Guión Original

War Horse (Caballo de batalla) (2012) - Cinecrítica

2012-01-23T23:14:00.012+01:00

Valoración: 7,7 sobre 10

Para muchas de las personas de mi generación, los que nacimos en los años 70, Steven Spielberg fue la llave que nos abrió la puerta a esa pasión que el cine despierta en nosotros. Ir a ver una película de Spielberg al cine -ya fuese dirigida o producida- era todo un acontecimiento, era un día de emoción, y él supo como nadie contagiarnos a muchos de nosotros su amor por el 7º arte, porque sabía conectar como nadie con todo tipo de espectador.

Lógicamente su cine fue madurando a lo largo del tiempo, pero no ha olvidado que es uno de los mejores contadores de historias juveniles que ha dado la cinematografía mundial, y lo vuelve a demostrar en su última película hasta la fecha, que en breve se estrenará en España, y que seguramente tendrá alguna nominación -merecidísima- a los Óscars de este año, que por cierto se anuncian mañana. Hoy os hablo de War Horse (Caballo de batalla) (2012).

Adaptación de una novela infantil, War Horse nos cuenta la historia de un joven llamado Albert Narracott (Jeremy Irvine), que vive en la localidad de Devon, y que posee una intensa amistad y cariño por su caballo, apodado Joey. Tras el estallido de la 1ª Guerra Mundial, los caminos de Albert y Joey se separarán a su pesar, pero ninguno de los dos se olvidará del otro...

Esto de ser uno de los grandes y encima haber hecho taquillazos de calidad suele despertar bastantes envidias -sobre todos entre los pseudo-gafapastas-. Estos podrán acusar de todo a Spielberg; de sensiblero a manipulador, pero de lo que seguro no le pueden juzgar es de su increíble forma de narrar historias.

War Horse (Caballo de batalla) es una historia llena de valores positivos: lealtad, valentía, coraje y honor, narrada con mucho nervio y una calidad visual difícil de igualar. Spielberg sabe mezclar con inteligencia y acierto dos géneros como son el drama familiar y el bélico, eso sin dejar a un lado el cine comercial, en una historia apta para todos los públicos con escenas estupendas, llenas de emoción contenida.

Probablemente la historia parta de un guion muy sencillo -casi ridículo y bastante reiterativo en ocasiones- pero esta es la forma que utiliza Spielberg para llegar a todo el público. Una historia centrada en un caballo, con pocos diálogos en general, pero con mucho sentimiento implícito. Incluso a pesar de la existencia de alguna escena violenta, Spielberg hace una mezcla acertada de dos géneros que maneja estupendamente, el de la exploración del universo de los niños y adolescentes, y el género bélico.

En términos técnicos el film es asombroso. La magistral dirección de Spielberg en las escenas bélicas siempre aporta ese grado de espectacularidad que nos mantiene fascinados. Y para rematar, la historia está bellamente ambientada -una puesta en escena milimetrada- y fotografiada por Janusz Kaminski y maravillosamente musicalizada gracias al maestro John Williams, con sutiles acordes que recuerdan a bandas sonoras anteriores.

En definitiva, incluso no siendo lo mejor de Spielberg, War Horse atrapa al público con una historia conmovedora, llena de ritmo y sentimiento. Sus primeros veinte minutos rinden una homenaje al cine familiar clásico de Capra. Luego viene el drama... y al final, en sus tres últimos minutos, Spielberg dedica su film a John Ford, y donde sólo queda una posibilidad: aplaudir hasta quedarse sin manos.

War Horse tiene probablemente el final más emocionante y embriagador a nivel visual de todo lo que dio de si el cine de 2011. Tres minutos para soñar de nuevo con el gran Spielberg.

Cliffhanger y el Efecto Zeigarnik

2012-01-16T22:41:00.010+01:00

Vamos a seguir aprendiendo un poquito de cine, que de vez en cuando no nos viene nada mal.

No sé cuántos de vosotros conoceréis ese concepto cinematográfico conocido como Cliffhanger. Me imagino que es probable que aquellos que sóis fanáticos de las series de televisión estéis más familiarizados con él, aunque también lo podemos aplicar al cine, como es el caso. Os lo explicaré.

El cliffhanger lo podríamos definir como un una especie de shock para el espectador. No es más que aquella última escena, imagen o frase de una película -o serie de televisión, etc- que genera la incertidubre y el suspense necesario para despertar nuestra intriga en descubrir qué ocurrirá después. Series de televisión como Perdidos son auténticas expertas en hacer este tipo de finales en cada episodio, lo que termina generando una especie de adicción en el individuo, motivándolo a ver su continuación .

El cliffhanger está relacionado con el llamado Efecto Zeigarnik, un término psicológico que viene a decir que aquello que todavía está pendiente por terminarse es más fácil de recordar en nuestra memoria que aquello que consideramos como terminado. De hecho se demostró este fenómeno al observar cómo un camarero era capaz de recordar fácilmente una larga lista de pedidos pendientes, y sin embargo difícilmente recordaba los platos que acaba de servir.

Esto vendría a decir, en idioma cinematográfico, que la gente recuerda mejor las historias que no son cerradas en su totalidad. Con lo que podemos concluir que el cliffhanger es todo un arte. Antes que un "FIN" nos estimula más un "CONTINUARÁ".

Dos de los cliffhangers en cine más famosos -en televisión son incontables: Urgencias, Dexter, Perdidos...- en mi opinión serían:

1º: El final de la magistral Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca (1980) Una vez destruida la Estrella de la muerte original, Vader prosigue con la persecución de los rebeldes. Ante esto, Luke decide encontrar a Yoda, para pedirle que lo entrene como un Jedi, sin embargo antes de culminar su entrenamiento es engañado por Vader, quien finalmente captura a Han -que acaba congelado en carbonita- y a los demás. En el proceso, le revela a Luke que él es su padre, intentando fallidamente convertirlo al lado oscuro...

2º: El final de la estupenda Regreso al futuro II (1989). En el, con el futuro arreglado, Marty y Doc se disponen a volver a 1985 -su presente-. Parece que ahí acabaría la historia, pero un rayo impacta en el De Lorean mientras vuela, y desaparece. Marty se queda atrapado en 1955, pero al momento llega un cartero con una carta de mas de 70 años de Doc diciéndole que está en 1885. Marty sólo tiene una salida: encontrar al Doc de 1955 en 1885 para regresar a 1985.

¿Alguien da más?

Sed de mal (1958) - Escenas para el recuerdo

2012-01-03T15:46:00.007+01:00

Feliz 2012 a todos los lectores de Guion Original, y gracias por seguirme un año más. Mucha salud para todos.

Comenzamos este curso cinematográfico 2012 con la revisión de uno de los planos secuencia más prodigiosos, desde un punto de vista técnico y de puesta en escena, de la historia del cine: el inicio de Sed de mal (1958), de Orson Welles, paradigma de los planos secuencia y uno de los comienzos más famosos y mejor narrados de la cinematografía mundial.

Para los que no hayáis tenido la suerte de haber visto este clásico, os cuento brevemente que se trata de una thriller de cine negro que nos sitúa en un pueblo fronterizo entre EE.UU y México, donde se enfrentan Quinlan (Orson Welles), amargado y fascista, y su oponente, Vargas (Charlton Heston), inquebrantable en su honradez y limpio en sus métodos.

Su primera secuencia, de la que os hablo, ha pasado con justicia a la historia del cine. Se trata de un plano secuencia de alrededor de tres minutos que comenzando por un plano detalle de una bomba de relojería recorre todo el lenguaje cinematográfico: presentación, nudo y desenlace -primer plano de la bomba, grúa y beso, hasta terminar en la explosión que iniciará todo la trama así como la llegada del fascinante Hank Quinlan-.

La secuencia se realiza a través de un espectacular y arriesgado travelling de grúa fija donde se pone al espectador en antecedentes de esta oscura trama. Todo aderezado con una magistral fotografía en blanco y negro y con la inestimable colaboración de Henry Mancini fusionando ritmos latinos, jazzísticos y rockanroleros.

Basta simplemente este plano secuencia inicial para ver esta tremenda historia de cine negro. ¿A qué este año promete? Pues a disfrutar blogueros.

Moneyball: Rompiendo las reglas (2012) - Cinecrítica

2011-12-27T22:12:00.007+01:00

Valoración: 7,9 sobre 10.

Ni me gusta el beisbol ni me interesa, pero si este es el tema central de una película protagonizada por Brad Pitt -que está encadenando excelentes interpretaciones-, y con guion de Aaron Sorkin -La red social (2011)-, la cosa cambia.

Hoy os voy a hacer la que probablemente sea mi última cinecrítica de este año y, siguiendo la estela de Los idus de marzo (2011), repito con una película que he visto 2 meses antes de su estreno en España, en v.o -imprescindible, como siempre digo-. Su título: Moneyball: Rompiendo las reglas (2011), un drama con el beisbol como tema central basado en un hecho real que ya está cosechando nominaciones y premios allá donde se exhibe, y entiendo porqué.

Argumento: Año 2001: Billy Beane (Brad Pitt), director general del equipo de béisbol de los modestos Athletics Oackland, decide, tras perder un partido contra los Yankees, contratar a un geek, un genio de las estadísticas y las matemáticas que le ayudará con las estrategias y las tácticas del equipo. Y aún contando con unos de los presupuestos más bajos de las grandes ligas, conseguirá mantenerse en los primeros puestos de su categoría e incluso llegar a la final durante varios años consecutivos...

Bennett Miller, que debutó con su ópera prima Truman Capote -un notable comienzo- nos ofrece una estupenda propuesta tanto en fondo como en forma centrada en el béisbol, evitando entrar, salvo en momentos obligados, en tediosas escenas de los partidos. Moneyball nos habla de los sacrificios, los ideales, las ambiciones y los fracasos de un equipo que cuando se cae, se levanta; y de los sueños de un hombre que se deja llevar por su pasión y no por la codicia.

Es cierto que películas sobre deportes hay a docenas. Normalmente sabemos cómo acabarán, con esos finales épicos llenos de sentimentalismo, pero Moneyball no juega en esa "liga", no le interesa. Esta película se dedica a construir a sus personajes usando el deporte sólo como excusa y no como fin, de forma que la historia podría extrapolarse a cualquier otra actividad sin perder ni su identidad ni su mensaje.

Para poner esta película en el candelero cinematográfico con garantías de éxito de público y crítica, el director ha contado con dos reputados guionistas, como lo son Aaron Sorkin y Steven Zailliano, aunque sin duda uno de los grandes aciertos de este drama deportivo son la pareja formada por Brad Pitt y Jonah Hill, que sintonizan tan bien como el equipo de beisbol que dirigen.

Brad Pitt es perfecto para el papel que interpreta -aun no pareciéndose en nada al personaje real- y vuelve a dar muestras de su calidad como actor y de su buen criterio eligiendo buenos papeles. Aquí asume su personaje con fuerza, controlando cada escena con gran naturalidad, siendo creíble. Otro que también da rienda suelta a su versatilidad es Jonah Hill, excelente. El resto del reparto es sólido, haciendo especial mención a secundarios de lujo como Phillip Seymour Hoffman y Robin Wright Penn. Probable y merecidísima sería la nominación al Óscar para Pitt.

