Hemos visto

Cásate conmigo

2012-01-30T19:53:00.003+01:00

No es nuestro estilo, pero el pasado fin de semana no pudimos evitarlo, nos tumbamos en el sofá y nos pusimos a disfrutar de (como el 21.2% de lo espectadores de esa noche), de “La Proposición”. Ya la teníamos vista pero... a nadie le amarga un dulce.

La cuestión es que, una vez finalizada, nos quedamos en posición y nos enganchamos a la comedia protagonizada por Jason Biggs, “Cásate conmigo”. Sabíamos que no sería una joya, pero decidimos darle una oportunidad.

La historia empieza de una forma de lo más original, nuestro protagonista, Anderson (Jason Biggs) quiere pedir en matrimonio a su chica, y quiere hacerlo de forma que nunca se le olvide, y lo hace disfrazándose de cupido y yendo al restaurante donde le espera. El problema viene cuando la chica lo ve, impresionada por la imagen, cae fulminada por un infarto.

Un año después de tan trágico suceso, nuestro protagonista continua sumido en una profunda depresión, no perdonándose en ningún momento la pérdida de su amada.

Cómo para no caer viendo a Jason Biggs de esta guisa

Un día, yendo a desayunar con su amigo, sucumbe a la presión del mismo y acepta una apuesta: “pedir en matrimonio a la primera chica que se le acerque”. Lo lleva a cabo en el mismo restaurante con la primera chica que se le acerca, la camarera del lugar, Katie (Isla Fischer). Sin pensarlo un momento, Katie acepta la proposición.

El mismo día, Katie deja a su novio y se va a vivir con Anderson, sin conocerse, sin confianza y sin tener nada previsto ninguno de los dos.

La presentación a los respectivos padres y el anuncio de su boda son uno de los puntos más cómicos de la película, juntamente quizá, con su alocada carrera hacia el altar (y nunca mejor dicho carrera, jejeje). De todas formas, no os desglosaremos los gags, pues si lo hacemos, echamos a perder la poca gracia de “Cásate conmigo”.

Dicho esto, pasaremos a las valoraciones que en esta ocasión, se nos antojan un tanto complicadas, al tratarse de tipiquísima comedia americana casi únicamente apta para adolescentes. Quizá de entre las cosas positivas, los del equipo destacaríamos, dentro del estancamiento que lleva en su carrera, el trabajo de un Jason Biggs mayor en todos los aspectos al que conocimos años atrás en American Pie. Él solo lleva el peso cómico de la película sin resentirse, ni su trabajo ni la propia película, lo cual es de agradecer.

En cuanto a lo negativo, pues que es la típica comedia americana sin sentido, sin rumbo y sin más objetivo que arrancar tres o cuatro risotadas en casi la hora y media que dura la película.

En definitiva, una película muy apta para ver entre amigos, después de una cena y con una cerveza (o dos) delante, pero no la saquéis de ahí, por eso, los del equipo le ponemos un 5 sobre 10. Cumple, divierte pero nunca pasará a la historia del cine.

Título original: “Wedding Daze” – 2007 – USA
Dirigida por: Michael Ian Black
Duración: 92 minutos
Género: Comedia, Comedia Romántica

¡Mamma Mia! La película

2012-01-17T00:05:00.000+01:00

La habíamos visto hace ya tres años, pero como continuaba el DVD en casa y a uno de vez en cuando, le apetece tirarse en el sofá y disfrutar de un rato de televisión sin gritos, sin insultos y sin retortijones de estómago, el pasado viernes los del equipo acordamos volver a disfrutar del ritmo y de las canciones de los sempiternos ABBA, así que, sin pensarlo demasiado, nos pusimos cómodos y disfrutamos de “¡Mamma Mia! La película”.

Debemos asumir que, aunque no somos de la época dorada de los ABBA, su música siempre nos ha gustado, tanto por su simplicidad, como con su ritmo pegadizo, como sobre todo, por la energía positiva que casi 40 años después de su creación continua trasmitiendo. De hecho, continuamos con la espinita clavada de no haber podido disfrutar en el teatro de “¡Mamma Mia! El musical”, pero vamos, que a la que podamos, ahí estaremos.

Bueno, a lo que nos ocupa hoy, la película.

La historia empieza en la paradisíaca isla griega de Kalokairi (en la realidad Skopelos), y más concretamente en un viejo y destartalado hotel regentado por Donna (Meryl Streep). Allí, Sophie (Amanda Seyfried) se dispone a enviar una carta a tres desconocidos, Sam (Pierce Brosnan), Harry (Colin Firth) y Bill (Stellan Skarsgard). La carta es una invitación para su inminente boda y los supuestos desconocidos, pues... sus posibles padres.

Sí, habéis leído bien, Sophie no sabe quién es su padre, y rebuscando en el diario personal de su madre, Donna, descubre que justo el verano previo a su nacimiento, Donna estuvo sendas aventuras con tres hombres, Sam, Harry y Bill, así que, ni corta ni perezosa, y a espaldas de su madre, Sophie invita a sus posibles padres a su boda, con la esperanza de descubrir quién es su padre.

Dicha esperanza se desvanece a las primeras de cambio, ya que los tres tienen sus posibilidades y todos quieren ejercer como tal. Todo un dilema para Sophie. ¿Qué va a hacer con sus tres supuestos padres el día de su boda? ¿Quién le llevará al altar? Y para colmo, tiene que esconderles para que Donna no les vea, pues se lo tomaría fatal.

Y finalmente se lo toma, ya que sin quererlo, Donna se los encuentra. Todos los fantasmas de su pasado vuelven a sobrevolarla, casi al mismo ritmo que su viejo hotel se desmorona a cachos. Donna se pone histérica, pero acepta la decisión de su hija de querer conocer su pasado.

Finalmente… bueno, finalmente os recomendamos que le deis una oportunidad a “¡Mamma Mía!”, ya que, si esperáis encontraros aquí el nombre del padre de Sophie, lo tenéis bien claro, más que nada, porque se nos está acabando el tiempo y queremos pasar a valoraciones…

Aunque el esfuerzo realizado por el ya ex ‘agente 007’, Pierce Brosnan en una película tan radicalmente diferente al resto que había hecho hasta el momento, es más que digno de mención, también lo es su pésimo sentido musical, y las canciones que él interpreta (“Our last summer”, “S.O.S.”, “I do, I do, I do” y “When All Is Said and Done”), consiguen destacar como las peores de toda la cinta. Bien al contrario que nuestro querida Meryl Streep que, una vez más consigue dar el pego en el papel que le proponen, cantando además más que bien (“Money, money”, “Mamma Mia”, “Super Trouper”, “Slipping Through My Fingers”, …) para tratarse de una actriz y una cantante.

En cuanto a lo más destacable positivamente, pues la ambientación, la isla de Skopelos es genial, cuando uno ve sus bosques, sus playas, sus casitas blancas, siente el deseo de coger un avión e irse a Grecia, para disfrutar de las cálidas aguas del Mediterráneo al son de las sempiternas canciones de ABBA. También, para los del equipo es digno de mención lo bien que están ligadas las canciones entre sí, las cuales además han sido estupendamente seleccionadas de entre la totalidad del repertorio del que dispone el grupo sueco.

Por todo esto que os hemos contado, los del equipo, puntuamos a “Mamma Mia” con un 7 sobre 10, y nuestra recomendación, si queréis pasar un rato entretenido viendo maravillosos paisajes y escuchando la alegre (y sentimental) música de ABBA.

Título original: "Mamma Mia! The Movie" - Reino Unido - 2008

Dirigida por: Phyllida Lloyd

Duración: 108 minutos

Género: Musical, Comedia Romántica

Pa negre

2011-12-18T20:09:00.000+01:00

Ni en sus mejores sueños el bueno de Emili Teixidor se hubiese podido imaginar una repercusión tan grande de una de sus obras, y menos que la mayor parte de esta repercusión se produjera con casi 7 años de retraso respeto a la primera edición del libro “Pa negre”.

Pues sí, 7 años después de causar furor en los certámenes literarios (consiguió el premio “Lletra d’Or”, y el Nacional de Literatura de la Generalitat de Catalunya), la adaptación cinematográfica de la misma obra veía luz, en el Festival de San Sebastián de 2010, obra del mallorquín Agustí Villaronga.

La historia de “Pa negre” se centra en el complicado descubrimiento de la vida que le toca vivir al pequeño Andreu (Francesc Colomer), en un pequeño pueblo perdido del interior de Catalunya, en los duros años de la posguerra civil española.

Un día volviendo a casa, el pequeño Andreu se encuentra con un carro que se ha precipitado por un acantilado, muriendo uno de sus amigos y el padre de este. Sin dudarlo ni un momento, nuestro protagonista va al pueblo para dar la voz de alarma, lo cual, evidentemente despierta el interés de la autoridades locales ya que encuentran indicios de un posible asesinato.

Pronto el alcalde (Sergi López) y el comisario de la guardia civil (Pep Tosar) enfocan sus acusaciones hacia Farriol (el padre de Andreu, interpretado por Roger Casamajor) y su esposa Florencia (Nora Navas), ya que además de los indicios que hacia ellos apuntan, forman parte del bando perdedor de la Guerra Civil, y eso ya de por si, indicaba culpabilidad en esa época.

Andreu por su parte, está convencido que el accidente es obra de de un monstruo que vive en el bosque, Pitorliua, sobre el cual giran varias fábulas y una historia negra en el pueblo. Con todo su esfuerzo, Andreu intentará descubrir a Pitorliua o en el peor de los casos al asesino de su amigo y poder así liberar a Farriol de cualquier acusación.

Mientras Andreu vive inmerso en la persecución de su monstruo va descubriendo poco a poco una realidad que poco había imaginado en la que todo el mundo a su alrededor tiene algún que otro secreto escondido. Por otro lado Farriol es apresado por el régimen y encarcelado bajo la acusación de asesinato.

Florencia deberá luchar tanto contra el alcalde, como contra su propio pasado para derrotar al monstruo de la ejecución sumarísima a la que enfrenta su marido. Finalmente, el monstruo de Andreu se enlazará con los monstruos de su familia, metiendo así de golpe al pequeño Andreu en el mundo adulto de la posguerra civil española.

Os podríamos contar muchas más cosas sobre el argumento de “Pa negre”, pero ya sabéis que no es nuestra filosofía, así que dejaremos aquí el resumen del argumento y pasaremos valorar.

La verdad es que es complicado valorar “Pa negre” y más desde el momento en que la Academia de Cine Española la ha elegido para representar a España en los 84º edición de los Oscar©, relegando a la anual producción de Almodóvar (en este caso “La piel quehabito”). Con este nombramiento, la película volvió a las carteleras y a las portadas de periódicos por constantes comentarios sobre la idoneidad de la misma (que si una vez más una película sobre la guerra, que si una película catalana representando a España, que si, bla bla bla). No queremos entrar en todo este ruido el cual, sin lugar a dudas, sí nos ha condicionado en el momento de ver esta cinta.

“Pa negre” no es una película al uso sobre la posguerra, pues en ningún momento toma partido por ninguno de los bandos, ni los ganadores son los malos, ni los perdedores los buenos (ni al revés), sino que se adentra en el mundo de monstruos, mentiras y secretos con los que la gente tenía que convivir en esa convulsa época. Entonces, os preguntaréis ¿es un drama? Pues sí es un drama, porque la época que relata era dramática y eso se respira en cada fotograma, aunque tampoco es un drama al uso.

Entre lo mejor de la cinta, sin lugar a dudas está la ambientación (tanto el entorno rural de posguerra, como la vestimenta de los personajes, sin lugar a dudas merecen un caluroso aplauso), y sobre todo el trabajo de sus protagonistas: el pequeño Francesc Colomer (Está muy bien en un papel bastante complicado), Nora Navas (en el papel de Florencia está inconmensurable, tanto que recibió “la Concha de Plata” en el festival de San Sebastián) o el propio Casamajor (Farriol).

El problema de “Pa negre” es otro, como mínimo para los del equipo, y es que, con la indefinición del género, y la poca definición de la mayoría de personajes uno acaba no implicándose con ellos hasta muy entrado el metraje, uno no sabe si sentir pena por Andreu y su familia, asco hacia el alcalde, o asco hacia la familia de Andreu y compasión por el niño.

A los del equipo por momentos se nos hizo lenta, en otros momentos nos perdimos en el argumento, sólo al final descubrimos el sentido de la película y cuáles eran los auténticos monstruos.

Sobre si debería ir o no representar a España en los Oscar©, pues esperamos equivocarnos, pero para nosotros no tiene la calidad suficiente para ganar, pero claro, visto lo que se presentó, creemos que tampoco había muchas más alternativas. Para los del equipo, y después de un duro consenso, la película perece una nota de 5,5/10.

Título original: “Pa Negre” – España – 2010

Dirigida por: Agustí Villaronga

Duración: 108 minutos

Género: Drama

El Gato con Botas

2011-12-03T13:46:00.001+01:00

No es la primera vez que sucede que un personaje secundario se acabe convirtiendo en principal. De hecho, podríamos decir que se trata de algo tan habitual que hasta tiene un género propio, ‘spin off’.

Realmente no es algo nuevo, pues hasta los “Ewoks” consiguieron su propio ‘spin off’ de “Star Wars”. La cosa está en partir de una situación de éxito (película, libro, tira cómica o serie de televisión) con personajes secundarios que llamen la atención, por ejemplo: el ‘guapo’ Lobezno de los “X-Men”, la divertida Aída independizada de “Siete vidas”, y porqué no, el divertido y desvergonzado Gato de “Shrek”.

Pues sí, somos muchos cuando nos cruzamos por primera vez con Gato, en “Shrek 2” por allá a un ya lejano 2004, pensamos que el personaje tenía el tirón suficiente como para convertirse en un nuevo filón de la factoría Dreamworks... esos ojazos, esa presentación “Zoy er gato con botah”... En definitiva, no nos equivocamos, pues tuvo su protagonismo en las tres últimas partes de la saga de Shrek y ahora, 7 años después le ha llegado la independencia con: “El Gato con Botas”.

