GIRAMONDO Film

Crazy Heart

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:09:00 +0000

di Scott Cooper (Usa, 2009)
23 novembre 2010

"Cinema di luoghi più che di volti, tutti troppo puliti, ma per fortuna c'è Jeff"
Miglior Attore e Miglio Canzone Oscar 2010, Golden Globes 2010

Un vecchio cantante di musica country, ormai caduto in rovina, con alle spalle diversi matrimoni, molta strada e molto alcool, cerca di ridare un senso alla propria carriera ed alla propria vita, grazie all'energia che gli arriva dalla relazione con una giovane giornalista...

LA FRASE DA RICORDARE
"E' bello essere qui con voi stasera...a dire il vero alla mia età è bello essere ovunque."

14 kilometros

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:08:00 +0000

di Gerardo Olivares (Spagna, 207)
16 novembre 2010

"L'amarezza della fuga dalla propria origine"
Spiga d'oro al festival di Valladolid 2010

Violeta, una ragazzina che vive in un villaggio del Mali, decide di scappare da casa per evitare il matrimonio combinato con un balordo da cui subì molestie da bambina. Intanto, nel vicino Niger, Buba decide insieme al fratello di tentare una sorte migliore in Europa. Violeta e i due ragazzi si incontrano durante il viaggio attraverso l'Algeria e condividono la meta dello Stretto di Gibilterra, quei 14 chilometri che separano l'Africa dall'Europa.

LA FRASE DA RICORDARE
"..."

Marpiccolo

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:07:00 +0000

di Alessandro Di Robilant (Italia, 2009)
9 novembre 2010

"Gomorra tarantina raccontata con forza ed epica realista"
Festival del cinema di Roma

Nel quartiere Paolo VI di Taranto, luogo dell’emarginazione periferica, anche Tiziano è un ragazzo al limite: poca scuola, famiglia problematica, fa lavoretti per Tonio, il boss locale, ama Stella, la sua ragazza, e la sorellina Maria. Franco, il padre, è un uomo pavido e ostile. Tutti si fidano di Tiziano, perché credono che abbia una possibilità, pur tra tradimenti, scelte difficili, riappacificazioni. E la voglia di cambiare un destino già scritto.

LA FRASE DA RICORDARE
"Il destino serve solo a non prendersi responsabilità"

Il film 'Marpiccolo' è stato presentato in conferenza stampa a Roma dal regista Alessandro Di Robilant, dal produttore Marco Donati, dagli attori Giulio Beranek, Anna Ferruzzo, Selenia Orzella, Giorgio Colangeli e Valentina Carnelutti.

Perchè la scelta di parlare dell'Ilva?
Alessandro Di Robilant: E' avvenuta abbastanza casualmente, il copione non aveva l'indicazione di una città. Sentivamo l'esigenza di un luogo cinematograficamente poco frequentato, e Taranto lo era. L'ho attraversata e mi è sembrata ideale, unisce un'anima greca con una cintura industriale e proprio questo la rende bella, però solo sotto il profilo estetico.

Secondo quanto detto nel film, lo stabilimetno è responsabile di un decimo dell'inquinamento europeo...
Alessandro Di Robilant: Sono dati reali, per la presenza di diossina Taranto è la terza città europea più inquinata e non mi pare che per affrontare il problema si faccia più di tanto. Chi viene da fuori, lo sente respirando. Si capisce dall'odore e dal colore, la città è cosparsa di una polvere rossa.

La storia come è nata?
Alessandro Di Robilant: E' una conseguenza del libro, la trama nasce lì e poi è stata sviluppata nel copione, dove si unisce alla storia di un protagonista che si attaglia perfettamente al quartiere di ambientazione. E' stato un lavoro progressivo.

Quali le differenze rispetto al libro?
Alessandro Di Robilant: Il libro racconta di quartieri difficili, e anche nel film c'è una storia difficile in un ambiente difficile, ma non volevamo solo un'opera di denuncia. Il libro è più nero, mentre - sviluppando il film - progressivamente il racconto ha assunto una maggiore positività perchè siamo stati sensibili rispetto alla reatà che ci siamo trovati di fronte. Quello che ci ha colpito molto, e come cosa bella, è che in un luogo di disagio non è vero che ci sia un'umanità umiliata e offesa, rasente i muri, ma piuttosto vivace, reattiva, partecipe, solidale. Soprattutto quella femminile, le donne sono straordinarie per forza e capacità di reggere situazioni molto dure.

Dei due finali, qual'è quello onirico?
Alessandro Di Robilant: Quello in cui Tiziano (il protagonista, ndr) muore. Questa visione lo spinge ulteriormente ad andar via, magari per poi tornare, in seguito.

La reazione, in generale, può esser solo quella di andar via?
Alessandro Di Robilant: Forse oggi è l'unica maniera, con quel suo percorso Tiziano ha la necessità di dare un taglio, mettere un punto. Non esclude di tornare, ma dopo un resettaggio. Taranto è una città che ha perso fiducia, i problemi sono evidenti ma non vengono messi all'ordine del giorno. Molti vorrebbero cambiare la situazione, ma non so se oggi ci siano le premesse.
Anna Ferruzzo: La decisione di Tiziano di partire è dovuta anche al fallimento del mio personaggio (la madre, ndr), che fa rientrare il marito in casa. Quel passaggio permette a Tiziano di staccarsi. Di solito, in quel contesto accetti la situazione per abitudine e perchè non capisci che esistono altri contesti. L'allontanamento fa parte della crescita, consente poi di tornare con maturità, consapevolezza e occhi diversi.
Giorgio Colangeli: Il film ha il coraggio di far vedere quello che funziona, come dimostrano l'insegnante e l'educatore. C'è vita anche in chi sta male, i nostri interlocutori in quei luoghi non sono debilitati dalle tragedie, aspettano un rapporto. E' un film positivo e ottimista, ed è questo il vero coraggio. Andarsene non è una fuga, ma una strategia di sopravvivenza, un Erasmus. Quando si esce da un contesto, poi si vede meglio da dove si viene. Un po' come succede nel presbitismo.

In quella terribile situazione, nel film c'è l'oasi dell'istituto di rieducazione...
Alessandro Di Robilant: Non corrisponde esattamente alla realtà dell'istituto che abbiamo visitato, ma c'è sempre la possibilità di avere a che fare con figure straordinarie in luoghi di grandi difficoltà retti sulle spalle da persone che lavorano da sole, silenziosamente e senza ringraziamenti. Ne ho incontrate spesso.

E' anche una storia di crescita...
Selenia Orzella: I due aspetti che mi piacciono di più nel mio personaggio sono la forza, nonostante l'età, di venir fuori da una situazione e di trascinarne fuori Tiziano. E poi, nonostante questa forza, la dolcezza che mette nella storia d'amore.
Giulio Beranek: Il comportamento del mio personaggio è realissimo in quel quartiere, come anche la spinta ad uscirne. Penso che in certi quartieri sia possibile solo la fuga. Chi non è figlio di qualcuno, e ha dei problemi, per non rimanere in contatto con una certa situazione se ne deve andare. Le istituzioni dovrebbero offrire possibilità di studio e di lavoro perchè, se se ne vanno i buoni, lì restano sempre gli stessi.

Il film individua una via di fuga anche nella cultura...
Valentina Carnelutti: Per il mio personaggio due sono le cose fondamentali: la fiducia nella cultura come possibilità di cambiamento e una consapevolezza utile a non farsi prendere in giro. Un altro elemento in più è la pratica, come insegnante. Avevo 4 frammenti di tempo per far capire che la cultura ha un senso e un valore, e anche nella vita ci sono poche occasioni, in cui le cose vanno incanalate con precisione.

Non è il primo film in cui parla dei problemi del meridione...
Alessandro Di Robilant: A spingermi è l'amore per il Sud, il luogo dove mi trovo meglio, e dove trovo nei rapporti quello che in passato mi è mancato. I miei film che mi stanno più a cuore sono quelli che ho girato lì, ma di soluzioni non ne potrei dare.

Com'è stato il lavoro con due giovani?
Alessandro Di Robilant: di grande facilità, per me il principale valore di un regista è intuire prima di cominciare, gran parte del lavoro consiste nello scegliere l'attore giusto. Giulio Beranek ha un'esperienza personale evidente, una famiglia internazionale abituata a stare insieme a persone di diverse provenienze. Il bagaglio personale è fondamentale, io poi l'ho aiutato a stare a suo agio e a portare in scena sé stesso. Selenia Orzella ha una formazione e una disciplina, è andata presto via di casa per stare 6 anni in un collegio, e tutto questo i due ce lo hanno dato.

I costi?
Marco Donati: è un film "low budget", rispetto ai normali 3-4 milioni ne è costati 1,3. Considerato che siamo partiti senza soldi, è andata bene. E anche il fatto che il progetto è partito nel 2005 e terminato nel 2008.

Come sono stati distribuiti tra i soggetti coinvolti?
Marco Donati: L'Apulia Film Commission ha messo il 5%, il ministero il 50 e la RAI, tra co-produzione e antenna, il resto.

Il film avrà un circuito nelle scuole?
Alessandro Di Robilant: Me lo auguro.

