La Gruta De Los Lienzos

Impresionismo

2009-12-08T08:00:00.002+01:00

periodo: 1869-1885.
movimientos afines: Realismo y Escuela de Barbizon.
movimientos contrarios: Academicismo.

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El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia) caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet “Impresión: sol naciente”.
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Un arte burgués y positivista.
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El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica: por un lado, el florecimiento de la burguesía; por otro, la llegada del positivismo.
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La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres. Gracias a ellos el campo deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio y de excursiones campestres. La ciudad, en tanto, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: los “flanneurs”, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París. Cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias… Un mundo fascinante que bajo la mirada de los impresionistas eclipsan los grandiosos temas del pasado.
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El positivismo (que defiende que el único conocimiento auténtico es el conocimiento científico, surgido al confirmar las teorías a través del método científico) irrumpe también en la pintura, donde se busca la objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica.
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Los inicios (Francia)
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El germen del movimiento Impresionista se remonta a alrededor del año 1858 y nace en un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet, Renoir, Sisley, Bazille) interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales. Para ello van a centrarse en la pintura al aire libre, en la que pretenden plasmar la cambiante luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas.
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En busca de una nueva forma de entender la pintura, los impresionistas centran su atención en el trabajo de los paisajistas del Romanticismo inglés (sobre todo Joseph Mallord William Turner y John Constable) y en las innovaciones de Camille Corot y la escuela de Barbizon.
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De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de colores intensos; el máximo exponente de estas características lo encontramos en “Lluvia, vapor y velocidad”, un cuadro que podríamos considerar ya preimpresionista.
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Corot renunció a muchos de los recursos formales renacentistas y prefirió concentrar su atención en espacios más planos y sencillos y en superficies más luminosas. Nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos (como hicieron los impresionistas) y siempre organizó sus lienzos para conseguir una cierta composición clásica. Sin embargo, usó con frecuencia una elevada clave tonal, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial.
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Además, durante este período inicial fue fundamental la figura de Manet, que se convirtió en el abanderado del antiacademicismo tras sus trabajos “Merienda Sobre la Hierba” y “Olimpia”. Rechazado por los Salones oficiales, Manet se convierte en el promotor del “Salon des Refusés”, creado en 1863 a modo de contestación de los Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado y carente de originalidad. Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de Manet, lo que le ha valido el galardón de padre del Impresionismo. Dos trabajos se consideran esenciales para comprender su influencia en el grupo. El ya mencionado “Desayuno sobre la hierba”, donde las miradas de los personajes nunca se encuentran y en el que, a pesar de que las figuras representadas son humanas, Manet las trata como figuras en un bodegón; este trabajo inculcará en los impresionistas la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte “El bar del Folies-Bergère” evidencia el interés por los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar.
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El público aún no está preparada para este nuevo lenguaje de pincelada descompuesta en colores primarios que han de recomponerse en la retina del espectador. Sin embargo, Impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte (que encauzará el gusto del público) y los "marchands" o vendedores de arte (que colocarán sus cuadros en las mejores colecciones del país). Además, las tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se van a convertir en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Eso sin hablar ya del favor que disfrutarán por parte de la burguesía, encantada de verse retratada en los lienzos impresionistas.
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Formalización del impresionismo (Francia)
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El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo. Los tanteos estaban olvidados. El paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento había empezado. Todos los impresionistas eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando.
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Fundaron una Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria “Impresión: sol naciente” de Monet que, burlonamente citada por el crítico Louis Leroy, dio nombre al grupo.
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Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir, Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola (en L'Évènement) y de Castagnary (en Le Siècle), "La nouvelle peinture" (1876) de Duranti y la "Historia de los pintores impresionistas" (1878) de Duret.
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Técnica
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Los impresionistas prescinden de los grandes lienzos. Esto se debe a que estos no se tratan de compromisos sociales sino, en todo caso, de encargos privados. Además, los impresionistas tienen por costumbre salir a la calle o al campo para trabajar, por lo que han de reducir el material que llevan consigo. De gran ayuda será para ello el uso del óleo en tubo, generalizado a mediados del siglo XIX, que liberaba al artista de la engorrosa elaboración de pigmentos en el estudio y le permitía salir a pintar al exterior.
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Tienden a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios (rojo, azul y amarillo) y sus complementarios (verde, naranja y morado respectivamente). Sin embargo, a veces se permititen mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo

····· círculo cromático··

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Prescinden de los colores pardos y terrosos y destierran el negro de la paleta al observar que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables.
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Para distribuirlos obedecen a ley de colores complementarios y los emplean normalmente distinguiendo entre los fríos y los cálidos. Las sombras dejaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados, los cuales creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces dejaron de ser claras para conventirse en colores cálidos o saturados, que daban la sesanción de elevarse del fondo. Se rompe así con el sistema clásico del claroscuro, más propio del dibujo, y de la perspectiva… A decir verdad, los impresionistas huyen de todos los recursos propios del dibujo, aplicando en sus cuadros únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color.
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A esta explosión de color contribuyeron las importantes evoluciones científicas y técnicas de la segunda mitad del siglo XIX, que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables
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Desplazada por el color, la preocupación por la forma desaparece y deja paso a la obsesión por la luz y su influencia sobre el color de los objetos. Los impresionistas buscan condiciones de iluminación que reten a su genio: la luz artificial de Edgar Degas en sus salones de ballet, la iluminación natural filtrada de Auguste Renoir y sus arboledas, los reflejos en el agua en los estanques Claude Monet... Ante la presencia de la luz, las formas se diluyen, se mezclan o se separan dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.
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8 Estudios sobre la Catedral de Ruán de Monet (de izqda. a dcha. y de arriba a abajo): sol matinal, armonía en azul * por la mañana, armonía en azul * a pleno sol, armonía en azul y oro * a pleno sol, armonía en azul y oro * a pleno sol, armonía en azul y oro * al sol de la tarde * en un día gris * visto de frente, armonía marrón

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¿Y qué ocurre si liberamos al pintor del encorsetamiento de la forma, de la sombra, del dibujo? La pincelada se libera y aparece corta, fragmentada, dejando a veces entrever el blanco del lienzo, siendo la retina del espectador la que ha de recomponer esas pinceladas sueltas para captar la imagen. Esta pinelada ligera unida al pequeño tamaño de los lienzos que usaban confiere a los impresionistas una gran agilidad y velocidad en sus trabajos... Pero, ojo, que no hablo de una velocidad figurada, sino real, ya que un impresionista podía acabar un lienzo en unos 15 minutos.

Fuentes: Wikipedia España, ArteHistoria, TheArtWolf (serie Ruán de Monet).
Artículos: SpanishArts, Monografías.
Imágenes: Impresionismo Español.

Rogelio y Angelica

2009-11-20T08:00:00.000+01:00

A principios del siglo XIX, en Francia se puso de moda el interés por la literatura medieval y los clásicos franceses. Sin ir más lejos, el tema de Rogelio y Angélica fue rescatado de un poema épico escrito en 1516 por Ludovico Ariosto y titulado "Orlando furioso", ideado como una continuación del poema épico "Enamorado Rogelio"escrito por Matteo Maria Boiardo en 1486.
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Boiardo dejó a su "Enamorado Rogelio" hecho prisionero por un caballero que montaba un hipogrifo, tras el cual se esconde el mago Atlante. Retomando la historia donde Boiardo la dejó, Ariosto encarga su liberación a Bradamante, hermana de Reinaldo, enamorado de Angélica. Para resolver su misión, Bradamante cuenta con el anillo mágico de Angélica, el cual tiene un doble poder mágico: puesto en el dedo, deshace cualquier encanto; puesto en la boca, vuelve invisible al que lo lleva.
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Con el anillo en el dedo, Bradamante es invulnerable a la magia de Atlante, al cual vence. El castillo desaparece, porque era todo obra de los encantamientos de Atlante, liberando de su presidio a los caballeros y damas que están allí presos. Entre ellos está Rogelio, que se reencuentra brevemente con Bradamante, antes de que el hipogrifo sobre el que está sentado lo conduzca de nuevo involuntariamente lejos de la heroina.
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Tras pasar por la isla de la maga Alcina, donde queda preso de su encantamiento por una temporada, Rogelio vuelve al reino de Logistila, donde la maga Melisa lo instruye en la monta del hipogrifo. Sobre los lomos de su recién adquirida montura, Rogelio atraviesa Asia y Europa hasta las proximidades de la isla de Ebuda, donde descubre a una desnuda Angélica a punto de ser devorada por un monstruo marino. Rogelio logra rescatarla y huír con ella a la Bretaña francesa.
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Nada más descabalgar, Rogelio queda prendado de la belleza de Angélica e intenta conquistarla para si. Sin embargo, Angélica mete en su boca el anillo que previamente le había devuelto el caballero y, volviéndose invisible, huye de él para volver a su reino de Catay.
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Desde el punto de vista literario, hay que aclarar que Rogelio no es el protagonista absoluto del relato de Ariosto, ya que comparte su amor por Angélica con muchos otros pretendientes, como el ya mencionado Reinaldo, el propio Orlando, que da nombre a la obra, o el tierno Medoro, al que los años ha convertido en el gran amor de Angélica. De hecho, el heróico rescate de Angélica no es más que una pequeña parte del poema, tratado en el canto décimo, estrofa 92.
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Desde un punto de vista iconográfico, hay que destacar que el tema de Rogelio y Angélica puede considerarse una reinterpretación del tema cristiano de San Jorge, el dragón y la princesa. Además, tampoco son inevitables los paralelismos con el mito clásico de Perseo y Andrómeda, del que ya se publicó un post hace tiempo.

