Guión Original

ESTRENOS 2013 VISTOS POR GUION ORIGINAL

2013-01-01T17:29:00.000+01:00

Me encantaría que si alguno de vosotros que leéis este blog hubiera visto o va a ir a ver alguna de las películas estrenadas en las salas de cine y quisiera que le hiciera una crítica sobre la misma, me escribiera al blog y yo la haría encantado. Eso si, sólo de aquellas películas que yo mismo he visto, si no, no tiene sentido.

Aquí os dejo la lista de las pelis estrenadas en 2013 que ya he visto y de las cuales me podéis pedir que os haga una cinecrítica. De alguna ya la he hecho.

PELÍCULAS VISTAS ESTRENADAS EN EL 2013:

AMOR
ANTES DEL ANOCHECER
BESTIAS DEL SUR SALVAJES
BLUE VALENTINE
DJANGO DESENCADENADO
EFECTOS SECUNDARIOS
POSESIÓN INFERNAL
EL VUELO
GANGSTER SQUAD
GUERRA MUNDIAL Z
HANSEL Y GRETEL
OBLIVION
JACK, CAZA GIGANTES
JACK REACHER
LA JUNGLA: UN BUEN DÍA PARA MORIR
LINCOLN
MAMÁ
LA NOCHE MÁS OSCURA
EL LADO BUENO DE LAS COSAS
EL HOMBRE DE ACERO
THE MASTER
TIERRA PROMETIDA
UN AMOR ENTRE DOS MUNDOS
SÓLO DIOS PERDONA

Seguiré añadiendo los estrenos que siga viendo a lo largo del año. Así que cuando queráis una cinecrítica de alguna de estas pelis, pues me escribes aquí un comentario al respecto y hecho.

Bodas reales (1951) - Escenas para el recuerdo

2012-09-02T00:11:00.006+02:00

Leyendo ayer un artículo sobre las carreras cinematográficas de Fred Astaire y Gene Kelly, y habiendo ya homenajeado a Gene kelly en este blog con su famosa escena en Cantando bajo la lluvia (1952), no podía olvidarme de Fred Astaire, el otro "grande" del baile en el Hollywood dorado, y al que le debía una en mi sección "escenas para el recuerdo".

La escena en cuestión pertenece a la película Bodas reales -Royal Wedding-, un musical con sabor al viejo Hollywood dirigido en 1951 por el siempre deslumbrante Stanley Donen. En un momento dado, Tom –el personaje que encarna Fred Astaire–, inspirado por la mujer de la que está enamorado, comienza a bailar sobre las paredes y el techo de una habitación de su piso. La escena es uno de los momentos más surrealistas y alegres de la historia del cine musical; un maduro Fred Astaire que vuelve a demostrar un gusto y una elegancia para el baile exquisitos, desplegando todo su repertorio y desafiando a las leyes de la lógica y echando un pulso a la gravedad.

Para el rodaje de esta complicadísima escena, Stanley Donen utilizó el viejo truco de la “caja mágica”: hizo construir un habitáculo giratorio decorado como una habitación, con muebles y objetos pegados al suelo y las paredes. Durante el rodaje de la escena lo que gira es la cámara y el habitáculo, mientras que Fred Astaire permanece en posición vertical y juega con los elementos a medida que se aproximan a él. Un truco sencillo que sigue conservando la capacidad de sorprendernos.

Este ingenioso truco sería utilizado posteriormente en grandes clásicos como 2001: Una odisea en el espacio (1968), o la más reciente Origen (2010). Os dejo con la escena de esta película, un musical divertido y con estilo, y otro video con la resolución del trucaje.

¡A bailar!

Cuentos de Tokio (1953) - Cinecrítica

2012-08-14T19:51:00.003+02:00

Valoración: 8,2 sobre 10.

Hace como una semana salió publicada una nueva lista de las 50 mejores películas de la historia del cine en la prestigiosa revista británica Sight and Sound a cargo del Bristish Film Institute (BFI), que lleva a cabo ese tipo de sondeos cada diez años desde hace más de 5 décadas.

Como cualquier lista de las mejores películas de la historia -y se hacen muchas al año, incluso de las mejores 100, 200 o 500- tiene un alto grado de subjetividad, pero cuando lees alguna con cierto prestigio -como es el caso-, y aunque no estés de acuerdo con muchos de sus títulos, al menos te da pistas para conocer películas que no has visto nunca y que quizás valga la pena echarlas un visionado sólo por estar en esta lista.

En este caso concreto, y como asiduo del cine japones, decidí ver la tercera mejor película de la historia según la BFI, tras Vértigo (1958) y Ciudadano Kane (1941). ¿Qué curiosidad, verdad? Pues esa tercera clasificada era Cuentos de Tokio (1953) del maestro Yasujiro Ozu, quizás su película más conocida, y que no quería pasar por alto. Una justa medalla de bronce.

Este realista drama sobre la vejez y la familia nos cuenta la historia de Shukichi y Tomi, una pareja de ancianos que ve acercarse el final de sus días. Siempre vivieron en su pequeño pueblo de la costa, donde con mucho esfuerzo criaron a sus hijos e hicieron de todos ellos hombres y mujeres de provecho. Ahora, todos sus descendientes viven en Tokio, la gran capital, a la que el viejo matrimonio se traslada durante unos días para visitarlos a todos. Pero cuando llegan allí, sus hijos, demasiado ocupados, los enviaran amablemente a un balneario para que “descansen”. Sólo la joven Noriko, nuera y viuda de uno de sus hijos, sentirá verdadera lástima por los abuelos...

De primeras está claro que no estamos ante una película de palomitas. Nada más lejos de la realidad. Cuentos de Tokio, además de ser difícil de encontrar -escondida entre las estanterías del Media Mark-, es difícil de ver. No es una película fácil, lo que no quiere decir que no sea una obra maestra, que lo es.

La dificultad de su visionado quizás esté en su lentitud. Tal vez sea porque su historia gira entorno a algo tan mundano y sencillo como es una familia de clase media del Japón de la posguerra. Lo único que tengo claro es que es una película sabia, profunda y hermosa en su simplicidad. Una historia en la que todos de alguna manera nos vemos reflejados, ya sea como padres, como abuelos, como hijos o como nietos.

La grandeza de esta película está en que, a pesar de que muchos de sus diálogos son banales e intrascendentes y que el registro interpretativo de sus protagonistas es bastante limitado, nos ofrece grandes virtudes como su sutileza, su realismo y su mensaje. Todo apoyado en un calidad formal impecable, tanto a nivel de dirección, como de fotografía y puesta en escena. Una película de los años 50 apoyada únicamente en planos fijos -a excepción de ese travelling excepcional a mitad de metraje- sólo puede estar hecha por un genio del séptimo arte como Ozu. Y además consigue emocionar sin el apoyo de una banda sonora, algo reservado sólo para los elegidos.

Cuentos de Tokio además es una crítica a los roces generacionales, sociales y culturales de una época golpeada por la guerra, y las penurias económicas. También es una conmovedora historia sobre las relaciones entre padres e hijos, y sobre la tristeza que conlleva la vejez. Y la verdad, es que esta es una película desgarradora, que te arranca lágrimas a través de la más cruda realidad.

Una película que cualquier persona que ame el cine no puede dejar de ver.

La he encontrado completa en youtube para que la podáis ver en v.o.s. Que la disfrutéis, amigos de Guion Original. Saludos.

Take Shelter (2011) - Cinecrítica

2012-07-21T01:02:00.000+02:00

Valoración: 8,0 sobre 10.

De mes en mes y tiro porque me toca. Pues sí, hoy me toca hablar de otra de mis grandes favoritas del año pasado, el segundo largometraje de Jeff Nichol, otro prometedor director al que prometo, valga la redundancia, seguir de cerca. Me refiero a esa fascinante mezcla de géneros: thriller, drama doméstico y terror sobrenatural que se titula Take Shelter (2011).

Multipremiada a lo largo de 2011 -Cannes, Gijón, Círculo de críticos de nueva York- Take Shelter nos cuenta la historia de Curtis LaForche (Michael Shannon), un hombre que vive en un pequeño pueblo de Ohio con su mujer, Samantha (Jessica Chastain), y su hija Ana, una niña sorda de seis años. Curtis comenzará repentinamente a sufrir fuertes alucinaciones apocalípticas. Unas alucinaciones que no sabe si son consecuencia de una enfermedad mental o se trata de premoniciones reales...

Take Shelter es una película, de primeras, extraña, pero de esas películas extrañas que enganchan por su belleza. Pasa por ser un conmovedor drama y a la vez un inquietante thriller, lleno de metáforas sutiles. Es una de esas películas que terminan fascinando por su coherencia narrativa y visual, y porque nos mantiene en continua y creciente tensión. En resumen, un film de culto.

Girando la historia alrededor de un hombre sencillo y humilde que trata de proteger a su familia por encima de todas las cosas, caiga quién caiga y pese a quién le pese, la película ofrece además varias subtramas que encajan a la perfección con el argumento central. El film es uno de los retratos más realistas de la América profunda religiosa y conservadora, supersticiosa y rural, y a su vez una crítica feroz a la incomunicación emocional que nos envuelve hoy en día -la metáfora de la hija sorda-. También se llega incluso a tratar el tema -aunque más sutilmente- de la crisis financiera y su impacto en la sociedad.

Pero además de todo esto Take Shelter es una espectacular historia de terror -hay radica su genialidad-. Un miedo apocalíptico, metafísico, un miedo a lo que nos pasará, a lo que vendrá. Nichols logra que estos dos géneros, drama y terror encajen a la perfección, y lo que es más, lo hace apoyando esta potente historia en una interpretaciones mayúsculas de Michael Shannon y la guapísima Jessica Chastain -que ahora la tenemos hasta en la sopa, como se suele decir, y con mucho gusto por cierto-. Michael Shannon logra una de las interpretaciones del año acompañado de una fantástica y enigmática Jessica Chastain. Shannon engrandece la película con su rostro que dice mucho, con sus silencios, sus movimientos, su forma de hablar -en V.O, claro-.

La planificación de Nichols en la dirección es correcta, sin demasiado brillo pero sin abusar de los artificios que la propia trama le ofrece. La cámara suele estar en el lugar idóneo para contarnos la historia sin interferir en ella. La fotografía hace un buen uso de los contrastes entre unos exteriores muy luminosos y unos interiores oscuros y sombríos, especialmente en la parte final.

Si de algo podría quejarme -aunque en voz baja- sería precisamente de ese final. Aunque no lo desvelaré -nunca lo hago- diría que en este caso noqueda claro lo que Nichols nos quiere decir con el, ni se entienden sus verdaderas intenciones. Un final algo frío, ambivalente y que resta algo de la emoción que la cinta había creado, pues el directo no termine por "mojarse". Ojo, que aun así, me gusta.