30 Ottobre 2009 - di Federico Raponi

Lasciami entrare

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:06:00 +0000

di Tomas Alfredson (Svezia, 2008)
2 novembre 2010

"Una delicata storia d'amore che ridefinisce la figura del vampiro contemporaneo"
European Film Award 2009, BAFTA 2010

Alla periferia di Stoccolma nel 1982, il dodicenne Oskar, timido e ansioso, pensa a come vendicarsi dei compagni di scuola che lo sottopongono a duri scherzi. Oskar incontra una coetanea, Eli, trasferitasi con il padre nella casa accanto. Da quando c'è lei, si verificano eventi strani e perfino morti volente. A poco a poco Oskar capisce che Eli é una vampira..,

LA FRASE DA RICORDARE
"- Sei vecchia? - Ho 12 anni. Ma da un sacco di tempo."

Ben X

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:05:00 +0000

di Nic Balthazar (Belgio, 2007)
26 ottobre 2010

"Un film sui confini tra realtà e finzione? No, un film sul bullismo"
Miglior film Young About Festival Internazionale Giovani e Cinema 2009

Ben è un diciassettenne come molti altri, ma affetto da una leggera forma di autismo. Ogni mattina, davanti allo specchio, si scopre incapace di mostrare i proprio sentimenti e si sente quasi obbligato a ridere con gli altri. Vittima a scuola delle vessazioni dei compagni di classe, Ben trova rifugio nel mondo virtuale dei giochi al computer: qui può essere un supereroe e vivere una vita diversa. Così, con l'affetto dei genitori e con l'aiuto di un'amica inaspettata, Ben prova a inventare per sé un'esistenza più giusta.

LA FRASE DA RICORDARE
"Vuoi lasciare questo mondo? Allora fallo! Ma io credo tu sia un guerriero; allora combatti! "

Nord

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:04:00 +0000

di Rune Denstad Langlo (Norvegia, 2009)
19 ottobre 2010

"Un road movie su motoslitta tra le nevi della Norvegia"
Miglior Regia Tribeca Film Festival 2009

In seguito ad un esaurimento nervoso, l'ex campione di sci Jornar lavora come impiegato sulle piste, sempre teso e depresso. L'amico che tempo prima gli ha portato via la fidanzata lo va a trovare e gli ricorda che con la donna c'è il figlioletto nato dal loro rapporto. Allora Jonar lascia tutto e si mette in viaggio sulla motoslitta. Dopo molte difficoltà, riesce ad arrivare alla casa in mezzo alla neve, dove ritrova il bambino che non aveva quasi mai visto.

LA FRASE DA RICORDARE
"Per adesso sono diretto a nord, forse un giorno considererò di andare a sud."

Note di regia

L’idea
Nel 2005 ho attraversato un periodo di forte depressione, con frequenti attacchi di ansia e di panico. Un giorno sono passato davanti al vecchio ski lift che usavo quando ero bambino. Mi sono fermato e ho cominciato a pensare a tutti quei personaggi bizzarri che, negli anni, avevano lavorato lì. Sempre arrabbiati, esauriti e pieni di alcool. E’ stato lì, mentre ricordavo, che Jomar – il protagonista – ha preso vita.
Il cast
A parte Anders Baasmo Christiansen (Jomar), attore di grande esperienza molto noto in Norvegia, il cast di NORD è quasi totalmente composto da non professionisti.
La maggior parte dei piccoli ruoli, le “comparsate”, sono state affidate ad amici, familiari o persone incontrate in loco. Per esempio, i militari che si vedono nel film sono veri, e si stavano esercitando dove abbiamo girato. Idem gli infermieri dell’ospedale psichiatrico dove Jomar incontra la psicoterapeuta: tutte persone
che lavorano davvero lì. Ma dove trovare un eremita ottantenne della tribù Sámi con esperienza recitativa? Stavamo rinunciando quando abbiamo ricevuto una telefonata dalla casting director, che stava viaggiando per tutta la Norvegia del nord in cerca della persona giusta. Un estremo tentativo l’aveva portata in un
alberghetto locale. A due ore di macchina viveva, in un fiordo isolato, il nostro Ailo...Marte Aunemo, che interpreta Lotte, non era mai stata davanti ad una macchina da presa. E’ originaria di un piccolo paesino vicino a Trondheim e stava facendo visita ai parenti quando ha sentito che c’erano delle audizioni per NORD. Tra più di 200 ragazze Marte si è distinta immediatamente. E la mia ex insegnante di teatro di quando ero bambino interpreta sua nonna nel film.
Mads Sjøgård Pettersen, che interpreta il personaggio di Ulrik, sta per diventare una vera celebrità in patria. Abbiamo visto un suo provino e abbiamo immediatamente saputo che era il nostro uomo.
I luoghi
Il viaggio, nel film, copre una superficie di 1.000 km. Per risparmiare tempo e denaro abbia concentrato le riprese in due regioni. Abbiamo girato tutte le scene prima del viaggio nella zona di Trondheim, una città della Norvegia centrale, e tutto il resto nel nord del paese, vicino a Troms County, a 500 km dal Circolo PolareArtico.
Il film è stato girato nei mesi di febbraio e marzo, i più rigidi dell’inverno: una vera sfida per la troupe, che faticava anche solo a spostarsi di pochi metri per il cambio scena. La bufera di neve che fa da sfondo alla lite tra Jomar e il suo ex miglior amico è vera e ha decisamente contribuito ad enfatizzare la tensione durante le riprese. Molte delle scene in esterni sono state girate in territorio militare. Il piccolo gruppo di case dove Jomar s’imbatte nell’esercitazione dei soldati è per l’appunto il vero teatro delle esercitazioni militari dei soldati norvegesi in partenza per l’Afghanistan.
La scena è stata inserita in sceneggiatura dopo la scoperta di questa location. Morten Borgen e Ronny Dahl, due amici, sono invece le controfigure in tutte le scene di sci. Ronny era uno dei dieci migliori sciatori “liberi” del mondo prima che un brutto incidente mettesse fine alla sua carriera professionale.
L’ultima scena di viaggio del film, quando Jomar scende giù per la montagna, è stata girata l’ultimo giorno di riprese ed è stata più drammatica del previsto. Avevamo piazzato entrambe le controfigure in cima alla montagna. Finita di girare la discesa di uno dei due, una fitta nebbia è scesa avvolgendo ogni cosa. Non vedevamo più il nostro uomo, fermo sul ciglio della montagna con una discesa di 100 metri davanti... Con le radio siamo riusciti a guidarlo giù, tra una piccola slavina e l’altra.

Vedozero

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:03:00 +0000

di Andrea Caccia (Italia, 2009)
12 ottobre 2010

"Mosaico generazionale che stupisce per qualità visiva, libertà nel linguaggio e sincerità"
Miglior film innovativo Martini Premiere Awards 2010

Dopo oltre sei mesi di lavoro e più di quattromila video girati da settanta ragazzi, il regista Andrea Caccia ha dato a Vedozero la sua prima forma filmica. Un oggetto poco identificabile, fra diario, documentario e fiction. C’è lo “sbattimento” della scuola, le gioie e le paranoie, lo sballo artificiale e quello naturale, la musica suonata e ascoltata, il culto degli amici, la famiglia mai scontata. E il fidanzato che non arriva mai, le serate vuote, le fughe dalla classe, il dramma della patente, i sogni al lunapark, la filosofia sull’altalena, i jeans che ti fanno un bel culo. C’è anche tutto quello che gli adulti sembrano avere dimenticato. E c’è una domanda: sarà questa l’età più bella...

LA FRASE DA RICORDARE
"..."

Il regista lo definisce «un film diario» ma bisogna aggiungere subito che l’autore non è uno solo, ma settanta. Settanta ragazzi tra i sedici e i diciott’anni, studenti di tre istituti del milanese (il professionale Floriani di Vimercate, lo scientifico Majorana di Rho e il liceo della comunicazione Maddalena di Canossa di Monza): qui, dove il regista Andrea Caccia ha tenuto dei corsi di linguaggio cinematografico, è nata l’idea di mettere in pratica quello che era stato insegnato. E non con cineprese o telecamere digitali, ma con i comunissimi telefonini.

Democratizzazione delle pratiche culturali, si sarebbe detto una volta: non più un unico autore ma tanti, settanta studenti, ognuno coinvolto a pieno titolo nel progetto e ognuno impegnato a girare la propria parte di film. Ma anche un ribaltamento radicale delle pratiche produttive, una sovversione di ruoli e di funzioni che mette in discussione, almeno parzialmente, la centralità «autoriale» del regista (che pure c’è, visto che il lavoro di sei mesi di riprese è stato poi montato e assemblato da Caccia) così da aprire il fare cinema a più soggetti contemporaneamente. E basterebbero queste due caratteristiche per fare di Vedozero un’esperienza unica e un appuntamento importante, che gli ha fatto meritare il Premio della critica al Martini Premiere Awards e ottenere di essere selezionato all’ultimo festival di Rotterdam. Ma c’è dell’altro.

