Hablando de Fotografia

El Retrato vs. el Fotoperiodismo en la Boda

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 18 Nov 2012 15:29:00 +0000

Hola a todos, desde hace ya algún tiempo el fotoperiodismo en las bodas va cobrando mas espacio maravillando a la gente por su dinamismo y naturalidad y claro esta por la novedad que representa , es evidente que sale de lo acostumbrado y de la sensación de rigidez que podemos ver en algunos retratos.

Soy un admirador de las buenas fotografias documentales, por otro lado creo que se han sobrevalorado, hay un gran sacrificio incurso en ello, las buenas fotografias documentales suelen ser el resultado de una gran cantidad de tomas dejando frutos escasos y logicamente depende de quien sea el artifice de dichas fotos que definitivamente debe tener un ojo privilegiado y es determinante su entrenamiento y preparación,

Hoy dia hay incluso asociaciones de fotógrafos documentalistas como la wpja donde solo participan fotógrafos que se destacan en este tipo de captura, como dije soy un gran admirador y estoy convencido que la fotografia no esta yendo a lugares diferentes ni que esta cambiando una cosa por otra como he leido en algunos artículos, creo que lo que vemos hoy dia es solo el desarrollo logico de las necesidades de cambio de los artistas y de la sociedad que se expresan de forma mas complementaria, así que siento que mas que cambiar esta desarrollandose, complementandose abriendo un abanico de opciones que antes no se habían visto.

En mi caso soy un retratista, me encanta poder encontrar y jugar con los escenarios y poder manejar las poses para lograr un resultado altamente estetico, pero como he dicho varias veces soy un admirador del documental en las bodas, creo que para cada uno de nosotros como fotógrafos de boda desdeñar las tendencias es un error y así como veo el desarrollo de la fotografia en este ambito creo que nosotros debemos desarrrollarnos de la misma manera complementando nuestro trabajo y lograr una escala de imagenes que nos ofrezcan mas a nosotros mismos, entonces creo que los fotógrafos que entiendan que deben preparararse como fotógrafos mas integrales irán ganando la carrera, siento profundamente que ese es el camino a seguir.

Siempre he partido de la premisa que el trabajo que realizo lo hago para mi, aunque otras personas sean las que compren lo que hago, es la unica manera de ser honestos con lo que creamos, buscando dentro de nosotros mismos, los que trabajan pensando en satisfacer a otros nunca lo hacen porque es imposible saber exactamente lo que otro piensa y quiere, y terminan insatisfechos e inseguros.

Hasta el proximo post

Precio Justo del Trabajo Fotografico

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 16 Sep 2012 19:37:00 +0000

Hola a todos:

A casi un año que no escribía en el blog queria retomarlo con algún tema interesante y que mas interesante que hacer una reflexion de un tema que es universal para los fotógrafos, cual es el precio justo de mi trabajo?

Me llama la atención que este tema se toca en todas las convenciones y congresos que he asistido durante años en diferentes partes y parece que se seguira tocando por mucho tiempo mas, parece tambien que constantemente hay que señalarle al fotografo el valor de su trabajo.

Vivo en Venezuela y me he desarrollado aqui y veo con sorpresa que los moto-taxistas que están cerca de mi estudio se reúnen regularmente para tomar estrategias, se colocan uniformes y deciden lo que van a cobrar por transportar (peligrosamente) a sus clientes que apurados por el trafico usan sus servicios, así que aunque no pareciera posible cobran en proporción mas que un taxi regular, con una inversion minima y casi sin ninguna preparación (cuestión esta que no les ha impedido agruparse).

Ahora si queremos ver otros grupos interesantes vemos que la asociación medica cuida mucho de su gremio y de lo que cobran, casi todos los medicos que conozco son gente que se prepara bien y suelen ser honestos (deben haber sus excepciones, pero seguro son minoria) al igual que nosotros deben preparase por mucho tiempo, invertir en equipos y especializarse cada vez mas, y si hay algo que nosotros tenemos que estos no, es una condición artística, no importa cuanto mas o menos lo sintamos, debemos tener esa sensibilidad que nos ayuda a realizar nuestro trabajo, no requerida para otras profesiones.

Logicamente lo que puede ser justo en mi trabajo no por obligación es el precio de mi competencia, en ello hay una serie de factores que entran en juego, entre estos factores se encuentran:

-Nicho de mercado

-Grado de especialización y reconocimiento del trabajo

-Años de trayectoria

-Presentación final

-Costos de operativos y/o de producción

Nicho de Mercado

Es un segmento de una porción de mercado donde ejerces influencia, o sea el renglón donde tus habilidades pueden tener cabida, por ejemplo como fotografo Artista que vende pieza por pieza fotografica es completamente diferente al fotografo de colegios que trabaja por volumen.

Quizas lo primordial es ubicar cual es mi nicho de mercado.

Grado de especialización y reconocimiento del trabajo

Es logico que entre mas especialización exista habra mayor reconocimiento del trabajo que se realiza, en una ocasión alguien me pregunto en un taller fotografico, como se yo cuando debo ajustar los precios de mi trabajo", la respuesta puede tener varias aristas, pero yo diria que la mas asertiva seria la simple base economica de oferta/demanda, o sea entre mas trabajo tengas puedes ir subiendo tu precio hasta llegar al punto donde crees que puede haber un equilibrio.

Años de trayectoria

Creo que la experiencia y los años de trayectoria suelen ser un aval, si el desarrollo a sido el correcto siempre es una herramienta para tomar en cuenta al momento de calcular precios ya que suelen ser garantias para los que contratan, tener una persona que se ha sostenido por años en el mercado tiende a ser un simbolo de confianza y ser relacionado con el párrafo anterior donde hablábamos de especialización y reconocimiento.

Presentación Final

Quizas este punto para la mayoría es redundante pero no así para la gente que esta comenzando, si en la presentación final de nuestro trabajo solo incluye fotos sera muy diferente si entregamos finalmente una presentación en albumes con diseño y en algunos casos con albumes para padres y algunas otras cosas que se ofrecen como afiches, photo books digital, etc.

Por mi parte siempre he tenido en mente que el trabajo hay que cobrarlo, si me sobran fotos que por alguna razón no entregue, para mi es mejor guardarlas que regalarlas, al regalarlas le quitas valor a tu trabajo. así que debemos sacarle punta al lápiz y calcular bien el valor de lo que hacemos.

Costos Operativos y/o Producción

He aqui el punto central de todo, de aqui todo depende, el calculo de los costos operativos ha sido siempre lo mas complicado para la mayoría de nosotros, quizas porque la mayoría de fotógrafos tiene una preparación dirigida exclusivamente hacia la fotografia y nunca estudiamos como hacer este calculo.

Hay que verlo de la forma mas sencilla posible, en el calculo operativo deben incluirse:

Alquiler, laboratorio (todo lo que implique esta operación), empleados, gastos de servicios (telefonos, electricidad y agua, condominio, etc) y por ultimo algo que casi nadie toma en cuenta Costos de Reposición de Equipos.

En términos generales el alquiler no debe superar el 30% del ingreso del negocio, igual que al hacer el calculo de los empleados debemos calcular el sueldo mas los beneficios de ley, así tendremos lo que nos cuesta realmente ese o esos empleados y lo ideal completamente es que nosotros mismos seamos empleados del negocio y gocemos de un sueldo para así poder manejar mejor nuestros números.

Lo ideal tambien seria que le asignáramos una cantidad fija a la reposición de equipos eso podría ser un 3-5% del ingreso, para el momento en que se deban actualizar equipos.

Si al final de estos cálculos tenemos un beneficio de por lo menos el 30% estaríamos en números buenos, en negocios que están comenzando estos margenes de beneficio pueden ser menores.

Creo que el saber cobrar por nuestro trabajo es realmente tomar en serio lo que hacemos, y así beneficiar nuestro estilo de vida y esto crea una plataforma mejor para nosotros y los que vienen detrás, mientras mas alta sea esa plataforma mas profesionalizados nos veremos ante nuestros clientes.

Saludos y hasta la próxima

EXPOIMAGEN 2011

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sat, 15 Oct 2011 23:18:00 +0000

Hola a todos , en pocos dias tendremos lo que es nuestra convención nacional donde nos agrupamos fotógrafos de todo el pais para ver y escuchar charlas de fotógrafos especializados en algún area de interes, para ver productos y servicios asociados a nuestro trabajo y logicamente para ver buenas fotografias.

Este año sera en Caracas en el Hotel Alba (antiguo Caracas Hilton) los dias 23, 24, 25 de octubre y habrán fotógrafos Maestros de AVECOFA en su mayoría que representan en forma maravillosa su especialidad.