La verdad es que, cuando vimos el trailer, nos llamó poderosamente la atención. Había un riesgo elevado de salir decepcionados del cine, sobretodo si el personaje continuaba la caída libre mostrada en “Shrek 4”, donde se basaba única y exclusivamente en poner caritas, pero bueno, como el trailer pintaba bien, hicimos lo posible para estar en el cine el fin de semana de su estreno.

La historia empieza muchos años antes que nuestro amigo conociera al ogro verde más famoso de la historia del cine, cuando Gato empezaba a forjarse un nombre tanto entre los forajidos como entre las damas, gracias a sus dotes con la espada y su desenfadado poder de seducción (vaya, que no hay gatita que se le resista).

Buscando su nuevo golpe, Gato se da de bruces con lo que parece ser una gran aventura, hacerse con unas habas mágicas que le permitirán salir definitivamente de la pobreza, pues le llevaran a un mágico castillo habitado por una oca mágica (es capaz de producir huevos de oro).

Evidentemente a nuestro protagonista se le erizan los bigotes solo de pensar en el oro que allí encontrará, todo hasta que descubre que no hay un par más de rufianes tras las habas mágicas, una linda gatita llamada Kitty Zarpas Suaves (a quien pone voz Salma Hayek) y un viejo ‘amigo’ de infancia de Gato, Humpty Dumpty.

Los tres, quieran o no quieran, tendrán que acabar colaborando para hacerse con las habas mágicas, que están en manos de los malos malísimos de la película, Jack y Jill, los cuales, evidentemente van en busca de los huevos de oro.

Antes de aceptar la colaboración, Gato y Humpty deben solucionar un problema de confianza que hay entre ellos y que se originó años atrás, cuando ambos estaban en el orfanato de su pueblo. En esa época, y gracias a la avaricia y ganas de protagonismo de Humpty, nuestro amigo Gato se ve obligado a abandonar el pueblo donde había crecido.

Ya os podéis imaginar que aventuras y acción no le faltan precisamente a “El Gato con Botas”, ya que, tanto el flashback donde se nos cuenta la infancia y discusión de Gato con Humpty, como las posteriores aventuras de nuestros amigos con Jack & Jill, sus habitas y la oca de los huevos de oro si de una cosa está repleto es de aventuras y de acción, lo cual sinceramente, se agradece.

Pese al temor inicial de ir a verla, os debemos asumir que al final, la película nos pareció más bien justa. No es para nada aburrida, pero a la vez, nos es para nada sorprendente, pues aunque la acción fluye a raudales, no se abusa de las caritas de Gato, Antonio Banderas (que es quien, una vez más, le pone voz) está genial, ni la película, ni los gags que en ella se desarrollan son originales, más bien siguen la estela de los vistos en la saga “Shrek”.

Sinceramente le echamos de menos a nuestro minino cinematográfico favorito que fuera algo más sorprendente, que tuviera más cambios de registro, más pases de agresivo a seductor, o de espadachín a pobre gatito, en este sentido solo tuvimos la perla de verle beber su vasito de leche en plena taberna de forajidos.

No os vamos a negar que reímos, y que, aunque la vimos en 2D (una vez vista y valorada técnicamente, nos aventuramos a decir que no vale la pena pagar el suplemento que vale la tercera dimensión) nos gustó técnicamente aunque de ninguna de las maneras consideramos que “El Gato en Botas” pase a la historia del cine. Por todo esto, nuestra nota final es de un 6 sobre 10.

Título original: “Puss in boots” – 2011 – USA

Dirigida por: Chris Miller

Duración: 90 minutos

Género: Animación

Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire

2011-11-22T23:25:00.001+01:00

Como reza la dicha “no hay dos sin tres”, y como hicimos con los tomos de la trilogía literaria, no dejamos pasar muchos días después de ver “Los hombres que no amaban a lasmujeres” y “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, para ver el cierre de trilogía sueca basada en la obra homónima de Stieg Larsson, “Millennium”.

Vistas nuestras bajas puntuaciones a las primeras partes de la saga, no era cuestión de esperar mucho para ver “Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire“, y menos con la creciente corriente de frustración entre los miembros del equipo con la adaptación cinematográficamente de las venturas de nuestra última heroína, Lisbeth Salander. Así que, sin mucha dilación nos apalancamos en el sofá y nos pusimos a verla.

La historia continúa en el mismo punto donde acabó la segunda parte, es decir, con la llegada al hospital de Sahlgren de una moribunda Lisbeth con un disparo en la cadera, otro en el tórax y otra en el cerebro. Su estado es crítico y su vida pende de un hilo, pero gracias al buen hacer del doctor Jonasson pronto empezará el proceso de recuperación.

Cuando esta recuperación empieza, Lisbeth se da cuenta que su vida está en peligro, pues no consiguió su objetivo de matar a Zalachenko y, pese a recibir un par de hachazos, éste se está recuperando en una habitación del mismo hospital de Sahlgren.

Mientras esta preocupaciones asaltan a nuestra protagonista, Blomkvist convence a su hermana Annika Giannini que se haga cargo de la defensa de Lisbeth Salander de los cargos de asesinato e intento de asesinato. En esta impás tampoco la antigua cúpula de la Säpo vive una época de tranquilidad, pues temen que todo salga a la luz y todo se vaya al garete, así pues, las viejas glorias que le quedan (Gunnar Björck, Fredrik Clinton y Evert Bullberg), deciden unirse para acabar con el problema Salander.

Su primera decisión es cargarse a Zalachenko en el propio hospital y así borrar de un plumazo toda posibilidad de traición, para más tarde borrar también a Salander lo cual, sin lugar a dudas les va a resultar algo más complicado, sobre todo teniendo en cuenta que ésta está bajo la protección del doctor Jonasson quien confía ciegamente en Lisbeth y Mikael.

Paralelamente, fuera del hospital la investigación continua descubriéndose cada vez detalles más escabrosos del pasado de Lisbeth, la Säpo y Zala.

Con la llegada del juicio todo toma unos matices complicados. La policía con la colaboración de Blomkvist se encuentra atascada, el fiscal Ekström (comprado por la Säpo) hace oidos sordos a las boces que claman la inocencia de Lisbeth, y esta ha dejado el hospital para pasar a la prisión.

Sólo Lisbeth, con la ayuda de su amigo pirata consigue avanzar y pasar información suficiente para rebatir los argumentos de una acusación poderosa.

Evidentemente, nuestra crack lo es hasta debajo de la tierra (y nunca mejor dicho) pero ya os podéis imaginar, no os vamos a decir todo lo que pasa en “Millennium 3”. Lo que si os vamos a contar es nuestra valoración, que muy a pesar nuestro, no podemos decir que sea muy positivo.

Como ya os contamos en “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, el director de esta cinta (Daniel Alfredson), comete un error que para nosotros es brutal, y no es otro que recortar a tijeretazo limpio todas aquellas historias que le parecen superfluas. Hasta un cierto punto está bien, pero es que en esta ocasión ¡se ha cargado medio libro!, sinó, alguien puede decirnos donde están las historias de:

· El abandono de Millennium por parte de Erika Berger para irse a trabajar en el “Morgen Posten”.

· El ataque a la casa de Erika Berger.

· La aparición crucial del iraquí Idrish Guidi en el hospital de Sahlgren

· La relación de Monica Figuerola con Blomkvist

· Etc.

Quizá algunas de ellas era prescindibles, pero otras aportaban una información importante para saber porqué suceden determinadas cosas y de donde salen otras. De la manera como la ha dejado el Sr. Alfredson, todo queda a la imaginación del espectador, o a la memoria del lector que haya leído antes la trilogía de Larsson.

Por otro lado, nos ha parecido una película totalmente faltada de ritmo, con escenas de acción ridículas, aburridas y totalmente predecibles.

¿Lo positivo? Pues sinceramente, como os dijimos también la segunda parte, la interpretación de los personajes protagonistas, sobre todo el trabajo de Noomi Rapace (Lisbeth Salander) que pese a pasarse media película tumbada en la cama de un hospital, continua llenando la pantalla cada vez que aparece.

Por nuestra parte, repetimos la valoración, un 4/10, pues sinceramente nos decepcionó mucho.

Otros títulos de la saga:

"Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres"

"Millennium 2. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina"

Título original: “Luftslottet som sprängdes” – Suecia – 2009

Dirigida por: Daniel Alfredson

Duración: 148 minutos

Género: Thriller

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

2011-11-15T20:36:00.001+01:00

Poco podía imaginarse Georges Remi (Herge) por allá al ya lejano 1930 que ese intrépido joven y su perro que se acababa de inventar, cumpliría 81 años en plena forma y de actualidad, y todo gracias a que dos genios del cine (Steven Spielberg y Peter Jackson) han decidió que volviera a la actualidad después de muchos años de una merecida jubilación de oro.

No exenta de muchos problemas (pese a que Spielberg tiene los derechos desde el 1983, no pudo iniciar la grabación hasta el 2008 teniéndola que aplazar por problemas de financiación), el pasado 28 de octubre llegaba a nuestras pantallas “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” en animación 3D. Nosotros, por mucho que nos apetecía verla, decidimos esperar una semanita, por eso de no escaldarse una vez más con el fabuloso (¡ejem!) 3D.

Aunque por el título, uno podría pensar que “El secreto del Unicornio” es la adaptación íntegra de la historia del mismo título que Herge creó entre 1942 y 1943, pero no lo es exactamente pues, para esta película, Spielberg y Jackson, además de “El secreto del Unicornio”, también se sirvieron de “El tesoro de Rackham el Rojo” y “Tintín y el cangrejo de las pinzas de oro”.

La historia empieza en París. Allí, en un mercado callejero, nuestro protagonista (Tintín) encuentra la réplica de un viejo navío, “El unicornio”, por el que suspiran varias personas más. Por lo que parece, el viejo navío guarda en sus entrañas un misterioso secreto, pues desde que cae en sus manos, la vida de Tintín sufre un repentino vuelco, pues entre otras cosas, se le rompe el mástil de su copia, entran en su casa y le roban su réplica, y para colmo, sufre un tiroteo. Finalmente, guiado por su instinto investigador, y acompañado por su inteligente y fiel amigo Milú, empezará a investigar los secretos del “Unicornio” o mejor dicho… el secreto de los unicornio.

Sí, habéis leído bien, al poco de empezar la investigación, descubre que en el mundo hay tres navíos idénticos, los tres creados por Haddock, el antiguo capitán de la nave. Una de las réplicas la tenía Tintín en su casa, la otra, la encuentra en manos de Sakharine uno de los interesados en reunir las tres copias, y la otra… está en manos de un jeque árabe.

Al poco descubre parte del secreto, cada copia tiene escondida en su mástil un pergamino con un mensaje. Únicamente un descendiente del capitán Haddock podrá descubrir el enimga si dispone de los tres pergaminos.

Por una de esas casualidades e la vida, Tintín es secuestrado y metido en la bodega de un viejo mercante el Karabudjan. Allí descubrirá ante su asombro que tanto el propio barco como su capitán, también están secuestrado por Sakharine, pues el capitán del mercante no es otro que Archibald Haddock, el último descendiente vivo del original capitán y creador de las réplicas Haddock. Pronto, Tintín y Haddock entablan amistad, y luchan contra el malvado Sakharine...

A partir de este punto las aventuras, explosiones, luchas y persecuciones entre los protagonistas se suceden sin parar, aportando sin lugar a dudas, lo mejor de la cinta. De todas formas, pocos detalles más os daremos, pues ya sabéis que para nosotros, lo divertido del cine es disfrutarlo, no que te lo cuenten todo.

Lo que si os vamos a contar son nuestras sensaciones al ver “El secreto del Unicornio” pues, aunque la disfrutamos y nos gustó, no llegó a llenarnos del todo, por tanto, llegados a este punto, os dejamos con nuestra valoración.

Para empezar, y para quitárnoslo de encima, os contaremos lo que para nosotros es lo peor de la película, y que no es otra cosa que la duración de la misma, 107 minutos (algo más de 1 hora y 45 minutos). De todas formas el problema no radica tanto en la duración física, sino en que la primera parte de la cinta (hasta que Tintín y Haddock se alían), pese a tener bastante acción, se hace lenta y tediosa.

Lo que sin lugar a dudas nos encantó fue la factura técnica de “El secreto del Unicornio”, se nota cantidad que la técnica del “stop motion” con la que se ha realizado tiene la firma de dos auténticos cracks (Peter Jackson y Steven Spielberg), pues el realismo con que cobran vida los personajes hace que en algunas ocasiones los espectadores nos preguntemos si estamos viendo a Tintín, Haddock o Rackham el Rojo o bien a sus actores en carne y hueso Jamie Bell, Andy Serkis o Daniel Craig.

También nos gustó mucho la puesta en escena de las acciones, pues pasar de leer en los comics, los típicos “bang-bang”, “¡¡cabum!!” o “¡¡Zziiiu!!”, a ver escenas de acción en un 3D muy bien llevado a cabo, le hace disfrutar a uno de la acción de una forma especial.

Con todo, los del equipo creemos que la película podía ser mejor, por tanto, como sabemos que hay preparadas dos partes más (la siguiente dirigida por Peter Jackson, y la tercera, posiblemente a cuatro manos entre ellos dos), en esta primera parte de la saga, le ponemos un 7 sobre 10, con la esperanza que la siguiente, mejore un poco más.

Título original: “The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn” – USA – 2011

Duración: 107 minutos

Dirigida por: Steven Spielberg

Género: Animación

Millennium 2. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

2011-11-09T10:21:00.002+01:00

Como no podía ser de otra forma y pese a la inicial decepción que nos llevamos al ver “Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres“, un día después de verla, y con las pilas algo recargadas de esperanza, pusimos en el DVD “Millennium 2. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y nos apalancamos en el sofá.

Visto el nivel de la primera parte de la trilogía, temíamos encontrarnos ante un nuevo ejemplo del famoso tópico: “No hay segundas partes buenas”, pero recuperar las aventuras de nuestra última heroína literaria (Lisbeth Salander) era un aliciente superior al temor, así que, sin más, le dimos al “Play”.

La historia se sitúa casi un año después de la finalización del caso Vanger (“Millennium 1”). Todo parece ir sobre ruedas, Lisbeth está disfrutando de unas vacaciones mientras en la redacción de Millennium están inmersos en un nuevo reportaje de investigación, en esta ocasión, sobre la trata de blancas (trafficking).

