Géneros de música

Sonatas

2012-07-31T08:30:00.000-07:00

Sonatas

Se buscará una autonomía instrumental que no necesita de la palabra. Se conseguirá en el siglo XVIII con Mozart, Hayden y Beethoven.

La esencia del clasicismo es la frase simétrica: hacer una frase coherente, melodía apoyada en pilares armónicos y ritmo determinado !un antecedente, un clímax y una tesis. Regularidad en el fraseo, influencia de la danza, con una resolución simétrica de tensiones acumuladas. Al poner el acento en las frases se pone énfasis en la estructura temática y melódica. El clímax se situará en el medio, mientras que en el barroco se situaba al final (aria da capo).

La armonía, que con el preclasicismo era sencilla, en el clasicismo ya no se tiene que renunciar a ella, sino que dan mayor envergadura a las obras. Hay mayor riqueza armónica, pero se trabaja con un plan armónico previo a gran escala. Siempre hay una tonalidad estable y otra inestable.

Se profundiza en las transiciones rítmicas de unos ritmos a otros sencillos, con cambios equilibrados, riqueza armónica, sin que moleste al oyente.

La textura se hará más rica y complicada, reevalúan el contrapunto pero siempre dentro de un plan formal.

La sonata para los clásicos era una composición instrumental, no era sólo la forma rígidamente estructurada, para los románticos tuvo más significado. Mozart y Haydn creaban siguiendo unos preceptos pero fue posteriormente cuando se creó esa estructura rígida.

Es una obra instrumental para uno o dos instrumentos con acompañamiento, o para toda la orquesta. Tiene cuatro movimientos:

Allegro: donde presenta una acción dramática que se llama sonata.

Adagio: de carácter lírico de estructura A B A (huella del aria da capo); o también puede ser un tema y variaciones.

Minueto o Scherzo: con estructura A B A, siendo B un trío (danza).

Finale allegro o presto: puede elegir estructura se sonata o se rondó: estructura de refrán A B A C A D... Tema y variaciones.

Las serenatas o divertimentos son para orquestas, sin plan preestablecido, con mucho viento para tocar al aire libre, donde se utiliza la estructura concertante. Esta estructura también se utiliza para los conciertos, ya que es muy eficaz tanto para la sala de conciertos como para sesiones más íntimas de cámara.

La estructura de la sonata tiene tres partes:

Exposición de los acontecimientos principales de la acción o personaje. Son dos acontecimientos: A, con una tonalidad estable. A partir de ahí hay una transición hacia B, con una tonalidad inestable, lo que es igual a una composición clásica ya que genera una tensión entre ambas. Si los temas son contrastantes se percibe mejor. Se puede repetir la exposición.

Desarrollo del clímax, donde transforma los temas, los varía, combina, contrapuntea, transita de una tonalidad a otra libremente (modulación).

Resolución donde todo esto se resuelve de forma armónica donde se escuchan los tonos con claridad: A es una tonalidad estable y B es una tonalidad estable también.

Es una estructura muy clarificadora para los interpretes. Capta la atención del oyente porque causa placer. No hay el virtuosismo del solista, sino el entendimiento de la estructura. El compositor clasicista conmueve transformando los temas y Haydn, Mozart y Beethoven son quienes mejor lo demostraron.

Para el concierto era muy difícil hacer esto, ya que tiene la esencia dramática del barroco. El solista y la orquesta tienen que compartir los temas con una complicada estructura en el principio hasta que se estructuró de forma académica. Mozart y Haydn no tenían que seguir unas normas, Haydn podía usar el mismo tema creando inestabilidad, y trabajaba muy bien la manipulación temática, como Beethoven.

Clasicismo y la ópera

2012-07-29T17:10:00.001-07:00

LA REFORMA DE LA ÓPERA

Los ilustrados franceses tuvieron distintas concepciones sobre la música.

Rousseau era compositor y escribió varias óperas. En 1767 publicó en diccionario de música. Admitía que la música era el arte del sentimiento, y la música vocal era la superior. Reflexionó mucho cobre la ópera y negó la autonomía de la música instrumental..

D'Alambert considera que el arte imita a la naturaleza pero embelleciéndola, dirigida al sentimiento. Por eso está en el último escalón de las artes. Decía que la música instrumental debía ser primariamente descriptiva. Esta es una idea muy francesa: toda música que no pinta no es sino ruido.