Comenzaremos el dia domingo con apertura de la exposición fotográfica y productos a las 9 AM, luego a partir de las 3PM comienzan las charlas nos tocara a Domingo Cabrera y a este servidor hablar de fotografia de bodas y nuestras experiencias y forma de trabajo, hasta las 6y30 PM

El dia lunes a primera hora de la mañana tendremos un invitado de lujo, nos visita Claudio Napolitano ganador de varios premios internacionales hablando de Retratos y nos mostrara como desarrolla su trabajo fotografico en campo, esto sera extraordinario.

luego en la tarde seguimos con Fran Beaufrand reconocido fotografo de moda de gran trayectoria nacional, fotografo autor con estilo particular y reconocible, nos mostrara como desarrolla su trabajo y nos dejara ver su portafolio y como lo realiza.

El martes comenzaremos con Marcos Altobella quien nos mostrara los alcances del Lightroom, que se ha vuelto imprescindible para cualquier fotografo de hoy, si no tienes idea de como funciona o si ya la conoces y quieres saber un poco mas debes estar aqui el martes en la mañana.

Luego cerraremos nuestro evento con un fotografo de gran importancia nacional por su calidad, trayectoria e influencia sobre nuestra comunidad, Leo Reinfeld regresa luego de muchos años invitado por AVECOFA para que nos hable de su estudio negro, si quieres saber si quieres verlo debes estar aqui en ese momento.

Luego para los que quieran celebrar tendremos nuestra fiesta de cumpleaños, si AVECOFA cumple 30 años y tendremos una fiesta a beneficio de nuestra asociación y que mejor momento para unir lazos entre colegas, cenar y bailar, y así regresar a trabajar motivados y mas enamorados de la fotografia.

Si estas relacionado a la fotografia no te pierdas este evento, tendras la oportunidad de conocer en profundidad el trabajo de reconocidos artistas y ver como lo hacen

Te esperamos !!

Sabes quien es Jonas ??

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Mon, 25 Apr 2011 14:39:00 +0000

En el articulo anterior les mostré algunas fotos que tome hace unos días en La Vega Estado Lara, pues esta es una secuencia de los mismos días, pero quise darle un espacio singular a este personaje.

Jonas, nació y creció en la Vega, fue perdiendo la razón con el tiempo, algunos dicen que fue por amor que la perdió y otros dicen que solo paso, la verdad es que por una cosa o la otra perdió la cordura .

Ahora es toda una experiencia interesante hablar con el, donde mezcla los recuerdos de su infancia y gente conocida con cuentos que emanan de su imaginación y si pones cuidado te das cuenta como la imaginación se torna en realidad cuando hace un esfuerzo en crearla, hace una pausa piensa en lo que ha oído y luego responde con las mas maravillosas creaciones.

Sus bolsas llenas de piedras son sus libros de arquitectura, y las millones de fotos que le tome son para una novela que esta escribiendo con el Doctor Raúl Amundaray, les puedo decir que los minutos que pase tomando las millones de fotografías que dice que le tome y oyendo sus cuentos que emanan de una voz que pareciera de radio y con una perfecta dicción que se me asemejaron mas a escuchar a un creador y relator de cuentos fueron minutos llenos de una sensación extraña entre nostalgia y sosiego.

Dentro de sus harapos y descuido sale una voz pensada, interesante y hasta agraciada. Pues a Jonas todo mi respeto y aprecio, aquí se los presento:

La Vega Estado Lara (Venezuela)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 24 Apr 2011 20:17:00 +0000

Anteriormente he comentado que en los últimos años me ha tocado viajar bastante por Venezuela algunas veces por trabajo y otras por placer, siendo sincero ha sido siempre por placer quizás mi trabajo siempre lo traduce de esa forma, siempre termina siendo una experiencia rica en gente, lugares y situaciones únicas.

En esta ocasión estuve en un pueblito del Estado Lara donde por segunda vez este año he podido ir a descansar y compartir con mi familia, en estos días de tranquilidad y calma pensando un poco en lo que vivía, me di cuenta la paz y absoluta calma que vive esta gente con poca fortuna económica, llenos de hijos pero lejos de la violencia y estrés de las ciudades.

A veces se me da por pensar que viven el medio evo, hay muchas necesidades pocas cosas disfrutan de los avances, quizás Direct tv y telefonía móvil y por supuesto los productos POLAR unos mas que otros son de consumo obligatorio.

En lo personal me dejo atrapar por la sencillez que todo esto representa.

Aquí les dejo unas imágenes para que vean de lo que hablo, como siempre espero les guste.

Balance de Blancos en fotografia, quieres saber que es?

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 17 Apr 2011 00:50:00 +0000

El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual. Si no tienes claro cómo funciona esta opción de tu cámara o, simplemente,nunca te has planteado su uso, lo que te voy a contar te interesa.

En este artículo te explico qué es el balance de blancos y cómo configurarlo correctamente para mejorar notablemente el resultado de tus fotos.

Por Qué Necesitamos el Balance de Blancos
Los colores registrados por la cámara digital dependen de la iluminación. La luz que entra por el diafragma y registra el sensor no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos que dependientes de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía.

En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante.

Una cámara no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que está calibrada de forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la temperatura del color de la luz del Sol. Para compensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar en la cámara la ganancia de cada una de las componentes de color.

El Balance de Blancos en las Cámaras Digitales
La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático. Como hemos explicado anteriormente, lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

Los Modos del Balance de Blancos
Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes:

Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.
Soleado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad.
Nublado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o de cielo muy cubierto.
Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente.
Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy util disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

Ajuste Manual del Balance de Blancos
El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales de la escena fotografiada.

Algunos métodos para ajustar el balance de blancos son el uso de herramientas como el Expodisc o la cartulina de grises, y los métodos caseros del balance de blancos mediante el uso de un filtro de café o una tapa de Pringles.

Es importante tomar en cuenta que si se usan herramientas como Photoshop o Lightroom, se puede utilizar perfectamente el automatic white balance que hace aproximaciones muy buenas y luego terminamos de calibrarlas como queramos en la computadora u ordenador

Jonathan Hackett (talento Venezolano)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Wed, 06 Apr 2011 22:24:00 +0000

Jonathan Hackett

En estos dos últimos años he tenido la oportunidad de viajar por Venezuela y conocer mucha gente del medio fotográfico, algunos excelentes profesionales, otros en proceso de formación y muchos buscando la forma de mejorar sus conocimientos y aplicarlos a su trabajo, esta ha sido la constante, como también a sido conocer gente maravillosa.

En el conocer gente maravillosa me he topado con noveles fotógrafos de gran talento, este es el caso de Jonathan Hackett oriundo de los Teques Estado Miranda que vive desde su infancia en Puerto Ordaz, de profesión Ingeniero y que fue atrapado por la fotografía hace un par de años, se inicio con Evelio Lucero fotógrafo y personaje querido y reconocido ampliamente en Puerto Ordaz (especialmente por quien les escribe), pasando luego por la escuela de Roberto Mata y posteriormente tuve yo la oportunidad de tenerlo en un seminario, ha sido una carrera corta pero que le esta brindando grandes alegrías, ya verán porque......

Les muestro con orgullo la fotografía Ganadora del Concurso Pampero 2010

Vista minimalista-El Muelle

Hoy día Jonathan cuenta con dos proyectos en realización, uno de fotografías de larga exposición y el segundo de fotografía de bandas Musicales en Puerto Ordaz, este proyecto lleva por nombre "fototracks" y lo pueden seguir en twitter @fototracks

les dejo un par de muestras mas de este notable trabajo para su disfrute, y no dejen de seguir en twitter a Jonathan @overhax y así podrán seguir viendo que cosas nuevas nos trae.

Happy Steps

Wind in the Hair

Enfoque selectivo y profundidad de campo

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Fri, 04 Mar 2011 02:35:00 +0000

Enfoque selectivo y profundidad de campo

El secreto del enfoque selectivo esta solamente en lograr una parte de la imagen en foco y tener la otra parte desenfocada, para ello debes conocer acerca de la profundidad de campo.

Ahora te daré una pequeña guía para lograr este efecto

Mayor apertura del diafragma (número f bajo), lo que hacemos es conseguir hacer entrar mayor cantidad de luz pero en muy poco tiempo para conseguir una exposición correcta, con esta configuración logramos que se produzca una profundidad de campo muy pequeña y como resultado hará que tengamos enfocado menos cantidad de elementos en la imagen.

Lo anterior es básicamente la forma para lograr este efecto pero debes tomar en cuenta la distancia de los objetos a fotografiar entre si, para lograr la sensación y lógicamente la perspectiva, no puedes tener los objetos en forma frontal porque los tendrías a todos en foco.