Todo parece indicar que el nuevo reportaje una vez más será un éxito de Millennium, pues tanto Mía como su esposo Dag (los periodistas encargados de la investigación) están llegando hasta muy arriba, tanto que salpica a los jefes de la Säpo, la policía secreta sueca. De todas formas, todo se tuerce la noche en que Dag y Mía son asesinados en la intimidad de su casa con un arma que lleva las huellas de nuestra querida Lisbeth.

Pese a las pruebas que apuntan en su contra, Blomkvist continua confiando ciegamente en Lisbeth, y pronto ve una relación directa entre la muerte de sus colaboradores y el reportaje que casi tenían terminado. Las primeras pistas apuntan a Gunnar Bjork, un antiguo dirigente de la Säpo que durante sus años en activo se dedicó a encubrir los actos de un misterioso personaje, Zala.

Paralelamente a todo esto, Nils Bjurman, el último tutor legal de Lisbeth es encontrado muerto en su dormitorio, asesinado con la misma arma que se utilizó para el asesinato de Mía y Dag.

Todo esto obliga a Salander a ponerse en marcha y empezar su propia investigación mientras revela, poco a poco, alguno de sus secretos de infancia, los malos tratos que propinaba su padre (Alexander Zalachenko – Zala -) a su madre, el intento de quemar a su padre con un bidón de gasolina, su posterior internamiento en el hospital psiquiátrico Sank Stefan de Uppsala bajo la supervisión de un perverso Peter Teleborian,...

Casi sin quererlo ni beberlo, Lisbeth se ve envuelta en una investigación criminal, lo cual, no le deja otra alternativa que lanzarse a la búsqueda y captura de su padre usando todas las herramientas que tiene en su poder. Después de seguir varias pistas, lo encuentra en una vieja casa perdida en medio del bosque, pero no está solo, está acompañado por “El gigante rubio”/Ronald Niedermann, un matón de origen alemán aquejado de una extraña enfermedad que lo convierte en una auténtica máquina de matar.

Bien, hasta aquí lo que os contaremos del argumento de “Millennium 2. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” pues, aunque hay una parte más de la saga y eso, ya de por si da una pista clara de como pueden ir las cosas, nos gusta más valorar las películas que estropear sus finales así que, iremos directamente a nuestras valoraciones.

Por mucho que nos disguste, la cosa sigue bastante pareja a la primera parte de la saga, aunque en esta ocasión, el lado negativo de la balanza pesa bastante más que el positivo. ¿Qué os queremos decir con esto? Pues muy fácil, que Noomi Rapace, pese a ser físicamente pequeñita, el papel de Lisbeth Salander le va como anillo al dedo, y es capaz de construir el único personaje que brilla con luz propia en toda la cinta. En cambio, en esta ocasión no podemos decir lo mismo de Michael Nyqvist (Blomkvist), ya que el enmarañado desarrollo del pobre guión que tiene la película, lo relega casi, a nivel de secundario de lujo.

En cuanto a lo negativo, os acabamos de dejar un detalle, el guión y su pésima puesta en escena. Somos conscientes que resumir un libro de más de 600 páginas en una película, aunque tenga casi 2 horas de metraje es algo ciertamente complicado, y que, en muchas ocasiones no es solo recomendable, sino que es imprescindible recortar partes del libro, pero en esta ocasión Daniel Alfredson, el director de la cinta, se ha pasado tres pueblos con los recortes, pues además de quitar historias paralelas intrascendentes para el desarrollo, ha hecho desaparecer historias o partes de las mismas totalmente imprescindibles para la correcta interpretación del desarrollo de “Millennium 2”.

Otra cosa que nos ha parecido fatal ha sido el enfoque que le han dado a nuestra querida Lisbeth Salander, ya que, mientras en el libro de Stieg Larsson, nuestra protagonista era una chica torturada por una infancia cruel y unas acusaciones injustas que buscaba justicia, en la película, uno por momentos cree estar viendo a una sanguinaria asesina en serie que busca la revancha a cualquier precio.

La verdad es que esta segunda parte nos ha gustado bastante menos que la primera, y pese a que habíamos leído los libros, en varias ocasiones nos quedábamos perdidos pensando ¿Qué pasaba en el libro? Así que, por todo lo que os hemos contado en esta opinión, los del equipo suspendemos esta película con un 4 sobre 10.

Otros títulos de la saga:

"Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres"

"Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire"

Título original: “Flickan som lekte med elden” – 2009 - Suecia

Duración: 129 minutos

Dirigida por: Daniel Alfredson

Género: Thriller

Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres

2011-11-02T22:59:00.001+01:00

Llevábamos un montón de tiempo con los DVD de la saga Millennium, la sueca, en casa, esperando el momento oportuno para apalancarse en el sofá y comprobar si una vez más se cumplía ese gran tópico de “a gran libro, adaptación cinematográfica mediocre”.

Sí, los del equipo somos de ese gran porcentaje de gente que antes de pasarse por la sala de cine, preferimos leernos los tres tomos de las historias de Lisbeth Salander y Mikael Blomkvist. Aunque esto nos haya supuesto un pequeño (casi dos años) retraso en el disfrute y posterior crítica cinematográfica, ya os avanzamos que, como mínimo para nosotros, ha valido la pena.

Bueno, mejor vamos al tema, que sino, este comentario va a eternizarse más que verse de un tirón las tres partes de la saga.

La cuestión es que, el pasado sábado nos decidimos, nos acomodamos en el sofá, y le dimos al ‘play’. Casi simultáneamente a la aparición en pantalla de “Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres” nuestro sentido crítico se agudizó.

La historia empieza en Hedestat, en casa de Henrik Vanger, el anciano y poderoso cabeza de familia Vanger. Allí, como cada uno de los últimos 40 cumpleaños del anciano, este recibe una extraña flor enmarcada. Henrik sabe que de una forma u otra, esas flores vienen de parte de Harriet, su ahijada, desaparecida sin dejar rastro hace precisamente 40 años.

Paralelamente, el periodista de investigación y corresponsable de la revista “Millennium”, Mikael Blomkvist se enfrenta a un juicio por calumnias y difamación al magnate financiera Wennestrom.

Al hacerse público el veredicto del juicio, culpable, Mikael recibe la llamada del abogado de Vanger, citándolo en la mansión de la familia. El viejo Henrik, conocedor de los buenos trabajos de Mikael, decide gastar el último cartucho que le queda en el caso Harriet, contratarle para conocer la verdad de lo ocurrido hace 40 años.

Sin pensarlo demasiado acepta el encargo y empieza a sumergirse en el oscuro pasado reciente de la familia Vanger. Luchas por el poder de las empresas, pertenencia a grupos nazis, etc.

Los avances de Mikael y la temática de lo que va descubriendo, llaman poderosamente la atención de la crack informática Lisbeth Salander, quien anteriormente había investigado ya a Mikael. Finalmente, nuestros dos protagonistas se encuentran físicamente y empiezan a colaborar para desenmascarar uno de los más oscuros episodios de la familia Vanger.

¿Quien manda las flores enmarcadas? ¿Está viva Harriet? ¿Algún miembro de la familia Vanger está implicado en la desaparición?

Son muchas preguntas, todas y alguna más se contestan en “Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres”, aunque ya os podéis imaginar, en este rincón no encontraréis la respuesta, pues no es nuestra intención destripar totalmente la película, ni mucho menos.

Lo que si es nuestra intención es hacer criticar un poco la película, pues la verdad, tiene muchas cosas criticables, de las cuales, muy a nuestro pesar la mayoría negativas.

De todas formas, y por el positivismo del propio equipo, empezaremos destacando la vertiente positiva de esta “Millennium 1” sueca y esta no es otra que la interpretación de Noomi Rapace (Lisbeth Salander) que aunque no tiene protagonismo hasta casi la mitad de la cinta, cuando entra en acción llena la pantalla, y de su compañero de reparto Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist) que aunque no está tan perfecto como Noomi, si que resulta convincente.

En el lado negativo de la balanza está, bueno, casi todo el resto, y especialmente el guión y la adaptación cinematográfica la cual, sin lugar a dudas, deja mucho que desear. Nos pareció muy preocupante el hecho que, pese a haber leído la trilogía entera de Stieg Larsson, en múltiples momentos nos perdíamos, y teníamos que hacer uso de la memoria para recuperar del libro pasajes, o acciones más que importantes, vitales para la correcta y plena comprensión de los hechos que nos explicaba la película. No sabemos si alguien la vio sin haber leído previamente los libros, pero si eso sucedió, con toda seguridad no entendería la mitad de lo que sucedió o porqué sucedía.

En muchos momentos, la película se hace aburrida y tediosa. Somos conscientes que la primera mitad del primer libro de Larsson tenía el mismo problema, pero en el cine, y tratándose de una película de casi dos horas y media, lo consideramos casi un delito al espectador, y más cuando después de un salto se solucionan temas sin apenas contarlo. Muy mal para el señor Niels Arden Opley (el director de “Millennium 1”).

Pese a todo, la nota que los del equipo le ponemos mientras esperamos el próximo remaque americano, es de un 6 sobre 10. Fácil lo tienen los americanos para superar esta cinta.

Otros títulos de la saga:

"Millennium 2. La chica que soñaba con unacerilla y un bidón de gasolina"

"Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire"

Título original: “Män som hatar kvinnor (Millennium 1)” – Suecia – 2009

Dirigida por: Niels Arden Opley

Duración: 145 minutos

Género: Thriller

La red social

2011-10-24T18:39:00.000+02:00

Redes sociales, seamos sinceros, han habido desde que el hombre es hombre. Las primeras hará unos miles de años, cuando nuestros ancestros creaban sus redes sociales al amparo de una hoguera en las cuevas, hasta las penúltimas, aún existentes hoy en día, cuando nos reunimos alrededor de unas cervezas (y a poder ser de unos pinchos) con nuestros colegas para charlar digamos que, un poco de todo.

De todas formas, estos últimos años (para ser concretos, desde 2004 en USA, unos años más tarde por aquí), la palabra “Red Social” ha incluido una nueva entrada en su lista de sinónimos, “Facebook”.

De este punto concreto, el nacimiento de “Facebook” trata el hilo argumental de “La red social”, la película de David Fincher, y de la que hoy os queremos hablar ya que, después de tenerla mucho meses en el cajón de pendientes, hace unos días nos decidimos a verla.

La película empieza presentándonos a un joven Mark Zuckerberg (bien interpretado por el polémico Jesse Eisenberg), un exitoso y no menos arrogante estudiante de Harvard que intenta ligar con Erica (su casi chica en ese momento), aunque gracias a su absoluta falta de tacto y de respeto que goza, acaba sólo y herido.

Esta soledad y herida es un poco el punto de partida de lo que hoy conocemos como Facebook ya que, Mark corre a encerrarse en su habitación ansioso de atacar cibernética y públicamente a Erica. El rencor hacia su ex-chica, y las ganas de venganza le sirven de embrión a nuestro protagonista para, a través de un blog de votaciones, crear una red social para los alumnos de Harvard.

Hasta aquí poco novedoso, ¿verdad? Bien, la cosa está en la forma como lo consiguió: en una sola noche, hackeando la base de datos de Harvard y bajo los efectos del alcohol. El invento se llamaba FaceMash.

Pese a los problemas que tuvo por ese invento (6 meses de expulsión), FaceMash llamó la atención de los hermanos Wiklevoss que propusieron a Mark trabajar para ellos en su proyecto de una red social para los usuarios de la universidad. Mark aceptó, naciendo lo que en su mente empezó a llamar “TheFaceBook”.

Con el soporte financiero de su amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield), pronto la idea creció y se hizo popular entre los estudiantes de Harvard. Luego, se incluyeron también Yale, Columbia y más universidades, llamando la atención al ex gurú de Napster, Sean Parker (al que da vida Justin Timberlake).

Pronto llegan las denuncias de los hermanos Wiklevoss, la ruptura con su amigo Eduardo, y el éxito mundial de “Facebook” (sin el “The” original).

A partir de este punto la historia ya es archiconocida por todos.

Personalmente, y siendo muy generosos con “La red Social”, debemos deciros que no nos apasionó la película. Es más, nos pareció soberanamente lenta y con un exceso de metraje. Ni el buen trabajo de los actores (qué odioso nos pareció Zuckerberg –casi tanto como Eisenberg -) consiguió que por momentos el aburrimiento y los bostezos nos vencieran.

Por parte de los del equipo, y aunque tenemos (de momento) cuenta en “Facebook”, le damos un agónico (en honor al ritmo de la película) 5, preguntándonos a la vez ¿Porqué la academia de Hollywood le dio a esta película tres Oscar (guión, montaje y BSO)?

Título original: “The Social Network” – 2010 – USA

Dirigida por: David Fincher

Duración: 120 minutos

Género: Drama

Manuale d'amore 3. Las edades del amor

2011-10-11T08:57:00.005+02:00

Lo nuestro con la saga de “Manuale d’Amore” ha sido algo así como un auténtico flechazo: nos cruzamos con la primera parte de “Manuale d’Amore” sin quererlo, le dimos una oportunidad y nos capturó, la segunda parte “Manuale d’Amore 2. Corregido y aumentado” la buscamos, la vimos y la llama entre nosotros se mantuvo prendida. Quizá por eso nos enfadamos cuando siendo julio descubrimos que la tercera parte estaba estrenada en Italia desde el mes de marzo, y por aquí sin noticias...

Por suerte, con la llegada de los calores del agosto, vimos anunciado en una entrevista a Monica Bellucci, el estreno de “Manuale d’Amore 3. Las edades del amor”, prevista para el 19 de agosto. Ya os podéis imaginar, hicimos y deshicimos lo necesario para hacer un hueco en nuestra agenda para estar disponibles el día del estreno.

Al final ahí estuvimos, aunque no en el cine que esperábamos. Se ve que la industria distribuidora española no confiaba mucho en esta cinta, y quedó relegada a los cines donde normalmente ponen el cine no comercial. Una pena, pero ya se sabe, en estos momentos, la caja manda.

No es esperábamos nada sorprendente ni original, simplemente una historia que nos hiciera reír (o sonreír cuando menos), a la vez que nos permitiera evadirnos un rato, e intuíamos que “Manuale d’amore” no nos fallaría, y así fue, aunque quizá, antes de las valoraciones, mejor os contamos un poco de que va.