Artículos sobre Angelica y Rogelio en la pintura: ArteHistoria (boceto de Ingres), ArteHistoria (lienzo de Ingres).
Artículos sobre el "Orlando Furioso" de Ariosto: Entrada en Wikipedia España. Texto en lengua original (Google Books).

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·· lienzos inspirados por Angélica y Rogelio ··

Charles-Amable Lenoir

2009-10-30T08:00:00.001+01:00

Charles-Amable Lenoir (1861-1926) Pintor francés. Nació en Châtellaillon, una pequeña localidad vecina de La Rochelle, hijo de un oficial de aduanas, por lo que las condiciones para la educación en su familia estaban lejos de ser favorable.
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Además de revelar sus dones artísticos pronto, el joven Charles-Amable demostró también sus facilidades intelectuales, pudiendo haberse dedicado a la educación, ya que también quiso ser profesor. Habiendo aprobado con éxito los exámenes, debió dejar definitivamente Fouras, la pequeña ciudad en Charente donde su padre estaba destinado, e ir a la Universidad de Profesorado de La Rochelle. Después de graduarse en la universidad, fue trabajar como supervisor en la escuela secundaria de Rochefort.
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Entonces repentinamente eligió la carrera de artista, quizá de acuerdo con el dictamen de Eugène Bouguereau. No hay pruebas de ello de momento. Sin embargo, lo que si está probado es que Charles-Amable Lenoir era al mismo tiempo estudiante y amigo cercano de William Bouguereau; ambos procedían de la misma provincia de Aunis, concretamente de la Charente Inférieure, hoy rebautizada como Charente Maritime.
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En 1882 Lenoir fue a París, donde fue admitido en la École Nationale des Beaux-Arts en agosto, después del concurso. Gracias a la carta de recomendación de Eugène Bouguereau, también fue admitido en la Academia Juliana donde se unió a las clases de William Bouguereau y Tony Robert-Fleury.
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Después de muchos intentos en las famosas "loges", Lenoir obtuvo el Segundo Gran Premio de Roma, segundo grado (1889) y el Segundo Premio de Roma, primer grado (1890)
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Aunque se vio obligado a instalarse en París para hacer una carrera acertada, Lenoir, como su profesor y amigo íntimo Bouguereau, siempre estuvo vinculado a Charente. De hecho, todos los veranos ambos regresaban a su provincia natal, donde solían citarse, ya fuera en La Rochelle, donde vivía Bouguereau, o en Fouras, donde Lenoir había adquirido un terreno y había construido una vivienda.
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Después de su muerte en Fouras, su esposa, de soltera Eugénie Lucchesi, conservó el trabajo del último estudio del artista, incluyendo pinturas, estudios, dibujos, mobiliario, etc. Sus descendientes han continuado con esta actitud hasta hoy y gracias a esta parte de la familia, la vivienda de Fouras conserva el aspecto con la que Lenoir la dejó en 1926.

La biografía es un fragmento del artículo de Damien Bartoli, publicado en ARC (inglés).
Artículos: Rehs Galleries.
Imágenes: ARC.

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lienzos de Charles-Amable Lenoir
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Atendiendo los terminos de uso de Webshots, se excluyeron los desnudos.
No obstante, pueden descargarse el album completo en Megaupload.

Elsie Russell

2009-10-27T08:00:00.000+01:00

Elsie Russell (n. 1956) es una pintora poderosa, amante de los grandes contrastes, de los colores rotundos y de la mitología clásica, la desnudez, el simbolismo y el retrato. Su obra es una interpretación diferente del academicismo, lleno de color y de fuerza.
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"Amy" de Elsie Russell (c)
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Elsie Russel en la red...
Parnasse (pintura) * su blog (escritos) *

Charles Gleyre

2009-10-16T08:00:00.000+02:00

Marc Gabriel Charles Gleyre (1806-1874) Artista suizo de estilo Academicista. Estuvo en el taller de Paul Delaroche en 1843 y enseñó a muchos jóvenes artistas que después se consagrarían como Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley o James Abbott McNeill Whistler.
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Sus padres murieron cuando tenía 7 u 8 años y lo crió un tío suyo en Lyon, quien lo envió a la escuela industrial de esta ciudad.
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Al final de su adolescencia fue a París, donde pasó cuatro años estudiando intesamente el arte. Los cuatro años siguientes los pasó en Italia, donde se hizo amigo de Horace Vernet y Louis-Leopold Robert. Los seis siguientes los compartió entre Grecia, Egipto, Nubia y Siria. En Sufrió un enfermedad oftálmica en El Cairo y de fiebres en el Líbano, regresando a Lyon en un estado de salud deplorable.
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Al recuperarse fue a París y se estableció en un modesto estudio de la rue de l’Université, donde empezó a dar forma a las ideas que le habían rondado por la cabeza hacía tiempo. Realizó "Diana dejando el baño" y "Joven nibio", algunos cuadros de frutas, que no llamaron la atención entonces, y el cuadro que lo catapultó dentro del mundo artístico, La apocalíptica visión de San Juan enviado al Salón de París de 1840.
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A éste le siguió en 1843 "Tarde", que más tarde se hizo popular como "Las ilusiones perdidas". En él aparece un poeta sentado en un banco junto al río con la cabeza gacha y con una pose cansada, dejando su lira caer de una mano despreocupada y mirando fija y melancólicamente a una comparsa de doncellas cuyo canto deja de oír y cuyo bote se aleja lentamente de su mirada.
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A pesar de su éxito, se retiró y pasó el resto de su vida dedicándose devotamente a sus ideales artísticos. Después de 1845, cuando expuso su "Separación de los Apóstoles", sólo exhibió en el Salón "La danza de las bacantes" en 1849. Sin embargo, siguió siendo muy productivo, demostrando una capacidad enorme de captar el dolor; cuando le preguntaban por su método para plasmar todo esto, decía, "En y pensant toujours"(Pensando en eso siempre). Era muy meticuloso y contagió su laboriosidad a muchos artistas. Pasaban años hasta que finiquitaba sus obras. Para cuando Delaroche dejó su taller de instrucción, se lo recomendó a sus alumnos y Gleyre accedió a dar lecciones dos veces a la semana sin que se le compensase por eso.
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Por instinto y principio, era célibe y en sus años de retiro se interesó por la política y concertaba citas de un partido liberal en su estudio. A pesar de los desastres de su época, se mostraba bastante optimista, "la raison finira bien par avoir raison" (La razón acabará teniendo razón). Murió de repente en una visita a la Exposición Retrospectiva de los exiliados de Alsacia y Lorraine
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Dejó inacabado su "Paraíso terrenal", un noble cuadro que Taine describió como "un sueño de inocencia, de dicha y de belleza". Entre otros cuadros del pintor cabe destacar "Diluvio", donde aparecen dos ángeles sobre una desolada tierra en la que las aguas que la destruyeron empiezan a retirarse dejando que se vean los estragos. Otros cuadros importantes son "La batalla de Lémano", "El hijo pródigo", "Rut y Boaz", "Ulises y Nausícaa"; "Hércules a los pies de Ónfale", "El joven ateniense" o "Safo" o "Minerva y la ninfa", "Venus y Adonis", "Dafne y Cloe", "El amor y las parcas". También dejó numerosos dibujos y cuadros y se le atribuye el retrato de Heinrich Heine, en Revue des deux mondes en abril de 1852. Se estima que realizó 683 obras.

La biografía se extrajo de Wikipedia España.
Artículos: ArtCyclopedia, La Tribune Del Art.
Imágenes: Wikipedia Database, ARC, Painting Palace.