Para determinar las distancias precisas de la profundidad de campo existen unas herramientas para medir la profundidad según el lente y la cámara que utilices, en lo personal creo que debe ser una experiencia propia y así hacernos de ella

Ahora si que no tenemos excusa para experimentar con la técnica del enfoque selectivo, no se trata de usar un objetivo mas o menos luminoso, fíjense que en el ejemplo usamos una abertura de diafragma de 5.6, por lo tanto este efecto lo podremos lograr con cualquier objetivo que estemos empleando solo es cuestión de entender los conceptos antes expuestos y saber donde ubicarse.

Desenfoque en fotografia, llamado tambien bokeh

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Thu, 17 Feb 2011 01:51:00 +0000

Desenfoque en Fotografía o Bokeh

Bokeh es una palabra que se usa en fotografía, cuando nos referimos a un desenfoque de gran calidad. Aunque en Internet creo que a veces se confunde con el desenfoque que podemos encontrar habitualmente por la noche, con luces desenfocadas de fondo.

Si buscamos un poco por la red, encontramos el origen de esa palabra, y parece ser un concepto Japonés (ぼけ boke) que significa desenfoque o ver borroso.

La calidad de ese desenfoque se mide visualmente, en función de las formas, aunque podría decirse que de manera algo subjetiva.

En la calidad general del desenfoque, influye aparte de la construcción de la lente, el número de aspas que tenga el diafragma. Con un número de al menos 8 aspas, las formas en el desenfoque de luces empezarán a ser bastante redondeadas. Mientras que en objetivos con menos aspas, las formas tenderán a ser más poligonales en vez de circulares. Así si por ejemplo usamos un objetivo con 5 aspas, las formas que veremos serán pentagonales, mientras que si usamos uno con 7 aspas, las formas serán heptagonales.

En inglés para referirse a las aspas usan las palabras aperture blades(quizás determinado por la forma de estas y usando la traducción de blades como aspas).

Aparte de la apertura, en el desenfoque influirá la focal que estemos usando, así como la distancia focal. Cuanto más cerca estemos del punto de enfoque y más alejado el fondo, obtendremos un mayor desenfoque, aunque no tiene porque ser mejor. La cantidad en este caso no tiene una relación directa con la calidad. Mientras que la calidad, si está en relación con la calidad general del objetivo.

El bokeh se suele usar muy a menudo en retratos, para separar a las personas del fondo y que este no produzca ningún tipo de distracción sobre el espectador. Para ello se suelen usar objetivos con grandes aperturas y focales bastante largas, como puede ser un 85mm f1.8 ó un 135mm f2.

En general, los objetivos con una mayor apertura y con un mayor número de aspas, suelen presentar un mejor desenfoque, aparte de que sus precios suelen dispararse en determinadas aperturas.

he comentado anteriormente sobre el número de aspas y la forma del desenfoque. Ya que no siempre las formas redondeadas o poligonales vienen determinadas por el número de aspas, sino también por la calidad general de la lente.

Regla de la reciprocidad

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 13 Feb 2011 23:34:00 +0000

¿Que es la regla de la reciprocidad?

La fotografía, por mucho que sea estudiada, siempre tiene nuevos conceptos por descubrir. Algunos son agregados nuevos que desarrollan las compañías productoras, tal como cua

ndo te explicaban para que se utilizaba la función A-DEP. En otros casos, conceptos bien básicos que una vez aprendidos, se convierten en técnicas de uso diario, como nuestra querida profundidad de campo y sus variantes. En este caso revelaremos la regla de reciprocidad, concepto también básico que tal vez ya

usabas pero desconocías su existencia.
Según su correspondiente articulo de Wikipedia, la reciprocidad fotográfica “refiere a la relación inversa entre la intensidad y la duración de la luz que determina la reacción de un material sensible a la luz”. ¿Complejo? En realidad es bastante simple. Una vez aprendido, es de enorme utilidad cuando se quiere jugar con la profundidad de campo o la velocidad de obturación.

Su definición técnica puede ser confusa, pero con un simple ejemplo todas las dudas se disipan: Imagínense fotografiando un sujeto determinado y la cámara al medir la exposición indica 1/60 de velocidad y f/16 de apertura. Suponiendo que estén haciendo fotografía de retrato, esa apertura no es la mas adecuada. Si quisiesen utilizar una apertura de f/2, pero manteniendo la exposición correcta que calculo la cámara, es aquí donde entra en juego la regla de reciprocidad. Esta regla, al ser inversamente proporcional, indica que obtendremos la misma exposición utilizando estos valores:

f/11	1/125s
f/8	1/250s
f/5.6	1/500s
f/4	1/1000s
f/2.8	1/2000s
f/2	1/4000s

¿Notan el patrón? Por cada stop de apertura que se baje, se aumenta un stop la velocidad de obturación. Es decir, por cada valor, ya sea apertura o velocidad, que aumentemos, el valor contrario debe bajar. En nuestro caso, la velocidad 1/60 y apertura f/16 se convierte en 1/4000 y f/2, obteniendo la misma exposición, pero con una profundidad de campo mas pequeña. La mayoría de las cámaras reflex automáticas tienen esa función incorporada. En el caso de Canon, una vez obtenida la exposición (apretando el botón disparador por la mitad), con la rueda de ajuste para un lado y para el otro hará variar los valores de apertura y velocidad, pero siempre manteniendo la misma exposición.
Atención, como toda regla, esta también tiene su excepción. Cuando se la utiliza con variaciones muy grandes, digamos de mas de 10 stops por ejemplo en exposiciones muy largas, esta regla empieza a fallar. Es el caso de exposiciones de 60 segundos de velocidad a f/2, la regla indica que es lo mismo que 1 hora a f/16. En este caso el calculo es errado. Con tan poco nivel del luz, la película es mucho menos sensible de lo que se esperaría. En el caso propuesto, la exposición correcta seria de 2 horas en vez de 1. Usualmente las películas vienen con una tabla de error, que indica por cuanto se debe corregir la exposición para que sea la correcta.

Caracas Ciudad para Automóviles

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Wed, 19 Jan 2011 23:16:00 +0000

Hola amigos!

Me permito tomar un poco de su tiempo y usar este espacio como tribuna no para sensibilizar ni de dar ejemplo de nada, quiza si para satirizar un poco acerca de nuestra sociedad y autoridades, a lo mejor logro que hagan un poco mas por sus vecinos, y la verdad es que pocas veces encuentro respuestas positivas a mis reclamos, pero no hay peor trabajo que el que no se hace, así que aquí vamos.

Se me ocurrió ayer bajarme del carro y por fin registrar lo que día a día pasa ante mis ojos sin dejar de robarme una mirada, pero que hasta ahora no me había atrevido a mencionar públicamente.

Es difícil creer que en pleno siglo XXI, en la era de los Blackberrys y los Iphone, en plena era del conocimiento y manejo de las necesidades del ser humano, no podamos contar con la seguridad que una persona con discapacidad pueda necesitar en nuestras ciudades y no hablo de alguna ciudad olvidada del interior del país, hablo de Caracas y tampoco hablo de las zonas del oeste menos favorecidas de nuestra ciudad, hablo de Baruta y bueno porque no de toda la ciudad y bueno porque no del país total.

Asumo que la mayoría debe estar pensando en que tenemos problemas mayores en nuestra sociedad, como la seguridad, y claro me refiero a la seguridad también, pero acaso esto no es seguridad, no es una parte de nuestra sociedad que esta puesta de lado y no se le toma en cuenta al urbanizar, reparar o construir.

Basta con darle un ojito a las áreas reservadas para discapacitados en los centros comerciales, Farmacias, edificios, eso si es para reirse, son del tamaño de un auto regular, te imaginas como un discapacitado puede bajar y abrir una silla de ruedas en un espacio así (pon la imagen en tu cabeza por un momento), cuando los hicieron los hicieron solo con la idea de cumplir una formalidad, que la verdad no se si la ley lo impone o no. pero inoficiosa al fin acaso no están libres casi siempre (a menos que ande yo por ahí y los ocupe simulando una cojera).

Pero lo mas preocupante son estas imágenes, esto pasa todos los días cerca de mi estudio, este es el camino a FundaProcura (Chuao) donde atienden a personas con discapacidad, a lo mejor en el camino quedas mas discapacitado aun.

