Grandes Maestros de la Pintura Universal

Pontormo (Jacopo Carrucci)

2012-05-23T18:16:00.000-07:00

En los inicios del siglo XVI existió una corriente pictórica, que se rebeló en contra del clasicismo procedido del Renacimiento a través de la trasgresión de los cánones establecidos y una intensa experimentación entre sus representantes. En ella se destacó, con una personalidad extravagante en sus obras, el pintor renacentista italiano Pontormo –su verdadero nombre Jacopo Carrucci (Pontormo, 24 de mayo de 1494 – Florencia, 2 de enero de 1557) –. Excéntrico –lo cual dio lugar a una manera particular en cuanto a la composición pictórica, determinadas por muchos como cohesivas–, original. De Parmigianino y Florentino se acercó al manierismo a través de sus retratos –a través de las proporciones–, precedió las resistencias del Greco y el barroco. Son recurrentes en su pintura las caras y cuerpos alargados, estilo que se asomó a su obra desde muy temprano allá por el año 1514 cuando pintó para la iglesia de la parroquia de San Michele, Visitación de la Virgen y Santa Isabel. Muchas de sus creaciones, mayormente los frescos, se han perdido.

Pontormo fue un artista que recibió influencia de varios maestros: en sus inicios estuvo en una estancia con Leonardo da Vinci, luego estuvo a cargo de los geniales Piero di Cosimo y Mariotto Albertinelli; en 1512 trabaja para el Arco de Servites con Rosso Fiorentino y Andrea del Sarto. Roma lo vislumbra y allí descubre a un Miguel Ángel y luego el estilo nórdico a través de los grabados de Alberto Durero.

Entre sus obras maestras se encuentra El descendimiento de la Cruz, una obra célebre por la angustia dibujada en sus personajes, y que le llevó tres años terminar y que realizó junto a su discípulo Bronzino. De sus retratos, el mítico Meaux y otras tantas obras en las que la muchedumbre aparecen en contrapposto: Martirio de San Mauricio, José siendo vendido a Potiphar y La legión de Theban.

Obras: Conversación santa (1514) Capilla San Luca, Santa Annunziata, Florencia; Verónica y la imagen (1515) Capilla Medici, Santa Maria Novella, Florencia; Retrato de músico (1518–1519) Galería Uffizi, Florencia; Juan el Evangelista y el Arcángel Gabriel (1519) Iglesia de San Miguel, Empoli; Sagrada Familia con San Juan (1522–1524) Museo del Hermitage, San Petersburgo; Retrato de Francesca Capponi, como Santa María Magdalena (1527–1528) Whitfield Fine Art, Londres; Martirio de San Mauricio y las legiones de Tebas (Pontormo y Bronzino) (1531) Galería Uffizi, Florencia; Retrato de Alessandro de Medici (c. 1534–1535) Philadelphia Museum of Art, Philadelphia; Escena de sacrificio (c. 1545) Museo de Capodimonte, Nápoles; Venus y Cupido (1532–1534) Galería de la Academia, Florencia; Estudio de las tres gracias (dibujo) (1535) Galería Uffizi, Florencia.

Edgar Degas

2012-05-21T08:01:00.002-07:00

Reconocido por su exquisita manera de representar el mundo del ballet a través de la pintura al pastel, el pintor impresionista, grabador, dibujante y escultor francés Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – 27 de septiembre de 1917), logra captar la belleza y sutileza de las escenas balletísticas. Estilo que comenzó admirando a Ingres, los maestros del renacimiento italiano, las tendencias simbolistas, el arte japonés, el neoclasicismo y el estilo del artista romántico Delacroix, hasta llegar a ser uno de los fundadores del Impresionismo. Además de las recurrentes bailarinas, Degas representó en sus lienzos las carreras de caballos –explora el movimiento de los caballos– desde una perspectiva que lo acercó a la fotografía, también desfilaron por sus telas mujeres comunes: lavanderas, cocineras, burguesas, planchadoras, o desnudas en el baño (a partir de 1880 se apasiona en el tratamiento del óleo). La utilización de la luz artificial y los ambientes urbanos de Degas fueron admirados por el postimpresionista Toulouse-Lautrec; junto a Ingres y Rafael fue admirado por Gauguin y detestado por Van Gogh. La única escultura del artista exhibida en una exposición fue La pequeña bailarina de 14 años. También incursionó en la fotografía, pero solo como aficionado.

Entre sus obras se encuentran: Bailarinas azules (1890); Bailarinas rusas (h. 1895), Museo Nacional de Estocolmo; Mujeres en la terraza (1877); Mujer bañándose (1895), Museo Soumaya, Ciudad de México; Ensayo de ballet (1874); Caballos de carreras (1874); Bailarina de verde, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; El foyer de la danza en la Ópera (1872), Museo de Orsay, París; Carreras de caballos. Antes de la salida (1862), Museo de Orsay, París. En las carreras, ante las tribunas (h. 1879), Museo de Orsay, París.

Degas, además, contó con una excelente colección privada de obras pictóricas tanto de sus maestros como de los contemporáneos: Delacroix, El Greco, Ingres, Manet, Van Gogh, Cézanne y Gauguin. Aunque logró vivir por un tiempo de los ingresos que le dio su arte; Degas murió en París, vagando por las calles sin sentido, ciego, hasta morir en 1917. Su posición frente al famoso Caso Dreyfus develó en Degas sentimientos antisemitas lo que hizo romper con sus amigos judíos.

Trabajó el pastel hasta finales del 1907 y la escultura tres años después.

Berthe Morisot

2012-05-17T15:53:00.001-07:00

Una de las artistas que demostró las posibilidades creativas de las mujeres en el arte a finales del siglo XIX, fue la artista impresionista francesa Berthe Morisot (Bourges, 14 de enero de 1841 - París, 2 de marzo de 1895). Entre sus obras se encuentran Un día de verano1879; National Gallery (Londres); Invierno (Mujer con manguito) 1880; Museo de Arte de Dallas (Dallas); En el balcón 1873; Instituto de arte de Chicago, (Chicago); La lectura 1869-70; Galería nacional de arte (Washington). En la actualidad sus obras están cotizadas en más de dos millones de dólares.

A pesar de su condición de gran dama, burguesa, Morisot se tomó muy en serio la pintura integrándose al grupo de los artistas impresionistas, la vanguardia de entonces. Enseguida se apasiona a pintar al aire libre, momentos en que realizaba pequeños cuadros y esbozos que luego llevaría a los grandes lienzos. El paisaje marcó su estilo, y fue con dos con los cuales participó en 1864 en el Salón de París; espacio en el que siguió participando hasta 1874: cuando se realiza la primera exposición impresionista, en la cual Berthe Morisot participó con La cuna.

Entró a la familia Manet de la mano del hermano del gran maestro Edoard, al cual persuadió y acercó a la experiencia de pintar al aire libre y al círculo de los impresionistas; corriente de la cual Manet nunca se sintió partícipe ni expuso junto a ellos. Berthe le sirvió de modelo de varias de sus obras, como en la de gran formato El Balcón, pieza que evidencia la admiración del artista por la obra de Goya.

Las propias concepciones machistas de la época la enmarcaron en el grupo de las “artistas femeninas”, las cuales traducían en el lienzo su mundo de señoras, niños, las escenas domésticas, pues el mundo de los hombres les estaba vedado y las ensombrecieron tras esa estela de prejuicio. En este grupo también estuvieron Marie Bracquemond, Mary Cassatt y Eva González. Sin embargo las temáticas eran similares a las de sus compañeros como Degas, Monet. Al final de su vida se advierte una fuerte influencia de Renoir.

Su pintura para muchos era “polvo volátil”, de gran delicadeza y contradictoria, pues sus figuras: mustias, íntimas, —concebidas al principio por pinceladas tenues que después, impresionistas, se transmutaron en urgentes y planas— transmiten su propia alegría de vivir y que seducen, encantan a quienes la contemplan.

Masaccio

2012-05-03T06:55:00.000-07:00

Apenas 27 años de vida tuvo Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428), cuyo verdadero nombre fue Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai, pintor cuatrocentista italiano, para dejar una huella en la historia universal de las artes plásticas. Pionero en aplicar las leyes de la perspectiva científica desarrolladas por Brunelleschi; desde muy pequeño se integró en talleres de pintura, como el de Bicci di Lorenzo, y en el gremio de pintores y especieros de Florencia siendo ya un pintor autónomo de la ciudad del Arno.

