Mi chiedo come sia possibile che nel 1998 i programmatori, oltre a rifinire uno dei picchiaduro più belli di sempre (Tekken 3), abbiano anche trovato il tempo per infilare un pezzo elettropop come questo…

Potrebbe anche essere trasmesso attualmente dalle radio. La differenza non si noterebbe.

Il gioco da tavola più guerrafondaio (per scherzo) di sempre e che ha attraversato un incredibile numero di generazioni di comandanti in erba, adesso beneficerà di una sfavillante edizione ispirata a Metal Gear Solid.
Tramite (e solo) il sito USAopoly.com è possibile acquistare il gioco, la cui uscita è imminente. Il portale inizierà le prenotazioni il 3 ottobre, al prezzo di 50 $ per una scatola. A proposito: noi italiani rimaniamo a bocca asciutta, almeno per il momento, visto che l’e-store non esegue spedizioni internazionali.

Se doveste riuscire a reperirlo, fatemi sapere il nesso che sussiste tra Solid Snake e “Distruggi tutte le armate viola“. Provvederò ad aggiornare il post.

Quando si dice che un’immagine vale più di mille parole…

Per la cronaca, potete acquistare la stampa (24” x 36”, 30 $) a questo indirizzo, e tenete presente che in futuro il negozio in questione ne farà una maglietta.

Visti gli ultimi episodi sulle console di nuova generazione, non posso non pensare che è così che sarebbe dovuta terminare -più che decorosamente- la saga videoludica di Crash. Con l’inconfondibile firma ironica dei mitici Naughty Dog.

Digital delivery.
Da incensare, per carità: la possibilità di reperire videogame da Internet ha aperto una miriade di porte, che un tempo neanche si immaginavano.

Mi viene da pensare subito a Steam: tanti bei videogiochi venduti a basso prezzo, e acquistabili tenendo le parti più nobili del nostro corpo ben salde sulla sedia.
Eppure mi vien da pensare anche a tutti quei videogiochi -il cui numero in futuro forse accrescerà- che escono, anzi nascono, sotto forma di episodi: in un tempo non meglio precisato saranno poi “completati”.
Il rischio in cui incorrono alcuni videogiochi sorti sotto tali auspici è che siano figli di un dio minore. E faccio due nomi recentissimi: From Dust e Age of Empires Online.

L’hype per From Dust è iniziato dall’E3 del 2010. Inutile dire che la firma di Eric Chahi ha contribuito moltissimo ad incrementare le attese di chi sperava in un god game da Dio (bel gioco di parole, eh?) (almeno fate finta).
E’ uscito su Windows il 17 agosto, e in molti (tra cui me) sono corsi a scaricarlo. Appena installato, si scopre di dover fornire alcuni dannati dati ad Ubisoft (il gioco non parte se non vi iscrivete al loro servizio), ma ciò che mi fa saltare più di un nervo è che è necessaria una connessione ad Internet per lanciare il titolo: fortunatamente, almeno su questo, la casa di Montreuil è ritornata sui suoi passi, il 9 settembre scorso.
Superata l’odiata schermata di accesso, inizio a giocare.

Il titolo è bello, ha un gameplay seducente, ma c’è qualcosa che non va: muovere l’Anelito (il vostro mezzo per interagire con il mondo, una sorta di mano di Black & White, ma più limitata nella libertà di azione) è un po’ macchinoso. E soprattutto, il gioco finisce troppo presto. Beh, vien da dire, è ovvio: per 14,99 € è difficile attendersi qualcosa in più. Eh no, purtroppo quando si parla di fruizione di opere (anche digitali) il cervello umano non ragiona in questo senso. Quando si tratta di fame (culturale), il nostro cervello è ingordo: se ha assaggiato qualcosa di bello, ne vuole ancora. Non all’infinito, ma abbastanza da ritenersi soddisfatto.