Hasta el próximo, que si será solo de fotografía

Travel Photographer of the Year 2010

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Mon, 17 Jan 2011 14:03:00 +0000

Mejor fotógrafo Viajero concurso Travel Photographer of Year 2010 "Larry Louie"

Este afamado concurso aglutina fotógrafos de mas de 70 países a través del mundo y reúne aficionados y profesionales de la fotografía, este año el ganador del concurso es un profesional pero de la optometría y aficionado muy serio a la fotografía Larry Louie.

Sus fotografías son un relato de los lugares que visita con una captura y manejo impecable de las imágenes, así que podemos animarnos a participar en este tipo de concursos, que aparte de complacernos en lo que mas nos gusta también tiene atractivos premios en viajes y metálico.

Aquí les dejo varias de las imágenes de este prolífico "aficionado" a la fotografía y luego algunos consejos que Larry Louie nos da para aprovechar los momentos en que nos toca viajar por placer o por trabajo.

He aquí los consejos que nos da, para aquellos que queremos hacer buenas fotos al salir de viaje:

"Aprovechando la tesitura, porque cualquier excusa es buena, voy a dejaros unos pequeños consejos para que los pongamos en práctica cuando viajamos cámara en mano, que suele ser, al menos en mi caso, siempre. Cuando salimos de viaje podemos hacerlo solos o acompañados, para una buena salud de nuestra vida social lo mejor será hacerlo acompañados pero ello supone que si a nuestra compañía no le ha sido inoculado el virus de la fotografía podemos convertirnos en una auténtica pesadilla insoportable.
Si viajamos solos huelga cualquier clase de consejo, simplemente coge tu mochila más grande, mete la cámara, los objetivos que tengas (todos), filtros, flash, baterías, tarjetas de memoria, disparador remoto…no te dejes nada y sal lo más temprano posible a caminar por el lugar de destino. Sería conveniente haber estudiado previamente el lugar, sus rincones más aprovechables para no perder tiempo y por encima de todo no olvidarnos de fotografiar a los lugareños que siempre son una fuente inagotable de imágenes bonitas y entrañables.
Si viajamos acompañados lo mejor será evitar conflictos, llegar a un acuerdo y viajar con el menor equipo posible. Para este cometido recomendaría un angular zoom luminoso que abarque una horquilla de valores entre los 10 y los 50 mm y desecharía los llamados todoterrenos como un 18-180, quizá sean prejuicios infundados pero pienso que quien mucho abarca poco aprieta, no me convencen en definitiva, tampoco estaría de más echar un pequeño trípode de bolsillo, suficiente para una DSLR y un angular.
Parate lo justo y necesario, no más porque para la otra persona resulta extremadamente pesado y el que es el mejor de los trucos: haz a esa persona partícipe de la afición, preguntadle por motivos a fotografiar e incluyela en los encuadres siempre que puedas pero por favor, huye de los típicos posados en los viajes, las personas inmóviles, rígidas como estatuas paradas junto o frente al monumento de turno quedan horribles, innova y haz fotografías originales y divertidas, no resultan monótonas y cansinas como las otras. Ahora viajad y fotografiad."

5 consejos para hacer mejores fotos en Blanco y negro

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Thu, 13 Jan 2011 22:49:00 +0000

Estos son 5 consejos fáciles para hacer mejores capturas en Blanco y Negro

1.- Realiza tus disparos en formato RAW

La única manera que no utilices este formato es que tu camara no los tenga o no sepas manejarlos, si tu caso es este ultimo tomate un tiempito y dedícaselo a aprender como hacerlo, que seguro encontrara resultados superiores.

2.- Dispara en color

Hay cámaras que te permiten hacer tus registros directamente en Blanco y Negro, si realizas tus capturas en JPEG deberías hacerlas en color y luego cambiarlas al Blanco y Negro y asi no permites que el software de los programas de las cámaras tomen decisiones por ti. Si por el contrario trabajas en RAW puedes convertirlas de nuevo a color sin problemas y decidir lo que quieres.

3.- Utilizar ISO bajo

Siempre que las condiciones de luz te lo permitan usa la sensibilidad de ISO baja, tus imágenes tendrán una mejor presencia de tonos blanco, grises y negros. Por otro lado tendras menos presencia de ruido en la imagen, que en algunos casos no favorecen la imagen.

4.- Elige el mejor momento del día

En fotografías en exterior con iluminacion natural es mejor utilizar las horas de la manana o la tarde, la luz de las horas del mediodía suelen ser muy duras y el contraste suele ser excesivo.

Los días nublados suelen ser buenos para fotografiar incluso a las horas del medio día ya que las nubes crean un efecto suavizador en la luz.

Ahora no dejes de hacer fotos, el realizar fotos en condiciones arbitrarias es bueno para saber el comportamiento de la luz y tomar experiencia.

5.- composición

Casi todas las reglas que se aplican para la fotografía a color son aplicables al Blanco y Negro.

Ahora las luces y las sombras juegan un papel especial al momento de pensar en composición, precisamente por la ausencia de color

Historia de la Fotografía (Annie Leibovitz)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 22 Aug 2010 23:06:00 +0000

Anna-Lou "Annie" Leibovitz

nace en Waterbury, Connecticut el 2 de Octubre de 1949 U.S.A, Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galeria Nacional de Retratos de Washington D.C., y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue. En 1983 ganó un Grammy en la categoría Mejor portada de un álbum.

Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993. Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.

Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un teniente Coronel de las Fuerzas armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea .Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.

En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte.Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de una base aérea en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietman. Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomon.

De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson.

Revista Rolling Stone

En ese periodo postuló para trabajar como fotógrafa autónoma en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor Jann Wenner quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de su publicación. Dos años más tarde, Leibovitz fue ascendida a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo 10 años y en el que realizó 142 portadas.

En 1975 se le encargó la tarea de documentar la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas'75 que el grupo británico The Rolling Stones realizó en Estados Unidos y Canadá. Dos años más tarde, las oficinas centrales de Rolling Stone se mudaron a Nueva York, por lo que Leibovitz abandonó la ciudad de San Francisco tras vivir diez años allí. La llegada a Nueva York estuvo acompañada de diversos problemas, entre ellos, su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína.

Leibovitz junto al retrato deDemi Moore en la exhibición
"A Photographer's Life, 1990-2005" en San Francisco, California.

El 8 de diciembre de 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone. Ella le prometió que una de estas imágenes ilustraría la portada de la revista, aunque los editores no querían que su esposa,Yoko Ono, fuera retratada junto a él. La idea de Annie era recrear la imagen de la carátula del álbum Double Fantasy del propio Lennon. Horas después de la sesión fotográfica, John fue asesinado por su admirador, Mark David Chpman, quien le disparó cuatro veces a la entrada de su edificio en Nueva York. Finalmente, la fotografía que Rolling Stone publicó el 22 de enero de 1981 en su tapa —sin titulares— fue aquella en que Lennon aparece desnudo y acurrucado junto a su esposa completamente vestida.

Revista Vanity Fair

Desde 1983, Leibovitz ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello.

Desde el año 1995, Leibovitz tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen en The Hollywood issue, una edición que Vanity Fair publica en marzo de cada año con retratos de los actores más destacados de Hollywood.

El elenco completo de la serie de televisión Los Soprano se reunió por última vez en la sesión fotográfica que Annie Leibovitz realizó para Vanity Fair. El reportaje, publicado en abril de 2007, se debió al término de la serie en junio de aquel año.

En septiembre de 2007, Annie fue la primera en fotografiar a la hija de los actores Tom Cruise y Katie Holmes, Suri, poniendo fin a los rumores que aseguraban que la bebé no existía. La imagen, donde la niña se asoma desde dentro de la chaqueta de su padre, fue publicada en la portada de Vanity Fair. El resto de las fotografías aparecieron en el reportaje de 22 páginas que se le dedicó a la familia Cruise-Holmes.

En Julio de 2007, Annie debió fotografiar a 21 celebridades (actores, cantantes, modelos, empresarios, deportistas, políticos y religiosos) para adornar las 20 portadas diferentes que Vanity Fair publicó en su especial The Africa issue, cuya edición estuvo a cargo del cantante Bono.

El 14 de febrero de 2008, Vanity Fair recopiló sus más destacados retratos de celebridades para la exhibición Vanity Fair Portraits-Photographs 1913-2008 que fue montada en la Galería Nacional de Retratos de Londres. Annie fue una de las que participó en la muestra.

En 1986, Annie fue invitada a realizar una serie de afiches con motivo de la Copa Mundial de Fútbol en México. Aquella fue la primera vez en la historia del torneo que a un fotógrafo se le encomendó esa misión.

En 1988, Leibovitz retrató a diversas celebridades para una campaña publicitaria de la tarjeta e Credito American Express, por la cual ganó el premio Clio. Dos años más tarde fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York.