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lienzos de Charles Gleyre
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Cleopatra

2009-10-14T08:00:00.000+02:00

Cleopatra (70 a.C. - 30 a.C.) Reina de Egipto. A la muerte de Ptolomeo Auletes, rey de Egipto, la corona quedó en manos de sus dos hijos: Ptolomeo y Cleopatra, que debían desposarse. La joven deseaba conquistar el poder en solitario por lo que inició una serie de maniobras para acabar con la vida de su hermano. La corte, que le era hostil, acusó a Cleopatra de tratar de matar al rey lo que obligó a huir a la joven reina. Su próximo movimiento sería ponerse al frente de un ejército para desencadenar una contienda civil.
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La llegada de César a Egipto persiguiendo a Pompeyo dará un nuevo empuje al enfrentamiento fratricida. Ptolomeo apuesta por César y hace asesinar a su enemigo. Pero Cleopatra no dudó en utilizar su encanto femenino para hacerse con el apoyo del romano, acudiendo al palacio y seduciendo al gran general. La derrota de Ptolomeo fue el siguiente paso, consiguiendo la bella reina su propósito. Durante nueve meses César y Cleopatra vivieron una intensa historia de amor de la que nació Cesarión.
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Una vez más Cleopatra va a participar en la historia de Roma cuando Antonio se hizo dueño del Asia Menor. Tras la batalla de Filipos (42 a.C.) Antonio se reunió con ella en Tarso. La llegada de la reina fue espectacular y con su belleza y encanto conquistó también el corazón del general romano. En el año 37 ambos se desposaron para convertir en realidad uno de sus sueños: la creación de una gran monarquía oriental al margen de Roma. Para evitar esta empresa Octavio dirigió sus fuerzas a Oriente donde se libró la batalla de Accio (31 a.C.) en la que Antonio salió derrotado.
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Cuando Octavio se personó en Alejandría para contemplar aquella belleza que había cautivado a los dos mejores generales romanos, Cleopatra intentó hacer lo mismo con él; pero la edad de la reina y el carácter frío de Octavio motivaron que la maniobra de seducción no obtuviera el deseado resultado. Octavio informó a la reina egipcia de sus intenciones de llevarla a Roma como parte de su cortejo triunfal. Una humillación de ese talante no era admitido por Cleopatra que no dudó en encerrarse en su palacio y suicidarse poniéndose un aspid en el pecho. Cuando Antonio conoció la noticia de la muerte de su amada corrió el mismo destino.

fuente: ArteHistoria.com

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·· Sala dedicada a Cleopatra ··

Gustave Klimt

2009-10-11T08:00:00.000+02:00

Gustave Klimt (1862–1918) Pintor y artista gráfico austríaco. Estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, recibiendo la influencia del pintor Hans Makart. Hacia 1890 se desprende de los modelos académicos para afirmar un estilo personal basado en la utilización de la alegoría y la estilización del ornamento.
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En 1897 se convierte en uno de los fundadores de la Sezession de Viena, madurando su estilo dentro del art nouveau , inspirándose para ello en el arte de Rávena, en la estampa japonesa o en el simbolismo de Khnopff.
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Sus murales para la Universidad de Viena (1900–1903), provocan fuertes críticas debido a su erotismo y a sus constantes referencias literarias y metafísicas. El conjunto de mosaicos realizados para el comedor del palacio Stoclet de Bruselas es muestra de su maestría debido a que en su superficie se multiplican los elementos ornamentales y es abundante la utilización del oro. Durante esta época sus cuadros quedan íntegramente dedicados a la mujer, tema al que otorga una dimensión escandalosa y original por su falta de encuadre y por el hieratismo de las actitudes.
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Su obra influye en los jóvenes artistas austríacos, gozando ésta de un valor permanente en la historia del arte decorativo.

Biografía extraída de MasDeArte.
Artículos relacionados: Wikipedia España, ArteHistoria, ArteLista, ArtCyclopedia, ArtMagick.
Más imágenes: Wikipedia Database, expo-klimt, ARC, Artchive, CGFA, Humanities Web, The Athenaeum, OceansBridge, King's Gallery, WMOFA, Klimt Gallery, Beethoven Frieze en Secession.at.

lienzos de Gustave Klimt
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Endimión, el bello durmiente

2009-10-05T08:00:00.000+02:00

En la mitología griega, Endimión era un hermoso pastor (o, más raramente, un rey o un cazador) de Asia menor, reconocido sobre todo por su romance lunar.
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Cuenta la leyenda que Endimión era tan hermoso que Selene, diosa de la luna, le pidió a Zeus (o a Hipnos, según otras fuentes) que le concediese vida eterna para que nunca la dejase. Alternativamente, Selene confió y amó tanto a Endimión que él tomó la decisión de vivir para siempre durmiendo. De cualquier manera, recibió la bendición de un sueño eterno. Cada noche, Selene lo visitaba donde yacía, en el monte Latmus, cerca de Milete, en Asia menor.
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Selene y Endimión tuvieron cincuenta hijas, entre ellas Naxos, y dos hijos: Aetolus (rey de Elis o Elea y luego también de Etolia) y Epeo, que ganó el reino de su padre batiendo a sus hermanos en una carrera.
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También se le atribuye a Endimión la proeza de haber conquistado a la casta Diana (Artemisa para los griegos). En este caso, la fábula asegura que Diana se enamoró platónicamente de Endimión, hasta tal punto que la diosa lo visitaba mientras dormía para llenarlo de besos, besándolo tan suavemente que ni siquiera lo despertaba. Claro que el origen de este mito quizá radique en el hecho de que la Diana romana y la Artemisa griega a menudo se consideraron diosas de la Luna, equiparándose a menudo con la diosa Selene.

Fuentes: Endimión en Wikipedia. Diana en Wikipedia.
Algunas imágenes: Wikipedia Database.

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·· Endimión y su romance con Selene / Artemisa / Diana··

La femme dans la peinture orientaliste, Lynne Thornton

2009-10-02T08:00:00.000+02:00

"La femme dans la peinture orientaliste, Volume 3" de Lynne Thornton está dedicado al retrato femenino en la pintura orientalista. Las primeras 200 páginas del libro abordan los diferentes temas tratados en este estilo: el toilette, las ceremonias, los retratos... Las 50 últimas recopilan la biografía de sus grandes pintores. Desde Google Books podemos acercarnos a este libro y, aunque hay páginas excluídas de la vista previa, disfrutar de su belleza y de su información, eso sí, en francés ;)

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·· ver en Google Books (en francés) ··

Artemisia Gentileschi

2009-09-27T08:00:00.001+02:00

Artemisia (1593-1652) es la hija de uno de los principales seguidores del caravaggismo, Orazio Gentileschi. Ella misma fue una destacada pintora dentro del Naturalismo Tenebrista. Empresaria de su propia obra, su trayectoria personal influyó grandemente en su producción. Violada por su profesor de dibujo, Agostino Tassi, fue a ella a quien el tribunal sometió a tortura para verificar su testimonio. Tal vez fue eso lo que la impulsó a tratar habitualmente temas protagonizados por mujeres fuertes, como es su "Judit y Holofernes". Artemisia fue un caso atípico dentro de la historia de la pintura. No tanto por su condición femenina, como por su independencia. Mujeres pintoras había habido desde antiguo. Documentadas históricamente, las primeras se incluyen en el ámbito de la Grecia Clásica y Helenística, como Helena la Egipcia. Pero desde ese momento y hasta prácticamente nuestros días, las mujeres dedicadas a la pintura lo hacían por vocación desde una posición acomodada, normalmente siendo miembros de la aristocracia o de la burguesía, lo que las eximía de tenerse que ganar la vida con aquella actividad manual y poco digna, disfrazándola de hobby. Artemisia, en cambio, se formó en un taller romano de medio nivel económico, y en vez de casarse con uno de los aprendices de su padre, a quien se le transmitiría el taller, aprendió y ella misma se hizo con el negocio. También en España hubo casos semejantes, como en Sevilla: la Roldana, hija del artista religioso Luis Roldán, que se estableció por su cuenta. Pero en cualquier caso era poco frecuente que aquello ocurriera, pese al increíble talento que pudieran demostrar, como fue el caso de Artemisia.

