Haluros de Plata

Goma bicromatada

2017-07-16T21:01:00.000+02:00

"La Ciutat Esvaïda" edición bicromatada de José Luis García

La impresión en goma bicromatada en una técnica por contacto flexible y relativamente sencilla que aprovecha la sensibilidad a la luz del bicromato potásico para crear copias en color. El proceso fue inventado por el fotógrafo pionero escocés Munto Ponton en 1.839, pero no se comercializó hasta 1.894. A partir de entonces se convirtió en un proceso popular entre pictorialistas del nuevo siglo como Alfred Stieglitz.

"La Ciutat Esvaïda" de J.Vicente Jiménez

Al finalizar la primera guerra mundial, los fotógrafos se sienten atraídos por estilos más realistas en general y abandonan rápidamente las técnicas pictorialistas, poco adecuadas para estas tendencias. En España, curiosamente, se mantiene el pictorialismo hasta mediados de siglo, con fotógrafos de gran prestigio como José Ortiz Echagüe, Joaquín Pla Janini y Francisco Mora Carbonell entre otros.

El papel, de buena calidad, se cubre con una mezcla de goma arábiga y pigmento que se sensibiliza a la luz con bicromato potásico. Este provoca el endurecimiento de la goma tras una larga exposición a la luz UV; el "revelado" consisten lavar con agua el pigmento y la goma de las zonas no endurecidas, correspondientes a las luces. La textura depende tanto de la del papel como de la huella del pincel con que se aplica la goma; el resultado tiene un aspecto muy diferente a una fotografía. La imagen final no tendrá más que pigmento de acuarela, de un color o de varios.

El proceso es químicamente muy sencillo, aunque la preparación y sensibilización del papel y el procesado exigen cierta práctica para no dañar la imagen. Permite aprovechar cualquier tipo de papel y todos los colores de las acuarelas. La aplicación de la goma puede también hacerse en función de la imagen.

Los viejos procesos

2017-07-09T13:06:00.003+02:00

Procesos antiguos a partir de una misma imagen, de izquierda a derecha: goma bricomatada, cianotipia y marrón Van Dyke. Autor de los procesos: José Luis García

Mucho antes de que el bromuro de plata se convirtiese en el más importante medio de positivado de imágenes en blanco y negro estuvieron en uso gran cantidad de procesos diferentes. Cualquier fotógrafo de 1890 estaba familiarizado con cosas como la ristotipia, la kalitipia, la cromotipia, la cianotipia, la fluorotipia o la lenintipia; y es más que probable que hubiese utilizado los procesos a la leche, el café, al alabastrino, al grafito y hasta el de la Emulsión del Rev. Beechey, todos ellos descritos en cualquier manual de la época. Casi todos fueron puestos a punto por aficionados entusiastas y daban resultados muy irregulares. Su función era conseguir imágenes más permanentes y con mayor riqueza tonal que las que entonces daban los haluros de plata, pero solía ser complicado preparar los papeles y exigían el uso de compuestos demasiado peligrosos o demasiado complicados de preparar en la actualidad. No obstante, hay algunos que aún pueden dar imágenes atractivas con calidades de color y detalle muy particulares y que pueden seguir aplicándose para crear efectos imposibles con los papeles comerciales en blanco y negro o en color.

La imagen de partida en formato digital

Para usar hoy día estos procesos, lo primero que hay que hacer es preparar la superficie del papel. Normalmente esto consiste en aparejarlo pulverizando con almidón u otra sus tancia similar, según se indique en cada caso. Durante esta operación y la de sensibilización es fundamental que el papel permanezca plano, ya que en caso contrario no entraría bien el contacto con el negativo.

La capa sensible, como la emulsión líquida, se aplica bien de forma que se noten las pinceladas , bien de forma que la capa sea uniforme, según se prefiera. Los bicromatos aumentan su sensibilidad a medida que secan, por lo que, aunque la aplicación se haga a la luz normal, deben dejarse secar en la oscuridad. Durante la exposición es fundamental evitar el calentamiento del material, ya que ello interrumpiría el proceso. En todos los procesos la fase de "revelado" es muy sencilla, y por lo general puede llevarse a cabo en cualquier sitio, con tal de que la superficie del papel no reciba luz directa.

La confección de los propios materiales permite "sentir" la naturaleza química de la fotografía y evocar las tribulaciones de los que hace cinco generaciones nos precedieron en esta afición. Por entonces, cuando los procesos pictóricos estaban a la orden del día, se fabricaban muy pocos materiales sensibles y los fotógrafos no tenían más remedio que convertirse en químicos. Los que eran capaces de entenderse con los procesos y además de realizar imágenes originales eran seres excepcionales, y aún pueden admirarse restos de su obra en algunos museos y galerías de arte.

Durante las siguientes semanas veremos como mi buen amigo y fotógrafo José Luis García ha rescatado y probado tres de tales procesos, todos ellos realizables con un equipo mínimo: Goma bicromatada, Marrón Van Dyke y Cianotipia. El punto de partida es mi imagen "La Ciutat Esvaïda" que representa un típico patio mallorquín. El archivo digital se ha escaneado a negativo.

Bibliografía usada: "Manual del Laboratorio Fotográfico" de Michael Langford

Fotografía Digital con punto de partida Analógico

2016-04-23T21:23:00.000+02:00

El paradigma de las cámaras analógicas de manejo totalmente manual: La Nikon FM2

En los años ochenta y noventa aparecieron y se desarrollaron las cámaras reflex de exposición y enfoque automáticos, esto no significó que desaparecieran la cámaras de prestaciones manuales, simplemente que irrumpió definitivamente la electrónica en el mundo de la fotografía, hasta ese momento la única concesión a lo eléctrico eran las pequeñas pilas de botón que controlaban los fotómetros.

En las campañas publicitaras de la marca Nikon de la época figuraban las siguientes frases en sus catálogos de promoción de cámaras de prestaciones manuales:

“Una Nikon para perfeccionistas” –Nikon FM2-

“Creada para obedecer” –Nikon FM3a-

Eran cámaras totalmente mecánicas y manuales, sin concesiones a los automatismos en las que realmente y sin lugar a dudas el que tomaba las fotos era el fotógrafo y no la máquina. Erróneamente y probablemente influenciado por un punto de vista que arranca desde la actualidad y echando la vista hacia atrás, se afirma en muchas webs y blogs de fotografía que estas cámaras sólo las pueden usar fotógrafos con ideas claras y sólidos conocimientos fotográficos. Nada más lejos de la realidad.

Los que se interesaban de forma seria por la fotografía y quería aprender, su primera cámara era una reflex monocular de enfoque manual en las que tampoco la exposición se podía determinar de forma automática. El aprendizaje en un principio era autodidacta y las cámaras –si bien esa no era su intención- estaban preparadas para que aprendieras.

El punto de partida para realizar una fotografía en estas cámaras es siempre el fotómetro incorporado, a través del visor vemos unas luces que según su estado sabemos si la fotografía esta correctamente expuesta: una luz roja con forma de “+” sobrexpuesta, un “-“ subexpuesta y un circulo “o” indica una exposición óptima, hay variaciones según el fabricante y el modelo pero básicamente funciona así. El fotógrafo se limita a controlar el dial de los tiempos de exposición o velocidad de obturación en la cámara y la apertura del diafragma en el objetivo hasta conseguir la exposición correcta combinado con una película de sensibilidad determinada.

Nos damos cuenta de que con unos valores de 125 de velocidad y 5,6 de apertura de diafragma obtenemos los mismos resultados de exposición correcta con guarismos de 60 y 8 respectivamente. El siguiente paso es saber la diferencia en las características de la imagen con unos valores y otros con lo que descubrimos conceptos tales como distancia hiperfocal o profundidad de campo, etc. Con lo que de una manera lógica e intuitiva aprendemos los conceptos básicos de la fotografía.

La base de lo que para mi es una buena línea de aprendizaje en el manejo de una cámara de cualquier tipo: conseguir una exposición correcta -img.1- a través del manejo fundamentado de la velocidad del obturador en la cámara -img.2- y la apertura del diafragma en la óptica -img.3-

El punto negativo es la falta de inmediatez de los resultados, la posibilidad de rectificar sobre la marcha y poder replantearnos la imagen en un momento y circunstancias determinadas que quizás no se van a repetir más. Pero esto tiene también su parte positiva: la limitación de las tomas –máximo de 36 exposiciones por carrete- y los costes repercutidos sobre cada toma hacen que la toma de una fotografía sea en cada momento un hecho más pensado y meditado.

El fotógrafo analógico se lo piensa mucho antes de realizar un disparo para obtener el mejor negativo posible, en digital los programas para gestionar archivos una vez captada la imagen crean un sistema de trabajo que permite al usuario solucionar problemas tan serios como el mismísimo encuadre, en otras palabras los programas de edición son la causa de que de partida no tengamos el negativo digital con las mejores condiciones posibles, nos hace fotógrafos perezosos y no le damos tanta importancia a aspectos generales de la toma, debemos partir siempre del negativo o archivo en crudo con las mejores condiciones posibles para perder el mínimo de calidad en ediciones posteriores.

Aprendamos fotografía analógica para ser mejores fotógrafos digitales.

Nikon FM2. La mecánica al poder

2016-04-17T22:30:00.001+02:00

La Nikon FM2N con la óptica Nikkor 28-85 3.5-4.5 Ai-S montada, así como su accesorio natural, el motor de arrastre Nikon MD-12

Hace ya casi 35 años que na Nikon FM2 salió al mercado. Desde el principio se pudo comprobar que todo aquel que quisiera acercarse de una forma seria al hecho fotográfico debía tener como una de sus primeras opciones a la hora de adquirir una cámara, la Nikon FM2: por su fiabilidad, versatilidad y robustez.

A la hora de aprender también reunía todas las condicionantes para ser una de las más recomendadas en las escuelas de fotografía. Veamos porque en su folleto promocional rezaba la frase “Una Nikon para perfeccionistas”

El éxito generalizado de esta cámara entre aficionados avanzados o profesionales como segundo cuerpo fue la introducción de características de la gama profesional, estas eran las siguientes:

La velocidad de obturación, ya que fue la primera cámara semi-profesional que llegaba a la velocidad de obturación de 1/4000 de segundo, debido a un nuevo diseño del obturador de plano focal fabricado en titanio que se desplaza en vertical y consiguiendo por tanto una mayor durabilidad. A partir de 1.989 salió al mercado la FM2N que sustituía el titanio por el aluminio, se distinguían porque el nuevo modelo incorporaba la letra N al principio del número de serie. También ofrecía la nueva FM2 una velocidad de sincro con el flash ampliada a 1/250.