En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo —y la primera mujer— en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. La muestra, que contó con más de 200 retratos en blanco y negro y en color, fue seguida por la publicación del libro Photographs: Annie Leibovitz 1970-1990. Ese mismo año, el bailarín Mijail Barrishnikov invitó a Annie a documentar la creación de su proyecto de danza White Oak.

En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue y recibió un doctorado honorario por parte del Instituto de Arte de San Francisco, donde ella había estudiado en su juventud. En esa época, la Fundación San Francisco AIDS exhibió una serie de retratos tomados por Annie a gente enferma con sida, y además se montó una exposición con las fotos que ella había capturado durante el Sitio de Sarajevo y la Guerra de Bosnia meses antes.

En 1996, Leibovitz fue la fotógrafa oficial de los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, Georgia. Una compilación de retratos en blanco y negro de atletas fue publicada en junio de ese año en el libro Olympic portraits. Su próxima publicación fue Women (1999), que venía acompañada de un ensayo escrito por su pareja, Susan Sontag. En los retratos femeninos de esta colección aparecían juezas, mineras y granjeras, entre otras.

En el año 2000, Annie fue la encargada de escoger y retratar a cinco mujeres para el Calendario que la marca italiana Pirelli publica cada temporada.

Posteriormente, el periódico The New York Times contrató a Leibovitz para que documentara —entre julio de 2005 y julio de 2006— la construcción de su edificio corporativo en la ciudad de Nueva York. La colección de 35 imágenes fue inspirada por las fotografías que Lewis Hine y Margaret Bourke-White tomaron en los años 1930 a los edificios Chrysler y Empire State respectivamente.

En octubre de 2006, se exhibió el documental Annie Leibovitz: una vida a través del lente, el cual fue dirigido por la hermana menor de Annie, Bárbara. En él se mostraban escenas íntimas de la vida de la fotógrafa, además de entrevistas a diversas celebridades que posaron para ella.

Una retrospectiva de su obra fue llevada a cabo en el Museo Brooklyn, desde octubre de 2006 hasta enero de 2007. La exhibición estaba basada en su libro Annie Leibovitz: a photographer's life, 1990–2005 e incluía retratos de celebridades y también de su propia familia. Entre las fotografías se encontraba la del cadáver de Susan Sontag, quien había fallecido de cáncer enel 2004.

En el año 2007, la reina Isabel II del reino Unido le pidió a Annie que tomara las fotografías oficiales de su visita de estado a Virginia. La sesión fotográfica fue grabada por el canal de televisión BBC para el documental A year with the Queen (en español: "Un año con la Reina"). Un trailer promocional del documental mostró a la Reina reaccionando enojada cuando Leibovitz le sugirió quitarse la corona para lucir más informal. Luego se mostró otra escena donde se ve a la Soberana caminando por un corredor mientras le dice a un ayudante: «No voy a cambiar nada. He tenido suficiente vistiéndome así, gracias a ti». Posteriormente, la BBC se disculpó y admitió que la secuencia de eventos en el tráiler era errónea, y que el mismo fue divulgado por equivocación, porque contenía escenas descartadas.

También en el 2007, la compañía Walt Disney contrató a Leibovitz para realizar una serie de fotografías con celebridades interpretando a diferentes personajes de sus clásicas películas. La campaña publicitaria se denominó Walt Disney world's year of a million dreams (en español, «El año del millón de sueños del mundo de Walt Disney»).

A fines de julio de 2007, la marca de accesorios de moda Lois Vuitton realizó una campaña publicitaria con Leibovitz como fotógrafa. Las celebridades que participaron aquella ocasión fueron los tenistas André Agassi y Steffi Graf, la actriz Catherine Deneuve y el político Mijail Gorbachov, quien posó en el asiento trasero de un auto con los restos del Muro de Berlin al fondo. Meses más tarde, otras personalidades del espectáculo que posaron para Annie fueron el guitarrista de The Rolling Stones, Keith Richards, el actor sean Connery, el cineasta Francis Ford Coppola, la hija de éste, Sofia , la modelo francesa Laetitia Casta, y los astronautas Buzz Aldrin, Jim Lovell y Sally Ride.

A mediados de marzo de 2008, Annie fotografió a la modelo Giselle Bundchen y al jugador de baloncesto LeBron James, para una cubierta histórica de Vogue. Días más tarde, un grupo de comentaristas —entre ellos Samir Husni— aseguraron que la imagen tenía connotaciones racistas, porque la pose de James recordaba a King Kong, mientras que Bündchen representaba a la rubia que cautiva al gorila. En diciembre del mismo año, Annie figuró en la lista de «Las 10 personas más fascinantes del año», elaborada anualmente por la destacada periodista Barbara Walters.

Retratos memorables

El presidente de Estados Unidos, Barack Obama, y su familia posando para Leibovitz en el Salón Verde de la Casa Blanca. 1 de septiembre de 2009.

§ Yoko Ono acostada mientras su marido, John Lennon, la abraza y se acurruca completamente desnudo.

§ Bruce Springteen, en concreto el trasero del cantante enfundado en unos viejos vaqueros; se trató de una fotografía tomada al azar en la sesión fotográfica del disco "Born in the U.S.A", y que acabó por convertirse, nada menos, que en la portada del álbum.

§ La actriz Demi Moore desnuda, exhibiendo su embarazo de siete meses.

§ Whoopi Goldber sumergida en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades.

§ George W. Bush y su Gabinete posando en la Oficina Oval de la Casa Blanca, luego de los atentados terroristas del 11 de Septiembre de 2001.

§ El artista búlgaro Christo envuelto completamente en tela, tal como él empaqueta los edificios.

§ La cantante Dolly Parton posando sonriente, mientras el actor Arnold Schwarzenegger flecta sus biceps detrás de ella sin mostrar su rostro.

§ Los actores Dan Aykroyd y John Belushi disfrazados como The Blues Brothers con sus caras pintadas de azul.

§ La reina Isabel II del Reino Unido, mirando hacia Londres por la ventana de un salón del Palacio de Buckingham.

§ El artista Keith Haring, quien aparece con su cuerpo pintado igual a uno de sus cuadros.

§ El político ruso Mijail Gorbachov sentado dentro de un automóvil con los restos del Muro de Berlin al fondo.

§ El cantante Sting cubierto de barro en el desierto, mimetizandose con el paisaje.

§ Un primer plano del músico Pete Townshend, quien apoya la cabeza sobre su mano mientras brota sangre desde su palma.

§ La cantante y actriz Miley Cyrus cubriendo su busto solo con una sábana blanca cuando ella tenía apenas 15 años de edad.

Vida personal

Leibovitz tuvo una relación romántica con la prestigiosa escritora y ensayista Susan Sontag, a quien conoció en 1988 cuando la fotografió para la sobrecubierta de su libro El sida y sus metáforas. Ellas nunca vivieron juntas, pero tenían apartamentos en los que podían verse la una a la otra. Sontag solía criticar y presionar a Annie para que trabajase más duro, y para que fuera más profunda y personal. De hecho, cuando Leibovitz retrató a Demi Moore desnuda y embarazada, fue Sontag quien persuadió a la editora de Vanity Fair, Tina Brown, para que publicara aquella controvertida foto.

La relación de ambas duró 16 años. Culminó en diciembre de 2004, cuando Susan falleció debido a complicaciones de salud. Annie cerró un ciclo junto a ella al fotografiarla en su lecho de muerte, y aún estaba de luto cuando su padre también murió, a comienzos de 2005.

Ni Leibovitz ni Sontag habían aclarado públicamente si su relación era familiar, amistosa o de naturaleza romántica. Sin embargo, cuando Annie fue entrevistada para su libro del año 2006, A photographer's life: 1990-2005, declaró: «Con Susan, era una historia de amor».

En el prólogo de su libro, Leibovitz dio detalles sobre su lesbianismo y su relación romántica-intelectual con Sontag. También contó que ambas estaban preparando un libro juntas, y narró lo difícil que fue el duelo tras el fallecimiento de ella.

Finalmente, Annie reconoció que mantuvo una relación amorosa con Sontag. Cuando se le preguntó porqué se refería a Susan como «compañera» y no específicamente como «amante» o «pareja», Leibovitz dijo que «amante» era lo más apropiado. Más tarde, Annie declaró al periódico San Francisco Chronicle: «Díganos "amantes". Me gusta "amantes". Ya sabe, "amantes" suena romántico. Quiero ser perfectamente clara. Yo amo a Susan». Leibovitz tiene tres hijos: Sarah Camerón (2001), y los gemelos Susan y Samuelle (2005), quienes fueron gestados por una madre de alquiler.