Diderot fue el más tolerante y quien más estudió sobre la música. Considera la música vocal muy superior: era el cuadro terminado ; y la instrumental era sólo el esbozo que a su vez deja mayor margen a la imaginación al no estar acabada. Pese a esto, ya que el esbozo no está tan condicionado por las palabras, se haya menos vinculada a la apariencia. Ese alejamiento no la condiciona, por lo que es más libre para mostrar la auténtica esencia: nos lleva al romanticismo, que no rechazará los logros conseguidos por la ilustración.

TEXTOS

Rousseau.

Defensor de lo italiano durante la Querella de los Bufos. Raimeau fue el defensor de la ópera seria y el rey y madame Pompadour también apoyaban la ópera francesa. Por lo que la reina apoya la italiana. Crea una dialéctica y en la base están las reformas del XVIII. Se crean las bases del vodevil francés.

Música como arte de sentimiento cuya misión es el placer. Rechaza toda la música vocal francesa. Exalta la melodía por encima de la armonía, porque la primera tiene más capacidad para imitar. Tiene algo de razón ya que la melodía es el elemento más plástico y que mejor logra imitar . Por eso rachaza la armonía y la ópera francesa. A favor de la italiana que es más melódica. Exalta el efecto del canto en el alma humana. Pone en tela de juicio la capacidad del francés para le ópera, el francés es muy rítmico y él lo rechaza porque consigue el aburrimiento. Él quiere la elegancia y melodiosidad.

Algarotti.

La ópera seria destacaba las arias sobre el recitativo. Algarotti reivindica la capacidad musical del recitativo: critica a los compositores que no le dan importancia. Pretendían que la ópera tuviese una coherencia dramática. (Posteriormente Mozart ve que la obra es irreal y no tiene que ser dramática, es otro espectáculo). No hay que dejar tanto protagonismo a la voz. Unión de todas las artes que crea la ópera resucitando la tragedia griega. Algarotti trabajaba para Federico el Grande en Berlín con ideas ilustradas reformadoras. Su ensayo fue traducido y se conoció en todas las cortes europeas.

Durazzo era defensor de la influencia francesa igual que el rey para el que trabajaba que quería reforzar la unión entre Austria y Francia,. Esto explica porqué triunfan en Viena las óperas francesas. Gluck llega a Viena procedente de los países del este y colaborará con Calzabigi. Durazzo intercede a favor de Gluck y le contrata para componer música teatral.

La primera obra de Calzabigi y Gluck será Orfeo y Eurídice de 1762. Tendrá una buena acogida. A pesar de que el argumento es serio no es una tragedia ya que ganan los buenos (al igual que la ópera italiana). En 1767 producenAlceste y en 1770 Paris y Elena. Alceste se edita en 1769 con el prólogo que nos encontramos en el TEXTO 2:

Con ideas reformadoras: la música debe de servir a la poesía, y no ocupar un lugar secundario. Tiene que haber un equilibrio entre el aria y el recitativo, coherencia dramático-musical. La ópera debe trasmitir un mensaje universal, quiere una ópera austera, sencilla en forma y estructura buscando naturalidad, eliminando los convencionalismos. No sólo imitar a los griegos sino mejorarlos. El resultado es una ópera estática y lenta, le falta movimiento. Pero no renuncia a los convencionalismos al utilizar el castrati.

Orfeo y Eurídice

No era su primera ópera, ya había hecho más pero esta era la primera que reformaba. Importancia del coro y de la orquesta. Ópera como sucesión de cosas no como suma acumulativa de elementos cerrados. La continuidad de las escenas se mantiene gracias a la orquesta, no hay números cerrados. Importancia del baile soportando por la orquesta que tiene gran capacidad dramática, con lo que no hay ruptura de la narración a pesar de que no hay voz. Continuo de cosas sin alternancia de arias y recitativos, sin estructura clara, creando continuidad, no cerrado.

5.Orquesta y coros utilizados dramáticamente con mucha eficacia. Recitativo acompañado para situaciones muy dramáticas.

6.Canto más melódico, discuten. Melodías sencillas sin abusar de ornamentación.