Entre sus primeras obras conocidas, se encuentra una que realizara junto al pintor Masolino da Panicale –artista con el que comienza a trabajar en 1425–, en la Galería de los Uffizi de Florencia (1423–1424). Junto a este artista también pintó un tríptico para la basílica de Santa María la Mayor, en la cual representa a San Jerónimo y San Juan Bautista; actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. También se le atribuye la Crucifixión del fondo de la capilla de Santa Catalina de la basílica de San Clemente en Roma, pintada al fresco, tras aceptar una invitación del cardenal Brando da Castiglione. Otros trabajos importantes son el tríptico para la iglesia San Juvenal de Casia, en 1422 –dos años más tarde se inscribe en la Compañía San Lucas de Florencia–. Junto a Masolino en los frescos de la capilla Brancacci en el transepto de la iglesia de Santa María del Carmine (1424). En esta obra trabajan el fresco al estilo de la pintura florentina: se trabajaron varias escenas en las que cada una se enmarcó con capiteles corintios pintados y pilares clásicos; todos giran alrededor del tema principal: la vida de San Pedro y también se hacen alusiones al Génesis, Adán y Eva. Las escenas son: La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal; El tributo; El bautismo de los neófitos; La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra; San Pedro cura a los enfermos con su sombra; La distribución de los bienes y la muerte de Ananías.

Luego realizaría el Políptico de Pisa el 19 de febrero de 1426. Realizado para la capilla del notario ser Giuliano di Colino degli Scarsi da San Giusto en la iglesia de Santa María del Carmine, en Pisa, el políptico consta de 19 tablas y lo novedoso de esta obra se encuentra en que todos los paneles cuentan con un único punto de fuga, otorgándole unidad a la composición. Las tablas más importantes son: San Pablo (Museo Nacional de Pisa); Virgen en trono con el Niño y cuatro ángeles, (Londres, National Gallery); Crucifixión (Museo de Capodimonte de Nápoles) y la más importante es la tabla central que recorre el marco en la parte inferior del retablo denominada La Adoración de los Reyes Magos (Berlín, Staalitche Museen).

También el fresco de la Trinidad en la iglesia florentina de Santa Maria Novella.

Piero della Francesca

2012-04-14T08:36:00.000-07:00

Una de las principales e imprescindibles figuras del Renacimiento italiano fue el pintor cuatrocentista Piero della Francesca (Piero di Benedetto dei Franceschi; llamado también Pietro Borghese, Borgo del Santo Sepolcro, en el valle alto del Tíber, cerca de Arezzo, h. 1415 – Borgo del Santo Sepolcro, 12 de octubre de 1492). Su pintura –fue un pintor especialista en frescos– se caracteriza por una parte por el uso de las formas geométricas –especialmente en los criterios de la luz atmosférica y la perspectiva lineal– y un sereno humanismo. Matemático, geómetra –sus obras se caracterizan por una simplificación geométrica en la composición y los volúmenes así como en la inmovilidad ceremonial de los gestos–, fue maestro de la geometría euclidiana y de la perspectiva; en su original estilo se advierte una simbiosis de la pintura flamenca con el renacimiento italiano y la geometría brunellesciana, la plasticidad de Masaccio, la luz de los colores de Domenico Veneziano y Fra Angélico. Así de creativo fue de prolijo y prolífero, trabajó el lienzo y el óleo, demostró especial interés por los claroscuros; pintó no solo de religión sino también retratos y la naturaleza –gran parte de sus paisajes se deben a sus viajes–.

De su etapa de aprendiz en el taller de Domenico Veneciano se conserva la obra Virgen con Niño, actualmente en la florentina Colección Contini Bonacossi (1435-1440); también se encuentra una de sus obras más famosas Bautismo de Cristo –panel de un gran tríptico–. En 1466 pinta Anunciación –ya en su etapa de madurez– para la cofradía de la Anunciada de la ciudad de Arezzo, obra que lo sitúa como precursor del alto renacimiento por el uso delicado, claro y admirable del color, la composición clara con el empleo de la perspectiva geométrica, además del tratamiento de la luz a la usanza de Domenico Veneciano. Luego pinta Virgen del parto (1455-1465) y La resurrección de Cristo (1450-1463). En la ciudad de Urbino el retrato doble Triunfo de la Castidad de Federico de Montefeltro y su esposa Battista Sforza (h. 1465-1472), hoy en la Galería de los Uffizi de Florencia; la Cofradía del Corpus de la citada ciudad le encargó un estandarte procesional, además de la pintura del Retablo del Corpus Domini (1469). De esta época son sus obras: La flagelación (h. 1470, aunque otros lo datan en 1452), Virgen de Senigallia, Sacra Conversación llamada hoy Pala de Brera por conservarse en la Pinacoteca de Brera (Milán), Natividad (1470-1485) realiza cuando ya Piero estaba casi ciego y la Virgen con Niño y cuatro ángeles del Instituto de Arte Clark en Williamstown, Massachusetts.

Piero escribió los textos científicos De prospectiva pingendi (“Sobre la perspectiva para la pintura”), Libellus de quinque corporibus regularibus (“Librito de los cinco sólidos regulares”) y un manual de cálculo titulado Trattato dell’abaco (“Tratado del ábaco”) sobre álgebra, aritmética, geometría. Su único alumno del taller fue Galeotto da Perugia.

Edvard Munch

2012-04-10T11:52:00.001-07:00

Autor de una entrañable obra en la que evoca como ninguno la angustia, siendo uno de los artistas que caló profundo en el expresionismo alemán de principios del siglo pasado, el pintor y grabador noruego –expresionista– Edvard Munch (Løten, 12 de diciembre de 1863 - Ekely, 23 de enero de 1944).

De sus obras, encabeza la lista por su importancia La niña enferma 1885- 86, óleo sobre lienzo, 119,4 X 118,7 cm., Galería Nacional de Oslo (aborda los conflictos de su niñez y marca un cambio en su estética, lo cual se aprecian en los posteriores gravuras, litografías y lienzos; especialmente esta obra causó escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo de 1886); anteriormente, en 1884, había pintado De Mañana, óleo sobre lienzo de 96,5 x 103,5 cm, Colección Rasmus Meyer, Bergen. Luego Hans Jaeger, 1889, óleo sobre lienzo 109,5x84 cm; La Rue Lafayette, 1891, óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm y la archiconocida El Grito, 1893, Témpera, 83,5 x 66 cm (concebida en Alemania, país donde residió durante un tiempo después de la muerte de su madre y su hermana). Una de las obras que influyó en el poeta y dramaturgo noruego fue Mujer en tres etapas, 1895, óleo sobre lienzo, 164,1 x 250 cm., Rasmus Meyers Samlinger, Bergen. Otra de sus obras emblemáticas es El beso, 1897, gravura. Acervo Municipal de Arte de Oslo.

Sobre su estilo, Munch advertía que si Da Vinci había diseccionado cuerpos para estudiar la anatomía humana, el lo hacía con las almas, de ahí su predilección hacia los temas sobre los sentimientos y las tragedias humanas –algo que marcó la vida del artista desde pequeño– como la muerte, la enfermedad, la obsesión religiosa. Es el mejor pintor noruego de todos los tiempos y precursor del expresionismo, especialmente por la actitud y el tratamiento de sus figuras.

París fue el espacio donde conoció las más avanzadas corrientes pictóricas de entonces; Munch es influenciado por el impresionismo y el postimpresionismo, luego el neoimpresionismo. Pero su estilo, al que denominó simbolista apuntaba hacia la fuerza expresiva de la línea, el uso simbólico del color y la reducción de las sombras a su expresión más esquemática. Munch padeció de neurastenia y alcoholismo. Su obra se vio seriamente afectada con la invasión nazi a Noruega, los cuales la tildaron de “degenerada”. Luego de la Segunda Guerra Mundial es conocido a nivel planetario, expone en los Estados Unidos (1942) y se va cerrando el ciclo de homenajes que le venían celebrando desde hacía algunos años.