Destacar en los apartados técnicos el atractivo y moderno montaje, muy al estilo de La red social, que inserta con precisión imágenes reales documentales, algunas verdaderamente emocionantes, sobre ficticias. La dirección artística es sobria, realista, y la notable fría y iscura fotografía intenta pasar desapercibida, para que sobre todo deslumbre la historia. En cuanto a la banda sonora apenas existe en gran parte de la película, aunque reaparece con fuerza en el tramo final, de la mano de Mychael Danna.

En fin, Moneyball me ha dejado muy buen sabor de boca, de lo mejor del año. Me quedo con la sensación de haber visto una buena historia, dirigida valientemente por Bennett Miller, y con unas estupendas interpretaciones. En fin, una película fresca, natural, con mensaje y apetecible. Aunque no te guste el béisbol, te aseguro que la disfrutarás.

Los idus de marzo (2011) - Cinecrítica

2011-12-17T23:44:00.010+01:00

Valoración: 7,6 sobre 10.

¡Señoras y señores!...¡La carrera a los Óscars comienza un año más!... ¡Y como no podían faltar!... ¡Los Globos de Oro dan la salida!... Pues sí amigos lectores de Guion original, de nuevo vuelven Los globos de Oro, antesala de los Óscars, que algunos dicen que es el mejor termómetro para medir quienes serán los triunfadores en la próxima gala de la Academia de Hollywood. Y viene con buenas y variadas propuestas, aunque muchas de ellas todavía no se han estrenado en nuestros cines. Por eso hoy me anticipo a su próximo estreno, cinecriticándoos la última película dirigida por George Clooney, nominada a 4 Globos de Oro, y protagonizada por uno de los actorazos del momento, Ryan Gosling, al que Guion Original promete un gran futuro. Hoy hablamos de Los idus de marzo (2011).

Este elegante y solemne drama político cuenta la historia de Steve (Gosling) un joven idealista que trabaja para el triunfo de las primarias de Mike Morris (Clooney), codo a codo con el mánager de la campaña demócrata (Seymour Hoffman). Para él, sus principios están claros: ama la política y siente que en Morris se cumple un proyecto que puede cambiar el horizonte político estadounidense. El punto de giro de la campaña se decide en el estado de Ohio. En este momento crucial, su relación con Molly, una joven interna, y su inesperado contacto con el mánager de la campaña rival (Giamatti), dan un vuelco a su situación. Las traiciones de unos de otros se sucede, hasta que Steve decide dar un golpe de timón...

Lo primero que llama la atención de esta película es qué demonios significa el título y su relación con el argumento del film. Por lo visto, y gracias a Wikipedia he podido saber que fue en los idus de marzo cuando Julio César fue traicionado y asesinado. Apoyado en esta cita histórica, Clooney nos ofrece un drama político más que interesante, poniendo a un joven idealista en la piel de Julio César, sin llegar, claro está, a esos extremos.

George Clooney nos vuelve a sorprender, como ya lo hizo con la estupenda Buenas noches y buenas suerte, como un director con clase y lleno de clasicismo en su cine, en busca de su madurez definitiva detrás de cámara, y logrando otro producto de calidad. Los idus de marzo nos muestran los entresijos del mundo de la política, un mundo en el que para poder seguir adelante uno ha de olvidar sus principios y luchar, no por lo que cree, sino por alcanzar el poder, aunque para ello haya que ir contra los propios principios.

La película de Clooney se apoya en tres elementos principalmente: una notable dirección y un sólido guion sin fisuras, aunque con alguna subtrama que se podría haber ahorrado, y sobre todo en un reparto excelente, al cual el director ha sabido sacar el máximo partido.

Philip Seymour Hoffman y Paúl Giamatti representarían los pilares que soportan el film, aportando calidad con su presencia. Clooney cumple y muy bien, haciendo de un papel secundario casi uno protagonista. Y qué decir de Ryan Gosling... Día a día, film tras film, sigue demostrando su raza de gran actor, y un servidor le buscaría butaca en las primeras filas como casi seguro candidato a los próximos premios Óscar, y eso sin olvidar su antológico trabajo en Drive -de la que ya hablamos aquí-. Evan Rachel Wood, que me encanta, y Marisa Tomei, cumplen.

Como ya he comentado antes, sólo pondría un pero a esta película, y estaría en esa subtrama de la historia de amor entre Gosling y Evan Rachel Wood, que desvía la atención de la verdadera historia que se quiere contar, y distrae en cierta medida al espectador del mensaje moral que plantea la película. Un poco fuera de tono. A pesar incluso de esto, Los idus de marzo te mantienen pegado a la butaca, y cada palabra, cada gesto, cada detalle refuerzan la calidad de la historia.

En definitiva, un notable drama político, con una intriga tensa y precisa, y que apoyado en un gran elenco de actores, representa a ese cine clásico que sabe contar historias. Recomendable.

Fat City, ciudad dorada (1972) - Cinecrítica

2011-12-09T23:35:00.006+01:00

Valoración: 7,6 sobre 10.

Ya que en los últimos años parece que vuelve a resurgir con fuerza el género pugilístico, quería revisar con vosotros el drama Fat City, ciudad dorada (1972), una de las películas quizás menos conocidas del maestro John Huston, pero que no deja de ser una joya más de su filmografía.

Nominada el Óscar a la mejor actriz de reparto (Susan Tyrrell), Fat City, ciudad dorada nos sitúa en Stockton, ciudad de California, donde un veterano púgil en decadencia, Billy Tully (Stacy Keach), que sobrevive trabajando como jornalero agrícola, conoce a un joven que quiere ser boxeador (Jeff Bridges) y se lo recomienda a su antiguo mánager, otro perdedor...

Ver esta película es ver la amargura de la vida. Fat City es una de las películas más triste que he visto nunca, y la agonía y el fracaso se huele a cada minuto. Su protagonista Billy Tully -genial Stacey Keach- refleja la viva imagen del desencanto, del desaliento, en definitiva del más absoluto fracaso. Con ello Huston rinde un curioso homenaje a la América profunda, y a todos sus fracasados, que no perdedores.

Fat City es una película sin historia, sin argumento, sin guión... sólo el retrato de un día a día sin ambición, sin sorpresas, y sin futuro. Un ex-aclamado boxeador que se arrastra por bares de dudosa reputación, por cutres gimnasios, por hoteles de mala muerte, siempre sudoroso, resacoso, apestando a alcohol, pero siempre con una actitud optimista ante la vida y con un código moral que está por encima de todo y de todos, sabiendo siempre encajar los golpes que le ha dado la vida, para sobreponerse a ellos con la máxima entereza.

Aunque la excusa sea el boxeo -más bien sería una metáfora de la propia vida del protagonista-, Fat City es una película sobre la soledad, el dolor y el sufrimiento. En cuanto al propio género pugilístico, Huston rueda de forma magistral el que quizás sea el combate de boxeo más deprimente de la historia del cine: dos perdedores convirtiendo la poca dignidad que les queda en un triste y olvidable espectáculo de masas.

Huston es un auténtico especialista en describir personajes al máximo con el mínimo esfuerzo. El caso más claro está en el personaje del púgil -Lucero- interpretado por Sixto Rodriguez: en apenas diez minutos no dice ni una sóla palabra, pero ya sabemos todo de él. La escalofriante descripción que Huston hace de él es un ejemplo paradigmático de poesía crepuscular, que hiere como una puñalada. El final de la película, tristísmo, nos transmite la idea de la derrota, la desesperanza, y la inherente necesidad de afecto.

Sin ser un clásico, hay que poner pocos peros a la película de Huston. Excelente fotografía y banda sonora, magnífico guión, y un reparto estupendo, desde un joven Jeff Bridges hasta las que son las auténticas figuras del film, Stacey Keach, que firma la mejor interpretación de su carrera, y Susan Tyrrell, también en estado de gracia, que firma un papel secundario con la fuerza de uno protagonista.

En fin, Fat City quedará para siempre en mi retina como uno de los más duros y exactos retratos del alma humana jamás rodados, donde no señor, no se habla del fracaso, sino de la dignidad del ser humano por encima de todo. Excelente y altamente recomendable. Cuando pueda me la compro.

Hunger (2008) - Cinecrítica

2011-11-26T23:19:00.006+01:00

Valoración: 8,2 sobre 10.

Aprovechando que próximamente, creo que en febrero, se estrena la segunda película del director londinense Steve McQueen -la que dicen nueva obra maestra Shame (2011)- y que su protagonista es el actor de moda Michael Fassbender, hace unas semanas aproveché para ver la ópera prima de este director -Hunger (2008)-, que además protagonizaba también Fassbender -que por lo visto parece haberse convertido en su actor fetiche, y que con este nuevo éxito seguro que habrá relación profesional para rato, dada la versatilidad del actor irlandés-. El visionado me dejó con ganás de más... Aquí van mis primeras impresiones.

La aclamada ópera prima del director y guionista Steve McQueen, Hunger, describe la vida en la Maze Prison, una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del norte, a través de los emotivos acontecimientos que tuvieron lugar en 1981 con motivo de la huelga de hambre del IRA, liderada por Bobby Sands (Michael Fassbender). Desde un punto de vista épico, la película narra lo que ocurre cuando se obliga al cuerpo y a la mente a actuar por encima del límite...

Sencillamente abrumadora. Ese fue el primer calificativo que se me vino a la cabeza nada más terminar de ver Hunger. Además de cumplir con todas mis expectativas, llegó incluso más lejos. Ahora entiendo que todas las alabanzas que se han dirigido a este film están plenamente justificadas.

Hunger podría definirse como un film atrevido donde no se habla de justicia o injusticia, sino de sentimientos, miedos y creencias. Su director muestra una imagen de la gente leal al Reino Unido inflexible e inquebrantable, donde la tremenda presión social pudo empujar a determinados colectivos, en concreto a presos del IRA, a actuar de un modo impensable en condiciones normales.

Hunger es como un puñetazo directo al estómago, te deja sin respiración. Su director, McQueen, demuestra en su primer trabajo un estilo visual y un sentido de la estética poderosísimos, apoyados en un guion sin fisuras y muy personal, sin casi diálogos, concediendo a la imagen todo el protagonismo. La película avanza en silencio, y a pesar de eso, sus personajes te atrapan.

En cuanto al éxito del estilo estético de su puesta en escena y de su estilo visual, decir que en gran parte se deben a su impresionante montaje. Si a ello sumamos una excelsa fotografía y unas actuaciones que nacen de una gran libertad de acción dejada en manos de los actores y de una excelente dirección, el éxito está asegurado.

Entre las actuaciones quisiera destacar el impactante trabajo de Michael Fassbender, que pone en riesgo su salud para dar vida al personaje, y el de Stuart Graham, que hace de funcionario de prisiones, cuyos gestos impasibles y fría expresión de dolor contenido ponen los pelos de punta. Como punto álgido del film reseñar ese plano fijo-secuencia de 15 minutos de conversación entre Bobby Sands (Michael Fassbender) y el párroco católico (Liam Cunningham). Punto cumbre del film, donde se canaliza toda la fuerza que ha ido ganado el film antes y desde donde llegamos al tremendo final que no desvelaré.

Steve McQueen hace un debut arriesgado como pocos, con una elegante dirección de una fuerza brutal, pero también hay que destacar la entrega del actor Michael Fassbender cuyo trabajo como Bobby Sands va mucho más allá de una simple interpretación. Hunger es dura, arriesgada, cruel, trágica, fría y perturbadora. Un descubrimiento asombroso.

Ese oscuro objeto del deseo (1977) - Cinecrítica

2011-11-18T23:15:00.007+01:00

Valoración: 7,0 sobre 10.

