Gradiva, Arte Total

También fue pirata...

2011-03-23T21:58:00.000+01:00

Hasta Siempre

2011-03-22T20:29:00.000+01:00

"Yo Cyanhuro, Gradiva, Mercedes la pintora, me despido de quienes me habéis seguido en este blog. Me habría gustado quedarme más tiempo, aunque no llegar a vieja, seguir investigando y descubriendo mujeres artistas para compartirlo con vosotr@s. He vivido como he deseado, he disfrutado del arte, de la magia de pintar, he sentido el calor de mis amig@s, he amado y me he sentido amada."

Quizás se hubiera despedido así Mercedes si hubiera tenido la posibilidad... Pero no la ha tenido

La noche que más cerca estaba la luna de la tierra,
cuando más brillante y más grande la podemos ver,
aprovechó ella para llevarse a Mercedes, quizás
para que le llene el firmamento de cuadros, colores
y ensayos de grandes mujeres aún por descubrir.

Aquí abajo, se nos ha apagado una luz, hasta siempre Mer

Robo en el convento, robo en casa de Isabel Guerra

2011-03-08T15:25:00.001+01:00

“Zaragoza. (EUROPA PRESS).- Según El Periódico de Aragón, La Policía Nacional está investigando la desaparición el pasado día 28 de febrero de 1,5 millones de euros en efectivo del convento de Santa Lucía, comunidad cisterciense femenina y de clausura situada en el barrio zaragozano de Casablanca.

Fuentes del Cuerpo Nacional de Policía han explicado a Europa Press que el pasado lunes 28 de febrero "nos llamaron las monjitas a primera hora de la mañana, entre las 7.30 y las 7.45 horas, diciendo que habían encontrado varias puertas forzadas" en el monasterio y que "había desaparecido una cantidad importante de dinero de allí".

Las monjas de esta congregación tenían guardado el dinero, la mayoría en billetes de 500 euros, dentro en unas bolsas de plástico en un armario; y han declarado que una de las puertas de acceso a uno de los edificios del convento había sido forzada, aunque se desconoce si fue una o varias las personas que pudieron actuar en el asalto al monasterio.

Sobre la procedencia del dinero, "las monjas dijeron que eran ahorros de toda la vida", aunque sorprende que guardasen esa cantidad en efectivo en el convento.

No sorprende tanto si sabes que en esta comunidad religiosa, conocida por su dedicación, entre otras tareas, a la restauración de antiguos libros y pergaminos, vive y trabaja la pintora Isabel Guerra, cuyas obras, de un hiperrealismo cuidado y sensible, tienen una gran demanda y cuyas exposiciones se convierten en un éxito de público.

Cualquiera de sus dibujos puede costar entre 2.500 y 12.000 euros y sus cuadros llegan a alcanzar los 48.000 euros. Suele exponer cada tres o cuatro años y vende todo lo que expone. De hecho, suele haber lista de espera de compradores en la galería Sokoa de Madrid, que lleva su representación.

En el año 2000 fue protagonista de una polémica pero exitosa exposición retrospectiva en La Lonja de Zaragoza, que vimos más de 120.000 personas.

ISABEL GUERRA

Isabel Guerra nació en Madrid en 1947. Procede de una familia culta y acomodada. En la actualidad vive en Zaragoza, desde los 23 años, cuando ingresó en el convento cisterciense del Monasterio de Santa Lucía.

De formación AUTODIDACTA, ha sido nombrada Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis y Académica Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo.

En una entrevista de Elena Pita, la pintora Isabel Guerra, cuenta su vocación pictórica y religiosa para el Semanal de El Mundo, 7-XI-2004. Extractos:

(…) -¿Y usted nunca temió que una vocación solapara la otra?

-Sí; al entrar en el monasterio, pensé que probablemente la pintura sufriera, incluso que tuviera que desaparecer de mi vida. Pero el mismo día que ingresé, mis superioras me dijeron que aquí podría seguir pintando exactamente igual: era una práctica que se adaptaba perfectamente al monasterio. San Benito, autor de la regla benedictina, que también profesamos los cistercienses, dedica un capítulo de su obra a los artistas del monasterio. (…)

-Y, desde una vida tan apartada ¿qué influye en su pintura para hacerla evolucionar?

-El monasterio es un lugar riquísimo para la inspiración. Nuestro modo de vida se orienta a la búsqueda de la belleza; para nosotras la estética no es solamente escenográfica, sino vital: buscamos la paz y la serenidad, un clima de silencio y admiración hacia el Creador.

Bibliografía en la Biblioteca de Mujeres Artistas:

Isabel Guerra: El asombro por la vida. Catálogo de Exposición, Ayuntamiento de Zaragoza, 2000

8 de marzo: recomendaciones en materia de igualdad y género en la educación.

2011-03-08T00:01:00.000+01:00

El 8 de marzo de 1857, una marcha pionera de obreras textiles recorrió los suburbios de la ciudad de Nueva York para protestar por las miserables condiciones de trabajo.

El 5 de mayo de 1908, en esa misma ciudad comenzó una nueva huelga de las obreras textiles, que reclamaban la igualdad salarial, la disminución de la jornada a diez horas y que se permitiera un tiempo para la lactancia.

Un suceso que horrorizó al mundo entero, y que tuvo lugar en el contexto de esa huelga, ocurrió en la fábrica “Sirtwood cotton", donde más de 100 mujeres murieron en un fuego provocado por el propio dueño de la fábrica, como respuesta a la toma pacífica del local por las obreras en huelga.

EL AÑO 1977, LAS NACIONES UNIDAS DECLARARON EL 8 DE MARZO COMO EL "DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER TRABAJADORA".

EL COLOR LILA CON QUE SE IDENTIFICA ESTE DÍA SE DEBE A QUE ESE TONO ERA LA DEL TEJIDO QUE ESTABAN CONFECCIONANDO LAS OBRERAS EL DÍA QUE MURIERON.

EL DÍA DELA MUJER TRABAJADORA ES UNA CONMEMORACIÓN Y NO UNA CELEBRACIÓN. UN DÍA EN QUE LAS MUJERES EXIGEN SER TRATADAS CON EL RESPECTO QUE SE MERECE CUALQUIER SER HUMANO.

Y quizás sea un buen día para recordar las recomendaciones del Consejo de Europa en materia de igualdad y género en la educación… y pensar si algo no se está haciendo bien:

Recomendaciones del Consejo de Europa en materia de igualdad y género en la educación:

Extractos de la Recomendación CM/Rec(2007)13 del Comité de Ministros a los Estados miembros relativa a la integración de la dimensión de género en la educación.

(…)

Recomienda a los gobiernos de los Estados miembros:

I. Que revisen su legislación y su práctica con el fin de aplicar las estrategias y medidas recogidas en la presente recomendación y en su anexo;

II. Que promuevan y fomenten medidas destinadas específicamente a integrar la dimensión de género en todos los niveles del sistema educativo y en la formación del profesorado, con el fin de lograr la igualdad de hecho entre mujeres y hombres y mejorar la calidad de la educación;

III. Que establezcan mecanismos, en el conjunto del sistema educativo, para la promoción, la aplicación, el seguimiento y la evaluación de la integración de la perspectiva de género en el ámbito escolar;

IV. Que señalen la presente recomendación a la atención de los organismos públicos y privados pertinentes de sus respectivos países, en particular a los ministerios y autoridades públicas responsables de la elaboración y la aplicación de las políticas educativas a nivel general, regional y local, los órganos de dirección de los centros escolares, las autoridades locales y regionales, los sindicatos y las organizaciones no gubernamentales;

V. Que sigan y evalúen los progresos derivados de la integración de la perspectiva de género en el ámbito escolar, y que informen a los comités de seguimiento competentes de las medidas adoptadas y los progresos conseguidos en este campo.

(…)

Se invita a los gobiernos de los Estados miembros a tomar en consideración las siguientes medidas con vistas a aplicarlas:

Marco jurídico:

1. Incorporar el principio de igualdad entre mujeres y hombres a la legislación nacional sobre educación con el fin de garantizar la igualdad de derechos y oportunidades de los chicos y las chicas en la escuela y de promover la igualdad de hecho entre mujeres y hombres en el conjunto de la sociedad;

2. Evaluar el impacto de género de la legislación en materia de educación que se elabore en el futuro y, en caso necesario, revisar la legislación existente desde una perspectiva de género;

Políticas educativas y estructuras de apoyo:

3. Poner en marcha programas específicos para incorporar la estrategia del mainstreaming de género a las políticas de educación y a las escuelas;

4. Elaborar planes de acción y asignar los recursos necesarios para la aplicación de un programa de mainstreaming de género, que incluya medidas de seguimiento y evaluación;

5. Estudiar el impacto de las políticas educativas en las niñas y los niños, las mujeres y los hombres, proporcionar instrumentos cualitativos y cuantitativos para la evaluación del impacto de género, y utilizar la estrategia de integrar la dimensión de género en el procedimiento presupuestario para promover la igualdad en el acceso a los recursos escolares y en el uso de los mismos;

6. Velar por que las estadísticas elaboradas por los ministerios y las autoridades competentes en materia de educación estén desglosadas por sexo y se publiquen con regularidad;

7. Velar por que exista un equilibrio de género en los comités o grupos de trabajo establecidos por tales ministerios y autoridades;

8. Organizar iniciativas de sensibilización y/o formación sobre la igualdad de género y el mainstreaming de género para el personal de los ministerios de educación;

9. Elaborar documentación general sobre la incorporación de la perspectiva de género y la dimensión de la igualdad de género, en particular, ejemplos de buenas prácticas, y difundir estos documentos, entre otros medios, a través de los sitios web de los ministerios y/o autoridades de educación;

10. Elaborar y difundir orientaciones para las escuelas, el profesorado y las personas responsables de elaborar los planes de estudios sobre la incorporación de la perspectiva de género y la dimensión de la igualdad de género; sensibilizar a los inspectores/as escolares acerca del mainstreaming de género como elemento para la evaluación de las escuelas; y establecer indicadores para la garantía de la calidad y la autoevaluación;

11. Proporcionar al profesorado y demás personal docente información sobre las orientaciones y acuerdos internacionales en materia de igualdad entre mujeres y hombres, en particular, en el ámbito de la educación;

Administración y organización de los centros escolares:

12. Animar a los órganos responsables de los centros escolares a introducir el mainstreaming de género en las escuelas;

13. Sensibilizar y hacer participar a los padres y madres y a los tutores/as en la actividad de la escuela en materia de mainstreaming de género y de igualdad de género;

14. Animar al conjunto de la comunidad educativa a que respete los objetivos y la misión de la escuela en materia de mainstreaming de género y a que participe activamente en la aplicación de esa estrategia;

15. Promover una representación equilibrada de mujeres y hombres en todos los niveles del proceso educativo, particularmente entre los directores y directoras y las personas responsables de los centros escolares;

16. Promover un enfoque global de la educación formal e informal en las escuelas, un enfoque que incluya las competencias fundamentales, los derechos humanos, la dignidad y la igualdad entre mujeres y hombres, que desarrolle la autoestima y el respeto a sí mismo/a y favorezca la toma de decisiones con conocimiento de causa, a fin de preparar a los niños y niñas para la vida en sociedad y la vida en familia;

17. Promover una cultura democrática en las escuelas, lo cual incluye la adopción de prácticas educativas dirigidas a ampliar la capacidad de las niñas y los niños para participar y actuar, y para adaptarse a los cambios y a la colaboración entre mujeres y hombres, como requisito previo para el pleno ejercicio de la ciudadanía;

18. Fomentar una participación equilibrada de niños y niñas en la toma de decisión colectiva y en la gestión de los centros escolares, así como en todas las actividades extracurriculares, como los consejos escolares, los parlamentos de niños/as, los foros y clubes juveniles, las asociaciones de estudiantes, las excursiones, los intercambios escolares, el trabajo voluntario, las reuniones con los/las dirigentes políticos/as locales y las campañas de información;

