Hermeneuta urbano

Cráneo

2013-08-21T12:22:00.005-03:00

En Paco.

El juego del cliché

2013-05-26T13:26:00.002-03:00

Hay escenas que conocemos de tanto vivirlas, de tanto temerlas o disfrutarlas. Hay otras que, en cambio, nos son casi indiferentes, ajenas, pero se vuelven familiares porque la sola repetición externa puede más que la voluntad –el jingle de un producto que promocionan por televisión, por ejemplo-– y nos dejan su huella al contacto como si la mente fuera una playa desierta a la espera de ser transitada. El fútbol americano me resulta parte de este último conjunto, un juego lejano, que parece la deformación de ese otro que tenemos más visto, el rugby; y aun así, pese a su ajenidad, lo distinto se vuelve conocido a través del cliché como forma de aprehensión; cliché cinematográfico, en este caso: ¿Cuántas películas con escenas de competencias profesionales o de colegiales vimos? Hollywood ofrece los eslabones para una asociación libre: deporte típico de los gringos –The Star Spangled Banner y la tribuna con la mano derecha en el corazón emocionada por su himno patrio– las cheerleaders alentando siempre rubias –pelota esférica– golpes –cuerpos amontonados– cascos de colores con los logos de cada equipo: delfines, pájaros y felinos salvajes –estrategias inentendibles - correr– touchdown. En fin, películas malas que permiten un conocimiento superficial pero no por ello errado. Cada escena es pieza de un rompecabezas que conocemos sin haber armado. Ahora bien, yo me pregunto: ¿Un festejo en el que los jugadores le tiran un balde de bebida energética al entrenador que está distraído? No sé... eso nunca lo vi, no creo que sea cliché, en todo caso debe ser sólo maldad.

La arrolladora potencia del cuerpo

2013-03-17T11:49:00.000-03:00

http://tiempo.infonews.com/2013/03/17/suplemento-cultura-98333-la-arrolladora-potencia-del-cuerpo.php

Cualquier proyecto político busca trascender; ubicarse más allá de los cuerpos, más allá de sus actores. Filosóficamente la trascendencia suele ser entendida como contraria a la inmanencia, a lo que se libera en un aquí y ahora, a lo que liga la esencia con la manera en que esta se manifiesta, como por ejemplo un cuerpo en movimiento. Por este motivo, en el modelo de naturaleza humana propuesto por Baruch Spinoza, el cuerpo constituye lo más propio del sujeto y ocupa en su obra un lugar tan primordial como el espíritu.
Un cuerpo tiene distintas capacidades: su mayor virtud es la de obrar sobre otro, afectarlo. Esta capacidad de afectación tiene dos direcciones, habiendo afectos que debilitan o entristecen y otros que, al contrario, nos hacen más fuertes y alegres, nos potencian.
Spinoza afirma que nadie sabe lo que puede un cuerpo; su potencia resulta desconocida.
Aunque Chávez esté hoy ausente, un cuerpo que con sus movimientos enérgicos, con el torrente de sus palabras, con sus acciones logró fundar un vínculo tan intenso con la gente, multiplica las capacidades de hacer de esos otros cuerpos, de construir, de lograr cambios. El espíritu toma una nueva forma en la multitud. Un líder que supo poner el cuerpo al proyecto, que supo potenciar, es decir, alegrar a su pueblo, tiene la alquimia requerida para convertir a la ausencia en su contrario, de ser presencia hoy, mañana y siempre en cada uno con quien haya entrado en contacto. Lo que verdaderamente trasciende se inscribe primero a pura sensación, en los cuerpos, para pasar luego a la conciencia e inmortalizarse en la historia.

Hoy en Paco

2013-01-21T19:43:00.001-03:00

http://revistapaco.wordpress.com/2013/01/22/lo-importante-es-vivir-tranquilos/

Aburrimiento planetario

2013-01-06T15:02:00.000-03:00

http://tiempo.infonews.com/2013/01/06/suplemento-cultura-93990-aburrimiento-planetario.php

Los mayas hicieron mal sus cálculos. A través de investigaciones recientes, la NASA acaba de precisar que la densidad mundial del aburrimiento y su centro de apatía gravitacional colapsarán el 21 de enero. El agujero negro que se generará –dicen– acabaría devorando al planeta. El panorama es predecible: El horror se apodera de algunos, en Estados Unidos aparece una nueva secta preparacionista que acumula armas para agujerear al agujero y en Corea del Sur se crea, y luego se viraliza por el mundo, el videclip Black Hole Style que suma más reproducciones en Youtube que aquel otro del baile del caballo. Siguen las mediciones. Los instrumentos de la NASA señalan variaciones en los valores negativos (es decir, en el espectro numérico del aburrimiento) que se convierten en positivos ante los picos de diversión que provoca el hit surcoreano y su bailecito. Vuelven las esperanzas a la Tierra, podría detenerse la tragedia si se anula al aburrimiento. Pero la alegría dura lo que dura la gracia de cualquier contenido en Internet: pronto todos se cansan del video. Se busca resolver la situación creando productos de entretenimiento sostenible pero ninguno funciona. En Cabo Cañaveral los números de las computadoras van acercándose cada vez más a cero. Los expertos acuerdan en que la vida se extinguirá en la apatía absoluta. No hay salida. A través de las redes sociales la humanidad se organiza, autoconvocándose en la pirámide maya de Chichén Itzá para esperar el cero catastrófico. Al lugar sólo acude un puñado de personas, para entonces la mayoría ya se aburrió del tema del fin del mundo.

Comuna 6

2012-09-12T23:22:00.000-03:00

1.
¿Qué otra sensibilidad se permite
la ciudad
más que la de entregarse a los brazos
mecánicos del camión de la basura?

2.
En su acción devoradora de containers, el mionca besa la boca
de dientes alquitranados:
la negra y gris entrega
de cada pieza
incisivo canino
molar bolsa oscura
de residuo o consorcio,
que volverá a crecer, cada una, cada noche, como diente de leche
negra
en la cabeza de tacho,
para volver a desdentarlo
en la recogida sobre la vereda de las hadas de los dientes de Caballito.

3.
¡Oh!, despechada de Mauricio,
¿Cuántos cartoneros te desvelan
después de tu ritual
de deliverys, series de Quique Estevanez y acuno de pichones fascistas?, ¿cuántos
paqueros te despiertan
gatillando antes de que puedas formular
que son negros de mierda?

Tu tierra hostil
regurgita cada ofrenda,
partiendo sus labios cuadrados de tacho, escupiendo sus dientes,
crujiendo al tacto del camión,
camión manejado por un negro,
como la bolsa,
como la noche,
como la entrega obsequiada a la rutina.

4.
Rolón pasea a su perro por Acoyte
y no es metáfora
aunque podría
de los consumos culturales y el adiestramiento mental
de mi vecina.

5.
Ella cierra los ojos
y se les llenan de inmensas torres
contra las que lucha su marido,
en las viven Facundos Arana
que prestan su espalda
al momento del abrazo marital que intenta calibrar
entre los dos
la cuota de satisfacción para la cual
su Banco nunca da
un 2x1.

6.
Los límites geográfico de la Comuna están compuestos
por todos los lugares comunes;
incluso éstos,
los de la composición crítica, satírica, comprometida.
El lugar,
siempre el mismo, como el mío,
que esta vez me tocó asumirlo
con una remera amarilla
que por casualidad o causalidad
-tópico del que habla con otras mamis a la salida del jardín-
no impedirá
-¿cómo podría?-
la repetición, la repetición
mía y de ella,
de su sueño de que alguien le escriba una poesía,
¡oh, Neruda!,
y el mío de revivir viejas tensiones.

Las mil caras del hombre murciélago

2012-08-12T12:26:00.000-03:00

http://tiempo.infonews.com/2012/08/12/suplemento-cultura-83297-las-mil-caras-del-hombre-murcielago.php

La presencia cultural de Batman como ícono pop es un hecho que no pasa inadvertido a nadie que, en este mundo globalizado, haya vivido en el "aquí occidental" en algún momento de los últimos 70 años, a partir de la creación del cómic, en Estados Unidos, en 1939. Desde entonces el símbolo del murciélago con fondo amarillo se convirtió en una marca de estereotipia superheroica, posibilitando un universo comercial, saltando del cómic a la televisión, después a la pantalla grande y de allí a todos lados, a partir de la masivización que habilitó la versión cinematográfica de principios de los noventa.