La pantalla de enfoque intercambiable era otra de las características que destacaba en esta cámara sobre el resto de su segmento. Pueden montarse tres tipos de pantallas diferentes, la estándar, con ayuda al enfoque mediante imagen partida; una con cuadrícula y una más brillante y sin ayuda de enfoque.

En esta imagen podemos su principales funcionalidades, de arriba hacia abajo: el contador de exposiciones, la palanca de arrastre, el botón de disparo, el aro de velocidades que incluye también el selector de valores ISO. La zapata para el flash y la palanca de rebobinado.

Funcionamiento

La Nikon FM2 es una cámara completamente mecánica y libre de automatismos, sólo incorpora una pequeña batería para alimentar el sistema de medición, de tal manera que si se agota la batería nos quedamos sin medición pero la cámara sigue funcionando.

El manejo manual de una FM2 esta exento de complicaciones. Encendemos la cámara moviendo la palanca de arrastre de película hacia la derecha y ya podemos usar el fotómetro. Para controlarlo, en el interior del visor encontraremos los símbolos más y menos de color rojo para indicar la sobrexposición y subexposición, respectivamente. Cuando tenemos la medición correcta, vemos un cirulo verde.

En la palanca de arrastre, tenemos también la palanca de multi exposición. Al moverla hacia abajo y arrastrar, la película no avanzará, pero sí se cargará el obturador, Con ello se podrán realizar diversos efectos de superposición de imágenes.

Para modificar el ISO, subimos el aro de las velocidades hacia arriba y lo desplazamos hacia derecha o izquierda. El rango entre 12 y 6400 ISO.

En el visor tenemos a la derecha los controles de medición, a la izquierda la velocidad que tenemos seleccionada y en la parte superior el diafragma que estamos usando. Cuando se mira por el visor se puede previsualizar la profundidad de campo pulsando la palanca que tenemos en la parte derecha junto al objetivo.

Para cargar la película tenemos que desbloquear la palanca de rebobinado y tirar hacia arriba. Este bloqueo es muy útil para evitar aperturas accidentales.

La Nikon FM2 puede montar todos los objetivos Nikkor a partir de los AI hasta los AF D, estos últimos perdiendo la función de enfoque automático, evidentemente, la compatibilidad es amplia.

Una de las características curiosas es el Portarecordatorios que no es otra cosa que una ventanilla situada en la parte trasera de la cámara donde se puede introducir la parte extrema de la caja del carrete para saber en todo momento que tipo de película estamos usando.

Vista trasera en la que se puede apreciar la ventanilla portarecordatorios de la película usada. El número de serie, gracias a la letra N sabemos que es una Nikon FM2N fabricado con posterioridad a 1.989 y laminas del obutrador de aluminio. Detale posterior del motor de arrastre Nikon MD-12

Accesorios

Los accesorios de la Nikon FM2 son los habituales de cualquier cámara de la época de su comercialización como son el equipamiento de aproximación, unidades de flash, accesorios de enfoque y encuadre -antes citados-, disparadores, trapas traseras o las consabidas correas o estuches.

Pero el accesorio ideal o natural diría yo es el motor de arrastre Nikon MD-12 que posibilita el avance automático de la película cuando se pulsa el disparador de la cámara. Además de la realización de tomas de una en una, es posible el disparo continuo a una velocidad máxima de 3,2 fotografías por segundo.

Mi álbum de la Nikon FM2 en flickr

Páginas de interés relacionadas con la Nikon FM2:

camaracoleccion.es
xatacafoto

Olympus µ[mju:]-II y Fujifilm Pro 400H

2015-11-19T20:17:00.001+01:00

Con la extraña denominación µ[mju:]-II bautizo Olympus una de sus cámaras con más éxito y calidad hasta la fecha dentro del ámbito de las compactas digitales ocupando un lugar prácticamente de culto.

Recientemente la adquirí en e-bay a un precio bastante razonable y hoy os traigo el resultado del primer carrete, la película usada también es de estreno, la Fujifilm Pro 400H, veamos cuales han sido mis impresiones de esta combinación cámara-película.

Una de las características que más llaman la atención es la combinación de un objetivo luminoso –2.8- en una cámara de pequeño tamaño con una óptica de 35 mm. De peso liviano, cabe en la palma de la mano, lo que la hace de una excelente portabilidad.

Lleva incorporado un pequeño flash que opera de forma automática aunque lo podemos liberar y utilizarlo cuando lo estimemos necesario.

Pero todas estas características no valdrían para nada si las imágenes no estuvieran a la altura de las características descritas y aquí es cuando nos encontramos el “por que” de la fama de esta pequeña pero grandiosa cámara: una nitidez que para si querrían muchas cámaras reflex.

Una cámara de estas características requiere de una película que este a la altura y el Fujifilm Pro 400H desde luego lo esta.

Colores captados de forma fiel sin saturación. Bajo mi punto de vista es en exteriores en días nublados cuando mejor se desenvuelve esta película gracias a su ASA 400.

También es muy buena para retratos pero en este punto entra en competencia con la que sería su gran rival y que comenté en un post anterior, la Kodak Portra 400, la Pro 400H nos da unos tonos de piel naturales, casi frios; mientras que la Portra 400 los tonos de piel tienen a mi entender un plus de calidez que la hacen mi favorita para el retrato. Por otra parte parece que en la película Fuji el grano es más evidente que en el de Kodak, pero ya sabemos que esta característica para algunos es un defecto mientras que para otros puede ser una virtud.

Equilibrio, es la palabra que mejor definiría esta película que podremos encontrar sobre todo en internet a un precio que rondará los 10,50 €

Fujifilm Neopan Acros 100. La fuerza esta en el equilibrio

2015-04-12T12:28:00.001+02:00

La película Fujifilm Neopan Acros 100, es una película de blanco y negro de velocidad media que cuenta con el más alto nivel de calidad de grano entre las películas ASA 100. De grano ultrafino (RMS: 7), es ideal para grandes ampliaciones. La película es de tonalidad suave, el negro no es muy marcado, los tonos medios son los que más destacan. Esta emulsión produce tonos grises ricos en detalle. Sirve para una amplia gama de aplicaciones fotográficas con resultados de gran nitidez, es perfecta para retratos en exteriores, paisajes y fotografía arquitectónica.

Después de probar una variedad de películas puedo decir sin lugar a dudas que me encuentro ante la que es mi favorita a la hora de fotografiar en blanco y negro: la Fujifilm Neopan Acros 100.

Con esta película he conseguido el que considero mi mejor revelado en un sólo carrete en blanco y negro y que podéis ver en mi nuevo microblog en tumblr: 36 Exp

La Neopan Acros 100 tiene un grano muy fino con lo cual conseguiremos unas buenas ampliaciones. Es de tonalidad suave donde los tonos medios son los que más destacan.

Podremos disfrutar al máximo de su rendimiento en fotografía de exteriores tales como paisaje, úrbana y arquitectura en días soleados o parcialmente nublados. Particularmente creo que es en la fotografía de “calle” donde esta película se desenvuelve como pez en el agua.

La Neopan Acros 100 es lo último que queda de una serie que llegó a 1.600 ASA en su día por lo que no sería de extrañar que Fuji dejará de fabricarla en un futuro no muy lejano. Es una película difícil de encontrar en los comercios y su disponibilidad esta prácticamente limitada a pedidos realizados via internet.

Otra cuestión delicada es la del revelado, lo ideal es que se pueda realizar por los propios medios ya que es difícil encontrar laboratorios que realicen revelados en blanco y negro y lo que es más complicado todavía es que lo hagan de una forma seria sin que te echen a perder algún negativo. Cuando localice un buen laboratorio os lo hare saber.

Como siempre os presento las imágenes con un mínimo de ajustes de revelado en Lightroom o ACR para una apoximación lo más cercana a un revelado de laboratorio

Equipo utilizado:

Yashica Mat 124G, la cámara del Sol Naciente

2014-12-19T18:10:00.001+01:00

Yashica Mat 124G con parasol

Después de una decepcionante experiencia –hasta el momento- en el formato medio con la Lubitel 166B, me hice con una Yashica Mat 124G. Si se quiere empezar en serio en el formato medio este es el punto de partida correcto, las cámaras de inferior calidad a esta serán experimentos realizados con gaseosa.

No es fácil conseguir una de estas cámaras por un precio razonable en relación con su estado de conservación, la que os estoy mostrando y después de comprobar su número de serie se fabricó en 1.977 y se encuentra en unas condiciones impecables tanto de estética como funcionamiento. Finalmente después de un año de investigación y de subastas fallidas, la conseguí por 177,00 € con gastos de transporte e incluyendo funda protectora y una lente adaptadora para angular.

Historia

La gama Mat la formaron unas cámaras de doble lente (TLR) fabricadas por Yashica entre 1957 y 1986. El modelo 124G fue el último de la saga pero se fabricó durante 16 años, casi la mitad del periodo de producción de las cámaras TLR de Yashica. Era de una calidad excelente y una alternativa económica en cuanto a estética y prestaciones a la Rolleiflex 3.5, tanto es así que algunos de sus accesorios son comunes en ambas cámaras.

Características Técnicas y descripción

Tipo: Cámara réflex de formato medio TLR (Twins Lens Reflex). Película: 120 (6x6cm) Objetivo: Yashinon 80mm f/3,5 (cuatro elementos en tres grupos). Foco: 1 m a infinito. Visor: Yashinon 80mm f/2,8. Pantalla de cristal con una lupa de 3 aumentos y visor deportivo. Obturador: Copal SV. 1 a 1/500s. Bulb (B) Diafragma: f/3,5 a f/32. ISO: Desde 25 a 400. Batería: PX625 (1,3v mercurio) o equivalentes. Dimensiones: 148mm (alto) x 77 mm (ancho) x 101 mm(fondo) Peso: 1100g

Yashica Mat 124G con adaptador gran angular

El cuerpo es completamente metálico, es una cámara pesada . Al igual que todas las TLR, tiene dos objetivos de idéntica longitud focal montados uno sobre otro en un panel común. La distancia del objetivo superior a la pantalla de enfoque es la misma que la del objetivo inferior a la película. La pantalla de enfoque tiene el mismo tamaño que el fotograma. Esto permite enfocar y componer la imagen sobre la pantalla (cubierta con un capuchón) y captar la misma imagen a través del objetivo inferior. La diferencia de puntos de vista entre los dos objetivos produce error de paralaje, acentuado especialmente en distancias cortas de enfoque.