Como en las entregas anteriores, Giovanni Veronesi (el director de la saga), ha dividido la trama argumental en tres episodios (en la primera y segunda parte, fueron cuatro), en esta ocasión relacionados mediante las flechas de un moderno cupido (en forma de taxista). Los episodios son:

Juventud: Roberto y Sara (Riccardo Scamarcio y Valeria Solarino) conforman a la pareja protagonista de esta parte. Él, un joven abogado inmerso en los preparativos de su inminente boda a la que su chica se dedica en cuerpo y alma. Por motivos de trabajo, Roberto es enviado a un pequeño pueblo de la Toscana donde deberá convencer a una pareja de ancianos que vendan su casa para construir un flamante campo de golf. Allí, en el pueblo descubrirá una nueva forma de ver y sobretodo, vivir la vida que le hará replantearse muchas cosas...

Madurez: En esta parte de la historia, se nos presenta a un afamado periodista y presentador de televisión felizmente casado desde hace más de 25 años, Fabio (Carlo Verdone). Sin quererlo ni buscarlo, una noche Fabio conoce a Eliana (Donatella Finocchiaro), una misteriosa joven que hechizará a nuestro Fabio, llevándolo por los más recónditos caminos del amor… y del mundo.

Más allá: La última parte de la película nos narra la historia de Adrian (Robert De Niro), un profesor de arte norteamericano que, una vez jubilado se va a vivir a la ciudad eterna, Roma. Adrian vive una jubilación solitaria, tranquila y reservada que únicamente se verá alterada con la aparición de Viola (Monica Bellucci), la guapísima hija de su único amigo en Roma, Augusto.

Ya veis, pocos cambios en relación a las otras partes de la saga, incluso Carlo Verdone repite por tercera vez en “Manuale d’Amore”, con un papel casi idéntico a las otras ocasiones... hombre maduro que se enamora de la Femme Fatale de turno, tocándole vivir tanto la parte más agridulce del amor como sus consecuencias.

Los del equipo nos continuamos rindiendo ante el casting escogido por Veronesi, pues tanto el gran Verdone, como el propio De Niro, como la guapísima Monica Bellucci, no solo están por encima de lo esperado en una comedia, sino que dan tanta credibilidad a los personajes que uno se acaba implicando emocionalmente con ellos (¡Pobre Fabio!).

Quizá el film lo deberíamos calificar como únicamente para incondicionales de la saga, pero que le vamos a hacer, nosotros lo somos, así que, con todo, nuestra valoración final es de un 7.5 / 10 y nuestras felicitaciones al equipo de “Manuale d’amore” porque aún y siendo una tercera parte, mantiene la gracia y chispa de la primera.

Otras partes de la saga:

"Manuale d'amore"

"Manuale d'amore 2. Corregido y aumentado"

Título original: “Manuale d’Amore 3” – ITA – 2011

Dirigida por: Giovanni Veronesi

Duración: 125 minutos

Género: Comedia romántica

Cómo acabar con tu jefe

2011-09-25T23:17:00.002+02:00

Posiblemente los del equipo relacionaremos para siempre “Cómo acabar con tu jefe” con el maullido histérico de un gato sonando entre los pasillos de la estación Roma Termini el pasado mes de agosto. Sí, cosas del cine que coincidiera nuestra estancia en la ciudad eterna, con el estreno un mes antes que en España de “Cómo acabar con tu jefe”.

Ya habíamos decidido verla cuando vimos su trailer (el día de “Bad Teacher” para ser exactos), pero tantos maullidos reavivaron tanto nuestro interés que el pasado fin de semana, el de su estreno en España, nos lanzamos a verla. Doce personas en la sesión golfa y en una sala inmensa... mal presagio.

La idea de la película es sencilla, llevar al extremo (o como mínimo intentarlo) ese deseo que estamos seguros que todos hemos tenido alguna vez contra ese déspota, o pequeño dictador que nos amarga la existencia diariamente. Sí, os estamos hablando “del jefe“. ¿Verdad que alguna vez lo habéis pensado? Nosotros os asumimos que sí.

Bueno, la cuestión es que para ilustrarnos esta situación, en “Cómo acabar con tu jefe”, se nos presentan los casos extremos de Nick, Kurt y Dale, a quienes acompañan sus respectivos ogros/jefes (Harken, Pellit Jr y la doctora Julia.

El caso de Nick es más típico de lo que nos gustaría... dedica más de 12 horas diarias al trabajo desde hace más de 8 años con el único objetivo de conseguir un ascenso. No es tarea fácil, y menos con un jefe como Harken (Kevin Spacey), un hombre sin escrúpulos, capaz de pisar y menospreciar a cualquiera con el único fin de conseguir lo que quiere.

El caso de Kurt es, igualmente, bastante común. El ligón empedernido de Kurt es el contable de las empresas Pellit, la mano derecha del anciano señor Pellit (Donald Sutherland). Todo perfecto hasta que después de un infarto fulminante del señor Pellit, se hace cargo de la empresa su hijo, Pellit Jr. (Colin Farrell), un vicioso amargado que se dedica a convertir la oficina en su follódromo particular y a dilapidarse la fortuna familiar sin importarle lo más mínimo la empresa ni su entorno.

Finalmente, el caso de Dale es el más cómico (al menos, visto desde fuera). Dale es el más hogareño de nuestros tres protagonistas, ya que su máxima ambición es casarse, formar una familia y mantener su trabajo de ayudante sanitario en una clínica dental, al servicio de la devora hombres doctora Julia (Jennifer Aniston). El que puede ser el mayor deseo de un hombre (que te acose Jennifer Aniston), se convierte en un auténtico calvario para Dale.

Los tres, amigotes de copas desde hace años, deciden tramar un plan para deshacerse de sus respectivos jefes. Como ninguno de ellos tiene demasiada experiencia en la labor, deciden ponerse en manos de un supuestamente profesional, Jones (Jamie Foxx), que les irá guiando por los liados pasos del espionaje...

Tenemos que asumiros que la película nos dejó bastante fríos, demasiado podríamos decir, ya que el trailer pintaba hacia una de esas comedias de reírse sin parar, y además con un humor inteligente, y al final, aunque es sin muchas dudas una de las mejores comedias de este verano del 2011, no destaca tanto como nos gustaría.

A los del equipo, nos gustaron especialmente el elenco de protagonistas, ya que Kevin Spacey en el papel de psicópata da miedo, Colin Farrell con su porte a lo Santiago Segura, asco, y la guapísima Jenifer Aniston está simplemente genial. Incluso los secundarios (Jamie Foxx, Donald Sutherland) dan el pego con creces.

El único problema está en que, entendemos se le pretende dar demasiada credibilidad a la historia de matar al jefe, lo cual le quita dinamismo a la película, dejando a veces demasiado aislados los momentos divertidos, que los hay, y muy buenos...

Bueno, al final los del equipo hemos consensuado una nota final de un 6 sobre 10, una nota relativamente buena, teniendo en cuenta nuestras últimas incursiones en el cine.

Título original: "Horrible Bosses" - USA - 2011

Dirigida por: Seth Gordon

Duración: 100 minutos

Género: Comedia

Super 8

2011-09-09T22:57:00.000+02:00

Hay ocasiones en las cuales la prensa cinematográfica se dedica a ensalzar o a ignorar diversas películas de forma indiscriminada, teniendo en cuenta para ello quién es el director, cuál es el argumento de la película o de qué país proviene la misma. Precisamente la película de la que os vamos a hablar hoy ha tenido la gran suerte de contar con un director conocido, un argumento que la relaciona con diversos clásicos del cine de los años 70 y 80 y de venir directamente la considerada la meca del cine, Hollywood. Efectivamente, os estamos hablando de “Súper 8”, la cual es considerada la película del verano y ha recibido unas críticas que la catalogan poco más o menos de obra maestra. ¿Estamos de acuerdo con ello? La verdad es que no, pero sí que es cierto que estamos ante una de las mejores películas estrenadas este verano (algo que, por otra parte, no es demasiado difícil visto el panorama actual).

El argumento de esta película es tan sencillo como efectivo, ya que la película, ambientada en el año 1979, gira en torno a un grupo de niños que, mientras graban una película sobre zombis (a través de una cámara “Súper 8”, muy típica en esa época) presencian un brutal accidente de tren que provocará diversos sucesos extraños en el condado estadounidense en el cual residen.

Al tratarse de un tren militar, la zona es rápidamente acordonada por el ejército, el cual parece estar muy interesado en recuperar la totalidad de lo que este tren trasladaba, siendo esto algo que hace sospechar tanto a la policía del lugar como a nuestros protagonistas, ya que en el momento del accidente vieron que la mercancía del tren era un tanto sospechosa, además de que presenciaron la huida de cierto ser que no logran identificar. Estos hechos hacen que nuestra cuadrilla haga todo lo que está en su mano y más para saber lo que ocurre. Aunque si queréis conocer este detalle, ya sabéis lo que tenéis que hacer, ¿verdad?

De todas formas si os avanzaremos que, aunque se trata de una película fresca y original, al espectador que ha vivido los primeros años 80, “Super 8” además de sonarle a un formato cinematográfico, la película le sonará también a grandes clásicos de la historia del cine (de la factoría Spielberg, eso sí).

Desde los primeros minutos, se deja notar la mano de Spielberg (quien, por cierto, es el productor de la película), tanto por el hecho de aparecer en acción el todopoderoso ejército como un elefante en una cristalería en busca de los secretos que trasportaba el tren (“Encuentros en la tercera fase”, y “E.T.”), como por el hecho de que los protagonistas formen una pequeña cuadrilla de pre-adolescentes en busca de aventuras y la verdad del caso (“Los Goonies”).

Los del equipo tenemos que reconocer que la película nos ha parecido buena, entretenida y cargada de mensaje (varios para ser exactos, por ejemplo: el valor de la amistad, los valores del ejército, etc.). No obstante, esto no quita para que no estemos de acuerdo con las críticas que ha recibido por parte de la prensa especializada, las cuales ensalzan a la película excesivamente, catalogándola como una pequeña joya cuando, en realidad, está muy lejos de eso.

Para los del equipo, para poderla catalogar como obra maestra debería disponer de una historia más contundente y original que sirviera de aglutinador de las pequeñas historias que contiene, y no como es el caso que, aunque sirve como hilo conductor de la historia, esta no es más que un refrito actualizado de otras historias ya contadas en otras películas. De igual manera, remarcamos que en algunos puntos, la falta de dinamismo es tal que uno puede llegar a desengancharse de la historia, algo sorprendente e inaceptable en las cintas de ciencia ficción, sobre todo si tenemos en cuenta que en casi las 2 horas de metraje, la mayoría de historias que nos cuenta son tratadas de forma muy superficial evitando esto un vínculo entre el espectador y cualquiera de los protagonistas de la cinta.

Por otro lado, lo que sí nos gustaría remarcar es el buen trabajo de sus casi desconocidos protagonistas, ya que la gran mayoría de ellos solo había disfrutado hasta el momento de papeles muy secundarios, o directamente, “Súper 8” ha sido su primer papel, no notándose esto en ningún momento.

¿Os esperáis una nota muy baja para esta película de nuestra parte? Pues no, ya que cumple perfectamente con su objetivo que no es otro que entretener al espectador, y además, lo hace de forma muy diferente a lo que se estila hoy en día, y eso sinceramente, es de valorar. Con todo, la nota que le ponemos de nuestra parte, es un 7 sobre 10, recomendándoos que la veáis tanto si sois unos nostálgicos del cine de los 80, como si queréis disfrutar de casi 2 horas de entretenimiento familiar.

Título original: “Super 8” – USA – 2011
Duración: 112 minutos
Dirigida por: J.J. Adams
Género: Ciencia Ficción

La piel que habito

2011-09-04T12:28:00.000+02:00

Ya estamos en septiembre, y con él llegan al cine películas más arriesgadas que las que hemos podido ver a lo largo de este verano. Así, una de las películas más esperadas es, sin lugar a dudas, “La piel que habito”, la nueva película de Almodóvar que, según podíamos leer en la prensa, suponía una vuelta de tuerca a su carrera. Nosotros adelantamos que no estamos de acuerdo ni con esta afirmación ni con muchas otras que se han realizado sobre esta película, pero vayamos por partes.

En esta ocasión, la historia empieza presentándonos a un cirujano plástico llamado Robert Ledgard (Antonio Banderas), residente en una gran mansión situada a las cercanías de Toledo que, además, está habilitada como clínica privada en la cual ejerce su profesión y en la cual, al inicio de la historia (curiosamente, situada en el año 2012) únicamente se encuentra internada Vera (Elena Anaya).

Junto a Robert se encuentra Marilia (Marisa Paredes), el ama de llaves de la mansión y encargada de los cuidados de Vera. Esta mujer cuenta con un pasado un tanto difícil, el cual descubre el espectador cuando su hijo llega a la casa de Robert. Esta visita, además, provoca que descubramos el origen de los problemas de Robert, ya que tanto su mujer como su hija murieron de forma dramática años atrás, habiendo condicionado este hecho tanto su vida cotidiana como su carrera profesional.

Llegados a este punto, Almodóvar nos traslada hasta el año 2006, año en el cual suceden todos los hechos dramáticos que hemos comentado con anterioridad y que provocan que comiencen a desarrollarse las tramas que llevan a Robert y a los que le rodean a estar en la situación en la que se encuentran en este momento. Y es que, a raíz del accidente de tráfico que tuvo su mujer, nuestro protagonista comienza a investigar sobre la reconstrucción de la piel humana, yendo desde las técnicas de reparación hasta a las de implantación, para lo cual utiliza una metodología poco ética.

¿Os hemos picado un poco la curiosidad? ¿Sí? Eso es bueno, aunque supongo ya sabréis que no vamos a contaros demasiadas cosas más sobre el desenlace de la película, ¿verdad? No es nuestro estilo.

Lo primero que nos ha llamado poderosamente la atención una vez olvidadas las críticas profesionales, y vista la película en el cine, es que echamos en falta un guión potente y coherente, pues aunque las líneas generales dan para mucho, el desarrollo que Almodóvar y su equipo imprimen en “La piel que habito” deja mucho que desear, desaprovechando oportunidades de hacer algo realmente espectacular y radical como nos venden por ahí.