La biografía ha sido extraída de ArteHistoria.
Artículos relacionados: Wikipedia España, ArtCyclopedia, La UNED.
Más imágenes: Wikipeda Database, ARC, Humanities Web, The Athenaeum,

lienzos de Artemisia Gentileschi
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Webshots no permite publicar desnudos en sus álbumes
Podeis descargaros el álbum completo (desnudos incluidos) en Megaupload

José Barberá

2009-09-10T08:00:00.001+02:00

José "Barberá" Barbeta Sánchez (1945-?) Pintor valenciano con un especial interés por los paisajes, los pueblos de casas blancas y las flores. Debido al ambiente artístico que lo rodeó, comenzó a practicar desde una edad temprana, empezando a pintar a la edad de diez años. En 1957 comenzó su entrenamiento formal en arte. Durante su educación y formación, estudió bajo los profesores Genaro La Huerta y Santiago Rodríguez, comenzando a pintar profesionalmente cuando terminó su entrenamiento en la escuela, en 1973.
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Exhibió en numerosas galerías: Sala Ticiano (Valencia, 1977), Galería San Horge (Alcoy, Alicante, 1980), Galería Bachiller (Valencia, 1983), Galería Ingres (Madrid, 1984), Galería Gabarro (Sabadell, Barcelona, 1986), Galería De Arte (Zaragoza, 1987), Galería Belles Artes (Gijón, Asturias, 1988) y Galería San Jorg (Alcoy, Alicante, 1990).
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Los premios recibidos incluyen el Premio Bienal De Pintura (Moncada, Barcelona), el Premio Caja De Ahorros (Segorbe, Castellón), el Premio Ayuntamiento De Castellón, la Medalla Al Merito Del Ministerio De Información y Turismo de Madrid, un Premio Tema Local (Paterna, Valencia), un Premio Pintura Caja De Ahorros Oriente (Valencia).
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El ayuntamiento de Paterna, en Valencia, expone trabajos de "Barberá". Además, hay obras suyas en colecciones privadas en América, Japón, la Arabia Saudita, y Holanda.

biografía extraída de Kavanaugh Gallery
imágenes: PosterShop España * WorldGallery * AllPosters

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·· lienzos de José "Barberá" Barbeta Sánchez (c) ··

Ío

2009-08-31T08:00:00.000+02:00

Por el simbolismo de su historia, Ío se identificaba con la diosa egipcia Isis y con la diosa fenicia Astarté, mezclándose atributos e historias de las tres.
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En la mitología griega, Ío era la doncella de Argos, hija de Ínaco (o de Yaso, rey de la ciudad, en otras versiones) y sacerdotisa de Hera, que es reconocida sobre todo por sus aventuras con Zeus.
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Zeus se le presentaba en sueños incitándola a que le entregara su virginidad en el lago de Lerna. Ío, muy prudente, confió el sueño a su padre antes de tomar una decisión, quien, asediado por la preocupación, consultó tanto el oráculo de Delfos como el de Dodona. Ambos le indicaron que no había forma de escapara al destino y que debía cumplirse el sueño de la joven si no querían ser fulminados todos por el rayo.
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Algunas versiones cuenta que Ínaco, obedeciendo los designios del oráculo, expulsó a Ío de casa y que, arrepintiéndose al poco tiempo, envió a Cirno para que la buscase, aunque sin mucha fortuna. De hecho, Cirno llegó hasta Caria y, al no encontrarla, abandonó la búsqueda y se instaló allí por miedo a regresar sin cumplir su misión. Ante la ausencia de respuesta, Inaco envió a Lirco que, obteniendo los mismos resultados fallidos, terminó habitando en Caria y casándose con la hija del rey Cauno. Otras versiones le conceden la iniciativa a la propia Ío y afirman que fue ella misma la que tomó la decisión de obedecer el sueño y acudir al lago, donde Zeus la estaba esperando.
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Ovidio, en cambio, apunta a una violación y relata que Zeus sorprendió a Ío mientras caminaba y, cubriendo la tierra de densa niebla, la cogió y le arrebató su virginidad. Mientras tanto Hera (Juno), extrañada de que tan densa niebla cubriera un día tan luminoso y conociendo de que pie cojeaba su cónyuge, salió a buscarlo por el Olimpo. Al no hallarlo, se dejó caer a la tierra y, ordenando que las nieblas disipasen, encontró a Zeus (Júpiter) quien, advertido la llegada de su esposa, había transformado a Ío en una maravillosa ternera blanca. Hera, que intuye lo sucedido, preguntó entonces a su marido sobre la procedencia de aquella bella vaca; a lo que Zeus respondió que había nacido de la tierra. Aprovechando aquel falso testimonio, Hera pidió a Zeus que le entregara la ternera como regalo, a lo que él accedió para no quedar en evidencia. Ya en su poder, Hera la puso bajo la custodia de Argos, el gigante de cien ojos, que permitía a Ío pacer durante el día y la aherrojaba rodeándole el cuello con cadenas al caer la noche.
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Mientras esta situación perduró, Zeus la visitaba esporádicamente en forma de toro para poder amarla, hasta que un día comprendió la grandeza del sufrimiento y decidió intervenir. Para eso se transformó en pájaro y solicitó ayuda a Hermes, quien lo condujo hasta el árbol donde Argos tenía atada a Ío. Allí Hemes durmió al guardián con su flauta, matándolo con una piedra afilada (con una espada, según Ovidio) cuando se cerraron todos sus ojos.
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En recompensa por sus servicios, Hera recogió del suelo todos los ojos de Argos del suelo, que se habían salido de sus órbitas por el golpe de Hermes, y los puso en la cola del pavo real, pájaro consagrado a Hera. Luego, se entregó a la necesidad de saciar su sed venganza. Fue así como se le ocurrió atar un tábano a los cuernos de la ternera, que la picaba sin cesar y que obligó a Ío a huir corriendo por el mundo sin rumbo fijo. De esta guisa atravesó el mar Jónico, que recibió de ella su nombre, recorrió Iliria, Tracia y el Cáucaso, donde encontró a Prometeo encadenado, y prosiguió por África, topándose con las grayas y las gorgonas.
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El final del viaje fue Egipto, donde fue devuelta a la condición de mujer por las caricias de Zeus. De ambos nació Epafo, a orillas del Nilo. Entonces Hera ordenó a los curetes que le trajeran al recién nacido. Los curetes completaron con éxito la misión encomendada, por lo que fueron castigados por Zeus, que los aniquiló por cumplir las crueles órdenes de su esposa. Entonces comenzó la segunda peregrinación de Ío, esta vez en busca de su hijo. Lo encontró por fin en Siria, donde lo amamantaba Astarté o Saosis, la esposa del rey Malcandro de Biblos. Ya con su hijo en brazos, regresó a Egipto, donde se casó con Telégono, que gobernaba entonces esa región.
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Ío construyó una estatua de la diosa Deméter, que en Egipto era llamada Isis. Con el tiempo ella misma recibió ese nombre, y terminó siendo deificada por su amante Zeus. Se le atribuía un gran conocimiento de las hierbas medicinales, incluida la de la inmortalidad.
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No hay que confundir a esta Ío con la mujer griega llamad Ío y que fue raptada por los persas, considerado el primero de una sucesión de actos que llevó a los persas y a los fenicios a la guerra.

Fuentes: Wikipedia. Lillo. SoloNosotras.
Imágenes: Wikipedia Database.

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·· lienzos inspirados por Ío ··

Odaliscas

2009-08-24T08:00:00.002+02:00

Odalisca (Del fr. odalisque, y este del turco odalik, concubina) (1/2) Esclava dedicada al servicio del harén del gran turco. (2/2) Concubina turca. (Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua) (link)
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Las odaliscas son, sin duda, un tema recurrente dentro de la pintura orientalista. Todos los pintores que han cultivado este género, han tratado este tema en una e incluso en varias ocasiones. Y es que no debe ser fácil resistirse al infortunio, la belleza, la sensualidad y el erotismo de la femme fatale del harem. Tanto es así que tampoco es extraño hallar odaliscas en mitad de un repertorio pictórico nada oriental; es el caso de artistas como Delacroix, Ingres o el mismo Matisse, quien las retrató obsesivamente.

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·· mi álbum dedicado a las odaliscas ··
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Artículos recomendados en... el blog de Jesús Ángel Ortega,

Hardy, Frederick Daniel [Webshots]

2009-08-16T15:14:38-07:00

Hardy, Frederick Daniel

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Eybl, Franz [Webshots]

2009-08-16T14:10:12-07:00

Eybl, Franz

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Andreotti, Federico [Webshots]

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Andreotti, Federico

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De Madrazo, Federico [Webshots]

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De Madrazo, Federico

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De Launay, Fernand [Webshots]

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De Launay, Fernand

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Edwin Austin Abbey

2009-08-08T08:00:00.001+02:00

Edwin Austin Abbey (1852–1911) Pintor e ilustrador estadounidense incluido en la "Golden Age" o Edad Dorada de la Ilustración. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, trabajando después para la Harper & Brothers y enviado a Inglaterra, donde reunió material para el estampado de poemas y otros libros. Su ilustración de William Shakespeare es considerada su mejor obra. "The Quest of the Holy Grail", una serie de paneles que se encuentran en la Biblioteca Pública de Boston, es quizá su más famosa pintura. Fue también el pintor oficial de la coronación del rey Eduardo VII.

Biografía extraída de Wikipedia España.
Imágenes: Wikipedia Database.

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·· lienzos de Edwin Austin Abbey (c) ··

Pintura Rococó

2009-08-07T08:20:00.001+02:00

Época: estilo Rococó.