Estas TLR estaban diseñadas para un formato de película cuadrado, 6x6 debido a que son bastante incomodas de usar en posición horizontal.

Sobre el terreno

Manejar esta cámara es sentir la “mecánica” antes que la “tecnología”: el paso de un fotograma a otro se hace a través de una manivela lateral, el fotómetro es rudimentario pero sencillo y eficaz –dos indicadores físicos correspondientes a la velocidad del obturador y la apertura del diafragma que deben coincidir el uno encima del otro-El disparo es todo un ritual, colocamos la cámara a la altura de la cintura, miramos por el capuchón y componemos con una imagen invertida de la toma, el enfoque resulta crítico aún usando la lupa incorporada, por lo que deberemos tener claros conceptos tales como profundidad de campo, distancia hiperfocal, etc.
Se merecen una mención aparte la carga y descarga la película, quizás los momentos mas complicados y críticos en el uso de la cámara, lo mejor es visualizar algunos tutoriales que podemos encontrar en YouTube

Con el primer carrete se paga la novatada pero con el segundo nos habremos acostumbrado a esta filosofía de tomar fotografías.

Resumen

Una cámara ideal para adentrarse en el formato medio sin gastarse dinerales en marcas tales como Haselblad o Mamiya. Especialmente indicada para realizar foto callejera ya que la mayoría de la gente o no se entera que le hacen una foto o no saben lo que es además de resultar silenciosa. Tiene una única distancia focal aunque se le puede adaptar un angular que produce viñeta. Con tendencia al flare se recomienda el uso de parasol.

Ideal para aprender y comprender los conceptos básicos y fundamentales de la Fotografía.

Para saber mas:

www.yashicatlr.com Artículo exhaustivo de la gama Mat de doble lente –esta en ingles-
Tutoriales Youtube recomendados en cuanto a la carga y descarga de película:
Carga de película
Descarga de película

Ilford Delta 3200. Las imágenes surgen de la oscuridad

2014-06-15T21:52:00.001+02:00

Con los nombres de las películas podemos prever que resultados podremos obtener de las mismas, en el caso de la Ilford Delta 3200 esta premonición se hace mucho más evidente. Con un ISO tan alto, esta película es indicada para interiores pobremente iluminados, escenas nocturnas y días intensamente nublados.

Utilizaremos esta película siempre que no queramos emplear la luz artificial del flash o exposiciones largas montando la cámara sobre un trípode, en cuyo caso películas con ISO 100 sería más indicado. Pero si queremos rapidez y flexibilidad a la hora de realizar las tomas y captar elementos más o menos dinámicos sin importarnos mucho el grano obtenido, esta será nuestra película.

No quiere decir que no podamos utilizar esta película con condiciones luminosas óptimas pero tendremos que asumir una intensidad de grano potente y considerarlo como un elementos creativo más.

No considero que la utilización de esta película sea un ciclo cerrado, tengo pendiente de probarla en un interior pobremente iluminado como podría ser un bar de copas y su comportamiento en los retratos.

la Delta 3200 es la única película de alta sensibilidad en blanco y negro del mercado, no sería de extrañar que se dejara de comercializar en un tiempo no muy lejano y tener que recurrir a forzados en sensibilidades más bajas para conseguir resultados similares.

Más imágenes obtenidas con esta película en ImageShack

Equipos y materiales utilizados:

Lubitel 166B. La cámara de los Soviets

2014-05-31T20:27:00.001+02:00

La Lubitel 166B fue una cámara fabricada entre 1980 y 1990 en la Unión Soviética. Una alternativa “barata” a una cámara TLR(Twin Lens Reflex) de medio formato. Es una evolución inmediata de la Lubitel 166, que a su vez lo es de las distintas versiones TLR desarrolladas por la Fábrica Estatal GOMTZ desde de 1949 (a partir de 1965 LOMO). Esta toma su nombre de la palabra rusa “Lubitel” que significa “Amateur”.

Orígenes

Para conocer mejor esta cámara, veamos primero el contexto histórico. Una vez finalizada la II Guerra Mundial, gran parte de Alemania –RDA-cayo bajo la influencia de la Unión Soviética . Con el control de este territorio, contaron con un recurso crucial para su pujante nación: el conocimiento y las herramientas de la industria óptica y fotográfica alemana. Entonces se desmantelaron fábricas enteras y se enviaron al Este.

Uno de los beneficiarios de esta nueva tecnología fue "GOMZ", que equivale a “Gosularstvennyi Optiko-Mekhanicheskii Zavod”, Fábrica estatal óptico-mecánica. Esta empresa, fundada en San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1932, era una de las compañías ópticas más antiguas de Rusia. En 1965 su nombre cambió a algo que nos resulta algo más familiar: Leningradskoe Optiko Mekhanichesko Obedinenie (Unión óptico-mecánica de Leningrado) o simplemente, “LOMO”.

Aproximadamente un año después del fin de la guerra, GOMZ presentó una cámara nueva. Esta pequeña cámara de formato medio y lente doble se dedicó a la Organización de la Juventud Comunista de la Unión Soviética y por ello recibió el nombre de “Komsomolets.” En el exterior, era una copia obvia de la Voightlander Brilliant, una revolucionaria cámara réflex de dos objetivos o TLR, que se creó casi 10 años antes. Incorporaba una lente de cristal y un cuerpo de ligera baquelita, una primitiva forma de plástico.

Tras varios años de producción de Komsomolets, la fábrica GOMZ presentó una nueva cámara con una característica radicalmente importante: las lentes acopladas. Esto significó que al enfocar la lente de visualización se enfocaba la lente de captación, con lo que el fotógrafo podía captar con precisión al sujeto. A esta cámara se la llamó "Lubitel", que se puede traducir aproximadamente como "Amateur" en ruso.

A partir de la concepción original de la Lubitel en 1949, hasta el final de su producción a principios de la década de los noventa, se produjeron entre 4 y 5 millones de cámaras. Con estas asombrosas cifras, es fácil entender el impacto que tuvo la Lubitel en sus seguidores y propietarios, tanto dentro como fuera de la Unión Soviética.

Komsomolets

Producida entre 1946 y 1950 / Aproximadamente 25.000 unidades
Obturador central con B, 1/25, 1/50. 1/100 s
T-21 lente de captación 80/6,3, lente de visualización 75/4,5

Esta cámara, que recibió el nombre "Komsomol" en claro homenaje a la Organización de la Juventud Comunista, es uno de los primeros productos creados por la renacida industria fotográfica soviética. También es la primera cámara réflex de lente doble (TLR) creada en la Unión Soviética. En general, se trata de una copia exacta de la original Voigtländer Brilliant sin enfoque, si bien es cierto que se simplificó bastante el diseño del cuerpo. Se fabricó con baquelita, un predecesor del plástico actual. Aunque la Voigtländer Brilliant con enfoque se presentó ocho años antes, la Komsomolets se modeló según la primera Brilliant, por lo que las lentes de visualización y de captación no están conectadas.

Lubitel

Producida entre 1949 y 1956 / Más de un millón de unidades
Obturador central “ZT-5”: 1/10 – 1/200 s
Lente de captación T22 75/4,5 (recubierta), lente de visualización 60/2,8

La sucesora de la Komsomolets presenta una importante innovación, inspirada en la Voightlander Brilliant de 1938: un engranaje acoplado para conectar las lentes de captación y de visualización, de modo que ambas se pueden enfocar al mismo tiempo. El obturador presentaba una gama más amplia de velocidades y la dos lentes se abrían al mismo tiempo. Presentaba un brillo de f/2,8 y un ángulo de visión más amplio. Al igual que la Komsomolets, se fabricó con baquelita.

Lubitel 2

Producida entre 1955 y 1980 / Más de dos millones de unidades

La Lubitel 2 es casi idéntica a la Lubitel pero con algunas variaciones. Lo más destacado de esta cámara es que ahora incluía un temporizador y un sincronizador de flash. Las Lubitel 2 se produjeron con placas en caracteres latinos y cirílicos y se fabricaron para una amplia variedad de mercados de exportación y socios extranjeros.

Lubitel 166

Producida entre 1976 y 1986 aproximadamente 70.000 unidades

A comienzos de 1976, la Lubitel se moldeó con plástico moderno, en lugar de baquelita. Presentaba algunas mejoras importantes con respecto a la Lubitel 2, principalmente un contador de película, en lugar de una ventana roja, y el avance y el obturador acoplados. Una de las variantes que ha sido más objeto de colección se realizó en 1980 para conmemorar los Juegos Olímpicos de Moscú.

Lubitel 166B

Producida entre 1980 y 1990 / Aproximadamente 900.000 unidades

Este modelo es una copia simplificada de la Lubitel 166. No hay ni rastro del contador de película ni del avance y el obturador acoplado. A cambio, tienes un conjunto de prácticos símbolos meteorológicos como guía de ajustes de exposición.

Lubitel 166B Universal

Producida entre 1983 y 1993 / Aproximadamente 400.000 unidades

Con este modelo finalizó la producción de la clásica Lubitel. Esta cámara es en esencia idéntica a la 166B, pero incluye una máscara para dos formatos de película: 6 x 6 cm y 6 x 4,5 cm. Se fabricó activamente hasta 1993.

Lubitel +

En producción desde 2.009

Su fabricación ya no es, evidentemente, de origen soviético o ruso y se trata más bien de una revisión de la Lubitel 166B Universal, enmarcada dentro de la tendencia actual de la fotografía lomo.

Sus características diferenciadoras con la última Lubitel clásica son un cristal del visor perfectamente plano que cubre el 100% de la imagen y la posibilidad de fotografiar en formato 35 mm, además de otras características relacionadas con la fotografía lomo.

LUBITEL 166B

La LUBITEL 166B es una cámara simple creada en un principio para fotógrafos aficionados pero que para su manejo hoy en día, requiere conocimientos tales como tiempos de exposición, aberturas de diafrágmas, profundidad de campo, etc. al carecer de exposimetro y cualquier otro tipo de automátismo.

No produce fotografías de gran calidad, sobre todo en cuanto a su nitidez y su manejo es laborioso, pero es una herramienta poderosa para aprender hacer fotos.