Certo, non è il primo film fatto solo con i telefonini. Tanto per restare in Italia l’attore Pippo Delbono l’anno scorso aveva presentato al festival di Locarno La paura, un film-saggio sull’Italia e le sue tante contraddizioni (a dire la verità, il suo giudizio era molto più crudo e diretto...) dove gli orrori quotidiani filmati appunto con un telefonino costruivano la tessitura di fondo sulla quale l’autore passava dall’indignazione all’invettiva alla lamentazione. Un’operazione «alta», «civile», «d’autore», in linea con la sua produzione teatrale (c’era anche il sordomuto Bobò, attore di tanti suoi lavori) e lontanissima per ambizioni e ricerca di stile dal lavoro dei settanta studenti lombardi. Ma con un elemento importante in comune: la coscienza (elaborata teoricamente in Delbono, forse solo «intuita» nei giovani di Vedozero) che il telefonino - come una volta il Super8 - possiede una valenza estetico- politica che gli deriva dall’essere un mezzo immediato di scavo e di memoria della realtà.

È da qui, da questa funzione messa «spontaneamente» a disposizione dell’utente, che credo si debba partire per capire ed apprezzare il lavoro di Vedozero, dove l’immediatezza a volte un po’ naïf dei ragazzi viene poi filtrata e «rielaborata» dal regista-tutor (che ha appena presentato, alle Giornate degli autori di Venezia il suo ultimo lavoro: La vita al tempo della morte).

Come si sarà intuito è piuttosto difficile riassumere la trama del film, anche se dura solo 77 minuti. Ci sono dei momenti ricorrenti (le paure per le interrogazioni, i legami di coppia, le confidenze tra amiche, le feste serali) e ci sono dei «personaggi» riconoscibili (il «rumorista» che imita le sonorità elettroniche con la bocca, la coppia di fidanzati che si scambiano le fedine e si promettono eterno amore) ma in generale il film procede per accumulo di volti e di situazioni secondo una logica che verrebbe da definire non di causa-effetto ma di affinità (una soggettiva all’interno di un autolavaggio aiuta a «pulirsi gli occhi» dopo una serie di scene notturne).

Ci sono naturalmente dei luoghi che tornano con maggior frequenza di altri, come la scuola, i posti dove i ragazzi si danno appuntamento, le camerette dei vari studenti. Ma ogni tanto ci sono degli squarci visivi che rompono l’omogeneità della materia e aprono il film all’improvviso, regalandogli una spontaneità preziosa: come la gita al mare, di cui non abbiamo le coordinate (dove? quando? perché?) ma di cui ci resta un’indimenticabile inquadratura di due piedi nudi che entrano nell’acqua mentre qualcuno fuoricampo si lamenta della sua temperatura troppo bassa.

Gli adulti entrano in scena solo verso la fine e senza una funzione specificamente narrativa (vorrebbe voglia di saperne di più del padre operaio in cassa integrazione o di quello che si prepara a una campagna elettorale). I dubbi e i problemi di quell’età sono affrontati solo marginalmente, a volte (come sul tema della droga) con una velocità che sa un po’ di superficialità o di «stanchezza» (basta con queste domande, sembrano voler dire). L’unico vero soggetto sono quei settanta giovani e il loro mondo quotidiano, mai «spiegato» o «indagato» ma piuttosto registrato «a futura memoria», colto nella sua immediatezza e spontaneità, a volte di difficile comprensione. Ma più per gli adulti. Per gli altri è uno specchio in cui guardarsi e nascondersi nello stesso tempo.

Paolo Mereghetti, Corriere della Sera, 15 settembre 2010

I gatti persiani

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:02:00 +0000

di Bahman Ghobadi (Iran, 2009)
5 ottobre 2010

"Un film di denuncia, girato senza autorizzazione, dal grande valore morale e artistico"
Premio Speciale della Giura, Un Certain Regard, Cannes 2010

A Teheran oggi, due musicisti, un ragazzo e una ragazza, sognano di formare una band con la quale andare a suonare a Londra e nel resto d'Europa. Cominciano a muoversi nel mondo underground della città e trovano altri coetanei interessati al progetto. Ma l'ostacolo principale resta quello di ottenere passaporti e visti per l'espatrio...

LA FRASE DA RICORDARE
"- Avete chiesto un'autorizzazione? - Ma quale autorizzazione, non rilasciano nessuna autorizzazione!"

Agli occhi dell’Islam la musica è impura, in quanto fonte di allegria e gioia. Sentire una donna cantare è considerato un peccato, per le emozioni che suscita…
Per gli ultimi 30 anni in Iran, un certo tipo di musica e soprattutto la musica occidentale è stata virtualmente proibita dalle autorità. E’ rimasta nascosta negli ambienti underground: si deve suonare underground e ascoltare underground.
Anche se questa musica è stata nascosta non è mai sparita. In tutti questi anni solo in pochi hanno osato prenderne atto. Questa cosa mi ha incuriosito e così è nata l’ idea del film.
Il cinema mi ha dato il coraggio di fare I gatti persiani. Dal momento in cui mi sono avventurato nel cuore di Teheran e sono sceso nelle cantine buie dove si suona questo tipo di musica, ho scoperto un mondo strano, diverso e affascinante. Un mondo nascosto di musicisti ribelli, non visti e non ascoltati dalla maggior parte della popolazione della città. Ho assistito al loro mondo, alle loro vite, alle loro preoccupazioni artistiche, ho visto i pericoli che affrontano, i problemi con i loro vicini, gli arresti, le aggressioni subite e molto altro… quando ho visto tutto quello che devono passare semplicemente perché cantano, suonano uno strumento, amano la musica…mi sono detto che questo film si doveva fare.I gatti persiani è la prima vera testimonianza della realtà di questi giovani musicisti.

Bahman Ghobadi

Il canto di Paloma

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:02:00 +0000

di Claudia Llosa (Spagna/Perù, 2008)
28 settembre 2010

"Una ragazza e il suo terrore nei confronti dell'altro sesso nel Perù del dopoterrorismo"
Orso d'Oro Ferstival Berlino 2009

Sul letto di morte, la madre di Fausta le ricorda cantando che lei é stata allattata con il "latte del dolore" perché nata negli anni in cui terrorismo e stupri erano all'ordine del giorno. Dopo la morte, Fausta vorrebbe offrire alla madre un dignitoso funerale ma i pochi soldi sono stati utilizzati per preparare i festeggiamenti. Nel tentativo di reagire al proprio stato di depressione, Fausta trova lavoro come cameriera nella grande casa di una pianista.

LA FRASE DA RICORDARE
"Dobbiamo cantare per dimenticare, per cancellare nostra paura"

La protagonista racconta...

Conoscevo già la sindrome della “teta asustada – il latte del dolore” da molto tempo, prima di incontrare Claudia. Sono cresciuta tra i racconti delle donne del mio villaggio e quelle conosciute quando accompagnavo mia madre nei suoi viaggi per vendere frutta nei vari villaggi. Ogni volta che sentivo storie di questo tipo, ogni volta che vedevo piangere una madre mentre ci raccontava come vivevano i suoi figli, mi veniva una rabbia infinita. Finivano sempre il loro racconto dicendo “chiedo solo al Signore di permettermi di dimenticare tutto”. Ciò che mi faceva infuriare di più era che queste donne che soffrivano, che avevano e continuano ad avere bambini indesiderati, figli dello stupro, vengono trattate da bestie dai loro stessi mariti.
So che Fausta non è l’unica, ci sono molte donne come lei, sono in molte a cercare la luce. Forse coloro che non hanno mai conosciuto una donna stuprata riterranno che questo film sia puramente finzione.
Interpretare Fausta è stato difficile per me. Alcune scene erano estremamente difficili, in particolare quella in cui Fausta è costretta a indossare un vestito celeste e correre. Nel complesso è stato estremamente faticoso, perché Fausta non ha nulla in comune con me. Dopo le prove mi sentivo sempre depressa, perché non riuscivo a trovare Fausta in me, anche se avevo conosciuto molte donne che erano state violentate durante la guerra. Ma un giorno, durante le prove, Claudia mi ha detto: “Fausta è già dentro di te”, e in quel momento ho iniziato a sviluppare la sua voce, il suo modo di trovare conforto, di cantare… Fausta è emersa dal mio profondo grazie alla musica.
La musica è la mia vita, non l’ho mai studiata, ma mi sono sforzata di comporre qualcosa per Fausta… mi lasciavo semplicemente trasportare dalla melodia. Non ho mai studiato teoria della musica, ma spero di avere la possibilità di approfondire la materia. Quando ho composto le canzoni per Fausta, ho suonato la stessa nota costantemente, perché la musica per me è qualcosa che utilizzo per liberarmi di ciò che mi irrita o mi può ferire – ma Fausta la usa per trovare conforto.
Conferirle una voce è stato molto più facile, perché Fausta era già dentro di me. Ma quando abbiamo finalmente girato la scena in cui Fausta canta per consolarsi… è stata una scena molto complicata perché io non canto in quel modo. A quel punto mi sono resa conto che fare l’attrice non è un lavoro facile.
Vorrei anche approfittare per dire che è stato un piacere immenso lavorare di nuovo con Claudia; è stato davvero fantastico! Molto diverso dall’esperienza di Madeinusa, perché da allora abbiamo imparato entrambe molto sul cinema. Mi sono sentita, come sempre mi sentirò, molto fiera della mia amica Claudia !
Magaly Solier

The road

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:01:00 +0000

di John Hillcoat (Usa, 2009)
21 settembre 2010

"La capacità di condividere, il coraggio di affrontare le avversità attivando le proprie umane risorse"
British Academy of Film and Television Art 2010

Dopo uno sconvolgente disastro nucleare, un padre e il suo bambino sperano di trovare nel sud del paese un posto migliore. Si muovono per un paesaggio desolato e grigio e devono sostenere numerose insidie. Sulla loro strada, infatti, dovranno affrontare, armati solamente di una pistola con due proiettili, dei pericolosi e quasi inumani cannibali.