La pintura rococó forma parte del estilo que, con tal nombre, nació en Francia. Esta corriente estilística se conoce igualmente como "rocaille" en Francia y Barroco tardío o "Spätbarock" en Europa central. También se la llama "pintura galante". En general, los historiadores del arte aplican el término "rococó" a la pintura con cierta cautela, debido a la dificultad que entraña determinar su homogeneidad.
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La forma.
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La pintura es ante todo decorativa. Se decoran paredes y techos mediante grandes frescos. Se cultiva igualmente el cuadro de caballete, si bien en lienzos de tamaño inferior, por lo general, a las grandes telas de la pintura barroca del siglo precedente. En cierto sentido también esta pintura era decorativa pues decoraba las casas de la nobleza y de la burguesía, por lo que el cuadro se adaptaba a los espacios de las casas dieciochescas.
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Se sigue cultivando la pintura al óleo y se populariza como medio de expresión la pintura al pastel, esto es, dibujo en color sobre una hoja de papel. Fue, de hecho, uno de sus medios de expresión favoritos. La pincelada era fina, no suele por lo general apreciarse.
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En cuanto al cromatismo, es una pintura muy colorista; se prefieren los colores vivos, luminosos, suaves y claros. Hay un esfuerzo consciente por evitar las sombras, prefiriendo la luz.
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Predominan las formas curvilíneas, las inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, y especialmente en los temas galantes y amorosos. Las figuras son jóvenes, idealizadas, graciosas.
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Los temas.
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Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. Los temas son maliciosos o frívolos. La escenas mitológicas se vuelven galantes, delicadas y sensuales, prefiriéndose representaciones idílicas de la diosa Venus, querubines y mitos relacionados con el amor.
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Se generalizó la pintura de género, enriqueciéndola con nuevos temas exóticos, que evocaban un Oriente idealizado, como la chinería (chinoiseries), la turquería, las ruserías (russeries) y el japonesismo (japonaiseries). Lo exótico se vuelve así punto de fuga de las nuevas perspectivas de la existencia. Dentro de esta pintura de género puede entenderse comprendida la galantería o "fiesta galante" o el género pastoril inventado por Boucher. En semejantes obras a menudo se representaban comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.
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El género del paisaje se renueva, incluyendo paisajes urbanos como las "vedute" típicamente italianas. Se incluyen en los panoramas urbanos pequeñas figuras, dando lugar al llamado "Paisaje con figuras".
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Se cultivó extensamente el retrato, un retrato no idealizado sino por lo general más bien cotidiano y sencillo, teniendo como comitentes ya no sólo a la corte, sino también a la burguesía. Los personajes son representados con mucha elegancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad en transformación. Se prestaba especial atención a las vestimentas, pues en sus formas debía reflejarse la moda; los tejidos se representaban con minuciosidad para transmitir con precisión las cualidades táctiles de la tela; se ponía cuidado en representar fielmente los ornamentos (cintas, flores, lazos, o plumas).
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Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual. Desaparece así el dramatismo que caracteriza a la pintura barroca. Es desenvuelto y jovial. Apela a los sentidos, al sentimiento y la emoción, más que a la razón.

Fuente: Wikipedia España (Pintura Rococó).

Rococó en Inglaterra

2009-08-07T08:18:00.003+02:00

Época: estilo Rococó.
Ver también: la pintura Rococó.

En Inglaterra el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Se considera que los introductores del estilo en Inglaterra fueron el francés Philippe Mercier (1689-1760) y Bartholomew Dandridge (1691- † después de 1754), quienes estaban muy influidos por Watteau.
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William Hogarth (1697-1764) contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra "Análisis de la belleza" (1753) que la curva en "S" presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza. Hogarth destacó por sus ciclos de pinturas satíricas con crítica social y política. Watteau le inspiró las pequeñas "conversation pieces".
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También el toque delicado y la sensibilidad de Thomas Gainsborough (1727-1788), reflejan el espíritu rococó. Sus retratos se ambientan con frecuencia en paisajes. Retratista fue igualmente Joshua Reynolds (1723-1792) y George Romney (1734-1802) quien ya anticipa el prerromanticismo.
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De esta misma época es la obra de Joseph Wright, Richard Wilson (1714-1782) y George Stubbs (1724-1806).

Fuentes: Wikipedia España (pintura rococó).

Rococó en España; el Churrigueresco

2009-08-07T08:15:00.002+02:00

Época: estilo Rococó.
Ver también: la pintura Rococó.

La evolución del Barroco hacia el recargamiento ornamental engendró en España el estilo Churrigueresco, en cierta manera emparentado con el Rococó, pero de raíz autóctona: José Benito Churriguera (1665-1725), arquitecto y escultor español, y sus hermanos Joaquín y Alberto, también artistas que cultivaron el mismo estilo, le dieron nombre. Con todo, el nuevo estilo no llegó a difundirse demasiado, por ser elitista y estar alejado de los temas religiosos.
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Arquitectura y escultura
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Este estilo, plasmado sobre todo en la arquitectura y en los retablos, no fue exclusivamente de la familia Churriguera, sino que también destacaron otros artistas, como Pedro de Ribera, que trabajó en Madrid construyendo el antiguo hospicio de San Fernando (1722–1729, hoy Museo Municipal), el cuartel del Conde Duque (1720) y el puente de Toledo (1723–1724).
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En Madrid también encontramos hermosos ejemplos del rococó en el Palacio Real, mandado construir por Felipe V en 1738,como el soberbio Salón de Gasparini y el Salón de Porcelana, aunque éste último ya anuncie la serenidad del incipiente neoclásico. En el mismo Palacio Real encontramos el Salón del Trono, un impresionante conjunto con muchos ejemplos de mobiliario rococó como los doce espejos monumentales acompañados de sus correspondientes consolas y el Trono Real. También en Madrid se encuentra otro interesante conjunto rococó en la iglesia de las Salesas Reales mandada construir por la reina Bárbara de Braganza en 1750.
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En Aranjuez, también en Madrid, encontramos una pieza única en el Salón de Porcelana del Palacio Real, profusamente decorado en tiempos de Carlos III con motivos chinescos muy del gusto por lo orientalizante y exótico del rococó.
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En Toledo trabajó Narciso Tomé y en Sevilla Leonardo de Figueroa, un arquitecto y decorador muy diestro que hizo la portada del palacio de San Telmo (1724–1734). Francisco Hurtado Izquierdo realizó los sagrarios de la catedral de Granada (1704) y de la cartuja de El Paular (Madrid, 1718). En la comunidad Valenciana destaca el palacio del Marqués de Dos Aguas (1740–1744) de Valencia, remodelado por Hipólito Rovira, y en la región de Murdia la fachada de la catedral de Murcia (1741–1792), del valenciano Jaime Bort. En Galicia hay que citar la gran fachada del Obradoiro (1738–1749), de Fernando Casas y Novoa.
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Coexistiendo con este posbarroco autóctono, el Rococó francés llegó a la corte de Felipe V a través de sus esposas. No llegó a difundirse demasiado, por ser un estilo elitista y estar alejado de los temas religiosos. En arquitectura, un claro ejemplo de Rococó en España es la Catedral de Cádiz.
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Talla en madera
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El murciano Francisco Salzillo se inspiró en las formas delicadas del Rococó; también puede incluirse a Francisco Hurtado Izquierdo, también arquitecto del Churrigueresco.
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Pintura
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En un primer momento, el estilo rococó fue cultivado en España por pintores extranjeros atraídos por la corte de los primeros borbones. Así cabe afirmarlo de Miguel Ángel Houasse (Michel-Ange Houasse, † 1730), pintor de Felipe V y autor de pequeños cuadros de costumbres de refinada gracia rococó; y de Corrado Giaquinto († 1765) que decoró con bellos frescos de un delicado rococó parte del Palacio Real. Lo mismo cabe decir de Tiepolo y Mengs, que trabajaron en España.
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Como pintores del Rococó españoles destacan Luis Meléndez y Luis Paret y Alcázar. El primero, Luis Eugenio Meléndez (también conocido como Menéndez) (1716-1780) realizó retratos, especializándose posteriormente en bodegones. Por su parte, Luis Paret (1746-1799) es la más importante aportación española al estilo. Pinta paisajes con figuras y escenas de género.
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También destacar la obra pictórica de Antoni Viladomat i Manalt y de Francesc Tramulles Roig, discípulo de Viladomat y menos conocido debido de al carácter efímero de su obra. Francesc Pla, conocido como "el Vigatà", mostró una leve influencia del Rococó en las pinturas del Palacio Moja de Barcelona, si bien el resto de su obra hay que ubicarla dentro el estilo barroco.
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La genial figura de Goya (1746-1828) difícilmente admite adscripción a un solo estilo, dada la amplitud y el carácter tan personal de su obra. No obstante, cabe señalar que los cartones para tapices que realizó y muchos de sus retratos se enmarcan en la estética rococó. En efecto, a partir de 1775, empezó a pintar cartones para la Real Fábrica de tapices en los que, siguiendo el gusto de la época, reflejó una temática costumbrista y popular. Del mismo modo, en sus retratos no idealiza los modelos, debiendo recordar que el retrato de la época se caracteriza precisamente por la reflexión indirecta e irónica, con una observación exacta del modelo y carente de juicio de valor, como puede verse en el autorretrato de William Hogarth, con el evidente paralelismo entre el autor y su perro, los autorretratos de Quentin de La Tour o la escultura de Voltaire de Jean-Antoine Houdon, en la que el filósofo aparece marchito, cínico y calvo.