19. Animar a las autoridades locales y a los correspondientes cargos oficiales a financiar la adaptación de los edificios escolares (instalaciones sanitarias, alojamientos, etc.) a la presencia de niñas y niños y a sus particularidades;

Formación inicial y continua del personal docente y de los formadores/as

20. Promover la sensibilización y la formación sobre igualdad entre mujeres y hombres de todo el personal educativo y, en particular, entre los directores/as de las escuelas; elaborar herramientas de asistencia en clase y materiales para la formación del profesorado sobre mainstreaming de género en la educación y distribuirlos entre el profesorado;

21. Incluir, en la formación inicial y continua de profesores y profesoras, contenidos que les permitan reflexionar sobre su propia identidad, sus convicciones, sus valores, sus prejuicios, sus expectativas, sus actitudes y su concepción de lo femenino y lo masculino, así como sobre sus prácticas pedagógicas; debería animarse al personal docente a replantearse las actitudes y creencias basadas en prejuicios sexistas, que puedan perjudicar el desarrollo personal de los niños y las niñas e impedirles realizar todo su potencial;

22. Integrar la igualdad, la diversidad y la perspectiva de género en diversas áreas de la formación inicial y continua del personal docente, en particular: la producción, reproducción y transmisión del conocimiento; la dinámica de la enseñanza (materiales y métodos didácticos, comunicación y evaluación) y la cultura institucional (organización de la jornada escolar, organización y diseño interior del edificio escolar, actividades recreativas, carteles y anuncios);

23. Mejorar la imagen pública de la profesión docente y, en caso necesario, aumentar los salarios del profesorado con el fin de animar tanto a hombres como a mujeres a elegir esta profesión, en particular en los niveles de preescolar, primaria y secundaria;

Cursos, planes de estudios, asignaturas y exámenes

24. Prestar una atención particular a la dimensión de género en el contenido de los cursos y los programas y en la elaboración de los planes de estudio generales (en particular, en las asignaturas científicas y tecnológicas); y revisar los planes de estudios cuando sea necesario;

25. Analizar el lugar que ocupan las mujeres en los planes de estudios y en las diferentes disciplinas, y poner de manifiesto la experiencia de las mujeres y su contribución a las materias impartidas;

26. Tener en cuenta, en la elaboración de los planes de estudios, los intereses y las preferencias de los niños y las niñas respecto a los modos de aprendizaje y enseñanza con el fin de favorecer su éxito académico y ampliar las opciones educativas y profesionales;

27. Introducir, en caso necesario, la educación para la vida privada en los planes de estudios con el fin de promover la autonomía de los niños y niñas en este campo, hacerles más responsables en sus comportamientos y relaciones emocionales y sexuales, luchar contra los prejuicios sexistas sobre los roles de mujeres y hombres, y preparar a los/las jóvenes para una nueva colaboración de género en la vida privada y pública;

Materiales de enseñanza

28. Sensibilizar a los autores/as y editores/as de libros de texto escolares y de material educativo, didáctico, de evaluación y de orientación profesional, sobre la necesidad de que la igualdad de género sea uno de los criterios de calidad para la elaboración de estos materiales y para el desarrollo de productos multimedia de uso escolar;

29. Animar al personal docente a analizar y cuestionar prejuicios sexistas y las ideas falsas que estos libros de texto, estas herramientas y estos productos pudieran transmitir en su contenido, su lenguaje y sus ilustraciones, para contribuir, así, a su eliminación;

30. Animar al personal docente a analizar y combatir el sexismo en el contenido, el lenguaje y las ilustraciones de los cómics, los libros y juegos infantiles, los juegos de vídeo, los sitios de internet y las películas, que conforman las actitudes, el comportamiento y la identidad de los/las jóvenes;

31. Elaborar y difundir indicadores para evaluar desde una perspectiva de género el material didáctico, en particular, los libros de texto y los productos multimedia;

Métodos y prácticas de enseñanza

32. Incluir el análisis de los métodos y prácticas de enseñanza desde una perspectiva de género en las directrices para la autoevaluación y la garantía de la calidad de los centros escolares;

33. Dar a conocer al profesorado las investigaciones realizadas sobre la relación entre el profesor o la profesora y los alumnos/as de cada sexo;

34. Promover el mainstreaming de género en las actividades deportivas y recreativas, cuando los estereotipos y expectativas basados en el género puedan influir en la imagen que las niñas y los niños tienen de sí mismos, la construcción de su identidad, su salud, su adquisición de habilidades, su desarrollo intelectual, su integración social y las relaciones de género;

35. Animar a las chicas y los chicos a explorar nuevos roles, actividades y áreas, y garantizar que tengan igualdad de acceso a todas las partes de los planes de estudios y a las mismas experiencias de aprendizaje;

36. Velar por el uso de un lenguaje no sexista y por que se tenga en cuenta la dimensión de género en la práctica educativa y en los espacios escolares;

Educación para la ciudadanía democrática

37. Hacer de la igualdad de género una parte central de la educación para la ciudadanía democrática y los derechos humanos, e integrar la igualdad de género y otras cuestiones esenciales para la democracia (a saber, los derechos y responsabilidades de la persona en las esferas pública y privada) en la legislación básica relativa a los sistemas educativos, en tanto que objetivos que han de ser alcanzados por los planes de estudios, la cultura de los centros escolares y la formación del profesorado;

38. Crear contextos de aprendizaje en la escuela orientados a las necesidades e intereses de los chicos y las chicas respecto de los problemas que afectan a nuestras sociedades; permitirles desarrollar y ejercer la ciudadanía democrática mediante, entre otras cosas, el reconocimiento de los chicos y las chicas como agentes del cambio social; y elaborar proyectos que fomenten la iniciativa, proporcionarles conocimientos y habilidades orientadas a la acción y, de esta manera, crear lazos entre la escuela y la vida extraescolar;

Orientación escolar y profesional:

39. Establecer el mainstreaming de género como uno de los objetivos de la orientación escolar y profesional;

40. Animar y formar al personal de orientación para que apliquen el mainstreaming de género, de tal manera que puedan analizar y combatir, en caso necesario, los efectos de una socialización sexista;

41. Analizar la influencia que tienen las percepciones de los roles masculino y femenino en las identidades y los planes de vida de las chicas y los chicos, y promover debates en clase sobre las opciones educativas y profesionales;

42. Promover la cooperación entre las escuelas y las empresas con el fin de dar a las chicas y los chicos una mejor idea de las posibilidades existentes en los diferentes sectores, en particular en las profesiones dominadas por uno u otro sexo;

43. Recopilar y difundir estadísticas desglosadas por sexo sobre las diferentes profesiones;

Prevenir y combatir la violencia sexista

44. Enseñar a los/las jóvenes a considerar e interpretar las relaciones humanas teniendo en cuenta la igualdad de género, los derechos humanos, las relaciones de poder y la violencia;

45. Proporcionar directrices para ayudar a las escuelas a garantizar que el respeto por los seres humanos constituye la base de su actividad y a prevenir y combatir todas las formas de violencia o discriminación individual o colectiva que generen situaciones de inseguridad, miedo, persecución, acoso psicológico o sexual a las chicas y los chicos en la vida escolar cotidiana;

46. Sensibilizar al personal educativo y darle formación para permitirle detectar, analizar, tratar y combatir todas las formas de violencia sexista;

47. Sensibilizar a los chicos y las chicas sobre los peligros de explotación, violencia sexual y trata a los que están expuestos, y velar por que las escuelas puedan responder rápidamente a vulneraciones graves de la integridad sexual y la seguridad de las chicas y chicos (incesto, violación, pedofilia);

48. Exigir a los centros escolares que establezcan políticas y procedimientos que permitan resolver el acoso escolar, el hostigamiento y la violencia basados en el género;

49. Sensibilizar a los directores y las directoras de los centros escolares y al profesorado sobre el problema de la violencia enraizada en las costumbres y la cultura, que afecte tanto a mujeres como a hombres, de tal forma que puedan analizarla y responder a la misma, y apoyar el derecho de las chicas a su autonomía;

Grupos vulnerables

50. Promover medidas específicas para las chicas y los chicos de grupos cuyas costumbres y culturas incitan al abandono escolar prematuro, y sensibilizar a los padres sobre este problema;

51. Promover medidas específicas para jóvenes, tanto chicas como chicos, de grupos desfavorecidos que abandonan los estudios y/o se enfrentan a la exclusión social;

Nuevas tecnologías de la información y la comunicación

52. Adoptar directrices estratégicas transversales sobre la necesidad de integrar criterios de igualdad de género en la utilización de las tecnologías de la información y la comunicación (TIC) en el ámbito de la educación y, en particular, en la creación y selección de productos multimedia para su uso en las escuelas;

53. Promover la igualdad de acceso y de uso de las TIC para chicos y chicas desde una edad temprana en las escuelas, así como en los demás contextos de la educación y la formación tanto formales como no formales;

54. Analizar cómo utilizan los chicos y las chicas las nuevas tecnologías de la información y la comunicación;

Medios de comunicación

55. Fomentar la investigación del papel que pueden desempeñar los medios de comunicación a la hora de enseñar y ayudar a los jóvenes (chicos y chicas) a desarrollar un sentido crítico hacia las representaciones sexistas de la feminidad, la masculinidad y las relaciones entre hombres y mujeres en la sociedad;

Investigación sobre cuestiones de género y educación

56. Poner en marcha y apoyar la investigación sobre género y educación, por ejemplo:

– La investigación sobre el sexismo del lenguaje oral y escrito utilizado en las aulas y en el resto de los espacios escolares, incluida la comunicación entre alumnos y alumnas;

– La investigación sobre proyectos innovadores relativos a los estereotipos de género y al comportamiento de los alumnos y las alumnas, a las representaciones de la masculinidad y la feminidad, a las nuevas identidades de las chicas, y a las relaciones entre chicas y chicos, con especial referencia al comportamiento agresivo y abusivo;

Seguimiento

57. Recopilar y tratar, de manera regular y continua, datos estadísticos sobre los alumnos y las alumnas y demás participantes en el proceso educativo, desagregados por sexo y que contemplen los niveles de instrucción, los estudios, las disciplinas y las opciones profesionales (particularmente en las materias científicas y técnicas), y publicar regularmente tales datos y darles una amplia difusión;

58. Aplicar la presente recomendación mediante el seguimiento y la evaluación de las políticas, prácticas y resultados del mainstreaming de género;

59. Evaluar regularmente las medidas adoptadas y las acciones emprendidas, publicar las conclusiones de tales evaluaciones y darles una amplia difusión entre las partes interesadas.

Y por cierto, a los efectos de la presente recomendación, incluyen las siguientes DEFINICIONES:

Por “integración de la perspectiva de género” (mainstreaming de género) se entiende: la organización (la reorganización), la mejora, el desarrollo y la evaluación de los procesos políticos, de modo que una perspectiva de igualdad de género se incorpore en todas las políticas, a todos los niveles y en todas las etapas, por los actores normalmente involucrados en la adopción de medidas políticas;

Por “presupuestos con dimensión de género” se entiende: la integración de la perspectiva de género en el procedimiento presupuestario, lo cual implica una evaluación con perspectiva de género de los presupuestos a todos los niveles de ese procedimiento, y una reestructuración de los ingresos y gastos con el fin de promover la igualdad de género;

Por “educación de calidad” se entiende: una educación que tenga en cuenta los tres elementos siguientes:

- Adecuación de los resultados a las expectativas (educación adaptada al fin buscado).

- Mejora personal y transformación (educación orientada a los procesos)

- Autonomía, motivación y participación (educación centrada en los/as alumnos/as);

Por “ciudadanía democrática” se entiende: asumir y ejercer los propios derechos y responsabilidades en la sociedad, participando en la vida cívica y política y valorando los derechos humanos y la diversidad social y cultural;

Por “escuela democrática” se entiende: aquella cuya administración se basa en los derechos humanos, la autonomía y la participación de los alumnos/as, del personal y de las partes interesadas en todas las decisiones importantes.