Hubo y hay tantos hombres murciélagos como quienes tomaron en sus manos el arte en torno al enmascarado. En el imaginario conviven de manera no contradictoria, principalmente, las versiones surgidas a partir de la pantalla de los distintos batmen que, de tan diferentes, podrían constituir cada uno un personaje singular: Vale destacar el murciélago que protagonizó Adam West en la serie televisiva de los '60 que, enmarcado en un estética camp, surfeaba y bailaba además de combatir al crimen, y que abrió la puerta a la primer batmanización comercial. En 1989, Tim Burton con su estilo característico plasmó un Batman más oscuro y adulto que, con Michael Keaton como protagonista y con Jack Nicholson como Joker, terminó de asentar al personaje como ícono cultural, dando lugar a una secuela también bajo su dirección y abriendo el camino a otras dos olvidables películas, una de las cuales lo tuvo como productor, empezando la década de los '90 con ganancias para las empresas Wayne (Bruce Wayne es el multimillonario detrás de la máscara) pero terminándola con un personaje devaluado, convertido en un vacío producto hollywoodense.

La última posta cinematográfica la tomó el inglés Christopher Nolan, quien en 2005 estrenó un Batman encarnado por Christian Bale, que se iniciaba en su carrera contra el crimen y reiniciaba la franquicia desde cero para acercarse más a los comics modernos, siendo respetuoso de los verdaderos fans, consiguiendo por resultado a un héroe que toma una profundidad y una coherencia que alcanza su máximo esplendor con la secuela del Caballero Oscuro, donde Heath Ledger funciona de contrapunto perfecto, inmortalizando su carrera en su papel de Joker. Tanto Batman Begins como –y en especial– The Dark Knight obtuvieron cifras monstruosamente grandes para la Warner Bros, alcanzando recaudaciones hasta entonces jamás logradas por películas de superhéroes, y esto sin tener en cuenta la tercera parte de la saga, que se estrenó en Argentina el 26 de julio y sobre la cual aún no se barajan cifras debido a los sucesos que opacaron su lanzamiento mundial. Además de como cierre, The Dark Knight Rises (“El Caballero de la noche asciende”, en Latinoamérica), será recordada como la película en la cual un hombre armado, vestido con ropa militar, entró a una sala de Denver, Colorado, mimetizándose entre los fans disfrazados, sin llamar la atención de nadie, desatando una masacre con una docena de muertos y unos 50 heridos durante la primera función de la cinta, algunos minutos después de que comenzara. Entre los estruendos de disparos y las granadas de humo arrojadas por James Holmes (el doctorando en neurociencias responsable de los hechos), varios de los presentes tardaron entender la situación, creyendo incluso que se trataba de un show con motivo del estreno.

Tras la detención de Holmes, la venta de armas en los Estados Unidos se incrementó en un 40%; hecho llamativo que, en proporción, no generó tantas notas en los medios como sí lo hizo la supuesta responsabilidad de la “violencia en las películas”; suponiéndose así que las causas de ciertos comportamientos sociales deben buscarse mucho más allá de lo evidente, en una sociedad donde la NRA (National Rifle Association) tiene un peso importantísimo, siendo incluso uno de sus miembros candidato a vicepresidente de los Estados Unidos en 2008 (la republicana Sarah Palin, acompañando a McCain). Adjudicarle a los personajes o a los films de acción la responsabilidad de sucesos de tal magnitud termina por no explicar nada; ese razonamiento, corriéndolo unos grados, podría incluir en su conjunto a Harry Potter o la saga de Crepúsculo, cayendo en fundamentalismos sin sentido.

Batman no usa armas de fuego, ese es el límite ético del personaje, y no mata sino como último recurso, siendo todos los films fieles a ello. La relación comics-sociedad permite muchas líneas de análisis, pero entre ellas debe desestimarse la que lleva a pensar a los superhéroes como agentes de la violencia, ya que antes que eso podría destacarse –por ejemplo– la acción propagandística de las historietas en ciertos contextos políticos como la Segunda Guerra Mundial, la Guerra Fría o la Invasión a Irak, funcionando los personajes, más bien, como agentes normativizadores del orden interno.

La pregunta que podría surgir entonces, habiendo pasado tantos años desde la creación del personaje de Batman, es si puede hablarse de una misma y única entidad del hombre murciélago, si encarna un único conjunto de valores, si se presta –social, política y culturalmente hablando– a un único y mismo fin. La trilogía de Nolan pone en juego muchos matices al respecto, mostrando un personaje que persigue a los criminales pero también resulta acechado por la policía, que acepta ser injustamente incriminado para proteger órdenes simbólicos superiores, que entiende su existencia como una función social necesaria pero no exclusiva de sí mismo. El director abre el juego para pensar al héroe como lo que todo héroe es: una figura que se presta a múltiples exégesis, dependiendo de quién se tome el trabajo de interpretarlo, mostrando que antropológicamente, el héroe bíblico o el héroe griego no se diferencian en mucho del héroe creado en la modernidad, como producto editorial, que la diferencia es sólo nominal, por el prefijo al que se adosa (superhéroe), prestándose a múltiples hermeneusis como toda obra, al igual que un mito o leyenda.

Dibujos no sólo para los chicos

2012-06-10T12:51:00.004-03:00

http://tiempo.infonews.com/2012/06/10/suplemento-cultura-77972-dibujos-no-solo-para-los-chicos.php

Más de tres décadas han pasado desde aquella primera ola de animación japonesa en la que robots antropomórficos y autos de carrera arribaron a nuestros hogares junto a una niña y su abuelo de los Alpes. Mazinger, Astroboy, Robotech, Meteoro y Heidi fueron las primeras series que llegaron a las pantallas argentinas como representantes de ese género que, aun siendo muy variado, compartía a lo largo de sus títulos una certeza que se transmitía en el televidente: Esos capítulos, esos personajes eran distintos al resto de los dibujos animados. La extraña sensación que provocaba era la carta de presentación del Animé en la Argentina. Por entonces, ese interrogante podía remitir a la estética, a las extrañas historias o a la inclusión de ciertos detalles: Heidi era una pequeña huérfana de padre y madre, Astroboy –animé pionero en la retransmisión local– fue una máquina inventada para suplir al hijo muerto de su creador, y el Barón Ashler, enemigo de Mazinger, tenía dividido longitudinalmente su cuerpo, siendo mitad hombre y mitad mujer. Había algo en el animé que despertó reacciones viscerales en todos los que tomaron contacto con el género.
Sería incorrecto suponer que cada animé tiene una estructura dramática o una temática adulta, pero creer que se trata de simples dibujitos y, por lo tanto, su público debe ser igual de infantil es también errado. Con distintos matices, con distintos grados de explicitación, estos productos japoneses ganaron lugar en la TV ofreciendo algo innovador en estética, diseño de personajes o historias con sutiles agregados que de forma inesperada llegaban al otro lado de la pantalla.
La segunda oleada llegó a la preadolescencia de los hoy treintañeros cargada de reflexivos futbolistas que corrían canchas kilométricas para hacer un gol mientras pensaban en su familia, también trajo a extraterrestres poderosos que buscaban esferas mágicas para salvar la Tierra, y a jóvenes con armaduras chorreando litros de sangre en su intento por salvar a la demoiselle en détresse devenida diosa griega. De nuevo lo mismo pero esta vez el público ya estaba bajo aviso: estos dibujos no eran sólo para chicos. Captain Tsubasa (Los Supercampeones), Saint Seiya (Los caballeros del zodíaco) y Dragon Ball despertaron la misma reacción que los títulos anteriores sólo que década y media después, y en un contexto donde la permeabilidad cultural local era más acentuada y donde una declarada apertura económica –y “carnal”– permitió que revistas de historietas japonesas (mangas), muñecos y merchandising infinito llenaran locales de la calle Corrientes, que pronto se convirtieron en puntos de encuentro para todos aquellos interpelados por la producción nippona. Además, el acceso a Internet permitió conocer que las reacciones despertadas localmente tenían igual repercusión en otros lugares y, por eso mismo, rápidamente pudo socializarse eso que despertaba el animé y que propiciaba distintos tipos de emociones, llevando a los fans, los llamados otakus, a reunirse, a asistir a eventos de tipo fandoms, “reino fan”, en donde la temática giraba en torno a animés o videojuegos –con muchos títulos basados en animé o viceversa–. Allí se organizaban competencias de disfraces de personajes como en el resto del mundo (Cosplay, costume play) que luego posibilitó el teatro cosplay (representando secuencias de dibujos). Más tarde llegaría el karaoke y los grupos que interpretaban covers de las cortinas musicales. La hermandad entre animé y videojuegos permitió también que se sumaran distintas disciplinas que terminaron por convertir a estos encuentros en verdaderas ferias circenses en donde entrenadores de pokemones, magos, y guerreros compraban mercadería de todo tipo y compartían escenario demostrando su fanatismo y su capacidad en distintos rubros artísticos que al masificarse fueron incluyendo elementos como el baile, a través del videojuego de simulación Pump it up, alcanzando centrífugamente diferentes producciones culturales japonesas como el baile ParaPara (danza a ritmo eurobeat en donde se mueven primariamente los brazos). Este universo permitió, además, generar pequeños emprendimientos como los fansubs (la traducción de obras al idioma local) y los fanzines, historias inventadas a partir de personajes conocidos, que circularon y algunos de los cuales fueron consumidos con igual apetito que los originales.
Cada día se organizan más eventos fandom, no sólo en Buenos Aires sino también en ciudades como Rosario y Mendoza. La expansión y crecimiento constante de este tipo de encuentros se explica por la continua incorporación de animés o cualquier material producido en Japón –o donde sea– que se preste a ser adosado, como las series con actores llamadas doramas y la música pop japonesa o surcoreana. La naturalidad con que se interconectan las partes es consecuente con aquello que resulta característico y primario del animé: la apertura a combinar elementos estéticos o de contenido disímiles, contando historias complejas o con delicados ribetes, sin moralina, agregando posibilidades a un formato que el mercado occidental sólo pensó para niños y sobre el cual, más de una vez, usó las tijeras de la censura para darle cuadratura al círculo. Estas particularidades son las que favorecen esa devoción que sienten los otakus por sus series, puesto que muestran de forma más o menos velada facetas humanas de lo más disímiles en una misma cinta, desde vergüenzas o fantasías sexuales hasta sueños de grandeza o de venganza. Estos productos se ofrecen como sandbox (arenero, un género de videojuegos) donde el televidente –y más si es adolescente– podrá entretenerse mentalmente experimentando con situaciones, personajes, tópicos y estéticas siempre distintas: lo más humano, lo más íntimo, toma aquí lugar como espacio de libertad. Lo complementario, lo contradictorio, lo inconfesable en un mismo sitio: protagonistas que comienzan siendo niños y terminan la historia como abuelos aunque sin envejecer demasiado (Goku en Dragon Ball), personajes que cambian de sexo al mojarse con agua (el animé Ranma ½) o con una clara carga de homoerotismo (en Saint Seiya o Card Captor Sakura). Por no tener tabúes y por no pretender ser normativizador, muchos ven al animé como gayfriendly pero lo cierto es que lo central aquí no es la sexualidad, si bien es un mundo en donde hay opciones para todos los gustos. Lo central es lo cambiante, lo humano cifrado como dibujo.