En definitiva, y salvo este detalle, Take Shelter pone a prueba los cinco sentidos del espectador. Es un espectáculo memorable, grandioso y épico. Una de esas películas que nos demuestra que sigue habiendo vida en el cine independiente americano. Felicidades y recomendación al canto.

Shame (2011) - Cinecrítica

2012-06-17T23:18:00.002+02:00

Valoración: 8,4 sobre 10.

He vuelto al mundo blog. Hola amigos blogueros y amantes de cine. Han sido más de dos meses de desintoxicación bloguera, pues como en todo en la vida uno pasa por crisis que hay que pasar y si se puede, superar. Lo cierto es que en estos últimos dos meses he estado realmente liado con mi nueva princesita, que me "ocupa" todo el escaso tiempo libre del que disponía, pero bendita ocupación. Ahora, y con las vacaciones a la vuelta de la esquina, y con mucho "mono" de cine vuelvo a escribir en MI blog, que no lo abandono por nada del mundo.

Quería volver a lo grande, cinecriticando la que para mi es una de las 3 mejores películas de 2011, junto a Drive y Take shelter -que cinecriticcaré en mi próxima entrada-. Os hablo del fantástico drama Shame (2011), la segunda maravilla cinematográfica de Steve McQueen, después de Hunger (2008), de la que ya hable aquí hace tiempo.

Shame nos sumerge en la vida de Brandon (Michael Fassbender), un treintañero neoyorquino -triunfador tanto en el plano profesional como con las mujeres- con serios problemas para controlar y disfrutar de su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y manteniendo contactos con solteras de Manhattan...

Steve McQueen confirma lo que algunos ya sabíamos: que es un talento natural para el cine. En Shame nos habla de Brandon, un adicto al sexo que vive la vida que le da la gana hasta que un factor externo -la aparición de su hermana, Sissy- hace que las cosas comiencen a cambiar. Si en su primera película, Hunger, el cuerpo del actor Michael Fassbender era protagonista porque intentaba conmover la conciencia del espectador, en Shame, vuelve a ser el cuerpo del mismo actor el que se adueña de la pantalla, de forma completamente distinta que en la anterior ocasión, pero con los mismos efectos desasosegantes.

Brandon, aparentemente es un triunfador absoluto. Treintañero, de físico imponente, un trabajo de éxito, un lujoso apartamento en Nueva York, y con una vida sexual incesante. Al principio el personaje deslumbra, uno envidia su vida, pero pronto vemos como detrás de esa fachada lo único que hay es un profundo vacío. El sexo para Brandon es una excusa para camuflar la imposibilidad de entablar una sola relación con un mínimo de profundidad. Todo cambia el día en que su hermana aparece en su vida de nuevo. Inestable, confundida y muy sola, la presencia de Sissy -una estupensa Carey Mulligan- perturba a su hermano hasta el punto de hacerle sentir "avergonzado=shame" de su vida. Cuando, en un momento de la historia, Brandon ve que es incapaz de dar el siguiente paso con una chica que le gusta pero que le éxige algo más, su caida en picado resultará ya inevitable.

La interpretación de Fassbender es impresionante -olvidado en los Óscars por la censura norteamericana-, pero no es el único: lo que hace Carey Mulligan es admirable. Hay un momento concreto en el que ella canta la canción "New York, New York", que la cámara se queda en un plano fijo durante casi toda la actuación y es imposible no embelesarte de ese rostro y esa voz, imperfecta pero hipnotizante.

Añadir, como dije al principio, la soberbia dirección de Steve McQueen. Emplea todo tipo de técnicas para transmitirnos lo que sienten sus personajes y abundan los planos secuencia, los juegos de montaje en paralelo, y una excelente elección de la música en ciertos momentos para complementar a la historia. Sus potentes y cuidadas imágenes atrapan al espectador de tal forma que resulta imposible escaparse de esta historia por más que nos gustaría hacerlo en más de una ocasión ante la crudeza de lo que se está viendo.

Un soberbio trabajo de fotografía completa el "pack" que se llama Shame y cuya única "vergüenza" sería que no fuese disfrutada completamente por tener algún momento subido de tono -ninguno gratuíto- que pueda impedir, a según quién, que detrás de cada imagen hay un mensaje y una idea.

Con una envoltura de sobresaliente, estamos ante una película que conmueve, que te hace pensar, donde lo que realmente importa es el fondo. De nuevo una propuesta arriesgada, rotunda y brillante que coloca a Steve McQueen como uno de los directores con más futuro del momento. Y a Shame como mi favorita del 2011. Ya la estoy haciendo hueco en mi dvdteca.

Tenemos que hablar de Kevin (2011) - Cinecrítica

2012-04-07T16:14:00.008+02:00

Valoración: 7,5 sobre 10.

Una de las grandes olvidadas en la última edición de los Óscars ha sido Tilda Swinton, una excepcional actriz con grandes títulos e interpretaciones a sus espaldas, entre los que destacaría Michael Clayton (2007), El curioso caso de Benjamin Button (2008) o Adaptation (2002). Lo digo por su último film -por el cual ha sido multipremiada el pasado año- y al cual hoy cinecritico: Tenemos que hablar de Kevin (2011), un durísimo drama psicológico de los que te dejan con la mente tocada incluso días después de haber visto la película.

Esta producción británica nos cuenta la historia de Eva (Tilda Swinton), una mujer satisfecha consigo misma, es autora y editora de guías de viaje. Casada desde hace años con Franklin (John C. Reilly), un fotógrafo que trabaja en publicidad, decide, con casi cuarenta años y tras muchas dudas, tener un hijo. Así nacerá Kevin (Ezra Miller). Pero, ya desde el principio, empiezan a surgir dificultades...

El primer calificativo que me viene a la mente al tratar de definir esta película sería el que es una película que te atrapa, porque por lo perturbadora, inquietente y casi políticamente incorrecta que es, te lleva a la reflexión quieras o no. Su directora, Lynne Ramsay, se descubre como una excelente directora, con gran personalidad narrativa, que sabe llevar al espectador donde ella quiere, todo ello gracias a una dirección compleja en estructura, algo cargante en estilo, pero a la que auguro un prometedor futuro.

Otro de los elementos interesantes de la película es su atmósfera oscura, truculenta, donde se consigue retratar una normalidad anormal. Ramsay experimenta con la narración fragmentada, y no le interesa tanto la encrucijada moral de la historia como su puesta en escena. Tampoco importan las razones que motivan el odio y las extravagancias del jovencito Kevin. De lo que se trata no es de entenderla -porque no se puede- sino de dejarse llevar por la constante sensación de malestar y peligro.

Es cierto que Tenemos que hablar de Kevin puede echar atrás a muchos espectadores en los primeros minutos de su metraje, pero a otros, como a mi, os enganchará desde el principio. Su primera parte es bastante caótica, difícil de hilvanar, sobre todo si no tienes ni idea de que va la película. Pero es un caos necesario, reflejado en una madre que debe organizar en su mente los recuerdos más traumáticos de su vida. Es a partir de la primera media hora cuando los hechos se empiezan a ordenar de forma cronológica, y la historia arranca con más fuerza.

Tilda Swinton está mejor que nunca. El resto de las interpretaciones son brillantes, y Ezra Miller aporta el carisma necesario a un personaje tan, tan difícil. El evitar caer en los elementos más truculentos, en imágenes con cierto morbo, y suplir esto con imágenes sugerentes y un impactante sonido, hace que la película se salga del tópico y funcione.

La fotografía es impresionista. El color rojo se utiliza de forma abundante, desde el comienzo con esas fiestas de La Tomatina de Buñol -toda una premonición-. Ese rojo que representa la sangre, la angustia, la locura de él y el miedo de ella. Es una conclusión fácil de sacar, dada la precisión de las imágenes. Por su parte, la estimulante y a veces acaparadora banda sonora recoge míticas canciones que ejercen un potente e interesante contraste con el hilo argumental.

En definitiva, Tenemos que hablar de Kevin es un notable film, muy bien dirigido, una historia interesante y dura, y una gran actuación de Tilda Swinton. Una película con una fuerza visual y psicológica suficiente como para recomendarla, aunque no para todos los públicos. Sensibles abstenerse.

Clichés cinematográficos: "Too old for this shit"

2012-03-18T22:41:00.006+01:00

Para muchos teóricos cinéfilos el diálogo es la última gran pieza de la maquinaria del guión. Quizás sea la menos importante, pero al mismo tiempo el diálogo tiene la poderosa capacidad de arruinar todo el trabajo anterior.

Por otro lado, seguro que todos vosotros sabéis lo que es un cliché: un lugar común, idea o expresión demasiado repetida. Y en realidad se trata de una herramienta valiosa para el guionista, puesto que el público suele ser más receptivo a los tópicos y arquetipos. Claro que la magia -la marca del buen guionista- está en saber dar una vuelta de tuerca a ese lugar común para hacerlo novedoso, original y sorprendente.

Hoy os quería deleitar con un magnífico recopilatorio de las peores muestras del diálogo tópico -y típico-. Aquí va una selección de las que pueden resultar más familiares, y que seguro que podréis ampliar en casa pensando un poco.

–Let’s get out of here! ¡Salgamos de aquí!
–Are you thinking what I’m thinking? ¿Estás pensando lo que estoy pensando?
–Tell my wife and kids I love them. Dile a mi mujer y mis hijos que les quiero.
–Breathe, dammit! ¡Respira, maldita sea!
–Cover me. I’m going in. Cúbreme. Voy a entrar.
–Follow that car! ¡Sigue a ese coche!
–If I’m not back in 5 minutes, call the cops. Si no vuelvo en 5 minutos, llama a la policia.
–How is he? –He’ll live. ¿Cómo está? - Vivirá.
–Honey, is that you? Cariño, ¿eres tú?
–What seems to be the problem, Officer? ¿Cuál es el problema, Oficial?
–We’ve got company. Tenemos compañía.
–I’m getting too old for this shit. Soy demasiado viejo para esta mierda.
–Try to get some sleep. Trata de dormir algo.
–No. That’s what they want us to think. No. Eso es lo que quieren que pensemos.
–Leave it. He’s not worth it. Dejalo. No vale la pena.
–So, we meet again. Así que, nos volvemos a encontrar.
–We’ve got to stop meeting like this. Tenemos que dejar de vernos así.
–Now… where were we? Ahora... ¿Por dónde íbamos?
–Stay here. –No way, I’m coming with you. Quédate aquí. -De ninguna manera, voy contigo.
–Are you ready? -I was born ready ¿Estás preparado? -Nací preparado.
–What part of [something] don’t you understand? ¿Qué parte de _______ no entiendes?
–I have a bad feeling about this. Tengo un mal presentimiento.
–Okay, here’s what we do . . . [and cut to a different scene] De acuerdo, esto es lo que haremos... [Y corta a otra escena]
–Wait! I can explain! This isn’t what it looks like. ¡Espera, puedo explicártelo! Esto no es lo que parece.
–It’s not you, it’s me. No eres tú. Soy yo.
–This is not happening. Esto no puede estar pasando.