Jean Baptiste Camille Corot

2012-04-08T20:17:00.002-07:00

Entre los pintores paisajistas franceses más notables se encuentra Jean-Baptiste Camille Corot (París, 16 de julio de 1796 – ibídem, 22 de febrero de 1875), cuya influencia llegó al impresionismo: perceptible en la obra de Monet, Morisot, Renoir y Pissarro. Muchos artistas y críticos consideran que fue Corot quien le otorgó ambiente, atmósfera, a la pintura al aire libre, de traducir al lienzo y la paleta de colores las sensaciones experimentadas en el pleno contacto con la naturaleza. Autor de una solidez compositiva, sus criterios estéticos en cuanto al espacio fueron un referente en Cézanne para su obra impresionista y génesis de la pintura moderna. Sin embargo por su concepción de la técnica, hubo quienes consideraron que Corot no sabía pintar por su desapego a las concepciones clasicistas de entonces.

Obras como Recuerdo de Mortefontaine (1864) Óleo sobre tela, 89 x 65 cm. Museo del Louvre, París; Mujer con una perla. Museo del Louvre, París; Ville d’Avray (c. 1867). Óleo sobre tela. National Gallery of Art, Washington, D.C.; Roma, vista desde los Jardines Farnese. Colección Phillips, Washington, D.C.; demuestran esa experiencia de los sentidos traducida a la pintura. Corot introdujo en Francia la estética de lo fragmentario, término que los ingleses advirtieron en la obra de Constable y que consistía en mostrar fragmentos de escenas, de la pintura, interrumpidos por el marco del cuadro.

De los estudios de los grandes paisajistas Achille-Etna Michallon y Jean-Victor Bertin aprendió la exquisitez de la técnica y la precisión, evidente en obras de esta etapa de 1822 como son El puente de Narni (1827) y Forum (1826).

Sobre la importancia del dibujo para el paisaje, Corot decía “El dibujo es lo primero que hay que buscar. Seguidamente, los valores cromáticos. Éstos son los puntos de apoyo. Después el color y, finalmente, la ejecución”. No hubo otras ciudades, excepto en Francia, como las italianas para motivar al artistas, ámbito donde Corot aprendió sobre los juegos con las sombras, la variedad de reflejos sedosos y los matices apastelados.

Luego de varias exposiciones mostrando su obra, pintando fachadas de catedrales y realizando pinturas por encargo, es dignamente reconocido en Exposición Universal de París de 1855. En este importante certamen de las artes, Corot recibe una medalla de primera clase y Napoleón III adquiere una de sus obras para su colección personal. Luego alcanza importantes cotizaciones en la subasta del Hotel Drouot y en el Salón de 1860. Su obra Danza de las Ninfas alcanza un éxito sin precedentes en su carrera.

Paul Jackson Pollock

2012-03-14T13:05:00.000-07:00

No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien. Así vivía la experiencia de la creación artística Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming, Estados Unidos - 11 de agosto de 1956, Springs, Nueva York, Estados Unidos), uno de los artistas más importante de los Estados Unidos del siglo XX, para el cual la tela no era una imagen, sino un hecho, una acción. Creador influyente y referente cimero del expresionismo abstracto, Pollock realizó importantes renovaciones en la plasmación gráfica con tratamientos cromáticos que sustentan el desarrollo de la abstracción en sus obras –Pollock era amante de la cultura aborigen norteamericana, sus formas simbólicas y sus pinturas de arena, lo cual lo llevó a experimentar con los esmaltes sintéticos, el aluminio y el barniz –y que condujo al expresionismo abstracto tan en boga en la década de los 40 y los 60 y posteriormente del “Action painting” luego de conocer al artista muralista David Alfaro Siqueiros y experimentar con el aerógrafo, la bomba de aire y los pigmentos sintéticos industriales (1936). Con el “Action painting” (comienza en 1947, participando en la exposición en la galería Art of this Century) Pollock dió riendas sueltas a su prolífera imaginación, llevando al lienzo los subterfugios del subconsciente, pintando primero de forma autómata y con el objetivo de avivar sensaciones en el espectador en medio de una época en que los cambios sociales requerían de un novedoso lenguaje pictórico que fuera capaz de abordar o reproducir su carácter radical y desconocido. Dentro de esta misma técnica, que consistía en ubicar el lienzo a ras de suelo y la utilización rígida de los pinceles, logrando una composición que enmarcaba un orden en medio del caos en sí; aparecieron otras técnicas como el “dripping” : utilizaba los potes de pinturas –especialmente acrílica–con una perforación inferior lo cual esparcía, a través del goteo, por todo el lienzo con movimientos bruscos y dirección indeterminada o la lanzaba contra la superficie, utilizando también aerosoles; la otra, el “all-over” que consistía en cubrir todo el soporte para crear una atmósfera que trasgreda los marcos. Desde entonces, a Jack se le apodó como Jack The Dripper (El Goteador) en el juego de palabras con Jack The Ripper (El Destripador).

Pollock estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton. También pintó influenciado por Pablo Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis de Carl Gustav Jung para tratar su alcoholismo. Entre sus obras se encuentran: Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art (1943); Mural on indian red ground, 1950 Tehran's Museum of Contemporary Art (TMOCA) (1950); Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection, Venice (1946); Composition (White, Black, Blue and Red on White) New Orleans Museum of Art (1948).

Herman van Swanevelt

2012-02-29T07:29:00.001-08:00

Entre la generación de Jan Both, Bartholomeus Breenbergh y Cornelis van Poelenburgh –maestros holandeses con influencia italiana, de la primera mitad del siglo XVII, que desarrollaron el paisaje idealizado– se encuentra el grabador y pintor holandés barroco Herman van Swanevelt (Woerden, 1600 – París, 1655). Creador prolífero –casi todos los museos de Europa poseen obras suyas–, en sus paisajes se denota gran habilidad compositiva, aunque son apocados y con cierta pobreza cromática. Su estilo dentro del paisaje es clasicista: predilección por la luz del crepúsculo, inserción de figuras humanas a menor escala, con una composición ordenada y centralizada. En cuanto al grabado, Herman incursionó en el agua fuerte y tuvo gran éxito, proporcionándole ello una buena fortuna; hoy aparecen registrados más de cien grabados de su autoría. También publicó una serie de estampas de animales, fechadas en 1650, posiblemente realizadas en París.

Su establecimiento en Roma, en 1629, lo lleva a formar parte del grupo “Bentveughels” o “pájaros de una pluma”, sociedad citadina de pintores holandeses y flamencos. En su obra se advierte la influencia de Claudio de Lorena, artista con quien compartió la casa por un tiempo; y con quien además expuso una gran serie de paisajes, junto a Jan Both, Gaspard Dughet y Poussin, en el Palacio del Buen Retiro de Madrid (1638-41).

Sus amigos lo apodaban Eremiet, era un hombre solitario que prefería sentarse a realizar apuntes de sus obras –en el campo–, mientras los demás holandeses se deshacían en las tabernas. En París, en 1643, fue nombrado “pintor ordinario del rey” y cambió los paisajes por las pinturas de gabinete. En 1653 ingresa a la Academia.

Obras en museos europeos: Paisaje clásico (Glasgow), Jacobo y el ángel (Hamburgo), Puesta de sol en Italia (Amiens), Orillas de un río (Museo de Bellas Artes de Budapest), Rapto de Adonis (Roma), Paisaje montañoso (Museo del Prado), Paisaje (Louvre), Diana y Endimión (Nápoles), Paisaje con la Sagrada Familia (Bremen), Paisaje con figuras (Burdeos).

Paul Delvaux

2012-02-26T16:32:00.000-08:00

En San Idesbaldo, Bélgica, se encuentra un museo dedicado al artista belga Paul Delvaux (Bruselas, 23 de septiembre de 1897 – Veurne, 20 de julio de 1994). Neoimpresionista, expresionista ―de la mano de Gustave de Smet―, y finalmente surrealista clásico ―influenciado por Magritte, Mesens, Dalí, Miró, tras la exposición “Minotauro” en Bruselas―, la obra de Delvaux se caracteriza por un erotismo latente y las figuras idealizadas: desnudos femeninos en espacios alucinados e indefinidos, es decir mujeres desnudas vagando por estaciones de ferrocarril o edificios clásicos abandonados, célebres por su mirada casi hipnótica y gestos misteriosos. Es padre del importante cineasta belga André Delvaux.