LA FRASE DA RICORDARE
- Il bambino: "Vorrei essere con la mamma" - Il padre: "Vorresti essere morto?"
- Il bambino: "Si".

GIRAMONDO Film - III Edizione

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Fri, 17 Sep 2010 08:00:00 +0000

La rassegna "GIRAMONDO Film" , come di consueto composta da dieci film provenienti da differenti nazioni, vuole far compiere allo spettatore un viaggio virtuale nei Paesi e nelle culture che le storie narrate hanno come ambientazione. Ogni film, infatti, è in grado di arricchire, se non addirittura modificare la percezione che abbiamo di un luogo, di una cultura, di un epoca.

Da settembre a novembre vedremo avvicendarsi pellicole di grande importanza, come il premio oscar Crazy Heart, l'orso d'oro Il canto di Paloma e il film evento di Cannes 2010 I gatti persiani, a film fortemente innovativi sul piano cinematografico come l'italiano Vedozero ed il belga Ben X. A queste si alterneranno pellicole di enorme spessore sociale come 14 kilometros, Marpiccolo e Nord, ma anche film che attraverso il genere "horror" parlano della nostra società e delle sue più intime paure come nel caso di The road e Lasciami entrare.

21 set 2010	28 set 2010	5 ott 2010	12 ott 2010
19 ott 2010	26 ott 2010	2 nov 2010	9 nov 2010
	16 nov 2010	23 nov 2010

Only

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 04 May 2010 19:15:00 +0000

I. Veninger, S. Reynolds, 2008
4 maggio 2010

"L'infanzia fra i ghiacci canadesi"
Premio del pubblico Miglior Film Possible Worlds Film Festival 2009

"Only" racconta la storia di una giornata condivisa fra un giovane ragazzo e una giovane ragazza. Daniel vive nell' albergo gestito dai genitori, nella parte nord della provincia dell'Ontario. Il via vai della gente e' raramente notato da Daniel sino a quando arriva una ragazza e gli cambia il suo mondo. "Only" lascia intravedere le vive impressioni e sogni di due dissimili dodicenni. Nel corso di una sola giornata si avventurano in un viaggio di esplorazione, di segreti profondi, di paure oscure e del primo amore nella forma pura…

LA FRASE DA RICORDARE
"- Tra un mondo fatto solo di film e uno solo di libri quale vorresti? - Non lo so, è una domanda difficile - Io sceglierei i libri"

Ninte velo per Jasira

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 27 Apr 2010 19:15:00 +0000

di Alan Ball, 2009
27 aprile 2010

"Il linguaggio brutale dell'amore (adolescenziale) in un film forte nei contenuti e toccante nella messa in scena"
Sundance Film Festival 2008

La tredicenne Jasira viene mandata a vivere dal padre libanese nel momento in cui la madre americana s'accorge dello sguardo che il nuovo compagno posa sul suo giovane corpo. La ragazza è nel pieno della fioritura sessuale e a Houston si trova a scontrarsi con le vedute ristrette del genitore cristiano nonché con le angherie dei compagni di scuola che subisce per via delle sue origini. Decisa a scoprire da sola il sesso, s'immagina protagonista delle foto dei giornali per uomini che scova nella casa dei vicini dove fa da baby sitter al figlio della coppia. Travolta dall'ebbrezza dell'orgasmo (autoindotto), Jasira s'infatua del padre del bambino che ricambierà con un malcelato e pericoloso interesse erotico…

LA FRASE DA RICORDARE
"Ti nascondi dietro la tua innocenza, ti mostri inesperta, ma sai di essere provocante, lo sai che fai eccitare gli uomini"

Mascarades

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 20 Apr 2010 19:15:00 +0000

di Lyes Salem, 2008
20 aprile 2010

"Divertente commedia sull’ipocrisia sociale, ambientata in un piccolo villaggio algerino"
Festival del Cinema Africano 2009

Mounir è un uomo orgoglioso e sicuro di sé. Il suo sogno è essere apprezzato e riconosciuto dai suoi concittadini per ciò che vale.
Purtroppo ha un problema: tutta la comunità ride di sua sorella Rym, affetta da narcolessia e che, a detta di tutti, finirà zitella. Una notte, tornando dalla città ubriaco, Mounir annuncia che un ricco uomo d’affari straniero ha chiesto la mano di sua sorella. D’un tratto, diventa l’oggetto delle gelosie di un intero paese. Accecato dalle sue bugie, Mounir cambierà involontariamente il proprio destino…

LA FRASE DA RICORDARE
"..."

I racconti dell'età dell'oro

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 13 Apr 2010 19:15:00 +0000

di Höfer/Mungiu/Popescu/Uricaru/Marculescu, 2009
13 aprile 2010

"Film collettivo alla maniera della commedia all'italiana degli anni di Risi e Monicelli"
Un Certain Regard Cannes 2009

Film collettivo alla maniera della commedia all'italiana degli anni di Risi e Monicelli racconta storie di vita ordinaria in Romania sotto il regime comunista di Ceausescu. La visita dell'ispettore, la fotografia del leader da ritoccare, un maiale consegnato erroneamente vivo da tagliare, l'imbottigliamento dell'aria: cinque leggende urbane bizzarre, ridicole, commoventi. Sono I racconti dell'età dell'oro, quegli ultimi quindici anni di dittatura che hanno visto il paese in ginocchio per la fame e la povertà…

LA FRASE DA RICORDARE
"..."

Garage

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 06 Apr 2010 19:15:00 +0000

di Leonard Abrahamson, 2007
6 aprile 2010

"Un piccolo grande film, grigio e insieme colorato"
Miglior film Torino Film Festival 2007

Un'anonima e semi deserta cittadina irlandese. Un luogo grigio e monotono dove tutti conoscono tutti, dove il bar in cui andare la sera è uno solo. Josie potrebbe essere il classico "matto del vilaggio": vive e lavora da sempre in una stazione di servizio, ha la bontà propria dell'ingenuità e il sorriso sempre pronto. Un giorno ad aiutarlo nel lavoro arriva David, adolescente altrettanto solitario e buono. Quest'incontro cambierà per sempre la vita di Josie…

LA FRASE DA RICORDARE
"Pensavo a quello che ho nella testa: niente"

Fuga dal call center

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 30 Mar 2010 19:15:00 +0000

di Federico Rizzo, 2008
30 marzo 2010

"Un esperimento a tinte forti, di certo sopra le righe, per un tema scottante" "
Miglior film Mantova Film Festival 2009

Gianfranco, vulcanologo fresco di laurea con tanto di lode, in attesa del lavoro della vita, accetta un posto in un call-center. Quando la sua donna, Marzia, studentessa di giornalismo che si paga gli studi rispondendo a una linea erotica, vede che i conti di fine mese non tornano, Gianfranco trova un secondo lavoro come "uomo" delle pulizie per una famiglia di filippini. Ma l'annichilimento di un angusto lavoro, la perdita di ogni aspirazione professionale, mettono in crisi anche la coppia più innamorata e l'idea di mettere su famiglia naufraga miseramente…

LA FRASE DA RICORDARE
"Persone deboli sono costrette a ingannare persone ancora più deboli. E’ una guerra tra poveri, in cui guadagna solo chi gestisce questo lavoro"

Il matrimonio di Tuya

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 16 Mar 2010 20:15:00 +0000

di Wang Quan'an, 2007
16 marzo 2010

"Il dramma di una donna in una riflessione sul rapporto tra tradizione e modernità"
Orso d'oro al Fetival di Berlino 2007

Nel territorio nord ovest della Mongolia Interna cinese, Tuya, donna bellissima e forte, non vuole lasciare i suoi terreni e continua a vivere con difficoltà con il marito malato, due figli, cento pecore e un grande terreno da pascolo.
Su suggerimento di suo marito Bater, Tuya decide di divorziare e di trovare un uomo che si curi di lei, dei suoi figli, del terreno da pascolo, delle sue pecore… e del suo ex marito! I pretendenti non mancano, ma nessuno vuole accettare Bater… tranne Baolier, un amico di scuola, che pur di sposare Tuya e portarla in città con i suoi bambini, sistema Bater in una casa di cura. Bater, però, non riesce ad affrontare la solitudine…e le cose cambieranno ancora una volta…

LA FRASE DA RICORDARE
"Non diventerai più ricco, diventerai solo più pazzo"

Mia madre è nata nei pressi delle location di questo film nella Mongolia Interna. Per questo motivo, amo molto la vita mongola, i mongoli e la loro musica. Quando sono venuto a sapere che le forti espansioni industriali rendono i terreni da pascolo sempre più simili ad un deserto e che gli amministratori locali hanno obbligato i pastori a lasciare le loro terre, ho deciso di usare il cinema per documentare tutti questi avvenimenti, prima che si perdessero del tutto. Questo matrimonio particolare è tratto da una vera storia locale.
La location di questo film è l’ultimo terreno da pascolo che non è stato abbandonato dai pastori mongoli. Gli attori principali sono per lo più pastori locali. La produzione del film ha incontrato molte difficoltà e quando abbiamo finito il film, tutta la gente e le case del film sono scomparse. I fieri mongoli che vanno a cavallo si sono trasformati in contadini che vivono vicino alla città, o venditori ambulanti che vendono frutta agli angoli delle strade. Per questo motivo i mongoli sono diventati gente ordinaria come noi. Questo mi ha molto rattristato: quando ripenso a tutti quei bellissimi volti mongoli pieni di gioia, tristezza e ferocia ripresi nel mio film, sento una sorta di pace nel cuore.
Wang Quan'an