7.Recitativo se Eurídice y luego le sigue 8. un aria. El recitativo cambia sutilmente con el texto hacia arioso. Dúo sin solución de continuidad.

9. Recitativo, arioso, canto. Dramatismo de la orquesta cuando se da cuenta que la ha perdido en un arioso.

10. Aria clásica y sencilla, con un refrán sin ornamentación excesiva. Búsqueda de conexión orgánica entre las partes, no una sucesión. Verosimilitud dramática. Explota el coto la danza y la orquesta como parte de la acción, no como divertimento como en Francia, argumento centrado en lo esencial. Estructura muy homogénea: virtud clásica del drama heroico.

La ópera cómica

Partiendo de la Serva Padrona, los italianos irán desarrollando el género. Se dará sobre todo en Venecia a cargo de Goldoni. Poco a poco introducen elementos serios asociados a un contenido moralizante y sentimental.

Hay varios elementos importantes:

1-El énfasis que se va a dar a los conjuntos que pueden estar varias personas hablando a al vez y diciendo cosas distintas (en el teatro no se puede). En la ópera seria no hay conjuntos.

2-caracterización psicológica de los personajes a través del tratamiento vocal y su acompañamiento instrumental. Se simplifican las arias y se hacen más eficaces.

3-Finales de acto, se va creando un clímax que estalla al final de acto donde están todos los personajes.

Los autores serán Galupi y una generación italiana anterior a Mozart: Goldoni, Nicolo Picini (1728-1800), Giovanni Paisiello (1740-1816), Cimarosa(1749-1801). Son de primera fila y fundamentales a la hora de explicar la trayectoria de Mozart.

Gluck, tras triunfar en Viena se va a París y también triunfa. Su última ópera es de 1779. regresa a Viena y le da su cargo en la corte a Alberto Salieri.

Música rococó y características del movimiento.

2012-07-29T16:42:00.000-07:00

ROCOCÓ.

Serenata de Mozart de 1769

Serenata o divertimento para escuchar al aire libre. Es una obra ligera, cambios de humor, introduce instrumentos de viento. Tienen estructuras libres: diversos movimientos, no únicamente tres.

Berlín

Estilo de la sensibilidad o empfindsamer stil:

Este estilo valora la emoción por encima de todo. Los músicos desarrollan este género en Postdan, capital de Prusia. El más destacado fue Carl Philipp Emanuel Bach. Son obras muy sutiles. Están pensadas para una audiencia muy cultivada para que pueda captar los pequeños detalles que muestran los pequeños cambios de sensibilidad. Utilizan para esto cambios de humor contrastantes, sorpresas... a través de repentinos cambios armónicos, explotan el contraste melódico. Por eso se presta atención a los pequeños detalles y hay quienes lo denominan como estilo manierista.

Texto de C. P. Bach:

Escribió un ensayo en dos partes llamado Ensayo sobre la verdadera manera de tocar instrumentos de teclado, de 1753. Le preocupaba mucho la ejecución que puede destrozar la obra si es una ejecución muy vasta o hacerla amanerada si se enfatizan los ornamentos. Para él la emoción , algo subjetivo, es un valor de la ejecución. Opone el mecanicismo a la emoción, aunque no deshecha que haya unas reglas para sacar esta emoción. El ejecutante debe sensibilizar al oyente. Habla de las limitaciones que tiene el instrumento por lo que hay que buscar la forma de superarlas. Rechaza la escolástica. El instrumento debe emular a la voz humana. Critica la visión que daban a la música los filósofo por no tener la capacidad de imitación (no saben de lo que hablan). Destaca la capacidad expresiva por encima de todo. C. P. Bach escribió famosas sonatas para teclado.

ITALIA

Domenico Scarlatti (1685-1757), trabajó en las cortes de Lisboa y Madrid donde escribe sonatas para teclado que se llamaran Essercizi. Escribió más de 500, eran obras pequeñas. Fueron publicadas en Londres en 1738, pero conocidas en España. En el prefacio rechaza la erudición barroca. Para él lo mejor es hacer una burla, ingenio del arte. Se busca el placer de tocar. Típico del estilo galante. Se dedica al clavicémbalo, no le interesan otros instrumentos. Son obras galantes, ingenios explota la sonoridad, velocidad, adornos, extravagancia...

