Hi-fi e musica

Se sei un ricco pensionato, goditi la vecchiaia.

2015-02-09T11:10:00.001+01:00

Se avessi dovuto spendere i soldi necessari ad acquistare il nuovo (nuovo?) lavoro dei Pink Floyd, a quest’ora non sarei tanto sereno. Probabilmente starei pensando che mi sono stati rubati dei soldi. Probabilmente .
Andiamo con ordine. Un album e’una raccolta, curata e ordinata, di brani nuovi o rimasterizzati, o cover, oppure versioni live o alternate tracks. Questo “the infinite river”, disco dal nome vanamente pomposo, invece non è un album. E’un taccuino di appunti, in cui i pinkies hanno raccolto del materiale che-a loro dire- non aveva trovato posto nei dischi precedenti. Ci credo, o provo a farlo. Parliamo delle sensazioni che evoca: la prima e’di incompletezza, si percepisce chiaramente che sono tracce a cui manca qualcosa, nella maggior parte dei casi la voce, o parte di orchestrazione, e si sente. Altra sensazione e’quella di ascoltare un fantasma partorito da rifiuti del lavoro fatto su “ wish you were here”, uno dei lavori più belli dei PF, a mio avviso, un disco visionario, rivoluzionario, sperimentale, completo, bellissimo. Ma, nel 2014, i suoni che sono contenuti in “the infinite river” non possono essere definiti innovativi, non sono pop, sono suoni e atmosfere che si trovano in qualunque compilation tipo café del mar. Un disco di suoni chillout o lounge, ma senza personalità, senza beat, senza anima. Per cui vi sconsiglio di acquistarlo; ascoltarlo, per curiosità scientifica, si. E detto questo torno a battermi il petto insistendo sul fatto che sono e resto innamorato delle sonorità e delle atmosfere dei Pink Floyd, e che considero questa raccolta di appunti solo una bieca operazione commerciale organizzata dalla casa discografica per tirar su qualche palata di euro, tradendo la fiducia e le aspettative dei fruitori delle opere floydiane. Ci voleva altro, ci voleva un disco impattante come il già citato wish you were here oppure il sognante the dark side of the moon: nessuno penso si aspettasse qualcosa di epico e storicamente impattante come The Wall, ma questo The infinite river e’ proprio una delusione. E se sei in pensione e stai pensando ad altro, come collezionare costose auto d’epoca, non andare a solleticare i fans, non è onesto.

Christopher Hogwood, un ricordo

2014-09-25T11:08:00.003+02:00

E' scomparso il 23 scorso il M° Christopher Hogwood.
L'hanno definito il von Karajan del barocco e forse hanno ragione; padrone incontrastato per almeno un decennio della musica di quell'epoca, ha forgiato molti ad un certo gusto per la musica barocca fatta di perfezione formale e di eleganza.
Ascoltato dal vivo più volte, quel che piaceva in lui era l'essere sempre sorridente, sempre comunicativo, come se quella comunicazione attraverso il viso passasse agli strumentisti dell'Academy of Ancient Music che lo ricambiavano.
Inutile scrivere troppe parole.
Restano nella storia recente dell'interpretazione musicale il Messiah di Haendel da lui registrato negli anni 70 (e degli studi che hanno portato a quella esecuzione fece tesoro anche Colin Davis per la sua esecuzione di fine anni 60). Freschezza, comunicatività, accentazione, fraseggio accurato, spogliato da ogni espressione tetra, l'ascolto del Messiah di Hogwood scivolava e scivola via liscio, dall'Ouverture, passando per il Comfort Ye My People, per l'Oh Thou That Tellest Good Tidings, all'intensa aria He Was Despised, fino a giungere a quella meraviglia che è la fuga finale, il lunghissimo, bellissimo Amen. E le Sinfonie di Beethoven che a suo tempo divisero la critica in un nettissimo pro o contro; io ero e sono pro. Non sostituiscono quelle di karajan, ma vi si affiancano.
Ma certo non si possono dimenticare Vivaldi e l'Estro Armonico, l'integrale delle Sinfonie di Mozart, Telemann (altro autore con il quale Hogwood a mio avviso aveva un particolare feeling) e quella che per me resta la più bella esecuzione dei concerti per violino di Johann Sebastian Bach, con Schroder e Hirons ai violini. Ma anche molto altro.
Chiudo con una sola parola per il Maestro: grazie.

Domenico

Solo ... tra sessantamila! 3 giugno 2013, Bruce Springsteen a Milano

2013-06-04T11:26:00.003+02:00

Solo. Mi sono sentito solo. Eppure eravamo in sessantamila. Ma forse ho voluto sentirmi solo.

Capita spesso, quando si vivono sensazioni importanti, di sentirsi soli anche se intorno a noi c’è il mondo intero. E ieri sera, a San Siro, al concerto del “Boss”, al secolo Bruce Springsteen, solo mi sono sentito davvero.

Solo perché davanti a chi ti sa regalare tre ore e mezzo di spettacolo di tale qualità, non vedi più chi ti sta intorno.

Solo perché da ex musico, quando vedo altri che suonano e a quei livelli, tendo ad aguzzare tutti i sensi per godere appieno dello spettacolo, al punto di non capire più chi c’è e chi non c’è al mio fianco.

Solo perché le emozioni profonde non le so manifestare e già l’applauso mi sembra troppo, mentre gli altri applaudono, cantano, ballano.

Ma è difficile spiegare a parole cosa si provi durante un concerto come quello di ieri sera. Molto difficile. Ad ogni concerto, sia di musica moderna, sia di musica dei tempi passati, mi si rinnovano mille ricordi; la preparazione, le cosiddette prove; a volte estenuanti. I momenti prima di esibirsi, con le classiche verifiche del caso, del tipo “dunque, ho tutto con me? Le partiture? Un fazzoletto? Gli occhiali?” e poi l’emozione dell’uscita davanti al pubblico, quando il battito cardiaco ti accelera al punto tale da farti mancare il fiato. Poi bastano tre note e ci si calma e si va avanti sino alla fine del programma.

Solo che nei programmi di musica classica il pubblico non partecipa, se non emotivamente, ma resta muto e silenzioso sino alla fine.

Ieri sera il Boss ha trascinato la folla; e più la folla si faceva trascinare, più lui affondava il piede sull’acceleratore.

Tre ore e mezza volate in un attimo.

Dopo una prima parte, con brani tratti da sue opere più recenti, il Boss ha ricordato che la sua prima volta a Milano fu nel 1985, per “Born In The USA”; e lì è partito l’annuncio “ora vi suoniamo tutti i brani di quel disco”.

L’esplosione del pubblico è stata incredibile; un boato che è riuscito a scuotere anche me, che pure sono generalmente piuttosto tetragono ad ogni manifestazione pubblica di entusiasmo.

Trascinatore il Boss, con un gruppo di trascinatori che pure si divertono; la E-Street Band. Ma li comprendo; non esiste nulla di più energizzante del vedere un pubblico che ti risponde, che canta intere strofe al tuo posto, che conosce a memoria tutte le tue canzoni, che apprezza quel che fai. E il Boss questo lo sa benissimo.

Una promessa. Caro Bruce, quando torni in Italia (visto che ti piace tanto, come hai detto ieri sera) sarò tra i primi a comprare il biglietto. D’altro canto, tu m’insegni, non si vive di solo Bach!