El ciclo que Guion original dedica al maestro Buñuel retoma hoy su actividad con la que fue su última película, la producción franco-italo-española Ese oscuro objeto del deseo (1977), una mezcla extraña de drama y comedia, sin llegar a ser ninguna de las dos cosas, que obtuvo dos nominaciones al Óscar: mejor película extranjera, y mejor guion adaptado. Ayer pude verla por primera vez. Os cuento.

Ese oscuro objeto del deseo transcurre durante un viaje en tren, de Sevilla a Madrid, en el que un elegante caballero de edad madura, el señor Mathieu Faber (Fernando Rey) cuenta a sus compañeros de vagón la historia de sus infortunios amorosos con una joven bailarina Concha/Conchita (Carole Bouquet/Ángela Molina). A partir de su primer encuentro, Conchita jugará con la obsesión de Mathieu, haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más cruento...

Lo primero que se aprecia en este film, es que es muy cercano al espectador, es muy humano, lo que hace que la película adquiera desde el principio un carácter muy clásico y realista. Una vez más, Buñuel centra su cine en explorar la psicología de sus personajes, centrándose esta vez en el protagonista, un personaje rico en matices dramáticos que Buñuel maneja a su antojo con su habilidad característica, y con el que el espectador se identifica desde minuto cero.

El tema central del film, el enamoramiento entre un hombre mayor y una bella joven está lleno de contradicciones y contrastes. El deseo y la frialdad, el ansia y el continuo rechazo chocan de continuo entre los dos personajes, pero sólo parecen afectar a uno de ellos, el personaje de Fernando Rey, que transita a lo largo de un tortuoso y complicado camino buscando el amor de Conchita. La historia se cuenta siempre desde el punto de vista de Mathieu, con lo que hay que tener en cuenta que esta se cuenta de forma totalmente subjetiva, según sus apreciaciones y valoraciones.

Como resumen de toda su filmografía, en esta película vuelven a aparecer algunos de los temas recurrentes de Buñuel, entre los que destacan sus referencias a la represión sexual, la importancia del sexo, la imposibilidad del amor de pareja, la codicia y el egoísmo en las relaciones personales, el culto de las falsas apariencias, la hipocresía social, etc. Además, todo el film está salpicado de un humor ácido que acompaña perfectamente a algunas de las situaciones ridículas y absurdas de la película.

Uno de los aspectos más sorprendentes de Ese oscuro objeto del deseo es la original ocurrencia de Buñuel de hacer que dos actrices distintas, una española (Ángela Molina) y otra francesa (Carole Bouquet) hagan del mismo personaje, Conchita. La explicación puede estar en que el autor quiere crear un personaje bipolar, de doble cara, unas veces frió, y otras pasional, unas veces calculador y otras espontáneo, unas veces discreto y otras extrovertido, dispuestas ambas a volver loco al pobre Mathieu, interpretado estupendamente por Fernado Rey. Por su parte entre las dos actrices me quedo por supuesto con nuestra Ángela Molina.

En el resto de apartados técnicos destacar la fotografía en color, que aporta a la narración un aire austero y realista, con una trabajo de cámara muy planificado y lleno de energía. La dirección del maestro Luis Buñuel es vigorosa, con momentos de gran fuerza expresiva y visual, apoyados en un sencillo y profundo guion.

En fin, un concepto de cine sugerente, para pensar y para que el espectador se siente partícipe de la obra. Buñuel siempre tiene una percepción de la vida muy personal, y con Ese oscuro objeto del deseo no hace otra cosa que ser coherente con su magnifica e inigualable trayectoria cinematográfica. Un hermoso broche de oro.

Dogma 95 y su Voto de Castidad

2011-11-08T21:23:00.011+01:00

Han pasado ya más de 15 años desde que el movimiento cinematográfico Dogma 95 saliera de la cabeza del director de cine danés Lars Von Trier para inquietar a los críticos de cine más puristas, lo que le valió la fama al cineasta de loco oportunista. Desde entonces el cine que se ha hecho bajo el decálogo Dogma 95 ha cosechado éxitos de taquilla en algunos casos, así como reconocimientos en los más prestigiosos festivales europeos y alguna que otra buena crítica.

A mediados de los 90, el cine se movía por los éxitos de taquilla. Fue una etapa difícil para los buenos guiones, y reinaba el cine de grandes efectos especiales, de grandes directores de renombre, todo ello aderezado por supuestos actores que encajan perfectamente en el contexto de este tipo de películas taquilleras, por su fisonomía y popularidad.

En este contexto, y con cierto caracter reivindicativo nació el movimiento Dogma 95. Si Orson Welles fue controvertido en su momento y difícil de entender por su manera de hacer cine, Dogma 95 lo fue de igual manera en sus primeros años, pero con el paso del tiempo tanto Welles como Von Trier y sus compañeros daneses fueron comprendidos y sometidos a estudio por la importancia de su aportación al séptimo arte.

¿ Qué es el cine Dogma 95?

DOGMA 95 es una corriente cinematográfica que parte de la iniciativa del director danés Lars Von Trier, acompañado por Soren Kragh Jacobsen, Thomas Vitenberg y Kristian Levring para ofrecer una alternativa al modo de hacer cine que se conocía hasta entonces. Su intención era manifestarse en contra de los artificios que se utilizan en la industria cinematográfica en su modo de realizar un film, para rescatar los conceptos esenciales de una película: la pureza de la interpretación de los actores, un buen guión que escondiese una buena historia, economía en las imágenes, realismo en la iluminación… A todo ello había que sumarle una nueva manera de realización: cámaras en mano en todo momento y una edición lineal que siguiera un orden cronológico de la historia, que emulara la vida real.

Para sentar las bases de estas ideas, los cuatro directores daneses elaboraron un Manifiesto o Voto de Castidad con unas normas rígidas de obligado cumplimiento para aquellos que quisieran rodar una película Dogma. Estas normas influyen principalmente en la realización del film, pero sus bases son una protesta por la “pérdida de la esencia del cine de los comienzos”, ha declarado en más de una ocasión Von Trier cuando se le ha preguntado la razón de la elaboración de esta nueva forma de pensar en cine. Las normas, son diez preceptos que tiene que tener en cuenta el director –que a partir de aquí ya no se considerará director, según este manifiesto- para elaborar su film.

Este voto de castidad decía lo siguiente:

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en localizaciones reales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una localización donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una "obra", ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier - Thomas Vinterberg

Estos cuatro directores, después de elaborar el Decálogo, movidos por la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico, se pusieron en marcha dándolo a conocer, comprometiéndose, cada uno de ellos, a producir una película bajo estas normas que pudieran servir por una parte, como ejemplo a todos aquellos que se quisieran unir a este movimiento. El resultado fue Mifune, por Soren Gragh Jacobsen, The King is Alive, de Kristian Levring, Celebración, de Thomas Vitenberg e Idioterne, la película de Von Trier.

A partir de ahí, las cuatro películas –con diferencias en el tiempo- se consideraron como ejemplo de lo que había que hacerse para que un film llegase a ser auténtico Dogma, y se estipuló que toda aquella película que pretendiese hacerse bajo este estigma, debiera pasar unos “controles de calidad” que así lo certificasen. Estos “controles” se referían al visionado por parte de los cuatro directores DOGMA de las propuestas cinematográficas que les iban llegando y estos, con el Decálogo en mano, tenían que certificar su autenticidad o no. El aprobado lo certificaba un diploma que se le daba al equipo de la película por haber cumplido todas estas normas.

La decisión de Sophie (1982) - Cinecrítica

2011-10-31T15:53:00.008+01:00

Valoración: 7,5 sobre 10.

Es bastante raro que un título describa tan bien el sentido último de una película como lo hace La decisión de Sophie (1982), título de una de las mejores películas de mi venerado Alan J. Pakula. Puede que sea uno de los títulos más desgarradores que ha dado la historia del cine, y que cobra absoluto sentido cuando uno termina de ver este estupendo drama que tiene como telón de fondo el holocausto nazi.

Argumento: Verano de 1947. Stingo (Peter MacNicol), un joven aspirante a escritor, se instala en El Palacio Rosa, una pensión familiar de Brooklyn, con la intención de escribir una novela. Sin embargo, su tranquilidad se verá pronto turbada por la terrible discusión de una pareja que vive en el piso de arriba. Cuando conoce a los amantes queda cautivado por su encanto y simpatía. Ella, Sophie Zawistowska (Meryl Streep), es una hermosa emigrante polaca y católica. Él, Nathan Landau (Kevin Kline), es un brillante, encantador y desequilibrado científico judío. Poco a poco, Stingo se convierte en su mejor amigo. Sophie, hija de un ilustre profesor polaco, sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz, pero vive atormentada por su pasado. Stingo se enamora románticamente de ella, pero Sophie está locamente enamorada de Nathan...

En la vida existen decisiones dolorosas y trascendentes para las cuales muchas veces no estamos preparados, y que cambian nuestra noción del mundo. Son precisamente estas decisiones a las que enfrenta Sophie Zawistowski, la protagonista de esta estimable película, dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada de manera prodigiosa por Meryl Streep.

Curiosamente no es Sophie la primera protagonista de la historia, aunque termine siéndolo. El primer protagonista es Stingo, el joven escritor, que representaría a cada uno de nosotros, como a ese espectador horrorizado que asiste a la revelación de Sophie, una joven polaca a la que Nathan salvó después de la Segunda Guerra Mundial. Y en el pasado de Sophie, tanto Stingo como nosotros, comprendemos cómo se puede herir de por vida al alma de un ser humano.

Esta film nos vuelve a sumergir en un tema bastante recurrente dentro de la cinematografía contemporánea: la segunda guerra mundial y el holocausto nazi, algo que a priori podría reducir el atractivo de esta película. Pero hay algo que hace distinta al film de Pakula, y es que, lejos de contarnos una historia de supervivencia, nos narra con sutileza y elegancia la forma en que los duros recuerdos pasados pueden influir en nuestra vida posterior, manejándola a su antojo y finalmente, destruyéndola lentamente.

La historia que nos cuenta La decisión de Sophie es absolutamente estremecedora. Es una película sobre la influencia del pasado en nuestro presente y futuro, y desde luego es un film nada optimista. Aquí no veremos esperanzadoras escenas de redención y de cómo volver a empezar desde cero, sino que seremos testigos directos de la lucha interna de una mujer atormentada por el dolor, la impotencia y la rabia.

En cuanto a la parte narrativa de la cinta, decir que está estructurada en dos tiempos, y siempre narrada en primera persona por el personaje de Stingo y su experiencia personal. La primera parte se centra en el presente -dentro del pasado del escritor-, y la segunda se estructura en forma de flashbacks algo irregulares, y demasiado fragmentados, pero innovadores para la época. No hay transiciones definidas entre el relato pasado que cuenta Sophie y el presente del trío de personajes. De hecho el primer flashback entra a la hora y cuarto de película, lo que estira la película innecesariamente. La película combina los dos tiempos narrativos con precisión: el “alegre” devenir de los protagonistas en Nueva York y el gris pasado de Sophie en Auschwitz, con un diseño de producción tan bueno que casi se puede oler el humo de los crematorios, gracias a la excelente fotografía del español Néstor Almendros .