Pero de entre toda esta selección me quedo con la frase que popularizó e hizo suya Danny Glover en Arma letal y que después ha sido repetida hasta la saciedad en decenas de películas. Es el famoso: "Ya soy demasiado viejo para esta mierda" "I’m getting too old for this shit". Os dejo con el video que lo demuestra. Es para no perdérselo, de verdad vale la pena.

La madre Dolores Hart: de Hollywood a la Abadía

2012-02-29T15:22:00.005+01:00

Del convento de clausura a la alfombra roja del Teatro Kodak en Los Ángeles para la gala de los Oscar. La Madre Dolores, priora de la abadía Regina Laudis de Connecticut, es la única monja miembro de la Academia de Hollywood y fue la primera mujer que besó a Elvis Presley en la gran pantalla. Fue en 1957 en la película que protagonizaron juntos, Loving You y se llama Dolores Hart.

A partir de este momento, la carrera de la actriz Dolores Hart subió como la espuma y era considerada como “la nueva Grace Kelly”. Le llovían las ofertas y los rumores sobre una relación sentimental con Elvis Presley eran habituales a finales de los cincuenta, algo que ella siempre negó. Lo cierto es que rodaron una nueva película juntos en 1959 y la amistad entre los dos se afianzó. Coincidieron en fiestas e incluso tocaban el clarinete y el piano a dúo. La fama de Elvis era tal, que entre escena y escena, el equipo permanecía en el hotel para evitar el acoso de los fans y en esos ratos de ocio, Elvis y Dolores Hart leían juntos la Biblia y analizaban los distintos pasajes.

En su época de Hollywood, la ahora Madre Teresa estuvo comprometida y a punto de casarse con el promotor inmobiliario Don Robinson y tuvo en su mano firmar un contrato de un millón de dólares de los de entonces con el productor de Casablanca, Harold B. Wallis. Rodó varias películas con actores de la talla de Montgomery Clift o Robert Wagner y trabajó en el teatro. Pero Dolores Hart lo dejó todo, un contrato millonario, una boda inminente y una prometedora carrera, para convertirse en monja. Fue en 1963 cuando sintió su vocación religiosa y decidió ingresar en la abadía benedictina Regina Lauris.

Como dato, decir que la abadía Regina Laudis la integran 40 religiosas de la orden benedictina que viven en comunidad dentro de los muros del monasterio para llevar a cabo su misión, que no es otra que la oración y el trabajo. Cuando suena la llamada a la oración, las religiosas dejan sus ocupaciones para escuchar a Dios. Desde las seis de la mañana y hasta que cae la noche, las religiosas de esta comunidad se reunen en oración cinco veces al día.

Como ella misma explicó, mientras actuaba en la obra de teatro The pleasure of his company una amiga le instó a encontrarse con un grupo de religiosas en la abadía, al principio se negó, pero finalmente accedió. “Cuando llegué por primera vez a la abadía y después de unas pocas horas allí sentí definitivamente la llamada, sientes que estás en un lugar especial”. Después de esa primera visita, Dolores Hart volvió en varias ocasiones a la abadía, cuando su trabajo como actriz se lo permitía. Incluso preguntó a la Reverenda Madre si pensaba que ella podría tener la vocación de religiosa. “Me dijo que no, que era demasiado joven”.

Como ella misma cuenta, el Papa Juan XXIII fue definitivo en su conversión. Dolores Hart acudió a Roma durante el rodaje de una película sobre San Francisco de Asís y se presentó como la actriz que interpretaba a Clara. La conversación y el magnetismo del pontífice marcaron definitivamente su camino.

Dolores Hart rompería su compromiso matrimonial con Don Robinson, con el que mantuvo una amistad de por vida, para ingresar en la abadía para ser la Madre Dolores. Quiso renunciar a Hollywood, pero decidió aprovechar su pasado para ayudar en la expansión y desarrollo de la abadía y para eso contó con la ayuda de grandes amigos como Paul Newman o su ex prometido.

La Madre Dolores ha continuado vinculada al mundo del espectáculo. Desde su llegada, la abadía ha celebrado musicales, ha grabado cds y el cortometraje sobre su vida Dios es el Elvis más grande ha sido nominado este año -aunque no ha ganado- en la categoría de cortometrajes de no ficción. Además, la abadesa de Regina Laurdis vota en esta edición de los Óscar y es la única monja miembro de la Academia de las Artes de Hollywood.

Aunque para votar tenga que hacerlo viendo las películas en el sótano, único lugar donde se le permite.

Desenfocado (2002) - Cinecrítica

2012-02-28T15:57:00.009+01:00

Valoración: 6,8 sobre 10.

De nuevo por aquí. Como alguno de vosotros ya sabréis en los últimos días mi familia se ha visto incrementada con la llegada de una princesita que nos ha colmado de felicidad. Y con tanta felicidad no he tenido tiempo suficiente para ocuparme de mi querido blog. Lo siento de veras. Pero, una vez repuesto de tanta novedad y cargado de energía, vuelvo con ganas de seguir ofreciéndoos mi particular visión del cine y lo que le rodea.

En primer lugar, y con respecto a los Óscars, preferiría abstenerme en comentar los resultados, porque no aportaría nada nuevo, pero me gustaría reivindicar a varias películas que no estuvieron entre las favoritas, entre ellas Drive y Shame. El nivel, en general, por debajo de otros ediciones, pero es lo que tiene nominar a tantas películas...

Pero, vamos al grano.

Hoy os quería cinecriticar una película que llevaba muchísimo tiempo queriendo ver, casi 10 años, y que por una u otra razón no conseguía. Os hablo de Desenfocado (2002) de Paul Schrader, director y, sobre todo, guionista de películas como Taxi Driver (1976) o Toro salvaje (1980). Ahí es nada. Desafortunadamente la espera no valió la pena.

Ambientada en los años sesenta y basada en hechos reales, Desenfocado narra el éxito y el fracaso del controvertido actor y locutor de radio Bob Crane: por un lado, Bob era para el público el prototipo del padre norteamericano; pero, por otro, era un aficionado a la pornografía y un incansable mujeriego que fue siempre infiel a sus dos esposas.

Esta claro que, una vez vista, Desenfocado no está entre mis mejores películas de Paul Schrader -American gigolo, Aflicción...- y esta triste, desolada y amarga visión del mundo del espectaculo, de la hipócrita sociedad americana, la adicción al sexo y el proceso de autodestrucción de un hombre no pasará a la historia del cine, aunque algunos, entre los que me encuentro, la tuviésemos en el punto de mira.

Schrader, como en algunas de las películas de su filmografía vuelve a convertirse en juez moral de este particular descenso a los infiernos, y detrás de sus imágenes la película esconde un interesante discurso sobre la condición humana, la soledad, la frustración y la imposibilidad de luchar contra el destino.

No me convence el papel de Greg Kinnear como Bob Crane, quizás demasiado repetitivo -aunque probablemente sea uno de los mejores de su carrera-. Su interpretación de un personaje que en la vida real consideraba sus devaneos sexuales como algo normal, no queda del todo bien plasmada, y resulta casi un lastre en la historia. Sin embargo Willien Dafoe está estupendo como el siniestro Carpenter, un personaje oscuro y vicioso que alentaba todas las fantasías de Crane, quien gracias a su fama podía acceder a muchas mujeres, y sobre el que no contaré nada más, para no estropearos el final de la película.

En cuanto a la historia que se cuenta, a la mitad de la película se vuelve monótona y reiterativa, tanto que en algunas escenas parecen repeticiones de otras anteriores. A nivel técnico, destacar la puesta en escena, muy cuidada y reflejando bien la época, y la fotografía, también con los matices y tonos de la televisión de los sesenta, en un color apagado, como la vida del protagonista.

En fin, Desenfocado pasa por ser un film duro y por momentos sórdido que retrata, sin trasmitir ni convencer, la soledad y frustración de una estrella de televisión en medio del falso puritanismo del Hollywood de los sesenta. Una película, que como casi todas las de Schrader, es, al menos, arriesgada.

The Artist (2011) - Cinecrítica

2012-01-31T22:37:00.007+01:00

Valoración: 8,4 sobre 10.

En respuesta a la petición de Madquark, uno de los seguidores más fieles de Guion Original -no os debéis perder su personalísimo blog Principio de incertidumbre-, hoy os cinecritico la producción francesa The Artist (2011), que sin temor a equivocarme creo que es la película más premiada del año y sin duda una de las favoritas a los próximos Óscars, además de todo un homenaje al cine mudo y a la época dorada de Hollywood. Qué contentos estarán los miembros de la Academia este año -no lo pueden tener más fácil...-.

Nominada a 10 Óscars, incluyendo entre otros película, director y guion original, The Artist nos sitúa en el Hollywoodland de 1927. Allí triunfa George Valentin (Jean Dujardin), una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller (Bérénice Bejo), que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte poco a poco en una emergente estrella del cine sonoro...

Una de las primeras cosas que quedan claras después de disfrutar de esta joya cinematográfica es que su director, Michel Hazanavicius, tiene una enorme pasión y amor por el cine, lo que queda plasmado en un film donde todo fluye con inteligencia, gracia y sentimiento. No reduciría sólo a The Artist como un simple homenaje al cine mudo, sino que creo que es un homenaje al cine grande del pasado y, muy especialmente, al gran cine de Hollywood.

La segunda cosa que me queda clara es que la película estoy seguro que funciona tanto para los amantes del cine mudo, entre los que me encuentro -a pesar de no ser un erudito en el tema-, que entendemos esos guiños y perdonamos las licencias del autor en ciertos momentos, como para aquellos que nunca se han acercado a este tipo de producciones.

The Artist tiene un ritmo espectacular. Tras su enérgico comienzo, la película siempre mantiene un ritmo ágil gracias a sus continuas referencias cinéfilas de la época dorada de Hollywood, manteniendo así al espectador pegado a la butaca, escudriñando, analizando y disfrutando con cada escena, donde el cine inunda cada fotograma.

Sería injusto recordar a The Artist sólo por su acercamiento formal al cine mudo desde un punto de vista estrictamente técnico. La historia, que se desarrolla durante el ocaso del cine mudo y el nacimiento del sonoro, es excelente, y mezcla a la perfección la comedia típica de las películas de esa época, con el drama de fondo que supuso el paso al sonoro para muchos actores y actrices que no quisieron o no pudieron adaptarse a esta nueva forma de ver y "oir" el cine.

Pero ya puestos a hablar de los aspectos técnicos, decir que la película merece en este apartado un sobresaliente. En primer lugar la banda sonora, relevante, incluso en la elección de los silencios. Después la dirección: fundidos, transiciones, una forma de rodar que remite a las producciones de la época. También , claro, los trabajos de vestuario y la puesta en escena, los efectos sonoros... su fotografía en blanco y negro que prescinde del diálogo sin que se note que está ausente. Todo perfecto.