Fuente: Wikipedia España (Rococó) y Wikipedia España (Pintura rococó).

Rococó en Italia

2009-08-07T08:10:00.002+02:00

Época: estilo Rococó.
Ver también: la pintura Rococó.

En Italia, siguiendo el ejemplo francés, el Rococó creó una notable renovación, sobre todo en el sector de la decoración de interiores y en la pintura. Se dio sobre todo en la región del norte (Liguria, Piamonte, Lombardía y Véneto), mientras que en la Italia central, por la influencia de la iglesia, el estilo no se desarrolla de forma sensible. En cambio en Sicilia se desarrolló una evolución del barroco de carácter propio, de gusto más españolizante, muy similar al plateresco.
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Arquitectura
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Los mayores representantes estilo rococó en la arquitectura italiana son Guarino Guarini, muy activo en el Piamonte y en Mesina, y Filippo Juvarra que trabaja mucho en Turín como arquitecto de la casa de Saboya.
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Las obras más importantes de Guarino Guarini son: la iglesia de San Filippo, la iglesia de los Padres Somaschi y la casa de los padres teatinos, todas en Mesina, la capilla del Santo Sudario en Turín y el palacio Carignano también en Turín.
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Entre las realizaciones más importantes de Filippo Juvarra tenemos: la cúpula de la Basílica de Santa Andrea en Mantua, la cúpula de la catedral de Como, el campanario de la catedral de Belluno, la basílica de Superga cerca de Turín, el castillo de Rívoli, el palacete de caza a Stupinigi, el Palacio Real de Venaria Reale y el palacio Madama en Turín.
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Escultura
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En el sector de la escultura, el más pobre en este periodo, se distingue Giacomo Serpotta que, sobre todo en Palermo, realizó obras para varias iglesias de la ciudad, entre las que podemos citar los oratorios de Ciudad Santa, de San Lorenzo y del Rosario en Santo Domingo y la iglesia de San Francisco de Asís. Se puede considerar que algunos escultores que realizaron fuentes en Roma y en el palacio de Caserta se inspiraron en el estilo Rococó.
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Pintura
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En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del Rococó se pueden considerar los artistas que trabajaron en la República de Venecia, destacando los grandes paisajes detallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada veduta. Entre las figuras más importantes a considerar encontramos a Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi y Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto
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Hubo un centro precoz del rococó en Génova, cuya máxima figura fue Gregorio de Ferrari (1647-1726), aún enmarcado en ocasiones dentro del estilo barroco.
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Giovanni Battista Crosato (1652-1725) se formó en Venecia y fue el representante de este movimiento en la corte de Turín (Saboya). Contemporáneo suyo fue Giacomo Del Po (1652-1725), cuyo original rococó se desarrolló esencialmente en Nápoles.
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Pero el rococó italiano fue, ante todo, un estilo cultivado en Venecia, que se constituyó como el centro más fecundo del nuevo estilo. Destaca sobre todo un genio de la decoración, Giambattista Tiepolo (1696-1770). Este pintor veneciano resucita el estilo y colorido de El Veronés, reinterpretándolo en clave rococó. Tiépolo usa la luz y el colorido típicos de la escuela veneciana. Pasó cuatro años en la Wurzburgo antes de volver a Venecia y finalmente fue a trabajar en Madrid, a la corte de Carlos III, ciudad en la que murió finalmente.
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Es en Venecia donde se desarrollan las "vedute", esto es, grandes paisajes urbanos en los que se describe la ciudad y sus principales espacios: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal. Estas vistas estaban en gran medida pensadas para los visitantes extranjeros, que se las llevaban a sus países de origen como recuerdo. En este género destacó Giovanni Antonio Canal, llamado Canaletto (1697-1768). Canaletto también trabajó en Inglaterra pero sin llegar al esplendor de los paisajes de su ciudad natal.
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El vedutismo fue asimismo cultivado por Pietro Longhi (1702-1785) y Francesco Guardi (1712-1785). Longhi representaba los sencillos placeres del pueblo, en el circo y en la calle. Guardi, por su parte, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados y oscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras. Pinta fiestas y bailes de máscaras.
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Otros artistas venecianos a los que influyó el rococó fueron Bernardo Bellotto (1721-1780) y Marco Ricci. Además, pueden citarse otros pintores del mismo estilo, como Rosalba Carriera (1675-1757), Alessandro Magnasco (1677-1749) y Giovanni Battista Piazzetta (1688-1754).

Fuente: Wikipedia España (Rococó) y Wikipedia España (Pintura rococó).

Rococó en Francia

2009-08-07T08:05:00.002+02:00

Época: estilo Rococó.
Ver también: la pintura Rococó.

Francia es la cuna del estilo y desde aquí se extiende al resto de Europa, especialmente a los países de lengua germánica, donde adquiere una fuerza extraordinaria, debido a las fuertes relaciones de Federico II de Prusia con la corona de Francia.
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Mobiliario.
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El diseño de muebles es la principal actividad de toda una dinastía de ebanistas parisienses, alguno de los cuales había nacido en Alemania, que desarrollan un estilo de línea curva en tres dimensiones, donde las superficies embarnizadas se completaban con marquetería de bronce. La factura de estas obras corresponde, mayoritariamente, a Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Françoise Oeben y Bernard van Risen Burgh.
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En Francia el estilo se mantiene muy sobrio, puesto que los ornamentos, principalmente de madera, eran menos macizos y se presentaban como composiciones de motivos florales, escenas, máscaras grotescas, pinturas e incrustaciones de piedra.
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La tapicería fue un capítulo importante para conseguir comodidad en el mueble. Los asientos llegaron a cotas de comodidad inimaginables pocos años antes. La tendencia general a favor del lujo y del confort hizo que los cortesanos y los asiduos asistentes a los salones pudieran ahora sentarse (e incluso reclinarse y estirarse) en las reuniones, a diferencia de la época anterior, en la que había sido obligatorio permanecer de pie por cuestiones de protocolo. Este nuevo concepto de la comodidad y una actitud más despreocupada respecto al cuerpo humano (al cual se permitía en momentos de intimidad evadirse y librarse de rígidas posturas), la inquietud por desarrollar actividades intelectuales y lúdicas en los espacios privados, propicia el desarrollo de nuevos diseños de muebles.
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Arquitectura.
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Con el alejamiento de la cultura de los palacios de la corte, las construcciones características de esta época fueron las casas alejadas del centro de ciudad o en medio del campo: «folies», «bergeries», «bagatelles» o «ermitages». En residencias urbanas, el «hôtel» o mansión en la ciudad, la planta se divide en unidades espaciales relativamente pequeñas con lo cual se obtienen ámbitos especializados, de diferente medida según su función: salón, comedor, cuarto, antecámara, galería, gabinete.
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De esta forma apareció una distribución más práctica que el anterior de «enfilade», ahora las habitaciones serían independientes y con acceso individual. Se cortaron oblicuamente las esquinas de las habitaciones para colocar escaleras secundarias en los espacios ganados y estos se comunicaron entre sí mediante pasillos, corredores y galerías.
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Entre los representantes más destacados encontramos a Jean Courtonne y a Robert de Cotte, nombrado arquitecto de la corte y que durante 30 años intervino en la casi totalidad de las obras importantes que se hicieron en Francia.
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Escultura y porcelana.
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Francia ocupó un lugar importante a la producción de porcelana durante el siglo XVIII. Se fabricó en Ruán, Estrasburgo, Saint-Cloud, Mennecy, Chantilly y en la Manufactura Real de porcelana de Sèvres.
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Después de unos inicios difíciles (1741) en Vincennes, la Manufactura Real se trasladó a Sèvres en 1756. La porcelana de Sèvres se caracterizaba por sus dibujos rodeados de ornamentación de rocalla sobre fondo blanco, aunque este blanco pasó rápidamente a colores de tonos muy vivos como el "bleu de Roi" (posterior al Rococó), el amarillo vivo, el azul turquesa, y el rosa Pompadour (a partir de 1757), de moda durante diez años y que se denominó así como reconocimiento al interés personal de Madame Pompadour en el desarrollo de las Manufacturas.
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A partir de la década de 1750 se puso de moda la colocación de placas de Sèvres como decoración de muebles pequeños o accesorios. Bernard van Risen Burgh fue el primero ebanista conocido que decoró sus obras con placas de porcelana, una práctica que rápidamente se hizo popular. Fueron muy utilizados por los ebanistas Martin Carlin y Weisweiler.
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Pintura.
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Francia es considerado el país en el que nació este estilo. La pintura de caballete refleja ambientes galantes, refinados y sensuales. Los temas favoritos eran la corte o la mitología, casi siempre con una carga erótica nada disimulada.
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El más antiguo y exquisito de los pintores rococó franceses fue Jean-Antoine Watteau (1684-1721), que creó todo un género propio: las fiestas galantes (fêtes galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años tuvo una gran influencia en sus sucesores.
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Después de él, Jean-Marc Nattier el Joven (1685-1766) se distinguió como retratista, especialmente de damas y de la nobleza.
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El reinado de Luis XV estuvo dominado por la obra de François Boucher, pintor de la sensualidad femenina. Boucher y Quentin La Tour asesoraban en temas artísticos a Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey.
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Más jóvenes fueron Fragonard y Greuze, que anticiparon el romanticismo. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) realizó pinturas galantes, escenas frescas y ligeras, para adinerados mecenas. Pero simultaneó este tipo de cuadros con otros de carácter más sentimental y narrativo. Destaca por su lirismo. Con Jean-Baptiste Greuze (1725-1815) se acentúa el prerromanticismo, hasta el punto de que en ocasiones es considerado como abiertamente neoclásico. Cultiva el género sentimental y lacrimoso.
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Al gran retratista Nattier le siguieron otros, que captaron ya no sólo la artificiosidad de la vida palaciega, sino también la transformación social que estaba sufriendo el país, con el ascenso de la burguesía. Estos retratistas de mediados de siglo prefirieron la pintura al pastel. Puede mencionarse como discípulo de Nattier en el género del retrato a François Hubert Drouais. Pero los más destacados fueron, sin duda, Jean-Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) y Maurice Quentin de La Tour (1704-1788). El primero de ellos resulta excepcional como pintor de bodegones, aunque también pintó escenas de género a la manera de los holandeses; el segundo es el gran pastelista del siglo.
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Otros pintores del mismo estilo fueron: Nicolas de Largilliere (1656-1746), Jean-Baptiste Oudry (1686-1755), el pintor de conciertos Nicolas Lancret (1690-1743), Joseph-Siffred Duplessis (1725-1802) y Hubert Robert (1733-1808).