Domenico

Signor Censore

2013-05-17T08:00:00.000+02:00

Marco Porcio Catone il Censore

14 anni. Avevo 14 anni quando ho comprato, in società con mio fratello Paolo, un disco di Edoardo Bennato che aveva per titolo: "Io che non sono l'Imperatore".
Tra le canzoni contenute in quell'LP, che ricordo ancora perfettamente dopo tanti anni (l'ha tenuto Paolo, io non ce l'ho), ce n'era una che da ieri sera continuo a canticchiare: "Signor Censore". Mai avrei pensato che, sebbene interpretato in modo un po' estensivo, quel testo l'avrei potuto scrivere o cantare io.
Ne riparleremo, credo.

Intanto, eccovi il testo:

Signor Censore - che fai lezioni di morale
tu che hai l'appalto per separare
il bene e il male, sei tu che dici
quello che si deve e non si deve dire...

Signor Censore - nessuno ormai ti fermerà
e tu cancelli in nome della libertà
la tua crociata
per il bene dell'umanità...

Signor Censore - da chi ricevi le istruzioni
per compilare gli elenchi dei cattivi
e buoni?... Lo so è un segreto
lo so che non me lo puoi dire...

Signor Censore - ma quello che nessuno sa
è che sei tu quello che ci disegna
le città... E poi ogni tanto
cancella quello che non gli va...

Signor Censore - tu stai facendo un bel lavoro
disegni case, strade e piazze
a tuo piacere, prima fai un ghetto
poi lo nascondi con un muro...

E mentre il ghetto si continua ad allargare
Signor Censore - tu passi il tempo
a cancellare le frasi sconce
e qualche nudo un po' volgare...

Signor Censore: tu stai facendo un bel lavoro
la tua teoria e che il silenzio è d'oro
prima fai un ghetto
poi lo nascondi con un muro...

E così mentre la gente continua
ad emigrare, tu sfogli i libri
e passi il tempo a cancellare le frasi
sconce, e qualche nudo un po' volgare...

E questa è la canzone:

A presto

Angelo Jasparro

Adieu Madame Alain

2013-02-28T11:47:00.005+01:00

Voilà une de ces nouvelles qui me donnent beaucoup de douleur.

Marie-Claire Alain est morte. Il me semble impossible qu’elle n’est plus avec nous. Elle était une compagnie fixe depuis mon enfance ; je l’avais retrouvée en concert plusieurs fois et je l’avais connue personnellement en 1981, à Saint-Mâlo où j’étais en vacance et où elle était en train de faire les preuves du concert du soir avec un autre Grand musicien mort en 2012, le trompettiste Maurice André.

Marie Claire Alain avait traversé tout l’art de Jean-Sébastien Bach plusieurs fois. Son interprétation de Bach était une sorte de résumé de l’expérience allemande des interprètes tel que Karl Richter et les nouvelles interprétations des baroqueux qui allaient s’affirmer dans le panorama de la musique d’orgue. Elle était la réconfortante tradition et en même temps elle était une nouvelle légèreté.

Elle était une personne très simple, sympathique ; je me rappelle que je lui parlais et je n’avais pas l’impression de me trouver face à un monument de la musique ; et elle était parmi les plus grands.

Il nous reste la grande quantité d’enregistrements qu’elle nous a heureusement laissé.

Domenico

Ecco una di quelle notizie che mi addolorano molto.

Marie-Claire Alain è morta. Mi sembra impossibile che non ci sia più. Era una delle mie compagnie fin dai tempi dell’infanzia; l’ho ritrovata spesso a concerto e l’avevo conosciuta personalmente nel 1981, à Saint-Malo ove mi trovavo in vacanza e dove lei stava facendo le prove del concerto serale insieme ad un altro Grande musicista morto nel 2012, il trombettista Maurice André.

Marie Claire Alain ha attraversato tutta l’arte di Bach più volte. La sua interpretazione di Bach era una specie di riassunto tra l’esperienza tedesca degli interpreti della scuola cui apparteneva Karl Richter e le nuove interpretazioni dei filologi che si andavano affermando nel panorama della musica per organo. Lei era la confortante tradizione ma nello stesso tempo era la nuova leggerezza.

Era anche una persona molto semplice, simpatica; ricordo che mentre le parlavo, l’impressione non era quella di trovarsi davanti a un monumento della musica: eppure lei era tra i grandi.

Ci resta la grande quantità di registrazione che ci ha fortunatamente lasciato.

Domenico

Wolfgang Sawallisch. Un ricordo

2013-02-24T21:57:00.003+01:00

Ieri si è spento il Maestro Wolfgang Sawallisch.

Ottimo direttore, capace di tenere l'orchestra come pochi altri, sempre elegante nel gesto, sempre ottimo nel risultato finale, con concerti che puntualmente a La Scala prevedevano lunghi applausi e urla di "bravo! bravo!". E sempre modesto.

Ricordo un concerto in particolare. Una sera, negli anni 70, con in programma la Dal Nuovo Mondo di Dvoràk e l'Also Sprach Zarathustra di Strauss. Un programma molto popolare, strafamoso, nel quale il Maestro seppe pennellare il colore orchestrale dell'Also Sprach come non ho sentito fare, per esempio, da Maazel. O quella dal Nuovo Mondo in cui nel secondo movimento la musica sembrava sospesa nell'aria e il quarto movimento era impetuoso eppure controllato in maniera minuziosa.

Ma in quegli anni il Maestro era spesso ospite a La Scala: Beethoven, Mozart, i due autori sopra citati, ma alla fine sempre lo stesso risultato eccellente.

Era considerato un minore, come molti consideravano Makerrash (da ascoltare la Terza e la Quarta di Brahms su Telarc per capire cosa sapesse fare Makerrash,come sapesse far suonare l'orchestra in modo quasi "corale", cosicché nessuno strumento risultasse neppure lontamente confuso; e dal vivo questa era la caratteristica che più colpiva), altro direttore morto quasi nel silenzio; peccato che chi li ha ascoltati veramente dal vivo non possa minimamente pensarlo.

Il Maestro Sawallisch non ha registrato tanto; preferiva il pubblico, preferiva il teatro dove preparava tutto minuziosamente, come era evidente per chiunque lo avesse visto sul podio.

E questo altro non è che un ricordo e un ringraziamen to ad uno dei direttori che, tra i "grandi", ho più spesso ascoltato, apprezzandolo sempre più.

Domenico

Audio Note Az Two; a volte le cose buone si dimenticano

2013-02-08T14:16:00.001+01:00

Le avevo viste nel negozio Sound Machine, di Stefano Serralunga, a Milano. Usate, vendute a prezzo modico. Riconate di recente. Mi avevano sempre incuriosito. Tanti anni fa, quasi venti, avevo avuto in casa le AN-E, sempre di Audio Note, ma con i Burmester che avevo allora il suono non mi soddisfaceva fino in fondo. Nel frattempo molte cose sono cambiate nel mio impianto domestico (come peraltro è cambiato il suono Burmester odierno rispetto a quello dei finali 878 e del pre 897 che avevo allora, ma questo c’entra poco con le Az Two) e più andavo da Stefano, più mi veniva voglia di mettere mano al conto corrente. La cifra richiesta era un terzo del prezzo di listino attuale e ora della fine, guarda oggi, guarda domani, le ho comprate e le ho issate sino in casa.