Y los protagonistas, sencillamente impecables. Dujardin nació para interpretar a Valentin. Su lenguaje corporal, su sonrisa, su mirada, todo en este actor francés emana más que talento, y dando la réplica Bérénice Bejo en un papel impagable, lleno de dulzura, alegría y pasión. Dos actores en estado de gracia.

Dado que funciona a todos los niveles no queda otra que calificar a The Artist como una de las mejores películas de este año y una de esas pequeñas joyas que el tiempo pondrá en su lugar. No se puede evitar: la magia del cine se contagia. No la dejéis escapar. Esto es cine puro, sencillo, un cine que nunca pierde la sonrisa. Como la de George Valentin.

War Horse (Caballo de batalla) (2012) - Cinecrítica

2012-01-23T23:14:00.012+01:00

Valoración: 7,7 sobre 10

Para muchas de las personas de mi generación, los que nacimos en los años 70, Steven Spielberg fue la llave que nos abrió la puerta a esa pasión que el cine despierta en nosotros. Ir a ver una película de Spielberg al cine -ya fuese dirigida o producida- era todo un acontecimiento, era un día de emoción, y él supo como nadie contagiarnos a muchos de nosotros su amor por el 7º arte, porque sabía conectar como nadie con todo tipo de espectador.

Lógicamente su cine fue madurando a lo largo del tiempo, pero no ha olvidado que es uno de los mejores contadores de historias juveniles que ha dado la cinematografía mundial, y lo vuelve a demostrar en su última película hasta la fecha, que en breve se estrenará en España, y que seguramente tendrá alguna nominación -merecidísima- a los Óscars de este año, que por cierto se anuncian mañana. Hoy os hablo de War Horse (Caballo de batalla) (2012).

Adaptación de una novela infantil, War Horse nos cuenta la historia de un joven llamado Albert Narracott (Jeremy Irvine), que vive en la localidad de Devon, y que posee una intensa amistad y cariño por su caballo, apodado Joey. Tras el estallido de la 1ª Guerra Mundial, los caminos de Albert y Joey se separarán a su pesar, pero ninguno de los dos se olvidará del otro...

Esto de ser uno de los grandes y encima haber hecho taquillazos de calidad suele despertar bastantes envidias -sobre todos entre los pseudo-gafapastas-. Estos podrán acusar de todo a Spielberg; de sensiblero a manipulador, pero de lo que seguro no le pueden juzgar es de su increíble forma de narrar historias.

War Horse (Caballo de batalla) es una historia llena de valores positivos: lealtad, valentía, coraje y honor, narrada con mucho nervio y una calidad visual difícil de igualar. Spielberg sabe mezclar con inteligencia y acierto dos géneros como son el drama familiar y el bélico, eso sin dejar a un lado el cine comercial, en una historia apta para todos los públicos con escenas estupendas, llenas de emoción contenida.

Probablemente la historia parta de un guion muy sencillo -casi ridículo y bastante reiterativo en ocasiones- pero esta es la forma que utiliza Spielberg para llegar a todo el público. Una historia centrada en un caballo, con pocos diálogos en general, pero con mucho sentimiento implícito. Incluso a pesar de la existencia de alguna escena violenta, Spielberg hace una mezcla acertada de dos géneros que maneja estupendamente, el de la exploración del universo de los niños y adolescentes, y el género bélico.

En términos técnicos el film es asombroso. La magistral dirección de Spielberg en las escenas bélicas siempre aporta ese grado de espectacularidad que nos mantiene fascinados. Y para rematar, la historia está bellamente ambientada -una puesta en escena milimetrada- y fotografiada por Janusz Kaminski y maravillosamente musicalizada gracias al maestro John Williams, con sutiles acordes que recuerdan a bandas sonoras anteriores.

En definitiva, incluso no siendo lo mejor de Spielberg, War Horse atrapa al público con una historia conmovedora, llena de ritmo y sentimiento. Sus primeros veinte minutos rinden una homenaje al cine familiar clásico de Capra. Luego viene el drama... y al final, en sus tres últimos minutos, Spielberg dedica su film a John Ford, y donde sólo queda una posibilidad: aplaudir hasta quedarse sin manos.

War Horse tiene probablemente el final más emocionante y embriagador a nivel visual de todo lo que dio de si el cine de 2011. Tres minutos para soñar de nuevo con el gran Spielberg.

Cliffhanger y el Efecto Zeigarnik

2012-01-16T22:41:00.010+01:00

Vamos a seguir aprendiendo un poquito de cine, que de vez en cuando no nos viene nada mal.

No sé cuántos de vosotros conoceréis ese concepto cinematográfico conocido como Cliffhanger. Me imagino que es probable que aquellos que sóis fanáticos de las series de televisión estéis más familiarizados con él, aunque también lo podemos aplicar al cine, como es el caso. Os lo explicaré.

El cliffhanger lo podríamos definir como un una especie de shock para el espectador. No es más que aquella última escena, imagen o frase de una película -o serie de televisión, etc- que genera la incertidubre y el suspense necesario para despertar nuestra intriga en descubrir qué ocurrirá después. Series de televisión como Perdidos son auténticas expertas en hacer este tipo de finales en cada episodio, lo que termina generando una especie de adicción en el individuo, motivándolo a ver su continuación .

El cliffhanger está relacionado con el llamado Efecto Zeigarnik, un término psicológico que viene a decir que aquello que todavía está pendiente por terminarse es más fácil de recordar en nuestra memoria que aquello que consideramos como terminado. De hecho se demostró este fenómeno al observar cómo un camarero era capaz de recordar fácilmente una larga lista de pedidos pendientes, y sin embargo difícilmente recordaba los platos que acaba de servir.

Esto vendría a decir, en idioma cinematográfico, que la gente recuerda mejor las historias que no son cerradas en su totalidad. Con lo que podemos concluir que el cliffhanger es todo un arte. Antes que un "FIN" nos estimula más un "CONTINUARÁ".

Dos de los cliffhangers en cine más famosos -en televisión son incontables: Urgencias, Dexter, Perdidos...- en mi opinión serían:

1º: El final de la magistral Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca (1980) Una vez destruida la Estrella de la muerte original, Vader prosigue con la persecución de los rebeldes. Ante esto, Luke decide encontrar a Yoda, para pedirle que lo entrene como un Jedi, sin embargo antes de culminar su entrenamiento es engañado por Vader, quien finalmente captura a Han -que acaba congelado en carbonita- y a los demás. En el proceso, le revela a Luke que él es su padre, intentando fallidamente convertirlo al lado oscuro...

2º: El final de la estupenda Regreso al futuro II (1989). En el, con el futuro arreglado, Marty y Doc se disponen a volver a 1985 -su presente-. Parece que ahí acabaría la historia, pero un rayo impacta en el De Lorean mientras vuela, y desaparece. Marty se queda atrapado en 1955, pero al momento llega un cartero con una carta de mas de 70 años de Doc diciéndole que está en 1885. Marty sólo tiene una salida: encontrar al Doc de 1955 en 1885 para regresar a 1985.

¿Alguien da más?

Sed de mal (1958) - Escenas para el recuerdo

2012-01-03T15:46:00.007+01:00

Feliz 2012 a todos los lectores de Guion Original, y gracias por seguirme un año más. Mucha salud para todos.

Comenzamos este curso cinematográfico 2012 con la revisión de uno de los planos secuencia más prodigiosos, desde un punto de vista técnico y de puesta en escena, de la historia del cine: el inicio de Sed de mal (1958), de Orson Welles, paradigma de los planos secuencia y uno de los comienzos más famosos y mejor narrados de la cinematografía mundial.

Para los que no hayáis tenido la suerte de haber visto este clásico, os cuento brevemente que se trata de una thriller de cine negro que nos sitúa en un pueblo fronterizo entre EE.UU y México, donde se enfrentan Quinlan (Orson Welles), amargado y fascista, y su oponente, Vargas (Charlton Heston), inquebrantable en su honradez y limpio en sus métodos.

Su primera secuencia, de la que os hablo, ha pasado con justicia a la historia del cine. Se trata de un plano secuencia de alrededor de tres minutos que comenzando por un plano detalle de una bomba de relojería recorre todo el lenguaje cinematográfico: presentación, nudo y desenlace -primer plano de la bomba, grúa y beso, hasta terminar en la explosión que iniciará todo la trama así como la llegada del fascinante Hank Quinlan-.

La secuencia se realiza a través de un espectacular y arriesgado travelling de grúa fija donde se pone al espectador en antecedentes de esta oscura trama. Todo aderezado con una magistral fotografía en blanco y negro y con la inestimable colaboración de Henry Mancini fusionando ritmos latinos, jazzísticos y rockanroleros.

Basta simplemente este plano secuencia inicial para ver esta tremenda historia de cine negro. ¿A qué este año promete? Pues a disfrutar blogueros.

ESTRENOS 2012 VISTOS POR GUIÓN ORIGINAL

2012-01-01T23:29:00.005+01:00

Me encantaría que si alguno de vosotros que leeis este blog hubiera visto o va a ir a ver alguna de las películas estrenadas en las salas de cine y quisiera que le hiciera una crítica sobre la misma, me escribiera al blog y yo la haría encantado. Eso si, sólo de aquellas películas que yo mismo he visto, si no, no tiene sentido.

Aquí os dejo la lista de las pelis estrenadas en 2012 que ya he visto y de las cuales me podéis pedir que os haga una cinecrítica. De alguna ya la he hecho.

PELÍCULAS VISTAS ESTRENADAS EN EL 2012:

MONEYBALL (ya he hecho la cinecrítica)
LOS IDUS DE MARZO (ya he hecho la cinecrítica)
WAR HORSE (CABALLO DE BATALLA) (ya he hecho la cinecrítica)
THE ARTIST (ya he hecho la cinecrítica)
CRIADAS Y SEÑORAS
LA INVENCIÓN DE HUGO
TAN FUERTE, TAN CERCA
MILLENNIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES
LOS DESCENDIENTES
NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS
NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN
ACERO PURO
LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO
CHRONICLE
CRAZY STUPID LOVE
EL TOPO
ALBERT NOBBS
LA VOZ DORMIDA
EVA
J. EDGAR
TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN (ya he hecho la cinecrítica)
INTOCABLE
LA HORA MÁS OSCURA
SHAME (ya he hecho la cinecrítica)
TAKE SHELTER (ya he hecho la cinecrítica)
SHERLOCK HOLMES 2: JUEGO DE SOMBRAS
IRA DE TITANES
AMANECER
AL BORDE DEL ABISMO
V.H.S.
LA DAMA DE HIERRO
JOHN CARTER
LOS VENGADORES
EL INVITADO
REC 3 (GÉNESIS)
PROMETHEUS
ARGO
BATTLESHIP
ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS
BLANCANIEVES
BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR
MÁTALOS SUAVEMENTE
COSMÓPOLIS
EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO
EN LA CASA
GRUPO 7
HEADHUNTERS
HOLY MOTORS
LO IMPOSIBLE
LOOPER
LOS MISERABLES
MAGIC MIKE
HOMBRES DE NEGRO 3
MOONRISE KINGDOM
DE ÓXIDO Y HUESO
SIN FRENOS
LUCES ROJAS
SINISTER
SKYFALL
THE AMAZING SPIDER MAN
TED
THE POSSESION: EL ORIGEN DEL MAL

Seguiré añadiendo los estrenos que siga viendo a lo largo del año. Así que cuando queráis una cinecrítica de alguna de estas pelis, pues me escribes aquí un comentario al respecto y hecho.