Il viaggio di Jeanne

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 09 Mar 2010 20:15:00 +0000

di Anne Novion, 2008
9 marzo 2010

"Rapporti padre-figlia per un romanzo di formazione ambientato in un arcipelago svedese"
Settimana della cristica Cannes 2009

Alla vigilia del suo diciassettesimo compleanno, la timida Jeanne viene imbarcata dal padre Albert in una vacanza alla scoperta dell'isola di Orust, lungo la costa svedese. Per Albert, bibliotecario un po' pignolo e petulante, la vacanza assieme alla figlia è una tradizione annuale da consumarsi sulle orme della storia, ma al loro arrivo sull'isola, Albert e Jeanne scoprono che, per un disguido, nella casa presa in affitto ci sono anche due donne: Annika, la proprietaria dell'appartamento e la sua amica Christine, inizia così per Albert una vacanza da incubo, mentre sua figlia Jeanne, non sembra affatto dispiaciuta di come si stiano mettendo le cose…

LA FRASE DA RICORDARE
"- Non se la spassano molto. - Non hanno il cervello."

Qual è il punto di partenza della storia di IL VIAGGIO DI JEANNE?
La Svezia, che per me è un paese importante su cui ho già diretto due cortometraggi. Per il mio primo lungometraggio desideravo filmare un universo che conosco bene senza peraltro padroneggiarne tutti i codici. Non volevo filmare una realtà troppo vicina, come per esempio Parigi, dove vivo. Mia madre è svedese, e quando ogni anno vado nella casa di famiglia, in un’isola dell’arcipelago di Göteborg, ho sempre la sensazione che il mio sguardo su quell’isola e quel paese sia nuovo. Resto in effetti ancora stupita, sorpresa, da quel che vedo, e questo è importante per filmare…
Cos’ha voluto raccontare con IL VIAGGIO DI JEANNE?
Il mio film parla dell’incontro di quattro persone che a priori non avrebbero mai dovuto incrociarsi. La loro coabitazione forzata scompagina progressivamente le certezze e le illusioni di ciascuno di loro. Come nei miei cortometraggi, mi sono interessata ai rapporti che si intrecciano tra le persone, come esse si osservano, si guardano, si rivelano e si scoprono poco a poco col tempo.
A questo si aggiunge il tema dei rapporti padre/figlia…
È un’idea che risale al 2001. Avevo passato l’estate in Svezia e mia madre aveva invitato degli amici: un padre e sua figlia e un’altra donna, alla quale mi sono ispirata per il personaggio di Christine. Mi interessava vedere questo padre che si dedicava totalmente alla formazione della figlia, rifiutandone allo stesso tempo la nascente femminilità. Non la voleva vedere grande perché cominciava a comprendere di dover farsi carico di cose di cui si sentiva incapace, cose che avrebbero pututo essere imbarazzanti per un uomo come lui. Un uomo rimasto senza dubbio un po’ bambino.
Per quali motivi ha introdotto una leggenda vichinga in questa storia così reale?
Per mostrare che all’inizio della storia padre e figlia sono due bambini che stanno crescendo. Albert, il padre, che parte con il suo metal detector alla ricerca d’un tesoro vichingo, è come un bimbo che sogna di avventure e scoperte, e si crede un grande esperto. In fin dei conti la sua ricerca è assurda: è per lui un modo di non vedere che la figlia gli sfugge e non ha più l’età per divertirsi a cercare con lui un tesoro.
Chi sono i suoi personaggi?
Il primo personaggio che ho scritto è stata Jeanne, l’adolescente. Era il più evidente, il più facile da creare per me, che so cos’è essere adolescente, mentre gli altri personaggi hanno età che io non ho ancora vissuto. Una volta trovata Jeanne, Albert è apparso e mi sono detta “Bisogna che vi siano due campi”. Ci sono da una parte un padre e una figlia, e non c’è una madre, ci sarà perciò l’altro campo: due donne, Christine e Annika.
Chi è Albert, unico personaggio maschile della sua storia?
È un bibliotecario frustrato, che senza dubbio avrebbe sognato di diventare professore di storia alla Sorbona. Assume spesso, d’altronde, arie da grande oratore. È anche molto metodico e molto organizzato, il che è un modo di rassicurarsi. È un personaggio che non vuol vedere che attorno a lui ci sono cose fragili. In linea generale i miei personaggi hanno tutti un bagaglio che si trascinano dietro e che fanno del loro meglio per accettare. Hanno un muro davanti a sé e non vogliono assolutamente vederlo. È solo perché in questa estate si incontrano in un luogo chiuso, delimitato, un’isola da cui non possono fuggire, che progressivamente andranno rivelandosi nel contatto reciproco.
Perché la scelta di Jean-Pierre Darroussin per interpretare Albert?
C’è un’umanità naturale che traspira da lui. E rende il suo personaggio sempre avvincente, anche se a volte è duro da sopportare con le sue idee ben radicate, la sua mania di predeterminare gli impieghi del tempo per la figlia…
E Judith Henry nel ruolo di Christine?
Ciò che mi piace nel personaggio di Christine è la sua commovente fragilità, simboleggiata tra l’altro dalla figura minuta e gracile di Judith. Christine è un personaggio che riempie lo spazio con le sue parole e la sua sicurezza, ma il fatto che sia tanto esile la rende in definitiva molto fragile.
Come ha trovato Anaïs Demoustier per il ruolo di Jeanne?
Ho fatto circa sessanta provini a potenziali Jeanne. Jeanne è un personaggio completamente chiuso nella sua bolla, un po’ disconnessa, un po’ tutta nei propri occhi, nel proprio universo. È così che riesce a esistere da sola, senza l’influsso del padre. Nei provini Anaïs si è rivelata perfetta, come se avessi scritto la parte per lei. Ha una recitazione sobria e naturale, che però libera sempre un’ampia tavolozza di emozioni.
I paesaggi hanno un significato forte in questa storia… Svolgono in effetti un ruolo doppio e paradossale: rassicurante e minaccioso allo stesso tempo. Hanno qualcosa di singolare, un certo esotismo svedese con le sue luci incredibili, i suoi sorprendenti paesaggi grigio piombo, i bordomare rocciosi, l’opacità conturbante dell’acqua in certe ore e la bella luminosità del cielo in certe altre… Ho giocato con questi contrasti. All’inizio i personaggi arrivano in una bella casa rossa; tutto è grazioso e pittoresco e progressivamente, con l’evolversi degli stati d’animo dei miei eroi, i paesaggi diventano più scuri, inquietanti. Abbiamo anche lavorato molto con il vento, cosa non intenzionale in partenza, ma abbiamo girato in un’estate molto ventosa: è diventato un elemento molto interessante, insieme visivo e sonoro, che poteva anche riferirsi metaforicamente ai tormenti dei personaggi.
Quali sono stati i suoi principi di regia? L’importante è mostrare senza dimostrare. Non sono mai lì per giudicare i miei personaggi, ma per darmi tempo per vederli evolversi. Ogni persona ha la sua propria cerchia e il suo proprio ambiente, ed è perciò vano e inutile giudicare. Nel mio cinema cerco di osservare non tanto cosa diventeranno i miei personaggi, ma come lo diverranno, quali strade prendono per cambiare, per evolvere. Un lento progredire attraverso momenti di vita sottili, scene semplici vicine alla quotidianità in cui però i personaggi si rivelano e in cui affiorano le loro emozioni più intime. Per captare questo tipo d’espressione, questi piccoli nonnulla, è importante lasciare la cinepresa e lasciare che le cose si svolgano; lasciare allo spettatore il tempo di entrare nell’universo dei personaggi, nella loro sensibilità. I piani molto lunghi mi sono quindi parsi importanti. Ho anche lavorato a strati (spesso tre) per la profondità di campo. Filmavo i miei personaggi che non occupavano lo stesso spazio pur essendo nella stessa inquadratura.
Ciascuno ha perciò il suo proprio spazio, e tutti sono allo stesso tempo riuniti nella stessa inquadratura. Questo mi consente anche di vedere lo sguardo che ciascuno volge agli altri.
Lei filma un po’ nel modo in cui si compone un dipinto… Io sono cresciuta in un ambiente influenzato dalla pittura. Mia madre lavora al restauro delle opere d’arte al Beaubourg. Uno dei riferimenti pittorici che molto mi ha aiutato, tanto a livello delle inquadrature che delle luci, è Hammershoi, pittore danese di fine XIX - inizio XX secolo, che lavora su toni pastello, e questo è il partito preso della luce nel mio film. Molto svedese.
Hammershoi lavora molto anche sulla rappresentazione di spalle delle donne. Mi hanno sempre affascinato le foto e i dipinti di persone di spalle, che permettono a chi guarda di dare libero corso all’immaginazione. C’è a questo proposito un aneddoto divertente durante le riprese del film. L’attrice svedese Lia Boysen non capiva perché filmassi le persone di spalle in piano sequenza. Un giorno è venuta a vedermi molto colpita: “Tu non mi riprendi che di spalle perché mi trovi brutta?” Le ho dovuto spiegare che per me le persone possono raccontare più cose di spalle che di faccia.
IL VIAGGIO DI JEANNE è sempre stato quello che prevedeva per la sua prima regia?
Sì, l’ho scritto sin dal 2001. Allora andavo molto al cinema, era il periodo in cui ho scoperto Hsiao-hsien Hou e Edward Yang. Ogni volta uscivo dal cinema con uno stimolo supplementare per continuare la stesura della mia sceneggiatura, senza però giungere a qualcosa di soddisfacente. Ho poi scoperto in cineteca Du côté d’Orouët (1973) di Jacques Rozier, che ha fatto scattare tutto. Avevo trovato il tono del film, quello della quotidianità e di una soave leggerezza.
Ha lavorato da sola alla stesura della sceneggiatura?
In partenza ho lavorato un anno, quasi due, da sola, prima di mettermi a scrivere con Mathieu Robin, che è della mia generazione. Avevo una versione scritta, dialogata ma che partiva un po’ in tutte le direzioni. Mathieu ha portato un tocco di comico. Ha trovato idee da commedia dell’assurdo, come la storia del metal detector. In una terza tappa ho poi lavorato con Béatrice Colombier, sceneggiatrice più anziana, con maggior esperienza e anche più familiarità con quarantenni e cinquantenni, che ha arricchito la struttura della sceneggiatura.
Cosa le ha dato questo suo primo lungometraggio?
Mi ero detta: “Il giorno in cui farò il mio lungometraggio diventerò donna!” Mi sono sempre detta questo. “Diventerò un’adulta, una grande persona”. Mi sono resa conto che, dopo allora, sono esattamente la stessa!
Intervista a Anne Novion