Collegate, mi sono trovato davanti ad una bella porzione del suono AN che conosco, un bel suono chiaro, con una facilità di emissione notevole; ma forse non le avevo “esplorate” a sufficienza e dopo qualche mese, causa anche un sovraffollamento di casse acustiche in giro per casa che mi impedivano una regolare convivenza con la mia Signora moglie e perché erano le più voluminose che avevo, ho pensato di disfarmene, vendendole ad un amico che le avrebbe date a suo fratello per ascoltare un genere di musica definito “tùnz-tùnz-tùnz”, quindi musiche da ballo o giù di lì (che sono poi quelle che io ascolto in auto, visto che sono un fedelissimo di Disco Radio). Poi, recentemente, il fratello dell’amico ha cambiato casa e le casse sono tornate libere e le ho ricomprate. In realtà, subito dopo averle vendute mi ero reso conto che erano entrare sottopelle e che ne avrei sentito la mancanza.

Comunque ora sono tornate a casa e sono collegate all’impianto.

La finitura è proprio economica ed anzi nella versione Cherry è anche piuttosto bruttarella anzichenò. Gli altoparlanti sono il consueto woofer in cellulosa tipico delle produzioni di Audio Note (è lo stesso montato sulla versione entry level della AN-E) da 8 pollici e un tweeter a cupola da 1,8 cm di diametro montato sotto il woofer. Il carico del basso è a tromba, come ci dice il produttore. Praticamente, guardando dalla grande porta posteriore, non si vedono gli altoparlanti che sono celati da un pannello che scende verso il basso della cassa, dove c’è una feritoia dalla quale le frequenze basse passano all’altra porzione di cassa acustica per poi uscire dalla porta posteriore. L’interno della cassa e tutto ricoperto di materiale smorzante. La morsettiera è predisposta per il bi-wiring. Alte 90 cm, sono dotate di punte da serrare.

Che dire? Che sono casse timbricamente sane, ben estese in frequenza, ma che soprattutto suonano con grande facilità. Quest’ultima è la caratteristica più evidente; uno ascolta e non si chiede se la dinamica ci sia o meno. Tutto fila via liscio, anche i contrasti più ampi (ovviamente riferito ad un ascolto in ambiente domestico; se avete una piazza d’armi rivolgetevi ai veri grandi sistemi a tromba, che quando ben posizionati e ben alimentati, non li batte nessuno) sono restituiti con facilità.

Le voci sono molto belle e comunicano un senso di verità che a questo prezzo uno non si aspetta proprio. Facili da pilotare anche perché piuttosto efficienti (93 db, secondo il produttore) non disdegnano l’amplificazione potente, ma lavorano bene anche con ampli di non esorbitante potenza. Le ricordo, ascoltate anni fa, amplificate con l’OTO SE di Audio Note, altro apparecchietto che terrei in casa molto volentieri (è forse l’Audio Note che prediligo). E sono corrette al punto che si sentono anche tanti piccoli particolari che spesso, con altre casse meno “libere”, restano un po’ costretti.

Valvole. Si, certo, nascono per andare con le valvole, ma non disdegnano anche amplificazioni a stato solido, purché non troppo spinte in alto e reggono tranquillamente massicce dosi di potenza, restituendo orchestre sinfoniche sufficientemente credibili, portando ad una rapida crisi gli ambienti meno curati.

Le ho amplificate con il duo Spectral (DMC12 e DMA50), con il duo Olimpia Audio Guglielmo II/Wyred 4 Sound ST 250 e devo dire che le preferisco con il secondo (così come mescolando le amplificazioni, preferisco il pre Olimpia Audio con il DMA50 piuttosto che il DMC12 con il Wyred 4 Sound). La pienezza del suono del preamplificatore Olimpia Audio dà maggior soddisfazione finale; diciamo che avvicina di più ad un suono “vero”.

Quanto al posizionamento, in casa mia, messe in angolo e orientate come dice AN il suono è un po’ gonfio sul basso; fermo ma gonfio. Preferisco una moderata e non troppo accentuata distanza dalla parete posteriore. E anche per l’orientamento, piuttosto che puntare davanti al punto d’ascolto, preferisco tenerle quasi parallele perché la scena sembra più alta e non si perde in focalizzazione di voci e strumenti.

Bi-wiring? Preferisco il mono-wiring; il bi ammorbidisce il suono. Se piace …

Comunicative. Questo l’aggettivo che mi viene costantemente in mente quando le ascolto. In una formale correttezza passa tanto del pathos della registrazione, rendendo godibile la riproduzione; e questo anche ai volumi infimi che si devono tenere dopo certi orari. Questi sono i diffusori passati per casa che meno di tutti sembrano nascondere anche a volumi bassissimi, da ascolto notturno.

Perché questo scritto e perché sul blog? Semplice: sul blog perché le casse acustiche sono mie personali e questo scritto perché ci sono apparecchi che non sono considerati e invece dovrebbero esserlo. Il che non vuol dire che tutti debbano avere le Az Two in casa perché ognuno resta libero di scegliere quel che gli pare; ma se c’è in casa un buon ampli (penso agli NVA, ai piccoli nostrani Syntesis, per fare degli esempi) non troppo potente, le Az Two possono essere papabili. Peraltro le si trovano, non senza qualche difficoltà, usate a prezzo basso. Quello di listino è un po’ alto se si considera la finitura (siamo sui 1700 € la coppia di street price, forse qualcosa meno), soprattutto la Cherry, perché la Black e la Noce danno un effetto di “meglio rifinito”, ma che alla fine dei conti, considerando il risultato, pare anche giustificato.

Insomma, un piccolo tributo ad un prodotto che mi soddisfa e che alla faccia di chi propala che AN debba andare solo con AN, io uso con un bel finale in classe D, vivendo felice e soddisfatto.

Saluti a tutti

Domenico

Delle JBL 4350 e delle lenti acustiche ...

2013-01-27T18:23:00.000+01:00

Antefatto: nelle fotografie dei miei diffusori, compresa quella che vedete nella testata di questo Blog, non compaiono le lenti acustiche. Coloro che non sapessero di cosa si tratta, potranno vederne una montata proprio sul mio diffusore. In un forum si polemizza da tempo contro coloro che ascoltano le 4350B senza montare le lenti, come se fossero sordi, soprattutto per opera di un professionista del settore, al quale non si può riconoscere una vastissima esperienza in tutto ... tranne che nell'ascolto delle 4350, evidentemente. Dopo averlo letto, altri ripetono la stessa cosa a pappagallo, senza avere la minima esperienza in merito. Si sa, negli ultimi anni l'hobby preferito dagli audiofili è quello di scrivere valutazioni audio sulla base delle fotografie.

Provo a dare qualche spiegazione, così magari in futuro eviteranno di fare altre brutte figure in pubblico.

JBL, a suo tempo, aveva emesso il classico bollettino tecnico, come per tutti i modelli professionali che metteva sul mercato. Non essendo un'azienda costituita da improvvisati, spiegava chiaramente quale fosse la funzione di ogni componente montato sul diffusore. A proposito della lente acustica, dice che la lente non aggiunge distorsione o risonanze all'emissione della tromba del medio-alto. Aggiunge inoltre che il suo scopo è quello di fornire una propagazione controllata dell'energia acustica in alta frequenza.

Facciamo mente locale sul posizionamento tipico di questi diffusori, nati per uso nelle cabine di regia degli studi di registrazione: In alto, verso il soffitto della sala e larghe, poste praticamente negli angoli. Ci sono decine e decine di foto sul web che lo dimostrano, basta cercare o aver messo piede in qualche studio di registrazione. Da qui l'utilità delle lenti, che dirigevano il suono verso le orecchie del sound engineer, seduto dietro al mixer, abbassandolo e diffondendolo sul piano orizzontale, per ovviare alla direttività delle piccole trombe. Quindi, una persona riflessiva, si potrebbe porre almeno due semplici domande:

- Come mai il sistema di fissaggio delle lenti è costituito da due sottili strisce di Velcro, così da poterle rimuovere o attacare in un batter d'occhio? Forse perchè in alcuni casi è opportuno non usarle?