Prendiamo ora il caso di Age of Empires Online, che dovrebbe offrirci un contesto leggermente diverso: è free-to-play.
Non mi pronuncio sulla bontà del gameplay, visto che non ho provato il titolo, ma è con i capelli rizzati che ho appreso che il Season Pass (un abbonamento che garantisce degli sconti su tutti i contenuti acquistati nei sei mesi successivi) arriva a costare ben 99 £. Alla faccia del free-to-play.
Cosa c’entra questo, direte voi, con i videogiochi privi di supporto ottico (tra l’altro esiste anche una versione scatolata, più completa, di Age of Empires Online). C’entra, perché con l’addizione ingannevole free-to-play + digital delivery ci si aspetta che il giocatore sborsi più quattrini: poco importa se un titolo nella sua interezza arriva a pagarlo più del doppio dei videogiochi normali (in scatola). Avreste pagato, nel 2002, 99 £ per Warcraft II? Eppure la consistenza ludica era (ed è) enorme, così come la longevità (grazie alle partite su Battle.net). Il caso di Age of Empres Online è abbastanza raro, ma la direzione di una tale filosofia (anche se intrapresa con meno estremismo) preoccupa.

Il circolo virtuoso è quindi rappresentato da quei videogiochi che, via digital delivery, propongono un assaggio gustoso, a modico prezzo, di portate ottime. Che poi saranno proposte nella loro interezza.
Dubito infatti che il modo di porsi di titoli come From Dust o Sonic 4 – Episodio 1 possa incontrare l’amorevole accoglienza dei videogiocatori. E non dimentichiamo neanche altre strade non meno biasimabili, che sfruttano ancora il concetto di “episodi”: per Starcraft II gli sviluppatori intendono creare una saga di tre capitoli (con una sola razza ciascuna) nell’arco di un intero lustro. E chiedendo, di volta in volta, probabilmente lo stesso prezzo.

A me sembra che ci sia un po’ di confusione in giro: e alla rinfusa i developer ne approfittano per spillare qualche soldo in più. Ben vengano i capitoli, quasi sempre regolari, di Sam & Max o Half Life 2, che della loro natura episodica ne fanno una onesta bandiera. Ma shakerare scriteriatamente la formula, rischia di disgustare e basta.

E qualche ragione ci sarà pure: conducendo una sorta di processo di reverse engineering dei meriti artistici del Cavaliere Oscuro, è possibile estrapolare quelle caratteristiche universali capaci di elevare qualunque videogioco.

C’è un aspetto noto che contraddistingue Batman dalla stragrande maggioranza dei supereroi più celebri: l’assenza di superpoteri. Potrebbe sembrare secondario, ma in realtà questa differenza segna profondamente il modo con cui un fumettista si pone di fronte all’Uomo Pipistrello.
La mancanza di qualità sovrumane rappresenta in effetti una zavorra magica per la narrazione delle avventure: quando è richiesto, si può appesantire adeguatamente la trama; nei contesti più scanzonati si rappresenta invece il lato eccezionale, supereroico e saggio dell’eroe, capace a volta di imprese sorprendenti a mani nude.

E’ questo il punto di partenza della maggior parte delle virtù del fumetto di Batman, che genera (o enfatizza) tutta una serie di qualità uniche, che il regista/designer attento sa innestare nella propria opera. Una sorta di corrispondenza biunivoca che merita di essere indagata:

• Iperrealismo come ponte per la fantasia: ne è un esempio Batman: Arkham Asylum. In molti hanno accusato tale titolo di presentare una grafica eccessivamente “plasticosa”. Critica comprensibile, ma è probabile che gli sviluppatori l’abbiano fatto apposta: popolare un mondo con personaggi che ricordano le statue del museo della cera, rende credibile il viaggio del videogiocatore.
  L’iperrealismo è come un’altalena. Ti illudi di toccare il cielo con un dito, ma oscilli sempre per un punto intermedio bassissimo: stai volando tenendo i piedi quasi per terra.
• Introspezione psicologica: Nel Cavaliere Oscuro si parla spesso di tragedie. Le tragedie si traducono in conseguenze spiacevoli, talvolta devastanti (vedi il Joker), per le persone. E persone tormentate esibiscono psicologie complesse, che attirano la curiosità dello spettatore. Saper svelare parte dei segreti di una mente malata affascina sempre.
• Umanizzazione dell’eroe: tutti noi potremmo essere Batman. Soprattutto le suore, che possiedono già l’abito adatto.
  Bruce Wayne è un semplice eccezionale essere umano. Nella contraddizione in termini si insinua la fantasia del fruitore, che immagina di imitare le gesta del suo beniamino: il tutto aumenta l’immedesimazione, carta vincente per rendere carismatica un’opera.
• Cupezza: può sembrare strano, visto che quando si è depressi non ci si diverte tanto, ma le atmosfere cupe e malinconiche favoriscono un clima che amplifica le emozioni umane. Anche se il prezzo da pagare è la tristezza; in fondo, tutti ricordate con un senso di nostalgia/malinconia Blade Runner? Eppure non lo fareste, se non vi facesse piacere.