Simón y Etelvina

2012-04-14T13:00:00.000-03:00

Sistema anti-robo patrimonial en baño de la AFIP

2012-02-28T18:58:00.000-03:00

Dilema para bibliófilos: cómo obtener placer de un libro sin cuerpo

2012-01-29T12:06:00.000-03:00

http://tiempo.infonews.com/notas/dilema-para-bibliofilos-como-obtener-placer-de-libro-sin-cuerpo

LA ERÓTICA DE LOS LIBROS DIGITALES
De los objetos de nuestra vida cotidiana, pocos condensan tanta complejidad como el libro. Dicha herramienta es mucho más que el medio o soporte a través del cual una idea o un cúmulo de datos pasan de la mente de su gestor a la del lector. Al decir de Borges, el libro es una extensión de la memoria y de la imaginación, y esa característica lo distingue de otros instrumentos de nuestra cultura. La capacidad material del hombre para volver a su universo físico y simbólico algo comunicable, reproducible y catalogable –por elegir unas pocas virtudes cacofónicas– encuentra una de sus formas más acabadas en este objeto, convirtiendo una cantidad determinada de tinta y páginas en un tesoro cultural inmenso. Aunque circule en el imaginario social como un bien de consumo intelectual, el libro, en tanto resultado de un proceso editorial, llega a nuestras manos con un plus que se inscribe en el plano afectivo; sirva de prueba el cariño que uno tiene por ciertos ejemplares. Los motivos de esa bibliofilia son disímiles; quizás un título fue el elegido por nosotros como compañero de viaje, o el afecto se deba a que nos lo regaló alguien especial. Los causales desafían cualquier lógica que esté basada en el contenido del libro, y a la vez sería imposible trazar una distinción precisa entre las palabras, la impresión de estas en el papel donde se plasman, las sensaciones de la lectura, las hojas como soporte aprisionadas en dos tapas y la liberación mental que genera un texto revelador. Lo material del libro se funda entonces con el contenido que encierra y, a su vez, este se enlaza con un abanico infinito de cuestiones circunstanciales, personales, azarosas, aportadas por la subjetividad del lector y su contexto. Descomponer en partes, expositivamente, todo aquello que hace a los libros no es más que plantear la pregunta sobre la biblo-essentia: ¿la esencia reside en lo circunstancial, en lo manifiesto del libro; o es, por el contrario, aquel núcleo ideal existente más allá de toda manifestación temporo-espacial? Dicho con otras palabras: ¿el libro es aquel objeto en mi biblioteca que puedo agarrar para leer y subrayar, o –por el contrario– son las letras que conforman la obra, trascendiendo lo puntual de una edición y el trato que le den las manos que lo sacan del estante? Estas preguntas, traspolables a cualquier objeto que se preste a la discusión filosófica entre aristotélicos y platónicos, cobran cada vez mayor profundidad a la luz de nuevos soportes, como son los denominados e-readers, que reinventan y reinauguran las concepciones bibliológicas tradicionales y nuestra forma de relacionarnos con los contenidos. Gracias a las pantallas y prescindiendo por ellas del papel, tomó por primera vez forma, hace ya varios años, la tríada hombre-computadora-escritura. A través de la pantalla que media la experiencia y que –según el sociólogo Manuel Castells– se convierte en la experiencia misma, la relación con lo escrito cobra una nueva dimensión en donde el objeto físico libro se desvanece, siendo absorbido, convertido en puro texto, en un detrás-de-la-pantalla. Habiendo pasado varias décadas de esta primera forma de mediación, el mercado hoy desembarca en las vitrinas argentinas con los denominados e-readers. Si bien esta tecnología tiene unos cinco años de vida, en nuestro lado del globo está tomando mayor peso recién en el último tiempo. Estas máquinas lectoras de libros están compuestas por una pantalla electroforética, comúnmente llamada de tinta electrónica, la cual fusiona libro y pantalla en un material que no es una clásica pantalla pero tampoco es papel: a diferencia de las tradicionales, la de estos dispositivos es opaca y no refleja la luz ambiental; además consumen muy poca energía, por lo cual pueden volver autónomo, por casi tres semanas, al aparato. Contando algunos modelos con conexión wifi y permitiendo también señalar y guardar lo importante del texto, las facultades de estos dispositivos los hacen ganar cada vez más terreno entre los lectores, quienes ahora pueden cargar en su equipaje cientos de libros de manera digital, almacenándolos en una única y liviana pieza de ingeniería electrónica. En una paradoja sólo aparente, uno de los máximos impulsores de este tipo de tecnología es el máximo vendedor de libros por Internet, el portal Amazon, que al fomentar el desarrollo de estos soportes consigue vender libros digitales para ser leídos sobre estos artefactos que, mayoritariamente, también serán vendidos por la misma empresa, puesto que, hoy por hoy, los e-readers de Amazon, llamados Kindle, son los primeros en ventas, liderando el mercado por encima de los productos Sony o BQ. Todavía es muy pronto para saber el alcance y la hondura que los e-readers tendrán como objetos en la cultura. Sería apresurado suponer una futura extinción del libro de papel y hueso frente a los lectores digitales pero es innegable el avance que esta nueva tecnología va tomando. Las preguntas sobre qué prevalecerá o sobre qué formato es mejor o más cómodo probablemente vayan contestándose poco a poco, año a año, en el futuro inmediato. Lo cierto es que aquellos interrogantes que excedan el hábito intelectual se imbricarán sobre la esfera afectiva: ¿es posible experimentar cariño, sentir afecto, por un libro que toma existencia al ser reproducido sobre la misma pantalla que otros?, ¿qué erótica, qué sensaciones, posibilita la mediación y la invisibilización de un objeto, ahora vuelto genérico e inespecífico? Todo objeto tiene la virtud de volverse fetiche, de volverse parte de la vida emocional, aun los incorpóreos, o eso es al menos lo que puede intuirse frente al hecho de que, habiéndose reducido considerablemente la costumbre del envío y la recepción de aquel tipo de cartas escritas en clave afectiva, en la actualidad existe gente que guarda mails del mismo tenor en sus casillas. Cada objeto, cada soporte, es testimonio de su tiempo. Si Theodor Adorno y Tomas Mann hubiesen nacido más entrado el siglo, quizás hoy podríamos contar con un libro que publicara sus intercambios de mails. Sería una necedad desestimar dicha posibilidad, aun cuando en el imaginario social todavía puje la sensación, cada vez menos intensa, de que una publicación de correspondencia postal sería más real o verdadera que aquella sobre un intercambio virtual. El libro sobre un intercambio de mails será testimonio de aquí al futuro. Testimonio a ser leído, quizás, en un e-reader.