Moneyball: Rompiendo las reglas (2012) - Cinecrítica

2011-12-27T22:12:00.007+01:00

Valoración: 7,9 sobre 10.

Ni me gusta el beisbol ni me interesa, pero si este es el tema central de una película protagonizada por Brad Pitt -que está encadenando excelentes interpretaciones-, y con guion de Aaron Sorkin -La red social (2011)-, la cosa cambia.

Hoy os voy a hacer la que probablemente sea mi última cinecrítica de este año y, siguiendo la estela de Los idus de marzo (2011), repito con una película que he visto 2 meses antes de su estreno en España, en v.o -imprescindible, como siempre digo-. Su título: Moneyball: Rompiendo las reglas (2011), un drama con el beisbol como tema central basado en un hecho real que ya está cosechando nominaciones y premios allá donde se exhibe, y entiendo porqué.

Argumento: Año 2001: Billy Beane (Brad Pitt), director general del equipo de béisbol de los modestos Athletics Oackland, decide, tras perder un partido contra los Yankees, contratar a un geek, un genio de las estadísticas y las matemáticas que le ayudará con las estrategias y las tácticas del equipo. Y aún contando con unos de los presupuestos más bajos de las grandes ligas, conseguirá mantenerse en los primeros puestos de su categoría e incluso llegar a la final durante varios años consecutivos...

Bennett Miller, que debutó con su ópera prima Truman Capote -un notable comienzo- nos ofrece una estupenda propuesta tanto en fondo como en forma centrada en el béisbol, evitando entrar, salvo en momentos obligados, en tediosas escenas de los partidos. Moneyball nos habla de los sacrificios, los ideales, las ambiciones y los fracasos de un equipo que cuando se cae, se levanta; y de los sueños de un hombre que se deja llevar por su pasión y no por la codicia.

Es cierto que películas sobre deportes hay a docenas. Normalmente sabemos cómo acabarán, con esos finales épicos llenos de sentimentalismo, pero Moneyball no juega en esa "liga", no le interesa. Esta película se dedica a construir a sus personajes usando el deporte sólo como excusa y no como fin, de forma que la historia podría extrapolarse a cualquier otra actividad sin perder ni su identidad ni su mensaje.

Para poner esta película en el candelero cinematográfico con garantías de éxito de público y crítica, el director ha contado con dos reputados guionistas, como lo son Aaron Sorkin y Steven Zailliano, aunque sin duda uno de los grandes aciertos de este drama deportivo son la pareja formada por Brad Pitt y Jonah Hill, que sintonizan tan bien como el equipo de beisbol que dirigen.

Brad Pitt es perfecto para el papel que interpreta -aun no pareciéndose en nada al personaje real- y vuelve a dar muestras de su calidad como actor y de su buen criterio eligiendo buenos papeles. Aquí asume su personaje con fuerza, controlando cada escena con gran naturalidad, siendo creíble. Otro que también da rienda suelta a su versatilidad es Jonah Hill, excelente. El resto del reparto es sólido, haciendo especial mención a secundarios de lujo como Phillip Seymour Hoffman y Robin Wright Penn. Probable y merecidísima sería la nominación al Óscar para Pitt.

Destacar en los apartados técnicos el atractivo y moderno montaje, muy al estilo de La red social, que inserta con precisión imágenes reales documentales, algunas verdaderamente emocionantes, sobre ficticias. La dirección artística es sobria, realista, y la notable fría y iscura fotografía intenta pasar desapercibida, para que sobre todo deslumbre la historia. En cuanto a la banda sonora apenas existe en gran parte de la película, aunque reaparece con fuerza en el tramo final, de la mano de Mychael Danna.

En fin, Moneyball me ha dejado muy buen sabor de boca, de lo mejor del año. Me quedo con la sensación de haber visto una buena historia, dirigida valientemente por Bennett Miller, y con unas estupendas interpretaciones. En fin, una película fresca, natural, con mensaje y apetecible. Aunque no te guste el béisbol, te aseguro que la disfrutarás.

Los idus de marzo (2011) - Cinecrítica

2011-12-17T23:44:00.010+01:00

Valoración: 7,6 sobre 10.

¡Señoras y señores!...¡La carrera a los Óscars comienza un año más!... ¡Y como no podían faltar!... ¡Los Globos de Oro dan la salida!... Pues sí amigos lectores de Guion original, de nuevo vuelven Los globos de Oro, antesala de los Óscars, que algunos dicen que es el mejor termómetro para medir quienes serán los triunfadores en la próxima gala de la Academia de Hollywood. Y viene con buenas y variadas propuestas, aunque muchas de ellas todavía no se han estrenado en nuestros cines. Por eso hoy me anticipo a su próximo estreno, cinecriticándoos la última película dirigida por George Clooney, nominada a 4 Globos de Oro, y protagonizada por uno de los actorazos del momento, Ryan Gosling, al que Guion Original promete un gran futuro. Hoy hablamos de Los idus de marzo (2011).

Este elegante y solemne drama político cuenta la historia de Steve (Gosling) un joven idealista que trabaja para el triunfo de las primarias de Mike Morris (Clooney), codo a codo con el mánager de la campaña demócrata (Seymour Hoffman). Para él, sus principios están claros: ama la política y siente que en Morris se cumple un proyecto que puede cambiar el horizonte político estadounidense. El punto de giro de la campaña se decide en el estado de Ohio. En este momento crucial, su relación con Molly, una joven interna, y su inesperado contacto con el mánager de la campaña rival (Giamatti), dan un vuelco a su situación. Las traiciones de unos de otros se sucede, hasta que Steve decide dar un golpe de timón...

Lo primero que llama la atención de esta película es qué demonios significa el título y su relación con el argumento del film. Por lo visto, y gracias a Wikipedia he podido saber que fue en los idus de marzo cuando Julio César fue traicionado y asesinado. Apoyado en esta cita histórica, Clooney nos ofrece un drama político más que interesante, poniendo a un joven idealista en la piel de Julio César, sin llegar, claro está, a esos extremos.

George Clooney nos vuelve a sorprender, como ya lo hizo con la estupenda Buenas noches y buenas suerte, como un director con clase y lleno de clasicismo en su cine, en busca de su madurez definitiva detrás de cámara, y logrando otro producto de calidad. Los idus de marzo nos muestran los entresijos del mundo de la política, un mundo en el que para poder seguir adelante uno ha de olvidar sus principios y luchar, no por lo que cree, sino por alcanzar el poder, aunque para ello haya que ir contra los propios principios.

La película de Clooney se apoya en tres elementos principalmente: una notable dirección y un sólido guion sin fisuras, aunque con alguna subtrama que se podría haber ahorrado, y sobre todo en un reparto excelente, al cual el director ha sabido sacar el máximo partido.

Philip Seymour Hoffman y Paúl Giamatti representarían los pilares que soportan el film, aportando calidad con su presencia. Clooney cumple y muy bien, haciendo de un papel secundario casi uno protagonista. Y qué decir de Ryan Gosling... Día a día, film tras film, sigue demostrando su raza de gran actor, y un servidor le buscaría butaca en las primeras filas como casi seguro candidato a los próximos premios Óscar, y eso sin olvidar su antológico trabajo en Drive -de la que ya hablamos aquí-. Evan Rachel Wood, que me encanta, y Marisa Tomei, cumplen.

Como ya he comentado antes, sólo pondría un pero a esta película, y estaría en esa subtrama de la historia de amor entre Gosling y Evan Rachel Wood, que desvía la atención de la verdadera historia que se quiere contar, y distrae en cierta medida al espectador del mensaje moral que plantea la película. Un poco fuera de tono. A pesar incluso de esto, Los idus de marzo te mantienen pegado a la butaca, y cada palabra, cada gesto, cada detalle refuerzan la calidad de la historia.

En definitiva, un notable drama político, con una intriga tensa y precisa, y que apoyado en un gran elenco de actores, representa a ese cine clásico que sabe contar historias. Recomendable.

Fat City, ciudad dorada (1972) - Cinecrítica

2011-12-09T23:35:00.006+01:00

Valoración: 7,6 sobre 10.

Ya que en los últimos años parece que vuelve a resurgir con fuerza el género pugilístico, quería revisar con vosotros el drama Fat City, ciudad dorada (1972), una de las películas quizás menos conocidas del maestro John Huston, pero que no deja de ser una joya más de su filmografía.

Nominada el Óscar a la mejor actriz de reparto (Susan Tyrrell), Fat City, ciudad dorada nos sitúa en Stockton, ciudad de California, donde un veterano púgil en decadencia, Billy Tully (Stacy Keach), que sobrevive trabajando como jornalero agrícola, conoce a un joven que quiere ser boxeador (Jeff Bridges) y se lo recomienda a su antiguo mánager, otro perdedor...

Ver esta película es ver la amargura de la vida. Fat City es una de las películas más triste que he visto nunca, y la agonía y el fracaso se huele a cada minuto. Su protagonista Billy Tully -genial Stacey Keach- refleja la viva imagen del desencanto, del desaliento, en definitiva del más absoluto fracaso. Con ello Huston rinde un curioso homenaje a la América profunda, y a todos sus fracasados, que no perdedores.

Fat City es una película sin historia, sin argumento, sin guión... sólo el retrato de un día a día sin ambición, sin sorpresas, y sin futuro. Un ex-aclamado boxeador que se arrastra por bares de dudosa reputación, por cutres gimnasios, por hoteles de mala muerte, siempre sudoroso, resacoso, apestando a alcohol, pero siempre con una actitud optimista ante la vida y con un código moral que está por encima de todo y de todos, sabiendo siempre encajar los golpes que le ha dado la vida, para sobreponerse a ellos con la máxima entereza.

Aunque la excusa sea el boxeo -más bien sería una metáfora de la propia vida del protagonista-, Fat City es una película sobre la soledad, el dolor y el sufrimiento. En cuanto al propio género pugilístico, Huston rueda de forma magistral el que quizás sea el combate de boxeo más deprimente de la historia del cine: dos perdedores convirtiendo la poca dignidad que les queda en un triste y olvidable espectáculo de masas.