Questi sono i pregi che ho ricavato io, voi quali proponete (magari in prestito da altri fumetti/opere)?

E’ di una settimana e poco più l’annuncio della rivisitazione in HD di Sonic CD, platform apparso nel ’93 sul travagliato Mega-CD e nel ’96 su PC.

A mio avviso non eccezionale sotto il punto di vista del gameplay (Sonic the Hedgehog 2 prima e Sonic 3 poi l’hanno surclassato sotto molti aspetti), ma guai a dire altrettanto della folgorante colonna sonora o delle clip animate…

In the end, Who’s on your side
Who can you trust, in the middle of the night
here will you be, if ya can’t find you
There’s no-place to go, Nothing to do
If ya gotta do something, gotta do something
Believe in yourself – Yourself – Yourself – HEY !

Extraordinary thing can happen
if you believe in yourself
You’ve got to have some faith in yourself,
if you want respect from your friends
(Believe in what you want to do)

Ascoltandola, sembra di ritornare a bordo di un joypad dritti negli anni ’90.
Si tratta di Cosmic Eternity, in esecuzione nel corso del finale ottimistico del gioco, purtroppo ampiamente tagliuzzato nella trasposizione per PC.

Cosmic Eternity fu il piatto forte della soundtrack giapponese di Sonic CD. Eh sì, perché, in caso non lo sappiate, esistono due ricche versioni della colonna sonora di Sonic CD: quella europea/giapponese e quella statunitense. Complicato? Tranquilli, è anche peggio: chi, come me, comprò il gioco per PC si ritrovò tra le mani la versione americana della colonna sonora, perché nel Vecchio Continente la soundtrack giapponese (quindi europea) era riservata al Mega-CD.

Le differenze, oltre ai compositori (Spencer Nilsen per la soundtrack statunitense, Naofumi Hataya, Masafumi Ogata e Keiko Utoku per quella giapponese), risiedono nel genere di musica, che spesso cambia radicalmente: si va dalla techno-pop della versione PAL, a quella elettropop-rock della versione statunitense. Ognuna con i suoi pro e i suoi contro.

Vale la pena comunque, anche a distanza di tanto tempo, ascoltarle entrambe. Vi segnalo quelle che, a parer mio, sono le migliori: Stardust Speedway, presente USA e passato JAP; Tidal Tempest, presente USA e JAP; Metallic Madness, presente JAP e passato JAP; Collision Chaos, presente USA e futuro JAP; Menù opzioni (USA); Schermata dei titoli (JAP); Sonic Boom (solo USA). E altre ancora…

La prima apparizione della tenera Amy Rose e del minaccioso Metal Sonic avvenne proprio in Sonic CD

Non so cosa Sega combinerà con il remake in HD. A mio avviso basterebbe svecchiare il gameplay e inserire qualche texture in più, poi non cambierei di una virgola ambientazioni e colonne sonore. Anzi, lascerei questa volta al giocatore la possibilità di ascoltare entrambe le versioni: ricorderebbero, tra l’altro, la cura maniacale con cui spesso Sega realizzava la cornice dei platform della serie Sonic.

AGGIORNAMENTO: Leggo dal sito ufficiale: “By Popular Demand: Sonic CD now features the original, acclaimed Japanese soundtrack!“. Ben fatto, Sega.

All’inizio, vedendo la simpatica trovata, mi è venuto da riflettere: entrambi i miei nonni combatterono nella Seconda Guerra Mondiale. Cosa avrebbero detto, se gli avessi fatto notare che uno degli eventi più tragici della loro esistenza è spesso richiamato per diletto?