La cámara incorpora una lente, dos visores, selectores de velocidad de obturación y apertura de diafragma, temporizador y sincronización con flash.

Hay que levantar la pequeña cubierta del visor para ver reflejada la imagen que capturaremos. El enfoque de la imagen se realiza por la leve rotación de la lente de forma que los cambios son susceptibles en el visor.

Las escalas de distancia, diafragmas, velocidades y todas las unidades de control se encuentran colocadas y se manejan en los anillos exteriores de los dos objetivos. El contador de exposiciones se visualiza a través de la ventana que deja ver el número de exposiciones impreso en la parte trasera de la película.

Debido al visor reflex es posible tomar capturas tanto por el nivel superior de la cámara así como horizontalmente en ángulo recto. La lente del visor tiene una luminosidad de f/2.8, bastante más alta que la lente fotográfica.

Cuando se van a tomar fotografías a la altura de los ojos se suele utilizar el “visor deportivo” aunque para usarlo es necesario tener una experiencia previa en la estimación de distancias a ojo para utilizar la escala (ya que no se visualiza el enfoque).

Para conseguir una buena exposición deberemos manejar con buena intuición la Regla 16 pero lo más práctico será utilizar un exposimetro individual o utilizar el de una cámara reflex actual y aplicar los datos a nuestra Lubitel.

Datos técnicos:

Tipo de película: De formato medio 120.

Tamaño del fotograma: 6 x 6.

Número de exposiciones: 12.

Lente fotográfica T-22 formada por tres elementos anstigmaticos:

·Distancia focal: 75 mm.

·Apertura del diafragma: Desde f/4.5 hasta f/22.

Apertura del visor reflex: f/2.8.

Velocidades de obturación: 1/250, 1/125, 1/60, 1/30, 1/15 y modo “B” (Bulb).

Distancias de enfoque: De 1.4 m. hasta infinito.

Tiempo del temporizador: 7 y 12 segundos.

Su utilización es divertida. En este sentido recogemos un texto que reproduce perfectamente el momento en que hicimos nuestra primera fotografía con una Lubitel 166B:

“El proceso de disparar esta cámara es un ritual no extremadamente rápido: compones en la mente, miras la luz del cielo, usas la regla f/16 o un fotómetro para calcular la velocidad, decides el campo focal, con lo que debes reconsiderar la velocidad del disparo, te das cuentas que no tienes esa velocidad, así que usas una parecida y una exposición “por ahí cerca”, compones en el visor, te das cuenta de que estás tomando la cámara muy cerca y que no la tienes derecha, sacas la lupa de enfoque, enfocas, cargas el gatillo, disparas, mueves la tapa de la ventana trasera, mueves el rollo a la siguiente posición, tapas la ventana trasera. Es un proceso bastante divertido, …”

Es evidente que realizar fotografías con esta cámara de elementos en movimiento resulta bastante complicado.

El Obturador

El obturador es la parte más compleja de la cámara, veamos sus partes y funcionamiento:

1. Antes de realizar cualquier acción con el obturador, tenemos que amartillarlo con esta palanca, mostrada aquí en la posición amartillada.
2. La palanca de liberación de obturador, en definitiva “el botón de disparo”
3. Entrada para cable disparador.
4. Selector de apertura del diafragma, en este caso 11.
5. Palanca de velocidad de obturador, en este caso 1/60.
6. Palanca de temporizador.
7. Entrada PC para flash.
8. Aguja indicando apertura del diafragma.
9. Marca que indica la velocidad del obturador.

Y esta es a grandes rasgos la historia y las características de mi primera cámara de formato medio. No es una gran cámara pero es económica –en e-bay se puede conseguir por un precio interesante- y sientes el hecho fotográfico mucho más cercano. Sinceramente creo que es una herramienta con la que realmente aprendes a fotografiar o por lo menos comprendes y entiendes lo que es “tomar una fotografía”

Notas:
Para realizar este artículo se ha tomado y se tomará información de los siguientes sitios:
http://www.lamiradadelfotografo.com/lubitel-166b.html
http://www.sovietcams.com/index.php?740650247
http://cameras.alfredklomp.com/lubitel2/
http://microsites.lomography.es/lubitel166+/history
Esta página se actualiza con regularidad.

Kodak 400TX. Una película todoterreno

2013-12-26T23:20:00.000+01:00

Tras doce días de espera recogí el revelado acompañado del CD con las imágenes escaneadas de la película Kodak Tri-X 400TX. Mi laboratorio habitual no realiza revelados en blanco y negro y este lo había encargado a un tercero ubicado fuera de Baleares con un resultado desolador: negativos con manchas de revelado, rallados, artefactos; acompañado de un lamentable escaneado donde todas las deficiencias del negativo aparecían resaltadas en las imágenes finales.

Lo ideal habría sido efectuar el ciclo de revelado uno mismo, pero ante la posibilidad física actual de realizarlo y ante el desastre inicial decidí escanear yo mismo las imágenes con el escaner CanoScan 9000F y solventar la situación de la mejor manera posible, partiendo del hecho que tenía unos negativos con unas deficiencias irrecuperables.

Las imágenes que aquí os muestro –podéis ver más ejemplos en el álbum de flickr- es el resultado de haberlas escaneadas con el programa propio del escaner. Una situación resuelta con dignidad.

El resultado, dentro de lo que cabe, es plenamente satisfactorio: una mayoría de tomas realizadas con una exposición correcta y equilibrada tanto en exteriores como en interiores en los que no se ha utilizado el flash y que no han requerido complicadas ediciones posteriores ni a nivel general, ni local.

Un grano comedido y agradable con el que se puede maniobrar a la hora de editar, con esto quiero decir que como elemento visual lo podemos usar o simplemente eliminarlo sin que afecte en nuestra contra en cuanto a la definición de la imagen final. Una película ideal para forzados con valores ISO más altos.

En definitiva, una película todoterreno que al tener un ISO medio-alto de 400 podemos usar en situaciones de iluminación normal como extremas.

Dejo para la próxima entrada mis impresiones sobre el Escaner CanoScan 9000F así como el programa de escaneo SilverFast 8.0.

Equipo y materiales utilizados:

Kodak Ektar 100

2013-12-12T17:08:00.000+01:00

En esta ocasión la prueba de película corresponde a la Kodak Ektar 100, según Kodak, esta película ofrece un grano muy fino, gran viveza en los colores y una buena nitidez.

La imagen mostrada corresponde a Can Vivot y su tradicional patio mallorquín en pleno corazón de Palma de Mallorca.

Como en anteriores ocasiones quedo a expensas de una correcto escaneo de la película por parte de mi laboratorio de confianza habitual. Parece que efectivamente se cumple la condición de un grano fino –ya lo puede ser para un ISO 100- y la copia también tiene unos colores cálidos y una nitidez correcta.

A continuación la imagen tal cual vino escaneada del laboratorio:

Original escaneado en laboratorio

Así como con las películas de la gama Kodak Portra el plugin Dfine de Nik Collection se tuvo que emplear a fondo en lo que respecta a la reducción de grano –ISO 400 y 800-, para el Ektar apenas se aprecia la diferencia al aplicar el plugin. Aunque en lo que respecta a los colores, personalmente, encuentro que Portra ofrece mayor rango dinámico de entrada.

Como habréis podido apreciar en todas esta fotografías realizadas con película, la edición que suelo realizar es mínima y poco intrusiva porque de entrada las propiedades de las mismas ya me ofrecen lo que busco y espero de ellas. La principal variación en esta imagen respecto del original escaneado ha sido la corrección óptica de los elementos arquitectónicos que aparecen para ganar en horizontalidad.

Otras fotografías realizadas con Kodak Ektar 100:

Equipos y materiales utilizados:

Kodak Portra 800

2013-09-07T22:20:00.000+02:00

Una vez finalizada la revolución digital y su definitivo establecimiento en el mundo de la fotografía como principal soporte de la imagen, cabe vislumbrar en que posición ha quedado en este derrocamiento tecnológico la fotografía analógica.

No me extenderé más en la cuestión evolutiva de la fotografía por medios análogicos aunque sí merece un artículo aparte, ya que si tiene una progresión limitada no esta ni muchísimo menos acabada.

En mi anterior artículo sobre la película Kodak Portra 400 vaticinaba un futuro prometedor para la fotografía en soporte analógico de la mano de Kodak, nada más lejo de la realidad al día de hoy. La compañía inmersa en un saneamiento económico sinfin para salir de la suspensión de pagos, mantiene a su división de película en la cuerda floja.

Kodak Portra 800

Mientras se deciden todas estas cuestiones de giros tecnológicos y empresariales, por mi parte intentaré disfrutar mientras pueda del placer de fotografiar con el tradicional carrete, en esta ocasión me quiero centrar en mi experiencia en el uso de la película Kodak Portra 800.

Todo lo que comenté en su momento para la Portra 400 es de aplicación para la Portra 800 y esto es amplio rango dinámico en todas las tomas en general o sea cubre casi todas las diferencia entre los tonos más claros y los más oscuros. Sin luces reventadas ni zonas empastadas.

Pero, vamos a centrarnos en el retrato de Soco y Hector, partimos de la imagen revelada y escaneada en un laboratorio comercial comparándola con la editada y definitiva

Original escaneado de laboratorio Copia editada

En esta ocasión he cambiado de laboratorio para el revelado y escaneado, creo que estoy más contento, pero esto se trata de una apreciación subjetiva. Al igual que la vez anterior, es sorprendente la riqueza de tonos y contraste sin que haya sido necesaria todavía aplicar ninguna corrección. Es de reseñar la aplicación por parte del laboratorio de un ligero recorte respecto del negativo original.

Si bien para la edición de las imágenes tomada con Portra 400 apenas tuve que realizar unos pequeños ajustes de exposición y contraste, en esta ocasión he aplicado el filtro Dfine 2 de Nik collection para la reducción del grano más grueso producido por un ASA 800. Si ampliamos la imagen podemos apreciar el grano y su grado de reducción

Original escaneado de laboratorio Copia editada

Resumiendo, Kodak Portra 800 tiene las mismas cualidades que Portra 400 pero, lógicamente, un grano más grueso que requerirá un plus de edición por nuestra parte, o no si lo queremos considerar como una opción creativa. Las películas Kodak Portra han tenido un alto rendimiento y en algunos aspectos son unas dignas competidoras de las imágenes obtenidas con medios digitales.