- Se il possessore di questi diffusori li posiziona con la tromba ad altezza delle orecchie, è il caso di mettere davanti una serie di lamelle in plastica che ne deviano il suono?

Ho fatto ovviamente le mie prove, prima di decidere se lasciarle montate o meno e, per i più curiosi, descriverò il risultato delle lenti, nella posizione dei diffusori che vedete in foto. Lo farò in due parole, che l'argomento non merita di più.

L'immagine sonora crolla miseramente, portando cantanti e musicisti quasi al livello del pavimento, oltre ad ammassarli verso il centro.

Le trombe diventano immediatamente individuabili ed i suoni sembrano uscire direttamente dalle trombe.

La timbrica resta sostanzialmente invariata.

Quindi, per favore, limitatevi a parlare di ciò che conoscete direttamente, invece di fare i maestri di ciò che non avete sperimentato di persona.

OISEAU-LYRE e HAENDEL: Ode For The Birthday Of Queen Anne e Anthem For The Foundling Hospital

2013-01-13T22:35:00.001+01:00

Oiseau Lyre non è certo un'etichetta sconosciuta, né ai più, né, tantomeno, agli amanti della musica barocca e di Haendel in particolare.

Molti ricorderanno la freschezza dell'Handel diretto da Hogwood con la sua Academy of Ancien Music, la meraviglia che portava in sè la "prima" esecuzione filologica del Messiah. E di quel periodo è anche questa registrazione che io ancora ascolto con gran piacere, malgrado alcune posizioni un po' rigide che oggi possono renderla forse "superata". E' comunque figlia di un'epoca e mi piace parlarne.

Non tanto delle composizioni, che quando ben scrivo che nell'Anthem For The Foundling Hospital c'è l'Hallelujah che poi finì nel Messiah, forse non interessa che a pochissimi, ma di esecutori che hanno formato un gusto e hanno contribuito a rendere più leggera a piacevole da ascoltare la musica di Haendel.

Il Maestro Simon Preston, più noto come organista che come direttore vero e proprio, ma che comunque direttore di coro fu per davvero, qui cura molto il coro che di fatto restitisce una performance ottima, soprattuto le voci bianche e che accompagna il tutto con un'orchestra che accenta molto bene i tempi , senza però rendere il tutto stucchevole.

Il Coro del Christ Church Cathedral di Oxford che ancora oggi, pur con gli attuali componenti, meraviglia proprio per l'intonazione delle voci bianche, praticamente perfette, come mi ha dimostrato un Vespro monteverdiano ascoltato nel 2010 nella Cattedrale di Saint-Malo, in Francia. Non che le altre sezioni vocali siano da meno, beninteso: non lo erano e non lo sono e le direzioni di Preston prima e Cleobury poi hanno lasciato un segno tangibile proprio in quella perfezione d'intonazione e quella capacità di "insieme" che caratterizza un coro che ha una lunghissima tradizione.

L'Academy of Ancient Music, che sotto la direzione di Christopher Hogwood era cresciuta sino a diventare una delle più apprezzate orchestre barocche e che qui accompagna in modo un po' "manieroso" alcuni brani, ma che di fatto è stato uno dei pilastri di Oiseau-Lyre.

Dame Emma Kirkby, una sorpresa di quell'epoca: una voce leggera, quasi impalpabile, angelica, velocissima nelle frasi melismatiche, una cantante cresciuta in un coro e poi divenuta professionista con tanta musica antica alle spalle. Ancora oggi la Signora Kirkby resta un piacere da ascoltare.

Judith Nelson: l'ho commemorata qui sul blog lo scorso anno, quando se ne è annunciata la scomparsa. Fu seconda alla Kirkby, non perché lo fosse, ma perché offuscata dalla Kirkby e in questo disco dà prova di cantare altrettanto bene quanto la Kirkby, con un timbro forse meno particolare. Mai nel duetto nell'Anthem For The Foundling Hospitale è ben difficile, almeno per me, stabilire che sia meglio tra lei e la Kirkby.

James Bowman: il controtenore di Oiseau Lyre, colui che dopo Deller, Jacobs, Esswood ha continuato a cantare sino in tarda età (a dire il vero anche Esswood ha tenuto masterclasses in Oriente in età molto avanzata), dimostrando che con una tecnica di ferro anche i contraltisti possono cantare per tanti anni. Bowman pareva meno "meccanico" di altri, meno impostato, più portato a seguire l'andamento ritmico della partitura ed alla fine riusciva a risultare più piacevole di altri.

David Thomas che non ho mai amato particolarmente, ma che so esser stato molto apprezzato. Personalmente gli rimproveravo, dal vivo, troppe gigionate, tipo chiudere le frasi un'ottava sotto guardando il pubblico col classico sorrisino del tipo "visto che fico che sono?" e che invece era solo indica di una dote naturale.

Martyn Hill, un tenore leggero e piacevole da ascoltare, specialista di questo repertorio che però ha registrato non molto materiale.

Quel che resta, oltre alla sorta di rassegna di esecutori che in qualche modo, ognuno per la sua parte, ha accompagnato la riscoperta delle esecuzioni cosiddette filologiche, è una esecuzione ancora bella da ascoltare.

Dal punto di vista tecnico la registrazione ha meno dinamica di quanto siamo oggi abituati ad ascoltare dalle migliori registrazioni, ma tutto sommato ancora oggi si difende soprattutto dal punto di vista timbrico: le voci bianche sono spinte come lo possono essere dal vivo e se proprio devo trovare un appunto, i violini sono un po' troppo chiari e quindi aperti in alto ma mancanti del giusto corpo. Tutto sommato un prodotto ancora valido per gli amanti del repertorio.

Questo era il vinile:

La stessa esecuzione, insieme con l'Utrecht Te Deum e le musiche di scena per l'Alceste si trova anche in questo doppio cd:

Un saluto a tutti
Domenico

La zuppa di cipolle

2012-12-05T12:26:00.006+01:00

La zuppa di cipolle è un piatto notoriamente attribuito alla cucina francese; nella terra dei cucini "galli" viene sempre fatta gratinare, ma è anche vero che le minestre di verdura, di qualunque tipo, trovano legittimazione anche nella cucina povera e rurale dell'Italia dei secoli passati. Le cipolle erano sempre presenti in casa e così anche le patate, entrambi cibi poverissimi (ancora oggi tra i meno costosi in assoluto).

La differenza tra Francia e Italia è la farina che da noi veniva sostituita dalle patate o da nulla (quindi le sole cipolle).

Ecco come preparo la zuppa di cipolle.