Tips de fotografia (RAW)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 04 Jul 2010 23:05:00 +0000

El formato RAW, o Crudo, en castellano, es un formato de archivo digital de imágenes que contiene la totalidad de los datos de la imagen tal y como ha sido captada por el sensor digital de la cámara fotográfica

El formato RAW generalmente lleva aplicado comprensión de datos sin pérdida de información

Debido a que contiene la totalidad de los datos de la imagen captada por la cámara y una mayor profundidad de color (por lo general 36 a 48bits/pixel), sus ficheros tienen un tamaño de archivo muy grande, a pesar de que, generalmente, usan compresión.

Las cámaras profesionales y semiprofesionales ofrecen por lo general la opción de grabar imágenes en este formato, además del formato JPG y eventualmente otros. También algunas cámaras compactas ofrecen esta posibilidad.

Los archivos RAW sólo pueden ser creados por cámaras digitales, no por software. Se usa en aquellos casos en los que se necesita archivar una fotografía tal como ha sido captada por el sensor digital, sin ningún tipo de procesamiento por la cámara, para poder trabajarla posteriormente en el computador mediante un programa de Manipulación de imágenes.

El gran inconveniente de este formato es la falta de estandarización: cada fabricante de cámaras usa su propia versión del formato, lo que puede producir incompatibilidades o que esa versión de RAW no se pueda usar en el futuro. La iniciativa OPEN RAW trabaja para que los fabricantes de cámaras creen un formato RAW de código abierto y estándar. Una alternativa de código abierto podría ser el Digital Negative Format o DNG de Adobe. Ahora por medio de Photoshop puedes en general abrir cualquier formato RAW, aunque el avance tecnológico hace que los nuevos formatos en RAW sean solo procesados con las nuevas versiones del Adobe Photoshop

Si disparamos dos fotos del mismo motivo, una en JPG con baja comprensión (alta calidad) y otra en RAW, seguramente se verá mejor la tomada en jpg: tendrá mayor nitidez/enfoque, mejor contraste, mejor iluminación, los colores aparecerán mejor representados.

Esto es debido a que una cámara digital suele aplicar distintos filtros digitales para mejorar la imagen. Sin embargo, el formato RAW nos muestra la foto tal y como el sensor la capturó, sin ningún filtro de mejora. Se verán colores más neutros, menos saturados, un enfoque más blando y una iluminación que dependerá de la exposición que hicimos, más visiblemente sobre o subexpuesta si fuera el caso.

Sin embargo, una foto en jpg , al estar en modo [RGB] tiene 24 bits/pixel (8 por canal) frente a los 30 a 48 bits/pixel (10 a 16 por canal) que suele contener la imagen obtenida al revelar el archivo RAW. Los 24 bits del RGB serán suficientes para ver toda la gama de colores posibles, pero serán claramente insuficientes cuando queramos realizar ciertos ajustes a la imagen (iluminación, corrección de tonalidades, etc.).

Por otro lado, una imagen en formato RAW, aunque en apariencia parezca más pobre, contiene muchísima más información y será muy manipulable al ajustar luces y colores. Comparado con JPG, el problema es su tamaño, ya que ocupa sensiblemente más que su equivalente en jpeg. Comparado a formatos de archivo con compresión de datos sin pérdida de información como TIF o PNG, el problema se reduce a la necesidad de "revelarla" antes de poder procesarla normalmente para cualquier uso.

Los archivos RAW se conocen también como Negativo digital porque son archivos de "sólo lectura", ya que sólo las cámaras fotográficas pueden generar archivos RAW. De esa característica se deriva que los archivos RAW son equivalentes a los negativos de película argéntica, en tanto que poseen la información de la toma sin manipulación posible.

Las cámaras que soportan archivos RAW normalmente vienen con su propio software para la conversión de RAW a otros formatos como TIFF o JPEG. En lo personal prefiero Usar PhotoShop por su variedad de opciones para manipular posteriormente las imágenes

Historia de la Fotografía (Anne Geddes)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 04 Jul 2010 00:53:00 +0000

ANNE GEDDES
QUEENSLAND, AUSTRALIA

Anne nace en Queensland Australia en 1956 y vive su infancia en una finca donde se criaba ganado, desde pequeña sentía inclinación por la fotografía y mientras crecía tenia como favoritas las revistas National Geographic y la vida.

A los veinte años empezó a experimentar su pasión por la fotografía con la cámara familiar, desarrollando su especial estilo de estructura simple e impacto visual inmediato.

Anne siendo muy joven se muda a Nueva Zelanda a trabajar para una red de Hoteles, abre y cierra una pequeña tienda de ropa, luego regresa a Australia y trabaja como secretaria en una televisora regional, conoce a Kel Geddes director de programación de la estación y se casa con él en Hong Kong en 1983.

Estando en Hong Kong, se revalúa su situación laboral y decide comenzar a fotografiar a su entorno de amigos haciendo una cartera de clientes, al regresar a Australia decide trabajar formalmente en la fotografía y monta un pequeño estudio en el garaje de su casa, atendiendo a familias, haciendo fotos de niños en jardines, y tarjetas de recuerdos.

La fotógrafa australiana ha alcanzado el reconocimiento internacional por sus maravillosas imágenes de bebés. En la mayor parte de su trabajo, fotografía a los bebés o a los niños jóvenes como hadas y las criaturas de los cuentos de hadas, las flores, o los animales como conejitos. Los bebés en sus fotografías son casi siempre durmientes o miran fijamente en espacio, como si estuvieran aún en el útero.

La calidad y originalidad de sus composiciones la han convertido en la fotógrafa con más libros vendidos en todo el mundo.
Se han vendido más de trece millones en varios idiomas. Algunos títulos de Anne Geddes publicados son: El jardín encantado, Diario del bebé, Hasta hoy, Diario del bebé – colección 2000-, Mi embarazo. Diario y Photofolio.

En 2004, Geddes colaboró con Celine Dion en un proyecto llamado Miracle: Una celebración de la nueva vida, una combinación de música y de fotografía que giran alrededor de los temas de la nueva vida y de los bebés.

En 2004 y junio de de 2005, el servicio postal francés, La Poste, utilizó cuatro de sus fotografías para que los sellos ilustren la serie de la O.N.U

Anne Geddes ha sido hasta ahora la fotógrafa con mayor éxito editorial y económico en la historia de la fotografía, es importante destacar que la única persona que ha vendido mas libros que Geddes en el planeta es J.K. Rowling (creadora de Harry Potter).

Su trabajo se encuentra distribuido en casi todos los países del mundo y a logrado convertirse en otros productos como agendas, cajas de regalos, ropa infantil, globos, tarjetas, etc

laboral y decide comenzar a fotografiar a su entorno de amigos haciendo una cartera de clientes, al regresar a Australia decide trabajar formalmente en la fotografía y monta un pequeño estudio en el garaje de su casa, atendiendo a familias, haciendo fotos de niños en jardines, y tarjetas de recuerdos.

Historia de la Fotografía (Tina Modotti)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sat, 12 Jun 2010 21:26:00 +0000

Tina Modotti (1896-19420)

Tina Modotti es una de las mujeres que se adelantaron a su tiempo: luchó por los derechos de la clase desposeída en varios paises que no eran el suyo, pero que acabaron siendo su patria. Tina Modotti es mexicana, pero tambien española, alemana o rusa.

Con su lente, Tina Modotti capturó la maravilla de una nación floreciente: México. Son famosas las cananas y mazorcas mexicanas que simbolizan la guerra y la libertad.

Tina nació el 16 de agosto de 1896 en Udine, una pequeña ciudad de fábricas textiles en el norte de Italia, cercana a Trieste, el puerto del Mar Adriático. Su padre, Giuseppe Modotti, era de profesión mecánico y su madre, Assunta Mondini, estaba dedicada a las tareas del hogar.

Tina se educó en escuelas italianas y austríacas, pero debido a los escasos recursos económicos de su familia, a los 12 años se vio obligada a trabajar en una de las fábricas textiles de su ciudad natal; no obstante, la situación no mejoró y en 1913 la familia tuvo que emigrar a San Francisco (Estados Unidos), donde se empleó en una fábrica de seda (de 1913 a 1914) y después como modista (hasta 1917).

Tenía 21 años cuando se casó con un artista llamado Roubaixde l'Abrie Richey "Robo". Al año siguiente de su matrimonio incursiona en Hollywood como actriz de películas mudas. Robo iría a México primero que ella y le escribiría en sus cartas maravillas sobre el exquisito país, mismas que más tarde motivarían a Tina a viajar a tierras mexicanas.