Private

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 02 Mar 2010 20:15:00 +0000

di Saverio Costanzo, 2009
2 marzo 2010

"Un film sincero, duro, diretto al cuore, pieno della sofferenza del popolo palestinese"
David di Donatello come Miglior Regista Esordiente

La casa della famiglia Bakri si trova a metà strada tra gli insediamenti israeliani e un villaggio arabo. I Bakri, palestinesi, sono piuttosto agiati e colti. Mohammad, il padre, è preside di una scuola secondaria e grande appassionato di letteratura inglese. Dopo uno scontro a fuoco, l'esercito israeliano occupa, per ragioni di sicurezza, il secondo piano dell'abitazione e chiede alla famiglia di lasciare la casa. Mohammad si rifiuta, non vuole andar via…

LA FRASE DA RICORDARE
"Mohamed Bakri: Se non sai mordere che senso ha mostrare i denti?"

Parlare con Saverio Costanzo e i suoi due attori Mohamed Bakri e Lior Miller (rispettivamente un palestinese e un israeliano) è molto interessante e allo stesso tempo un piacere. Il regista, con "Private", già venduto in 35 paesi, probabilmente il film più venduto nella storia del cinema italiano (in America verrà distribuito dall'Avatar in occasione del New Director's Film Festival che si terrà al Moma a New York), è riuscito a mettere insieme palestinesi e israeliani, e a esprimere una "politica privata" intimista e universale.
Come è nata l'idea di questo film?
E' stata una mia amica giornalista che si trovava a Gerusalemme che mi ha raccontato di alcuni fatti, fra cui quelli relativi alla casa di cui parlo nel film. In questa casa, tuttora, un arabo vive con i soldati israeliani sul tetto. Essendo in un luogo isolato è una posizione utile ai militari poiché non hanno dovuto distruggere le case circostanti, come accade di solito, per avere la visuale libera da ostacoli. Il direttore della Cinemateque di Tel Aviv dopo avere visto "Private", mi ha detto che era la prima volta che un film aveva la partecipazione di entrambe le parti, e in cui la parola "occupazione" era pronunciata dai soldati israeliani.
Sappiamo che c'è stata una proiezione in Israele del tuo film, come è andata e come hai vissuto quel momento?
A settembre siamo stati al Festival di Haifa, ed è stato lo screening più commovente. Non pensavamo di essere accolti in questo modo, e dopo la proiezione, quando c'è solitamente una breve conferenza stampa, tutti i presenti hanno chiesto di spostarci fuori, in un prato antistante, per continuare a parlare insieme. Siamo stati lì per due ore, accerchiati dal pubblico che ci copriva di domande. Persone di tutte le generazioni, commosse per il film. Loro definivano "Private", un film che rappresentava la loro sensibilità. Inoltre ci ha sorpreso che l'essere rappresentati da degli esterni (gli italiani in questo caso) non li abbia indispettiti in alcun modo. Ci siamo sentiti veramente bene accolti. In Palestina faremo a Febbraio una proiezione a Ramallah, recuperando quella saltata ovviamente per le elezioni. Ethan Fox, il regista di "Yossi & Jagger", conosciuto nel percorso dei Festival, sta aprendo una società di distribuzione per distribuire "Private". Questa è un'altra dimostrazione di una generazione israeliana che ha una coscienza critica molto forte.
Devo ammettere che alla prima proiezione ad Haifa, qualcuno si è indispettito, come qualche quotidiano, ma come ben sappiamo il pubblico dei Festival è aperto al dialogo.
Domanda a Mohamed Bakri. Come è stato accolto il film in Palestina e cosa pensa dell'elezione di Abu Mazen?
Il film non è stato ancora mostrato in Palestina e quindi non so come lo accoglierà il pubblico, ma ho la sensazione che piacerà, perché a me è piaciuto.
L'elezione di Abu Mazen, devo ammettere che mi fa molto felice, poiché ha un'idea moderata di affrontare una questione molto complessa. Devo anche dire che la sua visione collima assolutamente con quella del film.
Domanda a Mohamed Bakri e Lior Miller. Come è stato accolto il desiderio di una produzione straniera il desiderio di parlare della vostra realtà, e quanto la vostra esperienza personale ha influito sulla recitazione e nel vostro rapporto con la storia?
Mohamed Bakri: Credo che una produzione straniera che parli dei miei problemi sia più un fatto positivo che negativo, e talvolta è persino più obiettiva, è come se uno vedesse se stesso, in questo caso, nello specchio di Saverio (Costanzo). Però sotto sotto, noi attori, israeliani e palestinesi, lottavamo per portare Saverio dalla nostra parte, tuttavia non ci siamo riusciti perché lui aveva le idee chiare.Quindi lavorare con lui è stato veramente molto piacevole.

Lior Miller: Non ho niente da aggiungere. Anche per me è così, come ha detto Mohamed.

Intervista di Mattia Nicoletti

Capitalism: A Love Story

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 23 Feb 2010 20:15:00 +0000

di Michael Moore, 2009
23 febbraio 2010

"Capitalismo e Democrazia per Moore non sono sinonim"
In concorso alla 66ª Mostra del cinema di Venezia

Questa volta Michael Moore prende le mosse da lontano, addirittura dall'Impero Romano, per mostrare come i segnali di decadenza di quella potenza antica siano tutti rintracciabili nella realtà odierna. La domanda è più che mai esplicita e con la risposta già incorporata: quanto è alto il prezzo che il popolo americano paga a causa della confusione operata tra il concetto di Capitalismo e quello di Democrazia? Per Moore i due termini non coincidono anzi sono in più che netta opposizione soprattutto ora, dopo la crisi mondiale di cui tutti paghiamo le conseguenze…

LA FRASE DA RICORDARE
"- Michael Moore: Dove sono i nostri soldi?
- Elizabeth Warren (supervisore del congresso): Non lo so."