Ingredienti (per 4 persone):
1 cipolla e mezza per commensale, di tipo bianco o dorato
1 patata
20 gr di burro
2 cucchiai d'olio d'oliva
pepe
tre foglie di alloro
un cucchiaio di salsa di pomodoro
1,5 lt brodo vegetale (o due dadi)

Per la presentazione del piatto:
pane a fette passato al forno
formaggio a cubetti (Gruyère, Sbrinz o simile)

Taglio le cipolle a metà e poi a mezzaluna, non troppo fini.
Dopo il taglio, le lavo in abbondante acqua fredda e corrente (le raccolgo in un colapasta e lascio che l'acqua le risciacqui, portando via parte del loro acido).
In una casseruola (preferibilmente di coccio) lascio sciogliere il burro, aggiungo l'olio, una "grattata" abbondante di pepe nero e le tre foglie di alloro.
Quando burro e olio sono caldi, aggiungo le cipolle che lascio appassire a fuoco lento, aggiungendo, dopo una decina di minuti, mezzo bicchiere di vino bianco che lascio poi sfumare.
Quando le patate sono ben appassite, aggiungo la patata tagliata a cubetti, il cucchiaio di salsa e il brodo fino a portare a cottura le cipolle; il tempo medio è di 45/50 minuti.
Poi con l'aiuto di un colino abbastanza grande (o a volte con il frullatore a immersione, soprattutto se ho fretta) trasformo il tutto in una crema, lasciando comunque che alcuni pezzi di cipolla restino interi.
Passate le fette di pane al forno per una decina di minuti, le adagio sul fondo di ogni piatto, lascio cadere sopra sopra le fette il formaggio a cubetti e poi copro con la zuppa bollente.
Spolverata di pepe rapida e via, a tavola.

Buon appetito!

Domenico

Boheme, Scala, 1979. Io c'ero

2012-10-21T19:18:00.004+02:00

Boheme

Cercando su youtube i video del M° Carlos Kleiber, alla ricerca delle prove del Fledermaus, mi sono imbattuto in questo video del quale ignoravo la realizzazione.Quando l'ho visto mi sono detto: ma io c'ero; mi aveva invitato nel palco Veronica, la sorella del M° Kleiber, che a quel tempo lavorava nel mio stesso studio, nella stanza accanto alla mia. E c'era anche un'altra mia cara amica, Paola Majno che tante volte ho citato e il cui ricordo porto sempre con me.
Riguardando il video non nego che mi è scesa più di una lacrima.
Lucia Popp, cantante ampiamente sottovalutata qui da noi, deliziosa voce e tecnica fermissima, morta troppo giovane. Il mio primo incontro con la potente voce di Luciano Pavarotti, anche lui passato a miglior vita, Rodolfo forse un po' sopra le righe, ma dalle vocalità potente e chiara, con quelle parole tutte perfettamente sgranate e comprensibili. E lui, il M° Carlos Kleiber, riservato, ma piacevolissimo conversatore del quale ancora conservo un piccolo regalo: una cartellina per tenere gli spartiti che tante volte ho usato quando cantavo, custodendola gelosamente.
Era la Scala dei grandi spettacoli, dei grandi nomi, delle produzioni faraoniche ed impeccabili; era la Scala ove il direttore provava fino all'inverosimile, dove i cantanti "temevano" di cantare in quel Teatro tanto selettivo (e anche un po' rompiscatole, se proprio vogliamo).
Rivedendo il video ho rivissuto quel momento; in quei "bravo" c'era anche la mia voce; e rivedendo il video mi sino rifatto la stessa domanda che mi feci allora; sciocca, forse, ma legittima. Come avrà fatto la Cotroubas a reggere quei due "Mimì" cantatile nelle orecchie da Pavarotti? Garantisco che erano potenti anche da lontano; figuriamoci da così vicino.
Ah, che bei ricordi!

Un saluto a tutti
Domenico

Editoriale "C'era una volta ... il forum"

2012-10-12T08:35:00.002+02:00

Ricevo una mail da un lettore che desidera rimanere anonimo e la pubblico integralmente:

"Salve,
scrivo in breve a commento all'editoriale di Angelo Jasparro "C'era...una volta il forum". Non desidero che i miei dati personali siano pubblicati. Se preferisce può anche non pubblicare il mio intervento, non m'importa.
Scusate anticipatamente se sono diretto.
Sbaglio, o anche lei Jasparro proviene da altri forum, dal momento che da anni ho letto con piacere sue recensioni e pareri "altrove"?
E ha anche un bel blog, come spazio personale di "libertà". Intendo ....critica un modo di fare del proliferare indistinto dei forum, ma anche lei ha sentito la necessità di fondare un nuovo portale e avere anche un blog.
Cioè quello che ha criticato in altri, alla fine lo ha fatto anche lei.
Personalmente capisco invece la sua scelta, come quella di altri. Vede...Ci sono state cose nei forum, specie in passato, che a me, semplice utente, e a molti altri, non sono affatto piaciute; mai mi sono iscritto a nessun forum, ma ho letto articoli cercando informazioni su elettroniche e a volte ho assistito a scene virtuali di pessimo gusto reale.
2 esempi: la "moderazione" su un forum che inizia(va) per a e finiva per -w, che talvolta prendeva immotivatamente a pesci in faccia, con pesanti illazioni personali, parecchi utenti;
il divieto di velinismo politico (per es. un tempo nel forum che inizia per v, e ha una h) se non fosse per il fondatore che apparteneva (e lo diceva a caratteri cubitali) al "tavolo permanente socialista europeo", in barba a chiunque non fosse di quella idea.
Vede, i forum oltre a veri esperti che davano buoni pareri, e oggi ci sarebbe solo "rumore di fondo", avevano anche errori di condotta da parte degli stessi gestori o moderatori.
Uno su tutti: trattare a pesci in faccia gli utenti come fossero minorati mentali, solo perchè magari non erano esperti in hi end, manco fosse chirurgia d'emergenza che salva le vite.
Al che per me erano valide allora e valgono oggi alcune massime.
Una, di Epicuro, il Lathe Biosas. Si sta meglio, veramente.
L'altra di Marx (Groucho, non Karl Marx Mordecai Levi)
"Non voglio esser parte di un club che persiste nel tenermi in considerazione come un 'membro' ".

cari saluti e in bocca al lupo per l'iniziativa"

Noto un po' di confusione. Sito, blog e forum non sono la stessa cosa. Infatti nel mio sito non v'è un forum.
Per il resto, non mi sembra di aver mai trattato nessuno a pesci in faccia, nè sui forum (che peraltro ho frequentato pochissimo negli ultimi anni), nè di persona. Chiedermi di rispondere del comportamento di altre persone, mi sembra vada oltre ciò che volevo esprimere nel mio editoriale.

Grazie per gli auguri!

McIntosh è italiana!

2012-10-08T18:33:00.000+02:00

Leggete qui:

http://www.audio-activity.com/news.html

Considerazioni sull'editoriale del 25/09/12

2012-09-30T13:12:00.003+02:00

Inauguriamo qui una sorta di "Lettere al Direttore"-
Pubblicheremo lettere ricevute in audio-activity.com, che riteniamo meritevoli di eventuali commenti da parte dei Lettori. Salvo indicazioni contrarie e nel rispetto della privacy, non pubblicheremo che i nomi degli scriventi.

Ho letto l'ultimo articolo di Angelo audio-activity
Nel mio passato di ascoltatore ho fatto le considerazioni dei prezzi e salvo alcune volte dettate dalla necessità di cambiare in meglio a condizioni umanamente accettabili, ho privilegiato maggiormente l'acquisto di dischi.
Oggi infatti vanto una discoteca (cd e LP) di circa 3000 dischi ed in ogni monografia di musicisti reperibile su radio3 o rsi, le scalette includono al 99% brani che ho nella mia discoteca quindi il best della musica. Oggi vedo che le Magico Q7 me le potrei permettere con un grosso sforzo ma cercare di avere certi dischi, quelli sì introvabili, sarebbe cosa molto più ardua e molto più costosa. Spero di aver contribuito ad aggiungere un elemento in più alla discussione.