Tina comenzaba a interesarse en la fotografía, y para ese momento estaba enamorada de Edward Weston, amigo de su esposo, fotógrafo estadounidense, a quien admiraba plenamente.

Robo muere de viruela en México en 1922, Tina tiene su primer contacto con México en ese año, pero no sería hasta agosto de 1923 cuando se establecería en el país. Esta vez llegaría acompañada por Weston.

Tina estaba en plenitud de su sexualidad, no se inhibía por su desnudez, a ella le gustaba juguetear desnuda; le molestaban las ataduras, los botones, los cinturones o cualquier prenda que le estorbara para moverse. Tenía una forma muy especial de caminar, de hablar, todo en ella era llamativo, y más para los mexicanos poco acostumbrados a una mujer con esas características. La mayoría de las mujeres del país ni pensarlo, ellas no podrían ser como Tina.

Tina se impresionó tanto con México, que quiso plasmarlo en imágenes fotográficas como un homenaje, aunque no sólo captaba sus formas estéticas, sino que retrataba la visión de un país lleno de miseria e injusticia.

Conmovida por la explotación en la que vivía la clase trabajadora de la posrevolución mexicana, Tina se convierte en revolucionaria activista desde principios de los años veinte, desarrollando fuertes lazos con miembros del grupo de la Unión Mexicana de Artistas, entre los que se encuentran Manuel Álvarez Bravo, Diego Rivera, Charlot, Orozco y Siqueiros.

En 1927 se afilió al Partido Comunista Mexicano y desde ese año hasta 1940 trabajó como editora colaboradora y fotógrafa de la revista Folklor Mexicano.

Durante su estancia en México escandalizó a la mojigata sociedad de aquella época por ser una mujer que vivía bajo el mismo techo con un hombre que no era su marido ni su hermano, que salía a la calle después de las ocho de la noche y compartía la mesa en lugares públicos con varios varones; además de tener la costumbre de bañarse desnuda en la azotea de su casa cuando llovía.

En 1928 comienza un romance con el revolucionario cubano Julio Antonio Mella, pero éste muere asesinado en 1929 y la acusan de ser cómplice del asesinato. Sin embargo, se le declara inocente poco después del crimen. Al año siguiente la acusan de haber tomado parte en el intento de asesinato de Pascual Ortiz Rubio, presidente de México, por lo que es expulsada del país. De allí salió acompañada del líder comunista Vittorio Vidali, rumbo a Alemania.

Continúa su trabajo en el exilio en Berlín, donde se hace miembro de la Union de fotógrafos de prensa y publica sus imágenes en Der Arbeiter-Fotograf. Abandona la fotografía por el activismo político mientras se encuentra en Moscú entre 1931 y 1934 trabajando para la Cruz Roja Internacional de la URSS.

Al comenzar la Guerra Civil se trasladó a España para formar parte del Quinto Regimiento. Cuando llegó, renunció a realizar una sola fotografía. para ella no era compatible el arte con la violencia de los acontecimientos. Se sentía incapaz de retratar lo que veía y optó por la lucha armada. No, obstante, Vidali, como dirigente de las Brigadas Internacionales, le ordenó cambiar las armas por el espionaje, ya que sus conocimientos de italiano eran muy beneficiosos dada la nacionalidad de las fuerzas que apoyaban a los franquistas. Tambien colaboró en los hospitales con el Socorro Rojo. Tuvo que coincidir con Gerda Taro en Almería, pues a Modotti se le encargó el seguimiento de la tragedia en esa ciudad. Sus reportajes se publicaban en Ayuda, organo de prensa del Socorro Rojo Internacional, y los firmaba con alguno de los pseudónimos que utilizó en España: María, Carmen Ruiz o Vera Martini.

Regresa a México en 1939, donde continúa su actividad política mediante la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi con un nombre falso; fotografió, trabajó y continuó su labor política hasta su muerte en 1942, debida a un ataque cardiaco.
En su lápida, ubicada en el panteón Dolores de la Ciudad de México se lee un verso de Pablo Neruda:
“Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes;
tal vez tu corazón oye crecer la rosa
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa”.

Curso de Fotografía de Bodas en Mérida

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Mon, 31 May 2010 19:57:00 +0000

Los dias 24 y25 de mayo tuve el placer de compartir con parte de la comunidad fotográfica de Mérida, dos días intensos de mucho trabajo y de mucha hermandad, en lo personal me dejo un sabor agradable pienso que la gente de los Andes es especial, pudimos compartir muchas experiencias, hacer fotos y explorar nuestros conocimientos y hasta pude compartir con un par de fotógrafos de muy alto nivel en la creación de sus imágenes.

Pues una experiencia que me gustaría repetir.

Comparto con ustedes la imagen del grupo completo en el Hotel La Pedregosa de Mérida

En unos días publicaremos en el facebook de avecofa las mejores fotos de los participantes

Si quieres ver mas fotografías visita www.jorgevictoria.net

Fotometros

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sun, 09 May 2010 23:22:00 +0000

Su función es medir la intensidad de luz.

Existen fotómetros incorporados en las cámaras así como también los hay externos.

Los fotómetros incorporados en las cámaras miden la luz reflejada o sea la luz que incide sobre el sujeto a fotografiar y rebota hacia el lente de la cámara, suele ser muy preciso, hoy por hoy la mayoría de las cámaras fotográficas sino todas lo traen incorporado.

El fotómetro debe saber la sensibilidad de la película, aunque las cámaras más modernas lo hacen automáticamente.

La otra forma de medición de luz lo hacen los fotómetros externos miden la luz incidente sobre el sujeto a fotografiar, de esa medición y la distancia a la que se coloca la cámara podemos hacer ajustes para lograr una mejor toma (debido a que no hay medición de luz reflejada y no es tan precisa), pero es el instrumento a utilizar cuando se usan luces electrónicas o combinadas.

Este tipo de fotómetro el que podemos encontrar en las cámaras fotográficas actuales, la información que nos muestra es muy completa, ya que además de indicar velocidad y diafragma necesarios, nos indica la sensibilidad de la película, compensador de luces utilizado, así como situación del autofocus de la cámara.

Aprovechando el uso de este instrumento, podemos empezar a jugar con nuestra camara, por ejemplo: si es de tarde y escasea la luz aumenta el ISO de la camara a 400 u 800(puedes ver el articulo ISO/ASA que esta en entregas pasadas) , abre el diagragma y coloca la velocidad que te indica el fotometro y tendras fotografias diferentes y un recurso nuevo a manejar.

Recuerda visitar www.jorgevictoria.net

Historia de la Fotografía ( Atget)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sat, 08 May 2010 01:25:00 +0000

Eugéne Atget, 1857-1927

Nace en Libourne (Francia) el 12 de Febrero de 1857. Aún joven, viaja a Uruguay: quiere ser marino, profesión que deshecha al poco tiempo. Forma parte de una compañía ambulante de teatro. No le encargan los papeles principales, debido a su no muy agradecido físico y a su fuerte acento regional. Otra vez en París intenta ser pintor, pero de nuevo no tiene suerte.

Se convierte en fotógrafo que suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara. Él considera sus fotografías como documentos para artistas.

También trabaja para ciertos organismos oficiales como la Comisión del Viejo París y la Biblioteca Histórica de la Villa de París, para los que realiza diferentes series: París pintoresco 1898-1900, El viejo París 1898, El arte en el viejo París 1900, La topografía del viejo París 1901, París Pintoresco 1910.

Utiliza una cámara de fuelle con placas de vidrio de 18 x 24 cm. con el objetivo desplazado, para evitar que las verticales se distorsionen, lo que provoca la aparición de bordes negros en la parte superior de sus fotografías. La cámara que utiliza pesa unos 20 Kgs. y aunque ya existían los negativos flexibles, él nunca los utiliza. Viaja en autobús o en metro. En un cuaderno suyo que se conserva, figuran las direcciones de sus clientes con la parada de metro más próxima.

Sus fotografías están realizadas a primeras horas de la mañana (se le solicitaba que no aparecieran personas) ya que el interés oficial se orienta hacia los monumentos históricos. Recorre uno a uno los diferentes barrios de París. Amplía su objetivo de reflejar los monumentos históricos a todo edificio o lugar que le despierta interés. No está interesado en el Gran París de Hausmann, él está interesado en el París que cambia constantemente. Realiza una cantidad ingente de fotografías desde 1898 hasta 1927, año de su muerte. Al final de su vida se sugestiona con el París que está desapareciendo, hay textos en sus fotografías que indican la próxima desaparición de los elementos que figuran en las mismas.

Debido a un cúmulo de circunstancias, sus fotografías analizadas hoy reflejan algo que es posible que él ignorase en el momento de realizarlas: Un París que ya no existe, la ausencia de personas o más bien la presencia fantasmal de las mismas.