Cosa ti ha ispirato a fare questo film? Perché proprio ora? In America, le persone tendono ad aspettare che la polvere si accumuli prima di discutere apertamente certi argomenti e dire alcune cose. Anche se tutto questo ce l’hanno sotto gli occhi e sentono che qualcosa è andato storto, comunque continuano a seguire la corrente. Le persone si adeguano e accettano soluzioni mediocri, sono a loro agio e si sistemano meglio che possono. Molte persone ritengono che sia sufficiente tenere la testa bassa e turarsi il naso per cavarsela. Ma qualcuno deve alzare la voce. Il mio obiettivo è di porre le domande che si sono formate nella mia testa da un po' di tempo e che ritengo la nostra società debba farsi. Il compito dell'artista, del musicista o del regista non è di seguire la folla. I politici non cambieranno nulla di spontanea volontà, non ha senso per loro mostrarsi coraggiosi, è troppo rischioso. Sono le persone che devono farli cambiare.
Così, una volta che la verità emergerà e il quadro diventerà chiaro, quelli che alzavano le spalle e ironizzavano cambieranno idea e assomiglieranno proprio a quelle persone isolate che un tempo prendevano in giro.
Quanto ci è voluto per completare il film?
Abbiamo iniziato la produzione nella primavera del 2008. Ma, in realtà, io sto facendo questo film da vent'anni. Dopo l'esordio di Roger & Me, avvenuto nel 1989, ci sono stati dei collegamenti e delle idee comuni presenti in tutti i miei progetti. Capitalism: A Love Story non è semplicemente la continuazione di questo lavoro, ma il suo culmine. Molte persone sono arrabbiate per i recenti crolli finanziari e gli effetti che hanno avuto sugli investimenti, i posti di lavoro, i prezzi delle case e i budget governativi, ma magari non sanno a chi dare la colpa.
Questo film ci aiuterà a scoprire il responsabile di questo collasso?
Non penso sia un mistero chi c'è dietro a questo collasso finanziario. Una grande rabbia è stata rivolta verso le banche e le istituzioni finanziarie, che hanno messo a rischio la nostra economia e l'hanno distrutta, così come verso i politici che hanno permesso che succedesse... Non mi faccia iniziare a parlare...
Questo film non descrive un boom, un fallimento o un salvataggio. Ho iniziato a lavorare a questo progetto prima che l'economia colasse a picco o che avessi la minima idea che ci sarebbe stato un prestito imponente da parte del Tesoro statunitense un mese prima delle elezioni presidenziali. Non mi concentro su un individuo, una società o un problema in particolare, ma sul quadro generale. Questo film attacca il sistema che permette, incoraggia e, cosa più importante, garantisce questa corruzione.
Per quanto riguarda il ruolo del governo, sembra che ci siano molte persone a cui dare
la colpa. Membri di entrambi i partiti politici hanno contribuito alla situazione attuale. C'è qualcuno a Washington con le mani pulite?
Non ci sono abbastanza salviette disinfettanti nel mondo per ripulire Washington. Questo film fa i nomi e attacca entrambi i partiti, senza paura o parzialità. Ogni discussione politica ha il difetto di scivolare sul piano dei liberali contro i conservatori e dei Democratici contro i Repubblicani. Ma questo è soltanto un modo di distrarre l'attenzione dal vero problema: il sistema in cui ci troviamo ha in mano entrambi i partiti, sia i liberali che i conservatori. Ogni tanto, ci sono scontri durissimi tra i due partiti, ma entrambi cercano di rimanere al potere e l'ultima cosa che vogliono è far colare a picco la nave. Questo film parlerà dei problemi che non vengono discussi al Congresso o nei talk show della domenica mattina (che vengono sponsorizzati da Boeing, AT&T, Archer Daniels Midland, ExxonMobil…).
Cosa pensi che rimarrà al pubblico di questo film?
Popcorn e forconi.

Intervista a Michael Moore

GIRAMONDO Film - II Edizione

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Wed, 10 Feb 2010 13:58:00 +0000

La rassegna "GIRAMONDO Film", inaugurata nei mesi di febbraio e marzo 2009 intende proporre, con la sua seconda edizione, una nuova rosa di film alla città di Cremona. Il positivo consenso riscontrato nel pubblico ha infatti confermato la bontà dell'iniziativa e ci ha evidenziato un sempre più crescente desiderio di cinema di qualità in un panorama ora più che mai segnato da una programmazione di tipo commerciale.

La nuova rassegna in programma ricalcherà la proposta dell'anno scorso proponendo, a partire dal 23 febbraio fino al 4 maggio 2010, 10 film provenienti da altrettante Nazioni.

Come sempre le pellicole, che si avvicenderanno ogni martedì' sera alle ore 21.15, saranno rappresentative di una cinematografia che a diverso titolo ha saputo lasciare un segno nel panorama ampio ed eterogeneo del cinema d'essai: saranno infatti presenti film segnalati in prestigiosi festival, pellicole che hanno fatto parlare di sé catturando l'attenzione della stampa, ma in calendario verranno anche proposti titoli di film appartenenti ad una distribuzione non commerciale e che normalmente vengono esclusi dal normale circuito cinematografico.

23 feb 2010	2 mar 2010	9 mar 2010	16 mar 2010
30 mar 2010	6 apr 2010	13 apr 2010	20 apr 2010
	27 apr 2010	4 mag 2010

Valzer con Bashir

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 31 Mar 2009 19:15:00 +0000

di Ari Folman, 2008
31 marzo 2009

"Un'animazione scarna ma efficace racconta la guerra in Libano e un passato rimosso"
Miglior film straniero ai Golden Globes

Una sera, in un bar, un vecchio amico racconta al regista Ari Folman un incubo ricorrente nel quale 26 cani feroci lo inseguono. Lo stesso numero di animali, ogni notte. I due giungono alla conclusione che c’è un legame tra l’incubo e la loro missione nelle file dell’esercito israeliano durante la prima guerra del Libano, all’inizio degli anni ‘80. Ari si sorprende a scoprire di non ricordare niente di quel periodo della sua vita. Incuriosito da questo fatto inspiegabile, decide di incontrare e intervistare vecchi amici e compagni d’armi in giro per il mondo. Ha bisogno di scoprire la verità su quel periodo e su se stesso. Mano a mano che Ari va avanti con le ricerche, nella sua memoria cominciano ad emergere immagini surreali…

LA FRASE DA RICORDARE
"La memoria è dinamica, è viva. Riempie tutti i buchi del passato, anche con ricordi irreali"

Hai dato inizio a questo progetto avendo già in mente di realizzare un documentario animato?
Sì, certo. Ho sempre pensato a VALZER CON BASHIR come ad un documentario da realizzare in animazione. Per alcuni anni ho avuto in mente l’idea base del film ma non ero affatto contento all’idea di realizzarlo come un documentario in real life. Cosa ne sarebbe venuto fuori? Un uomo di mezza età intervistato davanti ad uno sfondo scuro, che racconta storie accadute 25 anni fa, senza immagini di archivio a documentarle. Sarebbe stato noiossisimo!
Allora mi è venuto in mente che avrebbe dovuto essere prodotto esclusivamente con l’animazione, usando disegni di fantasia. La guerra è molto surreale e la memoria gioca talmente tanti scherzi che ho ritenuto fosse meglio mostrare il viaggio della memoria con l’aiuto di grandi illustratori.
Che puoi dirci delle tecniche di animazione usate nel film?
VALZER CON BASHIR è stato realizzato prima in real video sulla base di una sceneggiatura di 90 pagine. E’ stato girato in un teatro di posa e montato come un film di 90 minuti. E’ stato poi trasformato in uno storyboard, e quindi disegnato utilizzando 2300 illustrazioni che in seguito sono state animate.
La tecnica di animazione è stata inventata dal nostro studio “Bridgit Folman Film Gang”, dal direttore dell’animazione Yoni Goodman. E’ una combinazione di animazione in Flash, animazione tradizionale e 3D. E’ importante per me chiarire che questo film non è stato assolutamente realizzato in rotoscopio, cioè che non abbiamo disegnato o dipinto sulla pellicola girata dal vivo. L’abbiamo ridisegnato da capo, grazie al grande talento dell’art director David Polonsky e dei suoi tre assistenti.
Il film si basa su reali esperienze personali?
La storia narra la mia esperienza. Racconta quello che ho passato dal momento in cui mi sono reso conto che alcune grosse parti della mia vita erano completamente sparite dalla mia memoria. Ho affrontato un grosso sconvolgimento psicologico durante i quattro anni in cui ho lavorato a VALZER CON BASHIR. Ho scoperto molte cose importanti del mio passato proprio mentre, durante quel periodo, mia moglie ed io mettevamo al mondo tre bambini. Questo ti fa riflettere, ti fa pensare che forse lo stai facendo per i tuoi figli.
Quando saranno cresciuti guardare il film potrebbe aiutarli a prendere le decisioni giuste, ossia a non prendere parte a nessuna guerra, di nessun genere.
Tutti gli intervistati sono persone reali che interpretano loro stesse?
Sette dei nove intervistati sono persone reali. Sono state intervistate e filmate in un teatro di posa. Per ragioni personali, Boaz (l’amico che sognava i cani) e Carmi (l’amico che vive in Olanda) non hanno voluto apparire nel film, perciò sono stati interpretati da attori. Ma le loro testimonianze sono vere.
Altri hanno avuto esperienze analoghe alla tua?
Certo. Non sono il solo. Credo che ci siano migliaia di ex soldati israeliani che hanno tenuto i loro ricordi ben sepolti nella memoria. Potrebbero vivere per il resto della vita così, senza che succeda nulla. Ma potrebbe anche accadere che un giorno improvvisamente dentro di loro tutto esploda, e allora potrebbe succedere chissà che cosa. In questo consistono i disordini da stress post-traumatico.
Cosa pensi della guerra?
Avendo realizzato VALZER CON BASHIR dal punto di vista di un semplice soldato, sono giunto ad una conclusione: la guerra è talmente inutile da non crederci. Non ha niente a che vedere con quello che si vede nei film americani. Niente fascino, niente gloria. Solo dei ragazzi giovanissimi che non vanno da nessuna parte, che sparano a gente che non conoscono, che si fanno sparare da gente che non conoscono, e poi tornano a casa e cercano di dimenticare. Qualche volta ci riescono. Ma la maggior parte delle volte no.

Intervista a Ari Folman

Tony Manero

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 24 Mar 2009 20:15:00 +0000

di Larrain, Castro, Iribarren, 2008
24 marzo 2009

"Tony Manero dimostra anche quanto la cultura pop americana abbia influenzato il mondo sudamericano"
Miglior film e miglior attore al Torino Film Festival

Mentre il suo paese, il Cile, é messo in ginocchio dalla dittatura di Pinochet, Raùl Peralta, si esalta ammirando e simulando le gesta di Tony Manero, personaggio cinematografico reso noto dal mitico John Travolta. Per cercare di assomigliargli in tutto per tutto, organizza spettacoli di danza e, il week-end, si lascia trasportare dalla febbre del sabato sera sulle piste da ballo. Ma Raùl, é anche un personaggio ambiguo che si macchia la coscienza commettendo crimini; in un certo modo rispecchia la società del suo paese, o meglio, quello che la dittatura ha forzatamente plasmato...