Ver la RECOMENDACIÓN INTEGRA

Mujeres artistas y ARCO

2011-02-20T11:28:00.001+01:00

Hoy finaliza la trigésima edición de ARCO y hay “algunos coleccionistas que, de manera anecdótica, dicen que prefieren no comprar mujeres porque a largo plazo esa obra no tendrá la duración y firmeza del inicio ya que cuando tienen hijos la carrera se ralentiza, pero esto es una mínima parte”. Con esta frase del galerista Luis Adelantado se confirma una lamentable realidad: el “techo de cristal” también existe en el mundo del arte, y en estos momentos de crisis económica la situación se radicaliza y se prioriza al hombre.

"No sé exactamente lo que habrá pasado este año, pero en la pasada edición solo hubo un 7% de artistas mujeres en la feria y me extrañaría que este año se hubiera multiplicado la cantidad", comenta Francesca Llopis, presidenta de la Unión de asociaciones de Artistas Visuales, en un artículo que hoy publica el diario EL PAÍS. Poco avance parece desde la primera edición celebrada en 1982, cuando fue solo del 4%.

El artículo de El País recoge los datos del último estudio realizado por MAV –Mujeres en las Artes Visuales- tras analizar cerca de mil exposiciones individuales organizadas en 22 centros de arte de toda España en los últimos diez años (entre 2000 y el 2009): Únicamente el 20% eran mujeres artistas, y tan solo el 9,4%, españolas. "El resultado de los informes son siempre peores de lo que pensamos, ya que en alguno de estos centros no han expuesto nunca mujeres españolas", aseguró Rocío de la Villa, crítica de arte y presidenta de la MAV. Los datos sorprenden, aseguró, porque estos centros son de reciente creación y porque el porcentaje de mujeres licenciadas en Bellas Artes no ha parado de crecer a lo largo de los años y es superior al 70% con respecto a los hombres. Según Villa las comparativas demuestran "que nos hallamos ante una discriminación sexista y lejos de un régimen de igualdad de oportunidades que defienden leyes como la del 2007".

No mejora la situación si hablamos de directoras de museos: en Madrid, por ejemplo, sólo 1 de los 20 centros analizados está dirigido por una mujer, y ninguna al frente de la gestión del arte contemporáneo, mientras que en Barcelona son 4 de 15.

En cuanto a los jurados que conceden becas y premios, sobre todo a los jóvenes artistas, la asociación ha comprobado que están formados mayoritariamente por hombres (siete hombres frente a tres mujeres).

Fuentes:

Arco, todavía un asunto poco femenino (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Arco/todavia/asunto/poco/femenino/elpepucul/20110220elpepucul_1/Tes) (20-02-2011)
El techo de cristal en el mundo del arte (http://www.elpais.com/articulo/cultura/techo/cristal/mundo/arte/elpepucul/20110220elpepucul_2/Tes) (20-02-2011)

Otros artículos de interés en El País sobre la edición de Arco 2011:

Vanguardia histórica, la asignatura pendiente de ARCO
La ”vanitas” de ARCO
“Cortar y pegar”, una larga tradición: Desde los 'collages' de Schwitters a la burla del copyright)
Algo ha cambiado. Artículo de Estrella de Diego

Google Art Project: el arte con más definición

2011-02-03T11:04:00.001+01:00

Este mes de febrero, Google ha lanzado una nueva herramienta –similar a Street View, que permite disfrutar, en altísima definición, de una colección única de obras seleccionadas de 17 de los principales museos del mundo.

Se trata de Art Project (www.googleartproject.com). Los amantes del arte podemos visitar por dentro algunas salas de estos museos, hacer un recorrido virtual de 360º y ver, con visión microscópica, detalles del trazo y el craquelado de las obras seleccionadas.

Esto ha sido posible gracias a la tecnología de Street View, que ha filmado con una resolución de 7.000 millones de píxeles (una calidad de imagen mil veces superior a la de las cámaras digitales convencionales).

Algunas de las obras que pueden verse actualmente:

“Noche estrellada”, Van Gogh (MOMA, Nueva York)
“La botella de anís del mono”, Juan Gris (Museo Reina Sofía, Madrid)
“La aparición del Mesías”, Alexander Ivanov (Galería Tretiakov, Moscú)
“El nacimiento de Venus”, Sandro Boticelli (Galleria degli Uffizi)
… Y otras obras de la National Gallery, el Hermitage, el Palacio de Versalles, la Tate Britain, el Museo Thyssen Bornemisza, el Metropolitain Museum of Art, el Rijksmuseum…

A éstas hay que sumar otro millar de obras que pueden verse virtualmente colgadas de las paredes de sus museos, acompañadas de explicaciones, por parte de comisarios y expertos del arte, en vídeos de You Tube.

¿Cómo funciona?

Guía de Google Art Project

Sólo nos queda esperar… que incluyan pronto alguna obra de una mujer artista.

Elisabeth Thompson, Lady Butler:”Pasando lista tras el combate”.

2011-01-12T16:11:00.001+01:00

El siguiente texto pertenece al blog Kilometro00, y el enlace nos fue enviado por su autor/a. Agradecemos enormemente este tipo de aportaciones. La entrada original incluye también una breve biografía de Elisabeth Thompson y enlaces relacionados (aquí)

Autora: Elizabeth Thompson

Titulo de la obra: Pasando lista tras el combate-Crimea (1854-1856)

Cronología: 1874

Movimiento artístico: Pertenece al movimiento artístico del realismo

Aspectos técnicos y formales:

La técnica utilizada es el oleo sobre el lienzo, las dimensiones del cuadro son 93.3 x 183.5 cm y fue adquirido por la reina Victoria.( se encuentra en el Palacio de Buckingham)

La acción se desarrolla en un solo plano. (con los hombres acurrucaos en los capotes, el fondo que se desvanece entre nieve y niebla y las figuras oscuras contra el brillo de la nieve)

La línea del dibujo está trazada de una forma firme y cerrada, que revela la voluntad de descripción de la artista. De la misma forma se vale de una línea o eje imaginaria horizontal, que va de izquierda a derecha del cuadro por encima de los gorros de los soldados, dividiendo el cielo y la tierra adquiriendo este ultimo mucho más peso compositivo. El cuadro está perfectamente equilibrado,las gaviotas de la parte superior izquierda se compensa con el teniente que monta ha caballo abajo y de la misma forma el pico de monte solitario que se divisa en la parte derecha superior se compensa con el soldado desplomado de abajo.

Se vale de la tensión dinámica que transmite el rectángulo para darle viveza a la obra, la dirección de la misma va de izquierda a derecha, siendo el teniente que va montando en el caballo, en su mayor proporción lo que primeramente llama la atención, el mismo caballo que camina hacia la derecha nos marca la dirección a seguir. De este caballo estaba sobre todo orgullosa en su cuadro, por haber sido uno de los primeros pintores en captar su movimiento.

Una composición académica en la que los gestos y aptitudes de los personajes de la misma tienen mucha importancia.

Mediante el ligero contraste de colores del fondo,que es frio, blanco y azulado (sugieren distanciamiento) y la de los soldados que en su menor medida tienen ligeros toques de colores cálidos en sus atuendos y accesorios como son los rojos y ocres (nos acercan más a los mismos) este poco contraste le otorga un clima de languidez ,tristeza y opresión. A la hora de referirse al espacio, parece que Elizabeth recurre al procedimiento simbólico de la representación de la perspectiva mediante la superposición de planos (es decir de los mismos soldados), para conseguir la sensación de profundidad. Se guía en un tipo de composición abierta en que los elementos son importantes todos por igual y estos se expanden hacia los extremos del cuadro.

La luz se distribuye de una forma uniforme por todo el cuadro, de alguna forma la niebla actúa como un filtro difusor y expande la luz actuando está con más o menos intensidad según la superficie de color de los soldados.

Naturalidad en gestos y aptitudes (la diversidad de las expresiones, las miradas…) La capacidad técnica para hacer las calidades de las texturas (como se puede observar en los gorros)

La visión de la realidad como objetivo principal del artista, en este caso el reflejo de un problema actual (la guerra Crimea), el interés por lo contenporaneo.

Trazos de gran expresionismo y dinamismo, no había ningún signo de debilidad femenina (este echó sorprendió a los críticos, decían que “actuaba” como un hombre, se rumoreaba de que fue enfermera cuando era mentira). Tocando el tema de la guerra, siendo un tema tan varonil, era de sorprender hallar a una mujer sin ningún tipo de debilidad femenina.

Un tema que proviene del pueblo y sus miserias, pintado con gran frialdad y vigor que deja estupefactos a los espectadores burgueses. La pincelada es firme y el contorno preciso, se huye de la pasión romantica y del calculado equilibrio de los clásicos. La pintura tiene una clara voluntad de ruptura que se manifiesta simultáneamente en el terreno de las formas y en el de los contenidos.

Hay un claro impulso ético, un cierto deseo de transformar el mundo en el que le ha tocado vivir. La pintura tiene mucho que ver con la reducción al plano del mundo exterior que se opera utilizando la cámara fotográfica.

Sus cuadros tienen similitud con los de Goya, en ese realismo sucio que parece pintada con el barro de la batalla y en ellas no hay ni nobles ejércitos pintados, ni muertes dignas de soldados. Era la cruda y dura realidad de las batallas lo que quería transmitir.

Una guerra de hombres contra hombres, sin escenas heroicas ni limpios uniformes, real y sucia, sangrienta y violenta. Pinta a los soldados heridos sin saber estos si ganaron o perdieron, como sin importarles que bando tenía más bajas o menos…Es lo social, lo humano lo que le interesa, rechaza la política en sus cuadros.

Aspectos temáticos:

Temática histórica/bélica. Se representa una composición de la historia militar Inglesa, (la batalla de Crimea)

Relación o comparación con otros artistas:

Influenciada por la escuela de Meissonier, en la confraternidad pre-rafaelita y las batallas de comienzos del siglo XIX, esto es evidente en su gran formato y meticuloso realismo. En 1870 había visitado el salón de París este echo fue el que la hizo plantearse el desarrollar temas bélicos (algo no muy explotado en su país natal), descubrió el enfoque que sus comtemporaneos franceses le daban a las pinturas de guerra y sintió la necesidad de adaptarlo al contexto de su país.

Sus primeras clases las recibe con William Standish en Londres, luego se matriculo en las clases elmentales de la female School of art (algunas cosas le parecerán irrisorias y la abandonara),en 1866 volvera a las clases más avanzadas, llegara incluso a tener una clase para dibujar a una modelo femenino sin ropaje.

Valoración:

Este cuadro marco un antes y un después en el tratamiento de los temas bélicos en Gran Bretaña. Lo que la hacía diferente de las demás era que mientras los cuadros que había no eran más que representaciones de panorámicas de batallas y escenas de oficiales engalanados los de ella era cuadros en los que se plasmaban las consecuencias de la guerra y la relevancia de sus auténticos protagonistas, los soldados rasos. Ella misma escribió en su autobiografía: “Nunca pinte la gloria de la guerra, sino que retrate su pathos y heroísmo”.

Fue denominada como “la primera pintora que ensalzo el valor y la fortaleza del soldado británico común”.

El príncipe de Gales mostro interés en adquirirlo, pero el señor Galloway, el mecenas que lo había encargado y que ya había pagado 126 libras por el, al final se lo tuvo que ceder a la reina victoria, no menos impresionada que su hijo. El cuadro se llego a vender por alrededor de 1200 libras. Tuvo que pintarle otro al jefe industrial Galloway.

Este cuadro fue, el “culpable”, de la efímera fama que llego a conseguir la artista, superando las restricciones impuestas a su sexo y desarrollando su obra ambientado en un mundo de hombres.

Se vio en toda Europa con gran éxito, esto, hizo que la cotización de sus obras subiera muy rápidamente.