En cuanto a las interpretaciones alabar a la magistral Meryl Streep. Más allá de cuestiones técnicas como el uso de la voz en cuanto a los distintos idiomas que habla, o la vista de su delgado cuerpo en el campo de concentración, su interpretación en el film va más allá de lo calificable. El personaje de Sophie es uno de los mayores y mejores personajes que nos ha dado el séptimo arte, y Meryl Streep con está película define para siempre lo que significa ser actor. Peter MacNicol y Kevin Kline aguantan el tipo, mejor el segundo, pero es que Streep se come la cámara.

Es una pena que esta película fuese tan infravalorada y no tuviese la difusión que se merecía. Se la recomiendo a todos aquellos que consideran que de la segunda guerra mundial aún se pueden sacar buenas historias. Pero sobre todo, por la interpretación de Meryl Streep, que en versión original te deja literalmente boquiabierto.

El cameo "travestido" de Hitchcock

2011-10-17T23:45:00.006+02:00

De todo cinéfilo es bien conocida la afición que tenía el maestro del suspense Alfred Hitchcock a salir en sus películas. Haciendo cameos, eso sí. Y ¿cómo?, pues de todas las formas posibles: paseando perritos, en el bus, cruzándose, en un periódico o en una foto.

Esas brevísimas, casi fantasmagóricas, apariciones en pantalla se iniciaron de manera accidental -tuvo que “actuar” por falta de extras- y pasaron casi desapercibidas en un primer momento, pero a medida que aumentaba su fama fueron ganando en importancia. De hecho fue tal el interés que despertaban entre el público que el director decidió llevarlas a cabo en los primeros minutos de metraje para evitar que los espectadores se “distrajeran” de la trama, esperando el momento en que el apareciese.

Aquí tenéis una selección de algunos de esos famosos cameos.

El enemigo de las rubias (The Lodger, 1926)

Aparece en dos ocasiones: una sentado de espaldas en el escritorio de una oficina y otra formando parte de una multitud.

Fácil virtud (Easy Virtue, 1927)

Con un bastón en la mano, abre la verja de una pista de tenis y se introduce en ella.

La muchacha de Londres (Blackmail, 1929)

Se encuentra sentado en el metro leyendo un libro hasta que un niño le incordia y Hitchcock le reprende por ello.

Asesinato (Murder, 1930)

El director camina distraídamente por delante de la casa donde se ha cometido un asesinato.

39 escalones (The 39 Steps, 1935)

Cuando los protagonistas (de espaldas) están a punto de subir a un autobús, Hitchcock pasa junto a ellos.

Inocencia y juventud (Young and Innocent, 1937)

En esta ocasión interpreta a un torpe fotógrafo que intenta tomar una foto a la salida de un juzgado.

Alarma en el expreso (The Lady Vanishes, 1938)

Hacia el final de la película, podemos ver cómo cruza una estación de tren mientras mientras fuma un cigarrillo.

Enviado especial (Foreign Correspondent, 1940)

El director camina leyendo un periódico y pasa junto a Joel McCrea.

Rebeca (Rebecca, 1940)

Mientras George Sanders habla con un agente de policía, podemos ver a Hitchcock pasando detrás de ellos. Parece ser que existía otro cameo (el director esperaba junto a una cabina telefónica en la que se hallaba Sanders) que finalmente fue eliminado.

Sospecha (Suspicion, 1941)

Hitchcock es el hombre que deposita una carta en el buzón.

Matrimonio original (Mr. and Mrs. Smith, 1941)

Podemos verle pasando por delante del edificio donde viven el Sr. y la Sra. Smith.

Sabotaje (Saboteur, 1942)

Hitchcock es el hombre que mira el escaparate de una tienda.

La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, 1943)

Le vemos de espaldas jugando al póker (¡con una mano ganadora!) en un tren.

Náufragos (Lifeboat, 1944)

Uno de sus cameos más complicados, puesto que la mayor parte de la película tiene como escenario un bote salvavidas en medio del mar. Hitchcock resuelve el problema apareciendo en un anuncio de un periódico, un anuncio de un producto adelgazante…

Recuerda (Spellbound, 1945)

Podemos verle saliendo de un ascensor, llevando una funda de violín y fumando un cigarrillo.

Encadenados (Notorious, 1946)

Aquí aparece bebiendo una copa de champán justo antes de la entrada de Gary Grant e Ingrid Bergman.

El proceso Paradine (The Paradine Case, 1948)

En esta ocasión le vemos saliendo de una estación junto a Gregory Peck.

La soga (Rope, 1948)

Existe la duda de si son dos los cameos del director. En uno cruza la calle (es muy difícil apreciar si es él) y más tarde cuando unas luces de neón reproducen su conocidísima silueta.

Atormentada (Under Capricorn, 1949)

Aquí le vemos charlando con dos hombres junto a una columna. Él aparece en el centro.

Pánico en la escena (Stage Fright, 1950)

Hitchcock se cruza con Jane Wyman que habla sola por la calle y se la queda mirando atentamente.

Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951)

Cuando Farley Granger desciende del tren, vemos al director que sube al mismo.

Yo confieso (I Confess, 1953)

Le observamos caminar desde lejos.

Crimen perfecto (Dial M for Murder, 1954)

En este curioso cameo, podemos localizarle en una fotografía que Ray Milland le muestra al futuro (y fallido) asesino de Grace Kelly.

La ventana indiscreta (Rear Window, 1954)

En una de las ventanas que “observa” James Stewart, aparece Hitchcock dando cuerda a un reloj.

Pero, ¿quién mató a Harry? (The Trouble with Harry, 1955)

Cruza la calle mientras alguien contempla unas obras de arte.

Atrapa a un ladrón (To Catch a Thief, 1955)

Aparece sentado junto a Cary Grant en un autobús.

El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1956)

Podemos observarle de espaldas (el hombre calvo con las manos en los bolsillos) mientras disfruta del número de unos acróbatas.

Falso culpable (The Wrong Man, 1957)

Otro curioso cameo: presentando la película al inicio de la misma.

Vértigo. De entre los muertos (Vertigo, 1958)

Cruza un astillero luciendo un traje gris.

Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959)

Justo al terminar los títulos de crédito (podréis observarlo mejor en el vídeo final), Hitchcock pierde el autobús que le cierra la puerta en las narices.

Psicosis (Psycho, 1960)

Le vemos a través de los cristales de la oficina donde trabaja Janet Leigh. Está parado en calle y luce un sombrero vaquero.

Los pájaros (The Birds, 1963)

Hitchcock, paseando a dos perros (curiosamente los suyos propios), sale de la tienda de animales cruzándose con Tippi Hedren.

Marnie, la ladrona (Marnie, 1964)

Al principio de la película, Tippi Hedren cruza el pasillo del hotel donde va a alojarse. Hitchcock aparece abriendo la puerta de su habitación y asomándose a dicho pasillo.

Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966)

Observamos al director en el vestíbulo del hotel donde se alojan Paul Newman y Julie Andrews. Hitchcock sostiene a un bebé que se hace pis encima de él.

Topaz (Topaz, 1969)

En un aeropuerto aparece sentado en una silla de ruedas que empuja una enfermera. De repente, se encuentra con otro hombre, se levanta, le saluda y ambos se marchan juntos.

Frenesí (Frenzy, 1972)

Hitchcock luce un sombrero bombín y se halla entre el público que escucha el discurso de un político.

La trama (Family Plot, 1976)

Aparece su inconfundible silueta tras una puerta que reza “Registro de nacimientos y defunciones”.

Aquí tenéis todos resumidos en este video que os pongo a continuación, aunque... puede que se nos haya pasado por alto un cameo del insigne director muy, pero que muy especial...

Y es que según una leyenda, al parecer a Hitchcock, como a Ed Wood, en la intimidad le gustaba travestirse. En fiestas o reuniones en su casa de Hollywood al director le gustaba hacer el numerito de señora mayor inglesa recibiendo visitas.

Pues bien, la leyenda dice que Hitchcock introdujo un guiño a su afición "travesti" como cameo especial en una de sus películas. Concretamente en Con la muerte en los talones. Vestido de mujer mayor, en un tren, hablando con los revisores en un diálogo que, dicen, está cortado y en el que se han eliminado frases que sí aparecían en el guión.

Juzgad vosotros: ¿es él o no?

Para los que os habéis quedado con dudas, ahí va el video. Y sea o no sea él, qué más da, lo que está claro es que no se puede ser más genial.

Vive como quieras (1938) - Cinecrítica

2011-10-13T16:17:00.007+02:00

Valoración: 8,1 sobre 10.

El ganador de 3 Óscars de la Academia de Hollywood al mejor director, el maestro de la comedia sofisticada, Frank Capra, consiguió su último Óscar como tal -3 premios en 5 años- con la película que hoy cinecritico, Vive como quieras (1938), que retoma mi ciclo -casi olvidado, sólo casi- dedicado a las ganadoras del Óscar a la mejor película. Además de sendos premios a la película y director, Vive como quieras (1938) consiguió 5 nominaciones más, entre ellas a la mejor actriz secundaria, Spring Byington, mejor guión, mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido. La triunfadora de la noche junto a Robin de los bosques, que ganó tres Óscars, pero menores.

Vive como quieras nos cuenta la historia de Alice Sycamore (Jean Arthur), la única persona con un poco de cordura en una familia llena de gente extraña. Alice se enamora de su jefe, Tony Kirby (James Stewart), cuya familia es todo lo contrario de la suya: son ricos y refinadamente cursis. Las diferencias entre el estilo de vida y la mentalidad de ambas familias se agudizan cuando los padres de él van a cenar a casa de ella y la cena termina con la entrada de la policía y la detención de todos los presentes, acusados de anarquistas...

Frank Capra demuestra una vez más que fue uno de los grandes contando historias, pero historias con gran contenido humano y crítico, sin perder nunca su toque humorístico y optimista. Vive como quieras refleja ese poder maravilloso que tenía Capra para transmitir ideales y mensajes.

Es cierto que toparse con cine de los años 30 de repente, viniendo del siglo XXI, puede llevar al espectador a pensar que está ante una comedia empalagosa e ingenua, sobre todo si no se está familiarizado con el cine de Capra. Pero para los amantes de Un gangster para un milagro (1961), Qué bello es vivir (1946), Sucedió una noche (1934) o Arsénico por compasión (1944), estamos ante una esquisita y sofisticada comedia, mucho más compleja de lo que parece. Una comedia llena de situaciones cómicas, algunas hilarantes, y con algún tinte de emotividad, sin llegar ni mucho menos a ser dramática.

El mensaje que destila el film es claro: carpe diem, ganas de vivir y hacerlo todo del modo que cada uno desee, con libertad. Todo explicado a través de unos personajes un tanto irreales e ingenuos, que por su sencillez no nos lo pueden explicar mejor. La película es un canto a la alegría de vivir, a la idea de perseguir y conseguir los sueños que uno se proponga, sin que la avaricia ni el dinero sea un impedimento. La película también reclama el derecho a llevar una vida sencilla y amena, y ensalza el valor de la amistad.

El reparto es sencillamente excelente. Desde la fuerza de Jean Arthur hasta la sabiduría del personaje de Barrymore. Sin olvidar, por supuesto, el papel magnífico de Edward Arnold, cuyo personaje expresa ese proceso de madurez que va desde la ambición desmedida hasta la comprensión de lo que vale la pena vivir de verdad. La megaestrella James Stewart, se mueve con corrección, pero con un personaje menos interesante y atractivo que en otros papeles.