Huston es un auténtico especialista en describir personajes al máximo con el mínimo esfuerzo. El caso más claro está en el personaje del púgil -Lucero- interpretado por Sixto Rodriguez: en apenas diez minutos no dice ni una sóla palabra, pero ya sabemos todo de él. La escalofriante descripción que Huston hace de él es un ejemplo paradigmático de poesía crepuscular, que hiere como una puñalada. El final de la película, tristísmo, nos transmite la idea de la derrota, la desesperanza, y la inherente necesidad de afecto.

Sin ser un clásico, hay que poner pocos peros a la película de Huston. Excelente fotografía y banda sonora, magnífico guión, y un reparto estupendo, desde un joven Jeff Bridges hasta las que son las auténticas figuras del film, Stacey Keach, que firma la mejor interpretación de su carrera, y Susan Tyrrell, también en estado de gracia, que firma un papel secundario con la fuerza de uno protagonista.

En fin, Fat City quedará para siempre en mi retina como uno de los más duros y exactos retratos del alma humana jamás rodados, donde no señor, no se habla del fracaso, sino de la dignidad del ser humano por encima de todo. Excelente y altamente recomendable. Cuando pueda me la compro.

Hunger (2008) - Cinecrítica

2011-11-26T23:19:00.006+01:00

Valoración: 8,2 sobre 10.

Aprovechando que próximamente, creo que en febrero, se estrena la segunda película del director londinense Steve McQueen -la que dicen nueva obra maestra Shame (2011)- y que su protagonista es el actor de moda Michael Fassbender, hace unas semanas aproveché para ver la ópera prima de este director -Hunger (2008)-, que además protagonizaba también Fassbender -que por lo visto parece haberse convertido en su actor fetiche, y que con este nuevo éxito seguro que habrá relación profesional para rato, dada la versatilidad del actor irlandés-. El visionado me dejó con ganás de más... Aquí van mis primeras impresiones.

La aclamada ópera prima del director y guionista Steve McQueen, Hunger, describe la vida en la Maze Prison, una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del norte, a través de los emotivos acontecimientos que tuvieron lugar en 1981 con motivo de la huelga de hambre del IRA, liderada por Bobby Sands (Michael Fassbender). Desde un punto de vista épico, la película narra lo que ocurre cuando se obliga al cuerpo y a la mente a actuar por encima del límite...

Sencillamente abrumadora. Ese fue el primer calificativo que se me vino a la cabeza nada más terminar de ver Hunger. Además de cumplir con todas mis expectativas, llegó incluso más lejos. Ahora entiendo que todas las alabanzas que se han dirigido a este film están plenamente justificadas.

Hunger podría definirse como un film atrevido donde no se habla de justicia o injusticia, sino de sentimientos, miedos y creencias. Su director muestra una imagen de la gente leal al Reino Unido inflexible e inquebrantable, donde la tremenda presión social pudo empujar a determinados colectivos, en concreto a presos del IRA, a actuar de un modo impensable en condiciones normales.

Hunger es como un puñetazo directo al estómago, te deja sin respiración. Su director, McQueen, demuestra en su primer trabajo un estilo visual y un sentido de la estética poderosísimos, apoyados en un guion sin fisuras y muy personal, sin casi diálogos, concediendo a la imagen todo el protagonismo. La película avanza en silencio, y a pesar de eso, sus personajes te atrapan.

En cuanto al éxito del estilo estético de su puesta en escena y de su estilo visual, decir que en gran parte se deben a su impresionante montaje. Si a ello sumamos una excelsa fotografía y unas actuaciones que nacen de una gran libertad de acción dejada en manos de los actores y de una excelente dirección, el éxito está asegurado.

Entre las actuaciones quisiera destacar el impactante trabajo de Michael Fassbender, que pone en riesgo su salud para dar vida al personaje, y el de Stuart Graham, que hace de funcionario de prisiones, cuyos gestos impasibles y fría expresión de dolor contenido ponen los pelos de punta. Como punto álgido del film reseñar ese plano fijo-secuencia de 15 minutos de conversación entre Bobby Sands (Michael Fassbender) y el párroco católico (Liam Cunningham). Punto cumbre del film, donde se canaliza toda la fuerza que ha ido ganado el film antes y desde donde llegamos al tremendo final que no desvelaré.

Steve McQueen hace un debut arriesgado como pocos, con una elegante dirección de una fuerza brutal, pero también hay que destacar la entrega del actor Michael Fassbender cuyo trabajo como Bobby Sands va mucho más allá de una simple interpretación. Hunger es dura, arriesgada, cruel, trágica, fría y perturbadora. Un descubrimiento asombroso.

Ese oscuro objeto del deseo (1977) - Cinecrítica

2011-11-18T23:15:00.007+01:00

Valoración: 7,0 sobre 10.

El ciclo que Guion original dedica al maestro Buñuel retoma hoy su actividad con la que fue su última película, la producción franco-italo-española Ese oscuro objeto del deseo (1977), una mezcla extraña de drama y comedia, sin llegar a ser ninguna de las dos cosas, que obtuvo dos nominaciones al Óscar: mejor película extranjera, y mejor guion adaptado. Ayer pude verla por primera vez. Os cuento.

Ese oscuro objeto del deseo transcurre durante un viaje en tren, de Sevilla a Madrid, en el que un elegante caballero de edad madura, el señor Mathieu Faber (Fernando Rey) cuenta a sus compañeros de vagón la historia de sus infortunios amorosos con una joven bailarina Concha/Conchita (Carole Bouquet/Ángela Molina). A partir de su primer encuentro, Conchita jugará con la obsesión de Mathieu, haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más cruento...

Lo primero que se aprecia en este film, es que es muy cercano al espectador, es muy humano, lo que hace que la película adquiera desde el principio un carácter muy clásico y realista. Una vez más, Buñuel centra su cine en explorar la psicología de sus personajes, centrándose esta vez en el protagonista, un personaje rico en matices dramáticos que Buñuel maneja a su antojo con su habilidad característica, y con el que el espectador se identifica desde minuto cero.

El tema central del film, el enamoramiento entre un hombre mayor y una bella joven está lleno de contradicciones y contrastes. El deseo y la frialdad, el ansia y el continuo rechazo chocan de continuo entre los dos personajes, pero sólo parecen afectar a uno de ellos, el personaje de Fernando Rey, que transita a lo largo de un tortuoso y complicado camino buscando el amor de Conchita. La historia se cuenta siempre desde el punto de vista de Mathieu, con lo que hay que tener en cuenta que esta se cuenta de forma totalmente subjetiva, según sus apreciaciones y valoraciones.

Como resumen de toda su filmografía, en esta película vuelven a aparecer algunos de los temas recurrentes de Buñuel, entre los que destacan sus referencias a la represión sexual, la importancia del sexo, la imposibilidad del amor de pareja, la codicia y el egoísmo en las relaciones personales, el culto de las falsas apariencias, la hipocresía social, etc. Además, todo el film está salpicado de un humor ácido que acompaña perfectamente a algunas de las situaciones ridículas y absurdas de la película.

Uno de los aspectos más sorprendentes de Ese oscuro objeto del deseo es la original ocurrencia de Buñuel de hacer que dos actrices distintas, una española (Ángela Molina) y otra francesa (Carole Bouquet) hagan del mismo personaje, Conchita. La explicación puede estar en que el autor quiere crear un personaje bipolar, de doble cara, unas veces frió, y otras pasional, unas veces calculador y otras espontáneo, unas veces discreto y otras extrovertido, dispuestas ambas a volver loco al pobre Mathieu, interpretado estupendamente por Fernado Rey. Por su parte entre las dos actrices me quedo por supuesto con nuestra Ángela Molina.

En el resto de apartados técnicos destacar la fotografía en color, que aporta a la narración un aire austero y realista, con una trabajo de cámara muy planificado y lleno de energía. La dirección del maestro Luis Buñuel es vigorosa, con momentos de gran fuerza expresiva y visual, apoyados en un sencillo y profundo guion.

En fin, un concepto de cine sugerente, para pensar y para que el espectador se siente partícipe de la obra. Buñuel siempre tiene una percepción de la vida muy personal, y con Ese oscuro objeto del deseo no hace otra cosa que ser coherente con su magnifica e inigualable trayectoria cinematográfica. Un hermoso broche de oro.

Dogma 95 y su Voto de Castidad

2011-11-08T21:23:00.011+01:00

Han pasado ya más de 15 años desde que el movimiento cinematográfico Dogma 95 saliera de la cabeza del director de cine danés Lars Von Trier para inquietar a los críticos de cine más puristas, lo que le valió la fama al cineasta de loco oportunista. Desde entonces el cine que se ha hecho bajo el decálogo Dogma 95 ha cosechado éxitos de taquilla en algunos casos, así como reconocimientos en los más prestigiosos festivales europeos y alguna que otra buena crítica.

A mediados de los 90, el cine se movía por los éxitos de taquilla. Fue una etapa difícil para los buenos guiones, y reinaba el cine de grandes efectos especiales, de grandes directores de renombre, todo ello aderezado por supuestos actores que encajan perfectamente en el contexto de este tipo de películas taquilleras, por su fisonomía y popularidad.

En este contexto, y con cierto caracter reivindicativo nació el movimiento Dogma 95. Si Orson Welles fue controvertido en su momento y difícil de entender por su manera de hacer cine, Dogma 95 lo fue de igual manera en sus primeros años, pero con el paso del tiempo tanto Welles como Von Trier y sus compañeros daneses fueron comprendidos y sometidos a estudio por la importancia de su aportación al séptimo arte.

¿ Qué es el cine Dogma 95?

DOGMA 95 es una corriente cinematográfica que parte de la iniciativa del director danés Lars Von Trier, acompañado por Soren Kragh Jacobsen, Thomas Vitenberg y Kristian Levring para ofrecer una alternativa al modo de hacer cine que se conocía hasta entonces. Su intención era manifestarse en contra de los artificios que se utilizan en la industria cinematográfica en su modo de realizar un film, para rescatar los conceptos esenciales de una película: la pureza de la interpretación de los actores, un buen guión que escondiese una buena historia, economía en las imágenes, realismo en la iluminación… A todo ello había que sumarle una nueva manera de realización: cámaras en mano en todo momento y una edición lineal que siguiera un orden cronológico de la historia, que emulara la vida real.

Para sentar las bases de estas ideas, los cuatro directores daneses elaboraron un Manifiesto o Voto de Castidad con unas normas rígidas de obligado cumplimiento para aquellos que quisieran rodar una película Dogma. Estas normas influyen principalmente en la realización del film, pero sus bases son una protesta por la “pérdida de la esencia del cine de los comienzos”, ha declarado en más de una ocasión Von Trier cuando se le ha preguntado la razón de la elaboración de esta nueva forma de pensar en cine. Las normas, son diez preceptos que tiene que tener en cuenta el director –que a partir de aquí ya no se considerará director, según este manifiesto- para elaborar su film.