Los clavecinistas franceses hacen suites referentes a la mitología, formas libres y fantasiosas. Scarlatti experimenta con obras muy consistentes formalmente, con obras simétricas, estructuradas, sólidas formalmente pero llenas de pequeñas cosas, por eso es preclásica.

La sonata habitual es en varios movimientos (rápido, lento, rápido).

MANNHEIM

En 1742 sube al trono K. Theodor y se rodea de excelentes músicos desarrollando las sinfonías. Tenía una gran orquesta en tamaño y disciplina de ejecución de un estilo galante en el ámbito sinfónico. Absorben la musicalidad de los italianos en movimientos lentos; y el gusto francés de musicalidad. Además añaden un peculiar interés en destacar los efectos de dinámica: desarrollan estereotipos de dinamismo: sorpresa, fantasía, sutileza...

La orquesta incorpora un mayor número de movimientos y se liberan de la tiranía de la cuerda.

Sinfonía en cuatro movimientos de Stamitz de 1750 (r, l, m, r).

Fue publicada en París en 1757 (todos querían triunfar en París). 1º presto: repetición como forma de articulación fundamental. 2º andantino: instrumentos de viento a la forma francesa. Con ligereza y ligereza y lirismo, no la ostentación del barroco. 3º minueto: forma cerrada para buscar la simetría A B-(trío) A. 4º prestísimo.

Textura ligera contrarrestada por un fraseo cambiante y rítmico, adornado.

Jamás se rechazaron los conciertos solos, el oponer la sonoridad de la orquesta a un instrumento solista, pero el estilo cambia (si desapareció el concierto grosso al que le quita protagonismo la sinfonía).

VIENA

Es importante entre los años 60 y 80, era el lugar donde estaba la corte. Como en Berlín, todos los días había un concierto. En Viena el poder de convocatoria era fuerte, sobre todo en la ópera, por lo que se crean abonos para concierto, a pesar de los importantes autores que tiene fueron eclipsados por Haydn y Mozart.

LONDRES

Lleno de músicos de muchas partes. Johan Christian Bach se forma en Alemania e Italia. En el 62 acaba en Londres y publica sus obras en el 63. en el 65 crea los Ciclos de Conciertos en la Hanover Square Rooms con abonos, con músicos de toda Europa. Fueron muy fructíferos. Mozart llega a Londres en el 64 con ocho años y recibe clases de Bach. Realizó importantes conciertos para piano y orquesta (ya no solo violín).

PARIS

Atracción para los compositores. Fue la primera en organizar los ciclos de conciertos por abonos en 1725, para rellenar el vacío que había de música en cuaresma: conciertos espirituales, aunque irán cambiándose incluyendo sinfonías y conciertos. Gossec es el primer director del Ciclo de Conciertos de San Mateo.

Sinfonía concertante: para orquestas donde se explota el color de los instrumentos, diálogo instrumental.

Haydn nace en 1732. en los 60 hace obras clásicas influidas por Italia, Alemania y Francia.

Audiciones

Sinfonía Nº 1 Opus 3 de J.C. Bach. Primer movimiento allegro.

Fraseo, elegancia, cadencias, cambios de humor, efectos sorpresivos, adornos, simetría, articulaciones. Se sigue utilizando el clavecín.

Sinfonía Nº 4 Opus 3 de J. C. Bach. Segundo movimiento andantino.

Grácil, bailable, preguntas y respuestas (concertante), equilibrio, naturalidad, gracia.

Tríptico de sinfonías de Haydn de 1761?

Dividido en La Mañana, El Mediodía y La Noche, creada para el conde de Esterhazy. Primer movimiento: Intenta evocar el amanecer. Último movimiento de la Noche la tempestad, presto. Ocasionalmente se ven huellas concertantes. Dinámicas. La evocación idealizada era típica del XVIII: pintor con música. Un elemento muy frecuente es la referencia al mundo de la danza, muy importante en el barroco (suite y cámara). El minueto: tiene una regularización y equilibrio buscado por los clásicos. Además había un gusto cortesano por lo popular. Para deleitar a los oyentes introducen danzas conocidas.

Quinteto de Boccherini 1785

Cuatro cuerdas más guitarra. Intenta evocar una seguidilla. Baile de moda en España. A la vez es galante. La seguidilla es de ritmo terciado. Quinteto de evocación al fandango.