Buon ascolto a tutti.

Lorenzo

Ricominciamo

2012-09-07T08:12:00.002+02:00

Già, si ricomincia più agguerriti di prima.
La formula di questo blog, che rimarrà aperto e presto si arricchirà di contributi, cominciava ad essere un po' stretta.
Ecco quindi che ho deciso di aprire un vero e proprio sito, tradotto anche in inglese, per allargare gli orizzonti.
Troverete lì tutte le informazioni ed anche il link a questo blog, al quale sono ormai affezionato.

www.audio-activity.com

Buona lettura
Angelo Jasparro

Che silenzio!

2012-08-27T07:27:00.001+02:00

Si, miei cari amici, mi devo scusare con voi per il silenzio di questo mese di Agosto.
E' che stanno succedendo un po' di cose nel settore dell'editoria hi-fi iitaliana. Non posso anticiparvi nulla, i giochi sono ancora parzialmente da fare ma credo proprio vi sarà una specie di piccola rivoluzione. Forse neanche tanto piccola. Praticamente è la classica calma che precede una tempesta. Se poi questa passerà sulle nostre teste senza scatenare la furia degli elementi, è cosa che verificheremo a breve. Al Top Audio si scopriranno alcune carte. Altre carte, forse, anche prima. L'unica cosa che vi prometto è che non vi annoierete ed avrete/avremo da discuterne di persona, sui forum, sui social network.
Per quanto mi riguarda, non sono stato con le mani in mano ed ho buttato giù un "progettino" piuttosto ambizioso. Anche in questo caso, vi chiedo un po' di pazienza perchè devo finire di mettere a punto un paio di particolari che non dipendono da me solo. Ci sono troppe cose in movimento ed alcune opportunità da cogliere.
Speriamo che da tutto ciò nascano o si sviluppino realtà più consone al mercato ed alle tendenze attuali, che il tempo di "svecchiare" la stampa di settore è giunto.

A presto. Molto presto.
Angelo Jasparro

LES CORNETS NOIRS e il tardo rinascimento ieri, a Milano

2012-08-04T09:56:00.000+02:00

Nel ciclo di concerti Milano ArteMusica, ieri sera era previsto il concerto del gruppo svizzero Ensemble Les Cornets Noirs. In programma musiche del tardo rinascimento e del primo barocco raggruppate in un concerto a nome Echo e Risposta.

Il gruppo è composto da due cornetti, una dulciana, un trombone, due violini e due organi. La chiesa di Santa Maria della Passione, in Milano, si presta benissimo a questi repertori posto che ha due cori, ovvero due organi contrapposti che nascono proprio per quei concerti detti "a due cori" ove i due strumenti giocano tra loro, "rispondendosi".

L'Ensemble Les Cornets Noirs era quindi diviso in due gruppi, uno alla destra e uno alla sinistra dell'altare e il gioco era proprio quello di proporre le frasi musicali a turno, prima il gruppo a destra e poi quello di sinistra, con l'aggiunta dell'eco, ovvero dello strumento che risponde che suona piano e spostato all'indietro, così da far apparire il suono come proveniente da lontano.

Il programma comprendeva parecchi autori: Becker, Trofeoz, da Viadana, Re, Marini, Scheidt, Castello, Corradini, Gussago, Rossi e Staden.

Il cuore del concerto era ovviamente il suono del Cornetto, strumento antico popolarissimo fino a tutto il barrocco e poi caduto in disuso; un legno dal suono mordibo eppure potente, agile ma anche suadente e ieri ce n'erano ben due, suonati entrambi benissimo, senza quei problemi che caratterizzavano i primi tentativi d'uso di quello strumento da parte dei primi gruppi specializzati, o filologici, come accadde ad un concerto dell'Early Music Consort diretto dal troppo prematuramente scomparto David Munrow; in quel caso i suoni frono poco piacevoli con anche parecchie stonature, stonature che ieri sono state completamente assenti.

Com'è stato il concerto? Bellissimo. Prima di tutto gli strumentisti parevano i primi a divertirsi. Mai visto tanto sorriso da parte di strumentisti evidentemente consci della propria bravura e felici di suonare quella musica tanto affascinante.

Loro sono bravissimi, si muovono molto e con gesti ampi per "darsi il tempo" tenendo conto della grande distanza fisica che c'è tra un coro e l'altro, ma malgrado questi movimenti ampi non c'è mai stato nessuno scoordinamento ed anzi tutto è filato liscio per tutta l'ora e venti della durata del concerto. La musica è da ingordigia; bellissimi i brani, belle le "invenzioni" dei compositori, splendido l'impasto timbrico.

Il concerto di ieri è contenuto in un SACD con lo stesso titolo del concerto, proposto dall'etichetta Audite che in parte ripropone quanto ascoltato ieri, fatto salvo che una chiesa resta una chiesa e un impianto hi-fi in una casa resta un impianto hi-fi in una casa: a casa resta la bellezza, ma manca un po' di emozione.

Ovviamente il costo era il solito di 10 €; spesi benissimo anche in questo caso.

Entusiasmo del pubblico e bis, con anche la discesa avanti al pubblico del gruppo per un sentito ringraziamento reciproco.

Un saluto
Domenico

Il Flauto barocco a Milano; Ensemble Estro Cromatico

2012-08-01T12:18:00.002+02:00

Ieri sera, nella chiesa di San Bernardino alle Monache, in Milano, si è tenuto il concerto del gruppo strumentale dell'Ensemble Estro Cromatico.

In programma sonate in trio e musiche per flauto e b.c. di Arcangelo Corelli, G.F. Haendel, G.P. Telemann e di Francesco Maria Veracini, oltre alla toccata, eseguita al clavicembalo solo, BWV 916 di Johann Sebastian Bach.

Che dire? Che siano bravi è poco. Non un attacco fuori tempo, un gioco d'insieme di grande livello, a volte spettacolari i tempi tenuti, tempi che apparentemente sembravano avvantaggiare il bravo flautista, ma che in realtà, ad orecchie più attente, rendevano evidente il lavoro d'insieme proprio nel basso continuo, con la violoncellista sempre perfettamente in tempo e chiarissima nel fraseggio; non che il cembalista fosse da meno.

Molto elegante l'esecuzione della toccata tripartita di Bach: gusto per la scelta dei pur minimi "rubato" e una diteggiatura chiarissima che ha reso ancor più evidente l'inventiva bachiana.

Riconfermo, se mai ce ne fosse bisogno (e la chiesa stipata di ieri sera lo dimostra) che i concerti di Milano ArteMusica sono veramente degni della massima attenzione, ancor più considerando i 10 € necessari per accedervi.

Chiusura con applausi fragorosi per un gruppo giovanile ma ormai maturo, con anche la concessione entusiastica - da parte del gruppo, forse sorpreso da tanto (giustificato) calore - di due bis.

Grande musica, con un grande gruppo.

E venerdì si ripete con musiche per cornetto, con il gruppo Les Cornets Noirs in Santa Maria della Passione ove probabilmente i due cornetti sfrutteranno i due cori già presenti per interloquire tra loro e rendere ancora più spettacolare la resa di questo particolare strumento.

Un cordiale saluto
Domenico

20.7.2012. De Machaut e Hilliard a Milano

2012-07-21T12:05:00.001+02:00

Ieri sera, nella basilica di San Simpliciano, l'Hilliard Ensemble ha tenuto un concerto con in programma la Messe de Notre Dame di Guillaume de Machaut, frate francese nato nel 1300. La Messe de Notre Dame è nota per esser stata la prima messa integralmente attribuibile ad un singolo e certo compositore, oltre ad essere stata la prima integralmente a tre voci (per le quattro voci si sarebbe dovuto attendere Guillaume Dufay, qualche tempo addietro).