Non sarebbero stati entusiasti, eufemisticamente parlando. Ma forse la domanda pecca di retorica: un anziano, con una forma mentis già consolidata e un ricordo doloroso, è difficile che dimostri comprensione verso gli sparatutto, specialmente quelli che trattano lo scottante tema della guerra.

Ma spostiamo l’attenzione su di noi. Esiste un limite che i videogiochi non dovrebbero superare quando si parla di guerra? Gli FPS, per carità, sono divertenti. E ambientarli nel corso delle Guerre Mondiali probabilmente aumenta l’immersione del giocatore nel titolo di turno. Eppure ancora questo non basta a dissipare il dubbio, odioso, che rendere dilettevoli momenti che nella realtà risultano a dir poco drammatici, sia esecrabile.

Ricordo una lettera di tanto tempo a fa, apparsa sul mensile The Games Machine, nella quale un lettore raccontava un episodio interessante: mentre stava giocando con amici ad uno sparatutto, su di un portatile ad un bar, si avvicinò un vecchietto che, osservando il monitor, esclamò qualcosa come: “No, ma allora è tutto inutile”.
Inutile -immagino- il dolore passato, se riesumato in modo sacrilego. Siete anche voi colti da un certo smarrimento? Se sì, guardate qui:

Eh già, difficile dimenticarlo. Ne parlammo anche noi, a suo tempo.

E’ un bel pugno nello stomaco, non c’è che dire. Come lo fu Arancia Meccanica negli anni ’70. Come lo sono molti film sull’Olocausto. E ancora sono in molti a pensare che la violenza, talvolta, non dovrebbe essere “messa in scena”. E vi dico la verità, non so con certezza chi ha torto. Come sempre è il buon gusto a distinguere l’osceno dal bello. O a farli coincidere, in qualche caso.

Personalmente a me non è piaciuto il famigerato livello di Modern Warfare 2.
Primo, perché non c’è niente di divertente nello sparare a gente inerme. Secondo, perché certi temi sono ancora caldi e come insegna la satira greca, bisogna metabolizzare (non rimuovere) certi eventi, per poi poterne ridere. Oppure, addirittura, per trovarli divertenti.

Non credo che sia dannoso -con buona pace di ciò che avrebbero detto i miei nonni- divertirsi facendo finta di essere in guerra: sarà triste, ma questo è un tipico gioco degli esseri umani, soprattutto dei maschietti. Credo che però, se una persona vede una sola faccia del poliedro (scarsa documentazione sugli eventi storici, cattiva informazione sulle vicende attuali, eccessivo tempo di fronte ai videogiochi), allora rischia di finire per credere che la guerra non sia poi così male.
Se non lo ritenete possibile, ricordate che Mussolini riuscì a convincere molti italiani che, tutto sommato, l’imminente conflitto non sarebbe stato così sanguinoso: anzi, si sarebbe rivelato un toccasana per lo spirito.

Nel nono episodio della seconda stagione de I Simpson, Marge si scaglia contro i cartoni animati di Grattachecca & Fichetto: ne combatte la violenza. E con risultati ampiamente positivi sulla vita dei bambini di Springfield.
Fino a quando arriva il David di Donatello in città. Allora una folla inferocita bussa alla porta della famiglia per chiedere a Marge di capeggiare una rivolta: devono ostacolare l’esibizione di un “chiappone italiano” con tanto di genitali in bella vista.
Marge si rifiuta e, più tardi, in un’intervista dichiarerà che forse la differenza tra il David e Grattachecca & Fichetto dimora solo nel buon gusto delle persone.

Ciò deve valere anche per i videogiochi: embrionali manifestazioni artistiche, più o meno riuscite, ma di pari dignità con altre opere.

Quando uscì nel 2007 Sonic and the Secret Rings (ben quattro anni dopo il discreto e atipico Sonic Heroes), pensai: “Sonic in una fiaba? Strano, ma un bel platform, questa volta, ci sta tutto”. Errore.
Quello che Sega stava iniziando a fare era risondare il terreno -un terreno che lustri prima lei stessa aveva creato, ma di cui evidentemente non serbava più la dovuta memoria- dopo il disastroso tracollo segnato dal remake Sonic the Hedgehog (2006). Alcuni dei videogiochi (e anche altri) elencati nel titolo di questo post sono infatti una logica conseguenza della mentalità di un disperato che spara nel mucchio, cercando di colpire qualcosa quasi alla cieca.