El éxito de la obra fue tan grande que se tuvo que recurrir a la protección policial para contener a las muchedumbres que se agolpaban en las puertas de la academia para contemplar la que se definió como la pintura del año. En muy poco tiempo un montón de copias de la misma se empezaron a vender por todo el país. Se la podía ver en salones, postales, incluso plasmada en botes de galletas.

Su interés por la representación de temas bélicos puede venir relacionado con la historia de estas y su aceptación y apreciación por la academia, algo que era de tomar en consideración si se aspiraba a convertirse uno en profesional. Esto a su vez le permitía trabajar sobre los que para ella eran los verdaderos héroes o protagonistas de las batallas, los soldados rasos.

Jean Louis Meissonier artífice de una serie de cuadros sobre las hazañas de Napoleón, aseguro “Inglaterra solo tiene un pintor militar y es una mujer”

Elizabeth se alejo de los estereotipos en que se dividían esta clase de lienzos (el retrato oficial y la escena de batalla) y prefirió a los soldados rasos que a los generales y los presentaba como héroes y a la vez ciudadanos, gente de lo mas normal y vulgar, clave en sus obras a la hora de la identificación del espectador con los personajes en ellos representados. Lograba que el público se emocionase con el sufrimiento de las tropas, entre cuyos miembros podía haber un hijo, un esposo o un padre. Su finalidad no era otra que situar al ciudadano en el corazón de la aventura política, dar esa fuerza de identificación con la nación (algo que vio en el enfoque de de lo que para ella era el maestro Meissonier)

En sus cuadros pretendía ensalzar tres cualidades esenciales: el coraje, la solidaridad y el deber. Estos valores los defendían los soldados que representaba en sus cuadros siempre envueltos en el caos de la batalla.

La principal preocupación de Elizabeth eran las consecuencias de la guerra, pero a nivel nacional sino individual, visibles en las posturas y expresiones de sus personajes, que muestran fatiga, miedo o decepción. Sus individuos son anónimos y esto hace que cualquiera de nosotros como humano se pueda identificar con los personajes.

WAR: ¡Women Art Revolution

2011-01-06T22:18:00.001+01:00

“!Women Art Revolution: A Formerly Secret History” es un documental que recorre la evolución del movimiento artístico feminista surgido en Estados Unidos durante la década de 1960’.

Su directora, Lynn Hershman Leeson fue partícipe activa de este movimiento y ha pasado 42 años documentándolo. A través de entrevistas íntimas, obras de arte provocadoras y fragmentos de vídeos raramente vistos hasta ahora, nos acerca al que muchos historiadores e historiadoras consideran el movimiento artístico más significativo de finales del siglo XX.

“Women Art Revolution: A Formerly Secret History” se presenta este mes de enero (2011) en el apartado New Frontier, del festival Sundance y es parte de un proyecto transmedia que incluye una instalación y la creación de una página web. (Ver extracto)

RAW/WAR, la website, es un portal excelente, abierto a las contribuciones, que pretende impedir que el olvido se repita, por decirlo de alguna manera (sobre Raw/War). Sus archivos incluyen Documentales-Documentación- Cine/vídeo experimental- Entrevistas- Multimedia- Vídeos musicales-Performance-Producciones de TV y otras categorías.

La biblioteca de la Stanford University aloja los archivos de la colección Women Art Revolution -un ejemplo de colaboración que ya podría copiarse por estos lares- y desde este sitio puedes tener acceso a vídeos, transcripciones de las entrevistas, biografías, y enlaces de todo lo que aparece en el documental y a otros recursos sobre estudios feministas: WAR: Voices of a mouvement.

Un ejemplo de la información que puedes encontrar sobre las mujeres artistas que aparecen en el documental:

Antin, Eleanor

Antoni, Janine

Baca, Judith Francisca

Lacy, Suzanne

De Bretteville, Sheila

Hershman-Leeson, Lynn, 1941-

Kushner, Robert, 1949-

Lacy, Suzanne

Lippard, Lucy R.

Pindell, Howardena, 1943-

Rainer, Yvonne, 1934-

Reilly, Maura

Rich, B. Ruby

Ringgold, Faith

Rosenthal, Rachel, 1926-

Rosler, Martha

Roth, Moira

Sackler, Elizabeth A.

Schapiro, Miriam, 1923-

Schneemann, Carolee, 1939-

Sims, Lowery Stokes

Spero, Nancy, 1926-2009.

Tucker, Marcia

Utterback, Camille, 1970-

Vicuña, Cecilia

Wilding, Faith

Wilson, Martha, 1947-

Guerrilla Girls

Gradiva: Smoking Club

2011-01-02T19:49:00.001+01:00

Hoy, 2 de enero de 2011, ha entrado en vigor la Ley 42/2010, de 30 de diciembre, por la que se modifica la Ley 28/2005, de 26 de diciembre.

Las Cortes Generales han aprobado y Juan Carlos I Rey de España ha sancionado la Ley de medidas sanitarias frente al tabaquismo y reguladora de la venta, el suministro, el consumo y la publicidad de los productos del tabaco.

Vamos, que hoy ya no se puede fumar en lugares públicos. ¡Qué le vamos a hacer! Nos tendremos que acostumbrar, es decir, que acabaremos creando nuevas costumbres.

Otros países ya lo han hecho… y ya está.

GRADIVA: Smoking Club

Por eso hoy se inaugura este blog, privado, sólo para soci@s.

Un blog-espacio donde está permitido fumar. Con buena ventilación, aislamiento, insonorización…

En este club privado de Gradiva.es podemos fumar mientras leemos sobre mujeres artistas (las que fumaban y las que no), sobre otras mujeres fumadoras y transgresoras, sobre otros artistas – en especial los fumadores-, disfrutamos de sus obras, las comentamos, contactamos, escuchamos música para disfrutar fumando, vemos películas en las que los buenos fuman,... y no molestamos a nadie.

Sólo soci@s, para respetar la ley.

Y el contenido… para adultos. Porque no pretendemos delinquir ni incitar al tabaquismo.

Regístrate

REGÍSTRATE (indicando “smoking Club” en el cuerpo del mensaje) y te incluiremos en la lista de soci@s. Recibirás un mensaje de acceso.

¿Qué encontrarás?

Algo como esto:

Ramón Casas: Autorretrato

Ramón Casas: Retrato de Miguel Utrillo

Ramón Casas: autorretrato

Ramón Casas: "Los Cigarrillos París: son los mejores"

Ramón Casas: Madeleine

Más: RAMÓN CASAS (COLEGAS INVITADOS)

O como esto:

Maggie Hambling, artista británica.

Claro que en "Una conversación con Oscar Wilde" no puede faltar un cigarrillo...

A conversation with Oscar Wilde. Maggie Hambling.

Adelaide Street. Londres

Oscar Wilde. Maggie Hambling

O algo así:

Pablo Picasso

O algo como esto otro:

Agnes Goodsir (Australia 1864, Francia 1939) Girl with Cigarette ca.1925 Óleo/Lienzo 100.0 x 81.0 cm Localización: Bendigo Art Gallery (Donación de Amy E. Bayne)

… y publicidad

y arte Postal…

¿Quieres ser nuestr@ invitad@?

REGÍSTRATE

http://gradivasmokingclub.blogspot.com

Las Herejes y sus Herejías

2010-12-25T17:25:00.001+01:00

A principios de los años setenta, en Nueva York, un grupo de mujeres, vinculadas de diferente forma con los campos de la producción artística y la crítica, crearon el colectivo The Heretics –las herejes-, que fue el germen de la publicación feminista sobre arte y política Heresies (1977-1992).

Patsy Beckert

Arlene Ladden

Elizabeth Weatherford

Sally Webster

Nina Yankowitz

Death of The Patriarchy, de Mary Beth Edelson

Heresies Poster by Heresies Collective/from the collection of Mary Beth Edelson

HERESIES, la revista

Heresies pretendía estimular el dialogo y generar nuevas energías creativas entre las mujeres. Publicaron 26 números entre 1977 y 1992.

(Lee/echa un vistazo/Descarga todos los números de la revista -PDF)

Ver álbum completo

Joan Braderman, una de las cofundadores del grupo, dirigió el documental “The Heresies”.

Página web sobre “The Heretics”, el vídeo y toda la información…

MAGDA FRANK: Homenaje

2010-12-22T22:26:00.001+01:00

Tras el fallecimiento -el pasado 23 de junio de 2010- de la escultora húngara, naturalizada argentina, Magda Frank, el Museo Oscar Niemeyer le consagra una gran exposición retrospectiva y exhaustiva que puede visitarse hasta el 13 de marzo de 2011 (en la Sala Frida Kahlo). Más información: MAGDA FRANK: Homenaje.

MAGDA FRANK

(extractos de http://www.magdafrank.com/)

Magda Frank (Fisher) nació el 20 de julio de 1914 en Kolozvar, Transilvania.
Comienza sus estudios de arte en la Escuela Superior de Bellas Artes de Budapest, en el taller Beni Ferenczy. Más tarde, continúa sus estudios en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Budapest, en el taller de Miklos Borsos, donde trabaja la piedra, la madera y el metal.
Tras abandonar Hungría huyendo de las persecuciones nazis, se instala en Berna, Suiza, donde es acogida por la familia Caille, de la que realiza varios retratos. Más tarde, se traslada a Paris, allí estudia en la Academia Julian, donde tiene por maestro al escultor Gimond, que la guía en sus búsquedas. “Hay que hacer abstracción de la naturaleza; la construcción geométrica es el esqueleto de una escultura”, le dijo.
Ya en 1950, embarca rumbo a Buenos Aires, para visitar a su único hermano sobreviviente. Sus obras, empiezan a definirse con un lenguaje propio: los planos, las líneas definidas y las rectas se acentúan cada vez más; la construcción se realiza en triángulos agudos, como una flecha gótica que trata de liberarse de la tragedia terrenal. Luego sus esculturas comienzan a encerrarse sobre ellas mismas. Los triángulos se hacen rectángulos. La composición ortogonal predomina.(…) Leer más…

Casa Museo Magda Frank

La Casa Museo de Magda Frank, abrió sus puertas en 1995, año en que la artista volvió a la Argentina para radicarse definitivamente junto con toda su obra, traída desde Francia. La colección cuenta con obras de todas sus búsquedas; tallas en piedra, maderas, bronces y obra gráfica.

¿Dónde…?

En la calle Vedia 3546, en el barrio de Saavedra, Buenos Aires –Argentina-

Maruja Mallo. Mitad ángel, mitad marisco.

2010-12-16T11:31:00.001+01:00

El documental Maruja Mallo. Mitad ángel, mitad marisco realiza un completo recorrido por la vida y obra de esta pintora surrealista gallega.

Emitido el 16 de diciembre 2010 en el programa de TV Imprescindibles (La 2) Duración: 77 minutos.

Ver documental

Dirigido por Antón Reixa con guión de Antón Patiño, este documental –producido por la Sociedad Española de Conmemoraciones Culturales (SECC) en colaboración con la Fundación Caixa Galicia y TVE– Imprescindibles (programa de TV emitido por La 2) profundizará esta noche, a partir de las 22.00 horas, en el mundo interior y artístico de Maruja Mallo.

Maruja Mallo. Mitad ángel, mitad marisco, a través de imágenes de archivo y alguna reconstrucción de la vida real de la pintora gallega que repasa el desarrollo de su pintura y el contexto de la época, cuenta con declaraciones de la propia artista y los testimonios de Antonio Bonet Correa, Juan Manuel Bonet, Antón Castro, Isaac Díaz Pardo, Estrella de Diego, María Escribano, Antonio Gómez Conde, Fernando Huici, Emilio Insúa, Shirley Manzini, Carlos Nuevo, Guillermo de Osma, Marga Paz, Rosario Peiró, Carmen Pena, Juan Pérez de Ayala, Marifé Santiago Bolaños, José Vázquez Cereijo, Ana Vázquez de Parga y Carme Vidal.