Tampoco nos ha gustado la banda sonora, ya que no consigue lo que pretende en ningún momento, siendo repetitiva y aburrida a partes iguales. Lo lógico sería pensar que en algún momento entraríamos en tensión o nos relajaríamos gracias a la música, pero eso no es así.

En cuanto a las interpretaciones, nos gustaría, esta vez sí, romper una lanza en su favor, ya que, tanto Antonio Banderas como Elena Anaya están geniales en su trabajo, mientras que el resto de los actores (incluida Marisa Paredes) tampoco hacen mal su trabajo aunque carecen de un papel significativo. También nos gustaría resaltar que, pese a que Banderas y Anaya logran unos personajes convincentes, estos gracias al guión quedan lejos de lo que podrían llegar a ser, pues creemos son demasiado planos para lo que la historia podría ser en manos de otro director.

Esta nueva película de Almodóvar no es un drama. El problema es que tampoco es una película de terror, ni una tragicomedia, ni una comedia, ni un thriller, ni… en definitiva, su gran problema es que es una película excesivamente complicada de clasificar debido a que carece por completo de una identidad que nos permita situarla en un género cinematográfico concreto. Quizás es por este motivo por el cual se comentó que el público que visionó la cinta en Cannes rió, cuando en ningún caso esta película pretende provocar risa. Lo que sí que vimos que consiguió fue provocar el sueño de algún que otro espectador de la sala de cine en la que nos encontrábamos, ya que dos personas de la fila posterior a la nuestra se quedaron dormidas al cabo de unos minutos.

En definitiva, no os aconsejamos que vayáis al cine a verla, pues el dinero que cuesta la entrada no queda compensado con el visionado de una película que resulta lenta, insulsa y simplista. Nuestra puntuación final es de 4/10.

Título original: “La piel que habito” – España – 2011
Duración: 117 min.
Dirigida por: Pedro Almodóvar
Género: ¿Thriller? ¿Drama?

La boda de mi mejor amiga

2011-08-17T15:45:00.000+02:00

El de este 2011 sin lugar a dudas esta siendo un verano frío, y no solamente meteorológicamente hablando (como mínimo en nuestra región), sino también cinematográficamente. Hemos tenido la aparición de viejos superhéroes (el capitán América, la linterna verde), la finalización de interminables sagas (“Harry Potter”), precuelas (“El origen del planeta de los simios”), secuelas (“Manuale d’amore 3”), y renovaciones (“Conan el Bárbaro”), y un sinfín de comedias estivales.

Sin lugar a dudas, una elección complicada, tanto para los que les guste el cine, como para aquellos que quieran pasar un rato al fresco disfrutando de un pequeño divertimento sin sentirse timados por el precio de la entrada.

Visto el panorama, los del equipo, este verano nos incluimos dentro del segundo grupo, esperando disfrutar más de las comedias que de las grandes producciones. Por eso, quizá, cuando vimos el tráiler de “La boda de mi mejor amiga”, decidimos que la veríamos.

No fuimos el día de su estreno, pero tampoco dejamos pasar mucho tiempo (en esta ocasión el calor extremo que estos días hace por Catalunya nos ayudó a decidirnos), eso sí, en esta ocasión no entramos armados con palomitas en el cine, aunque el género lo permitiera…

La historia empieza presentándonos a Annie (Kristen Wiig), una treintañera marcada por un patética vida sentimental, un trabajo que no le gusta y una desorientación vital absoluta.

Un día, Annie recibe la noticia que su mejor amiga Lilian (Maya Rudolph) se va a casar. Esto va a provocar un auténtico terremoto en la ya de por si trastornada vida de nuestra protagonista, ya que además de perder a su amiga y confidente, deberá convertirse en la dama de honor de su boda.

Annie nunca ha sido dama de honor en una boda, y ni mucho menos de una boda de la jet set. Nuestra protagonista deberá integrarse con el resto de amigas de Lilian: la excéntrica y prepotente Helen (Rose Byrne), la vasta y regordeta Megan (Melissa McCarthy), la calentorra madre de familia Rita (Wendi McLendon) y la mojigata Becca (Ellie Kemper), lo cual, sin lugar a dudas dará lugar a grandes tensiones entre nuestras protagonistas que desembocaran en manidas situaciones cómicas.

Ciertamente a los del equipo “La boda de mi mejor amiga” nos sorprendió, aunque para seros totalmente sinceros debemos decir también que la sorpresa fue más bien negativa, ya que, nos pareció soberanamente lineal, sin sobresaltos durante las más de 2 horas de extenso metraje, sin constantes situaciones cómicas, sin giros argumentales, sin, sin…. sin gancho.

Tampoco negaremos que, la película tiene situaciones cómicas y que a ratos reímos y nos divertimos, pero la mayoría de secuencias cómicas buenas, aparecían ya en el tráiler, y del resto, salvamos las protagonizadas por Megan y su humor escatológico, sobre todo la que nuestras amigas viven en la tienda donde se van a probar los trajes de dama de honor… inmejorable ver a la novia cruzando la calle con el traje de novia, a Megan sentada en el lavabo…. Ains… de lo mejor de la película.

Como os hemos dicho, esperábamos mucho más de esta película. Sobre todo esperábamos no salir de la sala pensando que habíamos tirado los 7,20 euros que vale una triste entrada, así que, a los del equipo no nos queda más alternativa que, aunque sea por los pelillos, suspender a “La boda de mi mejor amiga”, siendo la nota final un 4 sobre 10.

En vuestras manos está decidir si la veis o no, aunque nosotros no os recomendamos que lo hagáis hasta que haya salido en DVD y podáis alquilarla o descargarla desde la red.

Título original: “Bridesmaids” – USA – 2011

Dirigida por: Paul Feig

Duración: 128 minutos

Género: Comedia

Noche en el museo

2011-08-04T08:58:00.000+02:00

Debemos asumirlo, la mayoría de cosas tienen un comienzo y un final, y en nuestro caso, cinematográficamente hablando, como equipo nacimos una tarde de enero del 2007 ante la proyección de “Noche en el museo”. ¿Que podríamos haber escogido otra? Pues seguro, pero seguramente nos habríamos divertido menos.

Bueno, la cuestión es que no hace mucho, TVE nos ofreció la posibilidad de rememorar nuestro origen cinematográfico en pantalla pequeña, y claro, ni se nos pasó por la cabeza la posibilidad de rehusarla, y ahí estuvimos, tumbados en el sofá, con una bolsa de patatas fritas en la mano mientras disfrutábamos de esta comedia.

“Noche en el museo” nos narra la historia de Larry Daley (al que da vida Ben Stiller), el típico soñador americano que, de desastre en desastre, consigue destruir su matrimonio y la imagen que tiene de él su hijo. Por su pequeño, deja aparcados sus sueños de grandeza y acepta un trabajo de guardián nocturno en el Museo de Historia Natural de Nueva York.

Un trabajo rutinario y aburrido, alejado de todo lo que Larry anhela, o por lo menos, eso es lo que piensa en un primer momento, porque pocos minutos después que los antiguos vigilantes le dejen en el museo, llaves en mano, se dará cuenta que de este trabajo no será especialmente rutinario que digamos.

Un crujido, una sombra que se mueve y sin quererlo ni beberlo, desaparece el Tyranosauro Rex que preside el Hall del museo. El la idea del robo pronto es descartada por Larry, pues nadie lo ha robado… También descarta las ideas segunda y tercera... hasta que se da cuenta de que, misteriosamente, Rex ha cobrado vida y lo persigue por los pasillos del Museo.

En plena persecución Larry se da cuenta que Rex no es el único que ha tomado vida en el museo, pues los cowboys se están enfrentando a guerra abierta con los gladiadores romanos, los animales de la sala del Amazonas campan a sus anchas y por si fuera poco, Hannibal el Huno anda sembrando el caos fuera de su sala.

Controlar lo que pasa en el museo es demasiado para nuestro protagonista, aunque cuente con algún que otro soporte, como el de Teddy Roosevelt (magistralmente interpretado por Robin Williams), así que, al finalizar su primera noche de trabajo decide abandonarlo, aunque al final se echa atrás para no decepcionar de nuevo a su hijo.

Precisamente con este objetivo invita a este a pasar una noche con él en el museo, para demostrarle así lo especial que es su trabajo. Lo que no se espera Larry es que tendrá que desplegar todo su ingenio para solucionar un pequeño (o gran) contratiempo que vivirán padre e hijo esa misma noche.

No os creáis, ya que aunque por lo que os hemos contado puede parecer una película profunda, o una moralina sobre lo divertidos que pueden ser los museos, realmente se trata de una buena comedia ligera con divertidos gags (el juego de Rex en el vestíbulo, el mono cabroncete, y los “temibles” cowboys y su caballo de hierro) y diálogos (sobre todo entre nuestro protagonista y Roosevelt).

La verdad es que le tenemos cariño a esta película, quizá es porque fue la primera que vimos juntos, pero nos gustó y nos divirtió, y no solo la primera vez, la segunda también, así que, os la recomendamos, sobre todo si queréis disfrutar de una tarde (o velada) sin más pretensiones que divertiros un rato. Por nuestra parte, y unánimemente, le ponemos un 7 sobre 10.

Título original: "Night at the Museum" - USA - 2006
Dirigida por: Shawn Levy
Duración: 108 minutos
Género: Comedia, Fantástico

Bad Teacher

2011-07-27T23:13:00.000+02:00

¡Parece sorprendente! Parece que la industria cinematográfica se ha contagiado del frío verano que estamos teniendo este año, ya que, si bien hasta este año nuestras carteleras estaban plagadas de películas de dibujos animados y de comedias frescas que perduraban hasta finales de agosto, este año no tenemos más que secuelas y alguna que otra comedia que, sinceramente, no creemos que pasen a los anales del cine... o sea, frío frío.

Bueno, la cuestión es que, un par de semanas antes de su estreno, una parte del equipo al pasar cerca de una cartelera se descolgaba repitiendo “Bad Teacher”, “Bad Teacher” como llamando con ansias a una comedia. Pese a la insistencia, los del equipo tuvimos que priorizar, y el azar marcó que, primero veríamos la que por suerte es la última parte de la saga “Harry Potter”.

La cuestión es que, a la primera oportunidad nos plantamos en la taquilla y nos cogimos un par de entradas para disfrutar de “Bad Teacher”. Cual fue nuestra sorpresa cuando nos encontramos con una sala casi llena. Pensamos: “¡Que montón de gente para ver una comedia!”. Pronto la sorpresa inicial se turnó un poco en mal presagio, pues quizá tres cuartas partes de la sala estaban repletos de hormonas en ebullición. Sí, quinceañer@s armados con palomitas y móviles habían tomado la sala. Pero, ¿por qué?

Podía ser por la temática, por Cameron Díaz o simplemente por ganas de tener una hora y media de lenguaje soez y de bromas sexuales. Hubiese podido ser por cualquiera de estas razones, o incluso por una mezcla de las tres, pero, evidentemente habéis adivinado... la mayoría de ellos iban por la última...

Cameron Díaz da vida a Elizabeth, una profesora que parece no saber lo que es la moral y que destaca, entre otras cosas, por su afición al alcohol y las drogas, además de por el pasotismo que demuestra en su trabajo. Así, su único interés es casarse con su millonario novio con el propósito de utilizarle para vivir el resto de su vida sin trabajar. Con lo que ella no cuenta es con que éste, alentado por su madre, decide separarse de ella al entender que no es una buena influencia, teniendo que continuar trabajando como profesora cierto tiempo más, siendo esto algo que ella no está dispuesta a aceptar… por lo que desarrolla un plan para intentar cazar a su compañero Scott Delacorte (Justin Timberlake), el cual pertenece a una familia de empresarios y con quien podría lograr su objetivo. A partir de aquí comienzan a desarrollarse todo tipo de situaciones de lo más variopintas, pero que tienen como nexo en común que buscan lograr el éxito de cara al cumplimiento de los objetivos de nuestra querida “Bad teacher”.

No vamos a negaros que esta película nos ha generado algún que otro debate, ya que las ganas de uno de los miembros del equipo por verla chocaban de frente con la apatía que le generaba a la otra parte. Lo curioso del caso es que esta sensación se mantuvo incluso en el momento en el cual la película acabó, ya que, a pesar de coincidir en bastantes cosas, la lectura que realizábamos de las mismas difería. En cualquier caso, sí que ha habido más de un punto en el que hemos estado totalmente de acuerdo, siendo el principal el escaso provecho que el director y los guionistas han sacado de una gran idea como era la de esta película, ya que pocos personajes existen tan endiabladamente interesados, malhablados, incorrectos, inmorales… como Elizabeth. Y es que el guión es muy pobre, no aporta nada nuevo y no hay apenas momentos en los cuales pueda llegar a sorprenderte. De igual manera, la escasa química existente entre los actores y las irregulares interpretaciones que estos realizan (salvo Cameron Díaz, quien realmente ha hecho un trabajo genial en esta cinta al sacar a pasear su lado más ordinario) contribuye a estropear aún más la película. Realmente es una pena, ya que hubiese sido posible lograr una película infinitamente mejor realizada realizando un poquito más de esfuerzo.

Como no todo es negativo, debemos destacar los momentos más cómicos de “Bad Teacher”, los cuales, aún y cuando los ves venir en alguna que otra ocasión, hacen que sueltes alguna que otra sonrisa. Dentro de estos momentos están los protagonizados por Amy Ardilla, profesora compañera de Elizabeth de lo más peculiar, aunque esta última provoca, con su maldad y su interés, más de un momento realmente caótico y memorable. De igual manera, el uso del lenguaje más soez que os podáis tirar a la cara es, en este caso, acertado, como también lo son las constantes referencias que la película realiza a las adicciones, ya que, además de hacerte reír en algún que otro momento, contribuyen a recordar a los jóvenes (como hemos comentado ya, el núcleo de espectadores más importante con el que cuenta esta película) las consecuencias negativas que éstas provocan.

Aún y todo, los miembros del equipo estamos de acuerdo en no recomendaros visitar las salas de cine para ver esta película, ya que consideramos que los múltiples defectos que tiene no llegan, en este caso, a compensar las virtudes con las que cuenta, por lo que os recomendamos esperar a visionarla en DVD. Aún y todo, y si estáis empeñados en acudir al cine para verla (como fue el caso de uno de los dos que escribimos) nuestro consejo es que escojáis un día en el que estéis de buen humor, ya que, de lo contrario, tal vez salgáis de la sala algo contrariados.