Etelvina

2012-01-23T23:31:00.002-03:00

Calor

2012-01-09T16:16:00.000-03:00

Ser un buen cibervecino en el barrio de la Web

2011-09-04T21:20:00.000-03:00

http://tiempo.elargentino.com/notas/ser-buen-cibervecino-barrio-de-web

Qué decir, cuándo y cómo. Qué comportamiento es esperable, dónde y por qué. Vivir en sociedad supone un aprendizaje profundo de normas que coercionan desde el silencio de lo obvio, y que, de forma más o menos explícita, se aprenden desde la infancia. Palabras, modales, conductas, roles. En suma, el planteo durkheimniano de la educación deviniendo en socialización. El que bien aprende, bien se integra. Más por necesidad que por deseo, todos fuimos aprendiendo nuevas palabras a partir del atravesamiento de la tecnología en la vida diaria. “Play”, “Forward” son palabras que a cualquiera que haya tenido en mano un control remoto le resultarán conocidas. El mismo avance de la tecnología desdobló nuestra cotidianeidad a partir de Internet y todo un repertorio de nuevas palabras, como modem o wifi, invadieron el vocabulario. Y día a día se suman nombres: Fotolog (ahora en desuso), Facebook, Twitter e incluso la palabra Blog, servicios que se agrupan bajo la categoría de Redes Sociales. Estas herramientas virtuales tienen un componente social fundamental y ello las diferencia de los objetos físicos como cámaras o teléfonos, ya que exceden el mero On/Off en la activación o desactivación de sus funciones: sus componentes son más complejos porque un correcto o incorrecto uso implica también una armónica o conflictiva convivencia virtual, un ser parte o quedar excluido. Al adentrarnos en este escenario nos topamos con un universo en donde no se trata de aprender para qué sirve cada instrumento en vistas a un fin exclusivamente comunicacional –entendiendo comunicación como intercambio de información–, ya que existen verdaderas sociedades virtuales que en su compleja dinámica crean culturas, en cuanto crean sentido, significancia, a ese mismo entorno virtual. La masivización y la frecuencia de uso de estas herramientas generan de modo constante, entre los grupos de usuarios, elementos nuevos, muchos por mera diversión, que resultarán incodificables a quien venga del afuera. Dar con la clave para decodificarlos requerirá de una etnografía de lo virtual; por ello, he aquí algunos apuntes para quien quiera iniciar el viaje y relatar los nunca Tristes Trópicos de Internet: -El zoólogo Richard Dawkins formuló, en la década de 1970, el término “meme” para referirse a una unidad transmitible de información cultural. En la Web este mismo término es tomado de una manera particular, siendo una imagen, video o frase la que se repite cómicamente –de forma similar a los conocidos gag de TV–.Al tomar contacto por primera vez con un meme de Internet, el extranjero no lo comprenderá, porque gran parte de la gracia está en la misma y mera repetición. Un solo meme no es, categorialmente, un meme; lo es a partir de la viralización que este tipo de chistes pueda tener. Será meme cuando esté acompañado de muchos otros memes. A partir de un programa de edición de imágenes, por ejemplo, se podrá cambiar un rostro y ponerlo en otro cuerpo una, dos, 100 veces, y eso será un meme. Hacer una secuencia con una misma foto cada vez con más zoom, y aplicar el mismo proceso a fotos similares pero no iguales tres, cuatro o 1000 veces será otro meme. El meme es parte y nació en la cultura de foros, luego se extendió a blogs y a Tumblr (otra plataforma). -En un foro de Internet es importante no spoilear (castellanización de spoil, entendido como echar a perder algo, como contar el final de una película a quien no la vio), y en Taringa es valioso no colgar noticias polémicas, para evitar el forobardo; preservando en ambos casos la homeostasis emocional de la comunidad. -Las frases que se indican en ciertos espacios virtuales como “El blog se alimenta de comentarios” y “No alimente a los trolls”, parecen carteles de un zoológico extraño, sugerencias sin sentido; pero un usuario conocedor de la cultura que se despliega en los blogs sabe que el blogger escribe para ser leído y necesita algún tipo de feedback por parte de los lectores (de ahí el sentido de la primera frase); y cualquier forero sabe que todo intercambio de opiniones serio y respetuoso puede volverse lo contrario ante la participación de ciertos personajes, los trolls, que sólo buscan provocar, desvirtuando el diálogo entre los participantes, desviando el eje de la discusión y de la atención hacia su propia persona, nutriendo su figura con las respuestas de otros miembros ante sus injustificados dichos (de ahí el sentido de la segunda frase). Internet es un universo en expansión. En su movimiento, los usuarios generan leyes con el peso de la física, con la abstracción del símbolo y organizan la materia: las conductas, sean de acción u omisión, con seguridad, se vuelven reprochables o esperables –como dejar comentarios o ignorar a los trolls–; una práctica se repetirá, abstrayéndose en su conversión a concepto –como en el caso de los memes–; en Twitter, a través de los #hashtags, la información buscará ser agrupada, tras un numeral, en una palabra clave que condense el tópico en cuestión y permita rastrearla; y los usuarios de distintas redes integrarán grupos de acuerdo al tipo de uso y experticia en el manejo técnico de las herramientas virtuales, yendo de los denominados newbies (usuarios novatos) a los leechers (leech es sanguijuela en inglés, usuarios que se limitan a tomar lo que otros aportan a la comunidad, sin colaborar). Cada red tiene su singularidad. En 4Chan, por ejemplo, la solapada preferencia sexual de unos pocos usuarios llevó a la creación de un simpático meme llamado Pedobear, la imagen de un oso al que se lo ve acechando niños, como modo de burlarse de aquellos participantes que buscan y comparten material pedófilo. En esta nova creativa cada vez más elementos del universo cultural virtual pasan al real: hoy, se sabe que el emoticón o smiley es un conjunto de caracteres que manifiesta un estado de ánimo y que es un elemento más del mensaje. Tal vez mañana, dentro de las categorías de chistes, se consideren a los de Jaimito, los verdes y los de salón junto a los memes. <

Fantasmas en el Hospital de Clínicas

2011-08-14T10:12:00.001-03:00

Un aspirante a cazador del escurridizo conejo freudiano

2011-08-07T09:37:00.002-03:00

http://tiempo.elargentino.com/notas/aspirante-cazador-del-escurridizo-conejo-freudiano