Este voto de castidad decía lo siguiente:

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en localizaciones reales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una localización donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una "obra", ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier - Thomas Vinterberg

Estos cuatro directores, después de elaborar el Decálogo, movidos por la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico, se pusieron en marcha dándolo a conocer, comprometiéndose, cada uno de ellos, a producir una película bajo estas normas que pudieran servir por una parte, como ejemplo a todos aquellos que se quisieran unir a este movimiento. El resultado fue Mifune, por Soren Gragh Jacobsen, The King is Alive, de Kristian Levring, Celebración, de Thomas Vitenberg e Idioterne, la película de Von Trier.

A partir de ahí, las cuatro películas –con diferencias en el tiempo- se consideraron como ejemplo de lo que había que hacerse para que un film llegase a ser auténtico Dogma, y se estipuló que toda aquella película que pretendiese hacerse bajo este estigma, debiera pasar unos “controles de calidad” que así lo certificasen. Estos “controles” se referían al visionado por parte de los cuatro directores DOGMA de las propuestas cinematográficas que les iban llegando y estos, con el Decálogo en mano, tenían que certificar su autenticidad o no. El aprobado lo certificaba un diploma que se le daba al equipo de la película por haber cumplido todas estas normas.

La decisión de Sophie (1982) - Cinecrítica

2011-10-31T15:53:00.008+01:00

Valoración: 7,5 sobre 10.

Es bastante raro que un título describa tan bien el sentido último de una película como lo hace La decisión de Sophie (1982), título de una de las mejores películas de mi venerado Alan J. Pakula. Puede que sea uno de los títulos más desgarradores que ha dado la historia del cine, y que cobra absoluto sentido cuando uno termina de ver este estupendo drama que tiene como telón de fondo el holocausto nazi.

Argumento: Verano de 1947. Stingo (Peter MacNicol), un joven aspirante a escritor, se instala en El Palacio Rosa, una pensión familiar de Brooklyn, con la intención de escribir una novela. Sin embargo, su tranquilidad se verá pronto turbada por la terrible discusión de una pareja que vive en el piso de arriba. Cuando conoce a los amantes queda cautivado por su encanto y simpatía. Ella, Sophie Zawistowska (Meryl Streep), es una hermosa emigrante polaca y católica. Él, Nathan Landau (Kevin Kline), es un brillante, encantador y desequilibrado científico judío. Poco a poco, Stingo se convierte en su mejor amigo. Sophie, hija de un ilustre profesor polaco, sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz, pero vive atormentada por su pasado. Stingo se enamora románticamente de ella, pero Sophie está locamente enamorada de Nathan...

En la vida existen decisiones dolorosas y trascendentes para las cuales muchas veces no estamos preparados, y que cambian nuestra noción del mundo. Son precisamente estas decisiones a las que enfrenta Sophie Zawistowski, la protagonista de esta estimable película, dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada de manera prodigiosa por Meryl Streep.

Curiosamente no es Sophie la primera protagonista de la historia, aunque termine siéndolo. El primer protagonista es Stingo, el joven escritor, que representaría a cada uno de nosotros, como a ese espectador horrorizado que asiste a la revelación de Sophie, una joven polaca a la que Nathan salvó después de la Segunda Guerra Mundial. Y en el pasado de Sophie, tanto Stingo como nosotros, comprendemos cómo se puede herir de por vida al alma de un ser humano.

Esta film nos vuelve a sumergir en un tema bastante recurrente dentro de la cinematografía contemporánea: la segunda guerra mundial y el holocausto nazi, algo que a priori podría reducir el atractivo de esta película. Pero hay algo que hace distinta al film de Pakula, y es que, lejos de contarnos una historia de supervivencia, nos narra con sutileza y elegancia la forma en que los duros recuerdos pasados pueden influir en nuestra vida posterior, manejándola a su antojo y finalmente, destruyéndola lentamente.

La historia que nos cuenta La decisión de Sophie es absolutamente estremecedora. Es una película sobre la influencia del pasado en nuestro presente y futuro, y desde luego es un film nada optimista. Aquí no veremos esperanzadoras escenas de redención y de cómo volver a empezar desde cero, sino que seremos testigos directos de la lucha interna de una mujer atormentada por el dolor, la impotencia y la rabia.

En cuanto a la parte narrativa de la cinta, decir que está estructurada en dos tiempos, y siempre narrada en primera persona por el personaje de Stingo y su experiencia personal. La primera parte se centra en el presente -dentro del pasado del escritor-, y la segunda se estructura en forma de flashbacks algo irregulares, y demasiado fragmentados, pero innovadores para la época. No hay transiciones definidas entre el relato pasado que cuenta Sophie y el presente del trío de personajes. De hecho el primer flashback entra a la hora y cuarto de película, lo que estira la película innecesariamente. La película combina los dos tiempos narrativos con precisión: el “alegre” devenir de los protagonistas en Nueva York y el gris pasado de Sophie en Auschwitz, con un diseño de producción tan bueno que casi se puede oler el humo de los crematorios, gracias a la excelente fotografía del español Néstor Almendros .

En cuanto a las interpretaciones alabar a la magistral Meryl Streep. Más allá de cuestiones técnicas como el uso de la voz en cuanto a los distintos idiomas que habla, o la vista de su delgado cuerpo en el campo de concentración, su interpretación en el film va más allá de lo calificable. El personaje de Sophie es uno de los mayores y mejores personajes que nos ha dado el séptimo arte, y Meryl Streep con está película define para siempre lo que significa ser actor. Peter MacNicol y Kevin Kline aguantan el tipo, mejor el segundo, pero es que Streep se come la cámara.

Es una pena que esta película fuese tan infravalorada y no tuviese la difusión que se merecía. Se la recomiendo a todos aquellos que consideran que de la segunda guerra mundial aún se pueden sacar buenas historias. Pero sobre todo, por la interpretación de Meryl Streep, que en versión original te deja literalmente boquiabierto.

El cameo "travestido" de Hitchcock

2011-10-17T23:45:00.006+02:00

De todo cinéfilo es bien conocida la afición que tenía el maestro del suspense Alfred Hitchcock a salir en sus películas. Haciendo cameos, eso sí. Y ¿cómo?, pues de todas las formas posibles: paseando perritos, en el bus, cruzándose, en un periódico o en una foto.

Esas brevísimas, casi fantasmagóricas, apariciones en pantalla se iniciaron de manera accidental -tuvo que “actuar” por falta de extras- y pasaron casi desapercibidas en un primer momento, pero a medida que aumentaba su fama fueron ganando en importancia. De hecho fue tal el interés que despertaban entre el público que el director decidió llevarlas a cabo en los primeros minutos de metraje para evitar que los espectadores se “distrajeran” de la trama, esperando el momento en que el apareciese.

Aquí tenéis una selección de algunos de esos famosos cameos.

El enemigo de las rubias (The Lodger, 1926)

Aparece en dos ocasiones: una sentado de espaldas en el escritorio de una oficina y otra formando parte de una multitud.

Fácil virtud (Easy Virtue, 1927)

Con un bastón en la mano, abre la verja de una pista de tenis y se introduce en ella.

La muchacha de Londres (Blackmail, 1929)

Se encuentra sentado en el metro leyendo un libro hasta que un niño le incordia y Hitchcock le reprende por ello.

Asesinato (Murder, 1930)

El director camina distraídamente por delante de la casa donde se ha cometido un asesinato.

39 escalones (The 39 Steps, 1935)

Cuando los protagonistas (de espaldas) están a punto de subir a un autobús, Hitchcock pasa junto a ellos.

Inocencia y juventud (Young and Innocent, 1937)

En esta ocasión interpreta a un torpe fotógrafo que intenta tomar una foto a la salida de un juzgado.

Alarma en el expreso (The Lady Vanishes, 1938)

Hacia el final de la película, podemos ver cómo cruza una estación de tren mientras mientras fuma un cigarrillo.

Enviado especial (Foreign Correspondent, 1940)

El director camina leyendo un periódico y pasa junto a Joel McCrea.

Rebeca (Rebecca, 1940)

Mientras George Sanders habla con un agente de policía, podemos ver a Hitchcock pasando detrás de ellos. Parece ser que existía otro cameo (el director esperaba junto a una cabina telefónica en la que se hallaba Sanders) que finalmente fue eliminado.

Sospecha (Suspicion, 1941)

Hitchcock es el hombre que deposita una carta en el buzón.

Matrimonio original (Mr. and Mrs. Smith, 1941)

Podemos verle pasando por delante del edificio donde viven el Sr. y la Sra. Smith.

Sabotaje (Saboteur, 1942)

Hitchcock es el hombre que mira el escaparate de una tienda.

La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, 1943)

Le vemos de espaldas jugando al póker (¡con una mano ganadora!) en un tren.

Náufragos (Lifeboat, 1944)

Uno de sus cameos más complicados, puesto que la mayor parte de la película tiene como escenario un bote salvavidas en medio del mar. Hitchcock resuelve el problema apareciendo en un anuncio de un periódico, un anuncio de un producto adelgazante…

Recuerda (Spellbound, 1945)

Podemos verle saliendo de un ascensor, llevando una funda de violín y fumando un cigarrillo.

Encadenados (Notorious, 1946)

Aquí aparece bebiendo una copa de champán justo antes de la entrada de Gary Grant e Ingrid Bergman.

El proceso Paradine (The Paradine Case, 1948)

En esta ocasión le vemos saliendo de una estación junto a Gregory Peck.

La soga (Rope, 1948)

Existe la duda de si son dos los cameos del director. En uno cruza la calle (es muy difícil apreciar si es él) y más tarde cuando unas luces de neón reproducen su conocidísima silueta.

Atormentada (Under Capricorn, 1949)

Aquí le vemos charlando con dos hombres junto a una columna. Él aparece en el centro.

Pánico en la escena (Stage Fright, 1950)

Hitchcock se cruza con Jane Wyman que habla sola por la calle y se la queda mirando atentamente.

Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951)

Cuando Farley Granger desciende del tren, vemos al director que sube al mismo.

Yo confieso (I Confess, 1953)

Le observamos caminar desde lejos.

Crimen perfecto (Dial M for Murder, 1954)

En este curioso cameo, podemos localizarle en una fotografía que Ray Milland le muestra al futuro (y fallido) asesino de Grace Kelly.

La ventana indiscreta (Rear Window, 1954)

En una de las ventanas que “observa” James Stewart, aparece Hitchcock dando cuerda a un reloj.

Pero, ¿quién mató a Harry? (The Trouble with Harry, 1955)

Cruza la calle mientras alguien contempla unas obras de arte.

Atrapa a un ladrón (To Catch a Thief, 1955)

Aparece sentado junto a Cary Grant en un autobús.

El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1956)

Podemos observarle de espaldas (el hombre calvo con las manos en los bolsillos) mientras disfruta del número de unos acróbatas.