In un approfondito articolo di Wired.com, intitolato Sonic the Hedgehog 4 Is Sonic’s Last Chance, l’articolista John Mix Meyer analizza il gameplay dei capitoli megadriviani, confrontandolo con quello del recente Sonic 4. Ma il punto più interessante, che non condivido, è che secondo l’autore “l’inizio della fine” è stato segnato non dai titoli-tentativi prima richiamati, ma da Sonic Adventure.

Ricordo ancora quando nel 2001, in un caldo giugno, si attendeva con ansia il seguito dell’indimenticabile Sonic Adventure. La fine commerciale del Dreamcast era stata annunciata proprio qualche mese prima, ma quella del riccio blu ancora doveva attendere: Sonic Adventure 2 fu infatti un bellissimo platform. Superiore, sotto svariati aspetti, al predecessore.
Ancora una volta si era dimostrato che i videogiochi di Sonic, pur possedendo una naturale vocazione al 2D, si destreggiavano abilmente anche con la terza dimensione.

Ma è questo il punto che John Mix Meyer mette in discussione, arrivando a definire Sonic Adventure come “il progenitore di tutti i problemi che affliggono Sonic oggigiorno“.
Ovvero comprimari (con relative storie) insipidi, level design appiattito e troppo semplificato, gestione della velocità inopportuna.

Critiche che non appoggio, e snocciolo qualche motivazione: i personaggi, soprattutto per gli standard dei platform di quell’epoca, non erano eccessivamente stereotipati o inutili; per terminare il gioco collezionando tutti gli emblemi era necessaria un’abilità non comune; il level design era riuscito a restituire, non con poca fatica, la frenesia dei capostipiti, inserendo in molti punti diverse trovate geniali.

Tuttavia il discorso, a parer mio, è un altro. Il problema è che il Sonic Team, dopo il menzionato Sonic Adventure 2, non fu più lo stesso. In particolare Sonic Heroes fu il primo titolo a mostrare il fianco e i difetti delle controparti 3D di Sonic. Non Sonic Adventure.
Se, come sostiene Meyer, il vero problema dei nuovi videogame era il 3D, Sega, intuendolo, avrebbe subito virato verso il sicuro porto delle due dimensioni. Che poi, tanto sicuro non è, visto come sono andate le cose con Sonic 4.
Ed ecco dove si colloca, furbescamente, Generations: come suggerisce il trailer diffuso recentemente all’E3, tra il passato e il presente, tra il vecchio e il nuovo: ovvero tra il 2D e il 3D.

Si rischia però, ancora una volta, di dimenticare un elemento fondamentale. Per creare un bel videogioco, un pezzo memorabile di arte elettronica, non serve il 2D, il 3D, il 4D o l’Alta Definizione: servono idee e l’impegno per concretizzarle. Altrimenti la sorte riserva solo testate al muro (i numerosi videogame-tentativi ad esempio) e un paradosso ironico: si butta nello scarico ciò che di buono era stato fatto (sempre più persone, come Meyer, si convincono della scarsa qualità di Sonic Adventure).

Chiudo con la considerazione di Meyer, che vede in Sonic 4 l’ultima chance di redenzione per un eroe che ha subito troppi rallentamenti (in tutti i sensi). Ma aggiungo una nota personale: anche Generations rappresenta una scommessa importantissima. Se Sega la perderà, avrà dimostrato ciò che dimostra da più di 8 anni a questa parte: la poesia ipercinetica di Sonic è definitivamente avvizzita con una delle più grandi console della storia.

Complice il clima afoso di questi giorni, è il caso di dire che era ora di una bella rinfrescata.

Come avrete notato la veste grafica di Games Wisdom è stata rivista, virando su un tema che fa del bianco la tonalità prediletta (e non solo per evitare che il sole estivo ci arda vivi).

Augurandomi che sia di gradimento il nuovo cambio di stile, prometto aggiornamenti a breve, mirabolanti ed entusiasmanti a dir poco. Almeno per me. E spero anche per voi.