Maruja Mallo. mitad ángel, mitad marisco simula un collage autobiográfico con un interesante recuento de los personajes que fueron influyentes en su vida, como Salvador Dalí –que fue quien la describió como “mitad ángel, mitad marisco”, André Breton, José Ortega y Gasset, Federico García Lorca, Pablo Picasso, Luis Buñuel, Ramón Gómez de la Serna y José Vázquez Cereijo, entre otros.

Más sobre Maruja Mallo:	Bibliografía, recursos, enlaces…
Biblioteca de Mujeres Artistas Mujeres en el Arte: Archivos: Maruja Mallo

Ángela de la Cruz, más allá del Premio Turner 2010

2010-12-13T22:35:00.001+01:00

El prestigioso premio Turner se concede anualmente por la Tate Britain a un artista menor de 50 años que, independientemente de su nacionalidad, haya exhibido sus trabajos en el Reino Unido a lo largo de los últimos doce meses.

La elección del premio Turner es uno de los acontecimientos artísticos más importantes de Londres y suele dividir a la crítica por su tendencia a destacar trabajos marcadamente conceptuales. Sin embargo, este año, la lista de artistas seleccionados (el inglés Dexter Dalwood, la escocesa Susan Philipsz, el dúo londinense Otolith Group y la española Ángela de la Cruz) hacía pensar en un regreso a la pintura y una ruptura con el habitual predominio de apuestas más radicales.

El pasado 6 de diciembre su conoció el veredicto.

And the winner was… el arte sonoro de Susan Philipsz, artista escocesa de 44 años, residente en Berlín, que atrajo la atención del jurado del premio Turner con la instalación sonora Espejos, que en su día exhibió el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO). Sus propuestas, según el jurado del Turner, reflejan "una tensión entre el sentimiento de las canciones y ciertos entornos descuidados".

Ángela de la Cruz no consiguió el premio, pero haber sido una de los cuatro finalistas al Premio Turner es todo un triunfo. La selección de su exposición “After”, en el Camden Arts Centre, supuso una sorpresa para la crítica británica, que sin embargo la señaló hasta última hora, como una de las favoritas a hacerse con el galardón.

La artista gallega (La Coruña, 1965) ha marcado, en cualquier caso, un hito al convertirse en la primera española finalista del Turner en sus 26 años de singladura.

Residente en Londres desde 1989, Ángela de la Cruz llamó la atención del jurado por su obra, caracterizada por la deconstrucción de sus pinturas, que rompe, rasga y dobla para presentarlas como esculturas. En la presentación de los finalistas, el jurado del Turner destacó que la artista gallega considera “el bastidor una extensión del cuerpo humano”, y recordó que ya en su época de estudiante en Londres empezó a romper los bastidores de los cuadros “para liberarlos de los límites”.

En 2005, un cavernoma mandó a la artista a una silla de ruedas. Pero ni la enfermedad ni una obligada pausa pudieron con la dedicación de esta mujer que necesita de sus asistentes para materializar lo que ella define como escultura con técnica pictórica.

A pesar de no haber obtenido el premio (ni las 25.000 libras con las que está dotado) Ángela de la Cruz ha conseguido una posición que afianza su nombre en los círculos internacionales. Sus pinturas escultóricas o esculturas pictóricas serán objeto de su primera exposición individual en España, el próximo 21 de enero, en la galería madrileña Helga de Alvear.

"Lo reciclo todo. Los lienzos que no funcionan pasan a formar parte de otros".

"Como si se marcharan por ahí y después de un tiempo volvieran a casa, que es el bastidor. Suerte que aunque estén hechos polvo se pueden colgar igual"

-Ángela de la Cruz-

Laure Albin-Guillot. Fotógrafa

2010-12-04T21:23:00.001+01:00

Laure Albin-Guillot (1879-1962).

Nacida Laure Maffredi en Paris, estudió dibujo y pintura antes de iniciarse en la fotografía, atraída quizás por las posibilidades que ofrecía un arte que, al tratarse de un campo nuevo, podía abrir nuevas puertas a la mujeres.
Con sólo 18 años se casó con un científico -el Dr. Albin-Guillot- que le introdujo en un nuevo mundo, visto a través del microscopio. La pareja trabajó en la exploración de las formas microscópicas de las plantas y los animales. (Algo que recuerda, sin duda, a los trabajos de D. Santiago Ramón y Cajal, fotógrafo, pintor, médico y neurólogo ilustre; aragonés y premio Nobel de medicina, por más señas)

Micrographie Décorative, es una serie de fotografías, en homenaje a su esposo muerto, en la que utiliza la técnica propia del laboratorio para crear un repertorio de formas que resulta muy contemporáneo.

Su trabajo abarca también géneros clásicos como el retrato, el paisaje y el desnudo, del que fue una pionera, retratando hombres desnudos, algo inusual incluso en Paris, capital del mundo artístico en los años 30’ (1930s).

Su estilo se mueve entre la tradición del pictorialismo decimonónico y la modernidad de las vanguardias históricas.

¿Será verdad el rumor de que su modelo, el actor Michel Lemoine, era su amante...?

La Revue Francaise de Photogrpahie le concedió la medalla de oro en 1922 y en 1925 se le dedicó una sala en el Salon d'Automne.

Fue Presidenta de la Societé d’Artistes Photographes, responsable de la Cinémateca francesa en el Palais de Chaillot y Jefa del Servicio de Archivos Fotográficos de Bellas Artes.

Perteneciente al círculo íntimo de Pierre Löuys, Paul Valèry y André Gide, ilustró algunos de sus libros: Narcisse de Valèry o Chansons de Bilitis dePierre Löuys.

Laure Albin-Guillot murió en 1962, en la Maison d'Artistes, de Nogent-sur-Marne.

Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones, incluyendo el Getty Museum, Yale University Art Gallery, National Galery of Canada, George Eastman House, la Biblioteque Nationale y, por supuesto, the Societe Francaise de Photographie.

Retrato de Venny Soldan-Brofeldt. Por Hanna Hirsch

2010-11-14T21:27:00.001+01:00

Retrato de Venny Soldan-Brofeldt. Hanna Hirsch ca. 1887?

El cuadro, de marcada tendencia realista, muestra a una mujer artista en pleno trabajo, sentada en el suelo, sobre unas esterillas manchadas de pintura que le aíslan del frío, delante de un biombo y una mesilla, o un taburete. En su mano lleva lo que parece ser arcilla y está rodeada de un molde de escayola y de diferentes herramientas de modelado. Un retrato nada convencional de… -¿una escultora?- La pequeña escultura que aparece al fondo, junto a un lienzo apoyado contra la pared, podría apoyar esta apreciación.

Este retrato de Venny Soldan, pintado por Hanna Hirsch, fue aceptado en el Salón de Paris de 1887, pero la crítica lo consideró "poco femenino", una "vergüenza" y "feo".

LA MODELO:

Wendla "Venny" Irene Soldan-Brofeldt artista finlandesa (1863, Helsinki – 1945, Lohja). Aunque en este retrato aparece representada como escultora, lo poco que he podido encontrar –y comprender, ya que los textos sobre ella se encuentran escritos en finlandés –y no hay quien entienda nada…-parece indicar que en algún momento se decantó por la pintura, o que lo compaginó.

Aunque para la mayoría de nosotros Venny Soldan-Brofeldt sea tan desconocida como otras tantas artistas escandinavas –y sus colegas, que tampoco conocemos a muchos…-la televisión de su país realizó en 2003 una miniserie sobre su vida, que al parecer se centra más en sus aspectos biográficos poco comunes que en su obra. O quizás no, ya que solo escribo de… leídas. (Fuente:http://www.imdb.es/title/tt0349039/):

“VENNY” (2003)

Biopic para televisión. Dir. Pekka Ruohoranta. Guión: Liisa Urpelainen

Casada en 1891 con un famoso periodista y escritor finlandés, Juhani Aho, que pronto comenzó a mantener una relación amorosa simultánea con Matilda “Tilly” (1873-1931), la hermana de Venny. Ambas tuvieron hijos con él, y vivieron un triangulo amoroso poco convencional, viviendo juntos en Finlandia y recorriendo Europa durante la época de la Primera Guerra Mundial y la Guerra Civil Finlandesa (1917-18).

Obras de Venny Soldan-Brofeldt

LA PINTORA:

HANNA HIRSCH, también conocida como Hanna Pauli tras su matrimonio con el pintor Georg Pauli, fue una pintora sueca (Estocolmo 13 de enero de 1864 – Solna 29 de diciembre de 1940).

Hija de un conocido editor de música y sobrina de Adolf Hirsch, pintor paisajista, comenzó a estudiar arte a la temprana edad de doce años en la escuela de arte para mujeres de August Malmström, junto con pintoras tales como Karin Bergöö (después esposa de Carl Larsson) y Eva Bonnier, con quien también estudió pintura en la Royal Swedish Academy of Arts de Estocolmo y donde recibió una medalla en 1885, por un estudio de luz con figuras, Junto a la lámpara:Desde 1885 hasta 1889 estudió en Paris, donde compartió, durante algún tiempo, un estudio con Eva Bonnier.

Su retrato de Venny Soldan fue aceptado en el Salón de Paris de 1887.

En 1886 conoció a su futuro marido, Georg Pauli, en Barbizon. A raíz de su matrimonio en 1887, Hanna Pauli se independizó económicamente, pudiendo proseguir su carrera, que fue estimulada por una serie de viajes a Italia, España y Francia para pintar.

Se convirtió en una dotada retratista, aunque de su descarada versión del realismo en los años ochenta, evolucionó hacia un arte de la imaginación en los noventa, pintado motivos sacados de cuentos de hadas.

Hanna Hirsch, Selma Lagerlof (1929-30)

Hanna Hirsch-Pauli, Retrato del marido de la pintora, Georg Pauli sentado en un sillon

Hanna Pauli, Gerda (1891)

Hanna Pauli, Retrato de Ellen Key (1902)

Más cosas:

Lista de artistas suecos/as (entre los que no está Hanna Hirsch…)
Una fuente imprescindible:
- Hanna Hirsch-Pauli. El Impresionismo Sueco.

A propósito del Premio Nacional de Artes Plásticas

2010-11-09T22:34:00.001+01:00

Tras la negativa del artista Santiago Sierra a aceptar el Premio Nacional de artes Plásticas 2010 que le había otorgado, el pasado 4 de noviembre, el Ministerio de Cultura del Gobierno de España, escribí una entrada en el blog “Una estantería anexa”, reconociendo la coherencia del artista, intentando acercarme a su obra… comprender el motivo de su decisión…

Y me quedaron dudas, y me quedaron preguntas…. y busqué… y quise saber quién había sido premiado en anteriores ocasiones…

LA PÁGINA WEB DEL MINISTERIO DE CULTURA

En la página web del Ministerio de Cultura –pobre página web, qué vergüenza- podemos leer que se trata de “una convocatoria anual que se inició en el año 1980”, que “la concesión del Premio Nacional de las Artes Plásticas es el reconocimiento de la sociedad a las personas como recompensa a la meritoria labor de los galardonados, que con su creación artística contribuyen al enriquecimiento del patrimonio cultural de España”; y que “los candidatos serán presentados por los miembros del jurado o por las entidades relacionadas con la actividad artística”.

Eso es todo.

Al intentar abrir el documento “Creación del Premio Nacional de las Artes Plásticas y su desarrollo. Órdenes vigentes (DOC 32 KB)” que se incluye como contenido relacionado… no pasa nada. Vuelta a intentarlo… Sólo puedes leer el texto guardándolo previamente…

Se trata de la ORDEN DE 22 DE JUNIO DE 1995 POR LA QUE SE REGULAN LOS PREMIOS NACIONALES DEL MINISTERIO DE CULTURA Y SE CONVOCAN LOS CORRESPONDIENTES AL AÑO 1995, INCLUYE MODIFICACIONES POSTERIORES, (BOE n. 154 de 29/6/1995). *

El texto, resumido a mi manera -en verde el texto original, y subrayado lo que me interesa o llama mi atención-, sería algo así:

Bla,bla,bla,(…) Con el carácter de Premios Nacionales se convocarán anualmente los siguientes:

Premio Nacional de las Artes Plásticas. Premio Nacional de Fotografía. Premio Nacional de Restauración y Conservación de Bienes Culturales, de las Letras Españolas, Premio Nacional de Literatura en sus diversas modalidades(4)…de Historia, Traducción(2)…Literatura Infantil y Juvenil….Teatro, Música(2)… Danza, Circo y Cinematografía… Dieciocho en total, si la suma no me falla.