Con todo, la nota final de la película es de 5 puntos sobre 10, aunque sin unanimidad en este caso al ser la nota de una parte un 4 mientras que, por el otro lado, fue de un 6 por los momentos cómicos que la cinta nos proporcionó.

Título original: "Bad Teacher" - USA - 2011

Dirigida por: Jake Kasdan

Duración: 92 minutos

Género: Comedia

Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2

2011-07-19T11:27:00.003+02:00

Han pasado casi ocho meses entre el estreno de la primera parte de “Harry Potter y las reliquias de la muerte” y su segunda parte. Ocho meses que, para los seguidores acérrimos de la saga creada por Joanne K. Rowling habrán sido toda una eternidad, mientras que para sus detractores… bueno, esos seguramente ni se habrán dado cuenta, pues estarán demasiado ensimismados en criticar como para darse cuenta de que el tiempo pasa. Por tanto, nos centraremos para esta crítica en los espectadores neutrales, entre los que evidentemente nos encontramos los miembros de este equipo.

No os vamos a engañar, nos encanta que de una vez por todas se haya acabado ya la saga cinematográfica de “Harry Potter”, iniciada el 2001 con esa fresca y divertida “Harry Potter y la piedra filosofal” con un Daniel Radcliffe (Potter) preadolescente descubriendo el mundo mágico de Hogwarts, y acabada 10 años después con un Radcliffe adulto enfrentándose a muerte a su enemigo Lord Voldemort (Ralph Fiennes) en un destruido castillo de Hogwarts.

La historia empieza en el mismo punto donde lo dejó “Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 1”, es decir, con nuestro trío de protagonistas (Ron, Hermione, y Potter) buscando “horrocruxes” para destruir los cachos de alma de Voldemort que él mismo escondió para poder usarlos cuando fuera necesario, lo cual si nadie lo impide, será pronto.

La búsqueda de los “horrocruxes”, lleva a nuestros amigos a Gringotts, donde deben entrar en la cámara de seguridad de Bellatrix Lestrange (Helena Bonham-Carter). Consiguen hacerlo ayudados por un ex empleado traidor que accede a cambio de la legendaria espada de Griffindor.

De allí, después de una espectacular huida y gracias a la oclumancia, nuestro trío descubre que el penúltimo “horrocrux” está en Hogwarts… Eso sí, este lugar es hoy muy diferente al que ellos conocieron. Ahora en el castillo no reinan la concordia, la magia y los estudios, sino que se ha transformado en un lugar plagado de mortífagos bajo las órdenes de Severus Snape. Allí, deberán encontrar el “horrocrux” y destruirlo antes que los servidores de Voldemort se interpongan en su camino.

No todo es tan sencillo como parece para nuestros amigos, pues con la misma facilidad que Harry puede ver los movimientos de Voldemort, éste puede ver los suyos. Además, Potter deberá luchar contra sus propios fantasmas al descubrir poco a poco varias sorpresas relacionadas con su admirado Albus Dumbledore.

Poco a poco se va acercando el momento cumbre, el más esperado en estos 10 años de saga, el enfrentamiento final entre el bien y el mal, entre los caballeros de la muerte y Hogwarts, entre... Voldemort y Harry Potter, enfrentados en primera instancia en el bosque de Hogwarts. ¿Qué quién ganará? Pues ya sabéis que no es costumbre nuestra explicar la película del todo, así que si queréis obtener la respuesta a esta pregunta, deberéis ir al cine (o tirar de biblioteca. ¿No es esta una saga basada en la literatura? Pues eso). Pero si lo que queréis es conocer nuestra valoración personal, debéis saber que la encontraréis ya mismo, en las siguientes líneas...

No os vamos a negar que a grandes rasgos la película es fiel al libro, tiene muchísima acción y es oscura como vienen vendiéndonos desde, como mínimo, la cuarta parte de la saga, y quizá también es una de las mejor aprovechadas. Pero para nosotros los puntos negativos superan y con creces los positivos (que también los tiene... porqué negarlos...), y como muestra os daremos unas píldoras:

• En la película se pasa muy de puntillas por algunas partes importantes del libro, (aunque, en algún caso éstas han sido suprimidas) y que a la postre dan una visión más humana de los personajes, dando a entender el porqué han actuado como han actuado a lo largo de la saga. Ejemplos de esto los encontraremos en la relación de Dumbledore con su hermana y su hermano o en la conversación del propio Dumbledore con Potter en ese limbo durante su enfrentamiento con Voldemort.

• La espectacularidad de las luchas hacen perder el lado más humano de la historia, destacando, entre otros, el enamoramiento de Ron y Hermione (resumido con un beso), otro beso para Ginny y Harry, la muerte de Tonks y Remus Lupin que es resumida con una imagen de ambos en el suelo con sus manos casi tocándose… En cambio, en el libro, la escena de lucha es clara.

• Demasiado regusto a Hollywood, y no por espectacularidad, sino por algunas acciones de chulería que en el libro no aparecen ni por asomo. Por ejemplo, el enfrentamiento verbal entre Longbottom y Voldemort, encarándose a él mientras intenta demostrar quién manda, está totalmente de más.

No queremos ser extremadamente duros, aunque la verdad el desarrollo de la saga “Harry Potter” se lo merecería, pues de ser una historia original, fresca y sorprendente, con el paso de los años se ha pervertido por el principal malo de nuestra sociedad actual, Don Dinero, pues en el momento que la Sra. J.K. Rowling dejó de escribir el maravilloso mundo mágico de Hogwarts para preparar tramas y pseudo-guiones para las películas, la historia decayó al mismo ritmo que sus cuentas corrientes se llenaban.

A “Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2”, le reconocemos el mérito de constituir un digno desenlace a una saga llena de altibajos, con unas escenas de acción técnicamente bien conseguidas, pero carente de conexión con su parte predecesora “Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 1”. Comercialmente suponemos que era la mejor, manteniendo las ganas de ver el desenlace durante 8 meses, pero de cara al espectador no fan de la saga, y gracias al montaje de ambas películas (donde se ha cambiado el orden de algunas tramas, y se han obviado otras), lo que han conseguido es que durante los 130 minutos de metraje, se pierdan irremisiblemente. Por eso, y porqué ya nos ha parecido demasiado cansina y comercial, los del equipo le ponemos un nada despreciable 5,5 sobre 10.

Sólo recomendable para incondicionales de la saga y para quienes les guste la acción a golpe de varita mágica.

Título original: “Harry Potter and the Deathly Hallows: Part II” – Reino Unido – 2011

Dirigida por: David Yates

Duración: 130 minutos

Género: Fantástico

Cars 2

2011-07-13T23:23:00.000+02:00

Hacía un montón que no hacíamos eso tan bonito de buscar entradas para ir al cine el día del estreno de una película, pero esta vez, los del equipo teníamos una buena excusa, el regalo de cumpleaños de uno de los miembros esporádicos del equipo. Así que, ni cortos ni perezosos, el 6 de julio a la sesión de las 22:00, estábamos preparados para entrar en la sala.

Antes de llegar el cine, temíamos no encontrar hueco para tres, ya que las entradas extrañamente eran para “sesión no numerada”. Nuestras dudas se evaporaron al cruzar el umbral de la puerta, ya que no había colas. De hecho, no había gente ni en el cine, ni en la sala. El único problema que tuvimos fue escoger las butacas, pues estábamos solos... Ni niños, ni padres, ni palomitas… Sinceramente un mal presagio para una película de Pixar.

¡Ah! ¿Que no os lo habíamos dicho? ¡Qué cabeza la nuestra! La película sobre la que os vamos a hablar hoy no es otra que el último trabajo de Pixar, “Cars 2”.

No esperábamos mucho de la película, pues ya su primera parte nos pareció una película técnicamente aceptable pero tremendamente sosa y excesivamente infantil, pero como mínimo nos apetecía reencontrarnos con “Radiador Springs”, Tom Mate, Sally, Luigi y Guido, pero ya para empezar nos encontramos con una sorpresa...

La película empieza con la aparición de un nuevo personaje, Finn McMissile un espía británico al más puro estilo ‘007’ intentando descubrir los planes de un extraño grupo de productores de petróleo que han inventado una potente arma camuflada en una cámara de televisión. Explosiones, saltos y persecuciones imposibles marcan los primeros minutos de la película.

Mientras todo esto ocurre, McQueen, nuestro protagonista, llega a “Radiador Springs” después de ganar su cuarta “Copa Pistón” para reunirse con sus amigos, y su novia. Poco le dura la tranquilidad y el romanticismo a McQueen, pues en un abrir y cerrar de ojos (o quizá deberíamos decir de faros), se ve tomando parte en una nueva carrera de campeones, el “Gran Premio Mundial”, patrocinado por un nuevo biocombustible (“Allinol”).

Se disputaran tres carreras, la primera en Tokio (Japón), la segunda en Italia y la última en Inglaterra, y el ganador se llevará el título de mejor coche de carreras del mundo.

A partir de esta premisa, la historia de “Cars 2” se lía de tal forma que uno no sabe si está viendo una película de espías para niños protagonizada por coches, o un remake moderno de la ya histórica “Esos autos locos” en medio de una historia de espionaje con trasfondo ecológico.

No os diremos que se trate de una película basura (aunque uno de los miembros del equipo sí que la sitúa cerca de este límite), pero sí que es la más floja que ha hecho Pixar desde sus inicios. Seguramente funcionará a base de potentes campañas de merchandising (pronto tendremos McMenus de Cars 2, videojuegos con McQueen y McMissile de protagonistas, miniaturas de Tom Mate y centenares de productos más), de publicidad sobre su fantástico 3D, de los cameos que múltiples pilotos famosos han hecho (Fernando Alonso, Lewis Hamilton, Petrov, Sebastian Vettel, etc.).

Los del equipo no vamos a negar que comercialmente va a funcionar, y que técnicamente, tiene un 3D bueno (que no espectacular), pero ojo, esto último solo en las escenas de paisajes (Tokio es espectacular, y el circuito de Italia, también), porque en el resto de escenas, se podía ver tranquilamente sin gafas (de hecho, lo hicimos, a ratos).

Salimos convencidos solo de una cosa: hemos perdido el dinero de la entrada por una cosa tan insustancial e inclasificable (parece raro que Pixar haya hecho algo como esto, aunque claro todos conocemos esa frase de “poderoso caballero don dinero”) como la que os acabamos de contar, así que, no nos queda más opción que puntuarla con un 3.5 sobre 10, y un claro aviso: o mejora mucho, o no veremos bajo ningún concepto el final de la trilogía (habéis leído bien, habrá “Cars 3”).

Título original: “Cars 2” – 2011 – USA

Dirigida por: John Lasseter y Brad Lewiss

Duración: 113 minutos

Género: Animación digital

Manuale d’amore 2. Corregido y aumentado

2011-07-03T21:33:00.005+02:00

Cuando hace unos meses los del equipo descubrimos “Manuale d’amore” quedamos prendados de su frescura y originalidad de su montaje, por eso decidimos hacerle un pequeño seguimiento, descubriendo que “Manuale d’amore” no es solo una película, sino que hasta fecha de hoy se han estrenado 3 películas. Así que, ni cortos ni perezosos, nos pusimos manos a la obra para conseguir “Manuale d’amore 2. Corregido y aumentado”.

No fue fácil, pues al revés que la primera, esta segunda parte tuvo una repercusión internacional mucho menor, pese a todo, hace poco conseguimos verla y hoy os dejamos en este rincón nuestra crítica.

Cuando uno empieza a ver esta película pronto se da cuenta de varias cosas, entre ellas que estamos ante una segunda parte de una exitosa primera, y no solo por el hecho de llevar un 2 en el título, sino porque mantiene totalmente la estructura argumental de la primera, separando todo el argumento en 4 partes claramente identificadas por sendas cortinillas que indican al espectador del título de la nueva parte.

En “Manuale d’amore 2”, y siguiendo el hilo conductor de un programa de radio sobre el amor, se nos presentan las cuatro historias siguientes:

“Eros”: protagonizada por Nicola (Riccardo Scamarcio) un joven que queda parapléjico tras un accidente de coche y durante su proceso de recuperación en el hospital se enamora perdidamente de Lucia (Monica Bellucci) su fisioterapeuta.
“La maternidad”: en esta ocasión, la trama gira en torno a los problemas que tiene una joven pareja para tener un hijo, desde el descubrimiento del problema hasta la inseminación que se realizan en Barcelona.
“El matrimonio”: esta hubiese podido ser la historia más arriesgada, aunque se nota, y a distancia, el retraso que vive Italia en cuanto al tema del matrimonio gay (la homofóbia de los padres, de la sociedad, etc.), pasando muy por encima los aspectos claves de la relación de Bosco (Sergio Rubini) y Filippo (Antonio Albanese), los cuales tienen que huir a Barcelona para casarse.
“Amor extremo”: en esta aventura, nos podemos reencontrar con Carlo Verdone (Manuale d’amore) encarnando a Ernesto, un cincuentón cansado de un matrimonio aburrido que sucumbe a los encantos y pasión de Cecilia (Elsa Pataky), poniendo en peligro tanto la relación con su mujer como su propia salud.

Cuatro historias agridulces sobre el mundo del amor, sus alegrías y sus problemas contados en un ambiente 100% mediterráneo y un sabor eminentemente italiano, algo así como ya se hiciera en su predecesora “Manuale d’amore” aunque bajo nuestro modesto punto de vista perdiendo cierto nivel de frescura y originalidad.

En la primera parte brillaba el humor en las historias enlazándolas graciosamente unas con otras. En esta segunda, el enlace se ha perdido casi en la totalidad, mientras que se incrementa más la dosis de trama en las historias, convirtiéndose estas en pequeñas tragicomedias.

También nos gustaría remarcar que continúa encantándonos la BSO de la película (y por extensión de la saga) y la ambientación de la misma, aunque en esta ocasión si abusa quizá de la presencia testimonial de Barcelona, lo cual sinceramente creemos que no aporta nada ni al desarrollo ni al desenlace de la película.