Asestando su mira interrogativa a un blanco un tanto menos etéreo pero no por ello menos esquivo que en su célebre obra Tratado de Ateología, en donde dispara contra los monoteísmos, Michel Onfray carga sus tintas esta vez contra el padre del psicoanálisis, Sigmund Freud. La intención de Onfray en El crepúsculo de un ídolo. La fabulación freudiana es mostrar al psicoanálisis como un invento, una construcción, surgida de la cabeza de su propio creador y que sólo puede servir para explicar acabadamente la psicología de su pensador. Así, según el filósofo francés, conceptualizaciones como por ejemplo el Complejo de Edipo dan cuenta de la biografía de “Sigi de oro”, como era llamado por su madre el neurólogo vienés, antes que ser un constructo universalizable a la psiquis de todos. La arremetida no se limitará sólo a eso y para su exposición encarará distintos frentes, en un intento por atrapar a esa escurridiza presa que los psicoanalistas sacan de la galera para sus trucos de magia. Al conejo freudiano se le espetarán, entonces, municiones de diverso tipo y calibre a lo largo de casi 500 páginas, en las que se intentará echar luz sobre un psicoanálisis que en sus orígenes se evidencia como falaz y tendencioso, marcado en su filosofía por un fuerte pesimismo, políticamente conservador. Se mostrará, además, a Freud como un neurótico grave, esotérico, sin reacción ante los avances del fascismo y el nazismo, hijo edípico, marido adúltero y padre con deseos incestuosos, un hombre resentido, egoísta, codicioso y, quizás lo más importante, como un mentiroso.
No es la primera vez que se ataca al psicoanálisis y a su inventor. El caso más difundido en los últimos años tal vez sea el desabrido Libro negro del psicoanálisis, en donde de manera heterogénea, con muy variada calidad argumentativa y una pizca de lobby a favor de las Terapias Cognitivo-Conductuales, la mezcla de unas cuatro docenas autores intenta terminar con la vida del mismo animal que Onfray, a través de una receta editorial que, aunque anunciando apresuradamente el supuesto logro ya en el título de tapa, abarca mucho y poco aprieta.
Lo cierto es que desde hace tiempo se abrió la temporada de caza de las criaturas teórico-mitológicas que habitan en las madrigueras del inconciente, y aunque esta pueda parecer una práctica salvaje y sin reglas, hay que saber juzgar cómo cada practicante la ejerza. Por ejemplo: desviarse hacia el padre de la bestia, apuntar a la persona es, como se sabe desde la lógica, una falacia (ad hominem) y por lo tanto las indiscreciones de un autor no invalidan su obra. En ese sentido, la psicobiografía que despliega el ateólogo sobre Freud, no dice tanto de su validez como de su historia, no refuta ni confirma nada, sino que, a lo sumo, esclarece la génesis ideica. Lo rescatable de esa línea de análisis es que pone al descubierto la parcialidad de los hagiógrafos –celosos transcriptores de la palabra divina– como se lo denominará en el libro a Ernest Jones, biógrafo oficial de Freud. Una empresa más feliz sería calibrar la crítica, poniendo bajo tela de juicio a la teoría, su clínica y el corporativismo gestado tras ella, lo que supone un deber para todo pensador que intente arribar a un mínimo de certezas y no se contente con las versiones oficiales. Por suerte, Michel Onfray muestra que pese al desatino de la psicobiografía, él también es de esta ralea con precisión cuestionadora y compensa, parcialmente, el trastabilleo. Así, valiéndose de la inspiración filosófica que, al igual que su tocayo Foucault, reconoce en el tridente deconstructivo Nietzsche-Marx-Freud, empuña el cetro de Poseidón y arranca de forma provisoria la punta psicoanalítica propiamente dicha (no biográfica) para ponerla bajo lupa. Su potentísima crítica interrogará el ahistoricismo de las conceptualizaciones psicoanalíticas, los supuestos éxitos terapéuticos de la práctica, el manejo sucio y corporativo de la cúpula institucional, su posicionamiento político con los poderes de turno, y más. Otros señalamientos del francés resultan muy pertinentes para evidenciar el incuestionable crédito conceptual adeudado por el psicoanálisis con autores como Nietzsche, conexión jamás debidamente reconocida; omisión que se explica por las aspiraciones de un hombre que, renegando de la tradición filosófica, intentó ser reconocido como un científico hecho y derecho: esa es la hipótesis onfrayniana central sobre Freud.
Las respuestas no tardaron en hacerse escuchar. Élisabeth Roudinesco salió al cruce del libro con uno propio llamado ¿Por qué tanto odio?, en donde se limita a refutar unas contadas erratas (fechas, ediciones), además de hacer otra psicobiografía en donde tilda de antisemita a su contrincante. Es decir, se centra en poco, en lo menos importante, y de la manera menos adecuada.
Ni las críticas de Onfray ni el grupo de contraofensivas son concluyentes. Es decir, el primero cuestiona a alguien fallecido en 1939 y lo que este teoriza, y a su vez reivindica a Herbert Marcuse y Wilhelm Reich entre otros, considerados muchas veces como psicoanalistas apócrifos del corpus doctrinal por los del segundo grupo, que evidencian un psicoanálisis, hoy por hoy, fraccionado en distintas instituciones que hacen decir a Freud lo que para cada caso es más conveniente. Estos son los más escandalizados con una crítica que es poderosa en tanto sirve como herramienta para poner en duda lo instituido. Algunos volvieron al psicoanálisis su negocio y buscaron en su creador, post mortem, un sello de autenticidad. Desde la muerte del fundador, las pujas por legitimar cuál sería el verdadero psicoanálisis no cesaron y llevan ya dos o tres generaciones de involucrados. Con la hegemonía del psicoanálisis de corte lacaniano, desde Alain Miller, yerno de Jacques Lacan, contestando en 2006 al Libro negro del psicoanálisis con su Anti-livre noir de la psychanalyse, hasta Roudinesco en su tibia respuesta a Onfray, quienes se presentan como defensores de Freud no son psicoanalistas que se jacten de ser freudianos sino que su papel de interlocutores busca cortar de raíz cualquier movimiento crítico que, en un futuro, les pueda representar peligro. Quizás en un próximo libro el ateólogo les dé más motivos para estar inquietos, pero lo cierto es que aquí se mete sólo con Freud.
Esta última obra onfrayniana está dedicada a Diógenes de Sinope. Al igual que el cínico griego, el filósofo francés invita a despojarse de lo innecesario como, en su caso, hace con Freud (con quien en un primer momento se sintió deslumbrado). Despojarse de las certezas y reivindicar la duda es un requisito necesario de toda disciplina. Sin negros ni blancos, sin bandos, sin malos ni buenos. En esa dirección se mueve Onfray.

La inmovilidad absoluta en lugares insólitos como una de las bellas artes

2011-06-05T12:25:00.000-03:00

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En estas últimas semanas tomó notoriedad en los medios una curiosa tendencia denominada Planking. “Plank” significa “tabla” en inglés, y practicar “Planking” implica fotografiarse en posición horizontal, inmóvil, rígido como un tablón, en los lugares más insólitos, como el techo de un auto o el pasillo de un supermercado. Mientras más extraño y de difícil acceso o permanencia sea el lugar, mejor. Luego se comparte la foto a través de Internet, en foros o grupos de Facebook. Esa es la esencia de esta práctica, que no es nueva. El australiano Matt Fernández dice haberla inventando hace siete años, aunque mantiene una disputa con otros compatriotas que también se adjudican la invención.
En Inglaterra, a su vez, en un intento por combatir el aburrimiento, Gary Clarkson y Christian Langdon crearon hace 14 años el denominado Lying down game, el juego de recostarse, con características similares al Planking, que no tardó en popularizarse entre sus amigos y vecinos. Estas dos prácticas, que en definitiva son la misma, lograron masivizarse a través de las redes sociales, en especial de Facebook. Hoy por hoy, esta tendencia va recorriendo Europa y la inmovilidad de sus practicantes comienza a inquietar al mundo entero. ¿Por qué ahora y no antes, siendo que desde hace años existe el Planking? La causa es un desafortunado hecho ocurrido el pasado 15 de mayo. Esa madrugada, el veinteañero Acton Beale murió al caer desde un balcón en los suburbios de Brisbane, Australia, cuando intentaba recostarse sobre la baranda para lograr una foto de Planking.
La muerte del joven funcionó como un llamado de atención sobre los plankers. Medios de todo el mundo transmitieron la noticia con sorpresa e indignación ante esta muerte “sin sentido”, y hasta la premier australiana, Julia Gillard, salió a desalentar la práctica. Si pensamos que el Planking es una tendencia que, con discreción, fue sumando cada vez más adeptos en los últimos años y además lleva a que exista gente capaz de arriesgar su vida e incluso morir por una foto, entonces caratular a esta actividad como “sin sentido” es no intentar entenderla.
Quizás sea cierto que, de manera aislada, este juego de acostarse boca abajo sea un absoluto interrogante que parece no ofrecer pistas, pero tomando una práctica deportiva opuesta, el misterio empieza a caer. El Parkour es otra tendencia urbana, aunque mucho más masiva (existe incluso en la Argentina), que consiste en moverse de un punto a otro de un plano con la mayor fluidez posible.
Saltar de la terraza de un edifico a la del otro, rebotar por paredes y escaleras son imágenes lo suficientemente claras como para considerase opuestas a la inmovilidad del cuerpo sobre el piso, a la espera del flash.
Si bien ambas tendencias comparten el terreno urbano como campo de juego, mirando una y otra vemos que una requiere de destreza en el movimiento y la otra no, que una implica acción y la otra inacción. De manera objetiva, la habilidad requerida para saltos, piruetas y caídas es mucho mayor que la necesaria para permanecer quieto. Y también es mayor el peligro.
Pueden plantearse dos preguntas a partir de esto. Primero: ¿Es sólo la muerte de Acton Beale lo que enciende la alarma sobre el Planking? Y en contraposición: ¿Es sólo por su espectacularidad y belleza que el Parkour no despierta el miedo a que ocurra una desgracia?
Ver un ejercicio de Parkour despierta admiración. Quienes corren, saltan y trepan muros son artistas, son atletas muy singulares. Son sujetos que en un intento de autosuperación –este es el espíritu del deporte– logran con sus cuerpos un despliegue visual de armonía y fundición con el medio urbano.
El efecto conseguido a través del Planking es bien distinto. El cuerpo de un planker parece arrojado al piso, parece caído o dejado de manera casual sobre una superficie nunca pensada en su funcionalidad para sostener a esa persona. Así, el cuerpo recostado en el suelo no parece ser el cuerpo de un sujeto, de un hombre. Es más bien un cuerpo desubjetivado, borrado de su singularidad. Y las partes de este cuerpo no quedan dispuestas libremente sobre la superficie, al contrario: los hombros permanecen rígidos, los brazos y las manos sobre el costado, la nariz contra el pavimento. En las fotografías vemos una silueta con forma humana pero con un comportamiento diferente, sin mirada ni expresión. Más bien recuerda a un maniquí o un robot puesto allí por alguien con o sin intención, quizás olvidado. El rechazo en quienes son ajenos al Planking podría explicarse por una hipótesis sostenida en el campo de la robótica llamada Uncanny valley (valle extraño o inexplicable) según la cual, cuando un robot parece y actúa casi pero no a la perfección como un ser humano, eso provoca una respuesta de rechazo en el hombre. Mientras más se parezca, más simpatía generará, pero mientras más se acerque sin llegar a conseguirlo del todo, el efecto que emergerá será de extrañeza. Esta idea es compatible con el concepto freudiano de das unheimliche (“lo ominoso”), que explica la incomodidad ante aquello que resulta familiar y ajeno a la vez.
Otro arte urbano, el baile callejero, incorpora desde hace años este juego del hombre-máquina, con un movimiento muy popular denominado “el paso del robot” (llamado en menor medida del maniquí). En el Planking, el cuerpo y el lugar urbano son familiares, además en el contexto de la globalización cualquier elemento urbano resulta conocido, la forma de articulación de ambos es lo extraño. La foto se convierte en postal de una escena en donde el cuerpo es un elemento disonante en el paisaje, es resto de humanidad, representa incómodamente lo humano sin serlo. El planker es el sujeto que excede lo que muestra la foto y a la vez no, es sólo ese cuerpo. Lo humano queda del otro lado de la pantalla, frente a la computadora, disfrutando y compartiendo la imagen. Lo perturbador es que el Planking pretende alcanzar la singularidad borrando todo rastro de subjetividad. Y lo logra.