Sus principios en la pintura y la arquitectura fueron en la Academia de Bellas Artes de Bruselas ―en la que fuera su director en 1965―; le apasionaron las historias de Julio Verne ―del cual toma de su ficción: hombres con sombreros hongos o científicos asombrados― y la poesía de Homero lo cual marcó definitivamente su obra. En las décadas de los veinte y los treinta, la obra de Delvaux presenta primero una influencia expresionista flamenca para luego dar un giro hacia el arte metafísico luego de conocer las creaciones de Giorgio de Chirico. También se advierten asomos a los estilos de Magritte, James Ensor, conformando un estilo denominado “realismo mágico” que lo acompaña hasta el final de su vida. De entonces son: La fuite (1936) y La ville endormie, (1938) en ambas se encuentran referencias hacia la arquitectura antigua y los paisajes desiertos con ruinas. Independientemente de la fidelidad hacia su manera propia de hacer arte, Delvaux experimentó con variaciones compositivas y temáticas tales como sus pinturas de los años 1945-47 de estilo aplanado, perspectiva forzada y distorsionada; y la serie de crucifixiones de esqueletos realizadas en la década del 50. Al final de esta década trabajó paisajes nocturnos, y realizó un mural a gran escala para Palais du Congrès en Bruselas.

Colecciones públicas belgas atesoran la obra de Paul Delvaux, al igual que en la Tate Gallery de Londres, el Museo Nacional de Arte Moderno de París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Thyssen-Bornemisza de España.

Frida Kahlo

2012-02-10T13:24:00.000-08:00

La artista mexicana más conocida en el mundo es Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907 – 13 de julio de 1954). Su obra se caracteriza por ser apacible, popular y autobiográfica, con una síntesis de motivaciones expresionistas y surrealistas –el artista André Bretón la denomina así en un catálogo a propósito de una muestra en la galería Julien Levy de Nueva York en 1938–, aunque la misma creadora afirmó "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad". Su vida fue signada por el sufrimiento desde su niñez hasta el fatal accidente de tranvía que provocó serias lesiones en su cuerpo, la rehabilitación y decaída: motivos constantes en su obra. Estudió en la Escuela Nacional Preparatoria de la Ciudad de México (1922) en donde conociera a su futuro esposo el muralista Diego Rivera, su mayor admirador. Entabla amistad con varias personalidades: Tina Modotti, León Trotsky, Pablo Picasso, André Bretón.... Impartió clases en La Esmeralda, del Distrito Federal mexicano. Expone en Nueva York, Detroit, París… su vida ha sido recreada en el cine, la música y el teatro.

Sus primeros autorretratos datan de 1926, los realiza postrada desde la cama o en el baño, en una lenta pero progresiva recuperación: Autorretrato con traje de terciopelo, 1926; Autorretrato o El tiempo vuela, 1929; Frida y Diego Rivera o Frida Kahlo y Diego Rivera, 1931; Henry Ford Hospital o La cama volando, 1932; Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos, 1932; Allá cuelga mi vestido o New York, 1933; Autorretrato con collar, 1933; Autorretrato con mono, 1938; Lo que vi en el agua o lo que el agua me dio, 1938. En 1939 pinta su célebre Las dos Fridas, obra que refleja la crisis marital por la que pasaba en esos momentos con Diego Rivera, es decir el debate entre la Frida que era antes y después de conocerlo, en un momento de ruptura. También escribió poesía en su diario, sumida en el dolor y la enfermedad. Otras obras son: Diego en mi pensamiento o Pensando en Diego o Autorretrato como Tehuana, 1943; La columna rota, 1944; El venado herido, 1946; Diego y yo, 1949; El marxismo dará la salud a los enfermos, 1954

A su última exposición en la Galería de Arte Contemporáneo (1953) asistió en una cama de hospital. Muere al año siguiente en su Coyoacán natal, sus restos son velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; sus cenizas se encuentran en su morada La Casa Azul convertida más tarde en el Museo Frida Kahlo. Sus últimas palabras en el diario fueron: "Espero alegre la salida y espero no volver jamás". Se han realizado retrospectivas de su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (2007), el Instituto Nacional de Bellas Artes de Ciudad de México (1977), la Whitechapel de Londres (1982), la Tate Modern de Londres (2007), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1980), y el Museo Nacional de Colombia, Bogotá (2009).

Carlos Santiesteban Montero

2012-02-07T11:14:00.000-08:00

Carlos Santiesteban Montero es una pintor surrealista español nacido en Guadalajara, en 1927, hijo del también pintor Carlos Santiesteban y Francisca Montero. Aunque completa su talento por las artes plásticas como alumno libre en los cursos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, su formación es básicamente autodidacta gracias al empeño de su madre, pues su padre muere tempranamente.

Su estancia en Madrid lo sitúa frente a los escenarios, la danza, el teatro, temáticas que centrarán sus primeras creaciones a partir de sus experiencias como escenógrafo para obras de teatro y ballet, figurinista de vestuario –en 1955 diseña para la compañía del bailarín Antonio Ruiz Soler en sus espectáculos El Amor Brujo y El sombrero de tres picos de Manuel de Falla, y Cerca del Guadalquivir, ballet flamenco sobre el poema de Federico García Lorca–. Es entre las giras de estas compañías a Europa, Estados Unidos, París, Nueva York, Sevilla, Málaga, en que Santiesteban da a conocer al público su arte –en los años 50 organizó en el Hotel Hilton de Madrid una de sus primeras exposiciones–. Figuras coloristas sobre fondo negro, el tema andaluz, el mundo teatral, también bodegones, y ramilletes florales poblaron sus óleos sobre lienzo y tablex: un excesivo cromatismo, utilización del óleo pastoso. Está considerado un artista fantástico y surrealista, muy ligado a Gregorio Prieto en cuanto a estilo pictórico o el mundo teatral español sumido en las obras de Manuel de Falla, Joaquín Turina o Enrique Granados. Además de exponer en importantes ámbitos artísticos como el MOMA de Nueva York, la Fundación Puerto Banús, los Reales Alcázares de Sevilla o en museos de Nápoles y Florencia; Santiesteban también incursiona en la ilustración editorial para importantes casas como Mundo Hispano y Alicia Zorzoli.

Su obra puede encontrarse tanto espacios públicos como en colecciones privadas: el Ayuntamiento y el Palacio de la Diputación Provincial de Guadalajara –ciudad en la cual mantiene un compromiso de colaboración, además de la creación de su Casa-Museo; diseña carteles para los eventos más importantes–, la Iglesia de San Juan de Ávila o el Convento del Carmen, la escenografía para el tablado del restaurante Cuevas del Clavín, etc.

Ostenta los títulos de Hijo Predilecto de Castilla-La Mancha y de la Ciudad de Guadalajara; la Gran Cruz de Fomento de la Unión Europea, la Legión de Honor Franco-Británica, Caballero de la Orden de Malta y Miembro de Honor de UNICEF Internacional.

Giorgio de Chirico

2012-02-05T20:16:00.000-08:00

Grandes artistas de la plástica como Salvador Dalí, Max Ernst y René Magritte han reconocido la influencia del pintor Giorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) en su obra, especialmente en el movimiento surrealista. Fundador de la squola metafísica (se advierte, en su estancia alemana, la influencia de los artistas simbólicos Arnold Böcklin y Max Klinger, y de la filosofía de Nietzche), estilo que signó después una etapa parisina muy importante en su trabajo –entre 1909 y 1914– denominado período metafísico, el de mayor reconocimiento por la introducción de novedosas formas y temas: ambientes lúgubres y angustiosos. El enigma de una tarde de otoño y El enigma del oráculo fueron las primeras obras de la serie Plaza metafísica.