Os asumimos que esperábamos más de “Manuale d’amore 2. Corregido y aumentado”. Esperábamos que mantuviera el nivel de la primera pero, sin llegar a decir que es mala, si asumimos que no le llega al nivel, aunque nos gustó y la disfrutamos a gusto, así pues, le ponemos un nada despreciable 7.

Otras partes de la saga:

"Manuale d'amore"
"Manuale d'amore 3. Las edades del amor"

Título original: “Manuale d’amore 2 (Capitoli successivi)” – ITA – 2007

Dirigida por: Giovanni Veronesi

Duración: 110 minutos

Género: Comedia romántica

Separados

2011-06-27T11:38:00.000+02:00

Cinematográficamente los del equipo asumimos unos riesgos que a veces, son difíciles de justificar. Por un lado nos gustan las grandes producciones con cierto argumento, por otro, parecemos críos a la caza de la última de dibujos animados (y más de si esta es de Pixar) y de vez en cuando, nos da por intentar reír un poco a base de comedietas románticas.

Precisamente es cuando escogemos estas últimas que nuestro porcentaje de éxito en la elección acostumbra a bajar y mirad que de entrada, parece sencillo hacer reír a base de tópicos sobre enamorados, pero no es así ya que, aunque no es necesario que tenga mucho argumento, sí que es necesario disponer de una historia coherente no demasiado trillada y de un cásting de actores con química entre ellos.

En el caso que nos ocupa hoy, “Separados”, lamentablemente no dispone ni de una cosa ni de otra, pues aunque tanto Jennifer Aniston como Vince Vaughn por parte de cada uno están correctos, entre ambos, la química brilla por su ausencia.

La historia empieza con un pequeño flash-back donde nos presentan a los protagonistas de la historia: Gary (Vince Vaughn) y Brooke (Jennifer Aniston). No se conocen pero ambos están viendo un partido de béisbol cuando Gary se siente irremisiblemente atraído por Brooke y liga con ella de la forma más catastrófica posible, a base de insultos a su acompañante y regalándole un perrito caliente... sin comentarios...

Cuando acaba el flash-back, nuestra pareja lleva ya dos años casada y las cosas no han cambiado mucho y la situación entre ambos se aguanta por lo pelos hasta que, por una chorrada toda su vida en conjunto se desmorona como un castillo de naipes.

A partir de aquí, tanto Gary como Brooke intentaran hacer reaccionar al otro llevándolo a su lado de la guerra ayudándose de familia, amigos y lo que se le ponga delante con resultados más bien patéticos.

La verdad es que la película es floja, floja ya que para ser comedia le faltan varios puntos imprescindibles, por ejemplo, le falta gracia, le falta ritmo, le faltan chistes. Y para ser una película romántica le falta ¿todo?

Ninguno de los dos protagonistas está a la altura y en ningún momento trasmiten lo más mínimo haciendo imposible la implicación del espectador en la trama de la película, aunque muchas de las situaciones que presenta “Separados” la podemos vivir en nuestras propias casas. Una verdadera pena porque no es de las peores interpretaciones de Aniston.

De todas formas, lo peor de “Separados” es la falta alarmante de ritmo con que se desarrolla la manida trama de la película, con gags excesivamente largos y escenas carentes de gracia que provocan que el espectador vaya desenganchándose poco a poco.

Sinceramente, no la recomendamos, pues no le encontramos un momento óptimo para ver, es más, le vamos a crear un nuevo género cinematográfico para ella, el de las películas Ni-ni (ni es una película para ver en pareja, ni para tarde de fin de semana, ni divertida). Para los del equipo, y siendo muy generosos, un 4 sobre 10.

Título original: “The break-up” – USA – 2006

Dirigida por: Peyton Reed

Duración: 105 minutos

Género: Comedia romántica

Herois

2011-06-07T11:35:00.002+02:00

De vez en cuando los del equipo nos salimos un poco de las costumbres y dejamos a un lado el cine más comercial, para pasarnos a pequeñas producciones que de una forma u otra nos llaman la atención (“Los hombres que miraban fijamente a las cabras”, “Manuale d’Amore”, “80 egunean”, “Izarren argia”, ...).

En esta ocasión le tocó el turno a “Herois”, una pequeña producción catalana de 2010 dirigida por Pau Freixas con un guión del propio Freixas y de Albert Espinosa (autor de los guiones de “Planta 4ª”, “Tu vida en 65 ‘”, “Polseres Vermelles”...).

La verdad es que fue precisamente por el éxito que tuvo “Polseres Vermelles” en TV3 que nos lanzó a buscar “Herois” para verla y disfrutarla una noche después de cenar.

El argumento de “Herois” se divide en dos líneas claramente diferenciadas en el tiempo: la primera trascurre en la actualidad y la segunda en los años 80, siendo precisamente esta segunda donde se desarrolla la trama principal.

La historia empieza presentándonos a Sala (Àlex Brendemühl), un joven publicista que se dirige a una importante reunión cuando de repente se le cruza en su camino (y por qué no decirlo, en su vida) Cristina (Eva Santolaria), una chica joven y despreocupada que se dirige al encuentro de su grupo de amigos de la infancia.

Dos mundos distintos, y una (o más) cosas en común llevarán a nuestra protagonista a recordar el que, para ella, fue sin lugar a dudas el mejor verano de su vida cuando se reunió por última vez con toda su pandilla del verano, compuesta por: Ekaitz (Álex Monner), Xavi (Ferrán Rull), Roth (Joan Sorribes) y ella misma, Cristo (Mireia Vilapuig).

Ese verano de la pasada década de los 80 sin lugar a dudas fue muy especial para nuestros chicos, ya que, además de reunirse otra vez más, ese año en el pueblo se celebraba una carrera de cacharros que permitirá escoger la mejor pandilla, la cual cosa otorga a la pandilla ganadora el derecho de uso de “La casa del árbol” durante un año.

Todo un privilegio para las pandillas del pueblo, y más para nuestros “petits” (este es el nombre con el que van a correr y defender su candidatura), ya que corre el rumor que “La casa del árbol” es mágica y concede todos los deseos de sus inquilinos. Solo hay un problema, hay que ser cinco, y deben tener un vehículo/cacharro con el que hacer la bajada en carrera.

A desgana de la mayoría, acaban admitiendo a Colo (Marc Balaguer), un chico un tanto especial que desea como pocos tener una pandilla con quien estar. Mientras diseñan y fabrican su vehículo de carreras, van apareciendo las primeras marcas de la adolescencia, los primeros amores, los primeros conflictos entre ellos…

Poco a poco el grupo se va uniendo para conseguir su objetivo aunque entre ellos aparecen las primeras grietas (Cristo se siente atraída por Xavi, pero este descubre que se siente atraído por una turista...) aunque todo queda en un segundo plano cuando se enteran que ese va a ser el último verano que se celebrará la carrera por el árbol, pues a finales de verano el pueblo será engullido por un nuevo pantano.

El ritmo es creciente a medida que pasan las secuencias hasta que... bueno, comprenderéis que no desvelaremos el sorprendente y emotivo hecho que precipitará el desenlace de “Herois”, ¿verdad?

Entre lo más positivo de esta pequeña producción catalana, los del equipo creemos importante destacar la cuidada ambientación, con coches de comienzos de los 80, esas bicis BH que pesaban como mulas, gafas grandes, pantalones cortos, etc., también nos llegó, y mucho la BSO, desde el “Ti amo” de Umberto Tozzi hasta esa emotiva escena final al ritmo de “Forever Young”.

Somos conscientes que se trata de una película sin más pretensiones que hacernos pensar en las diferencias entre los problemas de cuando eramos pequeños y los problemas de adultos, y sobre todo la forma como los afrontamos. Cuando somos pequeños trabajos y luchamos por un sueño que nos ayudará a vivir, mientras que cuando somos mayores, los pequeños trabajos que hacemos para poder vivir nos quitan el sueño y las alegrías. En este sentido, sin lugar a dudas, el personaje de Sala y su cambio a lo largo de la película, nos lo deja más que claro.

Aunque a los que no han vivido la pasada década de los 80 les costará más implicarse con esta película, los del equipo la recomendamos pues sin lugar a dudas “Herois” es una pequeña joyita de nuestro cine. Para nosotros, un 7 sobre 10.

Título original: “Herois” – ESP – 2010

Dirigida por: Pau Freixas

Duración: 105 minutos

Género: Drama

Piratas del Caribe. En mareas misteriosas

2011-05-29T17:56:00.002+02:00

Cuatro años han tenido que pasar entre el estreno de “Piratas del Caribe. En el fin del mundo” y el pasado 20 de mayo del 2011, fecha en la que se entrenó a nivel mundial en las salas de cine la cuarta parte de esta saga, titulada “Piratas del Caribe. En mareas misteriosas”.

Durante este tiempo, decenas de rumores han surcado las redes de información: primero que la saga había acabado con la tercera parte, poco después que continuaría con un spin-off, más adelante que se grabaría una nueva parte pero con un casting de actores completamente renovado… Finalmente acabó cumpliéndose parte del último rumor, ya que la película que hoy criticamos es una entrega completamente nueva de la saga, pero en la cual únicamente han continuado Geoffrey Rush y Johnny Deep (este último, por suerte, ya que consideramos que en esta saga es insustituible). Después de mucho tiempo se confirmó un pequeño gran cambio, Orlando Bloom y Keira Knightley dejaban la saga dejando paso a nuestra española más universal (cinematográficamente hablando...) Penélope Cruz.

Como quien no quiere la cosa, los guionistas han ideado una continuación que transcurre “En el fin del mundo”. ¿Recordáis cómo acabó? Exacto, con Barbossa (Geoffrey Rush) navegando en la Perla Negra en busca de la “Fuente de la Juventud”, mientras Sparrow intenta recuperar su navío a bordo de un pequeño bote, mientras en sus mangas mantiene un importante as: el mapa de la “Fuente de la Juventud”.

Cuatro años después en nuestras pantallas, un tiempo desconocido para nuestros personajes, en Londres y en pleno apogeo de la caza de piratas, Gibbs (el lugarteniente de Sparrow) es sometido a un juicio a muerte. Por suerte para él, y para los espectadores, Sparrow hace acto de presencia y desencadena una de las mejores escenas de acción de toda la película, persecución en carros incluida.

Cuando todo parece más complicado de la cuenta para nuestro querido capitán, hace acto de presencia su padre (Keith Richards) y le lleva hasta un misterioso capitán Sparrow (¿otro?) que está reclutando piratas para ir en busca de la fuente de la juventud. Preso de la curiosidad, Jack va al encuentro del impostor que usurpa su nombre, llevándose una sorpresa mayúscula cuando debajo del disfraz de pirata encuentra a un antigua conocida, Angélica (o lo que es lo mismo, a nuestra “querida” Penélope Cruz).

Hace tiempo que no se veían, y la última vez algo no salió bien entre ellos, no se tienen confianza pero se necesitan, así que Jack se enrola en la tripulación del “Venganza de la Reina Anne”, donde Angélica es la segunda del buque, capitaneado por el temible Barbanegra, el padre de Angélica.

A partir de este momento la película entra en un devaneo de secuencias y situaciones un tanto inexplicables, hablando a nivel de una película de piratas, claro. Sobre todo cuando se dejan escapar un conjunto importante de situaciones a las que era posible sacarles mucho jugo, ya que tras la fuente de la juventud van simultáneamente Sparrow, Barbossa y enviados del reino de España, pero resulta prácticamente imposible ver a todos los grupos juntos, hecho este que se consigue únicamente cuando la película empieza a llegar a su fin. Por cierto, la actuación de Oscar Jaenada (“El Español”) es, sin lugar a dudas, la peor de toda la película.

Como para que la fuente funcione, se debe seguir un cierto ritual, nuestros protagonistas tendrán que hacerse con una sirena y dos cálices dorados, y a ello dedicaran más de la mitad de la película. Proporcionalmente, un cuarto de ella a capturar una sirena, y el otro cuarto a deambular por la selva en busca de los cálices y de la fuente.

Os tenemos que asumir que a los del equipo, “Piratas del Caribe. En mareas misteriosas” nos decepcionó bastante, y más teniendo en cuenta que la vimos en 3D, por aquello de poder ver perfectamente los gestos de Jack. No vamos a decir que el 3D es malo o mal hecho (como sí pudimos comprobar en “Alicia en el País de las Maravillas” de Burton), para nada, el problema que le vimos aquí es que, simplemente, no lucía. ¿Por qué? Pues porque al señor Rob Marshall (director de esta cuarta parte), no le ocurrió otra idea que desarrollar casi íntegramente la acción en escenas nocturnas (una pena, la verdad).

En cuanto a los actores, os debemos reconocer que estamos algo contrariados, pues mientras Deep, Penélope Cruz y Geoffrey Rush, analizados uno por uno hacen un trabajo realmente bueno (como mínimo, bueno cuando el pobre guión les deja), entre Sparrow y Angélica (Deep y Cruz), la química es tan escasa que no logran transmitir ninguna sensación al público, es más, parece que hayan grabado por separado las escenas y alguien las haya rejuntado al final.

A los del equipo no se nos hizo tan pesada como la tercera, pero notamos que le sobraban minutos, y no pocos precisamente. La mayoría de ellos, no os vamos a engañar, son lo protagonizados por un nuevo personaje secundario, el misionero Philip que de preso en el barco de Barbanegra, pasa a enamorarse perdidamente de una sirena, contándonos todo el proceso de enamoramiento, a lo que nos preguntamos ¿realmente aporta algo más que tediosos minutos?

Ya veis, no nos ha encantado y esperábamos más, pero nos hemos encontrado con una nueva secuela de la saga, o la cuarta parte, como queráis decirlo, carente de la gracia, del gancho y de la frescura de las dos primeras partes, pero manteniendo ese espíritu que le transfiere a Jack Sparrow su alter ego en la vida real, Johnny Deep (¿o era al revés?) y la BSO de siempre, lo más justo creemos que es ponerle un 6 sobre 10.

