Museo de Arte Antiga de Lisboa), La Adoración de los magos y el jardín de las delicias (ambas del Prado). Las tres representarían los tres momentos culminantes del artista.

El Bosco. «La adoración de los Magos». Museo del Prado

El Bosco. «El jardín de las delicias». Museo del Prado

En esta exposición también están tres obras que pertenecen al museo y que hace unos meses fueron polémicas: La mesa de los pecados capitales, La extracción de la piedra de la locura y Las tentaciones de San Antonio. Según la investigación del Bosch Reserch and Conservation Project (BRCP), las tres obras fueron realizadas por seguidores del Bosco. El Prado no está de acuerdo con las conclusiones del BRCP, y que cree que fueron fundamentadas en apreciaciones estilísticas muy subjetivas.

El Bosco. «La mesa de los pecados capitales». Museo del Prado

El Bosco. «La extracción de la piedra de la locura». Museo del Prado

Al no estar de acuerdo con la ficha técnica con que se exponían las obras, al final el Pardo no prestó las obras para la gran exposición que se celebró a principios de año en el Noordbrabants Museum de Den Bosch. Nos parece más acertada la opinión del museo, que ha podido estudiar con detalle las obras. Siempre nos encontraremos con el problema de los talleres en la pintura medieval. Haya mayor o menor participación del taller son grandes obras y se han de atribuir a Hieronymus Bosch.

Desde el 17 de marzo se pueden admirar todas estas obras en la exposición temporal “Donación Antonio Gallardo Ballart. Nuevas obras maestras para el museo”, cuando termine la exposición, en julio, las obras se integrarán en la exposición permanente.

Anónimo. Castilla. Siglo XII. «Ángeles en lucha con el dragón, de Tubilla del Agua»

Hay que destacar los cinco ejemplos de pintura mural románica (de los siglos XII y XIII), imposibles de encontrar hoy en el mercado. Prácticamente no hay obras de este tipo en colecciones privadas, así que su ingreso en las colecciones del museo es muy importante.

Lluís Borrassà. «Compartimentos de la predela con santa Catalina de Alejandría y Jesucristo»

Y por supuesto a cuatro de los grandes nombres de la pintura medieval en Cataluña: Jaume Serra, Pere Serra, Lluís Borrassà y Bernat Martorell que ayudan a completar la ya muy importante colección de pintura de los siglos XIV y XV que tiene el museo.

Bernat Martorell. «Santa Lucía repartiendo limosna»

Esta adquisición supone una demostración más del papel que la sociedad civil y el coleccionismo privado han desarrollado en la confección del fondo del museo.

Pedro Romana. «Santo Tomás apóstol»

Cronológicamente la última pintura de la exposición es una tabla renacentista atribuida al artista andaluz Pedro Romana. La obra se atribuye a éste artista por comparación con las dos tablas que se conservan en el Museo del Patriarca de Valencia ya que todas formarían parte de un mismo apostolado.

San Pablo y Santiago el mayor. Pareja de tablas subastadas en Hampel

Resulta que el mes de julio del pasado año se subastaron en Hampel (Munich) dos tablas con los apóstoles San Pablo y Santiago el mayor mal atribuidas a Paolo de San Leocadio. Si las comparamos con la obra del MNAC parece claro que también debían formar parte del mismo apostolado, y por lo tanto deberían atribuirse a Pedro Romana, basta con sólo comparar la figura y también el fondo dorado cincelado que tiene los mismos motivos e incluso parece como si se hubiera completado la parte del esgrafiado que le falta a la obra del MNAC, que en su día estaba tapado por la crestería.

Santiago el mayor. Subastado en Hampel

Maezawa delante de Basquiat

En dos días ha comprado 7 obras y se ha gastado 98 millones de dólares. Según parece Maezawa tiene una fundación de arte contemporáneo y planea exponer públicamente sus obras en Tokio.