Al principio de su carrera, el artista concentró su atención en vistas urbanas inspiradas en localidades costeras como Florencia y Turín, –se destaca el predominio de elementos arquitectónicos: arcadas y plazas, e interesantes proyecciones de sombras– hasta que, de manera gradual, se adentró en habitaciones abarrotadas de objetos y en las que convivían solo maniquíes; sin presencia humana. Eran representaciones de habitaciones abiertas hacia el exterior, en las que indistintamente aparecía una obra dentro de la misma obra –estilo que signaría al surrealismo después–; logrando con ello transmitir sensaciones de calma, silencio, de espacio atemporal. Las representaciones icónicas –con varios errores técnicos– son violentadas, arrancadas de su espacio y contexto para ser manipuladas tanto en tamaño como en proporciones; con el objetivo de que quien la observe crea él mismo el sentido de lo que representó el artista. De esta etapa son las obras: La gran torre (1912); La incertidumbre del poeta (1913); Cántico de amor (1914); La conquista del filósofo (1914); Melancolía otoñal (1915); Las musas inquietantes (1916); El gran metafísico (1917); Interiores metafísicos (1916-1918)

Su obra fue alabada por el escritor Guillaume Apollinaire y por Yves Tanguy, quien aseguró haberse adentrado en las artes plásticas luego de disfrutar una obra de Chirico. En 1925 publicó su novela Hebdómero, el Metafísico. Su alistamiento en la Primera Guerra Mundial, en 1915, marcó un giro total en su estilo el cual cambiaría por el realismo, poniéndole fin al período metafísico; luego, tras una experiencia en Italia, pinta Piazza souvenir de Italia (1925). Es la etapa posguerra y la llamada “vuelta al orden” establece un carácter realista, detallista, a las obras pictóricas. Varios artistas surrealistas y críticos se decepcionan de Chirico, su alejamiento de la metafísica lo condena en los circuitos vanguardistas de la época. Otras obras de esta época son: Villas romanas (1922); Piazza souvenir de Italia (1925); La tragedia y la comedia (1926); Dos figuras mitológicas (1927).

René Magritte

2012-02-02T05:27:00.000-08:00

Uno de los pintores surrealistas reconocido por sus provocativas e ingeniosas imágenes con las que pretendía cambiar la percepción del espectador sobre la realidad ―y lograr una relación hipersensorial con su contexto―, fue el belga René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica). Algunos estudiosos consideran que Magritte dio al movimiento surrealista una nueva significación a través de la conceptualización de una iconografía ambigua y su significado a través de la semántica, dinamitando con ello las fronteras entre el objeto real y el pintado. Estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas.
Sus comienzos en la pintura es impresionista, aunque también se asoman a sus obras el orfismo, el cubismo, el purismo y el futurismo, especialmente en la temática de sus obras en el período 1920-1924: la vida moderna, la utilización de colores brillantes y sus incursiones en la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro. Todo cambia radicalmente en 1926 tras su encuentro con la obra de Chirico, específicamente La canción de amor. Entonces aparecen, de su autoría: La túnica de la aventura (1926), El asesino amenazado (1926) ―aquí se advierte influencia de Chirico y los decorados de los primero melodramas del cinematógrafo―.
A finales de la década del 20, Magritte se establece en París; y participa en las actividades de un grupo surrealista al que pertenecen Dalí, Miró y Breton. A través de sus creaciones, Magritte aporta un resurgimiento del Ilusionismo al surrealismo francés. Es irónico, agudo y rebelde. De esta etapa es su “realismo mágico”, con la contradicción semiótica-semántica y las relaciones naturaleza-ilusión, presente en obras como La perfidia de las imágenes (1928-1929); El espejo falso (1928); Los paseos de Euclides (1955). En la década del 30 expone en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en la galería Julien Levy de Nueva York (1936); su obra aparece en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos. Diez años después incursiona en el impresionismo, para luego explorar en el fauvismo; pero la crítica le es hostil por lo que realiza un giro hacia la génesis: desarrolla figuras y paisajes surrealistas transformados en piedra. Los sesenta disfrutan asiduamente de su arte en la galería Dietrich de Bruselas; realiza murales en Bélgica. Es su etapa de esplendor: galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra; retrospectivas de su obra en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas, el de Bellas Artes de Houston y el de Arte Moderno de Nueva York.
La muerte lo sorprende en Bruselas luego de inaugurar una importante muestra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

Pável Chelishchev

2012-02-01T05:47:00.000-08:00

Pável Chelishchev (Kaluga, 21 de setiembre de 1898 - Roma, 31 de julio de 1957) se negó siempre a ser enmarcado surrealista, a pesar de sus similitudes con la obra de Salvador Dalí. Pintor y diseñador escenográfico, gran parte de su obra refleja el deseo homosexual. Su incursión en la escena fue en la ciudad de Kiev, entonces miembro del Ejército Blanco, con Aleksandra Ekster; luego el encuentro con su amante el pianista Allen Tanner –en Berlín– y la partida juntos hacia París marcan una etapa en la obra de Chelishchev en la cual retrata figuras de la élite vanguardista y homosexual. Entonces abundan en su paleta cromática los azules y rosados escandalosos, denominándose él mismo “Príncipe del Mal Gusto”.
Sus inicios estuvieron en el dibujo clásico, aunque también incursionó en el constructivismo y el cubismo del cual se aleja por su predilección por las curvas, enrumbándolo hacia un estilo representativo retomando lo tradicional en cuanto a perspectiva y anatomía, especialmente la anatomía masculina y su búsqueda incesante de “paisajes interiores” vinculados a la metamorfosis del cuerpo humano.
Canastas de Fresas (1925) fue su entrada al Salón d'Automne; ya era admirado por su pintura y también los innovadores diseños escénicos –diseña para Serguei Diaghilev y los Ballets Russes en París; también para los ballets de Lincoln Kirstein; American Ballet de George Balanchine y A. Everett "Chick" Austin en Estados Unidos–. Su aceptación en los Estados Unidos fue en el MOMA y en la Julien Levy Gallery de Nueva York en 1930.
Bien polémicas resultaron las pinturas de la serie Phenomena (Fenómenos, 1936-1938) debido a sus espantosos matices y el retrato de personas vivas como Alice B. Toklas y Gertrude Stein –incluido un autorretrato y un desnudo del modelo y posterior bailarín Nicholas Magallanes–. Le sucedió en la década del 40, Hide and Seek (Esconde y busca, 1940-1942) que consistía en un gran árbol rojo compuesto a partir de pedazos de cuerpo humano –una de las pinturas más populares del MOMA–. Destacan en esta época también, los desnudos homoeróticos como la colección de bosquejos a lapicero Tattooed Man (1934), muchos de ellos se encuentran en la Colección Kinsey; e ilustró –en acuarela– la novela The Young and Evil (1933) de Ford and Parker Tyler.
Con la caída del interés por el arte figurativo en la década de los 50-60, influyó en la decadencia de la obra de Pável Chelishchev; su última muestra fue en la conservadora galería Huntington Hartford del MOMA en 1964 hasta 1998 que exhibe en el Museo de Arte Katonah en Katonah, Nueva York.

Marc Chagall

2012-01-29T11:30:00.000-08:00

Uno de los más importantes exponentes del Surrealismo es el pintor francés de origen bielorruso Marc Chagall (Vitebsk, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985).

Autor de La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924), El cumpleaños (1915), Soledad (1933), entre las más reconocidas; sus obras, en la actualidad, pueden encontrarse en la Ópera de París y en la Catedral de Reims, Francia; en la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago y en la Metropolitan Ópera House y el Museo Guggenheim de Nueva York, Estados Unidos; en la Iglesia de San Esteban de Mainz, Alemania; en la Catedral de Fraumünster en Zúrich, Suiza; y en el Museo de Tel Aviv.

El artista tiene presencia en varias localidades españolas: Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (cuatro óleos, fechados entre 1913 y la década de los 30); en Madrid: Palacio de Liria, Colección de la Casa de Alba y el Museo Municipal de Tossa de Mar; y Galicia (colección de Novacaixagalicia). Su museo en Vitebsk, Rusia, en donde fuera Comisario de Arte, –abierto en 1997, en un edificio donde viviera junto a su familia– solo posee copias de sus creaciones debido a que fuera considerado persona non grata durante la dictadura de Stalin.

Chagall abordó en sus obras la niñez en su ciudad natal, temas bíblicos –reflejo de su herencia judía–, además de denunciar el holocausto nazi, la opresión contra los judíos y el régimen stalinista (obra La crucifixión blanca). Sus obras aluden al universo onírico, fantasioso y transmiten aires esperanzadores a través del tratamiento cromático vívido e intenso; su imagen es recurrente en la generalidad de las piezas, en ocasiones acompañado por una mujer, como observador de su propio mundo. Perteneció a las vanguardias parisinas de antes de la Primera Guerra Mundial, aunque su obra aparece en los límites de estos movimientos modernos, del cubismo y el fauvismo. En la década de los sesenta estuvo inmerso en proyectos artísticos urbanos, a gran espacio, en edificios públicos, religiosos y civiles. Hoy una pintura de Chagall está valorada en más de seis millones de dólares.