Equipos y materiales utilizados:

Mi Mochila Fotográfica: II Analógica Enfoque Manual

2011-12-08T13:48:00.001+01:00

Continuamos con el análisis de mi equipo fotográfico. En esta ocasión el analógico-manual.

En cuanto al transporte, soporte, iluminación y filtros tenemos los mismos elementos que para el equipo autofoco y que son la mochila Lowepro Mini Trekker (1), el trípode Manfrotto 190XPROB (2) con rótula 804RC2 (3), el flash Nikon Speedlight SB-28 (8) y los filtros variados (9) y que ya os comenté en Mi Mochila Fotográfica: I Analógica Autofoco.

La estrella del equipo es la cámara Nikon FM2 (4) una de las pocas posibilidades serias de su época dentro de la gama de reflex manuales, alta velocidad de sincronización (1/250 s). Robusta y fiable y el detalle de poder trabajar sin pilas. Como decía el eslogan de sus folletos “Una Nikon para perfeccionistas” debido a la posibilidad de control total de todos los parámetros por parte del fotógrafo en lo que se refiere a enfoque, telemetría, profundidad de campo, etc. Aquí la tenéis acompañada del motor de arrastre que hace las veces de empuñadura MD-12.

En su momento, también se comercializo la Nikon FM2 con acabado cromado en su parte superior e inferior

En cuanto a las ópticas tenemos el angular Nikkor 28 3.5 (5) de modesta luminosidad para las ópticas de este rango. El angular-zoom Nikkor 28-85 3.5-4.5 (6) de aceptable luminosidad y suave y fácil enfoque. Y el macro Tamron SP 90 2.5 (7) con tubo de extensión para el paso de 1:2 a 1:1, esta óptica es ideal para macro aunque es imprescindible el tubo de extensión para este fin y resulta también muy apropiado por su distancia focal (90 mm) para retrato.

Como es natural, todas las ópticas autofoco de la mochila autofoco se adaptaban en modo manual a la Nikon FM2 y las manuales de este sistema a la Nikon F90X pero sin la posibilidad del enfoque automático.

Mi Mochila Fotográfica: I Analógica Autofoco

2011-12-06T21:37:00.001+01:00

En esta ocasión os voy a mostrar que equipación llevo en mi mochila analógica autofoco, para una entrada posterior, mostraré la equipación de enfoque manual y próximamente también el material utilizado en fotografía digital. Empecemos:

Primero por el continente, el medio de transporte del equipo de un lugar a otro y que es la mochila Lowepro Mini Trekker (1), la tengo desde hace bastantes años y sigue vigente en el catálogo del fabricante aunque con sutiles variaciones en el diseño de la misma, sus dimensiones pueden parecer parcas (380 x 275 x 170) pero cabe todo el equipo que veis en la foto más un segundo cuerpo adicional, tiene capacidad para llevar un pequeño trípode gracias a los arneses de la parte inferior pero uno más grande –como el que se muestra en la imagen- ya resulta de difícil transporte. Al ser un modelo bastante antiguo no posee funda protectora contra la lluvia.

En cuanto al trípode tengo el Manfrotto 190XPROB (2) con rótula 804RC2 (3). Sus patas pueden adoptar múltiples posiciones y tiene nivel de burbuja. Es posible extender por completo la columna central y después girarla 90 grados para adoptar una posición horizontal para la fotografía macro y el uso de un ultra gran angular. La rótula es ágil y suave en su manejo aunque la cantidad de mandos la hace una tanto engorrosa en la práctica, para mi lo ideal sería una rotula de tipo joystick. Es una buena solución para un fotógrafo aficionado-avanzado resistiendo perfectamente hasta ópticas tele-zoom 80-200 de apertura amplia.

El buque insignia del equipo es la cámara Nikon F90X (4) del segmento semi-profesional y adquirida en 1.996, fue un éxito comercial para la casa nipona basado en su robustez, fácil funcionamiento, su medición puntual y la medición matricial 3D –aspecto que la diferenciaba de F90-. En mi caso viene provista con la empuñadura y soporte vertical MB-10 y el respaldo MF-26 para las posibilidades de disparo en secuencias automáticas, exposiciones múltiples, horquillado y compensaciones de exposición, impresión de datos, exposición prolongada, etc.; características que ya vendrían de serie en su sucesora, la Nikon F100.

Parte posterior de la Nikon F90X donde se puede apreciar el respaldo MF-26

En cuanto a las ópticas tengo el Nikkor 28-70 2.8D (5) de luminosidad intermedia pero el único tipo “D”, por lo que se adapta perfectamente a la medición matricial 3D de la cámara y con una lente asférica híbrida. El Nikkor AF 50 1.8 (6), óptica fija estandard muy luminosa como suele ser habitual en este tipo de lentes. El Sigma Superwide 24 2.8 (7), óptica gran angular de precio muy razonable en su época en comparación con el angular de la marca Nikon pero con prestaciones de calidad similar. El Tokina AT-X 80-200 2.8 (8), un tele-zoom bastante luminoso y de calidad en su época, de precio asequible y que incomprensiblemente la casa Tokina no lo fabricado en su versión digital, acompañado del teleconvertidor Soligor C/D7 Tele-converter 2X (9).

La Nikon F90X, como era habitual en las cámaras de su época y segmento, carecía de flash incorporado que actuara como luz de relleno. Mi elección para la obtención de iluminación extra fue el Nikon Speedlight SB-28 (10), el tope de la gama Nikon en su momento, muy versátil, con número guia 38 y un display con una información clara y útil.

Para terminar, el resto del contenido de mi mochila fotográfica, esta formado por el cable control remoto Nikon MC-30 (11), accesorio que hoy en día todavía se comercializa y que esta equipado con la función de bloqueo de disparo; y por filtros (12) para las ópticas de distintas funcionalidades –polarizador, skylight, etc.- y marcas –Hoya, hama, etc.-

Bueno, este es el contenido de mi mochila fotográfica autofoco, que a pesar de la total preponderancia de la fotografía digital, al día de hoy sigo utilizando con resultados satisfactorios y a plena satisfacción.

En el Laboratorio Fotográfico: La esencia de lo que vemos y sentimos

2011-09-25T20:40:00.001+02:00

flickr

La experiencia fotográfica puede ser y es mucho más profunda que la mera visualización de la imagen tomada. Con la fotografía en blanco y negro analógica se consigue una unión casi mística entre el fotógrafo y su obra.

Como en muchas facetas de mi vida, el camino a seguir es tan importante o incluso más que el objetivo final. Esto es lo que nos vamos encontrando por el sendero de la fotografía analógica:

Percepción y conocimiento de la imagen. Es la parte más abstracta y difusa del hecho fotográfico. Es la idea que surge en nuestra mente de lo que queremos fotografiar y la formación de la imagen en nuestro cerebro. En este caso el proceso creativo puede ser totalmente pensado y elaborado o surgir de una forma espontánea.

La toma de la imagen. El dedo presiona del disparador y detenemos el tiempo en el momento en que lo que vemos y lo que hemos creado mentalmente debe coincidir, es la parte del proceso fotográfico más efímero.

Proceso de laboratorio. Esta es la parte en la que el fotógrafo esta más unido con su obra: una lucha, que en mi caso me ha llevado incluso hasta un par de horas, entre una imagen latente y otra que he creado en mi mente; aquí es donde la máquina del proceso creativo funciona a gran velocidad y la experiencia llega a unos altos grados de satisfacción.

flickr

Empieza con la preparación de los componentes químicos en su justa medida para poder realizar el revelado. A continuación dejamos el cuarto de revelado en oscuridad, iluminados por una tenue luz roja, de manera que el nivel de concentración es máximo al no haber elementos visuales que nos despisten de nuestro propósito.

Primero exponemos la película -previamente revelada- mediante una ampliadora sobre una hoja de papel fotográfico para obtener una imagen latente. Aquí tenemos la primera percepción espiritual de que algo existe aunque no lo veamos. A continuación pasamos el papel a un cubeta con líquido revelador.

En este momento nos encontramos en lo que es para mi el momento más mágico y de éxtasis del proceso fotográfico y que ningún proceso digital ha conseguido superar, que no es otro que la paulatina aparición de la imagen sobre el papel, este es el momento, el punto de inflexión por el que estoy convencido de que la fotografía es arte y que yo en mayor o menor medida he colaborado en crearlo.

Sí, con cámaras digitales y con Photoshop podré conseguir unos resultados más satisfactorios pero nunca estaré anímicamente tan cerca de una imagen como en el momento del revelado en blanco y negro en un laboratorio fotográfico químico.

Al final del primer capítulo del libro de Ansel Adams “La Copia”, explica magistralmente como debe estar preparado el fotógrafo ante la creación de su obra: “Verá que es una delicia ver surgir las copias en el revelador y comprobar que su visualización original ha llegado a realizarse, o en muchos casos, a intensificarse mediante sutiles alteraciones de valor. Naturalmente, evocará el motivo, y no resulta fácil disgregar el juicio que le merece la copia ante usted de su sensación del motivo. Debería esforzarse por recordar la visualización –lo que vio y sintió- en el momento de efectuar la exposición. No se deje atrapar por procesos rígidos, la esencia del arte es la fluidez para referirse a un concepto ideal”

flickr

Nota: La fotografías que acompañan este artículo fueron procesadas por mi en el laboratorio del Centro de Estudios Fotográficos de Mallorca y en otro de pequeñas dimensiones montado y organizado en mi casa. Las imágenes están escaneadas tal cual de la copias obtenidas por métodos químicos.

Kodak Portra 400

2011-05-14T13:05:00.001+02:00

Urban Girls. Kodak Portra 400

Escaneado en laboratorio

Flickr

En los últimos tiempos se percibe un renacer de la fotografía analógica, después de la revolución digital, los lodos fotográficos movidos por esta se han ido asentando poco a poco para dejar cada cosa en su sitio.

Como era de esperar, a pesar de que muchos opinaran lo contrario, la fotografía con película ha encontrado su sitio en el formato de 35 mm y más si cabe en el formato medio, al fin al cabo, cuando hablamos de una disciplina en la que una de sus variantes puede ser la artística, lo que cuenta el el resultado más que los medios utilizados para obtener el fin propuesto.

Una de las compañías que parece haber apostado por la película en este nuevo resurgimiento de lo analógico es Kodak con el desarrollo de su línea de película profesional Portra en su gama de sensibilidades 160, 400 y 800. Todo ello a pesar de haber abandonado la producción de la afamada película para diapositiva Kodacrome.