En definitiva, una comedia cercana y con mensaje. Un estupendo y vertiginoso guión, mezclado con unos personajes entrañables, unas sólidas interpretaciones y una fantástica dirección del maestro Capra que dieron lugar a la película merecedora del Óscar en 1938.

Todo un clásico que ha sabido envejecer perfectamente. Imprescindible.

Melancolía (2011) - Cinecrítica

2011-10-08T21:20:00.009+02:00

Valoración: 7,4 sobre 10.

Cualquier estreno de Lars Von Trier siempre es digno de tenerse en cuenta, por lo menos en mi caso. No soy un fan acérrimo del siempre polémico y genial director danés, pero creo que voy conociendo su cine cada vez un poco más, después de haber visto ya 7 películas de su filmografía. Y reconozco que aún no gustándome todas, todas me inquietan y conmueven. La última ha sido Melancolía (2011), presentada en Cannes, y que se estrenará en España el próximo 4 de noviembre. Os adelanto mis impresiones en esta cinecrítica.

Sinopsis: Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgård) celebran su boda en una suntuosa fiesta en la mansión de su hermana (Charlotte Gainsbourg) y su cuñado (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, un hermoso y misterioso planeta llamado Melancolía se dirige hacia la tierra...

Desde luego que este argumento podría llevar a más de un adolescente a las salas de cine atraído por lo que parecería una nueva película de catástrofes, pero la realidad, o mejor dicho, la fantasía de Lars Von Trier no es lo que parece. Esta es una película, como otras muchas del director danés, sobre el comportamiento humano en situaciones límites y con muchos de los elementos recurrentes en su filmografía: gran dirección de actores, potencia dramática y sin concesiones al espectador. Incluso los efectos especiales, por su sencillez, son espléndidos.

Todos los aspectos de la película están cuidadísimos. Después de la radical Anticristo (2009), Melancolía se sitúa en un punto más equilibrado, tanto en forma como en contenido. Comenzando con un prólogo con música de Wagner, que nos muestra de forma surrealista el tema de la película: dos hermanas simbolizando la humanidad y un niño representando el futuro truncado por un posible fin del mundo.

El resto de la películas se divide en dos actos, algo también común en el cine de Trier. Cada acto se centra en una de las hermanas, maravillosamente interpretadas por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. El primero nos describe de forma cruel y mordaz el pesimismo y la melancolía del ser humano, con una Kirsten Dunst como centro del universo. Este acto está lleno de momentos surrealistas salpicados con toques de humor.

El sengundo acto es más poético y filosófico, y nos muestra la inminente llegada del planeta Melancolía. Un acto lleno de momentos de gran belleza, con un maravillosa fotografía teñida de azul, donde podemos ver la desesperación de unos y la aceptación de otros ante la llegada del fin del mundo, pero siempre en un tono de paz y tranquilidad. Es de destacar la fuerza de la secuencia final, también apoyada principalmente en la música de Wagner, en la que se crea un momento único lleno de emoción .

Además de las dos actrices principales, el resto del reparto está impecable: Kiefer Sutherland, Stellan Skarsgård y John Hurt brillan como Melancolía. También destacaría la brillante banda sonora y por encima de todo la esplendida fotografía y en especial la iluminación del film, que es bellísima. El resto es puro dogma.

Una vez más Lars Von Trier crea cine para emocionar y reflexionar, para hacernos preguntas sin respuesta, en definitiva, para poner a funcionar el cerebro con una película de gran belleza visual y potencia dramática, e indispensable para cualquier amante del buen cine. Confirmado: Lars Von Trier sigue en forma.

Top 30 en exclusiva del ranking Wikio de blogs de cine. Octubre 2011

2011-10-04T18:31:00.004+02:00

Guion Original, después de algún mes en blanco, os presenta de nuevo en exclusiva el Top 30 del Ranking Wikio de blogs de cine del mes de octubre de 2011, que aparecerá el día 6 en el portal Wikio. Un saludo y de nuevo justísimas felicitaciones a todos los blogueros de este ranking por vuestro trabajo, profesionalidad y compromiso. Hasta el próximo mes, amigos!!!!

RANKING DE CINE:

1	Blog de cine (=)
2	Tu Blog de Cine (=)
3	Las Horas Perdidas (=)
4	Extracine (=)
5	Versión muy original (+2)
6	Peliculas.info (-1)
7	Uruloki (-1)
8	El Blog de cine Español (=)
9	Cine en Espectadores (+2)
10	Cineralia (+7)
11	No es cine todo lo que reluce (+4)
12	Cinetelia - Blog de cine (+2)
13	Factoría del Cine (+7)
14	Trailers y Estrenos (-5)
15	Dentro Cine (-2)
16	Actualidad Cine (-6)
17	cinemascomics (-5)
18	Notas de Cine (-2)
19	tío Oscar (-1)
20	Butaca Preferente (+1)
21	Tierra de Cinéfagos (-2)
22	Abandonad toda esperanza (+1)
23	Sin efectos especiales (+25)
24	Cinemaniablog (-2)
25	Blog del Cine (+10)
26	TENGO BOCA Y NO PUEDO GRITAR (=)
27	Blog Estrenos (+10)
28	Cine y Política (+5)
29	Se acerca el invierno (+7)
30	Cinencuentro.com (-6)

Ranking generado por Wikio

Drive (2011) - Cinecrítica

2011-09-29T15:56:00.012+02:00

Valoración: 8,0 sobre 10.

Ryan Gosling y Michael Fassbender son dos de los actores que suenan más últimamente en las quinielas de los próximos Óscars. Dos actores, en mi opinión, espléndidos, y que cada vez están eligiendo mejores trabajos. Fassbender ha deslumbrado en Venecia con Shame (2011), de Steve McQueen, que espero ver prontito, y Ryan Gosling, a la espera de Los idus de Marzo (2011) dirigida por George Clooney, presentó en el último Cannes Drive (2011), que obtuvo excelentes críticas a nivel de película e interpretación. A pesar de que se estrena en Noviembre, ayer pude verla en v.o.s, y disfrute como hacía mucho tiempo.

Este brutal y voraz thriller dramático, ganador en Cannes del premio al mejor director se sitúa en Los Ángeles, donde un joven especialista de escenas de riesgo en conducción de coches para películas y conductor para atracos por las noches (Ryan Gosling), se ofrece para ayudar a su vecina (Carey Mulligan) cuando su marido, recién salido de la cárcel, se encuentra ante un gran problema.

Drive recuerda desde el principio, gracias también a su banda sonora, llena de elementos electrónicos, al cine directo y trepidante de los 70 y 80, pero con la particularidad de llevarlo a los tiempos actuales, creando una mezcla de estilos novedosa y eficaz, y aplicando efectos actuales como la cámara lenta y los largos espacios de silencio. Persecuciones, peleas, tensión e incertidumbre bajo una atmósfera casi siempre a contraluz, sombría que nos muestra un film oscuro y trepidante para el espectador.

La dirección de Nicolas Winding Refn es magistral. No le basta con mostrarnos la espectacularidad de las acciones, sino que crea momentos continuos de sobresalto y asombro en cada escena. Drive no es únicamente una exquisita cinta de acción, tensión y thriller, es además un profundo e intenso drama donde las miradas hablan y transmiten sentimientos, sensaciones. El afecto, la compasión, la ternura, la pasión no se expresa , se siente entre los protagonistas.

Todos los personajes están muy bien definidos e interrelacionados unos con otros con inteligencia. El reparto es impecable, sobre todo un Ryan Gosling soberbio en la piel de un joven silencioso, prudente y eficiente. Un tipo que hace lo que tiene que hacer, que tiene sus reglas, y que funciona como un reloj. La otra protagonista, Carey Mulligan, sensual y atractiva como es habitual en ella. Los secundarios excelentes, y por encima de todos Bryan Cranston, y un Albert Brooks brutal.

La película está llena de secuencias de impecable puesta en escena: la primera huída; la escena del asalto al hotel y como no, la genial escena del ascensor, una perfecta mezcla amor y muerte, sin que sepa mal. Así se nos presenta una historia de traición y venganza que entretiene de principio a fin gracias a escenas de acción rodadas con garra y a ese aire retro que junto a la banda sonora supone una auténtica delicia para los amantes de este género.

Poco malo que decir de esta estupenda cinta de género, que cuenta con unos estupendos puntos a favor: su estética, el ritmo, la banda sonora, la labor de fotografía, las interpretaciones y sus escenas de acción. Una película que, como los coches que conduce el personaje de Gosling, comienza acelerando poco a poco para después pisar fuerte el acelerador y llegar a la recta final.

Todavía habrá que esperar un par de meses, en concreto hasta el 25 de noviembre para verla en nuestros cine, pero os adelanto que no os la debéis perder, os guste o no os guste este género, si sois amantes del buen cine.

Alan Smithee, el director fantasma

2011-09-21T15:18:00.013+02:00

La Ciudad sin Ley, El Resplandor de la Muerte, Pánico Bajo el Hielo, Crisis Solar, Los Pájaros 2… Todas estas películas, tanto de cine como de televisión, tienen algo en común. Todas ellas fueron dirigidas por el mismo director: Alan Smithee. Lo curioso es que a pesar de ser uno de los cineastas más prolíficos de la historia -mas de 35 largometrajes, muchas series de TV y videoclips, también tiene créditos como actor, guionista, vestuarista y director de orquesta-, Alan Smithee nunca existió.

La explicación es muy simple: Alan -o Allen en algunos casos- Smithee es el nombre que suelen asumir los directores -y en algunos casos otros trabajadores del gremio cinematográfico- cuando, por alguna razón, no quieren aparecer en los créditos de ciertas películas. Alan Smithee no es más que el anagrama de "The Alias Men".

La primera idea que se propuso para este pseudónimo fue Al Smith, pero como era un nombre demasiado común que incluso coincidía con gente en activo en aquel momento se le hizo un pequeño añadido de letras para diferenciarlo y así nació Alan Smithee.

El primer caso documentado de utilización de este seudónimo tuvo lugar en 1967, aparentemente durante el rodaje del western Ciudad sin ley (Death of a Gunfighter), sus directores Robert Totten y Don Siegel -quien había dirigido en 1956 el clásico Invasion of the Body Snatchers- sufrieron un típico caso de "diferencias artísticas" y el resultado es que ninguno quería hacerse cargo de lo que habían filmado, lo que los obligó a buscar un sustituto: el mítico Alan Smithee -el nombre fue sugerido por el sindicato de directores, la DGA, para que lo pudieran usar todos los directores en casos como este-.

Lo irónico del asunto es que la película de Siegel y Totten obtuvo bastante buenas críticas alabando especialmente la labor de ese "nuevo y desconocido director". Hay quien dice que realmente el alias Smithee ya fue utilizado antes, porque Death of a Gunfighter se estrenó en 1969, un año después del estreno de Fade-In, un film romántico dirigido por Jud Taylor y atribuido también a Mr. Smithee.

Después de esto, el nombre de Alan Smithee se volvió a usar en numerosas ocasiones en todo tipos de films tanto de cine, TV o versiones, como el caso de la adaptación que se hizo de Dune para la televisión de la que David Lynch renegó totalmente.

Incluso guionistas, productores o actores han usado el nombre de Alan Smithee.