Estudia en la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte, en San Petersburgo y se hace un artista reconocido, antes de unirse a un grupo de artistas del Barrio de Montparnasse, en París, Francia. Vivió también en Estados Unidos.

Francis-Marie Martínez Picabia

2012-01-25T10:50:00.000-08:00

Con una obra versátil que abarcó casi todos los estilos contemporáneos, el artista vanguardista francés de origen cubano Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953). Graduado de la École des Beaux-Arts y la École des Arts Décoratifs, estuvo fuertemente influido por el postimpresionismo. Incursionó en el arte abstracto, el surrealismo, el dadaísmo, el cubismo –se vincula a este movimiento de 1909-11, integra el grupo Puteaux y conoce a los hermanos Marcel, Jacques y Raymond Duchamp con los cuales se reunía para discutir de arte, matemáticas y otros temas–, orfismo, el fauvismo y el impresionismo –recibe en estos últimos movimientos, la influencia de la obra de Pissarro y Sisley–; en el dibujo, el collage y la pintura figurativa. En toda su obra se reconoce un particular interés de Martínez Picabia por la literatura y el lenguaje.

Martínez Picabia viajó a varias ciudades en donde el encuentro con el arte vanguardista fue decisivo para marcar el curso de su obra: su contacto con el dadá americano se produce en Estados Unidos (año 1913) gracias al fotógrafo Alfred Stieglitz. Anteriormente había asistido a una muestra en Nueva York organizada por este artista en un cuartel militar, la “The Internacional Exhibition of Modern Art”; un evento que pretendió llevar la vanguardia europea al público norteamericano. En 1914 Martínez Picabia pinta El apuro (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), obra que pasa a formar parte de un conjunto de creaciones que se definen como transposiciones abstractas de experiencias íntimas. Luego en Barcelona, 1916, publica la revista dadaísta “291” en la cual colaboran Arp, Man Ray, Tzara y Apollinaire. Costa Azul refuerza los aires surrealistas en el artista, pero vuelve a París y funda junto a André Breton la revista “391”, una de las más importantes junto a la publicación Dadá.

La revista “391”, editada por Josep Dalmau, una revista diseñada muy similar a la de Stieglitz en cuanto a tipografía, formato y concepción pero con presupuestos teóricos dadaístas: tono destructor, irónico, frío y nihilista. Se publicó entre 1917 y 1924 y tuvo su distribución entre Zurich, Nueva York, París, Barcelona. En ella dejaron su impronta artistas como Tristán Tzara, Marcel Duchamp, Jean Cocteau y Man Ray. Participa activamente en 1917, Tristán Tzara dirige la avanzada parisina, en el movimiento dadaísta, en manifestaciones y escándalos. Luego en 1922, Dalmau organiza una muestra retrospectiva de Martínez Picabia con catálogo de Breton. Hasta 1921, algunos críticos consideran la obra de Martínez Picabia como “mecanomorfa” por su influencia del dinamismo futurista; 1922 marca un cambio en concepción pictórica: vuelve a la figuración, se burla del onirismo surreal con sus figuras desmaterializadas hasta llegar a la tradición artística.

Oswaldo Guayasamín

2011-12-27T07:28:00.000-08:00

Todo el dolor, la miseria y la ira de los pueblos oprimidos de América Latina encuentran voz en la obra del pintor ecuatoriano Oswaldo Guayasamín (Quito, Ecuador, 6 de julio de 1919 - Baltimore, Estados Unidos, 10 de marzo de 1999). Pintor, escultor y también realizó estudios de arquitectura; el profundo sentido humanista de su obra lo coloca dentro del movimiento expresionista. A través de la paleta de colores representa la llamada sociedad moderna que palpó en sus viajes por Latinoamérica, signada por la violencia, el racismo, la xenofobia, por las guerras mundiales y civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, torturas, etc.

Hijo de una familia muy pobre, padre indígena quichua y madre mestiza, desde niño mostró interés y talento por el dibujo, ayudando después a la familia en la venta de trozos de lienzo y cartón con paisajes y retratos de estrellas de cine en la Plaza de la Independencia. Sin embargo, su vida cambia cuando, a los 23 años de edad, expone en una sala particular su primera exposición, la cual por un lado provocó un escándalo en el círculo de la crítica de arte y por el otro, atrajo la atención de Nelson Rockefeller quien compra algunas obras y lo ayuda en un futuro. Vende en Estados Unidos y después pasa a México como asistente del maestro Orozco. Entabla amistad con Pablo Neruda.

Luego llegan los premios y reconocimientos, de diferentes certámenes artísticos como la III Bienal Hispanoamericana de Arte o la de Sao Paulo; miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y de honor de la Academia de Artes de Italia, entre tantas. Expone en museos y en las mejores galerías de Venezuela, Cuba, Francia, México, Italia (Roma), España (Madrid), Estados Unidos, Brasil, Colombia, China y la extinta Unión Soviética (San Petersburgo: Hermitage, Moscú); las últimas fueron en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Fueron en total 180 exposiciones individuales, propio de una creatividad fecunda que también lo llevó a realizar murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); monumentos: A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito. Son célebres también sus retratos de grandes personalidades con los cuales compartía una amistad entrañable como Fidel Castro, Francoise y Danielle Miterrand, Gabriel García Márquez, entre otros.

Creía que el arte es el patrimonio de los pueblos, por ello creó la Fundación Guayasamín, a la que donó su obra y colecciones. Su obra más importante fue La Capilla del Hombre, la cual no pudo ver, pues muere en Estados Unidos. Sus series más importantes son: “Los niños muertos”; “Haucayñán”, “La Edad de la Ira” y la “Edad de la Ternura”.

Diego Rivera

2011-12-18T18:26:00.000-08:00

México tiene en Diego Rivera (Guanajuato 8 de diciembre de 1886 — México, D. F. 24 de noviembre de 1957) uno de sus muralistas más prolíferos y de reconocida obra internacional. Controvertible para algunos, en ocasiones, por la ideología comunista que motivó la temática de sus creaciones, Diego Rivera plasmó en los murales –ubicados en edificios públicos del centro histórico mexicano y de la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo- la realidad social de su país donde convergían personajes contemporáneos con los históricos. Arte que llevó a otras ciudades mexicanas como Cuernavaca (pinturas y murales en el Palacio de Cortés), Palacio Nacional y el Teatro de los Insurgentes de la Ciudad de México (plasmó la historia del país desde los aztecas hasta el siglo XX) y Acapulco; o a otras extranjeras como San Francisco (San Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco-), Detroit (Instituto de Artes de Detroit) y Nueva York. Es aún una figura importante para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano.

Desde niño comienza a estudiar pintura; pero gracias a una pensión del gobernador de Veracruz viaja a España y estudia a Goya, El Greco y Brueghel. Se integra al taller de pintura de Eduardo Chicharro, en Madrid. Entonces se mueve entre España, México, Argentina, Ecuador, Bolivia y Francia. En reuniones con los artistas del Montparnasse, conoció a Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle Inclán, y recibe el influjo de las nuevas corrientes artísticas que imperaban en Europa como el cubismo. Años más tarde se adentra en el postimpresionismo –su obra se destaca por los acabados y la viveza de los colores- a través de Paúl Cezanne lo que le otorga un sello identificativo entre los otros muralistas mexicanos. También estudió el arte renacentista gracias a un viaje a Italia; colabora junto a otros artistas en la campaña políticas del entonces Secretario mexicano de Educación José Vasconcelos junto a José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo.

Su primer mural data de 1922 en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional. Otros murales importantes son el controvertido El hombre en el cruce de caminos o El hombre controlador del universo para el Palacio de Bellas Artes de México donde incluyó una imagen de Lenin; Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central para el Hotel del Prado de la Ciudad de México, La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista del Estadio Olímpico Universitario (UNAM) entre otros. Ilustró Canto General de Pablo Neruda.

Fue co-fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios, militante del Partido Comunista Mexicano y Premio Nacional de Ciencias y Artes de México. Entre sus esposas, a las cuales incluyó en uno de sus murales, estuvo la gran pintora mexicana Frida Kahlo.