Lo que hoy os muestro son las primeras tomas que he realizado en esta nueva etapa que he emprendido de fotografía analógica con película Kodak Portra 400 y las primeras experiencias obtenidas de este “retorno al pasado”

Analicemos la siguiente toma:

Urban Girl. Kodak Portra 400

Escaneado en laboratorio

Flickr

La primera sorpresa –muy grata por cierto- fue al amplio rango dinámico de esta toma y de todas en general o sea la diferencia entre el tono más claro y el más oscuro, aquí os muestro el histograma obtenido del Adobe Camera Raw (ACR) de la imagen antes de proceder a su edición:

Como podéis comprobar, aún sin ser un histograma perfecto, de entrada tiene unos valores muy buenos y equilibrados: no desborda por la parte derecha por lo que no tiene luces reventadas ni tampoco por la izquierda en lo que se refiere a zonas empastadas.

Con esto, la edición se antoja rápida y sencilla, más si como me he propuesto quiero que los cambios sobre las tomas realizadas sean los acordes o extrapolables a los que se realizarían en un laboratorio químico. Para lo que me he propuesto que cualquier edición se realice únicamente en ACR.

También me ha sorprendido el grano contenido de las imágenes para la sensibilidad media-alta de la película de ASA 400.

Urban Girl II. Kodak Portra 400

Escaneado en laboratorio

Flickr

En definitiva, una película muy recomendada para trabajar con luz natural y en la modalidad de retrato debido a su reproducción tonal amplia muy recomendable para tonos de piel y al grano fino generado para esta sensibilidad.

Equipos y materiales utilizados:

Patas y Herraduras

2011-04-30T10:00:00.000+02:00

Patas y Herraduras. Ilford FP5 Plus 125
Escaner HP Scanjet 5370C
Flickr

La visualización o edición de imágenes en muchas ocasiones requiere que se deje pasar un cierto tiempo, para este caso pasaron más de quince años.

Las nuevas y mayores posibilidades de visualización de imágenes hace que tengamos nuevos horizontes creativos, sólo hace falta que nuestro archivo cerebral este ordenado y podamos rescatar mentalmente aquellas imágenes que realizamos en el pasado.

Son muchas las ocasiones en las que la inmediatez entre la realización de una toma y su edición posterior me impiden apreciar la potencialidad de la imagen, es como si se tratará de un vino que se debe dejar reposar para que adquiera con el tiempo su verdadera esencia, sólo que en este caso, como ya ya he indicado, el reposo debe de ser mental y no en barricas de roble.

El motivo son unas graderías suplementarias que se instalaron en el Paseo del Borne de Palma de Mallorca con motivo de la celebración del día de la Comunidad Autónoma de las Islas Baleares. Cuando pasaba por detrás de estas gradas realicé estas dos tomas:

Foto 1

Foto 2

El postprocesado lo realicé en mi pequeño laboratorio en blanco y negro en mi casa, para el nivel conceptual que le quería dar a la imagen digamos que el proceso no es muy fino.

No fue hasta hace una época reciente, en la que empecé a visualizar dípticos y trípticos en Flickr, cuando me surgió la idea de refundir estas dos imágenes. Por separado tienen interés, pero al combinarlas en forma de díptico es cuando las imágenes y el concepto que se querían transmitir han cogido fuerza. Se trata de una imagen que no se ciñe a las normas clásicas de composición, no tiene uno o dos centro de interés, no hay un punto predominante done fijar la mirada sino varios.

Por otra parte, la imagen tiene zonas subexpuestas y sobreexpuestas, pero aquí están aprovechadas como recurso y no como defecto. La correcta exposición y el detalle podrían haber ahogado o mitigado el concepto.

Esta composición me recuerda a los estudios del lenguaje corporal de Desmond Morris en "El mono desnudo", como si pudiésemos saber algo más de las personas mirando solamente sus "patas y herraduras"

Equipos y materiales utilizados:

Nota: Este artículo fue publicado originariamente el 2 de marzo de 2.008 en mi bitácora “Un Mundo de Luz”, ha sido revisado y actualizado para esta ocasión.

Porque fotografiar en analógico.

2011-04-10T20:06:00.001+02:00

El Ciclista 0.1 Agfa Apx 100
Escaner HP Scanjet 5370C Sin editar
Flickr

Técnica o arte

Cada vez abundan más por la red ensayos o artículos del tipo “analógico contra digital” –sustitúyase “vs” por “contra” si el ensayista o articulista no se preocupa por un exceso de anglicismos en sus escritos-

Esta comparativa tiene lógica y sentido si se realeza desde un punto de vista técnico en el que se pretende ya de antemano demostrar las excelencias y virtudes de lo digital sobre lo analógico o químico, no se podrá dudar que el primero prevalecerá sobre el segundo sin lugar a dudas.

Pero la fotografía no es sólo técnica o tecnología, puede estar subordinada a otros fines o ser el fin en si mismo. La producción de imágenes puede tener como objetivo final ser una representación o recreación artística, y como ya sabréis por anteriores artículos de mi bitácora Un Mundo de luz, imponer reglas o técnicas que se deben seguir a pie juntillas para crear Arte resulta del todo incoherente.

Me parece absurdo vaticinar el final de la fotografía analógica, como se avisa en muchas artículos o foros, siempre existirá mientras existan personas que sepan ver arte en cualquier aspecto de la vida con independencia de sus aspectos técnicos. Llegados hasta aquí se me antoja más un debate tipo “técnica contra arte”

Consideraciones subjetivas

Pero, de todas formas, sí me atrevo a enumerar ciertos aspectos subjetivos que hacen que la fotografía analógica sea mejor que la digital.

La principal ventaja de la fotografía química puede venir por una circunstancia que podríamos considerar adverso y que es el medio en el que están alojadas las imágenes: el negativo en la fotografía analógica y la tarjeta de memoria en la fotografía digital.

Evidentemente la capacidad de un carrete de negativo es limitadísimo en comparación con la cantidad de imágenes que caben en una tarjeta.

Pero ¿Qué conseguimos a cambio? mayor estudio y concentración ante la limitación física, al ser conscientes de un final con “cuenta recesiva”. No tenemos la previsualización de las cámaras digitales con lo que desarrollamos la capacidad de “hacer fotos sin cámara”

Como consecuencia de lo expuesto en el párrafo anterior adquirimos hábitos positivos como los de encuadrar mejor y tener un mayor conocimiento de las características de la luz.

Consideraciones pasionales

Pero no quiero que quede la idea de fotografiar en analógico para aprender fotografía, sino que por el mero hecho de hacerlo de esta manera ya de por si constituye una disciplina artística interesante, ya que cualquier inconveniente puede ser una virtud y un recurso artístico interesante en fotografía: los rasguños pueden ambientar y el grano puede ser hermoso.

Esto es sólo el comienzo, mi filosofía, en las siguientes entradas sabréis mi declaración de intenciones, equipaciones y experiencias.

Bienvenidos a uno de los materiales de los que están hechos los sueños, bienvenidos a

Haluros de Plata

Equipos y materiales utilizados:

El recorte o reencuadre

2009-07-19T11:28:00.000+02:00

Enlace flickr

Como ya comenté en mi entrada anterior, Flickr ha perdido bastante de una de sus filosofías iniciales o que por lo menos permanecían en el momento de mi entrada que no era otra que la observación, análisis y debate en torno a la fotografía. En la entrada anterior ya comenté el tema del análisis exhaustivo o como mínimo más o menos crítico y con substancia y por supuesto siempre con ánimo “constructivo”

Hoy os traigo otro ejemplo de lo que “fué”, que “ya no es” pero que “podría ser” Flickr o que por lo menos merecería que tuviera hueco en el mismo que no es otra cosa que el Debate, la tormenta de ideas y opiniones siempre expuestas con rigor y respeto.

Aquí os traigo un debate que surgió en torno a la foto arriba expuesta, aquí teneis

El maldito “crop” o recorte en castellano

Sobre los recortes, H.Cartier.Bresson la persona más modesta que nunca oí hablar, tanto que parece tonto o que se lo hace, decía quitándole importancia a sus fotos que él solo hacía clic, luego nunca se metió a revelar sus fotos para tratar mejorarlas ni tampoco recortó nunca una foto.
mmm, me parece muy bien, pero ... ¿significa eso algo? ¿quiere eso decir que todos tengamos que hacerlo como él y de lo contrario no somos buenos? ¿por qué limitarse y decidir no cortar o mejorar tus fotos una vez disparada? Cada uno es libre de limitarse como quiera, yo por ejemplo prefiero un objetivo fijo a un zoom pues la limitación fuerza la creatividad, pero ¿por qué es tan importante no cortar?
A lo de mejorar la foto, mediante un correcto revelado, retoquito, etc ya sea por laboratorio o por photoshop hoy día nadie se niega, ¿por qué entonces siguen muchos fotografos incluyendo el marco negro del negativo en sus fotos para demostrar que está sin cortar? ¿por qué tiene más merito una foto sin cortar?
Y no me refiero al "crop", esa típica manía de flickr de recortar todas las fotos hasta sacar todo lo que hay en ella excepto el motivo principal , realzándolo al máximo pero dejando por otra parte una foto esteril al perder todo su contexto y ambiente y personalidad.
Me refiero a que me parece lo más normal del mundo darle a tu maravillosa foto un pequeño ajuste.
Yo tiro las fotos para luego no tener que cortar, o intentándolo por que sé que no siempre se consigue (la mano tiembla y el encuadre perfecto se pierde fácil), a veces por seguridad prefiero abrirme un pelín más pensando en el recorte, cosa que tampoco suele hacer falta pues para eso mismo muestran las reflex aproximadamente un 95% de la imagen, para dejar ese margen de seguridad que permitirá después cortar un poquito incluso para nivelarla al gusto, otros sencillamente tiran una ráfaga de 3 fotos iguales. Esto de la ráfaga no es que me parezca peor, pues lo que importa es el resultado, me parece sencillamente más aburrido.