Tumblr: Pulsión Escópica

2011-05-25T00:01:00.002-03:00

En un intento por organizar la infinita cantidad de imágenes que uno saca de internet y sumado a la posibilidad de compartirlas, inauguro un Tumblr bajo el nombre de Pulsión Escópica. Queda el link sobre la derecha del blog.

Síntesis

2011-05-24T00:31:00.000-03:00

En el vidrio de una cantera popular estaba pegada esta imagen. El Topo Gigio, el ídolo de todos los niños junto a Ben 10.
Después uno se pregunta por qué Ricardito busca imitar a su papá. La cosmovisión radical no llega a integrar siquiera a la década de los 90', está clavada en el ochenta y pico. ¿Qué esperar entonces?.

El Hospital Alvear repudia la presencia de Macri

2011-05-10T19:53:00.000-03:00

Comunicado de los trabajadores del Hospital Alvear.

Simón

2011-03-15T08:33:00.002-03:00

Todo reclamo puede tener asidero mientras existan manos dispuestas a cambiar las cosas

2011-03-09T07:22:00.002-03:00

http://tiempo.elargentino.com/notas/todo-reclamo-puede-tener-asidero-mientras-existan-manos-dispuestas-cambiar-las-cosas

Este Feriado Nacional de Carnaval, el primero desde la vuelta a la democracia en 1983 ya quedará para la historia por el éxito que representa: en cada región del país se organizaron festejos, se montaron escenarios y hubo una inmensa masa turística que se movilizó, quedando cubierta en un 90% promedio la capacidad hotelera de distintas ciudades como Córdoba, Entre Ríos o Mar del Plata. Por su parte, diría que de forma sorpresiva, los medios hegemónicos dieron lugar a los festejos –o estos supieron ganarse su espacio– ya que no fue un simple “fin de semana largo”; se televisaron festejos de todo tipo, de los más disímiles en cuanto a estética: Corrientes, Jujuy y Capital Federal, por ejemplo.
Vale aclarar que el feriado nacional no salió de la nada, son muchos quienes venían reclamando su restitución. Ahora que institucionalmente, a nivel nacional, vuelve a tener vigencia, este hecho invita a preguntarnos sobre las formas de lucha por un reclamo y la legitimación que pueda tener en términos sociales: el Carnaval es de todos, sí, hoy por hoy todos los disfrutamos, pero quienes venían peleando por su restitución eran en su mayoría los mismos artistas populares que se suben al escenario para estas fechas, quienes haciendo un trabajo de hormiga buscaban –a través de sus canciones y haciendo referencia explícita en sus presentaciones– informar y concientizar sobre el significado de la fiesta popular y la importancia de su restitución. Puedo tomar de ejemplo a las murgas porteñas y sus actuaciones durante todo el año, en donde jamás falta alguna referencia a febrero; o la Agrupación M.U.R.G.A.S. con sus marchas, año tras año, pidiendo la restitución del feriado, y la recolección de firmas buscando apoyo durante el año pasado.
En la vida ciudadana siempre existirán desfasajes en cuanto el ejercicio de la ciudadanía a partir de un reclamo, la masivización de dicho pedido y la efectivización de un cambio. En la dialéctica de lo instituido y lo instituyente, lo determinado y lo que resultará determinante, los pasos que se siguen no son siempre iguales, los cambios pueden generarse “desde arriba” (Instituciones/Estado) o “desde abajo” (Sociedad). Posiblemente, con otro gobierno en el poder, los reclamos hubieran seguido de manera indefinida, el carnaval no hubiera tenido la vigencia institucional que a partir de ahora vuelve a tener, y los reclamantes del feriado serían vistos -en el mejor de los casos- como románticos, soñadores, o como unos nostálgicos incurables. Por suerte, siendo otra la realidad, quienes luchaban por el reclamo consiguieron que esta festividad, con su profundo basamento antropológico y social (tema que requeriría miles de líneas más) vuelva a ser una política de Estado. Y lo consiguió una –numéricamente– minoría, lo que nos enseña que todo reclamo puede tener asidero mientras existan oídos dispuestos a escucharlo y manos dispuestas a trabajar para cambiar las cosas.

Por un Circuito Nacional de Carnaval que refleje los matices de todas las regiones del país

2011-03-05T11:00:00.000-03:00

http://tiempo.elargentino.com/notas/circuito-nacional-de-carnaval-que-refleje-los-matices-de-todas-las-regiones-del-pais

En febrero se celebró el Carnaval, como sucede cada año en todo el país, pero con una gran diferencia: es la primera vez que, desde la vuelta a la democracia en 1983, la fiesta es contemplada dentro del calendario oficial de la Nación. Esto significa que este mes de marzo, lunes y martes de Carnaval recuperarán su carácter de feriado, que fue abolido al inicio de la última dictadura, a través del Decreto Nº 21329/76. Sin embargo, en cada rincón del país, los festejos no pudieron ser borrados del todo. De forma más o menos velada, el Carnaval siguió celebrándose. Incluso en algunos municipios y ciudades del interior, desde hace tiempo que el Carnaval es un día de festejo. Podemos citar a modo de ejemplo Jujuy, provincia que cuenta con un feriado para el lunes de Carnaval y un día no laborable para el martes. La fiesta popular trasciende calendarios y ordenanzas.
Si bien los festejos tuvieron un crecimiento exponencial, desde la vuelta de la democracia hasta la actualidad, no se había conseguido la restitución del feriado a nivel nacional, y esto es un triunfo inequívoco de la tradición carnavalera en el país, ya que sin importar la forma que tomen los festejos en cada región, no hay rincón en donde esta fiesta popular se pase por alto. Hubo muchos actores implicados en la restitución del feriado. Sin desmerecer a los actores, que desde distintos lugares del país pujaron de manera individual y colectiva por conseguir el reconocimiento Nacional de esta fecha, quiero destacar el papel de la Agrupación MURGAS, que nuclea gran parte de las murgas de la Capital Federal, las cuales participan del circuito de Carnaval porteño. Si bien la murga porteña fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, a partir de la Ordenanza 52.039 en 1997, los embates del proyecto macrista se hicieron sentir a través de reducción de presupuesto y cupos en la participación del Carnaval porteño, a nivel logístico y en su política de no negociación del espacio público.
En la Ciudad de Buenos Aires, rige desde el 2004 la Ley 1527, la cual aprueba la creación del Programa Carnaval Porteño, que entre sus objetivos tuvo la creación de la Comisión de Carnaval, encargada de la organización y reglado de los festejos, alrededor de los cuales se armó un sistema de evaluación artísticas de las murgas, que tiene por objetivo mejorar la calidad de los espectáculos que el público ve en los corsos y, a través de la colocación de puntajes, lograr un ordenamiento a la hora de cobrar el cachet por las actuaciones. Esto lo destaco por dos motivos: primero, para remarcar que el Carnaval y las murgas son una política de Estado del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, mal que le pueda pesar a algunos funcionarios; y segundo, para remarcar que, si bien no de manera muy difundida, las murgas son evaluadas por un jurado a partir de distintas categorías. Se evalúa canto, baile, vestimenta, lírica de las canciones, fantasía (dados, “cabezudos” y todo los elementos que son parte de la murga por fuera de los murgueros), y los desfiles. De esta manera se pone en juego la permanencia en el próximo Carnaval, en caso de no haber obtenido una buena calificación. Esto no dista mucho de lo que sucede en otros carnavales del mundo, como en Montevideo o en Cádiz. El Carnaval Porteño es un festejo organizado institucionalmente y que busca solidez en sus parámetros artísticos y conceptuales a través de instancias evaluativas. Quizás saber de este grado de organización del Carnaval en Buenos Aires sorprenda a algunos, ya que en los últimos años el fenómeno fue tratado de manera superficial por los medios, describiéndolo como un automatismo cultural que se disparaba en el mes de febrero sin entender ni preocuparse por indagar sus motivos de ser, ni el móvil que llevaba a cientos de murgueros a solicitar la restitución del feriado de Carnaval a nivel nacional.
No habría que pecar de ingenuos y reconocer en los medios y su cantinela de “los cortes de tránsito” o en la gestión macrista a los únicos enemigos del Carnaval porteño. Es cierto que no todos los corsos tienen el alcance deseado, en cuanto a la cantidad de personas que a ellos asisten, y que no faltan vecinos que se oponen al montado de los escenarios o se molestan con los ruidos. Lo mismo sucedía hace 70 años y mucho tiempo más atrás, ya que la historia del Carnaval en la Ciudad se empalma con la historia misma de nuestra Nación. Esta fiesta siempre es controversial, porque es un juego de excesos, un paréntesis en la vida cotidiana al que no todos saben jugar. Y en esencia es una fiesta pagana, antigua, con miles de años de historia. Por eso también es que los altibajos que una fiesta de este tipo pueda tener no deberían de-salentar a quienes lo festejan. Para ganar notoriedad, las murgas porteñas deben apropiarse del Carnaval como vienen haciéndolo, pero intentando ganarse los ojos y los oídos de los vecinos que todavía miran con desconfianza los corsos y prefieren quedarse en casa escuchando noticias sobre el “caos del tránsito”, noticias dichas por los mismos periodistas que hablan de los festejos de Carnaval con sorna y se refieren a los murgueros como si fueran inadaptados que se suben a un escenario, mal vestidos, a cantar de una manera desafinada. Para romper ese cerco mediático, el camino es el iniciado: seguir perfeccionándose, seguir definiendo la esencia artística de la murga porteña, ser rigurosos con la puesta en escena, mostrando que los murgueros son artistas populares y que saben brindar un digno espectáculo para después ganarse un merecido aplauso del público. Existen murgas muy buenas, pero también existen otras muy malas, y si hoy estamos celebrando un Feriado Nacional de Carnaval, la historia les pide a las murgas estar a la altura de las circunstancias y poder ser un digno partícipe más de lo que, a partir de ahora, va a ser el Carnaval del país. Desde Presidencia de la Nación se llamó “Carnavales Federales de la Alegría” a los festejos de este año; y ya se están organizando, en distintas regiones, lo que serán los primeros eventos con características de este tipo que recibirán a los turistas, interprovinciales o interbarriales, que podrán ver murgas de estilo porteño, comparsas, grupos de percusión y batucadas de estilo uruguayo, para nombrar sólo a algunas expresiones. Esto abre las puertas para que, en un futuro, pueda gestionarse un evento de mayor calibre: un Circuito Nacional de Carnaval en donde puedan verse murgas porteñas o mendocinas, comparsas de Entre Ríos, carrozas, y los actores que encarnan los matices que tiene el Carnaval en cada región del país. Un Carnaval verdaderamente de todos, un Carnaval federal que sea parte de un proyecto nacional y popular, lo cual es fundamental para cualquier construcción política, porque, como ya dijera Arturo Jauretche: “Nada grande se puede hacer con la tristeza.”