Paradójicamente a Alan Smithee la consagración le llegó con su ruina. La comedia An Alan Smithee Film -- Burn, Hollywood, Burn (1998) fue la presentación de la supuesta "historia" de Alan Smithee, dirigida por él mismo -en realidad Arthur Hiller- y liderada por un reparto que incluía a Sylvester Stallone, Whoopi Goldberg y Jackie Chan. Contaba la la historia de Alan Smithee -interpretado por Eric Idle, ex Monty Python-, un director con muchísimos problemas para llevar adelante una superproducción que le encomendaron.

Según dicen, esta producción de 10 millones de dólares, fue la peor película de la extensa filmografía del director, hasta tal punto que cosechó 9 nominaciones a los premios Razzies de 1998, alzándose con el dudoso honor de llevarse 5 galardones. Esto trajo como consecuencia que el nombre Alan Smithee circulara en tono de broma por todos lados y que se desdibujara el perfil "de culto" de este director. La definitiva perdición de cualquier cineasta.

En el año 2000 la Asociación de Directores (DGA) dejó de reconocer oficialmente el nombre de Alan Smithee, aunque todavía es fácil encontrarlo e incluso algunas variantes como Alan Smythee o Adam Smithee.

En el siguiente vídeo podéis ver algunas fragmentos de películas firmadas por el director fantasma Alan Smithee. Lo cierto es que viendo algunas escenas, no me extraña para nada que sus directores renegaran de ellas…

Palíndromos (2004) - Cinecrítica

2011-09-09T22:56:00.011+02:00

Valoración: 6,8 sobre 10.

En 1998, con 25 años, recuerdo que en una de mis primeras incursiones en el cine independiente USA, en una película del director norteamericano Todd Solondz, viví una de las experiencias cinematográficas más impactantes de mi vida cinéfila hasta entonces, de título Happiness. Es difícil olvidar una película así, porque estaba ante una de las comedias más brutales que haya producido el cine independiente americano jamás.

Ahora, bastantes años después, y aprovechando que Solondz presenta su último film en el Festival de Venecia -Dark Horse (2011)-, he visto otras de las películas de la filmografía de tan peculiar director, otro de los amados-odiados del cine norteamericano. Su título: Palíndromos (2004).

Palíndromos nos cuenta la historia de Aviva, una niña de 12 años que quiere ser madre. Hace todo lo posible para que esto ocurra, y casi lo consigue, pero se ve frustrada por sus sensatos padres. Así que decide escaparse, empeñada en quedarse embarazada de una manera o de otra. Pero en vez de eso se encontrará perdida en otro mundo lleno de toda clase de extrañas posibilidades. Como muchos otros, este es un viaje de ida y vuelta, y es difícil decir si al final volverá a ser la misma, o si puede ser otra cosa que lo que siempre ha sido...

Como he dicho antes, Todd Solondz es un director que despierta odio o admiración allá donde va. Y esta película lo confirma. Partimos de una premisa argumental ya de por si extraña, la de una niña cuyo único objetivo es quedarse embarazada, y que tras "fracasar" en su intento abandona a sus padres. En este personaje encontramos la primera sorpresa: lo interpretan varias actrices. Lo mejor es que el continuo cambio no chirría, y se torna original. Todas las actrices interpretan al personaje de Aviva de la misma forma, un fondo igual para un exterior cambiante, que se resume en una frase final "por mucho que cambies por fuera, por dentro siempre serás el mismo".

Solondz bebe de las fuentes de Browning al utilizar personajes como los de La parada de los monstruos, con discapacidades y freakies, para realizar algunas de las escenas más desconcertantes de la película, esperpénticas, buñuelianas, donde uno no sabe si enternecerse, echarse a reir, a llorar o acabar frunciendo el ceño. Se haga uno u otro gesto, lo cierto es que la película conmueve.

El tema del aborto planea sobre todo el film, y Solondz sabe tratarlo sin dramatismo y sin posicionarse del todo, sin dar lecciones de moralidad. Ironiza sobre la religión y aborda un final atípico en el que no concluye nada, sólo deja una pista sobre todo el mensaje que transmite el film. Palíndromos es una película sobre el ser humano, sobre la sociedad y sobre la doble moral que existe en nuestro mundo actual.

En el apartado técnico y de interpretaciones, poco hay que decir. Creo que esta película encuentra su sentido en su mensaje último, y lo demás sobra. Actores muy justitos -reconocereis a Ellen Barkin y Jennifer Jason Leigh-, una dirección correcta, y una puesta en escena y una banda sonora más cuidadas de lo que parecen, permanecen siempre a la sombra de un guión de un acidez a veces ofensiva y muy incomodo, pero lleno de mensaje.

Lo que nos termina por contar esta controvertida película es que la vida es un palíndromo -como el nombre de Aviva, su protagonista-, donde todo acaba como empieza, donde las cosas parecen cambiar pero al final no lo hacen... Un pesimista mensaje, es cierto, pero lleno de verdad.

Termino con una recomendación: Al contrario de lo que he leido y escuchado por ahí, opino que el mejor momento para ver esta película es cuando uno esté en un bajísimo estado de ánimo. Se dará cuenta de que tiene una gran suerte, porque siempre podrá haber alguien peor.

Punch-Drunk Love (Embriagado de amor) (2002) - Cinecrítica

2011-09-01T16:11:00.005+02:00

Valoración: 8,0 sobre 10.

El tema de los prejuicios está bastante extendido entre los cinéfilos. Muchos nos negamos a ver buenas películas de determinados actores o directores que por alguna extraña razón odiamos -bien por trabajos anteriores, o bien por razones de afinidad o simpatía-, y al contrario, vemos películas de directores o actores que admiramos aunque sepamos que la película es un rotundo fracaso.

Aunque creo que me encuentro en ese selecto grupo de cinéfilos que vemos un poco de todo, tengo que reconocer que Adam Sandler entraba en mi grupo de actores prescindibles, hasta que me topé, por suerte, con esa comedia vs. drama de uno de mis directores preferidos, Paul Thomas Anderson: Punch-Drunk Love (Embriagado de amor) (2002). El caso es que ambos extremos de afinidad -director y actor- se encontraban en la misma película, y al final pues..., decidí verla.

Esto me ocurrió hace ya unos años, y ayer, volviendo a ver la película, decidí hacer su cinecrítica y mostraros a un actor que cuando quiere puede interpretar de forma fantástica, como Sandler lo hace es esta estupendísima cinta ganadora en Cannes del premio al mejor director en 2002.

Este inclasificable drama romántico con toques de comedia nos cuenta la historia de Barry (Adam Sandler), un tipo solitario que fue educado entre siete hermanas. La sobreprotección que se le dispensó desde niño le ha impedido enamorarse, pero un día Barry descubre un fallo en un concurso, lo que le permite conseguir miles de millas en billetes de avión. Además, cuando una misteriosa mujer (Emily Watson) entra en su vida, comienza para él un romántico viaje..

Solemos estar acostumbrados a comedias románticas donde todo funciona a la perfección: chico y chica guapos, con el típico amigo extravagante y con final, casi siempre, feliz. Con esta premisa, no es de extrañar que esta película choque de lleno con gran parte del público. La cuestión es que aquí se nos cuenta el enamoramiento de uno de los tipos más raros, acomplejados e impulsivos de la historia del cine.

Hasta su forma de enamorarse es rara y proviene más de una necesidad mutua que de cualquier deseo sentimental, porque Embriagado de amor no deja de ser una historia de amor y de soledad, temas tratados hasta la saciedad... pero vistos aquí desde un punto de vista diferente.

Aunque pueda parecer pretenciosa, y quizás lo sea, funciona muy bien tanto en el aspecto cómico, como en el dramático, fundiéndose a veces ambos de forma bastante coherente y sin que ninguno de los dos rechine. Hay momentos memorables y muy, muy graciosos, aunque seguro no del gusto de todos los públicos, debido a su particular humor. Particularmente a mí este humor me apasiona.

Las interpretaciones son magníficas, y es aquí donde quiero destacar el sobresaliente trabajo de Adam Sandler. Me parece fantástico interpretando el papel de un hombre tranquilo -con sus repentinos brotes neuróticos- que reprime una gran rabia y soledad interiores... sin hablar de dos actores espléndidos como Emily Watson y Phillip Seymour Hoffman. Paul Thomas Anderson consigue crear una atmósfera extraña pero muy seductora, casi embriagadora, que te contagia y te hace salir pensando del cine.

En cuanto a la factura técnica de la película, me parece que no se le pueden poner muchos peros, porque es impecable. Tiene un magnífica y efectiva puesta en escena, siempre con planos y fotografía muy mimados y todo mezclado con una excelente y estrambótica banda sonora, tan vital para poder entender el film, porque representa en todo momento el estado de ánimo del protagonista.

Resumiendo, una gran película que no ha destacado lo suficiente. Quizá su único defecto es que no está hecha para todos los públicos, ni para todas las mentes, ya que no hay ni una sola frase previsible, ni hay manera de adivinar qué pasará en el siguiente plano. Y no siempre estamos preparados para ver algo que no esperábamos.

Por cierto, hay otro Sandler que también me gustó, y fue el que interpretaba a Charlie Fineman en En Algún lugar de la memoria (2007), creo que su segunda mejor interpretación. Por desgracia, ya no hay más.

Efecto bleach bypass

2011-08-30T14:52:00.014+02:00

Está claro que uno de los aspectos más importantes a tener en cuenta a la hora de hacer una película es su fotografía. La luz, los colores, los tonos, las texturas, los contrastes, las saturaciones, los blancos y negros nos dan idea del ambiente en el que se va a desenvolver el film: un ambiente luminoso, oscuro, lleno de colores, b&n... Y aunque a veces no reparemos en ello la luz puede llegar a ser el alma de la película, y bien utilizada puede hacer de una buena película, una película todavía mejor.

Pues bien, ya que hablamos de la fotografía en el cine, quería hablaros hoy de una técnica que popularizó el innovador David Fincher en la película Seven (1995) y que ha marcado tendencia desde entonces. Esta técnica nace realmente de las manos del director japonés Kon Ichikawa en su película de 1960, Otouto (Her Brother), y se denomina efecto Bleach bypass.

Se trata de una técnica de revelado por la cual se omite el paso del material fílmico por el blanqueador, creando un negativo de mayor contraste, negros profundos y desaturación de los colores. El bleach bypass -en español, salto de blanqueado o salto de bleach- anula una determinada función del positivado, permite retener la plata junto con los colores de la película, obteniendo así una imagen en blanco y negro sobre otra en color, que, unido a la sobreexposición de la película, consigue una saturación reducida y un contraste y grano aumentados. Con ello se consigue básicamente que el brillo de la película dependa de la cantidad de imágenes oscuras que contenga: a más oscuridad, más brillo.

Esto aporta a las películas un aspecto melancólico, oscuro y desesperanzador, donde la cantidad de brillo en la película se vincula a la oscuridad, imágenes sombrías en la película e incremento global de calidad tonal.

Steven Spielberg es otro de los directores asiduos en sus últimas películas a está técnica que ya ha utilizado en films como Minority Report (2002), Salvando al soldado Ryan (1998), o La guerra de los mundos (2005). Otros directores que también han hecho uso de este efecto de revelado han sido Inárritu -Amores perros (2000), 21 Gramos (2003)- o el mismo Fincher en Zodiac (2007).

Destino final 5 (2011) - Cinecrítica

2011-08-25T23:11:00.004+02:00

Valoración: 6,3 sobre 10.