Juan Ferrer

Yo casi siempre corto. Hay algunas fotos que por casualidad han salido perfectamente encuadradas, pero no le veo mérito extra alguno, veo más una casualidad del momento en el que todo cuadró. Me gustan los encuadres raros, las fotos panorámicas, las fotos cuadradas, las excesivamente alargadas... creo que también forma parte de la creatividad y no veo sentido alguno en darle mayor mérito a una foto no recortada. También estoy estoy de acuerdo en el añadido de que una foto no tiene que ser necesariamente recortada hasta dejar el motivo principal. En ocasiones, aquí no hay reglas fijas, es bueno dejar el contexto. A veces incluso el contexto es lo que realza la fotografía. También a mí me ha pasado que me recortan una foto en Flickr con una nota de manera que para mí pierde la magia que yo le había visto en mi cabeza. De todos modos me gusta que me propongan encuadres distintos y proponerlos yo, creo que es una de las maneras en las que más puede cambiar una foto entre ser buena y ser mediocre. Junto con la iluminación y el contraste el encuadre (que es pieza fundamental en la composición) me parece algo que si falla en la foto hace fallar al conjunto.

Mossaiq

En mi fotógrafa personal, trato de preservar tanto el formato como las proporciones nativas de la imagen.
En ocasiones recurro al el recorte cuando es necesario hacer ajustes leves de horizonte. Si la foto requiere un ajuste drástico, normalmente la descarto.
Por que?
Porque actualmente, la mayoría de mi trabajo es en exhibicion en galerías. Impresiones de 13"x19" y mas grandes. Esto requiere de un archivo que no requiera de conversiones dimensionales (pixels a pulgadas o centímetros) para evitar distorsiones y perdida de resolucion.
Esto sin mencionar el desperdicio de papel ($$$) al imprimir en formatos absurdos y los dolores de cabeza para encontrar marcos y vidrios a la medida del formato "creativo".
Se de fotógrafos que su principal objetivo son fotos para publicaciones las cuales requieren que la foto tenga recortes drásticos para ajustarse a los diseños de portadas y paginas, pero estos recortes son hechos por -diseñadores graficos- no por el fotógrafo. A el fotógrafo solo se le pide que encuadre muy generosamente para permitir recortes.
A mi criterio personal, el encuadre de una foto es la base de la composición misma. Por ende, un encuadre cuidadoso y deliberado demuestra una intencion estilística y estética.
Lo cual me da a entrever que el fotógrafo delibero al tomar la foto.
Le da esta delibración mas valor a al foto?
No necesariamente, especialmente desde el punto de vista:

"La creatividad y conceptualidad son mas importantes que la técnica y la ejecución"
Si pones una fotita muy conceptual y recortada, hay quien le va a dar una puntuación de 3. Y otro un 9 por lo "creativa"que esta.
Claro que lo ideal seria una foto con un concepto brillante y una ejecucion magistral.
Una ejecucion limpia y brillante no tiene por que interferir con un concepto brillante y creativo.....creo yo.

Adolfo Isassi

Me parece que este comentario viene muy a cuento del anterior hilo acerca de fotografia creativa o fotografia "correcta".
"¿significa eso algo? ¿quiere eso decir que todos tengamos que hacerlo como él y de lo contrario no somos buenos? "
Pues no creo Cartier Bresson hay uno y la verdad no me valen las repeticiones, lo que lo hace unico es que consiguio crear su propio estilo (un estilo genial) y creo que es algo que no deberiamos olvidar si queremos mejorar en la fotografia es llegar a nuestro propio estilo y como ya te he dicho en algun analisis tu ya lo vas consiguiendo en tus fotos realizadas en la calle o Nelson lo consigue con su blanco y negro.
"¿no cortais nunca? ¿siempre?"
Cuando lo creo necesario, lo que pasa es que yo tengo un problemo con los horizontes caidos al ser zurdo, no me manejo muy bien con la mano derecha, el dia que alguna compañia se proponga hacer camaras para zurdos la comprare al precio que sea.
"¿dispara alguien en ráfaga? "
yo no, pero la verdad es una opcion que se puede utilizar para cierto tipo de fotos muy particulares.
"¿y lo de fotografiar sin mirar?"
si claro, es algo que hace que los robados sean mas faciles de hacer sin que el retratado se de cuenta, aunque hay gente que piense que eso no es fotografiar, tambien es muy util cuando las haces desde un automovil, autobus o cualquier otro vehiculo.

Antonio Moreno

Bajo mi punto de vista hay dos formas de tomar una fotografía: una sería la que se hace de forma planificada montando la cámara sobre un trípode, focos de luz, etc. y mirando y volviendo a mirar el encuadre correcto y otra es con menos tiempo de planificación donde prevees el momento justo donde se va a realizar la toma y en la que sabes que unos momentos antes o un momento después la foto no va a funcionar; bueno realmente hay mas formas, pero voy a contemplar solo estos dos supuestos; mi fotografía pertenece al segundo supuesto y desde luego no tienes tiempo de pensar en "virguerías" de encuadre y demás, tomas la foto y ya esta, luego vendrá el encuadre o recorte -me da igual-.
Que levante la mano el que en el caso del segundo supuesto le sale una fotografía perfecta de composición y encuadre cuando sabe que quizás no tendrá una segunda oportunidad.

Fortimbras

Creo que FORTIMBRAS tiene razón al separar las dos modalidades, o mas bien circunstancias al tomar fotografías.
-Fotografía estática
-Fotografía dinámica
La segunda es mucho, mucho mas aleatoria y difícil de conseguir los resultados pre-visualizados
En mi opinión, este es uno de los motivos principales por los cuales si un fotógrafo decide embarcase en la Fotografía Dinámica...es mejor que se olvide de la dichosa pre-visualizacion y quiera obtener los resultado de la Fotografía Estática (haciendo recortes). Esto parece ser una contradiccion.
Aun asi...es posible obterer lo mejor de los dos tipos de fotografia.
Yo no soy adepto de la Fotografía Dinámica pero en ocasiones la he hecho cuando cubro eventos para un grupo de fotografía documental local.

Adolfo Isassi

A continuación se adjunta escaneado del negativo del que se ha obtenido la imagen objeto de este debate

Enlace Flickr

Vaya...pues me gusta mas la original. Tanto la composición y formato (3/4), como el rango tonal. Me parece una foto mas natural, mas "honesta".

Adolfo Isassi

A mi también me gusta más la original, aunque no se si me hubiera atrevido a decirlo si Adolfo no lo hubiera soltado con toda naturalidad.
Luego iré a la foto de fortimbras, quiero completar el comentario, pero esperaba más polémica o debate. Pero claro, quizá no era el lugar adecuado.
Yo no hago fotografía de estudio, a lo máximo alguna sesión de retrato en la sala de estar, y aun así son sesiones dinámicas cámara en mano.
Tampoco planifico las fotos. Si acaso elijo el lugar y/o la hora si salgo por ahí o creo un poco el ambiente, si es en casa.
Claro que cada vez que disparas elijes el encuadre, pero como todo disparo, hace falta punteria y además el blanco resulta ser una complicada combinacion de tonos, lineas, elementos diversos que en absoluto están señalizados.
Como Juan dice, tiro las fotos para no tener que reencuadrar.
Después algunas las desechas directamente porque no las aprovechas ni por luz, ni por enfoque, ni por encuadre o lo que sea.
Cuando las proceso, hay veces que ni me fijo en el encuadre, no hay nada en la foto a simple vista que me diga que hay que hacerlo. Otras veces la foto pide gritos un reencuadre, algo me molesta a la vista, algo tan evidente como que quiero quitar un trozo de semáforo que me estropea la foto (por decir algo), o algo más sutil que cambiando el cuadro se corrige.
Seguro que alguna vez habéis probado la misma foto con diferentes encuadres y veis que varios funcionan bien, incluso que con el mismo disparo podéis tener dos o más fotos diferentes.
Luego, como dice Adolfo hay otras cuestiones, como las de ampliación si encima es en digital, o la utilización de la foto en publicaciones, etc.
Me he enrrollado como siempre, y me falta lo de los retoques.
Uka Lele (no se si es correcto) triunfó en los 80 con sus fotografías coloreadas. Pierre et Gilles saltaron a la fama pintando sobre sus fotos de gran tamaño.
¿Las copias finales de Sebastiao Salgao no están positivadas por zonas o máscaras o lo que sea?, Imagino que como la mayoría de fotógrafos, ¿No tienen los laboratorios de fotografía profesional esos servicios? Como mis conocimientos de fotografía no son muy amplios algunos proceden de la televisión, y recuerdo ver algún fotógrafo importante marcando con rotulador, sobre una ampliación de una de sus fotos, círculos con +3, -2, +1 para dirigir al técnico que iba a hacer la tirada.
En fin, que cualquier fotografía se tiene que procesar o retocar lo que haga falta para que el resultado sea el que se desea o requiera. No deberíamos ponernos limitaciones a priori, además seríamos casi los únicos que dejan una fotografía tal cual sale del negativo o del CCD.
! Pero si tienes que procesar poco porque ya te resulta bueno tal cual, pues mejor para ti ¡

Periko

Yo muchas veces hago crop porque la proporción altura-ancho de la foto original no me gusta. Muchas veces me apetece un formato mas 16:9, más proporción aurea.
Esto a no ser que salgas con mucho equipo encima siempre a la calle, no es posible más que con un comodo crop. Otra circunstancia es buscar un encuadre al tirar la foto pero al no tener tele, pensar "esto lo recorto luego".
Tambien pero más por ser un novato, he tenido que arreglar la composición de mis fotos porque al original le faltaba algo.
El crop es una herramienta y el "no crop" es una más.

Luis de Bethencourt

Como habéis podido leer, el debate fue largo y apasionado con buenas ideas y argumentos a favor de una y otra postura.

Estas son las cosas que se echan de menos en flikr.

Nota: el debate era más largo y giraba en torno a una fotografía más y su correspondiente recorte pero no tengo los permisos para poder publicarlas, en cualquier caso si queréis leer el debate completo podéis ir al enlace El maldito “crop” o recorte en castellano

El análisis fotográfico y Flickr

2009-07-12T21:55:00.000+02:00

Enlace Flickr

Hace ya dos años, cuando entre a formar parte de la “comunidad” de Flickr, mi intención inicial era la de aprender; recibir críticas y comentarios y a su vez por mi parte visionar, comentar y criticar –en el sentido más amplio y constructivo de la palabra- imágenes de este hermoso arte que tantos compartimos.

Tan sencillo como que a partir de los comentarios que realizan sobre mis imágenes ver o percibir aquello que en un primer momento no había percibido: “cuatro ojos ven mejor que dos”; en definitiva, aprender a partir del análisis tanto propio como ajeno.