Pensavo ci trovassimo in una ventina di persone; in realtà San Simpliciano, chiesa piuttosto ampia, era piena. Avanzavano forse una decina di sedie verso il fondo. Il pubblico è stato in silenzio ed attento per la durata del concerto (circa un'ora e tre quarti), malgrado il repertorio, affascinante certamente, non fosse dei più facili.

La messa è stata inframmezzata da responsori di autori anonimi, probabilmente tratti dai canti processionali di Santiago de Compostela.

Quel è certo è che l'Hilliard Ensemble ha dimostrato di essere sia vocalmente, che nel gioco d'insieme, ai massimi vertici odierni. Non un attacco errato, intonazione perfetta, voci sufficientemente potenti da poter essere ascoltate senza sforzo alcuno in ogni angolo della chiesa, anche il più remoto e soprattutto una dizione chiara (con qualche concessione a quello che io chiamo il latino tedesco, ovvero il benedicimus che diventa benedizimus). Forse stilisticamente avrei gradito qualche mordente in più sulle note acute, in omaggio all'arte araba che ai tempi aveva una sua forte influenza sulla cultura musicale continentale. Ma francamente, come si suol dire, "grasso che cola".

Alla fine del concerto, quale bis e forta della sua collaborazione ormai lunga con il compositore lettone Arvo Part, l'Hilliard ci ha regalato un'anteprima di una composizione del buon Part, dimostrando, semmai ce ne fosse bisogno, che loro "sanno" come si affronta il repertorio moderno: perfetti nell'intonazione delle dissonanze tipiche del Part vocale, perfetti nei pianissimo, perfetti nei forte. La standing ovation finale ha dimostrato che il pubblico ha gradito.

Un grande concerto, con un repertorio poco frequentato, con un gruppo di rinomanza mondiale e il tutto per 10,00 €. La stagione di concerti Milano ArteMusica regala momenti di grande bellezza, il tutto a prezzi assolutamente sopportabili.

Qui una foto dell'Hilliard fatta ieri sera, a fine concerto, con un "infltrato" (a dire il vero sono due, che ci sono anch'io, ma ero vestito di nero, come si conviene ad un ex cantante e sono un po' mascherato nel gruppo).

A presto
Domenico

Judith Nelson, soprano. 1939 - 2012

2012-07-20T09:51:00.004+02:00

Il 28 maggio scorso, nel silenzio più totale, è scomparsa la soprano americana Judith Nelson. L'ho appreso ieri, dopo aver acquistato la rivista francese Diapason che ne ha dato la notizia.

Judith Nelson è stata una delle più importanti interpreti del repertorio barocco insieme con altre colleghe note come Barbara Schlick, Jill Feldman, Nancy Argenta, Emma Kirkby.

La Nelson, discograficamente parlando, è stata prolifica, almeno al pari delle altre, ma in qualche modo ha pagato il confronto proprio con la Kirkby che divenne immediatamente più popolare di lei. Basti ricordare il Messiah diretto da Hogwood, ove tutti ricordano la Kirkby ma meno la Nelson. Ed è un peccato perché la Nelson, pur senza essere una fine interprete del testo cantato, come lo è la Kirkby o come lo fu la Schlick, era una cantante dotata di un ottimo mezzo, agile, intonato e anche discretamente potente: la ascoltai dal vivo e lei, che non cantava con lo stile gentile della Kirkby che non spinge mai oltre certi limiti, era in grado di lanciare potenti acuti che facevano risuonare le volte della chiesa.

Ha lasciato, oltre al citato Messiah, la sua partecipazione in alcune altre registrazioni di Haendel sempre sotto la direzione di Hogwood (le musiche di scena per l'Alceste, l'Ode per la nascita della regina Anna, l'Anthem For The Foundling Hospital), oltre a Haydn (Messe), nonché registrazioni di pregio per Harmonia Mundi come alcune cantate d Haendel interpretate sola o in duo René Jacobs e le Léçons des Ténèbres di Couperin e quelle di Charpentier, sempre con Jacobs e con Junghenel.

Un grande dispiacere nell'apprendere della sua scomparsa: è morta dopo aver vissuto per anni con l'Alzheimer. Aveva solo 72 anni. Che riposi in pace.

Qui il link al video del Messiah di Haendel nell'esecuzione di Hogwood. La Nelson canta a min 0.37,10 nel recitativo There Were Shephards e nel successivo recitativo arioso And Low The Angels Of The Lord, por poi, dopo il Glory To God del coro, affrontare l'aria Rejoice Greatly.
http://www.youtube.com/watch?v=1-aaEkdKssE

Un saluto
Domenico

Siamo tutti audiofili?

2012-07-20T08:46:00.004+02:00

Cominciamo col dire che l'aggettivo "audiofilo", nel vocabolario italiano, non esiste. Potete trovare la voce su Wikipedia ma, si sa, senza nessuna pretesa di autorevolezza, in quanto chiunque può scrivere qualsiasi cosa, fino a prova contraria. Questa la spiegazione, testuale:
"Con il termine Audiofilia si intende la materia che studia il miglioramento della musica riprodotta da apparecchiature elettroniche in ambiente domestico, da parte di un appassionato audiofilo."
Vi risparmio il resto della descrizione, che è abbastanza ridicolo.
Personalmente uso il termine con connotazione vagamente dispregiativa e non per snobismo, come qualcuno ha detto ma semplicemente perchè metto la musica davanti al resto.

La parola deriva probabilmente dalla nazionalizzazione del pari termine anglosassone. Se si tratti di un neologismo diventato ufficiale, in questo caso, non saprei davvero.
Bando alle ciance, vi voglio raccontare l'ultima visita di un "audiofilo" presso la mia sala d'ascolto. Giunto che fu con zainetto d'ordinanza, pieno di CD, si è subito accomodato sul mio divano, con le orecchie tese al particolare.
Dopo il primo sguardo ai componenti afferma: "Sicuro che quei finali vadano bene coi tuoi diffusori"? Ho già capito, questo è arrivato convinto che il mio impianto suoni in un certo modo e non cambierà idea neanche se gli attacco un equalizzatore e stravolgo tutto.

Vi confesso che sono sempre curiosissimo di vedere cosa usano le persone per effettuare i loro ascolti, che già dall'inventario della loro "materia prima" comincio a stilarne un ritratto di massima.

Segue qui ...

Colpa dell'Hi-End?

2012-07-17T16:14:00.000+02:00

Ecco ciò che scrive Paolo su un forum:

"LA COLPA E' DELL' HI END !!!!!!!è un po' che ci penso: quando c'erano gli ampli NAD 3020, Pioneer SA 8500 II, Sansui ecc.. ecc... c'erano anche i controlli di tono. Se uno voleva un suono più gonfio metteva il loudness o aumentava un pelino i bassi.

Se invece voleva il suono chiaro e frizzante aumentava gli alti.

Se infine gli piaceva il suono sparato metteva il loudness e alzava ancora gli alti

Oggi invece per colpa dei prodotti ESOTERICI del piffero, SENZA CONTROLLI DI TONO, per cambiare timbrica si deve:
- cambiare testina
- cambiare braccio
- cambiare base giradischi
- cambiare CDP
- cambiare DAC
- cambiare meccanica CD
- cambiare cavo di segnale
- cambiare cavo di potenza
CAMBIARE TUTTO!!!"