Pieter Brueghel

2011-12-14T13:45:00.000-08:00

El pintor y grabador brabanzón Pieter Brueghel o Bruegel, apodado como el Viejo (Bruegel cerca de Breda o Brée, h. 1525 - Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569), está considerado el pintor holandés más importante del siglo XVI y uno de los grandes maestros de ese siglo; junto a Jan Van Eyck, Jerónimo Bosco y Pedro Pablo Rubens representan los más importantes exponentes de la pintura flamenca. Maestro del dibujo a pluma, lo dominaba extraordinariamente. Gran amante del paisaje –se considera el primer artista occidental que pintó paisajes como figura principal y no como fondo de alegorías religiosas-; fue considerado un maestro en esta temática. Se le considera precursor del Barroco al norte de los Alpes. El colorido de sus Estaciones (1565) anticipa la pintura del siglo XVII.

Sus inicios hoy son casi desconocidos: trabajó con el miniaturista Giulio Clovio; permaneció en el taller de un artista siciliano; fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de Amberes. De sus viajes a Francia e Italia son sus primeros paisajes: Combate naval en el puerto de Nápoles, La caída de Ícaro y El suicidio de Saúl. Obras como Camino del Calvario, la serie de las Estaciones –en las que crea varias historias en una misma escena- o Los cazadores en la nieve son sorprendentes el tratamiento que da al paisaje. Brueghel incursionó en otras temáticas en las que siempre estuvo presente el paisaje como las escenas apocalípticas –esta parte de su obra se enlaza con su predecesor el Bosco-: Caída de los ángeles rebeldes, Dulle Griet y El triunfo de la muerte; escenas de género –las llamadas populares y familiares, con mucha presencia de campesinos-: Juegos de niños, El banquete de bodas, La parábola de los ciegos (1568), El país de Jauja y Danza de campesinos y el recurrente motivo de la Torre de Babel: La construcción de la torre de Babel (1563, Museo Kunsthistorisches de Viena) y La Pequeña torre de Babel (Róterdam).

Sobre su estilo se considera que tuvo una concepción más moderna y realista que los manieristas, aunque lo fue (Proverbios, 1559); que fue iconográfico -Los proverbios flamencos y Juegos de niños- y hasta de protesta social –la pintura La lucha entre don Carnal y doña Cuaresma, y los grabados El asno en la escuela y Cajas fuertes combatiendo Huchas-. Hoy una tercera parte de sus obras se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena (Kunsthistorisches).

Entre sus obras se encuentran: Paisaje con Cristo y los apóstoles en el Mar de Tiberíades, 1553, probablemente en conjunto con Marten de Vos, colección privada; Los peces grandes se comen a los pequeños, 1556, Albertina, Viena; Asno en la escuela, 1556, dibujo, Gabinete de láminas, Museos estatales, Berlín; Parábola del sembrador, 1557, Museo de Arte Timken, San Diego.

Piet Mondrian

2011-12-12T19:41:00.000-08:00

Aparentemente simple en sus composiciones –así llamó a sus pinturas figurativas-, el pintor vanguardista holandés Piet Mondrian (Pieter Cornelis Mondriaan Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944) es uno de los pioneros de la abstracción –junto a los rusos Kazimir Malévich y Wassily Kandinski-, pasando antes por el simbolismo y el naturalismo hasta llegar a esas figuras geométricas –esencialmente rectángulos- de colores fuertes: fin y madurez de su estilo artístico. Es uno de los creadores del neoplasticismo junto a Theo van Doesburg, fundador y guía espiritual de De Stijl (El estilo) –movimiento o grupo de arte que pretendía lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferente; se forma en 1917- del cual fue miembro, siendo su obra aquí la fuente de desarrollo filosófico y visual.

Inspirado en los estudios de la escritora, ocultista y teósofa rusa Helena Petrovna Blavatsky –fundadora de la Sociedad Teosófica-, Mondrian se sumió en la búsqueda de un “arte puro” con fuertes influencias espirituales alrededor del cual giraban sus figuras abstractas –consideraba el blanco y el negro como los colores elementales del universo-. Llegó al extremo cuando prohibió en su casa el color verde y rompió con el grupo cuando el mismo Theo van Doesburg propuso un ligero cambio en sus estructuras formales.

Incursionó como maestro, mientras practicaba la pintura en su primera etapa signada por los paisajes al estilo naturalista o impresionista: imágenes de su pueblo natal. Entonces fue el sucesor del precursor del Impresionismo, el pintor y grabador holandés Johan Jongkind, para experimentar después con el puntillismo y el fovismo –especialmente de este movimiento artístico le seducen los colores; llega a él a través del pintor Jan Toorop-.

Su asomo al postimpresionismo llega a través de las obras El Molino Rojo, Árboles a la Luz de la luna y Avond (Tarde) –en esta obra Mondrian reafirma su predilección por los colores primarios-, todas de principios del siglo pasado. Entre 1905 y 1908 Mondrian se acerca a la abstracción con una serie de cuadros de paisajes con casas que asemejan tintazos –Árbol rojo (1909-1910) y Árbol verde (1911)-. Al cubismo llega después de la muestra "Moderne Kunstkring" (1911), en Ámsterdam; entonces realiza dos versiones de su obra Stilleven met gemberpot (Vida tranquila con una olla de jengibre), la primera fue cubista y la segunda abstracta. En la década del 20, reduce su paleta de colores solo al blanco y al negro. Se integra a los grupos "Cercle et carré" (1930) y Abstraction-Création (1931). Su trabajo experimentó cambios en cuanto al ritmo en la década del 40 –Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) y Victory Boogie-Woogie (1943-1944). La obra de Piet Mondrian ha influido en la arquitectura, el diseño, la decoración y la escultura.

Théodore Chassériau

2011-12-08T10:08:00.000-08:00

El “Napoleón de la pintura” fue el pintor romántico francés Théodore Chassériau, (El Limón, República Dominicana, 20 de septiembre de 1819 - París, 8 de octubre de 1856), así lo consideró su maestro el gran clasicista Jean Auguste Dominique Ingres quien lo acogió como discípulo a los 11 años de edad. Entre su obra se destacan sus retratos, la pintura histórica y religiosa, los murales alegóricos y las imágenes orientales inspiradas por un viaje que realizara a Argelia.

Algunos estudiosos consideran que la obra de Théodore Chassériau es una especie de conciliación entre sus dos grandes maestros y antagonistas: el clasicismo de Ingres versus el colorismo pictórico del romántico Eugène Delacroix. Esto se puede apreciar en su primera etapa –hasta 1845- en la que idealizó figuras; mientras que a partir de esa fecha, su obra tiene el marcado romanticismo clásico y el colorido de Delacroix en el dibujo y la composición plenamente clásicos. Asombrosamente a la edad de 16 años, inauguró su taller como retratista con influjos nórdicos, españoles y la técnica de Ingres.

Entre sus primeras obras de importancia, en las que reflejó una manera muy particular de representar el desnudo femenino, se encuentran: Susana y los viejos y Venus Anadyomene (ambas de 1839), Diana sorprendida por Acteón (1840), Andrómeda encadenada a la roca por las nereidas (1840), y La toilette de Ester (1841). De esta etapa, también se destacan sus pinturas religiosas: el tema recurrente Cristo en el monte de los Olivos y El descendimiento de la cruz (1842); los Retratos del reverendo padre Dominique Lacordaire, de la orden de los frailes predicadores (1840), y Las dos hermanas (1843), que representa a Adèle y Aline, hermanas de Chassériau.

A partir de entonces, luego de un viaje a Argelia y profundamente inspirado en el arte oriental, Chassériau pinta Ali-Ben-Hamet, califa de Constantina y jefe de los haractas, seguido por su escolta (1846), Jefes árabes visitando a sus vasallos y Mujeres judías en un balcón (ambas de 1849, actualmente en el Louvre), El tepidarium (1853, en el Museo de Orsay, esta obra está inspirada en Pompeya).

Entre sus obras monumentales están la decoración de la gran escalera del Court des Comptes (Tribunal de Cuentas), 1835 : Aline Chassériau (Louvre), Retrato de Adéle Chassériau (1836), Ernest Chassériau (Louvre, 1836), Caïn maudit (1836), Retour de l'enfant prodigue (1836), Charlotte de Pange (1616-1850) (Metropolitan Museum of Art New-York 1841), Admiral Baron Victor Duperré (dibujo), (Detroit Institute of Arts 1842), Marie l'Egyptienne, (fresco decorativo de la iglesia de Saint-Merri en París, 1843) entre otras. Murió a los 37 años de edad.