Continuando, y sin que sirva de precedente, con las cinecríticas de próximos estrenos, os presento uno de los estrenos de mañana, o eso creo. La franquicia de terror Destino final llega a su quinta entrega ofreciéndonos de nuevo dosis de suspense, terror, humor y gore, a pesar de que desde el principio sabemos -más o menos- lo que va a pasar. Ahí reside lo interesante de la película: ofrecer algo nuevo y tratar de revitalizar y refrescar la saga. Hoy he visto: Destino final 5 (v.o.s), en 2D.

La historia se repite: Sam Lawton (Nicholas D'Agosto) tiene una premonición sobre la destrucción de un puente colgante que causaría su muerte y la de sus compañeros de trabajo durante un viaje en autocar. La visión se hace realidad, pero Sam se las arregla para salvarse a sí mismo y a algunos otros de la catastrófica tragedia. Sin embargo, Sam, su novia Molly (Emma Bell), y sus amigos descubren que no están realmente a salvo: la muerte los persigue a ellos y a los que sobrevivieron al horrible accidente...

Me falla la memoria cuando recuerdo cuántas de las películas de esta saga he visto. La 1 y la 2 seguro, dudo entre la 3 y 4 -incluso podría haber visto las dos-. Y es que claro, todas tienen el mismo guion, tan solo han cambiado los nombres, actores y las muertes, cada una mas terrible y gore que la anterior.

Por eso, los fans de esta franquicia, que a mi siempre me ha resultado muy entretenida, tendrán una nueva dosis de lo que ya saben. Con la diferencia respecto a las anteriores en que esta pudiera contener algo más de humor y lo que es más original, una serie de guiños autoconscientes a las anteriores entregas, que tratan de completar la cuadratura del círculo para, quizás, terminar con la serie.

Muertes originales y los mejores efectos visuales de la saga conforman una película que no tiene nada más que ofrecer que entretener al espectador con un guión muy simplón, salvo el giro final, y unas actuaciones mediocres, que a nadie interesarán. Aquí lo que de verdad interesa es, ¿cómo morirá el siguiente?

En definitiva, esta gran saga se merecía un final digno, y Steven Quale se lo ha dado. Me atrevo a decir sin duda alguna que esta quinta entrega es la segunda mejor de toda la saga, después de la original. Lo que sin duda tiene es el mejor final.

Fans de la saga, a pasarlo de rechupete, ah!, y "ojito".

Cowboys & Aliens (2011) - Cinecrítica

2011-08-21T15:59:00.006+02:00

Valoración: 6,0 sobre 10.

Hace tiempo que no me adelanto en mis cinecríticas con un estreno que pronto -en unas semanas- podremos ver en nuestros cines. Y lo vuelvo a hacer con una entretenida y original mezcla de dos géneros tan dispares como el western y la ciencia-ficción. El responsable es el director de Iron-man, John Favreau, y el resultado es Cowboys & Aliens (2011).

Argumento: Territorio de Arizona, 1873. Un extraño (Daniel Craig) sin recuerdos de su pasado, llega tras cruzar el duro desierto al olvidado pueblo de Absolución. El único indicio de su pasado es un misterioso brazalete que rodea una de sus muñecas. Lo que descubre al llegar a Absolución es que los extranjeros no son bien vistos, y que los habitantes del pueblo no hacen nada sin que antes esté supervisado por el desagradable Coronel Dolarhyde (Harrison Ford). Pero Absolución está a punto de experimentar un verdadero shock que ni siquiera pueden comprender sus habitantes cuando la aislada ciudad es atacada por unas naves alienígenas que comenzarán a secuestrar a sus habitantes uno a uno...

En primer lugar centrémonos y tomémonos esta película como lo que es, un puro divertimento. Si hablamos de originalidad, no se puede negar que le falte. Es bastante obvio que mezclar aliens, indios y vaqueros puede hacer que algún tipo de público no se tome demasiado en serio la historia, pero quizás aquí lo que menos interese es el contenido, y lo que más el tremendo espectáculo pirotécnico y visual que tiene lugar en una lucha tan desigual.

Si además aderezamos con un par de protagonistas estelares de dos generaciones bien distintas, Harrison Ford y Daniel Craig, una belleza como Olivia Wilde, amén de dos secundarios de postín como Sam Rockwell y Paul Dano, pues el espectáculo está servido en bandeja para pasar un par de horas entretenidos delante de la pantalla. Mi impresión es que Favreau no pretende ser nada pretencioso con la historia, y lo que más le interesa es estretener, tratando con respeto y cariño los elementos más recurrentes de ambos géneros.

Cierto es que en la historia hay demasiadas lagunas e incongruencias que rozan lo absurdo, con subtramas inverosímiles, pero el espectador inteligente las obviará para dejarse llevar por la aventura y la acción que la película nos ofrece, y si conseguimos quitarnos las gafas de pasta, pasaremos un buen rato.

Está claro que ninguno de los actores del reparto se llevará un Óscar por Cowboys & Aliens -puede que sí algún razzie-. Todos están bastante sosos, descolocados, sin desarrollar sus personajes, a medio camino. Pero por otra parte, son actores sin nada que demostrar. Lo malo hubiese sido que algún actor o actriz desconocido se hubiese hecho que el papel protagonista, pues hubiese sido el fin de su carrera.

Como dice el decálogo de las buenas películas, es imposible hacer una buena película sin construir buenos personajes, y es imposible combinar géneros sin dominar ninguno de ellos. Esto es cierto, por eso Cowboys & aliens no es una buena película, es simplemente un notable entretenimiento. No se puede ser todo siempre.

En fin, un film entretenido dentro de su disparatado argumento. Por respeto a su reparto y director lo único que espero es que no haya segundas partes, que en este caso seguro no serán buenas. A divertirse.

Una noche en la ópera (1935) - Escenas para el recuerdo

2011-08-14T00:26:00.003+02:00

Quizás la escena de esa imposible reunión en el camarote de un transatlántico sea la más famosa en la filmografía de los hermanos Marx, perteneciente a la imprescindible obra maestra de la comedia Una noche en la Opera (1935), la que fue la película más taquillera de los Marx y la más popular.

Se acaba de montar en un transatlántico Groucho con una compañía de ópera que va hacia Europa y se dirige cantando montado en su baúl que conduce un mozo del barco en un carrito.

Llegan delante del camarote .

Groucho: Este no puede ser mi camarote.

Mozo: Si, es su camarote, el nº58.

Groucho: Es un número muy grande para un camarote tan pequeño.

El mozo trata de meter el baúl dentro del camarote con alguna dificultad

Groucho: ¿No le sería más fácil meter el camarote dentro del baúl?

Entra dentro del minúsculo camarote, cierra la puerta, abre el baúl y se lleva la sorpresa de que dentro están Chico, Harpo y el galan-tenor coprotagonista. Tras una absurda conversación salpicada de inteligentes gags sale al pasillo Groucho a buscar al camarero.

Groucho: ¡Camarero!

Camarero: Si señor.

Groucho: ¿Qué tiene para cenar?

Camarero: De todo señor, tiene jugo de zanahoria, jugo de naranja, jugo de piña, jugo de uva…

Groucho: Traiga uno de cada, le sacaremos el jugo a la Compañía…. Traiga también dos huevos fritos, dos huevos revueltos, dos huevos pasados por agua y dos en tortilla.

Chico (desde dentro del camarote): Y también dos huevos duros.

Harpo hace sonar su bocina una vez.

Groucho: En lugar de dos ponga tres …y bistecs, uno crudo, uno hecho, otro más hecho y otro quemado.

Chico: Y también dos huevos duros.

Harpo hace sonar su bocina.

Groucho: En lugar de dos ponga tres… y ocho pastelillos franceses.

Chico: Y también dos huevos duros.

Harpo hace sonar su bocina

Goucho: En lugar de dos ponga tres.

Harpo vuelve a hacer sonar su bocina.

Groucho: Uno de ellos que sea de oca…, ¿Tiene pasteles borrachos?

Camarero: Si, señor.

Groucho: Pues póngales dos gotitas de amoniaco y se les pasara.

Chico: Y también dos huevos duros.

Hapo hace sonar su bocina repetidamente e insistentemente.

Groucho: No sé si es que hay niebla o que tiene que traer media docena más…..Se admiten propinas a bordo.

Camarero: ¡Oh! ¡Si señor!

Groucho: Tiene 5 dólares.

Camarero: Si, señor.

Groucho: Guárdelos, no se los gaste, que a lo mejor luego se los pido.

Se va el camarero y vuelve Groucho a entrar en el camarote y empieza la llegada de personajes que llaman la puerta y van entrando en el camarote, dos camareras a hacer la habitación, el fontanero a reparar la calefacción , la manicura a quién le dice Groucho que le deje las uñas cortas que va faltando espacio, el grueso ayudante del fontanero, la mujer de la limpieza a la que la dice que empiece por barrer el techo que es el único sitio libre, una señorita buscando a su tía Micaela, y Grucho cortésmente la invita a pasar para que la busque entre la multitud, y finalmente los camareros con la cena.

La escena termina cuando Margaret Dumont, la eterna dama en todas las películas de los hermanos Marx, abre la puerta del camarote y se produce una riada de seres humanos hacia el pasillo.

Sencillamente Genial. Una obra maestra.

Una mujer en África (2009) - Cinecrítica

2011-08-11T15:46:00.008+02:00

Valoración: 7,2 sobre 10.

Después del empacho semanal de cine veraniego -en estos días he visto Super 8 (2011) y El origen del planeta de los simios (2011)-, me veo en la obligación de ponerme un poquito serio con la cinecrítica de un interesante drama francés protagonizado por Isabelle Huppert, de la que no puedo hablar más que maravillas como actriz -ya he hablado de ella en mi blog, en la controvertida La puerta del cielo (1980) y La pianista (2001)-. Os hablo del drama Una mujer en África, estrenada hace unas semanas, a pesar de ser del 2009, y que he visto hace unos días.

Esta mirada dura, pero llena de profundidad, a África nos sitúa en un conflictivo país del corazón de ese continente donde vive María (Isabelle Huppert), una terrateniente en cuyas tierras se cultiva café. Es una mujer de carácter fuerte y altivo, acostumbrada a ejercer un férreo control en sus propiedades. Por eso, cuando está a punto de estallar en el país una guerra civil, no duda en defender su cosecha con uñas y dientes, negándose a abandonar sus tierras...

Desde luego que Una mujer en África no es el paradigma de película veraniega. Estamos ante una película bastante compleja. Y más en los tiempos que corren. Claire Denis, su directora, expone de manera pausada, distante y reflexiva unos hechos que aunque familiares por fuerza de verlos una y otra vez en los informativos, nos siguen pareciendo un poco lejanos.

La directora trata de realizar un retrato sobre la situación por la que atraviesa gran parte del continente africano desde el punto de vista de una blanca inmersa en el conflicto, María, una ciudadana europea que se resiste a abandonar sus tierras a sabiendas de que su vida y la de sus seres queridos corre verdadero peligro.

Quizás esta es la típica historia que puede ser contada de dos formas bien diferentes. Una más comercial, y otra mucho más íntima. ¿Es acertado que se haya elegido esta última?. Pues eso lo tiene que decidir el público. Lo que está claro es que la manera de enfocar la película es a base de largos planos, una narración discontinua, y un ritmo lento.

Puede que la historia podría haber tenido interés si se hubiese incidido en la tensión dramática, pero al final el argumento queda en segundo plano, sugiriéndose más que contándose, y prefiriendo buscar imágenes impactantes, regodeándose en los primeros planos y cuerpos de los protagonistas, en la violencia sin sentido, en el dolor que no tiene consuelo de una situación sin remedio.