El arte, un trabajo compartido que promueve la libertad, contiene y cura

2011-02-09T21:55:00.003-03:00

http://tiempo.elargentino.com/notas/arte-trabajo-compartido-que-promueve-libertad-contiene-y-cura

Que Buenos Aires es un punto de referencia cultural en América Latina no es ninguna novedad, y que en esta ciudad abundan los centros culturales, tampoco. Los hay de todo tipo y en cada barrio, pero a varios debe sorprenderles que exista uno como el que voy a contarles. Este centro cultural funciona en el conocidísimo Hospital Municipal José T. Borda, en el sur de la ciudad, en el barrio de Barracas. Este hospital forma parte del imaginario popular, y es una referencia ineludible cuando popularmente se habla de locos y locura. “¡Un lugar de cultura en un hospital psiquiátrico!” exclamarán algunos, asombrados, a quienes el dato les parecerá una novedad; pero lo cierto es que esto no tiene nada de raro. ¿Se pregunta por qué? los motivos son sencillos:

Aunque el Centro Cultural Borda funciona oficialmente desde el 15 de septiembre de 2009, hace más de 25 años que un grupo de profesionales de este hospital, encabezado por el doctor Daniel Camarero, director del Centro, y la licenciada Graciela Booth, usan el arte como una forma de trabajo terapéutico. Trabajar con el arte implica una concepción distinta de la cura, donde el saber no es unidireccional (de profesional a paciente), sino que implica un trabajo compartido. Esta forma de trabajo abre la perspectiva, da más lugar al otro, lo hace partícipe. Por eso no resultará llamativo que para la existencia de este lugar, los mismos pacientes hayan colaborado con los arreglos, en la parte de instalaciones eléctricas, en la infraestructura, en la pintura. Ya desde el inicio el trabajo fue entre todos, compartido tanto por pacientes como por profesionales, en un franco sentido comunitario. Los profesionales participantes del centro cultural se definen como defensores del hospital público, del trabajo interdisciplinario, comunitario y fomentan la idea de elección, por fuera del condicionamiento y la obligatoriedad que suelen imponer las instituciones. Esas son las bases de su trabajo.

En este centro cultural se realizan distintas actividades, tanto con pacientes internos como externos, diagnosticados en su mayoría como psicóticos. Hay talleres de escultura, pintura, teatro, tango, guitarra y canto, taller de magia, “grupo de arte” (donde se trabaja la expresión corporal y la danza), de ritmo, de expresión plástica, de poesía y dibujo, de juegos reglados y creativos. Hay muchísimos, incluso llegó a formarse una murga y un grupo de rock y hasta hay un grupo de “Luthiers del Borda” que trabajan allí mismo.

El Centro es un lugar desde el cual se busca fomentar un lazo distinto, ya que forma una comunidad, un espacio de continencia, donde los roles están modificados en función de la creatividad y la humanización. El objetivo es el intercambio abierto, romper con los prejuicios, sostener las individualidades a partir del trabajo en grupo, así como también fortalecer a los pacientes, ejerciendo siempre la tolerancia. Así, el Centro Cultural abre la perspectiva a un plano que valora el existir por sobre el producir, la diversión como un valor en sí mismo, el arte como dador de sentido, como disparador. En el arte no hay discriminación, el arte invita, anima. Con esta visión trabajan aquí los profesionales.

Las actividades y los talleres que se desarrollan no son llevadas adelante sólo por profesionales de la salud: podemos nombrar el caso de Pedro, un paciente que colabora como maestro mayor de obra; o el caso de Eduardo, paciente externo que colabora filmando videos para el blog del Centro.

Para hacer crecer el espacio, se empezó a traer a gen te por fuera de la psicología o la psiquiatría, y así sumaron su aporte. Por ejemplo, se realizó un “taller de la risa”, y luego se transformó en un taller para trabajar la voz, con profesionales en este campo. Esto es, en sí mismo, otra forma de trabajar, ya que modifica a los propios profesionales, que tienen que interactuar con músicos, dibujantes y gente de otras disciplinas. La propia circulación del arte y de los mismos artistas modificó la dinámica, acentuó el trato abierto con los pacientes, produciendo un efecto importante; ya que a través de los grupos de trabajo se combaten los llamados síntomas negativos de la psicosis (caracterizada en el imaginario social por las alucionaciones y los delirios), como son la apatía, el embotamiento afectivo y el retraimiento social, para nombrar sólo algunos. Síntomas sobre los cuales es crucial trabajar para poder lograr un mejoramiento efectivo y sostenido del paciente, para que pueda integrarse a nivel social y, de a poco, ayudarlo a salir adelante.

El Centro Cultural Borda funciona como conector y ayuda a establecer vínculos entre las distintas áreas del hospital y el afuera. Por ejemplo, trabaja con la huerta del hospital, a cargo de la licenciada Araceli Sangronis, lugar donde se busca que los participantes aprendan sobre cultivo, y donde, al igual que en el Centro Cultural, tampoco hay un régimen de obligatoriedad con las tareas. La huerta empezó funcionando con el servicio 14-22 del licenciado Roberto Capielo, conocido actualmente como Servicio Esperanza, donde asistían pacientes adictos y ahora concurren también otros pacientes, incluso externos.

Institucionalmente, el centro cultural está conectado con la Facultad de Psicología de la Universidad de Buenos Aires. De esta manera, los alumnos de la Práctica Profesional “Hospital de día y problemáticas clínicas contemporáneas”, coordinada por los licenciados Osvaldo Delgado y Norma Fantini, pueden tomar contacto con las actividades que se desarrollan en este espacio de cultura y también aprender, de la mano de las licenciadas Graciela Booth y Emiliana Scaglione, cómo trabajan los agentes de salud que aquí se desempeñan.

En lo que respecta a proyectos, la idea de Daniel Camarero y su equipo es siempre crecer y sumar actividades. Actualmente se busca llevar adelante un taller de cine y se está realizando una obra de arte plástico-comunitaria. Además el equipo tiene mucho interés en organizar salidas y paseos a museos.