Barroco,características

2012-07-29T16:14:00.001-07:00

Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de transcurre desde el siglo XVII al XVIII. La especial actitud estilista que caracteriza al artebarroco alcanzó su momento de madures en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de ese momento se difundió por todas las naciones de Europa.

El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barrocas. El papado reaccionó contra la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la Contrarreforma. La arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas para el prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. En este sentido se puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la Contrarreforma.

La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.

La burguesía de la época, que había logrado obtener un papel muy notable, utilizó el Barroco para expresar sus ideas y trascender más allá de su época.

En la arquitectura se dan las superficies onduladas, las plantas elípticas y las trabazones interrumpidas, acompañadas de una exageración de la monumentalidad. La arquitectura barroca española influyó activamente en América del Sur y contó entre sus principales figuras representativas a José de Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), a José de Ribera y a arquitectos del s. XVIII como Hipólito Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa. Entre sus manifestaciones se destacan la basílica de Guadalupe, la fachada del Sagrario de la catedral, la capilla del Pocito y las iglesias poblanas, en México, y en el Perú una arquitectura en la que se entremezclan el empleo de la columna salomónica con el de la hojarasca decorativa indígena.

En la escultura cobra papel decorativo en la composición general, y en las grandes pinturas murales viene a corroborar el gusto por la teatralidad, que asimismo reflejan los fondos de los retratos y los grandes altares de las iglesias, con su complicada estructura y dramática vivacidad. Se destacan el movimiento y el dinamismo; las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas. La valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión figurativa. El fortalecimiento de la Iglesia católica trajo consigo una vigorosa reanudación de motivos estrictamente renacentistas, y al mismo tiempo en la pintura se abría paso un eclecticismo académico y el creciente interés por la decoración. En este eclecticismo y naturalismo, de tipo decorativo, tienen su origen las alegorías de los cuadros devotos (la calavera, el éxtasis celestial, la mirada en rapto doloroso o apasionado), con su estabilización de la iconografía sacra, y, paralelamente, el cultivo de una serie de temas de devoción y de ilustraciones de la verdad de la fe y de los sacramentos, fruto de una gran demanda por parte de la Iglesia. La expresividad de las figuras representadas y el intenso claroscuro son unas de las características más importantes de este período en la pintura.

En resumen, el Barroco se caracteriza por la acumulación de formas y excesos de superposición de elementos ornamentales y en el cual aparecen columnas retorcidas y pilastras que no sostienen nada, arquitrabes y muros que se doblan y retuercen, figuras en los cuadros iluminados de forma antinatural y esculturas que buscan efectos ilusionistas. Responde a una mentalidad cada vez más homogénea, que adoptó sin embrago en los diversos países formas diferentes. Se puede decir que el barroco es un estilo comprensible para todos que se manifiesta con dos ideas contrapuestas: a) el barroco lujoso y cortesano, teatral y católico y b)el barroco burgués destinado a representar la vida real, cotidiana y que abarca al protestantismo.

En la segunda mitad del XVII se desarrolló en el norte de Europa un estilo clásico diferente, conocido como neoclasicismo.

Géneros de música

Sonatas

Sonatas

Se buscará una autonomía instrumental que no necesita de la palabra. Se conseguirá en el siglo XVIII con Mozart, Hayden y Beethoven.

La estructura de la sonata tiene tres partes:

Clasicismo y la ópera

LA REFORMA DE LA ÓPERA

TEXTOS

La ópera cómica

Música rococó y características del movimiento.

ROCOCÓ.

Serenata de Mozart de 1769

Berlín

Estilo de la sensibilidad o empfindsamer stil:

Texto de C. P. Bach:

ITALIA

MANNHEIM

Sinfonía en cuatro movimientos de Stamitz de 1750 (r, l, m, r).

VIENA

LONDRES

PARIS

Sinfonía Nº 1 Opus 3 de J.C. Bach. Primer movimiento allegro.

Sinfonía Nº 4 Opus 3 de J. C. Bach. Segundo movimiento andantino.

Tríptico de sinfonías de Haydn de 1761?

Quinteto de Boccherini 1785

Barroco,características

La ópera cómica