Fuente: Wikipedia España (Rococó) y Wikipedia España (Pintura rococó).

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·· lienzos de François Boucher ··

Rococó o Luis XV

2009-08-07T08:00:00.008+02:00

Época: 1730-1760.
Estilos contrarios: Barroco y Neoclasicismo.
Ver también: la pintura rococó.
El Rococó en: Francia, Italia, Inglaterra y España.

El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760. Se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas, centrándose en lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.
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Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», «estilo nuevo» o «nueva manera», fue despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas, que para definirlo acuñaron la palabra Rococó, la cual usaban de forma despectiva. Sin embargo, a pesar de la aparente oposición entre Neoclasicismo y Rococó, trazar el límite entre ambos siendo uno de los mayores obstáculos para entender el arte del siglo XVIII.
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Gran parte de los críticos afirman que el término "Rococó" es una composición de «rocaille» (piedra) y «coquille» (concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estilo aparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. Otras versiones buscan el origen en el vocablo "rocaille", un tipo de ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y que se distinguía por su profuso ensortijamiento.
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El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito natural va a estar en los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales.
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El arte de la burguesía.
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Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII, durante la regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del Barroco, estilo oficial del reinado de Luis XIV. Es más, la delicadeza y la alegría de los motivos Rococó se han considerado a menudo una reacción a los excesos del régimen de Luis XIV; si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó se pone al servicio de la aristocracia y la burguesía.
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El artista deja de ser un servidor del poder, trabaja con más libertad y se inicia el mercado del arte. En ese proceso va a ser fundamental el nuevo papel de la mujer, que va a contribuir a esta nueva forma de arte al convertirse en la organizadora de reuniones para hablar de literatura y de política, para compartir juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. No es extraño, por tanto, que los motivos del Rococó reproduzcan el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas.
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En el desarrollo y extensión del nuevo estilo dentro la sociedad francesa, jugó un papel clave la influencia de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François Boucher o Quentin de La Tour, se transmitió a las clases acomodadas de París.
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1730 fue el periodo de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en Francia. El estilo se inició en la arquitectura y llegó al mobiliario, la escultura y la pintura (de entre los trabajos más significativos, encontramos los de los artistas Jean-Antoine Watteau y François Boucher). El estilo Rococó se difunde sobre todo gracias a los artistas franceses y a las publicaciones de la época.
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Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el «gusto a la griega», que desembocaría finalmente en el Neoclasicismo, durante el reinado de Luis XVI.
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Extensión por Europa
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El Rococó fue rápidamente acogido en la zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusiona con el Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó germánico fue aplicado con entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo adornan los interiores con «nubes» de estuco blanco, siendo predominante aquí la pintura de bóvedas.
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El elenco de pintores alemanes se incrementa con el bávaro Matthäus Günther (1705-1788) y Johann Evangelist Holzer (1709-1770), quien imprimió a sus frescos un sentimiento vigoroso y potente. En Viena destaca la figura de Franz Anton Maulbertsch (1724-1796), autor de importantes frescos en Austria, Hungría y Checoslovaquia. Combina curvas encadenadas, escorzos vertiginosos y un colorido exquisito y variado. Otro de los pintores decoradores de paredes que trabajó en Viena fue Januarius Zick (1730-1797).
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Aunque Anton Raphael Mengs (1728-1779) es considerado prototipo de arttista neoclásico, y así lo asume en sus obras mitológicas y religiosas, lo cierto es que en sus retratos se mueve dentro del refinamiento rococó.
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El italiano Carlo Innocenzo Carloni (1686-1775) trabajó en esta Austria y Alemania entre 1710 y 1735, creando unos imponentes decorados en los que estaban presentes las ligeras formas decorativas de la tendencia rococó.
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En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras el arte en la Toscana y en Roma se mantiene todavía fuertemente ligado al barroco, pero con sus características básicas muy marcadas.
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La escuela veneciana influyó en el austriaco Paul Troger (1698-1762), quien durante mucho tiempo residió en Italia y posteriormente dio clases en la Academia de Viena. En sus muchos frescos se observan figuras más ligeras y las formas cada vez más libres.
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En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Hogarth contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra "Análisis de la belleza" (1753) que la curva en "S" presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza.
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Además, pueden mencionarse a Franz Anton Bustelli (1723-1763) y a los suizos Jean-Étienne Liotard (1702-1789) y Angelika Kauffmann (1741-1807).
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El fin del Rococó; El estilo Pompadour
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La fase final del rococó francés se le conoce como "estilo Pompadour", por reflejar el gusto de la favorita del rey, Madame de Pompadour.
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El fin del Rococó se inicia en torno al 1760, cuando personajes del nivel de Voltaire y Jacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 lo Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo Neoclásico impulsado por Jacques-Louis David.
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El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del gobierno de Napoleón.
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Rococó revival
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Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes para comprar objetos Rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia redescubren el valor de la gracia y de la ligereza aplicada al arte y al diseño.

Fuentes: Wikipedia España (rococó) y Wikipedia España (Pintura Rococó).
Artículos: ArteHistoria.

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·· Rococó Faces, por szilvavirag (YouTube) ··

Dafne y Apolo

2009-07-14T08:00:00.001+02:00

En la mitología griega Dafne era una dríade hija del dios río Ladon de Arcadia con Gea o del dios río Peneo de Tesalia, siendo sobre todo reconocida por su desgraciada historia con el dios Apolo.
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Tras este mito hallamos, una vez más, al travieso Eros quien, sintiéndose molesto con Apolo, bien porque éste no dejaba de cantar o bien porque había bromeado sobre sus habilidades de con el arco, decidió vengarse de él a su manera.
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En cuanto se le puso a tiro, Eros disparó una flecha dorada contra Apolo, para que se enamorase perdidamente. Herido por la flecha del amor, Apolo se tropezó con Dafne, de la que se prendó en el acto. Sin pensárselo dos veces, Eros puso en práctica la segunda parte de su plan hiriendo a Dafne con una flecha de plomo, lo que despertó en ella el desprecio y el desdén.
Asustada por acercamiento de Apolo, Dafne echó a correr y Apolo la persiguió.
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Tras una fogosa persecución y viendo que Apolo se le echaba encima, Dafne, en plena desesperación, rezó a la Madre Tierra (o quizá a su propio padre, según otras versiones) en busca de socorro, alegando que preferiría convertirse en cualquier cosa antes de que Apolo le pusiese una mano encima. Su deseo se vio concedido y Dafne fue transformada en árbol de laurel, planta que desde entonces se consagró a Apolo.