Aparte del Basquiat ha comprado:

Christopher Wool, «Untitled (1990)

Ésta obra de Cristopher Wool, Sin título, del año 1990 por 13,9 millones de dólares.

Richard Prince, «Runaway nurse» (2007)

“Runaway Nurse” de Ricard Prince por 9,7 millones.

Jeff Koons, «Lobster» (2007)

Langosta de Jeff Koons por 6,9 millones.

Adrian Ghenie «Self Portrait as Vincent Van Gogh» (2012)

De Adrian Ghenie Autorretrato como Vincent Van Gogh (2012), por 2,6 millones.

Alexander Calder, «Sumac 17» (1955)

Este móvil de Alexander Calder Sumac 17 (1955) por 5,8 millones.

Bruce Nauman «Eat War» (1986)

De Bruce Nauman “Eat War” (1986) por 1,69 millones

En total 98 millones de dólares. No está mal.

La «Mona Lisa» del Louvre

Pero esta pintura tiene ya una larga historia. En 1913 el coleccionista Hugh Blaker compró el cuadro a una familia aristocrática de Inglaterra, éste lo guardó en su estudio en el suburbio londinense de Isleworth (de aquí le viene el nombre con que se la conoce). Tiempo después, el cuadro fue trasladado a Estados Unidos por culpa de la Primera Guerra Mundial y en 1961 fue comprado por Henry Pulitzer (el famoso editor). Pulitzer publico el libro “¿Donde está la Mona Lisa?”, y en él se defendía la tesis de que era una primera versión de la obra de El Louvre. También aportaba la opinión de expertos y pruebas de laboratorio. A la muerte de Pulitzer, en 1979, heredó la obra su pareja, Elizabeth Meyer, que la depositó en un banco suizo. Después de su muerte, en 2008, un consorcio de abogados y hombres de negocios, la compró para crear seguidamente la Fundación y demostrar su autenticidad.

La «Mona Lisa Isleworth»

Muchos expertos desde la época de Pulitzer, han creído que se trata de una copia realizada por otro pintor, y hoy en día la máxima autoridad en Leonardo da Vinci, el profesor de la Universidad de Oxford Martin Kemp, sigue pensando que se trata de una copia. Vale la pena leer lo que escribió en su blog comentando el libro de la “Mona Lisa Foundation”: “El libro afirma que ninguna de las pruebas científicas indica que la pintura de Isleworth no es de Leonardo. Tampoco demuestra que no se trata de Rafael. Incluso esta reivindicación ineficaz, con su doble negación, no está justificada. La reflectografía infrarroja y los rayos X publicados en la página 253 no revelan ninguna de las características típicas de los métodos de preparación de Leonardo. Leonardo, como las imágenes de infrarrojo de la pintura del Louvre muestran, fue un quisquilloso empedernido con sus composiciones incluso una vez había empezado a trabajar en las superficies imprimadas de sus tablas. Las imágenes de la tela de Isleworth tienen la aburrida monotonía que se esperaría de una copia.” (al decir que era muy quisquilloso en sus composiciones se refiere a que era muy lento, que sus métodos eran largos y laboriosos).

La «Mona Lisa» del Museo Nacional de Oslo

Incluso la compara con otras dos copias (una de ellas en el Museo Nacional de Oslo), Kemp dice que hay familias de copias y éstas en concreto no es de las mejores familias de copias de la Mona Lisa.

Resulta que la restauración de las obras en los años sesenta, había enmascarado la paleta y la pincelada del artista con el resultado de que éstas no se consideraron aptas para su exposición.

El Coliseo a la luz de la luna. Antes de restaurarse y después.

El Coliseo a la luz de la luna estaba tan repintado que se le consideró como obra de un seguidor de Wright. El restaurador se había excedido tanto, que no parecía una obra del autor, no se adivinaba su mano, ni parecía una escena con luz de luna. Después de eliminar las capas de repinte se ve ahora claramente que es una obra original de Joseph Wright.