Bla, bla bla… (…)1. Los Premios Nacionales se otorgarán como recompensa y reconocimiento a la meritoria labor de los galardonados (…) 2. Los premios se otorgarán con base en las actividades de creación cultural realizadas por personas físicas o colectivos susceptibles de ser considerados como creadores cualquiera que sea su personalidad jurídica.

Se exceptúan(…)que podrán bla,bla,bla. (…)3. Para la concesión de los premios se tendrá en cuenta la calidad de las obras o actividades recompensadas, y su significación como aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural y artística españolas.(…)Tercero.- 1. La dotación económica de los premios será de… 30.000 euros para unos, de 15.000 euros para otros (si yo fuera escritora, traductora o historiadora… me molestaría mucho)… y sin dotación económica para los Premios Nacionales a la Mejor Labor Editorial Cultural y al Fomento de la Lectura, que tienen carácter honorífico –¿y quizás publicitario?- bla,bla,bla.

Cuarto.- 1. Cada premio se fallará por un jurado integrado por un número de miembros no inferior a cinco ni superior a diez, que serán designados por la Ministra de Cultura, a propuesta de cada uno de los Directores Generales competentes, entre personas de reconocido prestigio en las actividades objeto de los respectivos premios nacionales y, preferentemente, entre los que propongan las instituciones, academias, corporaciones o asociaciones profesionales, de forma que quede garantizada al máximo la idoneidad, competencia e independencia de los jurados.

En las propuestas de los jurados deberá velarse por mantener la paridad entre hombres y mujeres.

Además formarán parte del jurado las personas premiadas en la anterior convocatoria de cada uno de los premios o, en su caso, un representante de la persona jurídica premiada, libremente designado por ésta. Bla,bla,bla, cuestiones varias…(…)

4. Los miembros del jurado tendrán derecho a percibir las gratificaciones correspondientes a sus trabajos de asesoramiento y, en su caso, los gastos de locomoción y alojamiento.

Quinto.-Los candidatos serán presentados por los miembros del jurado o por las entidades culturales o profesionales relacionadas con las actividades artísticas o culturales objeto de cada premio, mediante propuestas razonadas dirigidas a la Ministra o a los propios jurados, una vez constituidos.

Sexto.-El fallo del jurado se elevará a la Ministra (…) «Boletín Oficial del Estado».

Séptimo.-La entrega de los premios concedidos se efectuará en un acto o actos públicos, convocados al efecto, a los que se dotará de la trascendencia, solemnidad y publicidad adecuadas.

Octavo.-En ningún caso, la concesión del premio implicará cesión o limitación de los derechos de propiedad intelectual de su autor.

(…) Cuestiones sobre el Régimen Jurídico, Procedimientos… de dónde sale el dinero para pagar los premios, a los jurados, los actos públicos y sus ágapes –aunque no se mencionan…-

Undécimo.-1. Se convocan los premios nacionales correspondientes al año 1995

Bla,bla,bla,

Madrid, 22 de junio de 1995.

ALBORCH BATALLER

Bla,bla,bla

* Nota: El texto que se ofrece en esta página está destinado a su uso como instrumento documental. El Ministerio de Cultura no se hace responsable de su contenido. Este texto no tiene validez jurídica alguna. Para fines jurídicos consulte los textos publicados en los Boletines y Diarios Oficiales.

Las actualizaciones, desde 1995, las obtienes enlace tras enlace… pero nada nuevo, en realidad.

LOS PREMIADOS

Sabiendo algo más sobre LOS PREMIOS NACIONALES DEL MINISTERIO DE CULTURA, quise saber quiénes habían recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas, desde su creación –en 1980 según la página web- y 2010, año en que Santiago Sierra lo rechaza. Y de paso, ver cuántas mujeres lo ha recibido y quiénes. Un enlace… click…

2010.
Santiago Sierra

2009.
Nacho Criado

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2009.(PDF 155 KB)

Biografía Nacho Criado. (PDF 88KB)

2008.
Esther Ferrer

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2008.(PDF 145 KB)

Biografía Esther Ferrer (PDF 88KB)

2007.
Isidoro Valcárcel Medina

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2007 (PDF 37 KB)

Biografía Isidoro Valcárcel Medina (PDF 94 KB)

2006.
PereJaume

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2006 (PDF 47 KB)

Biografía Perejaume (PDF 42 KB)

2005.
Antoni Muntadas

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2005 (PDF 87 KB)

Biografía Antoni Muntadas (PDF 94 KB)

2004.
Carlos Pazos

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2004 (PDF 36 KB)

Biografía Carlos Pazos (PDF 21 KB)

2003.
Alcain, Alfredo

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2003 (PDF 33 KB)

Biografía Alfredo Alcaín (PDF 35 KB)

2002.
Juan Uslé

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2002 (PDF 40 KB)

Biografía Juan Uslé (PDF 50 KB)

2001.
Juan José Aquerreta

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2001 (PDF 36 KB)

Biografía Juan José Aquerreta (PDF 41 KB)

2000.
Juan Muñoz

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2000 (PDF 40 KB)

Biografía Juan Muñoz (DOC 98 KB)

1999.
Pablo Palazuelo y Cristina Iglesias

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1999 (PDF 47 KB)

Biografía Cristina Iglesias (DOC 37 KB)

Biografía Pablo Palazuelo (DOC 46 KB)

1998.
Cristino de Vera

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1998 (PDF 29 KB)

Biografía Cristino de Vera (DOC 26 KB)

1997.
Ramón Gaya

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1997 (PDF 34 KB)

Biografía Ramón Gaya (DOC 90 KB)

1996.
Miguel Ángel Campano

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1996 (PDF 107 KB)

Biografía Miguel Ángel Campano (DOC 27 KB)

1995.
José Manuel Broto Gimeno

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1995 (PDF 48 KB)

Biografía José Manuel Broto Gimeno (DOC 53 KB)

1994.
Eva Lootz

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1994 (PDF 73 KB)

Biografía Eva Lootz (DOC 40 KB)

…¿Y de 1980 a 1994…? No hay datos, no hay información, nada de nada. ¿Catorce años`para olvidar…? Espero que no, la siguiente búsqueda será esta: ¿Quien recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas entre su primera convocatoria –1980- y 1994?

MUJERES ARTISTAS PREMIADAS CON EL PREMIO NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS

Pues desde 1994 hasta 2010… Tres: Eva Lootz (1994), Cristina Iglesias (compartido, en 1999) y Esther Ferrer (2008), en 17 años. ( Y eso que según he leído: “En las propuestas de los jurados deberá velarse por mantener la paridad entre hombres y mujeres. “)

Fuentes:

http://www.mcu.es/promoArte/CE/Premios/NacionalArtesPlasticasPresentacion.html

(Mercedes García Bravo, para Gradiva.es)

Gerda Wegener: “Gerda y Lili”

2010-10-19T21:26:00.002+02:00

Gerda y Einar

“ Gerda Wegener -Gerda Marie Fredrikke Gottlieb- nació en Copenhague, el 15 de marzo de 1885 (quizás 1889).

Hija de un pastor de la iglesia, se trasladó a Copenhague para inscribirse en la Academia de Bellas Artes, donde conoció a Einar Wegener (1882- 1931), con quien se casó en 1904. Einar fue un reconocido artista, especializado en paisajes, y Gerda logró hacerse un buen nombre como retratista e ilustradora.

Tras viajar por Italia y Francia, la pareja se estableció en Paris en 1912.”

Fisherman’s cottage (Einar Wegener); Retrato de Ulla Pulsen (Gerda Wegener, 1925)

Gerda y Lili
Esta historia, que no tendría nada de especial, dio un giro inesperado –o quizás no tanto- durante una sesión de posado para un retrato que Gerda estaba realizando de la entonces popular actriz danesa Anna Larsen. La modelo no podía acudir a la sesión y, ante las quejas de la pintora, la actriz sugirió que podía ser sustituida por Einar para la parte inferior del cuadro: "Sus piernas y sus pies son tan bonitos como los mios”, dicen que dijo.(1)
A partir de entonces, Einar Wegener, que para muchos era un artista con más talento, dejó aparcada su carrera, convirtiéndose en Lili, la modelo femenina que dio notoriedad a la obra de su esposa, Gerda Wegener.
Gerda Wegener: Gerda y Lili

Gerda, Einar y Lili
Tras el escándalo que supuso en Copenhague conocer la identidad real de Lili, la pareja se trasladó a París, una ciudad más cosmopolita y abierta, donde Lili y Gerda podían tener más oportunidades, como así fue:
Einar -que cuando vestía ropas masculinas era tomado por una mujer travestida-, comenzó un tratamiento médico. Con mucho valor, sin duda, había decidido que, realmente, no era un hombre, sino una mujer, y que tenía que poner remedio.
Paris le ofrecía, además, la posibilidad de aparecer en público bajo su nueva identidad, acompañando a Gerda que, en ocasiones, le presentaba como Lili, “la hermana de Einar”(2).

Gerda, de quien se decía que era lesbiana, alcanzó la fama como ilustradora con sus trabajos para publicaciones como Vogue, La Vie Parisienne o Fantasio, y sobre todo por su colección de ilustraciones de temática lésbica –¿con Lili como modelo?- para el libro “Douze Sonnets Lascifs” (1925) , de Louis Perceau, un poeta francés reconocido por sus poemas eróticos.

Lili Elbe
La verdad es que este lío de arte, géneros y sexos, que parece que no puede enredarse más… lo hace.
Porque Lili (Einar Wegener) siguió adelante con su transformación: más allá del travestismo, buscó ayuda médica en los especialistas de la época: parecer una mujer no era suficiente, él era una mujer. Y se puso en manos de los cirujanos.

La cirugía de cambio de sexo en los años 20’ era… lo que era. Lili conocía los riesgos y pese a todo se sometió a varias operaciones.
En octubre de 1930, el rey de Dinamarca declaró nulo su matrimonio con Gerda. Y obtuvo una nueva identidad y un nuevo pasaporte: Lili Elbe.(3)

Pero en aquel momento no se conocían los riesgos del rechazo a los trasplantes y finalmente, Lili Elbe murió en 1931, a los cuarenta y nueve años, tras una nueva operación –la quinta- con la que pretendía poder llegar a ser madre.(4)
(En la foto: Lili con una enfermera)
(Lili, con un amigo y Gerda)
Gerda y Nando Porta
Gerda, que siempre acompañó a Lili durante esta experiencia terrible y traumática, se casó en 1931 con el oficial italiano Fernando Porta –Nando-, con quien se mudó a Marruecos.

Gerda Wegener
Tras su divorcio en 1936, Gerda regresó a Dinamarca en 1938. Expuso por última vez, ya sin mucho éxito en 1939 y murió en Frederiksberg, el 28 de julio de 1940.
Gerda Wegener pintando a la directora de cine Alice O'Frederiks. Copenhage.
Y ADEMAS DE ESTO…
Man into a Woman: Andreas y Greta

Lili Elba (Einar Wegener) escribió sobre sus experiencias, como una forma de terapia y de dar a conocer su “problema”.