Su obra influyó notablemente en los estilos de Puvis de Chavannes y Gustave Moreau, a los que siguieron Paul Gauguin y Henri Matisse.

Jan Baptist Weenix

2011-12-04T14:04:00.000-08:00

Pionero en llevar al arte holandés escenas de la bahía italiana –en mediano formato y ubicando un grupo de figuras en primer plano-, el pintor barroco neerlandés Jan Baptist Weenix (Ámsterdam, 1621- Vleuten ¿1660?) fue un fecundo y versátil artista que sentía predilección primero por los paisajes italianos con alargadas figuras entre ruinas – Escena de caza expuesto en la National Gallery de Londres-, escasas escenas religiosas – entre ellas Jacob y Esaú en Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde- y luego los bodegones de caza muerta o perros. Su obra se encuentra en las principales galerías de San Petersburgo, Viena, Múnich y Ámsterdam.

De pequeño, Weenix no podía hablar bien por problemas de salud. Recibe clases con Jack Micker, en su estancia en Ultrecht aprende con el pintor naturalista Abraham Bloemart en su taller –por donde también pasaron indistintamente Both, Poelenburgh, Wouter Crabeth, entre otros-. Retorna a su natal Ámsterdam, y recibe clases con Claes Cornelisz. Escapa de su casa, hasta que su hija lo sigue hasta Rotterdam.

Se embarca hacia la capital italiana, después de recibir la negativa de su esposa de acompañarlo. De su paso por Roma, entre 1620 a 1720, se alista en una sociedad de artistas de artistas mayormente holandeses y flamencos radicados allí, que se hizo llamar Bentvueghels o “Pájaros de una pluma”. También se conocieron por “Camarilla de pintores” o Schildersbent. En esta etapa realizó trabajos para el Papa Inocencio X, quien lo consideró mucho.

Weenix está al frente de un gremio de artesanos o guilda, en 1649; entonces realiza un retrato del filósofo, matemático y científico francés Miguel Descartes.

Al final de su vida, se interna en un castillo en las afueras de Ultrech, dicen algunos que para dedicarse entero a su obra, otros que aquejado por su enfermedad se retiró a morir en paz, de cualquier forma lo hizo sumido en la pobreza.

Jean Honoré Fragonard

2011-12-01T12:47:00.000-08:00

El refinamiento y la sensualidad de El columpio (1967) –óleo sobre lienzo, se conserva en la Colección Wallace de Londres- en el símbolo del movimiento artístico del Rococó, gracias al talento de su creador el pintor y grabador francés Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de 1732 – París, 22 de agosto de 1806), un artista que abordó todos los géneros pictóricos: retratos, paisajes, escenas familiares, temas bíblicos, mitológicos. Sus obras se encuentran en museos en Nancy, Orleans, Grenoble, Besançon, Chantilly, Nantes, Marseille, Ruan, Avignon, Lille, Amiens y Tours; así como en colecciones privadas en Londres y París.

Luego de haber estudiado en los talleres de los artistas parisinos Françoise Boucher, Charles-André van Loo y de Chardin, Fragonard gana con su obra Jeroboam sacrificando a los ídolos (1752, École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, París) el Premio de Roma –auspiciado por el Real Academia de Escultura y Pintura de Francia-, el cual le permitiría, de la mano del artista Hubert Robert, conocer los futuros escenarios de sus pinturas. Antes de partir pinta Cristo lavando los pies de los apóstoles (1745-1755, catedral de Grasse). En su paso por Venecia estudia la obra de Giovanni Battista Tiepolo.

Hasta ese momento, el artista no se había decidido qué temática prevalecería en su obra y no es hasta que pinta Coreso y Calliroe (Le grand prêtre Corésus se sacrifie pour sauver Callirhoé o Coreso y Calirroe, Museo del Louvre, París) en 1765, elogiada por el escritor y filósofo francés Denis Diderot y adquirida por el rey Luis XV, lo que le valió varios trabajos y su ingreso en la Academia de Artes. Fragonard pintó la vida palaciega con gran virtuosismo y belleza, especialmente por el uso de los colores. En esta etapa sus obras más destacadas son: El beso robado (1759, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York); Le verrou, La cerradura o El cerrojo (1777, 74 x 94 cm, Museo del Louvre, París); Les baigneuses (Las bañistas) (1763 - 1764, 64 x 80 cm, Museo del Louvre, París); algunas decoraciones y retratos.

Con el estallido de la Revolución Francesa, Fragonard se refugia en casa de su amigo Alexandre Maubert, allí decora unos paneles conocidos como Roman d'amour de la jeunesse. Retorna a París a principios del siglo XIX donde muere casi olvidado; hasta varios años después en que es reconocido en la literatura especializada entre los grandes maestros. Entre sus obras están: La gallina ciega (1760, Museo de Arte de Toledo, Ohio, Estados Unidos); Le voeu à l'Amour o El juramento al amor (1780 - 1785, Museo del Louvre, París); Le feu aux poudres o Fuego a la pólvora (antes de 1778, 37 x 45 cm, Museo del Louvre, París).

Domenico Ghirlandaio (Domenico Bigordi)

2011-11-21T05:25:00.000-08:00

Mentor del genial Miguel Ángel, a quien introdujo en el arte, el pintor del Quatrocentto italiano Ghirlandaio (1449 - 1494), está considerado por el valor artístico de su obra como superior a todos sus precursores y contemporáneos. Su nombre aparece en la nómina de los más grandes artistas del Renacimiento italiano junto a Giotto, Masaccio, Filippo Lippi y Botticelli, algo sorprendente en un creador que nunca utilizó la pintura al óleo, ejecutó con maestría la gama cromática en los frescos y se destacó por un excelente uso de los claroscuros. Sus estudios y dibujos tienen gran vigencia gráfica, y se encuentran expuestos en la Galería de los Uffici.

Ghirlandaio, apodo que significa fabricante de guirnaldas, por el oficio de su padre, se llamó Domenico Bigordi o Domenico Curradi. Fue básicamente un dibujante, “pintar se corresponde a dibujar”, decía; la dureza del contorno de sus dibujos advertía sus inicios en la escultura en bronce; pionero en llevar una mezcla de arte sacro y profano al arte florentino. Hombre insatisfecho y voraz trabajador, admitía cualquier encargo aunque no se consideraba ambicioso. Giorgio Vasari aseguraba que fue el primero en eliminar el uso del dorado en sus obras, lo cual acentuaba el realismo, aunque hay excepciones como Adoración de los Pastores (expuesta en la galería de la Academia de Florencia).

En los últimos años de su vida se convirtió en el pintor más hábil de su tiempo, a pesar de la brevedad de su existencia tuvo una obra numerosa y de gran calidad en frescos, mosaicos, retratos y las tablas de altar. No dedicó especial interés al desnudo, realizó muy pocos como Vulcano y sus ayudantes que forjan los Rayos.

Sus frescos más importantes son: San Jerónimo (iglesia de Ognissanti, 1480), Última cena (Convento de San Marcos, 1480), la notable Apoteosis de San Zenobio (Sala de los Lirios, Palacio Vecchio, entre 1481 y 1485) denominada obra “metafísica”, Cristo que nombra a Pedro y Andrés sus apóstoles (decoración mural de la Capilla Sixtina, 1483) convocado por el Papa Sixto IV. Los de mayor relevancia: los que abordan la vida de San Francisco en la Capilla Sassetti en la iglesia de Santa Trinidad, en tres episodios principales San Francisco recibiendo del papa Honorio III la aprobación de la regla de su orden, La muerte y exequias de San Francisco y La resurrección por intercesión del santo de un niño de la familia Spini, junto a los de la Catedral de Santa María de Novella.

En sus frescos aparecían importantes personajes de la época: Ángel que se aparece a Zacarías, Anunciación de Ana e Isabel, Prendimiento de Joaquín en el Templo, Retrato de Giovanna Tornabuoni.

Tablas de altar ejecutadas a tempera: Virgen adorada por los santos Zenobio, Justo y otros, Cristo en la Gloria con Romualdo y otros santos, Adoración de los Magos.