El Coliseo a la luz de día. Antes de restaurarse y después

La otra obra, El Coliseo a la luz del día, no estaba tan repintada pero toda la parte superior derecha, con la finalidad de arreglar un desgarro, se había restaurado tan mal que no se podía exponer.

Realmente las malas restauraciones son la causa número uno de las malas atribuciones en el mundo del arte. Los criterios de restauración han cambiado mucho desde mediados del siglo XX, pero aún hoy en día hay que vigilar a los restauradores con demasiadas pretensiones artísticas.

Ya en 1886 el conde Giovanni Secco Suardo, un coleccionista y restaurador, dijo: “No han sido el tiempo, ni la guerra, ni el fuego, ni los iconoclastas quienes han sido responsables de la destrucción de la mayoría de nuestros cuadros, más bien la ignorante presunción de aquellos que se han dignado a limpiarlos”

Los propietarios de la obra la descubrieron accidentalmente en el desván, donde la tela había permanecido oculta durante más de un siglo. Cuando la pintura fue llevada al experto y galerista Éric Turquin, éste concluyó que se trataba de una obra auténtica de Caravaggio, otra versión de “Judith y Holofernes” diferente de la que se conserva en la Galleria Nazionale di arte antica de Roma.

La obra descubierta en Tolouse

No todos los expertos están de acuerdo con sus conclusiones. Mina Gregori, Gianni Papi y Giuseppe Porzio, aunque reconocen la gran calidad de la obra, no piensan que sea del pintor. Por otro lado Nicola Spinosa si cree que es una obra original de Caravaggio.

Caravaggio revolucionó la pintura en el siglo XVII. Tuvo una gran influencia y su potente estilo inspiró a numerosos seguidores, desde Gentileschi hasta artistas flamencos como Gerrit van Honthorst. Los Caravaggistas trabajaron por toda Europa y extendieron su poderosa estética. Pero también fue odiado y condenado, por su vida violenta y su brutal realismo. Con el clasicismo, en el siglo XVIII fue olvidado. Y no volvió a ser redescubierto y venerado hasta principios del siglo XX.

La hipótesis de la autenticidad de la obra se basa en:

– Hay indicios documentales de que Louis Finson, un marchante de arte y pintor flamenco contemporáneo a Caravaggio, hacia 1607 en su estudio de Nápoles, poseía dos Caravaggios (en su testamento se mencionan los dos cuadros) y uno de ellos era “Judith y Holofernes”. Esta obra no sería la versión del tema pintada en Roma en 1598/9, y que hoy está en la Galleria Nazionale di arte antica, Roma.

Caravaggio, «Judith y Holofernes». Galleria nazionale di arte antica, Roma

– El cuadro de Roma se cree que fue un encargo del banquero Ottavio Costa, porque estaba en el inventario de obras que dejó al morir en 1639. Es decir, se cree que la primera versión de «Judith y Holofernes» siempre ha estado en Roma y no podía ser la obra que estaba en posesión de Louis Finson.

– Finson habría pintado una copia del cuadro de Caravaggio que poseía y esta copia sería la pintura que pertenece al Banco de Roma y que se expone en Nápoles (Palazzo Zevallos). Esta copia (si se demuestra que realmente la pinto Louis Finson) estaría basada en su original de Caravaggio. Así que la pintura descubierta en Tolouse sería el original desaparecido.

Copia de Louis Finson?

Podría ser verdad…, o ser la obra de un Caravaggista u otra copia. En todo caso hasta que no haya un gran consenso entre la comunidad de especialistas, la obra no podrá venderse por la cantidad de que habla Turpin (120 millones de euros).

De momento el Estado francés ha declarado la obra “tesoro nacional”, lo que significa que no podrá venderse fuera del país en los próximos 30 meses. El Departamento de Pintura del Louvre ha examinado durante tres semanas el cuadro pero de momento no se han hecho públicas sus conclusiones.