Proverei a spiegare che l'alta fedeltà deve tendere alla fedele riproduzione dei suoni. Se uno vuole un suono più gonfio o più frizzante, cambia arbitrariamente il risultato. Nulla di male, per carità, se usiamo lo stereo per far ballare gli amici è d'obbligo aumentare il livello degli estremi banda.

L'elenco delle cose riportate da Paolo non dovrebbe avere lo scopo di cambiare timbrica ma quello di avvicinare il suono alla maggior fedeltà. Non si cambia testina come si cambia un vestito. La si cambia perchè si può preferire un modello al posto di un altro in determinati frangenti o con determinati generi musicali ma non perchè suona diverso; la si cambia perchè suona MEGLIO quel genere.
Il cambio di un apparecchi non dovrebbe servire per avere più bassi o più acuti ma per ottenere un suono che è composto da mille diverse sfumature; piccoli dettagli, ricostruzione della scena, senso di realismo. Tutte cose che non si ottengono ruotando un potenziometro, nè equalizzando col più moderno DSP.

E comunque il discorso di Paolo è coerente: se uno "mette il loudness ed aumenta ancora gli alti" non ha certo bisogno di un impianto hi-end.

20.7.2012 - Guillaume de Machaut a Milano

2012-07-16T14:13:00.002+02:00

Nell'ambito della stagione concertistica Milano Artemusica, il 20 luglio 2012, ad ore 20,30, nella Basilica di San Simpliciano (C.so Garibaldi), l'Hilliard Ensemble eseguirà la Messe de Notre Dame di Guillaume de Machaut, compositore francese del XIV secolo.
Il programma non è di quelli più popolari ed eseguiti; val la pena di pensarci.
I biglietti, del costo di 10,00 €, si acquistano o presso la Segreteria della Parrocchia di Santa Maria della Passione, in via Conservatorio (da lunedì a venerdì, dalle 9,30 alle 11,30), oppure da 40 minuti prima dell'inizio del concerto.
Questo il sito della stagione: http://www.lacappellamusicale.com/mam2012.htm
Buona giornata
Domenico

Jean Gilles, Requiem: la morte allegra

2012-06-16T13:35:00.002+02:00

Jean Gilles è un compositore dell'epoca barocca, francese, molto noto ed apprezzato ai tempi che ebbe l'idea di comporre un Requiem talmente reputato all'epoca da essere poi eseguito per ogni funerale di personaggi importanti. Si narra che la sua popolarità fu minata solo dall'arrivo di quello di Mozart (ecco perché scrivo di Gilles, posto che ho appena scritto di Mozart).

L'esecuzione in mio possesso è quella di Philippe Herreweghe su etichetta Harmonia Mundi (Herreweghe ne fece una in precedenza per la Archiv, ma prefrisco quella di HM). La cosa che lascia immediatamente perplesso chi ascolta è il lungo rullo di tamburo, ben cadenzato, che inizia l'opera: dovrebbe quindi essere il tamburo che scandisce il passo dei portantini che trasportano la salma dall'ingresso del Tempio al catafalco. Poi inizia un Requiem Aeterna cantato dal tenore, con un accompagnamento d'archi anch'esso piuttosto cadenzato e al termine del Requiem Aeterna inizia la meraviglia: l'Et lux perpetua è affidato al duetto soprano/basso ed al coro ed è un allegro piuttosto veloce, che tutto pare fuorché un brano tratto da un Requiem.

E qui secondo me sta la bellezza del Requiem di Gilles, che non si limita all'Et lux perpetua. Ogni opera si presta a mille interpretazioni da parte di ognuno di noi; e nella contrapposizione con l'esecuzione di Harnoncourt del Requiem di Mozart, qui, in questa partitura e con questa direzione, si ha l'idea della gioia del trapasso, della fine delle terrene tribolazioni e della gioia nell'esser giunti a caminare tra i Verdi Pascoli del Paradiso.

Non mi sto a dilungare più di tanto. Il CD è regolarmente reperibile in tutti i negozi nella serie a basso prezzo Musique d'Abord di Harmonia Mundi. Chi ho incuriosito con questa visione gioiosa della morte, saprà dove andare a fare l'acquisto. La registrazione, poi, è di quelle da manuale.

Un cordiale saluto

Domenico

Mozart, Harnoncourt e il Requiem

2012-06-16T12:53:00.001+02:00

Correva l'anno ...

Era il 1982 ed il buon Harnoncourt decise che era giunta l'ora di lasciare fissato nei solchi di un lp il suo pensiero sul Requiem di W.A. Mozart.

Quel Requiem, reso ancora più "inquietante" dalle scene del film Amadeus di Milos Forman, aveva bisogno di una revisione, di una "svecchiata" e Harnoncourt (affettuosamente detto Harno) prese la palla al balzo e con il suo Concentus Musicus Wien, qualche musicista aggiutivo, il coro di Stato di Vienna, il soprano Rachel Yakar, il mezzosopranoo Ortrun Wenkel, il "tenore di sempre" Kurt Equiluz ed il bassso Robert Holl registrò la sua prima versione del Requiem.

Detto che i solisti sono tutti molto bravi e con delle voci molto belle (correttamente angelica la Yakar) e che Equiluz anche qui ha il suono al quale ci ha abituati nel ciclo delle Cantate, delle Passioni e degli Oratori bachiani sempre con Harnoncourt, con anche quel modo di emettere il suono in "forte" già all'attacco, così caratteristico e rinonoscibile, quel che colpisce in questa esecuzione è la tensione che, tramite un'accentazione dinamica portata quasi all'esasperazione, dà un senso di disperazione, certo di terrore per il passaggio dalla vita terrena a quella, ignota, dell'Aldilà.

Sin dall'attacco del Requiem Aeterna questa senzasione di paura è presente, per giungere tale e quale al Lachrimosa (bellissimo, quasi lacerante). La cosiddettà seconda parte, ovvero quella portata a compimento dall'allievo di Mozart Franz Sussmayr e che si dice parta con il Sanctus, ha un'aria parecchio diversa: non so, ma più ascolto la direzione di Harrno e più mi par di sentirgli dire "ecco, dopo il Lachrimosa si dice che Mozart sia morto. La paura di Mozart è finita e ora Sussmair è un'altra persona, con una diversa concezione della morte e quindi cambio registro".

Io sono maleducato, lo dico smpre. Quando assisto al Requiem di Mozart, forse complici anche le immagini del film di Foreman, con il Genio Mozart gettato in fossa comune, quasi la sua genialità fosse stata incompresa dai suoi coevi, mi alzo dopo il Lachrimosa e lascio la sala. Ognuno ha le sue piccole manie ed una delle mie è proprio questa.

La registrazione la si trova, non senza quale difficoltà, nell'originale vinile di Telefunken e riversata in CD nel catalogo mid-price della Elatus. Metto entrambe le foto, cosicché non si confonda questa esecuzione con altre successive di Harnoncourt che però non mi paiono mantenere la tensione emotiva che ha questa, che rappresenta proprio una diversa visione rispetto ai vari Gardiner, Hogwood ecc per i baroqueux o Karajan, Celibidace, Davies o Bernstein per i moderni.

Visto che il blog si chiama Hi-Fi e Musica, un accenno anche alla tecnica che è valida, con solo quale effetto di spostamento di alcuni elementi che saltuariamente prendono il sopravvento.

Un cordiale saluto

Domenico