Su amigo Ernst Ludwig Hathorn Jacobson recopiló sus escritos y publicó un libro, primero como autor y luego como editor, bajo el pseudónimo de Niels Hoyer. Tras la edición danesa le siguió una en alemán y, en 1933, fué traducida al inglés con el largo título de: “Man into Woman”: An Authentic Record of a Change of Sex: The true story of the miraculous transformation of the Danish painter Einar Wegener (Andreas Sparre). El libro se reeditó en 1953 (imágen) y existen ediciones posteriores (2004)

Lili, al parecer, quería preservar la verdadera identidad de los personajes que aparecen en el libro, y así, Einar Wegener se convierte en Andreas Sparre, Gerda es Greta, el Dr. Warnekros se convierte en el Dr. Werner Kreutz , Magnus Hirschfeld en el Dr. Hardingfeld…

“La chica danesa”

La historia de Einar y Gerda Wegener fué narrada por David Ebershoff en la novela “La chica danesa” (anagrama, 2001; ISBN: 978-84-339-6937-8).

Y al parecer, Nicole Kidman produce y protagoniza una película basada en esta obra, en la que ella interpreta a Einar/Lili y Charlize Theron a Gerda Wegener. Pero son noticias de 2008… y no se sabe más –o yo no sé más-.

NOTAS:

(1)(2)-HOYER, Niels (ed.), Man into a woman (1953).

(3)-Elbe-Apellido tomado del río Elba.

(4)-Lili estuvo bajo los cuidados del Dr. Warnekros, ginecólogo de la Dresden Women's Clinic y del sexólogo Magnus Hirschfeld. (Más). Un registro detallado de las operaciones de Lili Elbe, su preparación y el rol de Magnus Hirschfeld pueden ser encontrados en el estudio alemán Schnittmuster des Geschlechts. Transvestitismus und Transsexualität in der frühen Sexualwissenschaft por el Doctor Rainer Herrn (2005), pags. 204-211. ISBN 3-89806-463-8

Marie Vassilief, una precursora del arte del reciclado

2010-10-02T22:14:00.001+02:00

Marie Vassilieff (1884-1957)

Marie Vassilieff nació en Smolensk, Rusia. En 1903 abandonó sus estudios de medicina para ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Petesburgo. En 1906 viajó a Paris y en 1907 entró en la Academie Matisse. Con otros artistas rusos llegados a Paris fundó en 1910 la Academia Rusa de Pintura y escultura, de la que fue directora. Ese mismo año expuso por vez primera en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño, donde siguió exponiendo regularmente.
In 1912 Vassilief fundó su propia academia, la Académie Vassilieff, situada en la Avenue du Maine en Montparnasse. Este lugar fue su taller y punto de encuentro de alguno de los miembros más importantes de la comunidad artística del París de las vanguardias, conocidos como “escuela de Paris”.

Durante la Primera Guerra Mundial, Marie Vassilief trabajó en una unidad de ambulancias del ejercito francés, y abrió, en su academia, una cantina para artistas.

Tras el nacimiento de su hijo Pierre, es ingresada en 1918, como ciudadana rusa sospechosa de bolcheviquismo. De regreso a su estudio de l'avenue du Maine, en Montparnasse, retomó sus actividades artísticas. Abandonando el estilo cubista, se dedicó a pintar niños y maternidades "art decó".

In 1920 Vassilieff colaboró con el diseñador Paul Poiret creando una serie de muñecos-retratos para los Ballets Suédois -Ballets suecos- de Rolf de Maré.
In 1921, Vassilieff participó en la exposición Russian Arts and Crafts en la Whitechapel Gallery, de Londres y en 1925 presentó un mobiliario exhuberante en la Exposition Internationale des Arts Industriels et Décoratifs Modernes, de Paris.

Entre 1922 y 1928 realizó una pintura de temática religiosa.

En 1927 participó en la decoración de La Coupole, en el Boulevard Montparnasse.

La pobreza, mezclada con el deseo de notoriedad, le llevaron a anunciar públicamente, en 1929:

“Tras un cuarto de siglo de actividad artística, conocida en toda Europa, vencida por el actual estado de cosas, [Marie Vassilief] suspende hasta nueva orden su oficio de artista, liquidando sus obras al 100% en su estudio del 37 Rue de Froidevaux, París (14), de 4h a medianoche, todos los martes, miércoles, jueves, viernes, sábados y se ofrece como Chica Para Todo. Se come, se ríe, se conversa, se está como en casa. Sed bienvenidos a partir del 1 de febrero.” Firmado: “Marie Vassilief, pintora, escultora, decoradora, 1929.” –Trad. MGBravo-

“Muñecos y máscaras”

(Marie Vassilief en su taller)

Considerada una extravagante, Marie Vassilief puede vincularse a esa categoria de "personajes" que eligieron teatralizar una gran parte de sus actividades extra-pictóricas.

Marie Vassilief encontró una forma artística más lucrativa que la pintura con la que encauzar su creatividad: la creación de muñecos satíricos, marionetas y vestuario.

“Mis muñecos son en realidad una demostración contra la severa banalidad de la escultura moderna y clásica, que teniendo a su disposición toda la riqueza de la materia, no la sabe explotar.[…] Con mis muñecos intento excitar la imaginación de quien la tiene para que llegue a ver las cosas que no pueden explicarse más que plástica y abstráctamente”. (Trad. MGBravo)

Escena extraída de la película Montparnasse, Eugene Deslaw, 1929

Sus muñecos-retrato, son muñecos de trapo y objetos varios que parodiaban a personajes reconocibles por sus contemporáneos: Matisse, Picasso, el marchante Zborowski, Landru… Podían ser manipulados y puestos en diferentes posturas.

Marie Vassilief, poupée-portrait

Marie Vassilieff realizó también muñecos-escultura –poupées-sculptures- teniendo como modelos a Paul Poiret, Blaise Cendrars, Chana Orloff…, “têtes de Pierrot”, muñecos más abstractos, “statuettes” que representaban tipos y posiciones sociales, “Portraits-meubles” –retratos-mueble como la mesa Poiret-…

Entre 1929 y 1930, Vassilief trabajó para el teatro de marionetas “Arc-en-ciel” y experimentó con nuevos materiales como el rhodoïd- un material descubierto por Rhone-Poulenc (de ahí su nombre), conocido como acetato de celulosa- que permitía crear transparencias y reflejar la luz.

En 1937 utilizó las propiedades del rhodoid para crear unos trajes iluminados en una ambiciosa representación de “Sonnet aux Voyelle” –de Arthur Rimbaud- durante la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne. Ese año pintó, también, el panel “ferrocarriles del Estado” en la Gare Montparnasse.

Con estas creaciones, Marie Vassilief ironizaba sin acritud sobre un mundo que le reprochaba ser demasiado: demasiado bohemia, demasiado rusa, demasiado extravagante, demasiado alcohólica, demasiado Montparnasse…

El taller-academia-cantina de Marie Vassilief es el actual Musée du Montparnasse, situado en un encantador impasse lleno de viñas.

Bibliografía:

Georgia O’keeffe. Biopic

2010-08-29T17:38:00.001+02:00

FICHA TECNICA

Título: Georgia O'Keeffe
Título original: Georgia O'Keeffe
Genero: Drama | Biográfico

Año: 2009
País: USA
Productora: City Entertainment / Lifetime Television
Director: Bob Balaban
Guión: Michael Cristofer
Reparto: Jeremy Irons, Joan Allen, Linda Emond, Tyne Daly, Henry Simmons, Luce Rains, Kathleen Chalfant, Girard Swan, Chad Brummett, Jenny Gabrielle, Sequoyah Adams-Rice, Steve Corona

Un correcto biopic sobre Georgia O’Keeffe que demuestra que amor y negocios no siempre van –bien- de la mano. El tan de moda subgénero de biopics rescata del olvido a un personaje de relevancia artística para el siglo XX, pero que nunca recibió el reconocimiento que su gran arte merecía. En el campo de la pintura abstracta, de las naturalezas muertas, O’ Keefee fue una gran precursora se imágenes llenas de originalidad, sensualidad que rozaba el erotismo y las ideas que plasmó en sus obras hablan a las claras de una artista con riesgo, ambición y un sino de incomprensión que la persiguió a lo largo de su trayectoria. Quizás sea oportuno mencionar, la figura de Georgia no ocupe el lugar que realmente merece en la historia. En cierta medida este film remite a otra figura como lo fue Jackson Pollock en la celebrada homónima opera prima de Ed Harris una década atrás.
Esta versión de estreno televisivo que dirige Bob Balaban se centra en un periodo de la vida de O’ Keefee (la impecable Joan Allen): el que comprende el momento desde que conoce en sus jóvenes años al fotógrafo Alfred Stieglitz –en principio su descubridor, padrino artístico- hasta entrometerse en la turbia relación afectiva que estos establecen. Luego de la tutela artística, llegará la seducción que envolverá a ambos en un complejo vínculo amoroso de pasiones incontrolables.

El personaje de Stieglitz que interpreta con solvencia Jeremy Irons transmite la obsesión –al punto de transformarlo en un ser despreciable- de este hombre para manejar los hilos artísticos de la carrera de su mujer. Si bien en su genio publicista no puede disimular la presión psicológica a la que la somete, una violencia emocional que torna incompatible su rol de marido con el de mentor de la estrella.

El film, no sin intermitencias, aborda dicho traumático vínculo, donde mutuamente ambos se marcaron para el resto de sus vidas, poniendo el acento sobre esa simbiosis peligrosa que se crea entre ambos. Allí donde la reciproca admiración que se profesan se convierte en lazo afectivo y tiene que convivir con el monstruo que han creado, los fantasmas que acechan la tranquilidad de ambos. El film expone el talento innegable de ambos y también sus desavenencias internas, como existen en la mente de todo artista. Y rescata lo valioso de encontrar la inspiración creativa entre las etapas más oscuras que atraviesan, dejando ver el aspecto humano de estas celebridades. Sin grandes hallazgos, pero con sobriedad colocando sus figuras insertas al arte contemporáneo que contribuyeron y cautivando aun cultura inquieta en lo artístico, allá por los años ’20 y ’30 en la también política y socialmente turbulenta Estados Unidos.
Recurriendo mas de una vez a alguna bajada de línea sentimental, Balaban peca resolver los dilemas amorosos de su protagonista con exagerada verticalismo argumental y visible anticipación. Dicho en otras palabras, al film de Balaban le falta la cuota extra de riesgo y no planificación que gozaban las obras de O Keefee. Una artista que esta biopic rescata, con justicia, del olvido.

Fuentes: http://criticaycine.blogspot.com/2010/07/georgia-okeeffe-2009-de-bob-balaban.html

Artistas rusas en el Musée du Montparnasse

2010-08-15T22:17:00.001+02:00

No hay mejor sitio que el Musée du Montparnase, que ocupa lo que fue el estudio-cantina de Marie Vassilieff , en Paris, para acercarse a la obra de muchos de aquellos artistas rusos que encontraron en el Paris de principios del siglo XX, un lugar propicio donde desarrollar sus diferentes puntos de vista artísticos con entera libertad.

El Musée du Montparnasse acoge del 21 de julio al 31 de octubre de 2010 la exposición “Les artistes russes hors frontière”. Chagall, Kandinski, Marie Vassilieff, Gontcharova, Larionov, Alexandra Exter, Sonia Delaunay, Férat, Soutine, Somov, Maliavine, Bilibine, Grigoriev, Pougny, Annenkov, Sérébriakova, Kisling, Tarkhoff, Charchoune, Korovine…, los escultores Zadkine y Chana Orloff…, los decoradores Erté, Bilinski y Zinoview… Era el tiempo de las vanguardias, el tiempo de los Ballets Rusos, el tiempo de Montparnasse.

Ver álbum completo

Y entre la lista de artistas representados… no pocas mujeres, afortunadamente:

Lioubov POPOVA (1889-1924)

“Composition abstracta”

Óleo/tela 117 x 77’3 cm

Nadia LEGER (Khodassievitch) (1904-1982)

“Nature morte á la poupée” 1957

Oleo/tela 73 x 92 cm

Sonia DELAUNAY (1885-1979)

“Nu”, Paris 1908

Óleo/tela 54 x 65 cm

Marie VASSILIEFF (1884-1957)

“Mademoiselle Côte d’Azur”

Óleo/tela 58’5 x 43’5 cm

Marie VASSILIEFF (1884-1957)

“Nativité” 1950

Cuadro a doble cara. Detrás: ”Portrait de femme au chapeau”

Óleo/lienzo 53 x 43 cm.