Sus fotografías no tratan de representar ningún acontecimiento, sino que son visión frontal, una mirada fría y aséptica del objeto de la fotografía tal y como es. Este conjunto de elementos hoy nos transmiten una sensación de nostalgia y de drama.

Este análisis de sus fotografías fue ya realizado en su tiempo por fotógrafos como Berenice Abbott y Man Ray a los que conoció.

Man Ray le presenta a los surrealistas y a el se le atribuye su descubrimiento, tenia un estudio en la misma calle que Atget y el lo cataloga como el fotógrafo de los fotógrafos dándole así una supremacía sobre los demás.

Le proponen publicar alguna foto en el número de Junio de 1926 de la revista La Revolución Surrealista (Corset de 1912). Atget dice: no incluyan mi nombre. Las fotos que tomo son simples documentos. La posición política y moral de los surrealistas no interesa a Atget.

En 1968 el MOMA de Nueva York adquiere 10.000 de sus negativos. ¿Son las fotografías de Atget meros documentos o es arte? El trabajo de Atget trasciende a su creador. Ha inventado la moderna fotografía.

Un pequeño homenaje

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Thu, 06 May 2010 22:10:00 +0000

Este homenaje no es para ningún fotógrafo de siglos pasados o para alguno de esos que hacen de su estilo parte de la historia de los que vivimos de este afán de ver las cosas desde muchos puntos de vista llamada FOTOGRAFÍA.
Este homenaje es para un ser sincero, honesto, entregado y excelente amigo y compañero, que compartió 9 años de su vida conmigo, sus únicos nueve años, y de mi vida parte de los mejores.
Gracias por haberme acompañado, por haberme enseñado y por vivir siempre mostrando lo mejor de ti y haciendo de mi mejor persona

Tocco 05-05-2001/29-04-2010

Fotografiar con luz de ventana

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Wed, 05 May 2010 01:10:00 +0000

La luz que entra por la ventana es quizas el recurso de iluminacion mas ultilizado sobre la faz de la tierra y la verdad es que en general puedes lograr bellisimas fotografías aprendiendo a utlizarla.

Y en realidad es muy facil verla, una de las cosas importantes es que sea el reflejo de la luz que llegue y no la luz directa (no es obligatorio) pero es lo que veremos hoy, puedes incluso cerrar la cortina para suavizar la luz

Si colocamos al sujeto a fotografiar al lado de la ventana veremos que la luz que le llega iluminara mas un lado de la cara que el otro esto es bueno porque nos dara una senasacion de volumen en la imagen, no obstante si giramos el rostro o el cuerpo hacia la ventana podremos lograr una imagen mas iluminada, debes siempre tener en cuenta los objetos que tienes en el fondo para que entren dentro del encuadre y la composicion que desees.

Si tienes una camara point and shot, no tendras problemas porque en general ella hara los calculos por ti, pero si tu camara te da opciones para que tu juegues con la velocidad de obsturacion, la apertura de diafragma y el ISO o simplemente es una camara reflex puedes probar darle a tu foto toques personales.

Por ejemplo, una vez que ubicas a la persona a fotografiar, colocas 1/60s de velocidad, la apertura en los mas abierto que tu lente pueda abrir f/3,5 o mas abierto y empiezas a mover el ISO de 100 a 200 y ves la imagen si sale muy oscura lo cambias a 400 y asi sucesivamente hasta lograr una captura que te guste.

Luego vas alejando al sujeto de la ventana y te vas colocando un poco mas de frente a el sin robarle luz y vas probando otras formas de iluminacion, atrevete a probar y veras resultados muy buenos. No tengas miedo del ruido digital que produce trabajar en ISO 800 0 mas, eso puede ser un buen instrumento si estas conciente de el.

Recuerda que lograr un buen resultado dependera de cuanto practiques y corrijas tus tomas.

Me gustaría mucho que si tienes dudas o quieres preguntar algo, hazlo por aquí, o en el twitter @fotocreativa

Historia de la Fotografia (Nadar)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Mon, 03 May 2010 00:56:00 +0000

Nadar

Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.

Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión.

Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

En 1851 Nadar reprodujo en litografía un fresco gigantesco de casi 250 personajes que mostrasen toda la gloria literaria y artística de París.

En 1854 Nadar abre un estudio de fotografía en el 113 de la Rue Saint-Lazare, en 1860 se le quedó pequeño y se cambia a un barrio más a la moda convirtiéndose en una élite de intelectuales.

Se lanzó a la fotografía aérea. En 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir, "El Gigante", de la ciudad de Petit-Bicetre. Diez años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomadas sobre una sola placa al colodión de gran formato.

En 1864 publicó la historia de sus viajes "Las memorias del Gigante" un año después "El derecho a volar". En 1860 Fotografió catacumbas con luz artificial así como las cloacas de Paris, En 1895 cedió su estudio a su hijo.

En 1900 publicó su libro "Cuando yo era fotógrafo" una obra muy interesante y rica en enseñanza, dotada con muchas anotaciones sobre la fotografía, más tarde es homenajeada en la Exposición Universal de París.

Sara Bernhardt 1860-1865

Nadar tenia como amistades a los miembros mas prominentes de la actualidad Parisina de su momento, Personalidades mundialmente ilustres como Balzac, Víctor Hugo, Alejandro Dumas, Julio Verne, Baudelaire, George Sand, Rossini, Banville, Nerval, Sandeau, Michelet, Delacroix.

Historia de la fotografía (Talbot)

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Thu, 29 Apr 2010 01:21:00 +0000

TALBOT, William Henry Fox (1800-1877)

Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico, ya que fue el inventor del proceso negativo-positivo en la década de los años 30, antes que el daguerrotipo, tal proceso consistía en conseguir una imagen (positivo), a través de un original (negativo). Este proceso se le llama calo-tipo, y a diferencia con el daguerrotipo, es que esta era una única reproducción en soporte de plata.

En 1825, se tituló en Clásicas y Matemáticas. La Royal Society dio a conocer su invento el 10 de Junio de 1841, bajo el título "The process of Calotypie photogenic Drawing", del cual ya era socio unos diez años antes de su reconocimiento. En el año 1835, fue cuando por primera vez consiguió fijar su primera imagen. En 1849 presentó una nueva patente en el campo fotográfico que consistía, en utilizar la porcelana como soporte fotográfico.

El proceso desarrollado por Talbot tuvo en sus inicios menor notoriedad debido a su falta de desarrollo ante el Daguerrotipo de Daguerre, pero el hecho de poder hacer las copias que quisieses provenientes del negativo pudo colocar las imágenes en manos de mucha gente y se abrió la posibilidad comercial a gran escala de allí su éxito

La Captura Digital

noreply@blogger.com (Jorge Victoria) — Sat, 24 Apr 2010 16:28:00 +0000

En realidad las cámaras digitales no son tan diferentes de las cámaras tradicionales de película.

En cuanto a la captación de imágenes funcionan exactamente igual, se diferencian en el proceso de las imágenes... mientras que en las cámaras analógicas la captura se registraba en la película en las cámaras digitales la captura se hace en el sensor y se almacena en la tarjeta de memoria, esta es la primera gran diferencia.

Otra gran diferencia y avance del registro digital lo vemos en la utilización de los ISO de la cámara, podemos pasearnos desde ISO 100 hasta 1.600/3.200 haciendo pequeños cambios en la configuración de la cámara, anteriormente para hacer esto debíamos tener varias cámaras o cambiar las películas según fuese nuestra necesidad (puedes ver el articulo de ISO/ASA, que se encuentra en este Blog), esto era muy complicado o sencillamente poco practico.

El almacenamiento es uno de los puntos a favor de la captura digital, ahora podemos guardar una alta cantidades de imágenes en solo una pequeña tarjeta.

y lo otro que veo que ha logrado que la fotografía digital haya crecido de una forma tan abrupta, es la prontitud en la que podemos disfrutar de las imágenes en el respaldo de la cámara o en la intimidad de nuestro computador y la posibilidad de hacer manipulación de imágenes sin tener una gran preparación previa.

Si lo pensamos bien hoy día en segundos podemos ver en que fallamos en la captura de un momento y repetirlo cuantas veces consideremos hasta lograr lo que queremos. Si algunos lo recuerdan en la época de la película debíamos terminar de tomar el rollo de 36 tomas que lo hacíamos a veces en meses y luego revelarlo en el laboratorio y lo peor era recogerlo para en algunos casos tener un resultado que distaba en mucho lo esperado.

Si quieres ver buenas fotografías entra en www.jorgevictoria.net