Falso culpable (The Wrong Man, 1957)

Otro curioso cameo: presentando la película al inicio de la misma.

Vértigo. De entre los muertos (Vertigo, 1958)

Cruza un astillero luciendo un traje gris.

Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959)

Justo al terminar los títulos de crédito (podréis observarlo mejor en el vídeo final), Hitchcock pierde el autobús que le cierra la puerta en las narices.

Psicosis (Psycho, 1960)

Le vemos a través de los cristales de la oficina donde trabaja Janet Leigh. Está parado en calle y luce un sombrero vaquero.

Los pájaros (The Birds, 1963)

Hitchcock, paseando a dos perros (curiosamente los suyos propios), sale de la tienda de animales cruzándose con Tippi Hedren.

Marnie, la ladrona (Marnie, 1964)

Al principio de la película, Tippi Hedren cruza el pasillo del hotel donde va a alojarse. Hitchcock aparece abriendo la puerta de su habitación y asomándose a dicho pasillo.

Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966)

Observamos al director en el vestíbulo del hotel donde se alojan Paul Newman y Julie Andrews. Hitchcock sostiene a un bebé que se hace pis encima de él.

Topaz (Topaz, 1969)

En un aeropuerto aparece sentado en una silla de ruedas que empuja una enfermera. De repente, se encuentra con otro hombre, se levanta, le saluda y ambos se marchan juntos.

Frenesí (Frenzy, 1972)

Hitchcock luce un sombrero bombín y se halla entre el público que escucha el discurso de un político.

La trama (Family Plot, 1976)

Aparece su inconfundible silueta tras una puerta que reza “Registro de nacimientos y defunciones”.

Aquí tenéis todos resumidos en este video que os pongo a continuación, aunque... puede que se nos haya pasado por alto un cameo del insigne director muy, pero que muy especial...

Y es que según una leyenda, al parecer a Hitchcock, como a Ed Wood, en la intimidad le gustaba travestirse. En fiestas o reuniones en su casa de Hollywood al director le gustaba hacer el numerito de señora mayor inglesa recibiendo visitas.

Pues bien, la leyenda dice que Hitchcock introdujo un guiño a su afición "travesti" como cameo especial en una de sus películas. Concretamente en Con la muerte en los talones. Vestido de mujer mayor, en un tren, hablando con los revisores en un diálogo que, dicen, está cortado y en el que se han eliminado frases que sí aparecían en el guión.

Juzgad vosotros: ¿es él o no?

Para los que os habéis quedado con dudas, ahí va el video. Y sea o no sea él, qué más da, lo que está claro es que no se puede ser más genial.

Vive como quieras (1938) - Cinecrítica

2011-10-13T16:17:00.007+02:00

Valoración: 8,1 sobre 10.

El ganador de 3 Óscars de la Academia de Hollywood al mejor director, el maestro de la comedia sofisticada, Frank Capra, consiguió su último Óscar como tal -3 premios en 5 años- con la película que hoy cinecritico, Vive como quieras (1938), que retoma mi ciclo -casi olvidado, sólo casi- dedicado a las ganadoras del Óscar a la mejor película. Además de sendos premios a la película y director, Vive como quieras (1938) consiguió 5 nominaciones más, entre ellas a la mejor actriz secundaria, Spring Byington, mejor guión, mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido. La triunfadora de la noche junto a Robin de los bosques, que ganó tres Óscars, pero menores.

Vive como quieras nos cuenta la historia de Alice Sycamore (Jean Arthur), la única persona con un poco de cordura en una familia llena de gente extraña. Alice se enamora de su jefe, Tony Kirby (James Stewart), cuya familia es todo lo contrario de la suya: son ricos y refinadamente cursis. Las diferencias entre el estilo de vida y la mentalidad de ambas familias se agudizan cuando los padres de él van a cenar a casa de ella y la cena termina con la entrada de la policía y la detención de todos los presentes, acusados de anarquistas...

Frank Capra demuestra una vez más que fue uno de los grandes contando historias, pero historias con gran contenido humano y crítico, sin perder nunca su toque humorístico y optimista. Vive como quieras refleja ese poder maravilloso que tenía Capra para transmitir ideales y mensajes.

Es cierto que toparse con cine de los años 30 de repente, viniendo del siglo XXI, puede llevar al espectador a pensar que está ante una comedia empalagosa e ingenua, sobre todo si no se está familiarizado con el cine de Capra. Pero para los amantes de Un gangster para un milagro (1961), Qué bello es vivir (1946), Sucedió una noche (1934) o Arsénico por compasión (1944), estamos ante una esquisita y sofisticada comedia, mucho más compleja de lo que parece. Una comedia llena de situaciones cómicas, algunas hilarantes, y con algún tinte de emotividad, sin llegar ni mucho menos a ser dramática.

El mensaje que destila el film es claro: carpe diem, ganas de vivir y hacerlo todo del modo que cada uno desee, con libertad. Todo explicado a través de unos personajes un tanto irreales e ingenuos, que por su sencillez no nos lo pueden explicar mejor. La película es un canto a la alegría de vivir, a la idea de perseguir y conseguir los sueños que uno se proponga, sin que la avaricia ni el dinero sea un impedimento. La película también reclama el derecho a llevar una vida sencilla y amena, y ensalza el valor de la amistad.

El reparto es sencillamente excelente. Desde la fuerza de Jean Arthur hasta la sabiduría del personaje de Barrymore. Sin olvidar, por supuesto, el papel magnífico de Edward Arnold, cuyo personaje expresa ese proceso de madurez que va desde la ambición desmedida hasta la comprensión de lo que vale la pena vivir de verdad. La megaestrella James Stewart, se mueve con corrección, pero con un personaje menos interesante y atractivo que en otros papeles.

En definitiva, una comedia cercana y con mensaje. Un estupendo y vertiginoso guión, mezclado con unos personajes entrañables, unas sólidas interpretaciones y una fantástica dirección del maestro Capra que dieron lugar a la película merecedora del Óscar en 1938.

Todo un clásico que ha sabido envejecer perfectamente. Imprescindible.

Melancolía (2011) - Cinecrítica

2011-10-08T21:20:00.009+02:00

Valoración: 7,4 sobre 10.

Cualquier estreno de Lars Von Trier siempre es digno de tenerse en cuenta, por lo menos en mi caso. No soy un fan acérrimo del siempre polémico y genial director danés, pero creo que voy conociendo su cine cada vez un poco más, después de haber visto ya 7 películas de su filmografía. Y reconozco que aún no gustándome todas, todas me inquietan y conmueven. La última ha sido Melancolía (2011), presentada en Cannes, y que se estrenará en España el próximo 4 de noviembre. Os adelanto mis impresiones en esta cinecrítica.

Sinopsis: Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgård) celebran su boda en una suntuosa fiesta en la mansión de su hermana (Charlotte Gainsbourg) y su cuñado (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, un hermoso y misterioso planeta llamado Melancolía se dirige hacia la tierra...

Desde luego que este argumento podría llevar a más de un adolescente a las salas de cine atraído por lo que parecería una nueva película de catástrofes, pero la realidad, o mejor dicho, la fantasía de Lars Von Trier no es lo que parece. Esta es una película, como otras muchas del director danés, sobre el comportamiento humano en situaciones límites y con muchos de los elementos recurrentes en su filmografía: gran dirección de actores, potencia dramática y sin concesiones al espectador. Incluso los efectos especiales, por su sencillez, son espléndidos.

Todos los aspectos de la película están cuidadísimos. Después de la radical Anticristo (2009), Melancolía se sitúa en un punto más equilibrado, tanto en forma como en contenido. Comenzando con un prólogo con música de Wagner, que nos muestra de forma surrealista el tema de la película: dos hermanas simbolizando la humanidad y un niño representando el futuro truncado por un posible fin del mundo.

El resto de la películas se divide en dos actos, algo también común en el cine de Trier. Cada acto se centra en una de las hermanas, maravillosamente interpretadas por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. El primero nos describe de forma cruel y mordaz el pesimismo y la melancolía del ser humano, con una Kirsten Dunst como centro del universo. Este acto está lleno de momentos surrealistas salpicados con toques de humor.

El sengundo acto es más poético y filosófico, y nos muestra la inminente llegada del planeta Melancolía. Un acto lleno de momentos de gran belleza, con un maravillosa fotografía teñida de azul, donde podemos ver la desesperación de unos y la aceptación de otros ante la llegada del fin del mundo, pero siempre en un tono de paz y tranquilidad. Es de destacar la fuerza de la secuencia final, también apoyada principalmente en la música de Wagner, en la que se crea un momento único lleno de emoción .

Además de las dos actrices principales, el resto del reparto está impecable: Kiefer Sutherland, Stellan Skarsgård y John Hurt brillan como Melancolía. También destacaría la brillante banda sonora y por encima de todo la esplendida fotografía y en especial la iluminación del film, que es bellísima. El resto es puro dogma.

Una vez más Lars Von Trier crea cine para emocionar y reflexionar, para hacernos preguntas sin respuesta, en definitiva, para poner a funcionar el cerebro con una película de gran belleza visual y potencia dramática, e indispensable para cualquier amante del buen cine. Confirmado: Lars Von Trier sigue en forma.

Top 30 en exclusiva del ranking Wikio de blogs de cine. Octubre 2011

2011-10-04T18:31:00.004+02:00

Guion Original, después de algún mes en blanco, os presenta de nuevo en exclusiva el Top 30 del Ranking Wikio de blogs de cine del mes de octubre de 2011, que aparecerá el día 6 en el portal Wikio. Un saludo y de nuevo justísimas felicitaciones a todos los blogueros de este ranking por vuestro trabajo, profesionalidad y compromiso. Hasta el próximo mes, amigos!!!!

RANKING DE CINE:

1	Blog de cine (=)
2	Tu Blog de Cine (=)
3	Las Horas Perdidas (=)
4	Extracine (=)
5	Versión muy original (+2)
6	Peliculas.info (-1)
7	Uruloki (-1)
8	El Blog de cine Español (=)
9	Cine en Espectadores (+2)
10	Cineralia (+7)
11	No es cine todo lo que reluce (+4)
12	Cinetelia - Blog de cine (+2)
13	Factoría del Cine (+7)
14	Trailers y Estrenos (-5)
15	Dentro Cine (-2)
16	Actualidad Cine (-6)
17	cinemascomics (-5)
18	Notas de Cine (-2)
19	tío Oscar (-1)
20	Butaca Preferente (+1)
21	Tierra de Cinéfagos (-2)
22	Abandonad toda esperanza (+1)
23	Sin efectos especiales (+25)
24	Cinemaniablog (-2)
25	Blog del Cine (+10)
26	TENGO BOCA Y NO PUEDO GRITAR (=)
27	Blog Estrenos (+10)
28	Cine y Política (+5)
29	Se acerca el invierno (+7)
30	Cinencuentro.com (-6)

Ranking generado por Wikio