Fuentes: Apolo en Wikipedia. Apolo en ElOlimpo. Dafne en Wikipedia.
Imágenes: Wikipedia Database.

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Alfred Émile Stevens

2009-07-01T08:00:00.001+02:00

Alfred Émile Stevens (1823-1906) Pintor Belga, nacido en Bruselas. Su padre, un viejo oficial al servicio de William I de los Países Bajos, era un amante de la pintura y pronto permitió que su hijo dibujara en el estudio de François Navez, director de la Academia de Bruselas.
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En 1844, Stevens viajó a París y trabajó bajo las instrucciones de Camille Roqueplan, amigo de su padre. También fue a clase en la École des Beaux-Arts, donde Ingres era el profesor. en 1849 pinto un primer cuadro en Bruselas, "Un Soldado en Problemas", y el mismo año volvió a París, donde se estableció definitivamente y exhibió en los salones. Pintó entonces "Mañana de Miércoles de Ceniza", "Burgueses y Gente de Campo Encontrando el Cuerpo de un Caballero Asesinado", "Un Artista Desesperado" y "El Amor del Oro"
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En 1855 exhibió en el Salón Antwerp una pequeña pintura titulada "En Casa", que mostraba a unas damas a la moda. En la Gran Exposición en París, en 1855, su contribución fue notable, pero en 1857 regresó a los temas de gráciles mujeres y su trayectoria se abrió claramente antes de él. En la Gran Exposición de 1867 se le vio en una brillante variedad de trabajos, enviando 18 pinturas exquisitas, entre ellas "Dama de Rosa", "Consolación", "Toda la Buena Fortuna", "Miss Fauvette", "Ofelia" y "India en París"
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En la Exposición Internacional de París de 1878 y 1889 y en la Exposición Histórica del Arte Belga de Bruselas en 1880 exhibió "Las Cuatro Estaciones", "La Esfinge Parisina", "La Máscara Japonesa", "El Vestido Japonés" y "La Dama-Pájaro"
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"Alfred Stevens pertenece a una raza de grandes pintores -escribió a Camille Lemonnier- y como ellos sufre inmensos dolores con la ejecución de su trabajo." El ejemplo de su acabada técnica era saludable, no simplemente para sus hermanos en Bélgica, sino para muchos pintores extranjeros que recibieron el estímulo del estudio de su método. El hermano de Alfred Stevens, Joheph Stevens, era un gran pintor de perros y de su vida.

Biografía extraída de Wikipedia (en inglés).
Artículos: ArtCyclopedia.
Imágenes: ARC, The Athenaeum, 1st Art Gallery, AskArt.

lienzos de Alfred Stevens (c)

Lesbia, musa de Catulo

2009-06-21T08:00:00.002+02:00

Los autores sitúan la vida de Catulo de Verona en distintos periodos. Las opciones varían entre 82 – 52 (según Schmidt), 77 – 54 (según M. Renard) y 84 – 54 (según Fernández Corte). De él nos han llegado, casi de milagro, 116 poemas distribuidos en tres grupos: los primeros 60 son piezas líricas breves, de métrica variada. Los ocho siguientes poemas de larga extensión. Los últimos están escritos en dísticos elegíacos.
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Quizá el más conocido sea el 5, “Vivamus, mea Lesbia, amemus del atque” ("Vivamos, mi Lesbia, y dejémonos amar"), versionados por algunos poetas ingleses tales como Marlowe, Campion, Jonson y Crashaw. Son muy conocido también el 7, “Quaeris quot mihi basiationes” ("Usted me pregunta cuántos besos"); el 8. “Miser Catulle, desinas ineptire” ("Pobre Catullus, deja de actuar tontamente"); el 85. “Odi et amo”... ("odio y amo"); los poemas en el gorrión de Lesbia (2 y 3); y los dos en versos sáficos, uno adaptación de un poema de Safo (11), y el otro, una dirección a un amigo para llevar un mensaje a Lesbia (51).
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Sin duda, los poemas más memorables de Catullus son los dedicados a Lesbia. Lesbia era la mujer de sus amores y la musa de su poesía, no sabemos si real (Clodia, una de las hermanas de Publio Clodio) o de ficción, pero ella fue la que marcó el vaivén de sus sentimientos, que podían pasar del éxtasis al sufrimiento, dependiendo del grado de complacencia de esta musa/mujer.

Fuentes: Masegosa. Bookrags (inglés).
Los poemas a Lesbia en español : poeticas.com.
En La Boca del Pez: Poema III y VII.

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Michael & Inessa Garmash

2009-06-14T08:00:00.002+02:00

Michael Garmash (n. 1969) pintor ucraniano. Comienza a pintar a la edad de 3 añّos. En 1987 se gradua con grandes honores en la "Lugansk State Fine Art College" y luego, después de servir en el ejército, en la "Lugansk State Fine Art College", donde se gradua como el mejor de su clase.
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Durante el servicio militar conoció a Inessa Kitaichik, (n. 1972) bailarina de ballet, gimnasta y música, alumna también del "Lugansk State Fine Art College". Su encuentro fue amor a primera vista; juntos vivieron una hermosa historia de amor que los llevo a pintar juntos usando muchas veces a su hija Polina como modelo.

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·· "Sleeping Beauty" de Michael Garmash (c) ··
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la biografía ha sido extraída de la web Zucye.net.
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Michael & Inessa Garmash en la red...
Painting Here * Painting Palace * Zucye * Visions Fine Art Gallery
artículo en el blog Todo Arte

la absenta (III): sus amantes

2009-05-26T08:00:00.004+02:00

La absenta (I), (II) y (III)

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Muchos artistas sucumbieron al encantamiento del Hada Verde: Edgar Alla Poe, Alfred Jarry, August Strindberg, Paul Gaugin, Arthur Rimbaud, Baudelarie, Manet, Degas, Picasso, Hemingway, Verlaine, Van Ghog, Óscar Wilde, Jack London, August Strindberg…No en vano, muchos la retrataron (Van Gogh, Picasso, Cezanne, Gauguin, Manet, Degas) y también muchos la describieron (Verlaine, Baudelaire, Mallarmé, y Rimbaud)...
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Químico, músico, inventor, poeta y pintor, Charles Cros (1842-1888) llegó a beber veinte vasos diarios de ajenjo. Esto no le impidió desarrollar el telégrafo automático, el primer fonógrafo (llamado Paréophon) ni una especie de temprano proceso de fotografía color.
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Alfred Jarry, autor de "Ubú Rey", sólo consumía absinthe puro y a menudo salía a andar en bicicleta con la cara o el cuerpo pintados de verde, en tributo al hada.
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"El whisky y la cerveza son para los tontos; el ajenjo tiene el poder de los magos", afirmaba el poeta inglés Ernest Dowson, autor de la oda alcohólica "Absintea Taetra", escrita durante una estancia en París en la que frecuentó a Baudelaire y Mallarmé.
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El también poeta Paul Verlaine era ya todo un alcohólico cuando empezó a beber ajenjo. Aseguran que consumía abundantes dosis en compañía de su amigo y amante Arthur Rimbaud. Una foto lo muestra en el legendario café Procope, sentado tras un vaso con la infaltable cuchara. Uno de sus versos dice que "mi gloria es un humilde y efímero Absinthe".
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Al parecer, Vincent Van Gogh, fue iniciado en la materia por su amigo y colega Paul Gauguin. Aún hay quienes adjudican su suicidio o la pérdida de su oreja a los efectos de una intoxicación con el licor.
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Uno de los últimos "artistas absintheurs", Ernest Hemingway, se hizo devoto del ajenjo español, a tal punto que el licor aparece mencionado en "Por quién doblan las campanas".
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De ella dijeron...
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“Después del primer vaso, uno ve las cosas cómo le gustaría que fuesen. Después del segundo, uno ve cosas que no existen. Finalmente uno acaba viendo las cosas tal como son, y eso es lo más maravilloso y terrible que puede ocurrir” Oscar Wilde.
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“Absenta, es el afrodisíaco del alma. El hada verde que vive en la absenta quiere tu alma, pero tú estás a salvo conmigo” Príncipe Vlad en el film “Drácula de Bram Stoker (interpretado Gary Oldman)
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"El whisky y la cerveza son para los tontos; el ajenjo tiene el poder de los magos" Ernest Dowson.

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fuentes... galiciagastronomica.com, wikipedia.org, sololiteratura.com, letraslibres.com, absinth.com.mx, mundovino
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imágenes... concurso Marí Mayans de 2002
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webs monográficas... Oxigenee ldt | Virtual Absinthe Museum, The Wormwood Society