Otras películas de la saga:

"Piratas del Caribe. La maldición de la Perla Negra"

"Piratas del Caribe. El cofre del hombre muerto"

"Piratas del Caribe. En el fin del mundo"

Título original: “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides” – USA – 2011

Duración: 141 minutos

Dirigida por: Rob Marshall

Género: Aventuras

Piratas del Caribe. En el fin del mundo

2011-05-23T20:51:00.003+02:00

Secuelas y más secuelas. Estos últimos pongamos que, 10 años, la industria de Hollywood ha vivido casi exclusivamente de las secuelas (“Harry Potter”, “Toy Story”, “Shrek”, “Viernes 13”, “Alien”, “Indiana Jones”, “Jurassic Park”, “Rambo”, “Saw” y un largo etcétera ), y en algunos casos de sus precuelas, o sea, más secuelas pero ambientadas años antes de la película original (“La guerra de las galaxias”, “Hannibal: el origen del mal”, ....), todo con tal de exprimir hasta el último euro posible una idea que funciona en taquilla.

Uno de los ejemplos más claros que tenemos en el cine reciente es la saga “Piratas del Caribe” que inició su andadura en 2003 con “La maldición de la Perla Negra”, y significó el resurgir de un género olvidado para la industria del cine: el de la piratería. Y de ahí 3 películas (“La maldición de la Perla Negra”, “El cofre del hombre muerto”, “En el fin del mundo”), 4 si contamos ya con la que se estrenó el pasado 20 de mayo (“En mareas misteriosas”) y de la que os daremos nuestra opinión próximamente, si bien os adelantamos que esta última parte es, bajo nuestro criterio, la peor de la saga.

Pero como esta saga da para mucho, hoy nos centraremos exclusivamente en la tercera entrega, llamada “Piratas del Caribe. En el fin del mundo”, o lo que es lo mismo, la segunda parte de “El cofre del hombre muerto”, más que nada porqué, aunque ambas se estrenaron con un año de diferencia, se grabaron juntas y son la continuación directa una de otra.

La historia se sitúa tras la lucha con el Kraken (ver “El cofre del hombre muerto”) de Davy Jones, donde misteriosamente nuestro protagonista, Jack Sparrow (Johnny Deep) muere, o mejor dicho, es enviado al fin del mundo.

En esta tercera parte, los cada vez más enamorados Will (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley) se deben aliar con el capitán Barbossa (Geoffrey Rush) para rescatar tanto al Jack como a su amada “Perla Negra” de los misteriosos confines del fin del mundo. Tres personas, tres intereses (contrapuestos) y un solo objetivo... la verdad, difícil tarea, y más cuando tienen que echar mano de unas antiquísimas cartas de navegación para llegar al fin del mundo, cartas que tienen en su poder los piratas de Singapur.

Muchos personajes, muchos intereses y muchas, muchísimas, traiciones se suceden en el desarrollo de la trama de esta película, salvadas la mayoría por la arrolladora personalidad de Jack Sparrow.

Ya todos juntos, irán en búsqueda de la lucha final contra el capital Davy Jones y su temible “Holandés Herrante” que se encuentra misteriosamente subordinado a la flota de la armada real del comodoro Norrington. La lucha se prevé feroz, y lo es, aunque antes de llegar suceden una infinidad de cosas y anécdotas (los 168 minutos de metraje dan para mucho, incluso para aburrirse a veces), tantas que sinceramente en un solo post, se nos antoja imposible de contar sin aburrir, así que dejaremos aquí la trama argumental de “Piratas del Caribe: En el fin del mundo” para pasar directamente a nuestras valoraciones.

Según nuestro modesto punto de vista, esta es hasta el momento, la segunda peor película de la saga “Piratas del Caribe” junto con la última, y además con mucha diferencia. De todas formas, ya os avisamos que no la vamos a suspender, pues aunque es claramente inferior en todo a sus dos partes precedentes, mantiene esa magia que hace brillar por encima del resto a Jack Sparrow, con sus ingeniosas bromas, sus movimientos amanerados, sus luchas coreografiadas con los malos, etc.

De todas formas, le sobra metraje, y no poco, pues 168 minutos dan para aburrirse en muchas ocasiones, cosa que sinceramente, en una película de aventuras como esta, es algo ciertamente preocupante. Quizá es que querían meter un montón de aventuras por si no había una cuarta parte, quizá querían cerrar todos los flecos y tramas abiertas, pero los del equipo, en varias ocasiones nos vimos bostezando y deseando que de una vez por todas sucediera algo.

Con todo, la puntuación final que los del equipo le damos es de 6 puntos sobre un total de 10, aunque remarcamos de nuevo que la bajada de nivel de esta película con respecto a las anteriores es, sencillamente, alarmante.

Otras películas de la saga:

"Piratas del Caribe. La maldición de la Perla Negra"
"Piratas del Caribe. El cofre del hombre muerto"
"Piratas del Caribe. En mareas misteriosas"

Título original: “Pirates of the Caribbean: At World's End” – 2007 – USA

Dirigida por: Gore Verbinsky

Duración: 168 minutos

Género: Aventuras

Precious

2011-05-14T14:09:00.000+02:00

Cuando uno ve el cartel de “Precious” se pregunta ¿Qué tendrá de precioso esta película? Y más, cuando pasadas unas semanas de su estreno, las críticas iban cargadas de halagos y cumplidos. Curioso, sobre todo teniendo cuenta que estábamos ante una película, digamos, no comercial.

Fue considerada la mejor película (según el público) en el Festival de Toronto, recibió los premios del jurado y del público del Festival de Sundance, así como el de la mejor película, director y actriz principal en los Premios Independient Spirit, y en un festival más cercano, que no peor, el premio del público en Donostia Zinemaldia-Festival de San Sebastián. Todo esto sin contar que Mo’nique, la actriz que da vida a la madre de Precious, se llevó tanto el Globo de Oro, como el (c)Oscar a la mejor actriz de reparto (y al mejor guión adaptado).

A nosotros nos llamó tremendamente la atención desde que vimos su cartel en las carteleras de los cines, pero pensamos: mejor esperamos un día que nos venga de gusto ver un drama, porque… esto tiene toda la pinta de ser un dramón. Total, que al final optamos por dejar pasar el tiempo, y verla en el DVD.

Finalmente, lo conseguimos el pasado sábado y sinceramente os decimos que nos equivocamos esperando tanto tiempo a tener un día para poder ver un drama en condiciones, pues, aunque “Precious” es un drama con todas las de la ley, el positivismo que derrocha en todo momento impide que uno se venga abajo al verla.

La historia empieza presentándonos a Precious, la auténtica protagonista de la historia. Claireece “Precious” Jones (a quien da vida una para nosotros desconocida Gabourey Sidibe), que así se llama, es una joven adolescente, obesa y casi analfabeta que vive con su madre en el barrio de Harlem. O quizá deberíamos decir, malvive con su madre en el marginal barrio de Harlem.

Sí, habéis leído bien, uno de los problemas de nuestra protagonista no es otro que los maltratos (tanto físicos como sobretodo psicológicos) que sufre día tras otro de parte de su madre (Mo’nique), una tirana que vive pegada al televisor mientras estafa a la gente de asuntos sociales.

Precious, contra la voluntad de su madre, cada mañana va a la escuela donde sueña que alguna vez será alguien importante, que será querida por todos, incluso por ese profesor de mates al que tanto desea… pero la realidad es otra, y bien diferente: vive apartada del resto, aguantando sus bromas e insultos mientras ella, en ningún momento abre la boca, hasta que un día, es llamada a dirección y se le comunica que, va a ser expulsada de la escuela debido a que está embarazada… de su segundo hijo.

Sí, nuestra protagonista es madre soltera, de una pequeña niña con Síndrome de Down llamada Mongo (por parte del equipo decir que es un nombre muy gráfico, aunque totalmente desafortunado, según nuestra opinión), la cual, por suerte para ella vive con su abuela.

De patas a la calle, a Precious solo le queda la cárcel de su casa. Por suerte, pronto le recomiendan una nueva escuela, un instituto para casos desesperados. Una vez más, y empujada por unas ganas voraces de superarse, se apunta a la escuela. Allí conoce a la señorita Rain (Paula Patton), quien además de enseñarle a leer y escribir, le enseñará a tener voz ante los problemas, y, además de aguantarlos estoicamente, a luchar contra ellos.

Los del equipo acabamos de ver la película con un profundo sentimiento de contradicción aunque sabíamos que “Precious” nos había gustado, y mucho, pero habíamos sufrido viéndola, habíamos sufrido en cada abuso, en cada agresión, en cada insulto a Precious, pero también habíamos disfrutado aprendiendo del tremendo optimismo y capacidad de lucha que demuestra en cada momento nuestra protagonista.

Hemos leído ya unas cuantas críticas a “Precious” encontrándonos desde “Obra Maestra”, hasta “Historia manida de afro americanos con espíritu de superación” pasando por lacónicos “Dramón”. Los del equipo, estamos más por los primeros, por calificar “Precious” como una pequeña gran joya dentro de un cine que cada vez más se centra en secuelas y más secuelas, y cuando estas se acaban en precuelas sin el menor sentido.

Somos conscientes que se trata de una adaptación literaria (de la novela “Push” de Saphire), somos conscientes también de los problemas de financiación que tuvo en su momento “Precious” para salir a la luz... de hecho, hasta su triunfo en el Festival de Sundance, no logró el apoyo de Oprah Winfrey para su distribución, y además, somos conscientes de que a mucha gente le puede saber a poco esta película, o sentir ese deja-vu de “otra más de maltratos y superación”.

Pese a todo esto, y al sentimiento contradictorio al finalizar su visión, a los del equipo nos gustó, y la recomendamos, sobretodo a todos aquellos que en algún momento se han planteado arrojar la toalla contra los acontecimientos, pero que al final, luchan y salen con la suya. Nuestra valoración es: un 9, o sea, “totalmente recomendable”.

Título original: “Precious” – 2009 – USA

Dirigida por: Lee Daniels

Duración: 105 minutos

Género: Drama

El aprendiz de brujo

2011-04-26T00:31:00.000+02:00

Cuando uno entra en un ciclo malo, debe esforzarse mucho en romperlo y salir de él antes de que las propias circunstancias del ciclo acaben ahogando. A veces cuesta de ver, otras, cuesta de reaccionar, pero para eso está el entorno, para echar una mano cuando se necesita.

¿Por qué decimos esto? Pues fácil, a los del equipo nos parece que alguien debería darle un tirón de orejas al señor Nicolas Cage (sobrino del director Francis Ford Coppola), ya que a parte de haber hundido su carrera cinematográfica en una maraña de películas de segunda donde casi siempre hace los mismos papeles, ahora se ha dedicado también a torpedear su propia vida privada a base de borracheras y malos tratos a su familia (http://www.eitb.com/noticias/internacional/detalle/639862/nicolas-cage-arrestado-violencia-domestica/) (ya veis, uno más en la ya larga lista de animales de Hollywood).

En fin, a lo que nos toca por aquí, criticar una de las últimas películas que hemos visto, este caso, protagonizada por Nicolas Cage. Se trata de “El aprendiz de brujo”, una nueva mediocridad de la factoría Disney que llegó a nuestras pantallas el pasado verano del 2010.

Teníamos el DVD en casa, no os queremos engañar, desde hacía más de 2 meses. Nos lo habían dejado, así que no era cuestión que continuara criando polvo, por eso y solo por eso, el pasado fin de semana nos acomodamos en el sofá y le dimos al botón de “Play”.

Como quien no quiere la cosa, nos encontramos en plena Edad Media, en una titán (bueno, quizá no tan titán) lucha entre magos, donde merlinianos y los malos, uno a uno van cayendo en una especie de misteriosa “Matriuska”, hasta solo quedar Balthazar (Nicolas Cage) quien recibe la orden del propio Merlín de buscar a su auténtico heredero.

La búsqueda se alarga hasta el año 2000, casi una eternidad (o sea, más o menos lo que nos pareció que duraba la película, una eternidad), cuando fortuitamente se encuentra con Dave (Jay Baruchel), un chaval tan inteligente como inadaptado social, el auténtico heredero de Merlín.

Diez años más tarde, Dave es ya un aventajado estudiante de física cuando su vida vuelve a cruzarse con la de Balthazar y decide convertirse en su aprendiz para luchar contra las ya desatadas fuerzas del mal.

A partir de este momento, empieza un rosario de luchas, sesiones de aprendizaje y ligoteo de nuestro protagonista con Becky (Teresa Palmer) en medio de un surtido de efectos especiales, más efectistas que necesarios e innovadores.

Con todo esto pasamos a definir lo que para los del equipo es

Lo mejor de “El aprendiz de brujo”

Que Disney deja atrás intentos fallidos como el de “Tiana y el Sapo” para recuperar a sus clásicos, o bodrios para quinceañer@s como “Camp Rock” o “Hanna Montana” e intenta algo tímidamente diferente.
Si no tenéis muchas pretensiones, o sois quinceañeros con sed de rayos, luchas y acción, os puede llegar a entretener un rato.
Nos ha permitido, después de mucho tiempo, despellejar (y además justificadamente) una película (y sin caer en la tentación de ver a Torrente… ¡que mérito!).

Lo peor de “El aprendiz de brujo”

Ya os avisamos de antemano que en las siguientes líneas no encontraréis todo lo negativo que creemos tiene la película, pero es que tampoco os queremos cansar demasiado…

Técnicamente es una película floja, plagada de escenas innecesarias (esas fregonas bailando al más puro estilo Disney, aunque evidentemente sin la magia de antaño) y un abuso casi enfermizo de un croma totalmente innecesario.

El casting de la película. Es evidente que Nicolas Cage está en horas bajas, muy bajas, y aquí lo corrobora con una interpretación insípida y desaprovechada que contagia a la vez a Jay Baruchel, lo cual sin el menor resquicio de duda, no será lo mejor para su carrera.
La película carece totalmente de ritmo, lo cual no deja de ser sorprendente en una película supuestamente de acción y aventuras, ¿no creéis?

Bien, como ya le hemos dedicado mucho tiempo a semejante bodrio, pasamos a daros nuestra valoración final: por un lado, un 2 sobre 10, y por el otro, un más que generoso 4 sobre 10, así que, lo dejamos con un 3, y una recomendación: “Hay mejores opciones en que perder el tiempo, y además, gratuitas”.

Título original: “The Sorcerer’s Apprentice” – USA – 2010

Dirigida por: Jon Turteltaub

Duración: 109 minutos

Género: Aventuras