El centro cultural trae al paciente “la buena noticia”, la expresión del artista, lo nuevo, el saber, el compartir; de esta forma sintetiza el doctor Camarero el trabajo que se realiza. “La buena noticia” es una expresión que implica dos cosas fundamentales: novedades y cambios. Introducir novedades y con ellas lograr cambios, modificaciones, que se alcanzan con el arte. Y en verdad es una excelente noticia, tanto para la salud mental como para el arte, que exista un espacio como el Centro Cultural Borda.

É doce morrer no mar: Sentimiento oceánico, olas de vida y muerte

2011-01-19T10:57:00.008-03:00

1.
De vez en cuando pienso -¿para qué negarlo?- en dejar todo y empezar una nueva vida como pescador, en alguna costa, en algún pueblito portuario. El sólo pensar en la arena, el sol y la espuma me despierta una sensación de completud muy particular. Quizás sea esa sensación que Freud no logró capturar nunca, que intentó teorizar y, por eso mismo, jamás asió: el sentimiento oceánico, de inmensidad, de eternidad; tema sobre el cual mantiene un intercambio con Romain Rolland, donde casi jactándose afirma que nunca sintió algo así y que "no es cómodo elaborar sentimientos en el crisol de la ciencia"[1]

2.
Elijo el mar porque mis vacaciones infantiles más felices fueron en Mar del Plata, aunque los recuerdos inmediatos sean bastante traumáticos: cortarme con un vaso de plástico roto de Coca-Cola donde antes había metido a un cangrejo, perderme en la playa, un mini-tifón que vi desde la orilla mientras todos huían (en mi recuerdo era una clara huída), unos chicos burlándose de mí, un juguete que perdí. Creo que nada más. No, nada más. Aunque es probable que la mayoría de esos recuerdos sean inventados, lo que perdura pese al dolor es esa inmensidad que representa el mar, el poderío absoluto, su infinidad. También recuerdo una escena en donde una ola me lanzó por el aire y terminé colgado de la pierna de una persona cualquiera que, asustada, me preguntó si estaba bien. Me levantó de la arena con preocupación, pero yo tenía una sonrisa en la cara: la ola me había arrastrado varios metros con violencia, una violencia impredecible y que, en definitiva, yo buscada sin saber.

3.
En "Mar muerto", Jorge Amado expone la relación de los pescadores con el mar. O de Yemanjá con ellos, para ser más claro. Yemanjá es quien les brinda alimento, y eso se le agradece; pero es celosa, caprichosa, los quiere llevar consigo. Y todos la desean, con miedo pero la desean. Lo triste para la mujer que, en la orilla, esperaba la vuelta de su marido y su hijo pero se entera del hundimiento de la embarcación, no es la muerte en sí sino la fantasía de imaginar a padre e hijo peleando en el fondo del mar, peleando entre ellos por Janaína (otro de los nombres de la diosa). Que hayan muerto juntos, uno intentando salvar al otro, pero que una vez sin vida peleen por una mujer; eso es lo que desgarra a la viuda, no la muerte en sí.

4.
El mar es un destino. No es la forma de llegar a un lugar, aunque sirva para ello. Cada saveiro surca la superficie pero el enigma queda debajo, en lo profundo. En las profundidades se esconde el enigma que cada tempestad desatada deja entrever: una muerte segura pero bellísima, un llamado que se anuncia y al que se está tentado de responder, el halo de una belleza inaccesible que se ve en el mismísimo terror. La vuelta a lo más primario, un entierro (¿un en-aguao?) natural en el origen mismo de todo.
Después de la desesperación por la falta de aire, con resignación y casi sin conciencia, se entrega uno al destino. He ahí un encuentro unívoco. Es lo buscado, es el sentir la plenitud un mínimo instante, hasta el fadeout de la eternidad. Es el sentimiento oceánico en todo su magnificencia, resplandeciendo hasta que el fulgor salado nos ciega todos los sentidos.

5.
Hay una canción que es la banda sonora del libro. La cantan en el muelle, se escucha en las noches de mar calmo. Su título lo dice con claridad: é doce morrer no mar. Es dulce morir allí. La sirena del mar se lleva al marinheiro, canta Dorival Caymmi. Él se deja llevar. La vida va desapareciendo de a poco mientras la Princesa de Aiocá la consume, hundiendo al náufrago más y más en su reino.

6.
Esa profundidad, esa vuelta al origen que representa el mar para la vida, completa un círculo vital. Cada lado del plano circular, hacia izquierda y hacia derecha, son leídos en clave de vida y muerte. La naturaleza no deja otra forma de verlo. Y Freud tampoco lo vería distinto porque en definitiva él es hijo del discurso Moderno. Por ello mismo le interesó la forma de romper con ese circuito. El código de la muerte, en forma de pulsión, está instalado en nuestro organismo desde el origen y por eso considerará a la sublimación o -dicho de otra forma- a la cultura, como la forma de intentar detener lo más posible ese cáncer parsimonioso que es Thanatos. La sublimación como una tarea que vencerá a la muerte hasta que, sencillamente, nos toque morir.

7.
Sería una fácil lectura freudiana la de suponer vida, Eros, en esa comunión que representa el sentimiento oceánico. Pero lo cierto es que no hablamos de un movimiento de despliegue. Más correcto sería considerarlo un pliegue, por su cualidad de carácter unario. Y si opto por esa palabra en vez de unitario, es por referencia a einziger zug, lacaniana-e-institucionalmente traducido como rasgo o trazo unario (pero dejo aquí de lado las consideraciones específicas que, sobre esta traducción, puedan hacerse desde Lacan). Esta comunión puede considerársela como una identificación y como vínculo afectivo donde lo múltiple se vuelve único, donde se disuelven las diferencias. Si uno se permitiera reemplazar el lugar -en nuestro ejemplo- del Mar o de su Diosa por el de Líder, entonces el quantum libidinal está listo para inyectarse en el mecanismo identificatorio y hacerlo funcionar masivamente, explicando la Massenpsychologie, Psicología de las masas (y el análisis del yo, por supuesto). Einziger zug como la identificación total con el objeto; un yo que, en su intento por devorar amorosamente el objeto, termina siendo devorado por éste.

8.
El sentimiento de inmensidad en el intercambio con Rolland, mi sonrisa al ser arrastrado en la playa y la intriga culposa por las profundidades del mar son una forma de disfrute. De ése tan particular donde el Yo queda bajo el poderío de algo que lo excede. Ese placer se transformará, por ejemplo, en recibir azotes o en un incansable perseguidor imaginario, dependiendo de qué tanto nos implique y cómo se posicione el sujeto con respecto a esa forma de satisfacción; forma de satisfacción denominada Goce. El goce, caracterizado por una obligatoriedad del sentir, aquello que cala una profunda sensación cuantitativa en detrimento de la capacidad yoica por domeñarla. Aquello que toma cuerpo hasta exigirle sometimiento al sujeto. Aquello que está afuera llamándonos aún cuando no sepamos cómo nombrarlo, pero que por mera intuición seguimos sus rastros.

9.
Piera Aulagnier en "Los destinos del placer", de forma muy detallada, hace referencia al proceso de constitución subjetiva por el cual el ser humano se convierte en ser humano, incluso desde antes de ser atravesado por el lenguaje; siendo primero un organismo desvalido, constituyéndose a partir del amalgama que brinda la madre. El psiquismo del recién nacido será aquel "cuyo carácter esencial es no poder experimentar placer más que tomando acto de la existencia en la escena de la realidad del yo de otro"[2]. Un otro permite ese sentir.
Esta misma hipótesis que explica la constitución primaria sirve para entender esa sensación secundaria, aunque desde el inicio su núcleo esté clivado en nosotros: el mismo otro que presta escena para que, sólo así, podamos sentir placer en un principio, será el responsable de esa búsqueda obligada. El llamado de un goce que es del Otro. De un lado o del otro del círculo, posibilitando u obligándonos.
Por un lado, un sentir bello, de inmensidad, oceánico. O, por el otro, la ola que hace naufragar el saveiro y que se mete en los pulmones de los marineros para matarlos. Lo Uno, tanto al principio de la vida como en el ocaso. Lo bello y lo siniestro de enfrentarse al otro que habita en uno mismo. Lo maravilloso (y lo terrible) de encontrar lo que se busca, o lo terrible (y maravilloso) de estar impedido para encontrarlo. La unión perfecta con otro que nos habita, con uno mismo, hasta hacer innecesaria la prolongación del tiempo humano tal cual lo conocemos para adentrarnos en algo que está más allá, atemporal.
Quizás Narciso era marinero, quizás creyó ver a Yemanjá en el reflejo que le devolvió el agua. Tal vez pensó «É doce morrer no mar» mientras se hundía.

[1] Freud S., El malestar en la cultura. O. C. Amorrortu Ed. Buenos Aires, vol. XXI, pp. 65-66

[2] Aulagnier P., Los destinos del placer. Paidos, Buenos Aires, pp. 131

Foto: Paulina Nasser