Encontré un grupo que respondía a mis expectativas “Analiza mi foto” refundado más tarde como “Taller de Análisis Fotográfico”, al día de hoy el grupo ya no es, ni de lejos, lo que fue en sus mejores momentos, bueno, ni el “taller” ni en definitiva Flickr en general, tema que vale la pena desarrollar en una futura entrada.

Con esta entrada en mi bitácora voy a empezar una serie de dos artículos de lo que en su momento fue el taller, en el primero que acompaña a estas palabras os muestro un análisis bastante exhaustivo de una imagen; en el segundo, de próxima aparición trasladaré el hilo de discusión que se desarrolló en el siempre controvertido tema del recorte y la recomposición en el momento de la edición.

Vamos entonces con el análisis de las fotografías que acompañan esta entrada que realizó un miembro del grupo “Taller de Análisis Fotográfico”

Enlace Flickr

Análisis

No he podido evitar comparar la versión en color con la de blanco y negro, hasta el punto de que mi análisis necesita de la de color, cuando el objetivo solamente la de blanco y negro.
En el primer golpe de vista no vi en absoluto los objetos que están justo al lado del niño, el diábolo y las mazas-antorcha (no se si tienen un nombre concreto entre los malabaristas.
El niño es lo primero que se ve (creo que para todos es así). Su mirada a la izquierda que dirige fuera del cuadro me dejó parado justo sobre los caballetes y los tableros. En ese primer golpe de vista tampoco los identifiqué como tales. La silueta del tablero se rompe un poco con la hoja de arriba y el tronco donde se apoya queda muy desdibujado por el pequeño desenfoque, por confundirse con los tonos de atrás, e incluso por la misma textura del propio tronco los caballetes también contribuyen a "romper" el tablero y entorpecer la identificación. Eso me deja pasmado ante un objeto inclinado vertical que no he identificado en ese momento y que parece sostenerse milagrosamente en esa posición y que demás desvía mi atención que era dirigida al principio por la mirada del niño.
El banco donde se sienta el niño si es rotundo y claro, pero el objeto de debajo ni siquiera ahora lo identifico.
Lo más icónico, identificable a primera vista es el niño, el banco de piedra o cemento muy desgastado, probablemente con verdín. y las hojas de la parte superior llamativamente enfocadas.
Una mirada más tranquila resuelve mis incógnitas, e identifico todos los objetos mucho más claramente. la versión en color me ayuda sobre todo a identificar los objetos malabares. Pero si hubiera prescindido de la diapositiva también los habría identificado recorriendo la fotografía con calma e interés.
¿Por qué meto este rollo del primer vistazo?
A mi modo de ver la primera impresión es muy importante, hay que conseguir que se mire mi foto, se observe y se pueda deleitar el espectador en ella para captar todo lo que quiero enseñar en ella.
Un obstáculo en el recorrido de la mirada puede estropear el sentido dela foto.
A veces mi me pasa que la primera página de un libro, o el primer capítulo no consigan cautivarme, al menos interesarme mínimamente para seguir con él. Si encuentro dificultades al principio es posible que no llegue a disfrutar de un gran libro simplemente por el comienzo. Aun así mucha gente sabe que lo interesante puede estar en la segunda mirada, o más allá del primer capítulo y siguen buscando lo escondido lo que no resulta tan evidente en ese principio.
El tamaño grande, que has cargado, muchas veces es imprescindible para disfrutar de una foto (espero que todos nosotros nos demos cuenta de eso cuando carguemos nuestras fotos)
Tu fotografía se puede apreciar perfectamente al tamaño que se ve aquí pero por supuesto el tamaño cuando pinchas la lupa
es el que permite verdaderamente el disfrute y el análisis.
Comparando con la diapositiva he apreciado un reencuadre. En mi opinión muy acertado. Quitas espacio a la izquierda y lo añades a la derecha. Esto produce que la mirada del niño salga más del cuadro (no siempre es así). También quitas parte del suelo que no aporta nada y sorpresivamente (en la de color también habías reencuadrado) aparecen las hojas. Si, perfectamente enfocadas y creo que hacen un buen papel enmarcando la pare superior por un lado y aportando un contexto para entender el tronco y donde ocurre la escena.
Enfocando estas hojas también has perdido profundidad de campo, pero has tenido la suficiente para que el protagonista quede perfectamente nítido. No ocurre lo mismo con otros objetos que están prácticamente en el mismo plano.
El detalle de evitar una toma perfectamente frontal resulta estupendo para dar más cantidad de información al observador. una toma frontal lo podría haber convertido en un dibujo sobre cartón y no en un sólido banco de piedra. El fondo totalmente desenfocado siempre viene bien para centrar la atención en otro plano.
Personalmente no veo el sentido del título (debo ser algo corto, todo el mundo ha dicho que le gusta). No veo una fotografía que me lleve tan lejos. Quizá un niño envuelto en una situación en la que participa (¿vigila los objetos?) y mientras echa una mirada a lo que sucede a su alrededor como si no quisiera perderse un divertido espectáculo: Su familia o sus compañeros que pronto vendrán a beber agua de esa botella que asoma detrás del banco.
Tu fotografía gana mucho cuando vuelves y vuelves a mirarla. Hay muchos detalles que hacen que imagines la situación. Estéticamente bella(esto siempre resulta subjetivo) junto a una composición sencilla, a pesar de que a mi me molesta algo el protagonismo del tablero.
Prefiero la versión en BN. El color siempre es capaz de aportar más datos, otras veces despista. La diapositiva tiene unos colores un tanto extraños, sobre todo en la piel del niño. En esta otra has conseguido eliminar elementos de los que despistan, consiguiendo ese fondo uniforme y definiendo los diferentes planos más por el enfoque que por otra cosa. La amplia gama de grises también construye la imagen y logra casi hasta diferenciar la manga izquierda del niño de la mochila o el objeto oscuro de detrás.
Parece que es una instantánea, algo que captaste al pasar o estando por ahí . No es algo preparado.
Admiro mucho ese tipo de fotos sobre todo cuando están bien hechas. Se supone que no puedes cambiar en absoluto nada de lo que te rodea ni el comportamiento de quienes aparecen.
Siendo así, te has colocado en una distancia y un ángulo perfectos. Has recogido una situación muy completa y compleja. Has sabido provocar o al menos captar esa mirada del niño que cautiva a todos. y creo que el encuadre, junto con el mínimo reencuadre necesario consigue una foto redonda y muy interesante. Y lo molesto que resultaban ciertos desenfoques ahora los veo como una parte fundamental para situar los objetos, tanto en el espacio como en el significado.
Son demasiadas cosas para una instantánea, ojala algún día yo sepa captar tanto en tan poco tiempo.
Enhorabuena y gracias por compartir tu foto y permitirme hacer este análisis que a veces queda tan lejos de tu realidad al hacer tus tomas.

Perekepa

Un día de furia analógica

2008-09-18T19:21:00.000+02:00

Un día plácido de vacaciones en mi ciudad natal y de residencia, Palma de Mallorca, este año no hemos realizado ningún víaje, mi ciudad y mi isla es un estupendo lugar también para pasar unas vacaciones estupendas sin necesidad de desplazarse.
La circunstancia es propicia para una idea que tenía en mente hace tiempo: un día de vuelta a mis orígenes fotográficos; tratando de obtener algo de pureza en las formas en medio de tanto embrollo digital.
De esta manera y tras una propuesta de paseo por el casco antiguo de Palma, en lugar de salir de casa con mi Canon digital, lo hago con mi analógica de toda la vida, mi Nikon FM2 con un único objetivo de focal fija, un Nikkor 50 mm 1:1,8 y película de B/N Ilford FP4 plus 125, toda una espartana experiencia fotográfica ¡¡Un día de furia analógica!! donde los "clicks" son totalmente mecánicos y la película corre a golpe de palanca.

Realizo doce tomas de las que os presento aquí cuatro de ellas ¿qué pretendía con todo ello? no estar pendiente del trinomio cámara-digital-fotografía y sí del mente-analógico-fotografía.
Os presento las imágenes sin apenas recortes y editadas de una forma similar a como se hubiera realizado en un cuarto oscuro, también creo que en el fondo quería controlar el proceso fotográfico y acercarme al al espíritu primigenio de la fotografía.

Circo Williams y Fotografía Analógica: El aroma de lo tradicional

2008-05-31T09:08:00.000+02:00

El Circo Williams, “el mayor espectáculo del mundo” como todos los años recala en mi ciudad, como siempre tiene los leones más fieros, los payasos más divertidos y los mejores equilibristas del mundo; siempre me sorprendió cuando era pequeño que el último circo que llegaba fuese el mejor, me imaginaba una convención de circos donde se elegían los mejores, eso sí, debía de haber unas cuantas elecciones al año.

El Circo Williams es un circo pequeño con una aforo limitado como lo es también el área donde desarrolla su espectáculo, la isla de Mallorca, va recalando por los pueblos - en el momento de escribir estas líneas estaba montado en la localidad de Pollença-, permanece una par de semanas y se traslada a otra población, cuando llega a la ciudad de Palma permanece más tiempo.

El Circo Tradicional tiene una dura competencia en los tiempos que corren donde las nuevas tecnologías hacen que ni siquiera las personas salgan de sus casas para ir a ver un buen espectáculo, ya no solo de circo sino de cualquier tipo, yo sigo yendo al circo aunque mi visión no es la mismas que cuando era niño: voy con mis hijos -después de haber conseguido entradas gratis por haber realizado cierto consumo en un hipermercado de mi ciudad- y lo que veo es el aroma de lo tradicional, de lo antiguo y sin la sorpresa de ver un gran espectáculo y desde ese punto de vista realizo las fotografías, lo que resulta triste es que mis hijos tampoco se sorprendan.

Bueno, pues desde ese punto de vista de lo tradicional, del valor o poso residual están realizadas estas fotografías, fueron tomadas en noviembre de 1.994, unos meses antes de adquirir mi primera cámara digital, el equipo es una Nikon FM2 con un objetivo Tokina 80-200 f 2,8 y película de negativo blanco y negro Ilford HP5 Plus, no las he llegado a pasar nunca a papel –con el poco tiempo que tengo me da una pereza terrible volver a montar el laboratorio de blanco y negro-, están digitalizadas con un escáner plano con adaptador de diapositivas HP Scanjet 5370c por lo que el virado también es de postproceso digital al igual que el enmarcado, todo ello realizado con Photoshop Elements 6.0

Aquí lo tenéis, el Ciro y la Fotografía Analógica, dos formas de hacer arte en plena decadencia.