LA FRASE DA RICORDARE
"La sua occupazione? Lo spettacolo"

Cosa ti ha spinto a realizzare questo film in cui i temi sociopolitici si combinano con la disco music e la storia degli anni ’70?
Ho voluto raccontare la storia di un uomo ossessionato da cose a lui estranee sullo sfondo di un paese che sta attraversando il processo culturale che ha definito il nostro modo di vivere attuale e il modo in cui ci relazioniamo con il mondo. Un’analisi di quanto succede nella vita di un uomo comune e di ciò che lo circonda; un frammento di un qualcosa di più grande che non possiamo vedere perché, alla fine dei conti, non è solo Raúl Peralta che balla sulla pista ma tutti noi latinoamericani ci riconosciamo in lui in quel momento. Si percepisce l’aria pericolosa di sottosviluppo e l’abbandono delirante che ci ha visti estremamente esposti e minacciati nel corso degli anni ’70, proprio nel bel mezzo della dittatura militare che ha stravolto il paese.
Perché proprio Tony Manero, il protagonista de La febbre del sabato sera?
Tony Manero rappresenta per Raúl il suo desiderio di trionfare in seno ad una società che non ha più un destino. Ė una speranza racchiusa nel vecchio e allarmante modello del sogno americano che Raúl vuole fare suo ad ogni costo. L’ideale di un perdente che grazie al suo talento di ballerino riesce a risalire la scala sociale, rappresentato dal personaggio interpretato da John Travolta nel famoso film, trova un riscontro molto profondo nella psiche di Raúl che è convinto di potere trasformare questo stesso sogno in realtà. Al contempo la danza è un’espressione estremamente poetica che sceglie il movimento come strumento di comunicazione e che, conseguentemente, eleva il linguaggio filmico ad un livello sensoriale, sintonizzato su una particolare frequenza emotiva.
Come hai scelto il protagonista? Perché Alfredo Castro?
Raúl Peralta è fondamentalmente un personaggio ambiguo, un uomo pericoloso e allo stesso tempo splendido. Alfredo Castro unisce in sé quelle caratteristiche che da un punto di vista recitativo gli consentono di superare le difficoltà poste dal personaggio e andare al di là dell’artificio. L’attore si deve sporgere nel vuoto ed è lì che lo spettatore deve essere costretto a guardarlo, anche egli da solo, a tu per tu, senza maschera o trucco, immersi entrambi in una verità asciutta, sorda, obliqua.
Cosa puoi dirmi delle riprese? Quali le difficoltà?
Abbiamo girato per 5 settimane a Santiago, nella parte storica della città, e la principale difficoltà è stata quella di ricreare l’immagine della città negli anni ’70: un’atmosfera strana, indefinita, dove si percepiva un misto di paura e di oblio. Questa atmosfera oggi non esiste più e quasi nessuno sembra ricordarla, purtroppo: non c’è niente di peggio dell’indifferenza nei confronti della storia. Come tutti i registi, anche io ho dovuto superare la sfida di trovare il giusto umore, quel quid silenzioso che definisce le emozioni. Oggi Santiago è una città che ha conservato assai poco della Santiago di allora. Ė una città di vetro e acciaio che progredisce facendo scempio del suo passato … Raúl Peralta vive un passo avanti rispetto al suo paese, il suo assurdo desiderio è quello del Cile odierno.
Come hai girato?
Una ripresa per ogni scena realizzata, con il tempo necessario per eliminare alcuni pezzi successivamente durante il montaggio e lasciare solo quanto realmente essenziale. Una cinepresa a mano sempre fissa sul protagonista, con un unico invariabile punto di vista, per rendere evidente che quanto lo circonda è sempre e solo un contesto. Tuttavia - proprio per il significato che ogni elemento ha in se - i luoghi, le circostanze socio-politiche ed i personaggi di contorno sono importanti quasi quanto il protagonista, perché nulla avrebbe senso se non avvenisse esattamente “quando” e “dove” avviene.

Intervista a Pablo Larrain

Sito web

PA-RA-DA

noreply@blogger.com (Luca Beltrami) — Tue, 17 Mar 2009 20:15:00 +0000

di Marco Pontecorvo, 2008
17 marzo 2009

"Una favola amara sulla clownerie, un sorriso in mezzo al dolore"
65° Mostra del Cinema di Venezia: Sezione Orizzonti

Tratto da una storia vera, Pa-ra-da è la storia dell'amicizia tra una banda di ragazzini tra i tre e i sedici anni e il giovane clown franco algerino Miloud, poco più che ventenne. I bambini vivono da straccioni, come randagi, dormono nel sottosuolo di Bucarest, nelle grandi condotte dove passano i tubi per il riscaldamento e sopravvivono con furtarelli, accattonaggio e prostituzione. Sono bambini fuggiti dagli orfanotrofi o dalla povertà di famiglie indifferenti o disperate, bambini che vivono ammassati nel sottosuolo, nella rete dei canali, su cartoni e materassi putridi, in ambienti sporchi e soffocanti.

La frase da ricordare

"Ci sono dei posti dove ti senti più vivo"

Miloud Oukili nasce ad Algeri (Algeria) il 3 gennaio 1972 da padre algerino e madre francese. Ancora piccolissimo si trasferisce con la famiglia in Francia, dove frequenta la scuola di circo di Annie Fratellini.

L’incontro con i ragazzi di strada di Bucarest avviene nel 1992 quando Miloud è in Romania dove ha scelto di fare il servizio civile con Handicap International.
La strada evidenzia una radicalità di vita molto forte. Sulla strada si incontra tutta la pesantezza di modalità di vita dure, spartane, al limite della sopravvivenza, ma anche la fantasia del sempre nuovo, la curiosità su tutto ciò che transita, sia che si fermi per un rapporto strumentale o più profondo, oppure che transiti e basta.
L’incontro, nato dall’energia di un Clown, è diventato una sorta di provocazione continua, reciproca, dialettica e forte. E’ stata anche l’accoglienza di un’invocazione di aiuto e la promessa di risposte adeguate. E’ stato infine l’incontro evocativo di sentimenti umani che vanno al di là della sofferenza, del lamento, della lotta sociale per diventare purezza di espressione, evocazione di un mondo migliore.

Mostrare se stessi nella propria autenticità vuol dire offrire umanità, cultura, poesia. Ed è con questi strumenti che Miloud dona ai giovani che vivono per le strade di Bucarest quelle opportunità che dovrebbe essere garantite a tutti i bambini del mondo. Forte di questo principio e realmente convinto dell’interesse e dell’urgenza di creare un contatto con i ragazzi di strada, Miloud lavora dapprima sei mesi come volontario con Terre des Hommes e, una volta concluso il progetto, continua faticosamente da solo. L’associazione francese “Rue, Enfants, Ville” lo finanzia e gli permette di realizzare un primo programma a Bucarest. Attraverso la vita vissuta in comune per le strade e a stretto contatto con i bambini/ragazzi, Miloud trasmette la sua tecnica e il suo linguaggio e insegna a sorridere e a riconquistare la vita col sorriso. Un anno più tardi, insieme a un gruppo di ragazzi che ha deciso di accettare la sfida, viene montato il primo spettacolo.

Nell’agosto del 1994 i ragazzi partecipano al Festival d’arte medioevale di Sighisoara. L’esibizione riscuote un reale successo, in particolare da parte degli operatori dei servizi sociali e culturali. Tutti concordano sull’importanza di sviluppare l’esperienza. La riuscita dell’impresa, gli applausi, l’orgoglio di un duro lavoro, trasmettono ai giovani il desiderio di cambiare vita e di abbandonare la vita di strada.

Per garantire continuità all’impresa, nel dicembre 1996 Miloud crea “Fundatia PARADA”, una struttura locale, indipendente dove sviluppare attività artistiche intorno al concetto di reintegrazione. Attraverso Fondazione Parada, Miloud offre loro incontri sulla strada, ascolto in un Centro diurno, accoglienza in luoghi protetti e proposte progettuali finalizzate a costruire un futuro migliore. Ora, al fianco di Miloud e di Fondazione Parada, c’è Parada Italia in consorzio col G.R.T. Gruppo per le Relazioni Transculturali che attraverso la campagna Un naso rosso contro l’indifferenza offre a Bucarest supporto organizzativo, progettuale, economico e formativo. Miloud per diffondere il progetto in atto a Bucarest partecipa a convegni e insieme ai giovani di Fondazione Parada tiene spettacoli in vari Paesi europei come Romania, Ungheria, Germania, Belgio, Portogallo, Francia e in particolare in Italia.

In Italia gli spettacoli di Miloud con i ragazzi di Bucarest sono strutturati in tournée che hanno una valenza di scambio relazionale che fortifica i giovani attraverso l’acquisizione di modelli diversi rispetto al loro vissuto; inoltre sono ambasciatori, non solo del loro progetto ma sono anche la voce di tutti quei bambini e ragazzi ai quali i diritti sono negati.