A favor se cuenta con una omnipresente Isabelle Huppert, en un esforzado papel que hace suyo desde el primer fotograma, suficiente para levantar un interés que podría irse perdiendo a medida que la película avanza. Es difícil identificarse con algún personaje o con la misma historia en si, y queda el consuelo de dejarse llevar por las sensaciones que transmiten sus imágenes, aunque muchas de ellas no son ecesivamente placenteras. Aquí no hay rastro del glamour que desprendía Memorias de África y, aunque seguramente más reales, los paisajes africanos que retrata Denis dejan el regusto amargo de unas tierras que hace tiempo que agonizan mientras tratamos de mirar hacia otro lado.

En resumen, una bella y desconcertante película, con la calidad enigmática de la interpretación de Huppert, y con el telón de fondo del continente africano, herido de muerte. Atención a Christopher Lambert, todo un inmortal, recuperado de nuevo para el cine "serio".

Cambio radical

2011-08-06T19:09:00.008+02:00

Ayer por la noche, en un entretenido concurso de la televisión, la última pregunta que hacía el presentador a la pareja de concursantes -para ganar nada menos que 150000 euros- era sobre cine, y preguntaba: ¿Qué actor varió más su peso para hacer estas películas: Robert de Niro en Toro salvaje (1980), o Charlize Theron por Monster (2003)?. Las finalistas se decantaron desde el principio por Charlize, pero a falta de 1 segundo recularon y cambiaron a Robert de Niro, ganando el premio.

Esta situación me hizo pensar en todos esos valientes actores y actrices que en su día se sacrificaron dando un paso más allá y decidieron cambiar radicalmente su físico sin acudir a maquillajes, peluquerías e incluso en ocasiones prótesis de latex u otros materiales, para representar el papel de su vida –o al menos el que ellos pensaban-. Actores y actrices que estuvieron dispuestos a llegar a extremos que requirieron esfuerzos considerables, no al alcance de cualquiera.

Os voy a mostrar algunas de las transformaciones más sorprendentes ya sea por el cambio físico logrado, o por el sacrificio realizado muchas veces en perjuicio incluso de la propia salud del artista.

Robert De Niro

Este polifacético actor siempre ha tenido facilidad y voluntad de sacrificio para adaptar su rostro y cuerpo. En la magistral Toro salvaje (1980), para representar al boxeador Jake La Motta, entrenó muy duramente y aprendió a boxear, logrando un físico que se adecuara al personaje, y poco después tuvo que engordar nada más y nada menos que 30 kilos para representar el declive de ese mismo personaje.

Aun más sorprendente es que para interpretar al psicópata Max Cady en El cabo del miedo (1991), De Niro pagara cinco mil dólares a un dentista para que le estropeara los dientes y de ese modo dar un aspecto más descuidado y ruin a su personaje, viéndose obligado tras terminar el film a pagar 20 mil dólares para volver a dejárselos como antes.

Christian Bale

Christian Bale, para la película El maquinista (2004) donde interpretaba a un personaje atormentado por un secreto y con incapacidad de dormir, rozó el riesgo físico para su salud. Logró la apariencia del atormentado Trevor Reznik reduciendo su dieta a café, una manzana o atún (alternando entre uno u otro) diaria hasta pasar de una envidiable forma física a una extrema delgadez, quedándose en torno a 50 kilos con sus 1,84 metros de altura, aunque tras la alerta de los médicos finalmente tuvo que complementar con aportes vitamínicos. Y lo más sorprendente de todo, sin que se lo hubiera pedido el director en ningún momento. Fue una imposición personal.

Y por si no fuera suficiente, en 6 meses para las pruebas de Batman Begins (2005) se le exigió recuperar su masa muscular y sorprendentemente en ese tiempo logró superar los 90 kilos de puro músculo, antes de interpretar a Bruce Wayne.

Este año le hemos vuelto a ver adelgazar para The Figther (2010), llegando a los 66 kg, y consiguiendo el Óscar por su realista y emotiva interpretación.

Jared Leto

El actor para encarnar al asesino de John Lennon en Chapter 27 (2007) engordó 27 kilos, pasando de parecer un delgado y estilizado actor al orondo Mark David Chapman. Y no contento con ello volvió a adelgazar rotundamente hasta quedarse escuálido, como se puede apreciar en estas fotos, un tanto peculiares.

Antonio De La Torre

Recientemente el actor español aumentó su peso en 35 kilos para la película Gordos (2009).

Tom Hanks

Sin bien ya tuvo que hacer una severa dieta para interpretar al abogado con sida de Philadelphia (1993), para la película Naufrago (2000) tuvo que ganar 23 kilos y perderlos después y de ese modo plasmar los cambios sufridos a lo largo de la película por el personaje.

Benicio Del Toro

Ganó 18 kilitos para participar en la psicotrópica e indescriptible Miedo y asco en Las Vegas (1998), de Terry Gilliam.

Eric Bana

El actor puso rostro al asesino enloquecido, exconvicto y rapero Mark Brandon “Chopper” Read en la película Chopper (2000), engordando 15 kilos y logrando un look completamente alejado de sus registros habituales.

Charlize Theron

La guapa actriz sudafricana tuvo que ganar cerca de 14 kilos reforzando el maquillaje y prótesis faciales para interpretar a la psicópata protagonista de Monster (2003), y que por supuesto después perdió para alegría y regocijo de sus fans. Con este papel ganaría un merecido Óscar a la mejor interpretación femenina ese mismo año.

Reneé Zellweger

La rubia protagonista de El diario de Bridget Jones (2001) engordó 13 kilos para el papel de la reina de los conflictos emocionales.

Para terminar, una transformación reciente, la del rapero 50 cents, que interpreta a un jugador de fútbol americano con cáncer en la película Things fall apart (2011), perdiendo 25 kilos. Llama la atención que sin ser un actor de método como los anteriores sea capaz de meterse en semejante dieta con el sacrificio que ello implica y más teniendo en cuenta que no vive del cine.

Otras transformaciones a mencionar –aparte de las muchas que no incluyo- son las de: Vincent D’Onofrio para el psicópata de La chaqueta metálica (1987); Will Smith interpretando a Ali (2001); Edward Norton en la excelentísima American History X (198); Rusell Crowe para El dilema (1999); George Clonney para Syryana (2005), o Matt Damon por la reciente El soplón (2009), por poner sólo algunos ejemplos.

Ah!, y como despedirme sin acordarme del gran Santiago Segura en Torrente y sus secuelas posteriores. ¡Enorme!

La puerta del cielo (1980) - Cinecrítica

2011-07-27T15:57:00.008+02:00

Valoración: 8,6 sobre 10.

Mañana, por fin, me voy de vacaciones, ya era hora... Pero no quería irme sin dejar antes una cinecrítica que seguramente levante ampollas, pero que yo particularmente no quería dejar escapar. Se trata de la película que llevó a la ruina a la United Artist -comprada al año siguiente por la MGM-, y que hundió profesionalmente a su director, una de las más grandes promesas del cine norteamericano de los 70: el megalómano y perfeccionista Michael Cimino. Os hablo de La puerta del cielo (1980), en mi opinión una obra mastodóntica e impresionante en todos los aspectos; uno de los mejores, sino el mejor, western de la historia del cine, y una de las obras maestras de la historia del cine.

Este colosal western nos sitúa en el verano de 1870. En la Universidad de Harvard se está celebrando la ceremonia de graduación, en la que participan Averill (Kris Kristofferson) e Irvine (John Hurt). Años más tarde, en el invierno de 1891, cuando ambos amigos han cumplido cuarenta años, las circunstancias de cada uno de ellos son muy distintas. Averill, más serio y visiblemente más viejo, se ha convertido en el "marshall" federal del condado de Johnson. Por su parte Irvine, destruído y arruinado por la bebida, pero todavía en su sano juicio, es miembro de la asociación Stock Growers de ganaderos, que está inmersa en un conflicto con los inmigrantes por el uso de las tierras...

La puerta del cielo es como un capítulo aparte dentro de la historia del cine. Es un western, pero con una carga melancólica e intelectual que no se encuentra en la mayoría de las películas de este género, y sin llegar a encajar tampoco en el western crepuscular. Cimino da una visión histórica, casi documental, del nacimiento de los Estados Unidos a través de un conflicto lleno de violencia entre una asociación de ganaderos y toda esa masa de inmigrantes que llegaban a los EE.UU desde Rusia a finales del XIX y que eran vistos como un freno para el “progreso” del pais.

Quizás este argumento, donde los ciudadanos americanos son casi tildados de xenófobos frente a la llegada de inmigrantes, persentado de ese modo tan realista y sin disfrazar la violencia, pudiera explicar parte del fracaso que tuvo esta película. Cimino quiso ser valiente en la temática, creando una película de digestión difícil, conmovedora en todos sus aspectos, que pasaba fácilmente de una grandiosidad épica a una intimidad romántica con la facilidad con la que lo hacen los genios.

El reparto es impresionante. Kris Kristofferson ofrece una actuación de Óscar: espléndida, comedida, llena de matices que con un simple gesto es capaz de mostrarnos todo lo que siente -ese último plano que muestra el vacío en el que queda sumergido el personaje al final de la historia-; John Hurt, en permanente borrachera, algo más sobreactuado, pero recogiendo perfectamente la esencia de niño de papá al que interpreta; Isabelle Huppert como la prostituta de la que todos se enamoran, una actriz magnífica, cuyo trabajo en USA se "terminó" con esta película; y un magnífico Christopher Walken como asesino a sueldo. Y el resto de secundarios de lujo: Joseph Cotten, Jeff Bridges, Mickey Rourke o Brad Dourif, perfectos en una historia de desengaños, traiciones, amistades, grandezas y miserias.

Capítulo aparte merece la fotografía. Toda la tristeza y melancolía de la historia está atrapada en el enorme trabajo que realizó Vilmos Zsigmond, con una composición fotográfica impresionante, usando siempre la luz natural en unos claroscuros bellísimos, con unas tonalidades ocres, tenebrosas en la violencia, y frescas en el amor; todo esto acompañado de una banda sonora tristísima, pero igualmente hermosa, que te acompaña varios días después de haber visto la película.

Una puesta de escena estudiadísima -Cimino era perfeccionista hasta la estenuación- unos vestuarios, unas localizaciones impresionantes completan esta obra maestra. Tristemente la postproducción en la sala de montaje mutiló una obra magnífica, dejándola en 144 minutos, lo que hundió la película frente a la crítica, cuando la idea inicial del director era de casi 4 horas. Os recomiendo encarecidamente que veáis el montaje del director en V.O que afortunadamente se ha recuperado, porque yo también vi en sumomento la edición recortada y es francamente un desastre, pues muchos puntos de la historia quedan inacabados, sin explicar y los cortes son totalmente ilógicos. Sin embargo la original de casi 4 horas es impresionante, ni punto de comparación.

En fin, que esta película nació en un momento donde ni se llevaba el cine intelectual, ni interesaba el western, que casi se había dado por muerto. Lo peor de todo es que se perdió un director, Michael Cimino, que a mi juicio lo tenía todo para poder haber sido un grande del cine. Pero como tantas personas en el mundo no nació en el momento adecuado para que su obra artística fuese entendida. Aunque afortunadamente el tiempo le ha dado la razón a La puerta del Cielo. Inmensa.