Sonia LEWITSKA (1882-1937)

“Paysage Mediterreanéen”

Óleo/tela 45 x 65 cm

Sonia DELAUNAY (1885-1979)

“Rythmes colorés nº 615”

Pintado entre 1948 y 1957

Óleo/tela 97 x 130 cm.

Marie VASSILIEFF (1884-1957)

“Nu féminin” antes de 1914

Cuadro A DOBLE CARA. Al otro lado: ”Nu masculin”

Óleo/tela 91 x 60 cm

Mania MAVRO (1889-1969)

“Nu” 1920

Óleo/tela 115 x 168’5 cm

Marie VASSILIEFF (1884-1957)

“Femmes au tulipes”

Óleo/tela 61 x 55 ‘5 cm

Zinaïda SEREBRIAKOVA

“Jeune Marocaine au repos” 1928

Pastel/papel 60 x 45’5 cm.

Olga SACHAROFF (1889-1967)

Paysage d’Espagne

Óleo/tabla 65’4 x 82 cm

Vera ROCKLINE

“Femme gantée de noir”

Óleo/tela 80 x 65 cm.

Lydia DMITRIEVSKAYA (1895- 1967)

“Après le bain” 1919

Óleo/tela 151 x 111 cm

Irène KLESTOVA (1908-1989)

“La baie de Calvi”, 1938

Óleo/tela 107 x 141 cm

Tamara de Lempicka

(…)

El Museo de Rosa Bonheur. Visita guiada

2010-07-26T15:21:00.001+02:00

Rosa Bonheur: Biografía

¿DÓNDE?:

Museo-Estudio de Rosa Bonheur. By (Thomery)

Marie Vassilieff y su cantina

2010-07-20T13:18:00.001+02:00

Marie Vassilieff, nacida en 1884 en Smolensk, estudió bellas artes en San Petesburgo.

En 1907 se instaló en Paris, donde contribuyó de diferentes formas a abrir la Academia Rusa. A partir de 1912 se dedicó a dar clases en su propio estudio del Impasse del 21 Avenue du Maine.

En 1915, durante la I Guerra Mundial, abrió allí, con la ayuda del pintor holandés Van Hoorn, una cantina que ofrecía, por sólo 65 céntimos, sopa, carne, verdura, ensalada o postre y café. Por el vino se pagaba un extra de 10 céntimos.

Considerada por la policía como un club privado, la cantina no estaba sujeta al toque de queda y se llenaba todas las noches.

Un pintor sueco la describe diciendo que “la cantina estaba amueblada con restos del marché aux puces; había sillas y taburetes de diversos tamaños, incluidas dos sillas de mimbre con respaldo alto y un sofá adosado a la pared, donde dormía Vassilieff. En las paredes había cuadros de Chagall y Modigliani, dibujos de Picasso y Léger, y una escultura de Zadkine en un rincón. Vassilieff colocaba diferentes papeles de coloresen las bombillas para ir cambiando la atmósfera del local.

En un rincón, detrás de una cortina, estaba la cocina, donde Aurelie, la cocinera, preparaba la comida para más de cuarenta y cinco personas con sólo un hornillo a gas de dos fuegos y un quemador de alcohol.

En enero de 1917, Marie Vassilieff y Max Jacob organizaron un banquete en honor a George Braque para celebrar su licenciamiento del ejercito después de una larga convalecencia como herido de guerra.

Modigliani, a quien Vassilieff había prohibido la entrada para evitar conflictos, apareció de repente, con un grupo de artistas y modelos que tampoco habían sido invitados. Alfredo Pina, un escultor italiano discípulo de Rodin era el nuevo amante de Beatrice Hastings –anteriormente amante de Modigliani- y en un ataque de celos sacó un revólver y apuntó a Modigliani. Vassilieff cogió a Modigliani por los hombreos y le obligó a marcharse.

Poco después Marie Vassilieff se dió cuenta de que Ortiz de Zárate y Picasso habían escondido la llave dejando encerrados a todos los invitados. Finalmente, con la intercesión de Matisse, la llave apareció y Marie pudo respirar tranquila, se comieron el pavo y brindaron por Braque y su esposa.

(El banquete de Braque. Modigliani está entrando en el local pese a no haber sido invitado. En torno a la mesa, siguiendo el sentido de las agujas del reloj: Marie Vassilieff con el cuchillo, Matisse con el pavo, Blaise Cendrars –sin el brazo que había perdido en la guerra- Marcell –la esposa de Braque-, Walter Halvorsen, Léger –con gorra-, Max Jacob, Beatrice Hastings, su amante Alfredo Pina –con el revólver- Braque con unacorona de laurel y dos personajes no identificados.)

A finales de 1915 Vassilieff cerró la cantina durante una temporada y se fué a Rusia por asuntos familiares. A finales de 1917 o principios de 1918 fue detenida y encarcelada, acusada de ser una espía de los bolcheviques. Léger y su esposa se hicieron cargo de su hijo, cuyo padre, un soldado norteamericano, había desaparecido.

El 21 Avenue du Maine alberga actualmente el Musée du Montparnasse

CARMEN GÓMEZ PÉREZ-NEU

2010-07-07T12:44:00.003+02:00

Pintora y autora del libro Galeria universal de pintoras, Editora Nacional, 1964.

Senti curiosidad tras leer su introduccion al libro y he encontrado esta informacion sobre ella:

Biografia (Encontrada en www.ribadavia.com)
Nace en Ribadavia en 1919. Allí pasa su infancia y comienza a destacar y a ser admirada por sus profesores dada la calidad de los dibujos que realiza.
Se traslada a vivir a Vigo donde estudia Comercio en el colegio Cluny, alternando clases de dibujo y pintura.
En 1936 pasa una temporada en Santiago de Compostela donde estudia con el profesor Mariano Tito Vázquez.
Finalizada la guerra civil, va a Madrid y se dedica exclusivamente a la pintura; copia en el Museo del Prado, da clases con Enrique Cubells y con Eduardo Chicharro.
En 1941 hace su primera presentación en público en la Exposición Nacional de Bellas Artes. En este mismo año presenta también, por primera vez, en Galicia, dos cuadros en la Exposición Regional de Bellas Artes en Compostela.
En 1943 contrae matrimonio con Joaquín Robla Díez, que fue alcalde de Ribadavia desde 1957 hasta 1964. También en este año hace su primera exposición individual en la sala Aeollán de Madrid.
En 1949 empieza a interesarse por el mundo celta, y con un grupo de amigos de Ribadavia, visita castros, lugares arqueológicos; experiencia que más tarde se verá plasmada en cuadros sobre este tema.
En 1953, expone en Madrid en la Sala do Circulo Cultural Medina tema “Os Celtas”.
En 1956 realiza las pinturas murales de la Capilla del Colegio Menor Calvo Sotelo de Ourense.
En 1959, expone en el Liceo Recreco Ourensano
En 1960-62, hace una exposición regional de arte en el Museo Municipal de Vigo y una exposición de “Arte Actual en Ourense”, celebrada en Madrid.
Así, hasta hoy en día, no darían estas lineas para cubrir su amplio currículo profesional.
Desde el año 1963 reside en Madrid donde tiene su estudio, en la Plaza España, alternando su estancia en la capital del estado con temporadas en su casa natal de Ribadavia.
Persona con una sensibilidad extraordinaria, posee una importante y tierna colección de monedas de todo las las épocas y países.

Otros datos encontrados:

Fallecida el 25 de junio de 2005 en Madrid a los ochenta y ocho años.(Esquela en ABC); necrologica por Juan Carlos Villacorta
Critica en ABC de Rafael Gomez Lopez-Egea al libro de Juan Carlos Villacorta: Carmen G. Perez-Neu, pintora. Ed. Seresa, Madrid, 1975
Critica ABC a la exposicion realizada en Circulo de Bellas Artes –Sala Minerva- 1964
Critica ABC- noviembre de 1943

Cuadro de Carmen G. Perez-Neu en venta (3.000.-Euros)

Encontrarás este anuncio en http://www.segundamano.es/

SERAPHINE, según Pérez-Neu

2010-07-05T15:07:00.003+02:00

Transcripción de la entrada dedicada a Séraphine Louis, por Carmen G. Pérez-Neu, en el libro “Galería universal de pintoras”, escrito en 1964:

SERAPHINE (SERAPHINE LUIS, llamada) (1864-1942)
“Pintora francesa nacida en Assy (Oise) en 1864.
Fue muchacha de servicio delcoleccionista de pintura cubista, el alemán Wilhelm Uhde, quien pasando unas vacaciones en Senlis, en 1912, tomó a su servicio a Seraphine.
Esta, a escondidas, se dedicaba a pintar.
Un día la descubrió Uhde. LLeno de asombro, ya que los cuadros de Seraphine estaban hechos con rara facilidad y perfección, Wilhelm Uhde la animó a seguir trabajando y se constituyó en su protector. Pero la locura interrumpió bruscamente las actividades dela original y desgraciada artista.
La crítica estudió detenidamente la producción de esta pintora, que algunos quieren situar entre los pintores “ingenuos”.
Sin embargo, más bien se la considera como una pintora visionaria y fantástica, en que sus cuadros, siempre de flores y plantas, adquieren un raro colorido lleno de belleza y de gran sentido decorativo que hace pensar en los tapices orientales.
Hay cuadros suyos en colecciones particulares y en el Museo de Arte Moderno de París.
Seraphine Louis falleció en el asilo de Clermont dans l’Oise en 1942”
Más extractos del libro: “Galería universal de pintoras”:

Prólogo de doña María Luisa Caturla

Introducción

Rosa Bonheur y su hermana Julieta

Más sobre Séraphine:
Breve biografía de SERAPHINE DE SENLIS (un poco más completa y actualizada….)

BIBLIOGRAFÍA

SURREAL FRIENDS- Exposicion

2010-07-05T11:30:00.001+02:00

19 junio – 12 septiembre 2010
Pallant House Gallery, Chichester, UK

Leonora Carrington, Remedios Varo, Kati Horna… y algunos mas

Surreal Friends, la exposicion que tiene lugar este verano en la Pallant House Gallery, de Chichester, cerquita de Londres, celebra la amistad de estas tres mujeres artistas. Es la primera muestra del trabajo de Leonora Carrington en Gran Bretaña en 19 años y por primera vez se exhiben trabajos de sus amigas Varo y Horna.

Leonora Carrington, Remedios Varo Y Kati Horna -una pintora inglesa, una pintora española y una fotografa hungara- se encontraron en Mexico en 1943. Compartian recuerdos de Paris, del surrealismo, de la guerra civil española y el estallido de la segunda guerra mundial.

La exposicion tiene lugar en Chichester, cerca de West Dean, en West Sussex, la propiedad del mecenas surrealista Edward James, que aloja una coleccion de arte surrealista. Amigo de las tres artistas, James vivio un tiempo en Mexico y pidio matrimonio a Kati Horna y Leonora Carrington. Con su amigo Plutarco Gastelum, construyo un jardin del Eden surrealista en Las Pozas, en Xitila, San Luis, Potosi, donde se encuentra una “doble escalera a ningun sitio” diseñada por Leonora Carrington, que tambien pinto un mural en El Castillo, la casa de Xilitla que Plutarco construyo para el, su esposa y su amigo Edward James.

Surreal Friends coincide con el doble aniversario de dos sucesos de la historia mejicana: el Bicentenario de la independencia de Mexico y el centenario de la Revolucion mexicana, ambos en 2010.

Mas informacion:

Y una propuesta interesante: comenta tres obras de Leonora Carrington y gana un viaje a Mexico

Toda la informacion